Les sculptures antiques de la Grèce, ainsi que les temples, les poèmes d'Homère, les tragédies des dramaturges et comédiens athéniens, ont fait la grandeur de la culture hellène. Mais l’histoire de l’art plastique grec n’était pas statique, mais passait par plusieurs étapes de développement.
Sculpture archaïque de la Grèce antique
Au Moyen Âge, les Grecs fabriquaient des images cultes de dieux en bois. Ils étaient appelés Xoans. Ils sont connus grâce aux œuvres d'écrivains anciens ; des échantillons de xoans n'ont pas survécu.
En plus d'eux, aux XIIe-VIIIe siècles, les Grecs fabriquaient des figurines primitives en terre cuite, en bronze ou en ivoire. La sculpture monumentale apparaît en Grèce au début du VIIe siècle. Les statues qui servaient à décorer les frises et les frontons des temples antiques sont en pierre. Certaines sculptures étaient en bronze.
Le plus premières sculptures Archaïques de la Grèce antique trouvées sur Crète. Leur matériau est le calcaire et l'influence de l'Orient se ressent dans les figures. Mais la statue en bronze appartient à cette région" Kriofor", représentant un jeune homme avec un bélier sur les épaules.
Sculpture archaïque de la Grèce antique
Il existe deux principaux types de statues de l'époque archaïque : kouros et koros. Kouros (traduit du grec par « jeunesse ») était un jeune homme debout et nu. Une jambe de la statue s'étendait vers l'avant. Les commissures des lèvres des kouros étaient souvent légèrement relevées. Cela a créé ce qu’on appelle le « sourire archaïque ».
Kora (traduit du grec par « jeune fille », « fille ») est une sculpture féminine. La Grèce antique des VIIIe-VIe siècles a laissé des images de kors en longues tuniques. Les artisans d'Argos, de Sikyon et des îles Cyclades préféraient fabriquer des kouros. Sculpteurs d'Ionie et d'Athènes - cor. Les Kuros n'étaient pas des portraits de personnes spécifiques, mais représentaient une image généralisée.
Sculpture féminine Grèce antique L'architecture et la sculpture de la Grèce antique ont commencé à interagir à l'époque archaïque. Au début du VIe siècle, il y avait un temple d'Hékatompédon à Athènes. Le fronton de l'édifice culte était décoré d'images du duel entre Hercule et Triton.
Trouvé sur l'Acropole d'Athènes statue de Moschophore(homme portant un veau) en marbre. Elle fut achevée vers 570. L'inscription dédicatoire indique qu'elle est un cadeau aux dieux de la part de l'Athénienne Rhonba. Une autre statue athénienne - Kouros sur la tombe du guerrier athénien Kroisos. L'inscription sous la statue indique qu'elle a été érigée à la mémoire d'un jeune guerrier décédé au premier rang.
Kouros, Grèce antique Ère classique
Au début du Ve siècle, le réalisme des figures s'accroît dans la sculpture grecque. Les maîtres reproduisent soigneusement les proportions du corps humain et son anatomie. Les sculptures représentent une personne en mouvement. Les successeurs des kouros précédents - statues d'athlètes.
Les sculptures de la première moitié du Ve siècle sont parfois classées comme de style « sévère ». L'exemple le plus frappant du travail de cette époque est sculptures du temple de Zeus à Olympie. Les figures y sont plus réalistes que celles des kouros archaïques. Les sculpteurs ont essayé de représenter les émotions sur les visages des personnages.
Architecture et sculpture de la Grèce antique Les sculptures de style sévère représentent des personnes dans des poses plus détendues. Cela a été réalisé grâce au « contrapposto », lorsque le corps est légèrement tourné d’un côté et que son poids repose sur une jambe. La tête de la statue était légèrement tournée, contrairement au kouroui tourné vers l'avant. Un exemple d’une telle statue est « Garçon Kritias" Les vêtements des personnages féminins de la première moitié du Ve siècle sont plus simples par rapport aux vêtements complexes de l'époque archaïque.
La seconde moitié du Ve siècle est appelée l’ère du Haut Classique pour la sculpture. À cette époque, les arts plastiques et l’architecture continuent d’interagir. Des sculptures de la Grèce antique décorent les temples créés au Ve siècle.
A cette époque, un majestueux Temple du Parthénon, pour la décoration de laquelle des dizaines de statues ont été utilisées. Lors de la création des sculptures du Parthénon, Phidias a abandonné les traditions antérieures. Les corps humains dans les groupes sculpturaux du Temple d’Athéna sont plus parfaits, les visages des gens sont plus impassibles et les vêtements sont représentés de manière plus réaliste. Les maîtres du Ve siècle accordaient une attention particulière aux personnages, mais pas aux émotions des héros des sculptures.
Doryphore, Grèce antique Dans les années 440, un maître Argien Polikle t a écrit un traité dans lequel il expose son principes esthétiques. Il a décrit la loi du numérique proportions parfaites corps humain. La statue " Doryphore"("Lancier").
Sculptures de la Grèce antique Dans la sculpture du IVe siècle, il y a eu un développement des traditions antérieures et la création de nouvelles. Les statues sont devenues plus naturalistes. Les sculpteurs ont essayé de représenter l'humeur et les émotions sur les visages des personnages. Certaines statues pourraient servir de personnifications de concepts ou d’émotions. Exemple, statue de déesse Le monde d'Eirene. Le sculpteur Céphisodote l'a créé pour l'État athénien en 374, peu après la conclusion d'une autre paix avec Sparte.
Auparavant, les maîtres ne représentaient pas les déesses nues. Le premier à le faire fut le sculpteur Praxitèle du IVe siècle, qui créa la statue " Aphrodite de Cnide" L'œuvre de Praxitèle a été perdue, mais ses copies ultérieures et ses images sur des pièces de monnaie ont survécu. Pour expliquer la nudité de la déesse, le sculpteur a déclaré qu'il la représentait en train de se baigner.
Au IVe siècle, il y avait trois sculpteurs dont les œuvres étaient reconnues comme les plus grandes : Praxitèle, Scopas et Lysippe. Le nom de Skopas, originaire de l'île de Paros, était associé à l'image de figures d'expériences spirituelles sur les visages de l'ancienne tradition. Lysippe était originaire de la ville de Sikyon, dans le Péloponnèse, mais a vécu de nombreuses années en Macédoine. Il était ami avec Alexandre le Grand et réalisait ses portraits sculpturaux. Lysippe a réduit la tête et le torse des personnages par rapport aux jambes et aux bras. Grâce à cela, ses statues étaient plus élastiques et flexibles. Lysippe a représenté les yeux et les cheveux des statues de manière naturaliste.
Les sculptures de la Grèce antique, dont les noms sont connus dans le monde entier, appartiennent aux époques classique et hellénistique. La plupart d’entre eux ont péri, mais leurs copies, créées à l’époque de l’Empire romain, ont survécu.
Sculptures de la Grèce antique : noms à l'époque hellénistique
À l’époque hellénistique, la représentation des émotions et des états humains s’est développée – vieillesse, sommeil, anxiété, ivresse. Le thème de la sculpture peut même être la laideur. Des statues de combattants fatigués, saisis par la rage des géants, et des vieillards décrépits apparurent. Parallèlement, le genre des portraits sculpturaux se développe. Le nouveau type était « portrait d’un philosophe ».
Les statues ont été créées sur ordre des citoyens des cités-États grecques et des rois hellénistiques. Ils pourraient avoir des fonctions religieuses ou politiques. Déjà au IVe siècle, les Grecs vénéraient leurs commandants avec des sculptures. Les sources contiennent des références à des statues que les habitants de la ville ont érigées en l'honneur du commandant spartiate, vainqueur. Athènes Lysandre. Plus tard, les Athéniens et les citoyens d'autres politiques ont érigé des figures de stratèges. Conon, Chabrias et Timothée en l'honneur de leurs victoires militaires. À l’époque hellénistique, le nombre de ces statues a augmenté.
Un des plus oeuvres célébresÉpoque hellénistique - Nike de Samothrace. Sa création remonte au IIe siècle avant JC. La statue, comme le suggèrent les chercheurs, glorifiait l'une des victoires navales des rois de Macédoine. Dans une certaine mesure, à l’époque hellénistique, la sculpture de la Grèce antique est une représentation du pouvoir et de l’influence des dirigeants.
Sculpture de la Grèce antique : photo Parmi les groupes sculpturaux monumentaux de l'hellénisme, on peut rappeler École de Pergame. Aux IIIe et IIe siècles avant JC. les rois de cet État menèrent de longues guerres contre les tribus galates. Vers 180 avant JC L'autel de Zeus a été achevé à Pergame. La victoire sur les barbares y était représentée allégoriquement sous la forme d'un groupe sculptural de dieux et de géants olympiens combattant.
Les sculptures antiques de la Grèce ont été créées à des fins différentes. Mais depuis la Renaissance, ils séduisent par leur beauté et leur réalisme.
Sculptures de la Grèce antique : présentation
La sculpture de la Grèce antique, comme tout art antique, est un exemple particulier, un savoir-faire standard et un idéal unique. L'art grec ancien, et en particulier la sculpture de la Grèce antique, a eu une influence très significative sur le développement de la culture mondiale. C'est la base sur laquelle il s'est développé plus tard civilisation européenne. Les belles statues des sculpteurs grecs étaient faites de pierre, de calcaire, de bronze, de marbre, de bois et décorées de magnifiques objets en métaux et pierres précieux. Ils étaient installés sur les places principales des villes, sur les tombes de Grecs célèbres, dans les temples et même dans les riches maisons grecques. Le principe principal de la sculpture dans la Grèce antique était la combinaison de la beauté et de la force, l'idéalisation de l'homme et de son corps. Les Grecs de l’Antiquité croyaient que seule une âme parfaite pouvait résider dans un corps parfait et idéal.
Le développement de la sculpture dans la Grèce antique peut être divisé en trois étapes importantes. C'est archaïque - VI-VII siècles avant JC. Les classiques, qui à leur tour peuvent être divisés en périodes du début - le début du 5ème siècle avant JC, des grands classiques - la fin du 5ème siècle avant JC et de la fin - du 6ème siècle avant JC. ET étape finale- L'hellénisme. En outre, d'après les descriptions des historiens anciens, on peut comprendre qu'il existait des sculptures de la Grèce homérique, mais seules de petites figurines et des récipients décorés de peintures ont survécu jusqu'à nos jours. Chacune de ces étapes de la culture grecque a ses propres caractéristiques.
Période archaïque
Durant cette période, les artistes grecs antiques cherchaient à créer une image idéale d’un homme et d’une femme. La sculpture était dominée par des figures de jeunes guerriers nus appelés kouros. Ils devaient montrer le courage, la santé physique et la force d'une personne, acquis lors des compétitions sportives de l'époque. Le deuxième exemple d’art de cette période était celui des écorces. Ce sont des filles drapées dans des vêtements longs qui expriment l’idéal de féminité et de pureté immaculée. A cette époque, apparaît ce qu'on appelle le « sourire archaïque », qui spiritualise les visages des statues.
Des exemples remarquables de sculptures survivantes de la période archaïque sont le « Kouros du Pirée », qui orne aujourd'hui le musée d'Athènes, ainsi que la « Déesse à la grenade » et la « Déesse au lièvre », conservées au Musée de Berlin. musée d'état. Assez célèbre est la sculpture des frères Kleobis et Biton d'Argos, qui ravissent les yeux des amateurs d'art grec au Musée Delphes.
Aux époques archaïques, la sculpture monumentale, dans laquelle le relief joue le rôle principal, occupe également une place importante. Ce sont des compositions sculpturales assez grandes, représentant souvent des événements décrits dans les mythes de la Grèce antique. Par exemple, sur le fronton du temple d'Artémis, les actions se déroulant dans l'histoire connue de tous depuis l'enfance sur la Gorgone Méduse et le courageux Persée étaient représentées.
Premier classique
Avec le passage à la période classique, l'immobilité, pourrait-on dire, le caractère statique des sculptures archaïques, est progressivement remplacée par des figures émotionnelles capturées en mouvement. Le soi-disant mouvement spatial apparaît. Les poses des personnages sont jusqu'à présent simples et naturelles, par exemple une jeune fille détachant sa sandale ou un coureur s'apprêtant à prendre le départ.
L’une des statues les plus célèbres de cette période est peut-être le « Discobole » de Myron, qui a apporté une contribution très significative à l’art de la Grèce classique. La figure a été coulée en bronze en 470 avant JC et représente un athlète se préparant à lancer un disque. Son corps est parfait et harmonieux, et est prêt à se lancer à la seconde suivante.
Un autre grand sculpteur de cette époque était Polyclète. Son œuvre la plus célèbre aujourd'hui s'appelle Doryphore, créée entre 450 et 440 avant JC. C'est un lancier, puissant, réservé et plein de dignité. Il est plein de force intérieure et, pour ainsi dire, montre le désir du peuple grec de cette époque de sublime, d'harmonie et de paix. Malheureusement, les originaux de ces sculptures de la Grèce antique, coulées en bronze, n'ont pas survécu à ce jour. On ne peut qu'admirer leurs copies réalisées à partir de matériaux divers.
Au début du XXe siècle, une statue en bronze du dieu Poséidon a été retrouvée au fond de la mer près du cap Artémision. Il est représenté majestueux, redoutable, levant la main dans laquelle il tenait le trident. Cette statue semble marquer la transition de la première période classique à la haute.
Grand classique
La direction des grandes classiques poursuivait un double objectif. D’une part, montrer toute la beauté du mouvement dans la sculpture et, d’autre part, combiner l’immobilité extérieure de la figure avec le souffle intérieur de la vie. Le grand sculpteur Phidias a réussi à combiner ces deux aspirations dans son œuvre. Il est notamment célèbre pour avoir décoré l'ancien Parthénon de belles sculptures en marbre.
Il a également créé le magnifique chef-d'œuvre « Athéna Parthénos », qui a malheureusement péri dans l'Antiquité. Au Musée National d'Archéologie d'Athènes, vous ne pouvez voir qu'une petite copie de cette statue.
Le grand artiste a créé de nombreux autres chefs-d'œuvre au cours de sa vie créative. Il s'agit de la statue d'Athéna Promachos dans l'Acropole, qui étonne par sa taille et sa grandeur énormes, et, non moins colossale, de la figure de Zeus dans le temple d'Olympie, qui fut plus tard classée parmi les sept merveilles du monde. .
Nous devons admettre avec amertume que notre vision de la sculpture grecque antique est loin de la vérité. Il est presque impossible de voir les statues originales de cette époque. Beaucoup d’entre eux furent détruits lors de la redistribution du monde méditerranéen. Et une autre raison pour la destruction de ceux-ci les plus grands monuments l'art était leur destruction par des chrétiens fanatiquement croyants. Il ne nous en reste que des copies de maîtres romains des Ier-IIe siècles après JC et des descriptions d'historiens anciens.
Classique tardif
Dès la fin des classiques, la sculpture de la Grèce antique a commencé à se caractériser par des mouvements plastiques et une élaboration des moindres détails. Les personnages commencent à se distinguer par leur grâce et leur souplesse, et les premiers corps féminins nus commencent à apparaître. L'un des exemples frappants de cette magnificence est la statue d'Aphrodite de Cnide du sculpteur Praxitèle.
L'ancien écrivain romain Pline a déclaré que cette statue était considérée comme la plus belle statue de cette époque, et de nombreux pèlerins affluaient à Cnide pour la voir. Il s'agit de la première œuvre dans laquelle Praxitèle représente un corps féminin nu. L’histoire intéressante de cette statue est que la sculpture a créé deux personnages – nus et habillés. Les habitants de Kos, qui ont commandé la statue d'Aphrodite, ont choisi la déesse habillée, craignant de prendre des risques, malgré toute la beauté de ce chef-d'œuvre. Et la sculpture nue a été acquise par les habitants de la ville de Cnide, située en Asie Mineure, et grâce à cela ils sont devenus célèbres.
Un autre représentant éminent du mouvement classique tardif était Skopas. Il cherchait à exprimer des passions et des émotions violentes dans ses sculptures. Parmi ses œuvres célèbres figurent la statue d'Apollon Cyfared, également Ares de la Villa Ludovisi, et la sculpture appelée Niobides mourant autour de leur mère.
Période hellénistique
L'époque de l'hellénisme se caractérise par une influence assez puissante de l'Orient sur tout l'art de la Grèce. La sculpture n’a pas non plus échappé à ce sort. La sensualité, le tempérament oriental et l'émotivité ont commencé à pénétrer dans les poses majestueuses et la sublimité des classiques. Les artistes ont commencé à compliquer les angles et à utiliser des draperies luxueuses. La beauté féminine nue a cessé d’être quelque chose d’inhabituel, de blasphématoire et de provocateur.
A cette époque, il est apparu grande quantité diverses statues de la déesse nue Aphrodite ou Vénus. L'une des statues les plus célèbres à ce jour reste la Vénus de Milo, réalisée par le maître Alexandre vers 120 avant JC. Nous sommes tous habitués à voir des images d'elle sans mains, mais on pense qu'au début, la déesse tenait ses vêtements qui tombaient d'une main et de l'autre, elle tenait une pomme. Son image allie tendresse, force et beauté du corps physique.
Des statues très célèbres de cette période sont également Aphrodite de Cyrène et Laocoon et ses fils. Dernier morceau rempli émotions fortes, drame et réalisme extraordinaire.
Le thème principal de la créativité sculpturale de la Grèce antique était apparemment l'homme. Et en effet, nulle part ailleurs une personne n’était aussi appréciée que dans cette très ancienne civilisation grecque.
Avec le développement de la culture, les sculpteurs ont essayé de transmettre de plus en plus de sentiments et d'émotions humaines à travers leurs œuvres. Tous ces chefs-d'œuvre majestueux, créés il y a des dizaines de centaines d'années, attirent toujours l'attention des gens et exercent un effet fascinant et incroyablement impressionnant sur les amateurs d'art moderne.
Conclusion
Il est difficile d'isoler une période particulière du développement de la culture grecque antique et de ne pas y trouver l'épanouissement rapide de la sculpture. Ce type d'art s'est constamment développé et amélioré, atteignant une beauté particulière à l'époque classique, mais même après, il n'a pas disparu, restant toujours leader. Bien sûr, il est possible de corréler la sculpture et l'architecture de la Grèce antique, mais seulement par comparaison, il est inacceptable de les identifier. Oui, c'est impossible, car la sculpture n'est pas une structure monumentale, mais un chef-d'œuvre savamment sculpté. Plus souvent sculpteurs antiques tourné vers l'image d'une personne.
Dans leurs œuvres, ils Attention particulière prêté attention aux postures, à la présence de mouvement. Ils ont essayé de créer des images vivantes, comme s'il n'y avait pas une pierre devant nous, mais de la chair et du sang vivants. Et ils l’ont très bien fait, principalement grâce à leur approche responsable des affaires. Connaissance de l'anatomie et idées générales Le caractère humain a permis aux maîtres grecs de réaliser ce que de nombreux sculpteurs modernes ne peuvent toujours pas comprendre.
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Face aux sculptures de la Grèce antique, de nombreux esprits marquants ont exprimé une véritable admiration. L'un des plus célèbres chercheurs de l'art de la Grèce antique, Johann Winckelmann (1717-1768) parle de la sculpture grecque : « Les connaisseurs et les imitateurs des œuvres grecques trouvent dans leurs créations magistrales non seulement la nature la plus belle, mais aussi plus que la nature, à savoir sa certaine beauté idéale, qui... est créée à partir d'images esquissées par l'esprit. Tous ceux qui écrivent sur l’art grec y notent une étonnante combinaison de spontanéité naïve et de profondeur, de réalité et de fiction.
Elle incarne, notamment en sculpture, l’idéal de l’homme. Quelle est la particularité de l'idéal ? Pourquoi a-t-il tant charmé les gens que le vieux Goethe pleurait au Louvre devant la sculpture d'Aphrodite ? Les Grecs ont toujours cru que ce n’est que dans un beau corps qu’une belle âme peut vivre. Par conséquent, l'harmonie du corps, la perfection extérieure est une condition et une base indispensables. personne idéale. L'idéal grec est défini par le terme kalokagathia (grec kalos - beau + agathos bon). Puisque la kalokagathia inclut la perfection à la fois de la constitution physique et de la constitution spirituelle et morale, alors en même temps, avec la beauté et la force, l'idéal porte la justice, la chasteté, le courage et la rationalité. C'est exactement ce que fait dieux grecs sculpté par des sculpteurs anciens, d'une beauté unique.
Les meilleurs monuments de la sculpture grecque antique ont été créés au Ve siècle. AVANT JC. Mais des travaux antérieurs nous sont également parvenus. Statues des VIIe-VIe siècles. BC symétrique : une moitié du corps - reflet du miroir un autre. Posture enchaînée, bras tendus plaqués contre le corps musclé. Pas le moindre mouvement de tête, mais les lèvres sont ouvertes en un sourire. Un sourire semble illuminer la sculpture de l'intérieur avec une expression de joie de vivre. Plus tard, à l’époque du classicisme, les statues acquièrent une plus grande variété de formes. Il y a eu des tentatives pour conceptualiser l'harmonie de manière algébrique. La première étude scientifique de ce qu'est l'harmonie a été entreprise par Pythagore. L'école qu'il a fondée examinait des questions de nature philosophique et mathématique, appliquant les calculs mathématiques à tous les aspects de la réalité.
Vidéo : Sculptures de la Grèce antique
Théorie des nombres et sculpture de la Grèce antique
Il n'y avait aucune exception harmonie musicale, ni l'harmonie du corps humain ou de la structure architecturale. L'école pythagoricienne considérait le nombre comme la base et le commencement du monde. Quel rapport la théorie des nombres a-t-elle avec l’art grec ? Il s'avère que c'est le plus direct, puisque l'harmonie des sphères de l'Univers et l'harmonie du monde entier s'exprime par les mêmes rapports de nombres dont les principaux sont les rapports 2/1, 3/2. et 4/3 (en musique, ce sont respectivement l'octave, la quinte et la quarte). De plus, l'harmonie présuppose la possibilité de calculer toute corrélation des parties de chaque objet, y compris la sculpture, selon la proportion suivante : a / b = b / c, où a est toute partie plus petite de l'objet, b est toute partie plus grande, c est le tout. Sur cette base, le grand sculpteur grec Polyclète (Ve siècle avant JC) a créé une sculpture d'un jeune porteur de lance (Ve siècle avant JC), appelée « Doriphoros » (« Porteur de lance ») ou « Canon » - d'après le titre. du travail du sculpteur, où il, discutant de la théorie de l'art, considère les lois de la représentation d'une personne parfaite.
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La Grèce sur la carte, où les sculptures de la Grèce antique ont été créées
Statue de Polyclète "Lancier"
On pense que le raisonnement de l’artiste peut s’appliquer à sa sculpture. Les statues de Polyclète sont pleines d'une vie intense. Polyclète aimait représenter des athlètes au repos. Prenez le même « Lancier ». Cet homme puissamment bâti est plein d’estime de soi. Il se tient immobile devant le spectateur. Mais il ne s’agit pas ici de la paix statique des statues égyptiennes antiques. Comme un homme qui contrôle habilement et facilement son corps, le lancier a légèrement plié une jambe et a transféré le poids de son corps sur l'autre. Il semble qu'un moment va passer et il fera un pas en avant, tournera la tête, fier de sa beauté et de sa force. Devant nous se trouve un homme fort, beau, libre de peur, fier, réservé - l'incarnation des idéaux grecs.
Vidéo : sculpteurs grecs.
Statue de Myron "Discobole"
Contrairement à son contemporain Polyclète, Myron aimait représenter ses statues en mouvement. Ici, par exemple, se trouve la statue « Discobole » (Ve siècle avant JC ; Musée Thermal, Rome). Son auteur, le grand sculpteur Miron, a représenté un beau jeune homme au moment où il balançait un lourd disque. Son corps, pris en mouvement, est courbé et tendu, comme un ressort prêt à se déployer.
Sous la peau élastique du bras tiré en arrière, les muscles entraînés étaient bombés. Les orteils, formant un support fiable, s'enfonçaient profondément dans le sable.
Sculpture de Phidias "Athéna Parthénos"
Les statues de Myron et de Polyclète ont été coulées en bronze, mais seules des copies en marbre d'originaux grecs anciens réalisées par les Romains nous sont parvenues. Les Grecs considéraient Phidias comme le plus grand sculpteur de son temps, qui décorait le Parthénon de sculptures en marbre. Ses sculptures reflètent particulièrement le fait que les dieux grecs ne sont rien d’autre que les images d’une personne idéale. La bande de marbre la mieux conservée du relief de la frise mesure 160 m de long. Elle représente une procession se dirigeant vers le temple de la déesse Athéna – le Parthénon. La sculpture du Parthénon a été gravement endommagée. Et « Athéna Parthénos » a péri dans les temps anciens. Elle se tenait à l’intérieur du temple et était incroyablement belle. La tête de la déesse, au front bas et lisse, au menton, au cou et aux bras arrondis, était en ivoire, et ses cheveux, ses vêtements, son bouclier et son casque étaient frappés à partir de feuilles d'or. La déesse sous la forme d’une belle femme est la personnification d’Athènes. De nombreuses histoires sont associées à cette sculpture.
Autres sculptures de Phidias
Le chef-d'œuvre créé était si grand et célèbre que son auteur a immédiatement suscité de nombreuses envies. Ils ont essayé par tous les moyens d'insulter le sculpteur et ont recherché des raisons différentes par lequel on pourrait l'accuser de quelque chose. On dit que Phidias aurait été accusé d'avoir dissimulé une partie de l'or donné comme matériau pour la décoration de la déesse. Pour prouver son innocence, Phidias a retiré tous les objets en or de la sculpture et les a pesés. Le poids coïncidait exactement avec le poids de l'or donné pour la sculpture. Ensuite, Phidias fut accusé d'athéisme. La raison en était le bouclier d'Athéna.
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Athènes sur la carte, où les sculptures de la Grèce antique ont été créées
Il représentait l'intrigue de la bataille entre les Grecs et les Amazones. Chez les Grecs, Phidias se représentait lui-même et son bien-aimé Périclès. L'image de Phidias sur le bouclier est devenue la cause du conflit. Malgré toutes les réalisations de Phidias, le public grec a pu se retourner contre lui. La vie du grand sculpteur s'est terminée par une exécution cruelle. Les réalisations de Phidias au Parthénon n'étaient pas exhaustives pour son œuvre. Le sculpteur a créé de nombreuses autres œuvres, dont les meilleures étaient la figure colossale en bronze d'Athéna Promachos, érigée sur l'Acropole vers 460 avant JC, et la tout aussi immense figure de Zeus en ivoire et en or pour le temple d'Olympie.
Malheureusement, les œuvres originales n'existent plus et nous ne pouvons pas voir de nos propres yeux des œuvres magnifiques art de la Grèce antique. Seules subsistent leurs descriptions et copies. Cela était dû en grande partie à la destruction fanatique des statues par les croyants chrétiens. C'est ainsi que l'on peut décrire la statue de Zeus pour le temple d'Olympie : un immense dieu de quatorze mètres était assis sur un trône d'or, et il semblait que s'il se levait et redressait ses larges épaules, il se sentirait à l'étroit dans la vaste salle. et le plafond serait bas. La tête de Zeus était décorée d'une couronne de branches d'olivier - signe de la tranquillité du dieu redoutable. Le visage, les épaules, les bras et la poitrine étaient en ivoire et le manteau était jeté sur son épaule gauche. La couronne et la barbe de Zeus étaient en or étincelant. Phidias a doté Zeus de la noblesse humaine. Son beau visage, encadré par une barbe et des cheveux bouclés, était non seulement sévère, mais aussi gentil, sa posture était solennelle, majestueuse et calme.
La combinaison de la beauté physique et de la bonté de l’âme soulignait son idéalité divine. La statue fit une telle impression que, selon l'auteur antique, les gens, déprimés par le chagrin, cherchaient du réconfort en contemplant la création de Phidias. La rumeur déclarait la statue de Zeus l’une des « sept merveilles du monde ». Les œuvres des trois sculpteurs étaient similaires dans le sens où elles représentaient toutes l’harmonie d’un beau corps et la beauté qu’il contenait. Âme aimable. C’était la grande tendance à l’époque. Bien entendu, les normes et les lignes directrices de l’art grec ont changé au cours de l’histoire. L’art archaïque était plus simple ; il lui manquait le sens profond de la sous-estimation qui ravit l’humanité de l’époque. Classiques grecs. À l’époque hellénistique, lorsque l’homme a perdu le sens de la stabilité du monde, l’art a perdu ses anciens idéaux. Cela a commencé à refléter les sentiments d’incertitude quant à l’avenir qui régnaient dans les tendances sociales de l’époque.
Matériaux de sculpture de la Grèce antique
Une chose unissait toutes les périodes de développement de la société et de l'art grecs : c'est, comme l'écrit M. Alpatov, une passion particulière pour l'art plastique, pour arts spatiaux. Une telle prédilection est compréhensible : d'énormes réserves d'une variété de couleurs, un matériau noble et idéal - le marbre - offraient de nombreuses possibilités pour sa mise en œuvre. Bien que la plupart des sculptures grecques soient réalisées en bronze, le marbre étant fragile, c'est la texture du marbre avec sa couleur et son caractère décoratif qui permettait de reproduire la beauté du corps humain avec la plus grande expressivité. Ainsi, le plus souvent « le corps humain, sa structure et sa souplesse, son harmonie et sa flexibilité attiraient l'attention des Grecs ; ils représentaient volontiers le corps humain à la fois nu et dans des vêtements légers et transparents ».
Vidéo : Sculptures de la Grèce antique
Architecture et sculpture de la Grèce antiqueLes villes du monde antique apparaissaient généralement près d'un haut rocher, et une citadelle était construite dessus, de sorte qu'il y avait un endroit où se cacher si l'ennemi pénétrait dans la ville. Une telle citadelle s'appelait une acropole. De la même manière, sur un rocher qui s'élevait à près de 150 mètres au-dessus d'Athènes et qui avait longtemps servi de structure défensive naturelle, une ville haute s'est progressivement formée sous la forme d'une forteresse (acropole) avec diverses structures défensives, publiques et religieuses.
La construction de l'Acropole athénienne a commencé au IIe millénaire avant JC. Pendant Guerres gréco-persanes(480-479 avant JC) elle fut complètement détruite ; plus tard, sous la direction du sculpteur et architecte Phidias, sa restauration et sa reconstruction commencèrent.
L'Acropole fait partie de ces lieux « dont tout le monde insiste sur le fait qu'ils sont magnifiques et uniques. Mais ne demandez pas pourquoi. Personne ne peut vous répondre… » Il peut être mesuré, même toutes ses pierres peuvent être comptées. Ce n’est pas si compliqué de le parcourir de bout en bout – cela ne prend que quelques minutes. Les murs de l'Acropole sont abrupts et escarpés. Quatre grandes créations se dressent encore sur cette colline rocheuse. Une large route en zigzag part du bas de la colline jusqu'à l'unique entrée. Il s'agit des Propylées, une porte monumentale avec des colonnes de style dorique et un large escalier. Ils furent construits par l'architecte Mnésiclès en 437-432 av. Mais avant de franchir ces majestueuses portes de marbre, tout le monde s'est involontairement tourné vers la droite. Là, sur le haut piédestal du bastion qui gardait autrefois l'entrée de l'acropole, se dresse le temple de la déesse de la victoire Nike Apteros, décoré de colonnes ioniques. Il s'agit de l'œuvre de l'architecte Callicrate (seconde moitié du Ve siècle avant JC). Le temple - léger, aéré, d'une beauté inhabituelle - se distinguait par sa blancheur sur le fond bleu du ciel. Ce bâtiment fragile, aux allures d'un élégant jouet de marbre, semble sourire tout seul et fait sourire affectueusement les passants.
Les dieux agités, ardents et actifs de la Grèce ressemblaient aux Grecs eux-mêmes. Certes, ils étaient plus grands, pouvaient voler dans les airs, prendre n’importe quelle forme et se transformer en animaux et en plantes. Mais à tous autres égards, ils se comportaient comme des gens ordinaires : ils se mariaient, se trompaient, se disputaient, faisaient la paix, punissaient leurs enfants...
Temple de Déméter, constructeurs inconnus, VIe siècle. AVANT JC. Olympie
Temple de Nike Apteros, architecte Kallikrates, 449-421 av. Athènes
Propylées, architecte Mnésique, 437-432 av. Athènes
La déesse de la victoire Niké était représentée comme une belle femme dotée de grandes ailes : la victoire est inconstante et vole d'un adversaire à l'autre. Les Athéniens la représentaient sans ailes afin qu'elle ne quitte pas la ville qu'elle avait si récemment conquise. grande victoire sur les Perses. Privée d'ailes, la déesse ne pouvait plus voler et devait rester éternellement à Athènes.
Le temple Nika se dresse sur une corniche rocheuse. Elle est légèrement tournée vers les Propylées et joue le rôle de phare pour les cortèges faisant le tour du rocher.
Immédiatement au-delà des Propylées, se tenait fièrement Athéna la Guerrière, dont la lance saluait le voyageur de loin et servait de phare aux marins. L'inscription sur le piédestal de pierre disait : « Les Athéniens se sont consacrés à la victoire sur les Perses ». Cela signifiait que la statue avait été moulée à partir d'armes en bronze prises aux Perses à la suite de leurs victoires.
L'ensemble du temple de l'Érechthéion était également situé sur l'Acropole, qui (selon ses créateurs) était censée relier plusieurs sanctuaires situés sur différents niveaux, - le rocher ici est très inégal. Le portique nord de l'Erechthéion menait au sanctuaire d'Athéna, où était conservée une statue en bois de la déesse, soi-disant tombée du ciel. La porte du sanctuaire s'ouvrait sur une petite cour où poussait le seul olivier sacré de toute l'Acropole, qui s'élevait lorsqu'Athéna touchait le rocher avec son épée à cet endroit. Par le portique oriental, on pouvait accéder au sanctuaire de Poséidon, où, après avoir frappé le rocher avec son trident, il laissa trois sillons d'eau gargouillante. Ici se trouvait également le sanctuaire d'Érechthée, vénéré au même titre que Poséidon.
La partie centrale du temple est une pièce rectangulaire (24,1x13,1 mètres). Le temple contenait également le tombeau et le sanctuaire du premier roi légendaire de l'Attique, Cécrops. Du côté sud de l'Erechthéion se trouve le célèbre portique des cariatides : au bord du mur, six jeunes filles sculptées dans le marbre soutiennent le plafond. Certains érudits suggèrent que le portique servait de tribune aux citoyens respectables ou que les prêtres s'y réunissaient pour des cérémonies religieuses. Mais la fonction exacte du portique n'est pas encore claire, car « portique » désigne le vestibule, et en dans ce cas le portique n'avait pas de portes et d'ici il est impossible d'entrer dans le temple. Les figures du portique des cariatides sont essentiellement des supports qui remplacent un pilier ou une colonne ; elles traduisent également parfaitement la légèreté et la souplesse des figures de jeune fille. Les Turcs, qui ont autrefois capturé Athènes et qui, en raison de leurs croyances musulmanes, n'autorisaient pas les images d'humains, n'ont cependant pas détruit ces statues. Ils se sont limités à couper le visage des filles.
Érechthéion, constructeurs inconnus, 421-407 av. Athènes
Parthénon, architectes Ictinus, Callicrates, 447-432 av. Athènes
En 1803, Lord Elgin, ambassadeur d'Angleterre à Constantinople et collectionneur, utilisant la permission du sultan turc, arracha l'une des cariatides du temple et l'emporta en Angleterre, où il l'offrit au British Museum. Interprétant trop largement le firman du sultan turc, il emporta également avec lui de nombreuses sculptures de Phidias et les vendit pour 35 000 livres sterling. Firman a déclaré que "personne ne devrait l'empêcher d'emporter quelques pierres avec des inscriptions ou des figures de l'Acropole". Elgin a rempli 201 boîtes avec de telles « pierres ». Comme il l'a lui-même déclaré, il n'a pris que les sculptures déjà tombées ou risquant de tomber, apparemment pour les sauver de la destruction définitive. Mais Byron l'a aussi traité de voleur. Plus tard (lors de la restauration du portique des cariatides en 1845-1847) Musée anglais envoya à Athènes un moulage en plâtre de la statue emportée par Lord Elgin. Le moulage a ensuite été remplacé par une copie plus durable en pierre artificielle, fabriquée en Angleterre.
À la fin du siècle dernier, le gouvernement grec a exigé que l'Angleterre restitue ses trésors, mais a reçu la réponse que le climat de Londres leur était plus favorable.
Au début de notre millénaire, lorsque la Grèce fut transférée à Byzance lors de la division de l'Empire romain, l'Erechthéion fut transformé en temple chrétien. Plus tard, les croisés, qui capturèrent Athènes, firent du temple un palais ducal, et lors de la conquête turque d'Athènes en 1458, un harem du commandant de la forteresse fut installé dans l'Erechthéion. Pendant la guerre de libération de 1821-1827, les Grecs et les Turcs assiégèrent tour à tour l’Acropole, bombardant ses structures, dont l’Erechthéion.
En 1830 (après la proclamation de l'indépendance grecque), seules des fondations pouvaient être trouvées sur le site de l'Erechthéion, ainsi que des décorations architecturales posées au sol. Les fonds pour la restauration de cet ensemble de temples (ainsi que pour la restauration de nombreuses autres structures de l'Acropole) ont été donnés par Heinrich Schliemann. Son plus proche collaborateur, V. Derpfeld, a soigneusement mesuré et comparé les fragments anciens ; à la fin des années 70 du siècle dernier, il envisageait déjà de restaurer l'Erechthéion. Mais cette reconstruction fut sévèrement critiquée et le temple fut démantelé. Le bâtiment a été reconstruit sous la direction du célèbre scientifique grec P. Kavadias en 1906 et finalement restauré en 1922.
"Vénus de Milo" Agessander (?), 120 av. Persienne, Paris
"Laocoon" Agessander, Polydorus, Athenodorus, vers 40 av. Grèce, Olympie
"Hercule de Farnèse" ca. 200 avant JC e., Nat. musée, Naples
"Amazonie blessée" Polyclète, 440 av. National musée rome
Le Parthénon - le temple de la déesse Athéna - est la plus grande structure de l'Acropole et la plus belle création de l'architecture grecque. Il ne se trouve pas au centre de la place, mais plutôt sur le côté, de sorte que vous puissiez immédiatement admirer les façades avant et latérales et comprendre la beauté du temple dans son ensemble. Les anciens Grecs croyaient que le temple avec la statue principale du culte au centre représentait la maison de la divinité. Le Parthénon est le temple d'Athéna la Vierge (Parthénos), et donc en son centre se trouvait une statue chrysoéléphantine (faite de plaques d'ivoire et d'or sur un socle en bois) de la déesse.
Le Parthénon a été érigé entre 447 et 432 av. architectes Ictinus et Callicrates en marbre pentélique. Il était situé sur une terrasse à quatre niveaux, la taille de sa base était de 69,5 x 30,9 mètres. Le Parthénon est entouré sur quatre côtés de fines colonnades, avec des espaces visibles entre leurs troncs de marbre blanc. ciel bleu. Entièrement imprégné de lumière, il paraît aéré et léger. Il n’y a pas de motifs brillants sur les colonnes blanches, comme on en trouve dans les temples égyptiens. Seules des rainures longitudinales (flûtes) les recouvrent de haut en bas, ce qui donne l'impression que la tempe est plus haute et encore plus mince. Les colonnes doivent leur finesse et leur légèreté au fait qu'elles se rétrécissent légèrement vers le haut. Dans la partie médiane du tronc, peu visibles à l'œil nu, ils s'épaississent, ce qui les rend élastiques, plus capables de supporter le poids des blocs de pierre. Iktin et Callicrates, après avoir réfléchi à chaque moindre détail, ont créé un bâtiment qui surprend par son étonnante proportionnalité, son extrême simplicité et la pureté de toutes ses lignes. Placé sur la plate-forme supérieure de l'Acropole, à une altitude d'environ 150 mètres au-dessus du niveau de la mer, le Parthénon était visible non seulement de n'importe où dans la ville, mais aussi depuis de nombreux navires naviguant vers Athènes. Le temple était un périmètre dorique entouré d'une colonnade de 46 colonnes.
"Aphrodite et Pan" 100 avant JC, Delphes, Grèce
"Diane chasseresse" Léochard, vers 340 avant JC, Louvre, Paris, France
"Hermès au repos" Lysippe, IVe siècle. avant JC BC, Musée National, Naples
"Hercule combattant le lion" Lysippe, v. 330 avant JC Ermitage, Saint-Pétersbourg
"Atlas Farnèse" vers 200 avant JC, Nat. musée, Naples
Les maîtres les plus célèbres ont participé à la conception sculpturale du Parthénon. Le directeur artistique de la construction et de la décoration du Parthénon était Phidias, l'un des plus grands sculpteurs de tous les temps. Il est responsable de la composition globale et de l’élaboration de l’ensemble de la décoration sculpturale, dont il a réalisé lui-même une partie. L'aspect organisationnel de la construction a été pris en charge par Périclès, le plus grand homme d'État d'Athènes.
L'ensemble de la conception sculpturale du Parthénon était destiné à glorifier la déesse Athéna et sa ville - Athènes. Le thème du fronton oriental est la naissance de la fille bien-aimée de Zeus. Sur le fronton ouest, le maître a représenté une scène de dispute entre Athéna et Poséidon pour la domination de l'Attique. Selon le mythe, Athéna a gagné la dispute et a offert un olivier aux habitants de ce pays.
Les dieux de la Grèce se sont rassemblés sur les frontons du Parthénon: le tonnerre Zeus, le puissant souverain des mers Poséidon, la sage guerrière Athéna, Nike ailée. La décoration sculpturale du Parthénon était complétée par une frise représentant une procession solennelle lors de la fête des Grandes Panathénées. Cette frise est considérée comme l'un des sommets de l'art classique. Malgré toute son unité de composition, il surprend par sa diversité. Parmi les plus de 500 figures de jeunes hommes, d'anciens, de jeunes filles, à pied et à cheval, aucune ne répétait l'autre ; les mouvements des personnes et des animaux étaient rendus avec un dynamisme étonnant.
Les figures du relief sculptural grec ne sont pas plates, elles ont le volume et la forme du corps humain. Elles ne diffèrent des statues que par le fait qu'elles ne sont pas traitées de tous les côtés, mais semblent se confondre avec le fond formé par la surface plane de la pierre. Des couleurs claires égayaient le marbre du Parthénon. Le fond rouge soulignait la blancheur des personnages, les étroites saillies verticales qui séparaient une dalle de la frise de l'autre ressortaient nettement en bleu et les dorures brillaient de mille feux. Derrière les colonnes, sur un ruban de marbre encerclant les quatre façades du bâtiment, était représentée une procession festive. Il n'y a presque pas de dieux ici, et les gens, gravés à jamais dans la pierre, se déplaçaient le long des deux longs côtés du bâtiment et se réunissaient sur la façade orientale, où avait lieu une cérémonie solennelle pour remettre au prêtre une robe tissée par des jeunes filles athéniennes pour le déesse. Chaque chiffre a sa propre caractéristique beauté unique, et tous ensemble, ils reflètent fidèlement la vraie vie et les coutumes ville antique.
En effet, tous les cinq ans, lors d'une des chaudes journées du milieu de l'été, une célébration nationale avait lieu à Athènes en l'honneur de la naissance de la déesse Athéna. On l'appelait la Grande Panathénée. Non seulement les citoyens de l'État athénien, mais aussi de nombreux invités y ont participé. La célébration comprenait une procession solennelle (pompe), l'apport d'une hécatombe (100 têtes de bétail) et un repas commun, des compétitions sportives, équestres et musicales. Le gagnant a reçu une amphore spéciale dite panathénaïque remplie d'huile et une couronne faite à partir des feuilles de l'olivier sacré poussant sur l'Acropole.
Le moment le plus solennel de la fête a été la procession nationale vers l'Acropole. Des cavaliers à cheval se déplaçaient, des hommes d'État, des guerriers en armure et de jeunes athlètes marchaient. Les prêtres et les nobles portaient de longues robes blanches, les hérauts louaient bruyamment la déesse, les musiciens remplissaient l'air encore frais du matin de sons joyeux. Le long de la route panathénaïque en zigzag, piétinée par des milliers de personnes, des animaux sacrificiels gravissaient la haute colline de l'Acropole. Les garçons et les filles emportaient avec eux une maquette du navire sacré des Panathénaïques avec un péplos (voile) attaché à son mât. Une légère brise flottait sur le tissu brillant de la robe jaune-violet, qui était offerte en cadeau à la déesse Athéna par les filles nobles de la ville. Pendant une année entière, ils l'ont tissé et brodé. D'autres filles élevaient des vases sacrés pour les sacrifices au-dessus de leurs têtes. Peu à peu, le cortège s'approcha du Parthénon. L'entrée du temple n'était pas faite depuis les Propylées, mais depuis l'autre, comme pour que tout le monde puisse d'abord se promener, examiner et apprécier la beauté de toutes les parties du bel édifice. Contrairement aux églises chrétiennes, les églises grecques antiques n’étaient pas destinées au culte à l’intérieur ; les gens restaient à l’extérieur du temple pendant les activités religieuses. Dans les profondeurs du temple, entourée sur trois côtés de colonnades à deux étages, se dressait fièrement la célèbre statue de la Vierge Athéna, créée par le célèbre Phidias. Ses vêtements, son casque et son bouclier étaient en or pur étincelant, et son visage et ses mains brillaient de la blancheur de l'ivoire.
De nombreux volumes de livres ont été écrits sur le Parthénon, parmi lesquels des monographies sur chacune de ses sculptures et sur chaque étape de son déclin progressif depuis le moment où, après le décret de Théodose Ier, il est devenu un temple chrétien. Au XVe siècle, les Turcs en firent une mosquée et au XVIIe siècle, un entrepôt de poudre à canon. Il fut transformé en ruines définitives lors de la guerre turco-vénitienne de 1687, lorsqu'un obus d'artillerie l'atteignit et fit en un instant ce qu'un temps interminable n'avait pas pu faire en 2000 ans.
La sculpture grecque antique occupe une place particulière parmi la variété des chefs-d'œuvre héritage culturel appartenant à ce pays. Il est chanté et incarné avec l'aide arts visuels la beauté du corps humain, son idéal. Cependant, non seulement des lignes douces et de la grâce - traits de caractère, qui marquent la sculpture grecque antique. L'habileté de ses créateurs était si grande qu'ils étaient capables de transmettre une gamme d'émotions même dans la pierre froide, de donner une signification profonde et particulière aux personnages, comme s'ils leur insufflaient la vie. Chaque sculpture grecque antique est dotée d'un mystère qui attire encore aujourd'hui. Les créations des grands maîtres ne laissent personne indifférent.
Comme d’autres cultures, elle a connu différentes périodes dans son développement. Chacun d’eux a été marqué par des changements en tous genres arts visuels, y compris la sculpture. Par conséquent, il est possible de retracer les principales étapes de la formation de ce type d'art en décrivant brièvement les caractéristiques de la sculpture grecque antique à différentes périodes. développement historique de ce pays.
Période archaïque
Période du 8ème au 6ème siècle avant JC. La sculpture grecque antique de cette époque avait comme trait caractéristique une certaine primitivité. Cela a été observé parce que les images incarnées dans les œuvres n'étaient pas diverses, elles étaient trop généralisées, elles étaient appelées kors, jeunes hommes - kouros).
Apollon de Tenei
La statue d'Apollon Tenée est la plus célèbre de toutes les figures existantes de cette époque. Au total, plusieurs dizaines d’entre eux sont désormais connus. Elle est en marbre. Apollon est représenté comme un jeune homme, les mains baissées, les doigts serrés en poings. Ses yeux sont grands ouverts et son visage reflète un sourire archaïque, typique des sculptures datant de cette époque.
Figures féminines
Les images de femmes et de filles se distinguaient par leurs cheveux ondulés et leurs vêtements longs, mais ce qui les attirait le plus était leur élégance et leurs lignes douces, incarnation de la grâce et de la féminité.
Les sculptures archaïques de la Grèce antique étaient quelque peu disproportionnées et sommaires. Chaque œuvre, en revanche, séduit par son émotivité retenue et sa simplicité. Pour cette époque, la représentation des figures humaines se caractérise, comme nous l'avons déjà noté, par un demi-sourire, qui leur confère profondeur et mystère.
Aujourd'hui, la « Déesse à la grenade » est l'une des figures les mieux conservées parmi d'autres sculptures archaïques au Musée national de Berlin. Avec les «mauvaises» proportions et la rugosité extérieure de l'image, les mains, brillamment exécutées par l'auteur, attirent l'attention du public. Un geste expressif rend la sculpture particulièrement expressive et dynamique.
"Kouros du Pirée"
Situé au Musée d'Athènes, "Kouros du Pirée" est une création plus tardive, donc plus parfaite, réalisée par un sculpteur antique. Un jeune guerrier puissant apparaît devant nous. et une légère inclinaison de la tête indique la conversation qu'il a. Les proportions perturbées ne sont plus aussi frappantes. Les sculptures archaïques de la Grèce antique, comme nous l'avons déjà mentionné, ont des traits du visage généralisés. Cependant, dans cette figure, cela n'est pas aussi visible que dans les créations remontant au début de la période archaïque.
Période classique
La période classique s'étend du Ve au IVe siècle avant JC. Les œuvres de la sculpture grecque antique ont subi à cette époque quelques changements, dont nous allons vous parler maintenant. Parmi les sculpteurs de cette période, l'un des personnages les plus célèbres est Pythagore de Rhegium.
Caractéristiques des sculptures de Pythagore
Ses créations se caractérisent par un réalisme et une vivacité innovants à l'époque. Certaines œuvres de cet auteur sont même jugées trop audacieuses pour cette époque (par exemple, une statue d'un garçon sortant un éclat). La vivacité de son esprit et son talent extraordinaire ont permis à ce sculpteur d'étudier le sens de l'harmonie à l'aide de méthodes mathématiques calcul. Il les a menés sur la base de l'école philosophique et mathématique qu'il a fondée. Pythagore, utilisant ces méthodes, a exploré l'harmonie de diverses natures : la musique, les structures architecturales, le corps humain. Il existait une école pythagoricienne basée sur le principe du nombre. C'était cela qui était considéré comme la base du monde.
Autres sculpteurs de la période classique
La période classique, outre le nom de Pythagore, a donné à la culture mondiale une telle maîtres célèbres, comme Phidias, Polyclète et Myron. Les œuvres de sculpture grecque antique de ces auteurs sont regroupées comme suit : principe général- affichage de l'harmonie corps parfait et la belle âme qu'il contient. Ce principe est le principal qui a guidé divers maîtres de cette époque dans la création de leurs créations. La sculpture grecque antique est l’idéal d’harmonie et de beauté.
Miron
Grande influence sur l'art d'Athènes au Ve siècle avant JC. e. ont été rendus par les œuvres de Myron (rappelez-vous simplement le célèbre lanceur de disque, en bronze). Ce maître, contrairement à Polyclète, dont nous parlerons plus tard, aimait représenter des personnages en mouvement. Par exemple, dans la statue ci-dessus du Discobole, datant du 5ème siècle avant JC. e., il a représenté un beau jeune homme au moment où il balançait sa main pour lancer le disque. Son corps est tendu et courbé, pris dans le mouvement, comme un ressort prêt à se déployer. Les muscles entraînés étaient bombés sous la peau élastique du bras tiré vers l'arrière. Formant un support fiable, nous nous sommes enfoncés profondément dans le sable. Il s'agit de la sculpture grecque antique (Discobolus). La statue a été coulée en bronze. Cependant, seule une copie en marbre réalisée par les Romains à partir de l'original nous est parvenue. L'image ci-dessous montre une statue du Minotaure réalisée par ce sculpteur.
Polyclète
La sculpture grecque antique de Polyclète présente les caractéristiques suivantes caractéristique- la figure d'une personne debout, le bras levé sur une jambe, est inhérente à l'équilibre. Un exemple de son incarnation magistrale est la statue de Doryphore, le porteur de lance. Dans ses œuvres, Polyclète cherchait à combiner les caractéristiques physiques idéales avec la spiritualité et la beauté. Ce désir l'a inspiré à publier son traité intitulé « Le Canon », qui, malheureusement, n'a pas survécu jusqu'à ce jour.
Les statues de Polyclète sont pleines d'une vie intense. Il aimait représenter des athlètes au repos. Par exemple, le « Spearman » est un homme puissant et plein d’estime de soi. Il se tient immobile devant le spectateur. Cependant, cette paix n’est pas statique, caractéristique des statues égyptiennes antiques. Comme une personne qui contrôle facilement et habilement son propre corps, le lancier a légèrement plié sa jambe, la déplaçant vers l'autre poids du corps. Il semble qu’il ne tardera pas à tourner la tête et à s’avancer. Devant nous apparaît un homme beau et fort, libre de peur, retenu, fier - l'incarnation des idéaux des Grecs.
Phidias
Phidias peut à juste titre être considéré comme un grand créateur, créateur de sculpture remontant au Ve siècle avant JC. e. C’est lui qui a su maîtriser à la perfection l’art de la fonte du bronze. Phidias a moulé 13 figures sculpturales, qui sont devenues des décorations dignes du temple delphique d'Apollon. La statue de la Vierge Athéna dans le Parthénon, dont la hauteur est de 12 mètres, fait également partie des œuvres de ce maître. Il est fait d'ivoire et d'or pur. Cette technique de fabrication de statues était appelée chryso-éléphantine.
Les sculptures de ce maître reflètent particulièrement le fait qu'en Grèce les dieux sont les images d'une personne idéale. Parmi les œuvres de Phidias, la mieux conservée est le ruban de frise en relief en marbre de 160 mètres, qui représente la procession de la déesse Athéna se dirigeant vers le temple du Parthénon.
Statue d'Athéna
La sculpture de ce temple a été gravement endommagée. Même dans les temps anciens, ce personnage mourait à l’intérieur du temple. Il a été créé par Phidias. La sculpture grecque antique d'Athéna présentait les caractéristiques suivantes : sa tête avec un menton arrondi et un front lisse et bas, ainsi que ses bras et son cou étaient en ivoire, et son casque, son bouclier, ses vêtements et ses cheveux étaient faits de feuilles d'ivoire. or.
Il existe de nombreuses histoires associées à ce personnage. Ce chef-d'œuvre était si célèbre et si grand que Phidias eut immédiatement de nombreux envieux qui essayèrent par tous les moyens d'ennuyer le sculpteur, pour lequel ils cherchèrent des raisons de l'accuser de quoi que ce soit. Ce maître fut par exemple accusé d'avoir dissimulé une partie de l'or destiné à la sculpture d'Athéna. Pour prouver son innocence, Phidias enleva tous les objets en or de la statue et les pesa. Ce poids coïncidait exactement avec la quantité d'or qui lui était fournie. Ensuite, le sculpteur a été accusé d'impiété. Le bouclier d'Athéna est à l'origine de cela. Il représentait une scène de bataille avec les Amazones des Grecs. Phidias s'est représenté parmi les Grecs, ainsi que Périclès. Le public grec, malgré tous les mérites de ce maître, s'opposait toujours à lui. La vie de ce sculpteur s'est terminée par une exécution brutale.
Les réalisations de Phidias ne se limitent pas aux sculptures réalisées dans le Parthénon. Ainsi, il créa une figure en bronze d'Athéna Promachos, érigée vers 460 avant JC. e. dans l'Acropole.
Statue de Zeus
Phidias est devenu célèbre après que ce maître ait créé une statue de Zeus pour le temple situé à Olympie. La hauteur du personnage était de 13 mètres. Malheureusement, de nombreux originaux n'ont pas survécu ; seules leurs descriptions et leurs copies ont survécu jusqu'à ce jour. Cela était dû en grande partie à la destruction fanatique perpétrée par les chrétiens. La statue de Zeus n'a pas non plus survécu. Il peut être décrit comme suit : un personnage de 13 mètres était assis sur un trône doré. La tête du dieu était ornée d'une couronne de branches d'olivier, symbole de son amour de la paix. La poitrine, les bras, les épaules et le visage étaient en ivoire. Le manteau de Zeus est drapé sur son épaule gauche. La barbe et la couronne sont en or étincelant. Il s'agit de cette sculpture grecque antique, brièvement décrite. Il semble que Dieu, s'il se levait et redressait les épaules, ne rentrerait pas dans cette vaste salle - le plafond serait bas pour lui.
Période hellénistique
Les étapes de développement de la sculpture grecque antique sont complétées par la sculpture hellénistique. Cette période est une période de l’histoire de la Grèce antique du IVe au Ier siècle avant JC. À cette époque, la sculpture avait encore pour objectif principal de décorer diverses structures architecturales. Mais cela reflète également les changements en cours au sein du gouvernement.
Dans la sculpture, qui était à cette époque l’une des principales formes d’art, de nombreuses tendances et écoles sont apparues. Ils existaient à Rhodes, Pergame et Alexandrie. Meilleures œuvres, représentés par ces écoles, reflètent les problèmes qui préoccupaient l'esprit des gens de cette époque à cette époque. Ces images, contrairement au sens calme et classique du but, véhiculent un pathétique passionné, une tension émotionnelle et une dynamique.
L’Antiquité grecque tardive se caractérise par une forte influence de l’Orient sur tout l’art en général. De nouvelles caractéristiques de la sculpture grecque antique apparaissent : de nombreux détails, des draperies exquises, des angles complexes. La grandeur et la tranquillité des classiques sont pénétrées par le tempérament et l'émotivité de l'Orient.
Les Bains d'Aphrodite de Cyrène, situés dans le Musée Romain, regorgent de sensualité et de coquetterie.
"Laocoon et ses fils"
Le plus célèbre composition sculpturale, appartenant à cette époque, est « Laocoon et ses fils », réalisé par Agesander de Rhodes. Ce chef-d'œuvre est aujourd'hui conservé au Musée du Vatican. La composition est pleine de drame et l'intrigue suggère de l'émotivité. Le héros et ses fils, résistant désespérément aux serpents envoyés par Athéna, semblent comprendre leur terrible sort. Cette sculpture a été réalisée avec une précision extraordinaire. Les figurines sont réalistes et plastiques. Les visages des personnages font forte impression.
Trois grands sculpteurs
Dans les œuvres de sculpteurs datant du IVe siècle avant JC. e., l'idéal humaniste est préservé, mais l'unité du collectif civil disparaît. Les sculptures grecques antiques et leurs auteurs perdent le sentiment de plénitude de la vie et l'intégrité de leur vision du monde. Grands maîtres ayant vécu au IVe siècle avant JC. e., créer un art qui révèle de nouvelles facettes du monde spirituel. Ces recherches ont été exprimées le plus clairement par trois auteurs - Lysippe, Praxitèle et Scopas.
Skopas
Skopas est devenu la figure la plus importante parmi les autres sculpteurs travaillant à cette époque. Son art respire le doute profond, la lutte, l'anxiété, l'impulsion et la passion. Ce natif de l’île de Paros a travaillé dans de nombreuses villes de Hellas. Le savoir-faire de cet auteur s'incarne dans une statue appelée "Nike de Samothrace". Ce nom a été reçu en souvenir de la victoire de 306 av. e. Flotte rhodésienne. Cette figurine est installée sur un piédestal dont la conception rappelle la proue d’un navire.
"La Ménade dansante" de Skopas est présentée dans une perspective dynamique et complexe.
Praxitèle
Autre la créativité avait Cet auteur chantait la beauté sensuelle du corps et la joie de vivre. Praxitèle jouissait d'une grande renommée et était riche. La statue d'Aphrodite qu'il réalisa pour l'île de Cnide apporta à ce sculpteur la plus grande renommée. Elle fut la première représentation d’une déesse nue dans l’art grec. La belle Phryné, la célèbre hétaïre, aimée de Praxitèle, servit de modèle à la statue d'Aphrodite. Cette jeune fille fut accusée de blasphème, puis acquittée par des juges admiratifs de sa beauté. Praxitèle est un chanteur de beauté féminine vénéré par les Grecs. Malheureusement, Aphrodite de Cnide ne nous est connue que par copies.
Léohar
Léochares est un maître athénien, le plus grand des contemporains de Praxitèle. Ce sculpteur, travaillant dans diverses villes helléniques, a créé des scènes mythologiques et des images de dieux. Il réalise plusieurs statues-portraits selon la technique chryso-éléphantine, représentant des membres de la famille du roi. Après cela, il devint le maître de cour d’Alexandre le Grand, son fils. A cette époque, Léochares créa une statue d'Apollon, très populaire dans l'Antiquité. Il a été conservé dans une copie en marbre réalisée par les Romains et a acquis une renommée mondiale sous le nom d'Apollon Belvédère. Leohar fait preuve d'une technique virtuose dans toutes ses créations.
Après le règne d’Alexandre le Grand, l’ère hellénistique devient une période de floraison rapide de l’art du portrait. Des statues de divers orateurs, poètes, philosophes, généraux et hommes d'État ont été érigées sur les places de la ville. Les maîtres voulaient réaliser ressemblance extérieure et en même temps souligner les caractéristiques de l'apparence qui transforment un portrait en une image typique.
Autres sculpteurs et leurs créations
Les sculptures classiques sont devenues des exemples de diverses créations de maîtres ayant travaillé à l'époque hellénistique. La gigantomanie est clairement visible dans les œuvres de cette époque, c'est-à-dire le désir d'incarner l'image souhaitée dans une immense statue. Cela se manifeste particulièrement souvent lors de la création d'anciennes sculptures grecques de dieux. La statue du dieu Hélios est brillant que exemple. Il est en bronze doré et se dressait à l'entrée du port de Rhodes. La hauteur de la sculpture est de 32 mètres. Hares, élève de Lysippe, y travailla sans relâche pendant 12 ans. Cette œuvre d'art a à juste titre pris une place honorable dans la liste des merveilles du monde.
Après la conquête de la Grèce antique par les conquérants romains, de nombreuses statues ont été emportées hors de ce pays. Non seulement les sculptures, mais aussi les chefs-d'œuvre de la peinture, les collections des bibliothèques impériales et d'autres objets culturels ont subi ce sort. De nombreuses personnes travaillant dans les domaines de l’éducation et des sciences ont été capturées. Dans la culture Rome antique Ainsi, divers éléments du grec se sont entrelacés, ce qui a eu une influence significative sur son développement.
Conclusion
Bien sûr, les différentes périodes de développement que la Grèce antique a connues ont apporté leurs propres ajustements au processus de formation de la sculpture, mais une chose unissait les maîtres appartenant à différentes époques : le désir de comprendre la spatialité dans l'art, l'amour d'exprimer la plasticité de l'être humain. corps à l'aide de diverses techniques. La sculpture grecque antique, dont la photo est présentée ci-dessus, n'a malheureusement survécu que partiellement à ce jour. Le marbre était souvent utilisé comme matériau pour les figures, malgré sa fragilité. C'était la seule façon de transmettre la beauté et l'élégance du corps humain. Le bronze, bien que matériau plus fiable et plus noble, était beaucoup moins utilisé.
La sculpture et la peinture grecque antique sont uniques et intéressantes. Divers exemples d'art donnent une idée de la vie spirituelle de ce pays.