Sculpture du Parthénon Musée anglais. Troisième partie : Frise ionienne 24 août 2010

La frise ionienne représentant la procession des Panathénaïques occupe l'immense salle du British Museum. Seules quelques-unes de ses dalles se trouvent désormais dans d'autres collections. Procession des jeunes filles athéniennes du mur Est - au Louvre : http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Egastinai_frieze_Louvre_MR825.jpg
Poséidon, Apollon et Artémis - au Musée de l'Acropole : http://ancientrome.ru/art/artwork/img.htm?id=1643
Il y a aussi plusieurs autres dalles. Mais ce n’est qu’au British Museum que l’on peut avoir une image complète de cette partie de la décoration sculpturale du Parthénon.
Devant nous se trouve l’angle des murs ouest et sud. La figure masculine est très étrange : le corps est représenté de face, les jambes sont tournées dans un sens, la tête dans l'autre. Le mouvement est ainsi arrêté :

La longueur de la frise qui longeait les murs de la cella du temple, derrière les colonnes, est de 160 mètres, sa hauteur est de 1 mètre.
Les préparatifs de la procession étaient représentés sur le mur ouest. Certains personnages conduisent déjà, d'autres sont debout. Le flux du mouvement principal est dirigé vers la gauche, mais certaines figures sont dirigées vers la droite. Dans cette partie de la frise on ne voit que des hommes :

Aujourd'hui, sur le Parthénon lui-même, se trouvent des copies des reliefs. Voici à quoi ressemble la façade ouest :

La procession des Panathénaïques sur la frise est une image et non un document détaillé. Les sculpteurs représentent les choses les plus importantes sans entrer dans les détails. La procession des Athéniens bifurque : le long des murs sud et nord, les mortels se dirigent vers les dieux.

Les sculpteurs représentent des cavaliers avec un plaisir particulier. Le cortège est multiforme. Sur la frise tout est aplati, parfois, comme des nœuds, il faut démêler les jambes des chevaux et des cavaliers. Dans la salle voisine se trouve un programme multimédia spécial qui transforme l'image planaire de la frise en une image spatiale. Très excitant! D'ailleurs, lorsque tout a été peint, les plans ont été séparés plus clairement.

Dans la mesure où le mouvement des chevaux et les postures des cavaliers sont individualisés, tous les jeunes hommes se ressemblent. Juste des frères ! Le type idéal domine, rien de personnel.
Ce n'est pas l'armée de Qin Shi Huangdi.

Quelle était la procession des Panathénaïques représentée sur la frise ?
« La fête a duré plusieurs jours, solennelles et magnifiques ; il exigeait la présence de tous les Athéniens (et depuis l'époque de Pisistrate, formellement, de tous les Hellènes). Son rite principal était d'apporter un nouveau feu à l'Acropole depuis la ville basse. Ils l'ont pris au bosquet d'Academus, planté sous Clisthène à la fin du VIe siècle. avant JC e. Des torches étaient allumées sur l'autel d'Éros ou de Prométhée, et des jeunes hommes affectés à chacun des dix phyla athéniens (unités territoriales) les portaient dans une course de relais jusqu'à l'Acropole. Le gagnant a reçu un prix étrange : une hydrie avec de l'eau. Cependant, dans le rituel de la cosmogonie, c'est tout à fait naturel : après tout, cette « eau » est la mère du « feu ». L'acte d'apporter le feu se faisait la nuit - conformément au rituel nocturne des passions du dieu soleil dans le monde sous-marin.
Tôt le matin, au lever du soleil, une procession s'est déroulée près du cimetière des Céramiques d'Athènes. Il comprenait tous les citoyens à part entière, à l'exception des esclaves - les autochtones et les colons Meteca, les vieillards, les garçons et les filles. En tête se trouvait une prêtresse avec un panier rituel-kanun, dans lequel un couteau était caché parmi l'orge destiné à nourrir l'animal victime. Ensuite, au début de la procession, venaient les tallophores - des aînés nobles en robe blanche, avec des branches fleuries dans les mains. Les Athéniens indigènes portaient deux diphros - des trônes solennels sans dos - pour les dieux. Ils étaient suivis d'animaux sacrificiels, de vaches et de moutons, accompagnés de jeunes hommes et de musiciens, suivis de métèques en robes violettes - les hommes portaient de lourds scaphos en forme de bateau avec des nids d'abeilles et d'autres cadeaux aux dieux et des hydries avec de l'eau sur les épaules, les femmes portaient parapluies. La troisième partie, la queue du cortège, était composée de jeunes éphèbes à cheval vêtus de manteaux noirs. /Akimova L.I. L'art de la Grèce antique : les classiques. – Saint-Pétersbourg : ABC-classiques, 2007, p.184/

« La procession, s'approchant de l'Acropole, a emporté une maquette du navire dans le Prytanée, le bâtiment où se réunissaient les magistrats de la ville, où étaient conservés le sceau de l'État et d'autres symboles de la polis athénienne. Sur le mât du navire, un peplos safran nouvellement tissé était fixé, flottant et brillant comme le soleil. A l'entrée de l'Acropole, le navire était laissé en contrebas et le péplos était porté sur le mât stulis retiré de celui-ci ; les éphèbes à cheval étaient démontés ; Le reste du cortège gravit la pente raide. Ayant atteint le Parthénon, la procession s'est divisée en deux branches - l'une a fait le tour du temple par le nord, l'autre par le sud, et elles se sont retrouvées à l'extrémité du temple, là où se trouvait le Grand Autel et où les sacrifices étaient faits. Après avoir fait des sacrifices, événement central vacances, la déesse reçut un nouveau péplos. Au lever du soleil, les portes du temple se dissolvèrent, et dans le naos un spectacle extraordinaire s'offrit aux participants : ils furent accueillis dans toute sa splendeur, illuminés par les premiers rayons du soleil, par la statue colossale (environ 12 m de haut) d'Athéna Parthénos par Phidias, en or et ivoire. Auparavant, dans le temple de Polyada, le péplos était placé sur les genoux de la déesse assise. Dans le Parthénon, où se trouvait la statue, après la cérémonie, elle entra dans le trésor du temple. Puis l’agonie de plusieurs jours a commencé. /Akimova L.I. L'art de la Grèce antique : les classiques. – Saint-Pétersbourg : ABC-classiques, 2007, p.185/

Jusqu'à présent, nous avons regardé les reliefs du côté nord. Sur le mur sud, nous voyons le même ensemble de personnages, ils sont juste regroupés différemment.

Les cavaliers alternent avec les chars :

Les hommes dirigent les animaux sacrificiels :

La Frise Est est complètement différente. Ici, les gens se rapprochent des dieux. Le mouvement devient plus lent et peu à peu les gens s'arrêtent.

Parthénon

(grec Παρθενών ; anglais Parthénon)

Horaires d'ouvertures: de 8h30 à 19h00 tous les jours, sauf le lundi.

Le Parthénon est un temple dédié à Athéna Parthénos, la patronne d'Athènes, et est à juste titre considéré comme l'un des plus grands exemples d'architecture ancienne, un chef-d'œuvre de l'art mondial et des arts plastiques. Le temple a été fondé à l’initiative de Périclès, le célèbre commandant et réformateur athénien. Sa construction s'est déroulée assez rapidement - le temple a été construit de 447 à 438 avant JC (sous la direction des architectes Ictinus et Kallicrates), et sa conception sculpturale et sa décoration (sous la direction de Phidias) ont été achevées en 432 avant JC.

Le premier temple d'Athéna connu des temps modernes, dont l'existence est reconnue par la plupart des scientifiques du monde, a été construit sur l'Acropole, probablement sous Pisistrate. Il s'appelait plus tard le naos du Parthénon moderne - Hekatompedon, mais pendant la campagne de Xerxès, comme d'autres bâtiments de l'Acropole, il fut détruit. Il existe une version sur la connexion sens ancien les mots "hekatompedon" avec la coutume des sacrifices d'enfants (grec "hekaton" - "cent", tome - "dissection", "paidos" - "enfant"). Plus tard, avec l'abolition de cette coutume cruelle (les bébés étaient déposés dans les fondations de l'édifice pour sa solidité), la notion de « cent sacrifices d'enfants » fut transférée à la mesure originelle de la longueur du naos (sanctuaire ) du temple.

Sous le règne de Périclès, Athènes connut sa plus grande gloire. Après l'obtention du diplôme Guerres gréco-persanes, déjà sur le site préparé, il fut décidé de construire un nouveau temple plus majestueux et luxueux. Cette attitude victorieuse se reflétait également dans des plans d’urbanisme inutiles, financés principalement par le tribut prélevé par Athènes sur ses alliés. Les meilleurs artistes de l’époque ont participé à la construction et d’énormes sommes d’argent ont été dépensées. Les constructeurs du Parthénon étaient les anciens architectes grecs Ictinus et Callicrates. Puis il y a eu une période de forte croissance culture ancienne, et le temple de la déesse Athéna sur la colline de l'Acropole le rappelle encore aujourd'hui avec fierté au monde entier.

Le Parthénon est situé en plein cœur point haut Acropole d'Athènes. Par conséquent, le magnifique temple de la déesse Athéna est visible non seulement de tous les coins de la ville, mais aussi depuis la mer, depuis les îles de Salamine et d'Égine. Façade principale Le temple est situé à un angle par rapport aux Propylées (porte d'entrée), qui se trouvent dans la partie ouest du mont du temple. Entièrement imprégné de lumière, le temple semble aéré et léger. Il n’y a pas de motifs brillants sur les colonnes blanches, comme on en trouve dans les temples égyptiens.

Le Parthénon est un périptère dorique, avec des éléments de l'ordre ionique. Il est situé sur un stylobate (69,5 m de long et 30,9 m de large) - trois marches en marbre dont la hauteur totale est d'environ 1,5 mètre, le toit était recouvert d'un toit de tuiles. Du côté de la façade principale (ouest), des marches plus fréquentes ont été creusées, destinées aux personnes.

Le bâtiment lui-même (cella) a une longueur de 29,9 m (largeur 19,2 m), soit 100 pieds grecs, et est bordé sur tout le périmètre par une colonnade extérieure (péristèle). Il n'y a que 46 de ces colonnes, 8 pour les façades d'extrémité et 17 pour les façades latérales. Toutes les colonnes sont cannelées, c'est-à-dire décorées de rainures longitudinales. La hauteur des colonnes d'angle et des chapiteaux est de 10,43 m (la même que celle du temple de Zeus à Olympie).

Le diamètre inférieur des colonnes d'angle - embat, lors du dimensionnement du temple, a été pris comme premier module (1,975 m). Pour les dimensions verticales, les constructeurs ont utilisé le deuxième module - la hauteur du boulier du chapiteau (0,3468 m). L'étonnante harmonie de l'édifice, qui a été préservée jusqu'à ce jour, malgré le fait qu'il ne reste que des ruines de la grande structure, repose avant tout sur la polyphonie des rapports de quantités ; les tailles de pièces similaires changent en fonction de leur place dans la composition globale.

Les colonnes du Parthénon ne ressemblent pas à une masse continue et indivise, mais sont perçues comme une rangée dans laquelle les troncs individuels ne se perdent pas. D'où la corrélation de la colonnade avec le rythme des triglyphes et des métopes de la frise, ainsi qu'avec le rythme des figures de la frise ionique, qui se trouvait dans la partie supérieure des murs du naos, et sur la face interne. colonnade des portiques.

Le Parthénon n'était pas seulement un temple, mais aussi quelque chose comme galerie d'art ou musée, il constitue un excellent support pour de nombreuses œuvres d'art plastique. La décoration sculpturale du Parthénon a été réalisée sous la direction du grand maître Phidias, et avec sa participation directe. Cette œuvre est divisée en quatre parties : les métopes de la frise extérieure (dorique), la frise ionique continue (intérieure), les sculptures des tympans des frontons et la célèbre statue d'Athéna Parthénos.

Le fronton et les corniches de l'édifice étaient décorés de sculptures. Les frontons étaient décorés des dieux de la Grèce: le tonnerre Zeus, le puissant souverain des mers Poséidon, la sage guerrière Athéna, Nike ailée. Par exemple, sur le fronton ouest est représenté le différend entre Athéna et Poséidon pour la possession de l'Attique. Les juges décidèrent de donner la victoire au dieu dont le don serait le plus précieux pour la ville. Poséidon frappa avec son trident et une source salée jaillit du rocher de l'Acropole. Athéna frappa avec sa lance et un olivier poussa sur l'Acropole. Ce don parut plus utile aux Athéniens. Ainsi, Athéna sortit victorieuse de la dispute et l’olivier devint le symbole de la ville.

Le long du périmètre des murs extérieurs de la cella, à une hauteur de 12 mètres, s'étendait comme un ruban la célèbre frise du Parthénon, dont les détails étaient cependant presque impossibles à distinguer d'en bas. Cette frise est considérée comme l'un des sommets de l'art classique. Sur plus de 500 figures de jeunes hommes, de jeunes filles, d'anciens, à pied et à cheval, aucune ne répétait l'autre ; les mouvements des personnes et des animaux étaient rendus avec un dynamisme étonnant. Les personnages ne sont pas plats, ils ont le volume et la forme du corps humain.

Les métopes faisaient partie de la frise traditionnelle, pour l'ordre dorique, de triglyphes et de métopes, qui encerclait la colonnade extérieure du temple. Au total, il y avait 92 métopes sur le Parthénon, contenant divers hauts-reliefs. Ils étaient reliés thématiquement, le long des côtés du bâtiment. A l'est, la bataille des centaures avec les Lapithes était représentée, au sud - la bataille des Grecs avec les Amazones (Amazonomachie), à ​​l'ouest - probablement des scènes de Guerre de Troie, au nord - batailles de dieux et de géants (gigantomachie). À ce jour, seules 64 métopes ont survécu : 42 à Athènes et 15 au British Museum.

Du tout, aspect architectural Le Parthénon trouve son origine dans architecture en bois: construit en pierre, le temple a conservé, dans ses contours, la légèreté et la grâce d'une structure en bois. Cependant, la simplicité extérieure de ces contours est trompeuse : l'architecte Iktin était un grand maître de la perspective. Il a calculé très précisément comment créer les proportions de la structure afin de les rendre agréables à l'œil d'une personne regardant le temple de bas en haut.

Les Grecs construisaient des temples en pierre calcaire dont la surface était recouverte de plâtre puis peinte. Mais le Parthénon est construit en marbre. Lors de la construction de l'Acropole, près d'Athènes, sur le mont Pentélique, des gisements de marbre pentélique blanc comme neige scintillant au soleil ont été découverts. Lors de la production, il est de couleur blanche, mais lorsqu'il est exposé aux rayons du soleil, il devient jaune. Le côté nord du bâtiment est moins exposé aux radiations - et par conséquent, la pierre y a une teinte grisâtre-cendrée, tandis que les blocs sud ont une couleur jaunâtre dorée. À l’aide de cordes et de traîneaux en bois, des blocs de marbre ont été transportés jusqu’au chantier.

La maçonnerie a été réalisée sans mortier ni ciment, c'est-à-dire sèche. Les blocs étaient des carrés réguliers, ils étaient soigneusement meulés le long des bords, ajustés les uns aux autres et fixés avec des agrafes en fer - des pyrons. Les troncs des colonnes étaient constitués de tambours séparés et reliés par des épingles en bois. Seuls les bords extérieurs des pierres ont été soigneusement taillés, surfaces internes n’ont pas été traités, « pour être volés ». La finition finale, y compris les cannelures des colonnes, a été réalisée après la mise en place des pierres.

Le toit était en pierre, construit en chevrons, reproduisant les anciens planchers en bois, et recouvert de tuiles de marbre à double forme. Le clair-obscur sur les cannelures profondément encastrées des colonnes et dans les intercolonnes (entre les colonnes) soulignait la spatialité de la composition du bâtiment et son lien avec le paysage environnant.

La salle centrale du temple n'était éclairée que par la lumière tombant à travers la porte et par de nombreuses lampes. Dans ce crépuscule, au centre du temple se dressait la statue d'Athéna Parthénos, réalisée par Phidias lui-même. Il était debout et mesurait environ 11 m de haut, réalisé selon la technique chrysoéléphantine (en or et ivoire, sur un socle en bois), et les yeux étaient incrustés pierres précieuses. Selon une ancienne coutume, la statue d'une divinité placée à l'intérieur du temple devait être tournée vers l'est, vers le soleil levant, c'est pourquoi l'entrée du Parthénon se trouvait du côté est.

Les anciens Grecs considéraient le Parthénon comme la demeure de la divinité et croyaient que la déesse Athéna descendait de l'Olympe de temps en temps pour s'incarner dans sa statue. Chaque année, lors de la fête d'Athéna, un péplos (voile) tissé par les Athéniens était placé sur la statue de la déesse. Des images y étaient tissées des exploits de la déesse, notamment de ses victoires sur les géants.

Phidias représentait Athéna vêtue de longues et lourdes robes, la main gauche posée sur un bouclier sous lequel était lové le serpent Erichthonius. Le bouclier qu'Athéna tenait représentait des scènes de la bataille des Grecs contre les Amazones et de la bataille des dieux contre les géants. Parmi les personnages de la première scène, Phidias se représentait comme un vieil homme chauve balançant une pierre. Un tel courage était considéré comme un sacrilège. À cela s'ajoutaient des accusations d'abus que Phidias aurait commis avec l'or et d'autres bijoux qu'il avait reçus pour créer une statue d'Athéna. Ainsi, en 431 avant JC, grand sculpteur a été emprisonné. Selon certaines sources, Phidias serait mort en captivité, selon d'autres, il aurait été envoyé en exil.

Des plaques d'or pur (1,5 mm d'épaisseur), représentant la robe de la statue de la déesse Athéna, étaient périodiquement retirées et pesées - elles faisaient partie du trésor public. Selon Périclès, l'or pouvait être emprunté à la déesse si nécessaire, par exemple pour faire la guerre, puis restitué. Tout citoyen pouvait faire don de ses biens ou de ses armes au temple d'Athéna. Alexandre le Grand, après avoir vaincu les Perses sur le fleuve Granique en 334 avant JC, envoya à Athènes 300 boucliers capturés à l'ennemi. Le temple servait également à stocker les cadeaux destinés à la déesse. Des cercueils d'or et d'argent, des figurines, des armes et des récipients se trouvaient dans toutes les pièces du Parthénon - il y avait des inventaires pour chaque pièce.

La statue d'Athéna, grande œuvre de sculpture antique, ayant existé pendant plus de 900 ans, a péri dans les tempêtes du temps, et ne peut être jugée que par plusieurs copies infructueuses. Aujourd'hui, l'emplacement où se trouvait la statue d'Athéna est marqué par plusieurs pierres rectangulaires.

Le Parthénon a été pensé dans les moindres détails, totalement invisibles pour un observateur extérieur, et visait à alléger visuellement la charge sur les éléments porteurs, ainsi qu'à corriger certaines erreurs de vision humaine. Les historiens de l'architecture soulignent séparément le concept de courbure du Parthénon - une courbure particulière qui a introduit des corrections optiques. Bien que le temple semble idéalement rectiligne, en fait, il n'y a presque pas une seule ligne strictement droite dans ses contours : les colonnes ne sont pas placées verticalement, mais légèrement inclinées dans le bâtiment ; la largeur des métopes augmente vers le centre et diminue vers les angles du bâtiment ; les colonnes d'angle ont un diamètre un peu plus épais que les autres, car autrement elles paraîtraient plus minces, et en section transversale elles ne sont pas rondes ; l'entablement s'incline vers l'extérieur et les frontons vers l'intérieur. Pour compenser les réductions futures, les Grecs ont augmenté la taille des parties supérieures du bâtiment et réduit celles qui sont les plus proches. On sait également qu'une ligne horizontale d'une longueur considérable au milieu apparaît concave. Dans le Parthénon, les lignes du stylobate et des marches ne sont pas droites, mais légèrement convexes, ce qui compense la distorsion visuelle.

Les contours et l'ornementation accentués visaient également à améliorer la lisibilité des images en relief à haute altitude. Légèreté et flexibilité distinguent l'architecture du Parthénon de ses prédécesseurs : les temples de Paestum, Sélinonte ou le temple de Zeus à Olympie. Dimensions pièces détachées, ont été déterminés « à l’œil nu », en les variant de telle manière que, vus d’en bas, ils créaient un sentiment de régularité et de relations identiques. Ce principe est appelé « loi des angles » (c'est-à-dire l'angle de vue de l'observateur). Notre œil continue mentalement les axes des colonnes vers le haut et les relie en un point situé quelque part haut dans le ciel, au-dessus du temple. L'homme, à l'ombre de la colonnade, dans les ouvertures des colonnes voisines, comme dans un cadre, voit des paysages disposés par l'architecture. De l'extérieur, à tous points de vue, le Parthénon ressemble à une statue sur un piédestal. Lorsqu'on évalue le Parthénon, à une distance moyenne (environ 35 m), le temple semble harmonieux et solide ; de près, il impressionne par sa monumentalité et semble encore plus grand qu'il ne l'est en réalité. La position du bâtiment du temple par rapport à la colline de l'Acropole est également importante : il est déplacé vers le bord sud-est du rocher, et donc les visiteurs le voient comme éloigné en fait, le grand Parthénon n'écrase pas par sa taille et « grandit » ; à mesure qu'une personne s'en approche.

La croyance populaire veut que les temples grecs aient toujours été blanc, est en fait faux. Dans les temps anciens, le Parthénon était très coloré et, selon les goûts modernes, il était même peint de manière presque maladroite. La ténia et la face inférieure de l'échinus étaient rouges. La face inférieure de la corniche est rouge et bleue. Le fond rouge accentuait la blancheur, les étroites saillies verticales qui séparaient une dalle de la frise de l'autre ressortaient nettement en bleu et les dorures brillaient de mille feux. La peinture était réalisée avec des peintures à la cire qui, sous l'influence de la chaleur du soleil, imprégnaient le marbre. Cette technique assurait une combinaison organique de la texture naturelle du marbre et de la couleur ; la pierre était peinte, mais restait légèrement translucide et « respirée ».

Le plus grand temple de la Grèce antique, le Parthénon, a traversé avec lui toutes les étapes de son histoire. Pendant un certain temps, le Parthénon est resté intact, dans toute sa splendeur. Avec le déclin de la Grèce commença le déclin du temple.

En 267 avant JC, Athènes fut envahie par la tribu barbare des Hérules, qui pilla Athènes et alluma un incendie dans le Parthénon. À la suite de l'incendie, le toit du temple a été détruit, ainsi que presque tous les aménagements intérieurs et plafonds. À l’époque hellénistique (vers 298 avant JC), le tyran athénien Lacharus enleva les plaques d’or de la statue d’Athéna. Après 429, la statue d'Athéna Parthénos disparaît du temple. Selon une version, la statue aurait été transportée à Constantinople et installée devant le bâtiment du Sénat, puis détruite par un incendie.

En raison du renforcement du culte de la Mère de Dieu, sous l'empereur Justinien Ier (527-565), le Parthénon fut transformé en église de la Sainte Vierge Marie (« Parthenis Maria »). En général, les temples antiques se sont facilement transformés en temples chrétiens. Le passage d'un temple païen à une église a affecté l'architecture du Parthénon. DANS les temps anciens L'entrée du Parthénon était située dans la partie orientale sous le fronton dont les sculptures représentaient la naissance d'Athéna. Cependant, c’est dans la partie orientale du temple chrétien que devrait être situé l’autel. En conséquence, le temple a été réaménagé et les colonnes internes et certains murs de la cella ont été supprimés, c'est pourquoi la dalle centrale de la frise a été démontée. La partie sacrée orientale du temple chrétien ne pouvait pas être décorée de la scène de la naissance de la déesse Athéna. Ces bas-reliefs ont été retirés du fronton. Les colonnades étaient remplies de pierres. La plupart des sculptures de l'ancien Parthénon ont été perdues : celles qui pouvaient être adaptées au culte chrétien ont été laissées, mais la plupart ont été détruites.

En 662, l'église fut solennellement transférée icône miraculeuse Notre-Dame d'Atheniotissa (Notre-Dame de la Très Sainte Athènes). En 1458, après un siège de deux ans, le dernier duc d'Athènes céda l'Acropole aux conquérants turcs. En 1460, par décret du sultan Mohammed II, le Parthénon fut transformé en mosquée, l'autel et l'iconostase furent détruits, les peintures furent blanchies à la chaux et un haut minaret fut érigé au-dessus de l'angle sud-ouest du temple, dont les restes furent démolis. seulement après la révolution grecque. Le nouveau souverain d'Athènes plaça son harem dans l'Erechthéion. Au début de la domination turque, Athènes et l'Acropole disparurent des routes des voyageurs d'Europe occidentale : périodiquement renouvelées aux XVIe et XVIe siècles, elles devinrent un obstacle sérieux. XVIIe siècles hostilités entre les Vénitiens et les Ottomans. Les Turcs n'avaient aucun désir de protéger le Parthénon de la destruction, mais ils n'avaient pas non plus pour objectif de déformer ou de détruire complètement le temple. Puisqu'il est impossible de déterminer avec précision l'heure d'écrasement des métopes du Parthénon, les Turcs pourraient poursuivre ce processus. Cependant, dans l’ensemble, ils ont procédé à moins de destructions du bâtiment que les chrétiens mille ans avant la domination ottomane, qui a transformé le magnifique temple antique en cathédrale chrétienne.

À partir de 1660, il y eut une période de paix entre les Vénitiens et les Ottomans, et Athènes fut à nouveau visitée par les voyageurs. Non seulement les notes de voyage, mais aussi les études sur le patrimoine antique grec se sont généralisées. Mais cette paix s’est avérée de courte durée. Une nouvelle guerre turco-vénitienne commença. Enfin, en 1687, lors du siège d'Athènes par les Vénitiens dirigés par Francesco Morosini, un entrepôt de poudre fut construit dans le temple. Le boulet de canon qui a traversé le toit le 26 septembre a provoqué une énorme explosion et le Parthénon est devenu des ruines à jamais. Après l'explosion du Parthénon, sa nouvelle destruction ne semblait plus répréhensible. Retirer les fragments survivants de sculptures et de reliefs n'était pas considéré comme un vol, mais comme un salut, car auparavant, les Turcs brisaient simplement les sculptures et les brûlaient pour en faire de la chaux pour la construction. Lorsque, quelques jours plus tard, les Turcs se rendirent et que les Vénitiens entrèrent sur le territoire de l'Acropole, ils décidèrent d'emporter à Venise, comme trophées, la figure de Poséidon et les chevaux de son quadrige - les restes de la composition « La dispute entre Athéna et Poséidon » sur le fronton ouest. Lorsqu'elles ont commencé à être retirées, les sculptures, qui tenaient à peine après l'explosion, sont tombées et se sont brisées.

Quelques mois après la victoire, les Vénitiens abandonnèrent le pouvoir sur Athènes : ils n'avaient pas assez de forces pour défendre davantage la ville, et la peste fit d'Athènes une cible totalement peu attrayante pour les envahisseurs. Les Turcs établirent à nouveau une garnison sur l'Acropole, quoique à plus petite échelle, parmi les ruines du Parthénon, et érigèrent une nouvelle petite mosquée. Lors du déclin de l’Empire ottoman, le Parthénon, ayant perdu sa protection, fut de plus en plus détruit.

Les malheurs du Parthénon ne prirent fin qu'au début du XIXe siècle, lorsque le célèbre voleur de monuments antiques, Lord Elgin, emporta en Angleterre 12 figures des frontons, 56 dalles avec reliefs de la frise du Parthénon et un certain nombre d'autres fragments du Parthénon. monument, et les a vendus au British Museum, où ils se trouvent toujours les expositions les plus précieuses. Aujourd'hui, les sculptures du Parthénon se trouvent dans de nombreux musées à travers le monde. Le British Museum contient notamment des sculptures d'Hélios et de Séléné - fragments d'angle du fronton « La Naissance d'Athéna ». DANS dernières décennies Il y a eu une tendance au retour des reliques perdues au Parthénon. Une question importante pour le gouvernement grec, sur scène moderne, c'est aussi le retour des Marbres d'Elgin.

L'idée de recréer le Parthénon est née aux États-Unis. Dans la ville de Nashville (Tennessee), les architectes W. Dinzmoor et R. Garth ont construit en 1897 une réplique grandeur nature du Parthénon, restaurée selon les dernières données scientifiques de l'époque. La restauration du temple a commencé au XIXe siècle. En 1926-1929, la colonnade nord fut restaurée. Suite à cela, une tentative a été faite pour restaurer les sculptures du fronton, dont les originaux ont été en partie perdus et en partie retrouvés dans des musées étrangers.

Mais malgré des travaux de restauration constants, le Parthénon continue encore aujourd’hui de s’effondrer lentement mais sûrement. Derrière dernières années, smog empoisonné et puanteur suffocante Athènes moderne, tout comme les marques laissées ici par des hordes de touristes, causent d'importants dégâts au marbre du Parthénon.

Aux yeux des contemporains, le Parthénon était l’incarnation de la gloire et de la puissance d’Athènes. Aujourd'hui, le Parthénon est à juste titre considéré comme l'un des plus grands exemples d'architecture ancienne, un chef-d'œuvre de l'art et de la sculpture mondiaux. Il s'agit de la création la plus parfaite de l'architecture ancienne et, même en ruines, c'est un monument étonnant et passionnant...

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Le Parthénon est richement décoré de sculptures. Les dieux et héros de l'Olympe, les batailles des Grecs avec les Amazones et les centaures, les batailles des dieux avec les géants, les épisodes de la guerre de Troie et les processions solennelles sont représentés sur ses frontons, métopes et frises. Les sentiments et l’humeur des Grecs à l’apogée d’Athènes étaient incarnés dans des images plastiques. C'est pourquoi la fiction est ici perçue comme la réalité et les intrigues inspirées de la vie acquièrent le caractère d'une idéalité sublime particulière. La sculpture du Parthénon contient une signification profonde. La grandeur de l'homme se révèle dans des images clairement visibles - une idée qui s'exprime également dans l'architecture du temple 37.

Métopes du Parthénon. Des métopes étaient placées au-dessus de la colonnade extérieure du temple. Auparavant, les métopes en relief étaient généralement situées uniquement sur les côtés est et ouest. Ils décorèrent également le Parthénon au nord et au sud (ill. 39). Du côté ouest, la bataille entre les Grecs et les Amazones était représentée dans les métopes ; au sud - des Grecs avec des centaures ; au nord - des scènes de la guerre de Troie ; à l'est - la bataille des dieux et des géants 38.

Les métopes du côté ouest du Parthénon sont gravement endommagées. Les métopes du nord sont également mal conservées (sur trente-deux, douze seulement) : cette partie de la colonnade a été gravement endommagée par une explosion de poudre à canon. C'est d'autant plus dommage qu'ici, apparemment, les reliefs étaient particulièrement bien exécutés, puisqu'ils étaient le plus souvent bien en vue. De ce côté du Parthénon, il y avait une procession solennelle le long de l'Acropole.

Le sculpteur qui a décoré les métopes du côté nord de reliefs en a tenu compte et il a coordonné la direction du mouvement général et le développement de l'action sur les métopes nord avec le mouvement des personnes le long du temple. En effet, sur la première métope du côté nord (si vous longez le Parthénon depuis les Propylées) était représenté le dieu solaire Hélios, comme pour ouvrir les événements, et sur l'une des dernières, les dernières, la déesse de la nuit Nyux . Ces images correspondaient au début et à la fin de l'action. Les métopes du milieu montraient les préparatifs de la campagne, les adieux des soldats, le départ et les scènes de la guerre de Troie. L'entrée du temple se faisait par l'est et, dans les décorations de ce côté, les sculpteurs représentaient les événements les plus significatifs. Sur les métopes orientales, la lutte et la victoire ont été démontrées dieux de l'Olympe sur les géants.

Métopes du sud. Batailles des Grecs avec les centaures. 18 (sur 32) métopes faisant face à la falaise du côté sud du Parthénon sont les mieux conservées. La proximité de la falaise rendait évidemment difficile leur perception par une personne se trouvant sur l'Acropole près du temple. Ils étaient clairement visibles de loin, depuis la ville en contrebas. Par conséquent, les maîtres ont rendu les figures particulièrement volumineuses.

Les reliefs diffèrent par la nature de leur exécution ; il ne fait aucun doute que différents maîtres y ont travaillé. Beaucoup ne nous sont pas parvenus, mais ceux qui ont survécu étonnent par leur représentation magistrale de la bataille. Ces métopes représentent la bataille entre les Grecs et les centaures 39 . Les cadres carrés montrent des scènes de combats acharnés à mort, diverses situations de lutte et des positions corporelles complexes.

Il y a ici de nombreux thèmes tragiques. Souvent, les centaures triomphent des vaincus. Dans l'une des métopes, le Grec tente en vain de se défendre contre l'ennemi qui avance, dans l'autre, un Hellène est représenté prosterné à terre et un centaure triomphant de lui. Dans de telles dalles, le drame profond de l'événement est entendu haut et fort - la mort d'un héros dans un combat avec une terrible force maléfique (ill. 40, 41). Les Grecs victorieux sont également représentés : l'un a saisi à la gorge l'ennemi affaibli, l'autre s'est jeté sur le centaure et s'apprête à lui porter un coup décisif (ill. 42, 43). Il est parfois impossible de prédire qui sera le gagnant. Dans une métope, un Grec et un centaure sont comparés à deux hautes vagues qui entrent en collision.

Les maîtres classiques équilibrent les forces antagonistes des métopes et donnent à chaque monument une impression généralement harmonieuse. Sculpteurs classiques montrent toujours le bouillonnement intérieur des passions, complexes, parfois conflits tragiques d'une manière extérieurement calme et retenue. Chaque image individuelle est excitée et dynamique, mais dans son ensemble, la scène entière est généralement amenée dans un état d'harmonie compositionnelle.

Chaque métope a son propre thème unique - parfois tragique, parfois victorieux et bravoure, parfois rempli de la tension d'une lutte inhumaine, parfois calme. La nature des sentiments est exprimée avec une clarté et une pureté cristallines. Ces images sont infiniment éloignées du pathos théâtral, du manque de sincérité et de la réticence significative qui apparaîtront dans l’art des siècles ultérieurs. Les classiques sont extrêmement véridiques lorsqu’ils décrivent quelque chose de terrible et de tragique ; il reste entier et harmonieux même dans l'expression d'une grande souffrance. Les maîtres des grands classiques sont capables de montrer avec retenue, avec un calme profond, ce que les artistes des époques ultérieures raconteront d'une voix tremblante.

Frise du Parthénon. La frise (zophore) du Parthénon (ill. 44), d'une longueur totale de 160 mètres et d'une largeur d'environ un mètre, est une œuvre particulièrement solide, en harmonie avec la profonde interconnexion de toutes ses images.

La troisième année de chaque Olympiade (quadriennale), vers la fin juillet selon notre calendrier, après les compétitions de gymnastique et de musique, commençait une procession solennelle vers l'Acropole. Pour cette journée, les filles préparaient le tissu pour l'ancienne statue en bois d'Athéna. Le tissu était fixé au mât du navire, qui était porté à la main. Le navire était suivi par des prêtres, des dirigeants de la ville, de nobles Athéniens et des ambassadeurs. Des chars se déplaçaient dans les rues et des cavaliers galopaient sur des chevaux.

La frise représente la procession des Athéniens le jour des Grandes Panathénées. Le mouvement sur les reliefs commence à partir du coin sud-ouest du temple et se déroule en deux courants. Une partie du peuple représenté sur la frise se dirige vers l'est sur le côté sud du Parthénon, l'autre va d'abord le long du côté ouest, puis se tourne et marche le long du côté nord du temple jusqu'à la frise orientale, où les dieux sont représentés. Les participants à la procession proprement dite, passant près du Parthénon, ont vu ces reliefs - une image généralisée et idéale, un écho de la vie réelle.

Côté ouest de la frise. Sur les dalles en relief, on peut voir comment les cavaliers se préparent pour la procession : ils se parlent, attachent leurs sandales, sellent et conduisent lentement leurs chevaux, et apprivoisent les chevaux trop chauds. Les images sont pleines de vitalité, notamment la scène où, à proximité de deux jeunes hommes qui discutent, un cheval chasse un taon ou s'envole de sa patte. Ensuite, les cavaliers commencent leur mouvement en se suivant (ill. 45, 46, 47). La composition de la partie ouest constitue le début de toute la frise : le mouvement de la procession se déplacera vers le côté nord du temple. En même temps, il est perçu comme un relief complètement fini, puisque le long des bords, comme pour l'encadrer, se dressent des figures de jeunes hommes calmes. Représenté près de l'angle nord-ouest, il semblait arrêter un instant les cavaliers, qui l'instant d'après continueraient leur voyage sur les reliefs du côté nord.

Le cortège va de droite à gauche. Il est à noter que les restes de figures sur les métopes occidentales peuvent parler d'un mouvement général sur celles-ci, au contraire de gauche à droite. Ainsi, les actions sur la frise et les métopes semblaient s'annuler. Ce solde correspondait au côté d'extrémité du temple, le long duquel ne passait pas le chemin de la procession solennelle. Pour éviter la monotonie dans la représentation des cavaliers au galop, le maître interrompt le mouvement à deux endroits. Ainsi, il représente sur l'une des dalles un jeune homme démonté, tourné dans le sens inverse du mouvement, posant son pied sur une pierre (ill. 47). Le sculpteur semble donner à l’œil du spectateur l’occasion de se reposer et après une pause, le mouvement recommence. La répartition des actions sur les métopes et la frise de la façade ouest, ainsi que les caractéristiques de la composition, nous convainquent de la cohérence du travail des sculpteurs et architectes du Parthénon, de la profonde unité d'architecture et de plasticité de cette belle structure classique.

Frise latérale nord. La frise du côté nord du temple est plus longue. Il montre non seulement des cavaliers, mais aussi des chars, des prêtres avec des animaux sacrificiels, des musiciens et des jeunes hommes avec des cadeaux sacrés. Le mouvement au début est plus rapide que sur la partie ouest et inégal. Les chevaux galopent, parfois plus vite, parfois plus lentement. Les cavaliers se rapprochent parfois les uns des autres, et il semble qu'ils soient entassés (ill. 48). Parfois, ils sont placés plus librement. On a l'impression d'un rythme pulsé et intense, comme si l'on pouvait entendre le cliquetis fractionné des sabots des chevaux. Parfois, le cortège est arrêté par un personnage apparaissant à contre-courant. Et encore une fois, les chevaux galopent après elle. La beauté de la composition de la frise nord est renforcée par des lignes de contour douces et flexibles et des formes en relief basses, apparemment respirantes.

Devant les cavaliers, fleur de la jeunesse athénienne, représentants des meilleures familles de la ville 40, sont présentés des chars, régulièrement tirés par de beaux et puissants chevaux. Parfois, le harnais n’est pas visible car il a été peint avec une peinture qui n’a pas survécu. Dans cette partie de la frise se trouvent de nombreux contours arrondis et lisses - des roues, la croupe des chevaux, les courbes de leurs corps, les mains des conducteurs de char. L'ambiance est calme, les mouvements sont mesurés.

La vitesse des chars ralentit progressivement. Un personnage venant en sens inverse semble les arrêter. Des cavaliers au galop rapide et du mouvement lent des chars, le maître passe au calme cortège des Athéniens âgés qui portent des rameaux d'olivier à la main. Leurs gestes sont retenus. Certains se parlent, d’autres se retournent, comme s’ils regardaient le cortège qui les suit.

Devant les aînés, quatre jeunes hommes portent sur leurs épaules des hydries, des vases à eau (ill. 49). A droite, on se penche et ramasse une cruche par terre. Les personnages sont placés librement, dispersés. Les béliers sacrificiels sont conduits par des prêtres qui discutent entre eux (ill. 50). L’un d’eux caresse affectueusement le dos du bélier. Devant eux se trouvent des musiciens en longues robes, avec des flûtes et des lyres, puis des étrangers avec des cadeaux - des paniers remplis de fruits et de pain. Au bout de la frise nord, on peut voir des prêtres avec des taureaux sacrificiels. L'un des taureaux leva le museau et parut rugir pitoyablement. Les belles figures des conducteurs expriment la tristesse : leurs têtes penchaient, l'un d'eux était étroitement enveloppé dans un manteau (ill. 51). La dernière figure d'angle complète la frise, comme pour fermer la composition et arrêter le mouvement.

Tout est mis en harmonie dans l’image de la procession festive des Panathénaïques. Au début, les chiffres étaient remplis de tension. Plus près de la partie orientale de la frise, les participants au cortège marchent solennellement. Les maîtres des classiques n'aimaient pas la irrégularité de l'action, le manque d'accord, ils préféraient la clarté et l'exhaustivité logique. La procession sur la frise du côté longitudinal du temple correspondait également au sens d'action sur les métopes nord.

Frise sud. La frise sud a souffert plus durement, mais même là, on peut voir les participants à une procession calme et majestueuse. Les cavaliers roulent sur trois profondeurs, mais il n'y a ni foule ni agitation. Le maître montre des jeunes hommes portant d'élégantes bottes de cuir à revers, une armure courte et parfois des manteaux. Ils semblent émerveillés par la célébration solennelle ; visiblement, c'est la première fois qu'ils y participent. Comme du côté nord, des chars et des conducteurs avec des animaux sacrificiels se déplacent ici. Certains taureaux marchent docilement, d'autres, gémissant pitoyablement, sont retenus par les serviteurs (ill. 52, 53). Le groupe, qui représente deux prêtres marchant derrière un taureau, est impeccable par la beauté de sa composition et de son rythme. L'un des prêtres s'est retourné en marchant et, légèrement penché, a regardé en arrière.

Frise Est. La circulation sur les frises nord et sud est dirigée vers la partie est du temple. La frise orientale représente des dieux assis. De nobles Athéniens viennent vers eux de droite et de gauche. Les Olympiens rencontrent le cortège en deux groupes. La gauche fait face aux personnages de la frise sud. C'est vrai - à ceux qui s'approchent du nord. Plus on se rapproche du centre, moins les chiffres sont affichés.

Les Athéniens se parlent convenablement, comme s'ils se souvenaient constamment de la proximité de leurs clients. Voici des filles avec des bols et des cruches à la main, des femmes majestueuses. Leurs silhouettes sont élancées. Les plis fluides des manteaux ressemblent aux rainures des colonnes du Parthénon. Les idées sublimes et significatives incarnées dans les formes architecturales du temple sont, pour ainsi dire, répétées dans ses détails, dans le décor, dans le simple et l'ordinaire - dans les beaux plis des vêtements des gens (ill. 54).

Les dieux assis sur leurs trônes sont nettement plus grands que les mortels Athéniens. Si les dieux voulaient se lever, ils ne rentreraient pas sur la frise. En cela, ils diffèrent des gens ordinaires, qui par ailleurs ressemblent aux merveilleux olympiens. A gauche sont assis Zeus sur un trône à dossier, Héra, qui tourna son visage vers lui, Iris et Eros, Ares, Déméter, Dionysos et Hermès. Sur côté droit- Athéna, Héphaïstos, puis Poséidon, Apollon, Peytho 41 puis Aphrodite. Au centre de la frise au-dessus de l'entrée du temple sont représentés le prêtre et la prêtresse de la déesse Athéna (ill. 55,56).

Il est à noter que le placement des dieux sur la frise orientale est cohérent, à quelques exceptions près, avec le placement des dieux sur les métopes orientales, où ils combattaient les géants. Ce n'est pas non plus un hasard si le mouvement des métopes orientales et de la partie orientale de la frise est dirigé vers le centre depuis les coins. Cela donne à la décoration sculpturale du temple une unité et un lien profond avec l'architecture. La frise du Parthénon est la création d'un génie. Il y a des raisons de croire que Phidias a pris une part directe à son exécution.

Frontons. Les compositions du fronton du Parthénon sont le summum du développement de ce type sculpture grecque d'après les sculptures des temples d'Artémis à Corfou, d'Athéna sur l'île d'Égine et de Zeus à Olympie. Les statues, fixées avec du plomb pour plus de solidité, étaient très hautes et avaient donc une légère inclinaison de la partie supérieure vers l'avant, de sorte que, vues d'en bas, elles étaient mieux visibles (ill. 57). Pendant deux millénaires et demi, ils ont beaucoup souffert et ce qui est aujourd'hui conservé dans les musées ne sont que les restes de belles sculptures. La plupart d’entre eux sont restés en ruines.

Sur de nombreuses statues, on peut voir des traces de ruisseaux de pluie qui se sont déversés à travers les ouvertures de la corniche pendant des siècles 42. Mais même dans cet état, ces sculptures anciennes laissent une impression indélébile.

Fronton ouest du Parthénon. Athéna et Poséidon se disputèrent, selon le mythe, pour la primauté en Attique. Ils étaient censés apporter des cadeaux à la ville. Poséidon, frappant le sol avec son trident, creusa une source. Athéna, enfonçant une lance dans le sol, créa un olivier, un arbre qui porte des fruits : les olives. Les Grecs donnèrent la préférence à la déesse et elle devint la patronne de leur ville. Cette dispute est représentée au centre du fronton ouest du Parthénon (ill. 71).

Pour imaginer comment se trouvaient les personnages du fronton dans l'Antiquité, les chercheurs ont dû faire bon travail. Descriptions survivantes d'auteurs anciens, croquis aléatoires de voyageurs - tout a été pris en compte. Avant l'explosion du Parthénon, le côté ouest (fig. 58) était mieux conservé que le côté est, à en juger par dessins célèbres l'artiste Curray, qui l'accompagna au XVIIe siècle. Ambassadeur de France en voyage en Grèce 43 (ill. 59, 60). Les auteurs anciens ont également laissé des descriptions des statues du Parthénon.

Sur le fronton ouest se trouvaient de gauche à droite les statues suivantes : Céphise, Nymphe, Kekrop, ses trois filles et son fils, Niké, Hermès, Athéna, Poséidon (une partie de cette statue se trouve à Athènes, une partie à Londres), Iris. , Amphitrite, trois filles et petit-fils Erechthea, Ilis (à Athènes), Callirhoe. Apparemment, les bébés de Boread ont également été présentés, ainsi que des images sculpturales de l'olivier planté par Athéna, de la source de Poséidon, des chevaux et des chars sur lesquels les dieux sont arrivés 44 .

Les divinités des rivières qui coulent à Athènes - Ilis et Kephis, représentées dans les coins sous la forme de jeunes hommes, indiquent la scène de l'action. À gauche se trouve le dieu du fleuve Céphise. Le contour de sa silhouette ressemble à la courbe élastique d'une vague. Cette impression est renforcée par les plis fluides des vêtements qui s'écoulent de ses mains, comme des ruisseaux d'eau (ill. 61, 62).

La statue de la rivière Ilisa dans le coin droit est bien moins bien conservée. Le dieu du fleuve est aussi plein de vie et de tension. Cependant, si Kephis a montré un mouvement ouvert et impétueux, alors Ilis est retenu et réservé. Les différentes interprétations des images ne sont pas fortuites et sont provoquées par l'emplacement des personnages sur le fronton. Kefis, avec son élan dynamique, semblait montrer du doigt la composition qui se déroulait. Ilis, qui l'a achevé et se trouvait près de la falaise du rocher d'Akronol, a arrêté l'attention d'une personne et l'a ramenée au centre du fronton.

Devant Kephis se trouvait Kekrop - l'ancienne divinité attique de la terre, le fondateur mythique des villes de l'Attique, c'est pourquoi l'Attique est parfois appelée Kekropia, et les Athéniens - Kekrop. Selon la légende, il fut le premier roi et sous lui il y eut une dispute entre Athéna et Poséidon. Habituellement représenté comme un homme avec une queue de serpent au lieu de jambes, il est assis sur ses anneaux et s'appuie dessus avec sa main. Sa fille se pressa doucement contre son épaule (ill. 63, 64). Ses filles étaient les déesses de la rosée et les sauveuses de la sécheresse 45, les plus proches compagnes d'Athéna - Aglaurus, Pandros, Herse 46. Le plus ancien héros attique Érechthée, fils de la terre, élève d'Athéna, l'ancienne divinité de la fertilité terrestre, dont le culte se confondit plus tard avec celui de Poséidon, est représenté sur le côté droit du fronton, non loin d'Ilis. Voici la fille d'Erechtheus Creus avec son fils Ion, ainsi que Leucothea avec le bébé Polémon.

Les statues de divinités sont pleines de vie. Même le torse en marbre mal conservé de l’épouse de Poséidon, Amphitrite, convainc de l’ancienne perfection de son image sculpturale. La plasticité des formes indique une main grand maître. Les mouvements de la déesse des mers sont assurés, nobles et tranquilles (ill. 65). La déesse de l'iris arc-en-ciel, reliant le ciel et la terre, médiatrice entre les Olympiens et le peuple, se précipite rapidement vers un vent fort et en rafales 47. Elle porte un chiton court et léger, comme mouillé, étroitement collé au corps et formant de nombreux petits plis magnifiques (ill. 66-68). La particularité de la composition classique, dans laquelle les figures individuelles sont dynamiques et l'action globale est équilibrée, se manifeste également dans les frontons du Parthénon. Malgré le fort contraste entre les actions des différents personnages, l'impression générale de l'ensemble de la statue reste harmonieuse. Chaque personnage semble exister dans l’espace, vit indépendamment, sans toucher les autres, mais exerce néanmoins sur elles un effet très fort.

Athéna et Poséidon. Le milieu des frontons du Parthénon n'est pas marqué, comme dans les temples antérieurs, par une seule figure. La statue centrale de telles compositions apparaissait dans des bâtiments archaïques, avec un nombre impair de colonnes aux extrémités. Le personnage le plus haut du fronton correspondait alors à la colonne du milieu. Peu à peu, les architectes sont passés d’un nombre impair de colonnes aux extrémités à un nombre pair. Mais les compositions sculpturales des frontons du temple d'Athéna sur l'île d'Égine, ainsi que de Zeus à Olympie, conservaient encore, selon les traditions anciennes, la figure principale de la divinité au centre. Uniquement au Parthénon composition sculpturale les frontons correspondent pleinement à l'architecture du temple. Seuls des fragments des statues des dieux se disputant Athéna et Poséidon situées au centre ont survécu, mais ils sont également très expressifs. Les maîtres grecs savaient imprégner tous les éléments d’une œuvre d’un sentiment unique et intégral. Même une partie d'une statue brisée conserve ainsi son humeur et son idée. Ainsi, dans un petit fragment de la statue d'Athéna, la majesté de la déesse apparaît dans un tour de tête fier, dans un tour d'épaules fort (ill. 69).

La main de Poséidon, frappant avec le trident, se leva. Cela se comprend même à partir de ce fragment insignifiant de la statue, que le temps n'a pas épargné (ill. 70). Force redoutable de l'Olympien, sa puissance s'incarne dans les formes généralisées et intégrales du torse. Chaque muscle de Poséidon semble saturé de vie. Sont communs performances idéales le pouvoir de la divinité est ici véhiculé sous les formes de la figure humaine. Le sculpteur grec, qui cherchait à montrer la perfection de Dieu, affirmait ainsi simultanément les possibilités illimitées de l'homme avec l'harmonie de son développement spirituel et physique. Dans une image visuellement claire et tangible tirée de la vie, des sentiments et des pensées non pas privés et petits, mais intégraux et profonds ont été exprimés. L’idée qui enthousiasmait l’humanité trouva heureusement à cette époque une forme concrète d’expression dans l’art.

Fronton est du Parthénon. Sur le fronton oriental, principalement parce que l'entrée du Parthénon se faisait par l'est (ill. 72), est représenté un grand événement pour les Hellènes : la naissance d'Athéna (ill. 73). Il s'agit d'un complot panhellénique, plus significatif que la dispute entre Athéna et Poséidon 48 . Au centre sont représentés les dieux de l'Olympe, dans les coins il n'y a plus les rivières athéniennes Céphise et Ilis, mais le dieu solaire Hélios et la déesse de la nuit Nyux dans les eaux de l'Océan. A gauche, Hélios montait sur un char, à droite il faisait nuit - Nyux se cachait dans l'océan avec son cheval. Avec la naissance d'Athéna, la journée ensoleillée commençait pour les Hellènes et la nuit se terminait.

Les figures centrales - Zeus sur le trône, Athéna s'envolant de sa tête, Héphaïstos, la déesse Ilithyie aidant à la naissance, Nike déposant une couronne sur la tête d'Athéna née - n'ont pas été conservées en raison de modifications ultérieures de cette partie du temple. . Les sculptures du fronton montraient comment le monde réagit à un grand événement. Iris 49 se précipite en pleine tempête, annonçant la nouvelle de la naissance de la sage Athéna (ill. 74). Elle est accueillie par les montagnes assises devant elle, les filles de Zeus, ouvrant et fermant les portes du ciel (ill. 75). Leurs têtes n’ont pas été préservées et il est impossible de juger à partir de leurs visages comment ils perçoivent le message d’Iris, mais la plasticité du mouvement révèle leurs sentiments et leur attitude face à ce qu’ils ont entendu. Celle qui se trouvait la plus proche d'Iris joignit les mains de joie et recula légèrement, comme étonnée par cette nouvelle. L'autre, assis plus loin, se dirigea vers le messager des dieux. C’est comme si elle n’avait pas encore tout entendu et voulait savoir ce que dit Iris.

En faisant varier le degré de réaction de ces personnages assis à proximité, le maître veut souligner que du centre du fronton jusqu'à ses angles on s'étend aussi loin que de l'Olympe aux eaux de l'Océan. Ainsi, le jeune homme assis plus loin des Montagnes, Céphale 50 ans, ne semble pas entendre le message d'Iris (ill. 76). Il tourne le dos à l'Olympe et regarde Hélios quitter l'Océan. L'harmonie des formes de cette statue est impeccable. Dans l'interprétation d'un cou fort et fort et d'un volume compact de la tête, dans le modelé des muscles qui traduisent bien le mouvement du corps, il n'y a pas de rigidité caractéristique des premières statues classiques ; L'état calme d'une personne active et forte s'exprime. L'image habituelle d'une figure jeune acquiert une sublimité particulière. Le maître grec ancien sait voir et montrer un phénomène simple de la vie aussi beau et significatif, sans recourir à des poses et des gestes spectaculaires dans ses compositions.

La statue de Céphale capte l'attention par la complexité et en même temps la clarté du mouvement présenté. Bien que le jeune homme soit assis dos à l'Olympe, le maître a réussi à transmettre le désir de se retourner dans son corps apparemment calme. Le début du mouvement lent est perceptible dans la position de sa jambe gauche. La figure est plastique et tridimensionnelle ; elle vit plutôt de manière indépendante dans l’espace plutôt que d’être reliée au fond plat du fronton. La statue de Céphale, comme d'autres images du Parthénon, n'est pas aussi fortement subordonnée au plan du fronton que les statues des temples antérieurs.

À gauche, Hélios monte sur un char. Le quadrige aurait encombré le coin, et le sculpteur se limita à représenter deux visages de chevaux dépassant des eaux de l'Océan. La plasticité des sculptures en marbre, les belles lignes de la courbure fière du cou des chevaux, l'inclinaison majestueuse de la tête des chevaux, comme dans une métaphore poétique, incarnent les sentiments de contemplation du luminaire ascendant solennellement et en douceur 51 (ill. 77). À la tête d'Hélios et de ses chevaux correspond, à droite, la demi-figure de la déesse de la nuit Nyux et la tête de son cheval, plongeant dans les eaux de l'Océan. Le museau du cheval est représenté avec sa lèvre dépassant du bord inférieur du fronton. Elle semblait ronfler de fatigue et se précipita vers l'eau fraîche. Goethe l'admirait, disant que le cheval est représenté tel qu'il sort des mains de la nature elle-même (ill. 78).

Statues de Moira. Les statues des déesses du destin - Moira sont situées sur le côté droit du fronton près du torse de Nux 52. Malgré les dégâts, ils captivent les gens par leur beauté. Certaines parties des statues conservent le sentiment qui habitait autrefois l'ensemble de l'œuvre et sont aussi expressives que des extraits de la majestueuse épopée grecque ou les lignes tendres d'un ancien poète lyrique (ill. 79, 80, 81). Les Moirai vivent dans l'organisme complexe du fronton et sont subordonnées à sa composition. Leur lien avec la forme triangulaire du cadre apparaît notamment dans le fait que les personnages sont placés sur des bancs qui s'élèvent progressivement vers la partie centrale. Plus on se rapproche du lieu de naissance d'Athéna, plus les masses sculpturales des statues sont mobiles, plus les poses sont dynamiques et agitées et plus les formes sont intenses. L'excitation des images augmente depuis les personnages calmes dans les coins extrêmes jusqu'au pathétique de la scène centrale.

L’augmentation constante de l’émotivité n’est pas perceptible dans les expressions faciales, car les têtes de Moira n’ont pas été préservées, mais dans la plasticité de leurs mouvements expressifs. À droite, Moira s'allongeait sur un lit bas, recouverte des plis de ses larges vêtements. Incarnation de la paix et de la détente, elle posa son coude sur les genoux de son amie et pressa son épaule contre sa poitrine. Celui du milieu, assis plus haut, est retenu dans ses mouvements.

Elle croisa les jambes et se pencha légèrement en avant vers la jeune fille agenouillée. La Moira de gauche, qui les dominait, semblait avoir entendu parler de la naissance d'Athéna il y a un instant et y répondit en se précipitant. la partie supérieure torse à l'Olympe. Tout son être est imprégné d’une excitation tremblante. De la paix profonde et sereine de la Moira de droite aux mouvements retenus et mesurés de celle du milieu, puis à l'agitation et à l'impétuosité de celle de gauche, se développe une composition dynamique du groupe, saturée d'une riche vie intérieure.

La puissance artistique de la plupart des monuments classiques de la Grèce n'est pas perdue, même si le sujet ou les noms des personnes représentées sont inconnus. Ce n'est pas un hasard si d'autres déesses sont parfois vues dans les statues de Moira. Le thème de ces œuvres est la conscience ressentie et véhiculée par l'ancien maître de l'importance de l'homme, de l'illimité de ses capacités et de la profonde admiration pour sa beauté. Les statues de Moir ne sont pas une illustration de ce qu'il imaginait le grec ancien déesses du destin. Le sculpteur y incarnait son idée de divers états humains - repos serein, activité calme, impulsion émotionnelle intense.

Les statues de Moira sont grandes et semblent plus grandes que les statues humaines. Ils sont majestueux non pas par leur taille, mais par la solennité de leurs poses et leur stricte harmonie. Tout ce qui est petit et ordinaire est étranger à leurs images. En même temps, leur grandeur n’est pas abstraitement idéale. C’est profondément vital. Les Moiras sont belles avec une beauté purement humaine et féminine. Les contours lisses de leurs personnages sont perçus comme extrêmement terrestres. Les vêtements d’autres statues similaires de l’époque classique deviennent pour ainsi dire un écho du corps humain. Les formes délicates sont soulignées par des plis de chitons légers. Ces plis coulent comme des ruisseaux après une violente pluie depuis de belles collines pittoresques, coulant autour des hauteurs de la poitrine, se rassemblant près de la taille, encadrant la rondeur des jambes et s'écoulant en légers ruisseaux sous les genoux. Tout est recouvert d'un réseau vivant de plis, seuls les genoux serrés, les épaules arrondies et la poitrine dépassent des flux mouvants, tantôt fractionnés, tantôt lourds et visqueux.

La réalité plastique des formes du marbre donne de la vitalité aux images de Moira. Dans les statues de jeunes filles accrochées les unes aux autres, la pierre froide acquiert la tendresse et la chaleur du corps humain. La beauté de l'homme parfait, qui illuminait le maître grec, trouvait son expression dans les statues des déesses antiques. Moira allie miraculeusement complexité et simplicité. L’universel et le personnel, le sublime et l’intime, le général et le particulier forment ici une unité inextricable. Il est difficile de nommer une autre œuvre dans l’histoire de l’art mondial dans laquelle ces qualités éternellement contradictoires seraient unies de manière plus holistique.

La décoration sculpturale du côté est du Parthénon a été soigneusement pensée. Au-dessus des métopes, représentant la bataille des Olympiens contre les géants, s'élevait un fronton avec la naissance d'Athéna. Située plus profondément derrière la colonnade extérieure, la frise mettait l'homme dans une ambiance solennelle, comme pour le préparer à contempler la statue d'Athéna Parthénos. Les sculptures en marbre du Parthénon sont sublimes et optimistes. Ils inculquent une foi profonde dans les capacités humaines, dans la beauté et l'harmonie du monde 53 . L'unité des formes architecturales et des décorations sculpturales du Parthénon incarne si complètement et si brillamment les grandes idées d'une grande époque que même après des millénaires, avec des traces de destruction barbare, cette œuvre est capable de rayonner des impulsions de nobles sentiments ressentis par ses créateurs. La contemplation du Parthénon donne à une personne une grande joie, l'élève et l'ennoblit.

Sur Acropole d'Athènes se dresse le temple de la Vierge Athéna Parthénos, dédié à la patronne de la ville d'Athènes (fille du dieu suprême Zeus) sous le règne de Périclès.

Les travaux de construction ont commencé en 447 avant JC et se sont terminés principalement en 438 avant JC. e., et les travaux de finition et de sculpture ont été réalisés avant même 434 avant JC. e.

L'architecte du Parthénon est Ictinus, son assistant est Callicrate. Le créateur du Parthénon est le célèbre sculpteur grec antique Phidias, basé sur des croquis et sous la direction générale duquel des travaux ont été réalisés pour créer des sculptures : la Vierge Athéna Parthénos, la frise de marbre, les métopes, les dandys du Parthénon par les meilleurs maîtres du 5ème siècle avant JC.

Le Parthénon d'Athènes a été construit en l'honneur de la victoire des Grecs sur les Perses, qui s'exprimait dans la solennité des formes des colonnes doriques du temple, dans son harmonie et dans ses proportions.

L'intérieur du temple a été donné vue majestueuse colonnade à deux étages. Dans le même temps, l'intérieur du Parthénon était divisé en la partie orientale (une salle plus grande), où se trouvait une statue d'Athéna Parthénos, réalisée selon la technique chrysoéléphantine, et la partie ouest, appelée en fait le Parthénon, dans laquelle le trésor athénien fut conservé.

Solution architecturale et structurelle du Parthénon

Parthénon dans la Grèce ancienne- un temple d'ordre dorique, l'architecture du Parthénon est telle qu'en plan il a la forme d'un rectangle, sa hauteur est de 24 m, sa base est le sommet plat d'un immense rocher de l'acropole, qui semble servir. comme un piédestal naturel.

Les dimensions optimales du Parthénon, qui était censé reposer sur un rocher, ont été déterminées selon le principe du « nombre d'or », à savoir : le rapport entre la masse du temple et le rocher doit correspondre aux proportions du temple. - ce rapport, d'ailleurs, était considéré comme harmonieux à l'époque de la Grèce antique.

Le Parthénon d'Athènes est entouré de tous côtés par des colonnes : l'architecture du Parthénon comprenait 8 colonnes sur les côtés courts et 14 sur les côtés longs. Les colonnes du Parthénon étaient placées plus souvent que dans les premiers temples doriques.

L'entablement n'est pas si massif, il semble donc que les colonnes soutiennent facilement le plafond. Les colonnes du Parthénon ne sont pas strictement verticales, mais légèrement inclinées vers l'édifice. Et ils n'ont pas tous la même épaisseur. Ceux des coins sont plus épais que les autres, mais sur un fond clair, ils semblent plus fins.

En inclinant légèrement les colonnes, en les rendant d'épaisseurs différentes, les créateurs du temple ont ainsi corrigé les distorsions optiques qui violaient l'harmonie et la plasticité du bâtiment, lui donnant ainsi de l'harmonie.

La colonne du Parthénon est divisée par des rainures verticales - des cannelures, qui rendent les coutures horizontales entre les parties de la colonne presque invisibles et semblent éliminer sa fermeture.

Conception artistique et décorative du Parthénon

Les structures qui décoraient le Parthénon nous sont d'une grande valeur : une frise en marbre, 92 métopes situées sur les quatre côtés du temple, deux frontons.

Frise du Parthénon. Sur la partie supérieure du mur du temple, derrière la colonnade extérieure, vous pouvez voir une frise - un zophore. Il s'agit d'un ruban de marbre en bas-relief continu à plusieurs figures de 160 mètres, qui représente 350 personnes et 250 animaux sous différents angles.

La frise du Parthénon était dédiée au festival des Grandes Panathénées, qui se tenait à Athènes tous les 4 ans en l'honneur de la patronne de la ville, la déesse Athéna.

Au début de la frise, un concours de cavaliers est représenté, puis il y a des animaux abattus, ils sont remplacés par une procession d'Athènes habillés de façon festive, portant au Parthénon la robe de fête d'Athéna (peplos), tissée par des filles athéniennes. .

A la fin de la procession, la partie terminale de la frise représente la fête des 12 dieux de l'Olympe. Les groupes de frises sont de petite taille, mais expressifs, ne répétant jamais les centaines de figures de personnes et d'animaux.

L'architecture du Parthénon supposait le placement de métopes au-dessus de la colonnade, à l'extérieur du temple, dont les parcelles étaient construites sur histoires mythologiques Attique, illustrant les exploits mineurs d'Athéna.

Il y avait 92 métopes au total – 14 sur les faces avant et 32 ​​sur les parois latérales. Ils ont été sculptés en haut-relief - haut-relief. Sur le fronton oriental, est représentée une scène de bataille entre dieux et géants. Du côté ouest se trouve une scène des Grecs combattant les Amazones.

Sur les métopes du côté nord du temple se trouve la chute de Troie, sur le côté sud se trouve la lutte entre les Lapithes et les centaures. Mais les groupes à fronton sont dédiés aux événements principaux et les plus importants de la vie de la déesse.

- Est et Ouest. Le fronton oriental, mieux conservé, représente la naissance d'Athéna de la tête de Zeus, selon la mythologie grecque antique.

Dans le coin droit du fronton oriental se trouvent trois figures féminines, peut-être trois Moiras (déesses du destin). La douceur douce et la chaleur du clair-obscur dans les plis des vêtements des personnages féminins sont rendues de manière intéressante.

Le fronton ouest représente un différend entre Athéna et Poséidon concernant la domination de l'Attique.

Peinture du Parthénon, revêtement. Le Parthénon a été entièrement construit à partir de carrés de marbre pentélique blanc posés à sec. Les propriétés de ce marbre sont telles que, en raison de la présence de fer, il acquiert au fil du temps une patine dorée, ce qui donne aux dalles une teinte chaude et jaunâtre.

Cependant, certaines dalles du Parthénon ont été peintes lorsqu'il était nécessaire de mettre en valeur certains éléments individuels. Ainsi, les triglyphes, masqués par la corniche, étaient recouverts de peinture bleue. De la peinture bleue était également utilisée pour le fond des métopes et des frontons.

La dorure a été utilisée pour peindre les dalles verticales des frontons. Les parties supérieures du temple étaient peintes en rouge foncé, parfois parfois ombrées d'étroites bandes de dorure.

Le Parthénon d’Athènes, dans sa forme originale, a existé pendant environ deux millénaires. A survécu jusqu'à nos jours : sur le territoire de l'acropole - colonnes détruites du temple, quelques fragments de métopes, frises, frontons - sont conservés dans divers musées du monde entier.

SCULPTURE DU PARTHÉNON

Le Parthénon est richement décoré de sculptures. Les dieux et héros de l'Olympe, les batailles des Grecs avec les Amazones et les centaures, les batailles des dieux avec les géants, les épisodes de la guerre de Troie et les processions solennelles sont représentés sur ses frontons, métopes et frises. Les sentiments et l’humeur des Grecs à l’apogée d’Athènes étaient incarnés dans des images plastiques. C'est pourquoi la fiction est ici perçue comme la réalité et les intrigues inspirées de la vie acquièrent le caractère d'une idéalité sublime particulière. La sculpture du Parthénon contient une signification profonde. La grandeur de l'homme se révèle dans des images clairement visibles - une idée qui s'exprime également dans l'architecture du temple 37.

Métopes du Parthénon. Des métopes étaient placées au-dessus de la colonnade extérieure du temple. Auparavant, les métopes en relief étaient généralement situées uniquement sur les côtés est et ouest. Ils décorèrent également le Parthénon au nord et au sud (ill. 39). Du côté ouest, la bataille des Grecs était représentée par des métopes.

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avec les Amazones ; au sud - des Grecs avec des centaures ; au nord - des scènes de la guerre de Troie ; à l'est - la bataille des dieux et des géants 38.

Les métons du côté ouest du Parthénon sont gravement endommagés. Les métopes du nord sont également mal conservées (sur trente-deux, douze seulement) : cette partie de la colonnade a été gravement endommagée par une explosion de poudre à canon. C'est d'autant plus dommage qu'ici, apparemment, les reliefs étaient particulièrement bien exécutés, puisqu'ils étaient le plus souvent bien en vue. De ce côté du Parthénon, il y avait une procession cérémonielle le long de l'Acropole.

Le sculpteur qui a décoré les métopes du côté nord de reliefs en a tenu compte et il a coordonné la direction du mouvement général et le développement de l'action sur les métopes nord avec le mouvement des personnes le long du temple. En effet, sur la première métope du côté nord (si vous longez

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Parthénon des Propylées) était représenté comme le dieu qui ouvre les événements ; l'un des derniers, ultimes, est la déesse de la nuit Nyux. Ces images correspondaient au début et à la fin de l'action. Les métopes du milieu montraient les préparatifs de la campagne, les adieux des soldats, le départ et les scènes de la guerre de Troie. L'entrée du temple se faisait par l'est et dans les décorations de ce côté les sculpteurs représentaient les événements les plus significatifs. Les métopes orientales montraient la lutte et la victoire des dieux olympiens sur les géants.

Métopes du sud. Batailles des Grecs avec les centaures. Les mieux conservées de toutes sont 18 (sur 32) métopes situées sur le côté sud du Parthénon, face à la falaise. La proximité de la falaise interférait évidemment avec la perception de l'homme debout sur l'Acropole, près du temple. Ils étaient clairement visibles de loin, depuis la ville en contrebas. Par conséquent, les maîtres ont rendu les figures particulièrement volumineuses.

Les reliefs diffèrent sans doute les uns des autres par la nature de leur exécution ; que différents artisans y ont travaillé. Beaucoup ne nous sont pas parvenus, mais ceux qui ont survécu étonnent par leur représentation magistrale de la bataille. Ces métopes représentent la bataille entre les Grecs et les centaures 39 . Les cadres carrés montrent des scènes de combats acharnés à mort, diverses situations de lutte et des positions corporelles complexes.

Il y a ici de nombreux thèmes tragiques. Souvent, les centaures triomphent des vaincus. Dans l'une des métopes, le Grec tente en vain de se défendre contre l'ennemi qui avance, dans l'autre, un Hellène est représenté prosterné à terre et un centaure triomphant de lui. Dans de telles dalles, le drame profond de l'événement résonne fort - la mort d'un héros dans un combat avec un terrible

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force maléfique (ill. 40, 41). Les Grecs victorieux sont également représentés : l'un a saisi à la gorge l'ennemi affaibli, l'autre s'est jeté sur le centaure et s'apprête à lui porter un coup décisif (ill. 42, 43). Il est parfois impossible de prédire qui sera le gagnant. Dans une métope, un Grec et un centaure sont comparés à deux hautes vagues qui entrent en collision.

Les maîtres classiques équilibrent les forces antagonistes des métopes et donnent à chaque monument une impression généralement harmonieuse. Les sculpteurs classiques montrent toujours l'ébullition intérieure des passions, des conflits complexes, parfois tragiques, sous une forme extérieurement calme et retenue. Chaque image individuelle est excitée et dynamique, mais dans son ensemble, la scène entière est généralement amenée dans un état d'harmonie compositionnelle.

Chaque métope a son propre thème unique - parfois tragique, parfois victorieux et bravoure, parfois rempli de la tension d'une lutte inhumaine, parfois calme. La nature des sentiments est exprimée avec une clarté et une pureté cristallines. Ces images sont infiniment éloignées du pathos théâtral, du manque de sincérité et de la réticence significative qui apparaîtront dans l’art des siècles ultérieurs. Les classiques sont extrêmement véridiques lorsqu’ils décrivent quelque chose de terrible et de tragique ; il reste entier et harmonieux même dans l'expression d'une grande souffrance. Les maîtres des grands classiques sont capables de montrer avec retenue, avec un calme profond, ce que les artistes des époques ultérieures raconteront d'une voix tremblante.

Frise du Parthénon. La frise (zophore) du Parthénon (ill. 44), d'une longueur totale de 160 mètres et d'une largeur d'environ un mètre, est une œuvre particulièrement solide, en harmonie avec la profonde interconnexion de toutes ses images.

La troisième année de chaque Olympiade (quadriennale), vers la fin juillet selon notre calendrier, après les compétitions de gymnastique et de musique, commençait une procession solennelle vers l'Acropole. Pour cette journée, les filles préparaient le tissu pour l'ancienne statue en bois d'Athéna. Textile

renforcés sur le mât du navire, qu'ils portaient entre leurs mains. Le navire était suivi par des prêtres, des dirigeants de la ville, de nobles Athéniens et des ambassadeurs. Des chars se déplaçaient dans les rues et des cavaliers galopaient sur des chevaux.

La frise représente la procession des Athéniens le jour des Grandes Panathénées. Le mouvement sur les reliefs commence à partir du coin sud-ouest du temple et se déroule en deux courants. Une partie du peuple représenté sur la frise se dirige vers l'est sur le côté sud du Parthénon, l'autre va d'abord le long du côté ouest, puis se tourne et marche le long du côté nord du temple jusqu'à la frise orientale, où les dieux sont représentés. Les participants à la procession proprement dite, passant près du Parthénon, ont vu ces reliefs - une image généralisée et idéale, un écho de la vie réelle.

Côté ouest de la frise. Sur les dalles en relief, on peut voir comment les cavaliers se préparent pour la procession : ils se parlent, attachent leurs sandales, sellent et conduisent lentement leurs chevaux, et apprivoisent les chevaux trop chauds. Les images sont pleines de vitalité, notamment la scène où, à proximité de deux jeunes hommes qui discutent, un cheval chasse un taon ou s'envole de sa patte. Ensuite, les cavaliers commencent leur mouvement en se suivant (ill. 45,46,47). La composition de la partie ouest constitue le début de toute la frise : le mouvement de la procession se déplacera vers le côté nord du temple. En même temps, il est perçu comme un relief complètement fini, puisque le long des bords, comme pour l'encadrer, se dressent des figures de jeunes hommes calmes. Sur la photo

situé près du coin nord-ouest, comme si ils arrêtaient un instant les cavaliers, qui l'instant suivant continueraient encore leur voyage sur les reliefs du côté nord.

Le cortège va de droite à gauche. Il est à noter que les restes de figures sur les métopes occidentales peuvent parler d'un mouvement général sur celles-ci, au contraire de gauche à droite. Ainsi, les actions sur la frise et les métopes sont comme

s'annuleraient. Ce solde correspondait au côté d'extrémité du temple, le long duquel ne passait pas le chemin de la procession solennelle. Pour éviter la monotonie dans la représentation des cavaliers au galop, le maître interrompt le mouvement à deux endroits. Ainsi, il représente sur l'une des dalles un jeune homme démonté, tourné dans le sens inverse du mouvement, posant son pied sur une pierre (ill. 47). Le sculpteur semble donner à l’œil du spectateur l’occasion de se reposer et après une pause, le mouvement recommence. La répartition des actions sur les métopes et la frise de la façade ouest, ainsi que les caractéristiques de la composition, nous convainquent de la cohérence du travail des sculpteurs et architectes du Parthénon, de l'unité profonde de l'architecture et de la plasticité de cette belle structure classique.

Frise latérale nord. La frise du côté nord du temple est plus longue. Il montre non seulement des cavaliers, mais aussi des chars, des prêtres avec des animaux sacrificiels, des musiciens et des jeunes hommes avec des cadeaux sacrés. Le mouvement au début est plus rapide que sur la partie ouest et inégal. Les chevaux galopent, parfois plus vite, parfois plus lentement. Les riders se rapprochent parfois les uns des autres, et il semble que... ils sont à l'étroit (ill. 48). Parfois, ils sont placés plus librement

bout. On a l'impression d'un rythme pulsé et intense, comme si l'on pouvait entendre le cliquetis fractionné des sabots des chevaux. Parfois, le cortège est arrêté par un personnage apparaissant à contre-courant. Et encore une fois, les chevaux galopent après elle. La beauté de la composition de la frise nord est renforcée par des lignes de contour douces et flexibles et des formes en relief basses, apparemment respirantes.

Devant les cavaliers, fleur de la jeunesse athénienne, représentants des meilleures familles de la ville 40, sont présentés des chars, régulièrement tirés par de beaux et puissants chevaux. Parfois, l'uiryazha n'est pas visible, car il a été peint avec une peinture qui n'a pas été conservée. Dans cette partie de la frise se trouvent de nombreux contours arrondis et lisses - des roues, la croupe des chevaux, les courbes de leurs corps, les mains des conducteurs de char. L'ambiance est calme, les mouvements sont mesurés.

La vitesse des chars ralentit progressivement. Un personnage venant en sens inverse semble les arrêter. Des cavaliers au galop rapide et du mouvement lent des chars, le maître passe au calme cortège des Athéniens âgés qui portent des rameaux d'olivier à la main. Leurs gestes sont retenus. Certains se parlent, d’autres se retournent, comme s’ils regardaient le cortège qui les suit.

Devant les aînés, quatre jeunes hommes portent sur leurs épaules des hydries, des vases à eau (ill. 49). A droite, on se penche et ramasse une cruche par terre. Les personnages sont placés librement, dispersés. Les béliers sacrificiels sont conduits par des prêtres qui discutent entre eux (ill. 50). L'un d'eux

caresse affectueusement le dos du bélier. Devant eux se trouvent des musiciens en longues robes, avec des flûtes et des lyres, puis des étrangers avec des cadeaux - des paniers remplis de fruits et de pain. Au bout de la frise nord, on peut voir des prêtres avec des taureaux sacrificiels. L'un des taureaux leva le museau et parut rugir pitoyablement. Les belles figures des conducteurs expriment la tristesse : leurs têtes penchaient, l'un d'eux était étroitement enveloppé dans un manteau (ill. 51). La dernière figure d'angle complète la frise, comme pour fermer la composition et arrêter le mouvement.

Tout est mis en harmonie dans l’image de la procession festive des Panathénaïques. Au début, les chiffres étaient remplis de tension. Plus près de la partie orientale de la frise, les participants au cortège marchent solennellement. Les maîtres des classiques n'aimaient pas la irrégularité de l'action, le manque d'accord, ils préféraient la clarté et l'exhaustivité logique. La procession sur la frise du côté longitudinal du temple correspondait également au sens d'action sur les métopes nord.

Frise sud. La frise sud a souffert plus durement, mais même là, on peut voir les participants à une procession calme et majestueuse. Les cavaliers roulent sur trois profondeurs, mais il n'y a ni foule ni agitation. Le maître montre des jeunes hommes portant d'élégantes bottes de cuir à revers, une armure courte et parfois des manteaux. Ils semblent émerveillés par la célébration solennelle ; visiblement, c'est la première fois qu'ils y participent. Comme dans les cent du nord

Des rones, des chars et des conducteurs avec des animaux sacrificiels se déplacent ici. Certains taureaux marchent docilement, d'autres, gémissant pitoyablement, sont retenus par les serviteurs (ill. 52, 53). Le groupe, qui représente deux prêtres marchant derrière un taureau, est impeccable par la beauté de sa composition et de son rythme. L'un des prêtres s'est retourné en marchant et, légèrement penché, a regardé en arrière.

Frise Est. La circulation sur les frises nord et sud est dirigée vers la partie est du temple. La frise orientale représente des dieux assis. De nobles Athéniens viennent vers eux de droite et de gauche. Les Olympiens rencontrent le cortège en deux groupes. La gauche fait face aux personnages de la frise sud. C'est vrai - à ceux qui s'approchent du nord. Plus on se rapproche du centre, moins les chiffres sont affichés.

Les Athéniens se parlent convenablement, comme s'ils se souvenaient constamment de la proximité de leurs clients. Voici des filles avec des bols et des cruches à la main, des femmes majestueuses. Leurs silhouettes sont élancées. Les plis fluides des manteaux ressemblent aux rainures des colonnes du Parthénon. Les idées sublimes et significatives incarnées dans les formes architecturales du temple sont, pour ainsi dire, répétées dans ses détails, dans le décor, dans le simple et l'ordinaire - dans les beaux plis des vêtements des gens (ill. 54).

Les dieux assis sur leurs trônes sont nettement plus grands que les mortels Athéniens. Si les dieux voulaient se lever, ils ne rentreraient pas

59, 60. Fronton ouest du Parthénon. Croquis de l'artiste Currey.

sur la frise. En cela, ils diffèrent des gens ordinaires, qui par ailleurs ressemblent aux merveilleux olympiens. A gauche sont assis Zeus sur un trône à dossier, Péra, qui tourna son visage vers lui, Iris et Eros, Ares, Déméter, Dionysos et Hermès. Sur le côté droit se trouvent Athéna, Héphaïstos, puis Poséidon, Apollon, Peython 41 et enfin Aphrodite. Au centre de la frise au-dessus de l'entrée du temple sont représentés le prêtre et la prêtresse de la déesse Athéna (ill. 55,56).

Il est à noter que le placement des dieux sur la frise orientale est cohérent, à quelques exceptions près, avec le placement des dieux sur les métopes orientales, où ils combattaient les géants. Ce n'est pas non plus un hasard si le mouvement des métopes orientales et de la partie orientale de la frise est dirigé vers le centre depuis les coins. Cela donne à la décoration sculpturale du temple une unité et un lien profond avec l'architecture. La frise du Parthénon est la création d'un génie. Il y a des raisons de croire que Phidias a pris une part directe à son exécution.

Frontons. Les compositions du fronton du Parthénon constituent le summum du développement de ce type de sculpture grecque après les sculptures des temples d'Artémis à Corfou, d'Athéna sur l'île d'Égine et de Zeus à Olympie. Les statues, fixées avec du plomb pour plus de solidité, étaient très hautes et avaient donc une légère inclinaison de la partie supérieure vers l'avant, de sorte que, vues d'en bas, elles étaient mieux visibles (ill. 57). Au cours de deux millénaires et demi, ils ont beaucoup souffert et ce qui est aujourd'hui conservé dans les musées ne sont que les restes de belles sculptures, dont la plupart ont survécu en ruines.

Sur de nombreuses statues, on peut voir des traces de ruisseaux de pluie qui se sont déversés à travers les ouvertures de la corniche pendant des siècles 42. Mais même dans cet état, ces sculptures anciennes laissent une impression indélébile.

Fronton ouest du Parthénon. Athéna et Poséidon se disputèrent, selon le mythe, pour la primauté en Attique. Ils étaient censés apporter des cadeaux à la ville. Poséidon, frappant le sol avec son trident, creusa une source. Athéna, poussant

61, 62. Fronton ouest du Parthénon. Kéfis.

avec une lance dans le sol, elle créa un olivier, un arbre portant des fruits : des olives. Les Grecs donnèrent la préférence à la déesse et elle devint la patronne de leur ville. Cette dispute est représentée au centre du fronton ouest du Parthénon (ill. 71).

Pour imaginer comment se trouvaient les personnages du fronton dans l’Antiquité, les chercheurs ont dû faire beaucoup de travail. Les descriptions survivantes d'auteurs anciens, les croquis aléatoires de voyageurs - tout a été pris en compte.

63, 64. Fronton ouest du Parthénon. Kekrop avec sa fille.

la manie. Avant l'explosion du Parthénon, le côté ouest (ill. 58) était mieux conservé que le côté oriental, à en juger par les célèbres dessins de l'artiste Carrey, qui l'accompagna au XVIIe siècle. Ambassadeur de France en voyage en Grèce 43 (ill. 59,60). Les auteurs anciens ont également laissé des descriptions des statues du Parthénon.

Sur le fronton ouest se trouvaient de gauche à droite les statues suivantes : Céphise, Nymphe, Ko Kron, ses trois filles et son fils, Niké, Hermès, Athéna, Poséidon (une partie de cette statue est à Athènes, une partie à Londres), Iris, Amphitrite, trois filles et petit-fils Erechthea, Ilis (à Athènes), Callirhoe. Apparemment, les bébés de Boread ont également été présentés, ainsi que des images sculpturales de l'olivier planté par Athéna, la source de Poséidon, et des chars dans lesquels les dieux sont arrivés 44.

Les divinités des rivières qui coulent à Athènes - Ilis et Kephis, représentées dans les coins sous la forme de jeunes hommes, indiquent la scène de l'action. À gauche se trouve le dieu du fleuve Céphise. Le contour de sa silhouette ressemble à la courbe élastique d'une vague. Cette impression est renforcée par le

des mains, comme des ruisseaux d'eau, des plis de vêtements qui coulent doucement (ill. 61, 62).

La statue de la rivière Ilisa dans le coin est bien moins bien conservée. Le dieu du fleuve est aussi plein de vie et de tension. Cependant, si Képhis avait un mouvement ouvert et brillamment impétueux, alors

66, 67, 68. Fronton ouest du Parthénon. Iris

Ilis est réservé et réservé. Les différentes interprétations des images ne sont pas fortuites et sont provoquées par l'emplacement des personnages sur le fronton. Kefis, avec son élan dynamique, semblait montrer du doigt la composition qui se déroulait. Ilis, qui l'a achevé et se trouvait près de la falaise du rocher de l'Acropole, a arrêté l'attention d'une personne et l'a ramenée au centre du fronton.

Devant Kephis se trouvait Kekrop - l'ancienne divinité attique de la terre, le fondateur mythique des villes de l'Attique, c'est pourquoi l'Attique est parfois appelée Kekropia, et les Athéniens - Kekrop. Selon la légende, il fut le premier roi et sous lui il y eut une dispute entre Athéna et Poséidon. Habituellement représenté comme un homme avec une queue de serpent au lieu de jambes, il est assis sur ses anneaux et s'appuie dessus avec sa main. Sa fille se pressa doucement contre son épaule (ill. 63,64). Ses filles étaient les déesses de la rosée et les sauveuses de la sécheresse 45, les plus proches compagnes d'Athéna - Aglaurus, Pandros, Herse 46. Le plus ancien héros attique Érechthée, fils de la terre, élève d'Athéna, ancienne divinité de la fertilité terrestre, dont le culte fusionna plus tard

avec le culte de Poséidon, représenté sur le côté droit du fronton, près d'Ilis. Voici la fille d'Erechtheus Creus avec son fils Ion, ainsi que le Lion de Café avec le bébé Polémon.

Les statues de divinités sont pleines de vie. Même le torse en marbre mal conservé de l’épouse de Poséidon, Amphitrite, convainc de l’ancienne perfection de son image sculpturale. La plasticité des formes témoigne de la main d'un grand maître. Les mouvements de la déesse des mers sont assurés, nobles et tranquilles (ill. 65). Déesse Ra-

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L'arc Iris, reliant le ciel et la terre, médiateur entre les Olympiens et le peuple, s'élance rapidement vers l'avant, vers un vent fort en rafales 47. Elle porte un chiton court et léger, comme mouillé, étroitement collé au corps et formant de nombreux petits plis magnifiques (ill. 66-68). La particularité de la composition classique, dans laquelle les figures individuelles sont dynamiques et l'action globale est équilibrée, se manifeste également dans les frontons du Parthénon. Malgré le fort contraste entre les actions des différents personnages, l'impression générale de l'ensemble de la statue reste harmonieuse. Chaque personnage semble exister dans l’espace, vit indépendamment, sans toucher les autres, mais exerce néanmoins sur elles un effet très fort.

Athéna et Poséidon. Le milieu des frontons du Parthénon n'est pas marqué, comme dans les temples antérieurs, par une seule figure. La statue centrale de telles compositions apparaissait dans des bâtiments archaïques, avec un nombre impair de colonnes aux extrémités. Le personnage le plus haut du fronton correspondait alors à la colonne du milieu. Peu à peu, les architectes sont passés d’un nombre impair de colonnes aux extrémités à un nombre pair. Mais les compositions sculpturales des frontons du temple d'Athéna sur l'île d'Égine, ainsi que de Zeus à Olympie, conservaient encore, selon les traditions anciennes, la figure principale de la divinité au centre. Ce n'est que dans le Parthénon que la composition sculpturale des frontons correspond pleinement à l'architecture du temple. Seuls des fragments des statues des dieux se disputant Athéna et Poséidon situées au centre ont survécu, mais ils sont également très expressifs. Les maîtres grecs savaient imprégner tous les éléments d’une œuvre d’un sentiment unique et intégral. Même une partie d'une statue brisée conserve ainsi son humeur et son idée. Ainsi, dans un petit fragment de la statue d'Athéna, la majesté de la déesse apparaît dans un tour de tête fier, dans un tour d'épaules fort (ill. 69).

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La main de Poséidon, frappant avec le trident, se leva. Cela se comprend même à partir de ce fragment insignifiant de la statue, que le temps n'a pas épargné (ill. 70). Force redoutable de l'Olympien, sa puissance s'incarne dans les formes généralisées et intégrales du torse. Chaque muscle de Poséidon semble saturé de vie. Les idées générales idéales sur le pouvoir de la divinité sont véhiculées ici sous les formes de la figure humaine. Le sculpteur grec, qui cherchait à montrer la perfection de Dieu, affirmait ainsi simultanément les possibilités illimitées de l'homme avec l'harmonie de son développement spirituel et physique. Dans une image visuellement évidente et tangible prise sur le vif, on n'entendait pas de petites choses particulières, mais

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des sentiments et des pensées entières et profondes. L’idée qui enthousiasmait l’humanité trouva heureusement à cette époque une forme concrète d’expression dans l’art.

Fronton est du Parthénon. Sur le fronton oriental, principalement parce que l'entrée du Parthénon se faisait par l'est (ill. 72), est représenté un grand événement pour les Hellènes : la naissance d'Athéna (ill. 73). Il s'agit d'un complot panhellénique, plus significatif que la dispute entre Athéna et Poséidon 48 . Au centre sont représentés les dieux de l'Olympe, dans les coins il n'y a plus les rivières athéniennes Céphise et Ilis, mais le dieu solaire Hélios et la déesse de la nuit Nyux dans les eaux de l'Océan. A gauche, Hélios montait sur un char, à droite il faisait nuit - Nyux se cachait dans l'océan avec son cheval. Avec la naissance d'Athéna, la journée ensoleillée commença et la nuit se termina pour les Hellènes.

Les figures centrales - Zeus sur le trône, Athéna s'envolant de sa tête, Héphaïstos, la déesse Ilithyie aidant à la naissance, Nike déposant une couronne sur la tête d'Athéna née - n'ont pas été conservées en raison de modifications ultérieures de cette partie du temple. . Les sculptures du fronton montraient comment le monde réagit à un grand événement. se précipite violemment

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en avant Iris 49, rapportant la nouvelle de la naissance de la sage Athéna (ill. 74). Elle est accueillie par les montagnes assises devant elle, les filles de Zeus, ouvrant et fermant les portes du ciel (ill. 75). Leurs têtes n’ont pas été préservées et il est impossible de juger à partir de leurs visages comment ils perçoivent le message d’Iris, mais la plasticité du mouvement révèle leurs sentiments et leur attitude face à ce qu’ils ont entendu. Emplacement

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la femme la plus proche d'Iris joignit les mains de joie et recula légèrement, comme émerveillée par cette nouvelle. L'autre, assis plus loin, se dirigea vers le messager des dieux. C’est comme si elle n’avait pas encore tout entendu et voulait savoir ce que dit Iris.

En faisant varier le degré de réaction de ces personnages assis à proximité, le maître veut souligner que du centre du fronton jusqu'à ses angles on s'étend aussi loin que de l'Olympe aux eaux de l'Océan. Ainsi, le jeune homme assis plus loin des Montagnes, Céphale 50 ans, ne semble pas entendre le message d'Iris (ill. 76). Il tourne le dos à l'Olympe et regarde Hélios quitter l'Océan. L'harmonie des formes de cette statue est impeccable. Dans l'interprétation d'un cou fort et fort et d'un volume compact de la tête, dans le modelé des muscles qui traduisent bien le mouvement du corps, il n'y a pas de rigidité caractéristique des premières statues classiques ; L'état calme d'une personne active et forte s'exprime. L'image habituelle d'une figure jeune acquiert une sublimité particulière. Le maître grec ancien sait voir et montrer un phénomène simple de la vie aussi beau et significatif, sans recourir à des poses et des gestes spectaculaires dans ses compositions.

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La statue de Céphale capte l'attention par la complexité et en même temps la clarté du mouvement présenté. Bien que le jeune homme soit assis dos à l'Olympe, le maître a réussi à transmettre le désir de se retourner dans son corps apparemment calme. Le début du mouvement lent est perceptible dans la position de sa jambe gauche. La figure est plastique et tridimensionnelle ; elle vit plutôt de manière indépendante dans l’espace plutôt que d’être reliée au fond plat du fronton. La statue de Céphale, comme d'autres images du Parthénon, n'est pas aussi fortement subordonnée au plan du fronton que les statues des temples antérieurs.

À gauche, Hélios monte sur un char. Le quadrige aurait encombré le coin, et le sculpteur se limita à représenter deux visages de chevaux dépassant des eaux de l'Océan. La plasticité des sculptures en marbre, les belles lignes de la courbure fière du cou des chevaux, l'inclinaison majestueuse de la tête des chevaux, comme dans une métaphore poétique, incarnent les sentiments de contemplation du luminaire ascendant solennellement et en douceur 51 (ill. 77). À la tête d'Hélios et de ses chevaux correspond, à droite, la demi-figure de la déesse de la nuit Nyux et la tête de son cheval, plongeant dans les eaux de l'Océan. Le museau du cheval est représenté avec sa lèvre dépassant du bord inférieur du fronton. Elle semblait ronfler

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par fatigue et je me précipitai vers l'eau fraîche. Goethe l'admirait, disant que le cheval est représenté tel qu'il sort des mains de la nature elle-même (ill. 78).

Statues de Moira. Les statues des déesses du destin - Moira sont situées sur le côté droit du fronton près du torse de Nux 52.

Malgré les dégâts, ils captivent les gens par leur beauté. Certaines parties des statues conservent le sentiment qui habitait autrefois l'ensemble de l'œuvre et sont aussi expressives que des extraits de la majestueuse épopée grecque ou les lignes tendres d'un ancien poète lyrique (ill. 79, 80, 81). Les Moirai vivent dans l'organisme complexe du fronton et sont subordonnées à sa composition. Leur lien avec la forme triangulaire du cadre apparaît notamment dans le fait que les personnages sont placés sur des hauteurs progressivement croissantes.

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la partie centrale des bancs. Plus on se rapproche du lieu de naissance d'Athéna, plus les masses sculpturales des statues sont mobiles, plus les poses sont dynamiques et agitées et plus les formes sont intenses. L'excitation des images augmente depuis les personnages calmes dans les coins extrêmes jusqu'au pathétique de la scène centrale.

L’augmentation constante de l’émotivité n’est pas perceptible dans les expressions faciales, car les têtes de Moira n’ont pas été préservées, mais dans la plasticité de leurs mouvements expressifs. À droite, Moira s'allongeait sur un lit bas, recouverte des plis de ses larges vêtements. Incarnation de la paix et de la détente, elle posa son coude sur les genoux de son amie et pressa son épaule contre sa poitrine. Celui du milieu, assis plus haut, est retenu dans ses mouvements.

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Elle croisa les jambes et se pencha légèrement en avant vers la jeune fille agenouillée. La Moira de gauche, qui les dominait, semblait avoir entendu parler de la naissance d'Athéna il y a un instant et y avait répondu, se précipitant avec le haut de son torse vers l'Olympe. Tout son être est imprégné d’une excitation tremblante. De la paix profonde et sereine de la Moira de droite aux mouvements retenus et mesurés de celle du milieu, puis à l'agitation et à l'impétuosité de celle de gauche, se développe une composition dynamique du groupe, saturée d'une riche vie intérieure.

La puissance artistique de la plupart des monuments classiques de la Grèce n'est pas perdue, même si le sujet ou les noms des personnes représentées sont inconnus. Ce n'est pas un hasard si d'autres déesses sont parfois vues dans les statues de Moira. Le thème de ces œuvres est la conscience ressentie et véhiculée par l'ancien maître de l'importance de l'homme, de l'illimité de ses capacités et de la profonde admiration pour sa beauté. Les statues de Moira ne sont pas une illustration de la façon dont les Grecs anciens imaginaient les déesses du destin. Le sculpteur y incarnait son idée de divers états humains - repos serein, activité calme, impulsion émotionnelle intense.

Les statues de Moira sont grandes et semblent plus grandes que les statues humaines. Ils sont majestueux non pas par leur taille, mais par la solennité de leurs poses et leur stricte harmonie. Tout ce qui est petit et ordinaire est étranger à leurs images. En même temps, leur grandeur n’est pas abstraitement idéale. C’est profondément vital. Les Moiras sont belles avec une beauté purement humaine et féminine. Les contours lisses de leurs personnages sont perçus comme extrêmement terrestres. Les vêtements d’autres statues similaires de l’époque classique deviennent pour ainsi dire un écho du corps humain. Les formes délicates sont soulignées par des plis de chitons légers. Ces plis coulent comme des ruisseaux après une violente pluie depuis de belles collines pittoresques, coulant autour des hauteurs de la poitrine, se rassemblant près de la taille, encadrant la rondeur des jambes et s'écoulant en légers ruisseaux sous les genoux. Tout est recouvert d'un réseau vivant de plis, seuls les genoux serrés, les épaules arrondies et la poitrine dépassent des flux mouvants, tantôt fractionnés, tantôt lourds et visqueux.

La réalité plastique des formes du marbre donne de la vitalité aux images de Moira. Dans les statues de jeunes filles accrochées les unes aux autres, la pierre froide acquiert la tendresse et la chaleur du corps humain. La beauté de l'homme parfait, qui illuminait le maître grec, trouvait son expression dans les statues des déesses antiques. Moira allie miraculeusement complexité et simplicité. L’universel et le personnel, le sublime et l’intime, le général et le particulier forment ici une unité inextricable. Il est difficile de nommer une autre œuvre dans l’histoire de l’art mondial dans laquelle ces qualités éternellement contradictoires seraient unies de manière holistique.

La décoration sculpturale du côté est du Parthénon a été soigneusement pensée. Au-dessus des métopes représentant la bataille des Olympiens contre les géants,

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le fronton s'est élevé avec la naissance d'Athéna. Située plus profondément derrière la colonnade extérieure, la frise mettait l'homme dans une ambiance solennelle, comme pour le préparer à contempler la statue d'Athéna Parthénos. Les sculptures en marbre du Parthénon sont sublimes et optimistes. Ils inculquent une foi profonde dans les capacités humaines, dans la beauté et l'harmonie du monde 53 . L'unité des formes architecturales et des décorations sculpturales du Parthénon incarne si complètement et si brillamment les grandes idées d'une grande époque que même après des millénaires, avec des traces de destruction barbare, cette œuvre est capable de rayonner des impulsions de nobles sentiments ressentis par ses créateurs. La contemplation du Parthénon donne à une personne une grande joie, l'élève et l'ennoblit.