पेंटिंग के प्रकार संक्षेप में। कला के एक रूप के रूप में चित्रकारी. चित्रकारी सामग्री

पेंटिंग क्या है?

चित्रकारी एक दृश्य है ललित कला, जिनकी कृतियाँ किसी भी सतह पर लगाए गए पेंट का उपयोग करके बनाई जाती हैं।
रेनॉयर ने तर्क दिया, "पेंटिंग केवल किसी प्रकार की कल्पना नहीं है। यह काम है, काम जिसे कर्तव्यनिष्ठा से किया जाना चाहिए, जैसा कि हर कर्तव्यनिष्ठ कार्यकर्ता करता है।"

पेंटिंग सुलभ कलात्मक सामग्रियों को वास्तविकता की विभिन्न प्रकार की दृश्य छवियों में बदलने का एक अद्भुत चमत्कार है। पेंटिंग की कला में महारत हासिल करने का अर्थ है किसी भी स्थान में किसी भी आकार, विभिन्न रंग और सामग्री की वास्तविक वस्तुओं को चित्रित करने में सक्षम होना।
कला के अन्य सभी रूपों की तरह चित्रकला में भी एक विशेष विशेषता है कलात्मक भाषा, जिसके माध्यम से कलाकार दुनिया को दर्शाता है। लेकिन, दुनिया के बारे में अपनी समझ व्यक्त करते हुए, कलाकार एक साथ अपने विचारों और भावनाओं, आकांक्षाओं, सौंदर्यवादी आदर्शों को अपने कार्यों में शामिल करता है, जीवन की घटनाओं का मूल्यांकन करता है, उनके सार और अर्थ को अपने तरीके से समझाता है।
में कला का काम करता हैचित्रकारों द्वारा बनाई गई ललित कला की विभिन्न शैलियों में ड्राइंग, रंग, प्रकाश और छाया, स्ट्रोक की अभिव्यक्ति, बनावट और संरचना का उपयोग किया जाता है। इससे दुनिया की रंगीन समृद्धि, वस्तुओं की मात्रा, उनकी गुणात्मक भौतिक मौलिकता, स्थानिक गहराई और प्रकाश-वायु वातावरण को एक विमान पर पुन: पेश करना संभव हो जाता है।
चित्रकला की दुनिया समृद्ध और जटिल है, इसके खजाने को मानवता ने कई सहस्राब्दियों से संचित किया है। पेंटिंग के सबसे प्राचीन कार्यों की खोज वैज्ञानिकों ने उन गुफाओं की दीवारों पर की थी जिनमें वे रहते थे आदिम लोग. पहले कलाकारों ने शिकार के दृश्यों और जानवरों की आदतों को अद्भुत सटीकता और तीक्ष्णता के साथ चित्रित किया। इस तरह दीवार पर पेंटिंग की कला का उदय हुआ, जिसमें स्मारकीय पेंटिंग की विशेषताएं थीं।
स्मारकीय चित्रकला के दो मुख्य प्रकार हैं - फ्रेस्को और मोज़ेक।
फ्रेस्को ताजे, नम प्लास्टर पर साफ या चूने के पानी से पतला पेंट से पेंटिंग करने की एक तकनीक है।
मोज़ेक पत्थर, स्माल्ट, सजातीय या विभिन्न सामग्रियों के सिरेमिक टाइलों के कणों से बनी एक छवि है, जो मिट्टी की एक परत - चूने या सीमेंट में तय होती है।
फ़्रेस्को और मोज़ेक स्मारकीय कला के मुख्य प्रकार हैं, जो अपनी स्थायित्व और रंग स्थिरता के कारण, वास्तुशिल्प खंडों और विमानों (दीवार पेंटिंग, लैंपशेड, पैनल) को सजाने के लिए उपयोग किए जाते हैं।
चित्रफलक पेंटिंग (चित्र) का एक स्वतंत्र चरित्र और अर्थ है। कवरेज की चौड़ाई और पूर्णता वास्तविक जीवनचित्रफलक पेंटिंग में निहित प्रकारों और शैलियों की विविधता में परिलक्षित होता है: चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन, रोजमर्रा, ऐतिहासिक, युद्ध शैली।
स्मारकीय पेंटिंग के विपरीत, चित्रफलक पेंटिंग दीवार के समतल से जुड़ी नहीं है और इसे स्वतंत्र रूप से प्रदर्शित किया जा सकता है।
विचारधारा कलात्मक मूल्यचित्रफलक कला के कार्य उस स्थान के आधार पर नहीं बदलते हैं जहाँ वे स्थित हैं, हालाँकि उनकी कलात्मक ध्वनि प्रदर्शन की स्थितियों पर निर्भर करती है।
उपरोक्त प्रकार की पेंटिंग के अलावा, सजावटी पेंटिंग - रेखाचित्र भी हैं नाट्य दृश्य, सिनेमा के लिए दृश्यावली और वेशभूषा, साथ ही लघुचित्र और प्रतिमा विज्ञान।
कला का एक लघु कार्य या एक स्मारकीय (उदाहरण के लिए, एक दीवार पर एक पेंटिंग) बनाने के लिए, कलाकार को न केवल वस्तुओं का रचनात्मक सार, उनकी मात्रा, भौतिकता, बल्कि सचित्र प्रतिनिधित्व के नियमों और कानूनों को भी जानना चाहिए। प्रकृति, रंग और रंग का सामंजस्य।

प्रकृति की एक सचित्र छवि में, न केवल रंगों की विविधता को ध्यान में रखना आवश्यक है, बल्कि प्रकाश स्रोत की ताकत और रंग द्वारा निर्धारित उनकी एकता को भी ध्यान में रखना आवश्यक है। समग्र रंग स्थिति के साथ मिलान किए बिना छवि में रंग का कोई भी धब्बा नहीं डाला जाना चाहिए। प्रत्येक वस्तु का रंग, प्रकाश और छाया दोनों में, पूरे रंग से संबंधित होना चाहिए। यदि छवि के रंग प्रकाश के रंग के प्रभाव को व्यक्त नहीं करते हैं, तो वे एक ही रंग योजना के अधीन नहीं होंगे। ऐसी छवि में, प्रत्येक रंग रोशनी की दी गई स्थिति के लिए कुछ बाहरी और विदेशी के रूप में सामने आएगा; यह बेतरतीब दिखाई देगा और छवि की रंग अखंडता को बर्बाद कर देगा।
इस प्रकार, प्रकाश के सामान्य रंग द्वारा पेंट का प्राकृतिक रंग एकीकरण चित्र की सामंजस्यपूर्ण रंग संरचना बनाने का आधार है।
रंग चित्रकला में प्रयुक्त सर्वाधिक अभिव्यंजक साधनों में से एक है। कलाकार अपने चारों ओर की दुनिया को पहचानने और प्रतिबिंबित करने के लिए रंग रूप का उपयोग करके, जो उसने देखा उसकी रंगीन समृद्धि को विमान पर व्यक्त करता है। प्रकृति को चित्रित करने की प्रक्रिया में, रंग और उसके कई रंगों की भावना विकसित होती है, जो मुख्य रूप से पेंट के उपयोग की अनुमति देती है अभिव्यक्ति का साधनचित्रकारी।
रंग की धारणा, और कलाकार की आंख उसके 200 से अधिक रंगों को पहचानने में सक्षम है, शायद सबसे सुखद गुणों में से एक है जो प्रकृति ने मनुष्य को दिया है।
विरोधाभास के नियमों को जानने के बाद, कलाकार चित्रित प्रकृति के रंग में उन परिवर्तनों को नेविगेट करता है, जिन्हें कुछ मामलों में आंखों से पकड़ना मुश्किल होता है। रंग की धारणा उस वातावरण पर निर्भर करती है जिसमें वस्तु स्थित है। इसलिए, कलाकार, प्रकृति के रंग को व्यक्त करते समय, रंगों की एक-दूसरे से तुलना करते हैं, यह सुनिश्चित करते हुए कि उन्हें परस्पर संबंध या आपसी संबंधों में माना जाता है।
"प्रकाश-और-छाया संबंध लेना" का अर्थ है रंगों के बीच हल्केपन, संतृप्ति और रंग में अंतर को प्रकृति में कैसे होता है, उसके अनुसार संरक्षित करना।
कंट्रास्ट (प्रकाश और रंग दोनों में) आसन्न रंग के धब्बों के किनारों पर विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है। विपरीत रंगों के बीच की सीमाओं का धुंधलापन रंग विरोधाभास के प्रभाव को बढ़ाता है, और धब्बों की सीमाओं की स्पष्टता इसे कम कर देती है। इन कानूनों का ज्ञान पेंटिंग में तकनीकी क्षमताओं का विस्तार करता है, कलाकार को कंट्रास्ट की मदद से, पेंट के रंग की तीव्रता को बढ़ाने, उनकी संतृप्ति को बढ़ाने, उनके हल्केपन को बढ़ाने या घटाने की अनुमति देता है, जो चित्रकार के पैलेट को समृद्ध करता है। इस प्रकार, मिश्रण का उपयोग किए बिना, लेकिन केवल गर्म और ठंडे रंगों के विपरीत संयोजनों से, आप पेंटिंग की एक विशेष रंगीन ध्वनि प्राप्त कर सकते हैं।

शब्द "पेंटिंग" रूसी शब्द "लाइव" और "राइट" से आया है, जिसके परिणामस्वरूप वाक्यांश "लिविंग लेटर" बना है। पेंटिंग का अर्थ है वास्तविक दुनिया की एक छवि, जो समतल सतहों पर तात्कालिक सामग्रियों (पेंसिल, पेंट, प्लास्टिसिन, आदि) का उपयोग करके बनाई जाती है। हम कह सकते हैं कि कलाकार की कल्पना के चश्मे से वास्तविक दुनिया का प्रक्षेपण भी होता है

पेंटिंग के प्रकार

यह वास्तविकता को चित्रित करने के लिए विभिन्न प्रकार और तकनीकों से परिपूर्ण है, जो न केवल कलाकार के काम के निष्पादन की तकनीक और उपयोग की गई सामग्रियों पर निर्भर करता है, बल्कि रचनात्मकता की सामग्री और अर्थपूर्ण संदेश पर भी निर्भर करता है। भावनाओं, भावनाओं और विचारों को व्यक्त करने के लिए, कलाकार सबसे पहले रंग और प्रकाश के साथ खेलने के नियमों का उपयोग करता है: रंग के रंगों का संबंध और हाइलाइट्स और छाया का खेल। इस रहस्य की बदौलत पेंटिंग सचमुच जीवंत हो उठती हैं।

इस प्रभाव को प्राप्त करने के लिए, आपको रंगीन सामग्रियों का कुशलतापूर्वक उपयोग करने की आवश्यकता है। इसलिए, पेंटिंग, जिसके प्रकार ड्राइंग तकनीक और पेंट के प्रकार पर निर्भर करते हैं, में जल रंग, तेल, टेम्पेरा, पेस्टल, गौचे, मोम, ऐक्रेलिक आदि का उपयोग किया जा सकता है। यह सब कलाकार की इच्छा पर निर्भर करता है।

ललित कलाओं में चित्रकला के निम्नलिखित मुख्य प्रकार हैं:

1. स्मारकीय पेंटिंग. इस प्रकार की कला के नाम से ही पता चलता है कि यह रचना कई शताब्दियों तक जीवित रहेगी। इस प्रकार का तात्पर्य वास्तुकला और ललित कला के सहजीवन से है। स्मारकीय चित्रकारी अक्सर धार्मिक मंदिरों में देखी जा सकती है: ये चित्रित दीवारें, वाल्ट, मेहराब और छत हैं। जब ड्राइंग और इमारत स्वयं एक हो जाते हैं, तो ऐसे कार्यों का गहरा अर्थ होता है और वैश्विक सांस्कृतिक मूल्य होता है। भित्तिचित्र अक्सर इस प्रकार की पेंटिंग के अंतर्गत आते हैं। एक नियम के रूप में, वे न केवल पेंट से, बल्कि सिरेमिक टाइलों, कांच, रंगीन पत्थरों, शैल चट्टान आदि से भी बनाए जाते हैं।

2. चित्रफलक पेंटिंग. ऐसी ललित कला के प्रकार बहुत सामान्य हैं और किसी भी कलाकार के लिए सुलभ हैं। पेंटिंग को चित्रफलक माने जाने के लिए, निर्माता को इसके लिए एक कैनवास (चित्रफलक) और एक फ्रेम की आवश्यकता होगी। इस प्रकार, पेंटिंग प्रकृति में स्वतंत्र होगी, और इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि यह कहाँ और किस वास्तुशिल्प संरचना में स्थित है।

3. रचनात्मकता की अभिव्यक्ति के प्रकार और रूप असीमित हैं, और इस प्रकार की कला प्रमाण के रूप में काम कर सकती है। हजारों वर्षों से अस्तित्व में है: ये घर की सजावट, पेंटिंग व्यंजन, स्मृति चिन्ह बनाना, कपड़े, फर्नीचर पेंटिंग इत्यादि हैं। रचनात्मकता का सार यह है कि वस्तु और उस पर डिज़ाइन एक संपूर्ण हो जाते हैं। जब कोई कलाकार किसी वस्तु पर पूरी तरह से अनुचित डिज़ाइन का चित्रण करता है तो इसे खराब स्वाद माना जाता है।

4. नाट्य प्रदर्शन के साथ-साथ सिनेमा के लिए दृश्य डिजाइन का तात्पर्य है। इस प्रकार की कला दर्शकों को किसी नाटक, प्रदर्शन या फिल्म की छवि को अधिक सटीक रूप से समझने और स्वीकार करने की अनुमति देती है।

चित्रकला की शैलियाँ

कला के सिद्धांत में, चित्रकला की शैलियों के बीच अंतर करना भी महत्वपूर्ण है, जिनमें से प्रत्येक की अपनी विशेषताएं हैं:

चित्र।

स्थिर वस्तु चित्रण।

प्रतिमा विज्ञान।

पशुता.

कहानी।

ये मुख्य हैं जो कला के इतिहास में लंबे समय से मौजूद हैं। लेकिन प्रगति स्थिर नहीं रहती. हर साल शैलियों की सूची बढ़ती और बढ़ती है। इस प्रकार, अमूर्तता और कल्पना, अतिसूक्ष्मवाद, आदि प्रकट हुए।

चित्रकारी प्राचीन कलाओं में से एक है, जिसका कई शताब्दियों के दौरान पुरापाषाणकालीन शैल चित्रों से लेकर 20वीं और यहां तक ​​कि 21वीं सदी के नवीनतम रुझानों तक विकास हुआ है। इस कला का जन्म लगभग मानवता के आगमन के साथ हुआ। प्राचीन लोगों को, स्वयं को मनुष्य के रूप में पूरी तरह से साकार किए बिना, अपने आसपास की दुनिया को सतह पर चित्रित करने की आवश्यकता महसूस हुई। उन्होंने जो कुछ भी देखा उसे चित्रित किया: जानवर, प्रकृति, शिकार के दृश्य। पेंटिंग के लिए उन्होंने प्राकृतिक सामग्री से बने पेंट के समान कुछ का उपयोग किया। ये मिट्टी के रंग, लकड़ी का कोयला, काली कालिख थे। ब्रश जानवरों के बालों से बनाए जाते थे, या उन्हें बस उंगलियों से रंगा जाता था।

परिवर्तनों के परिणामस्वरूप, चित्रकला के नए प्रकार और शैलियाँ उत्पन्न हुईं। प्राचीन काल के बाद पुरातन काल आया। चित्रकारों और कलाकारों के बीच हमारे आस-पास के वास्तविक जीवन को पुन: प्रस्तुत करने की इच्छा थी, जैसा कि यह मनुष्यों को दिखाई देता है। संचरण की सटीकता की इच्छा ने परिप्रेक्ष्य की नींव, विभिन्न छवियों के प्रकाश और छाया निर्माण की नींव और कलाकारों द्वारा इसके अध्ययन का उदय किया। और सबसे पहले, उन्होंने अध्ययन किया कि फ्रेस्को पेंटिंग में दीवार के तल पर वॉल्यूमेट्रिक स्पेस को कैसे चित्रित किया जाए। कला के कुछ कार्यों, जैसे वॉल्यूमेट्रिक स्पेस, काइरोस्कोरो, का उपयोग कमरों, धार्मिक केंद्रों और दफनियों को सजाने के लिए किया जाने लगा।

चित्रकला के अतीत में अगला महत्वपूर्ण काल ​​मध्य युग है। इस समय, चित्रकला प्रकृति में अधिक धार्मिक थी, और विश्वदृष्टिकोण कला में परिलक्षित होने लगा। कलाकारों की रचनात्मकता का उद्देश्य आइकन पेंटिंग और धर्म की अन्य धुनें थीं। मुख्य महत्वपूर्ण बिंदु, जिस पर कलाकार को जोर देना था, वह वास्तविकता का इतना सटीक प्रतिबिंब नहीं था, बल्कि सबसे विविध चित्रों में भी आध्यात्मिकता का हस्तांतरण था। उस समय के उस्तादों के कैनवस उनकी आकृति, रंग और रंगीनता की अभिव्यक्ति से चकित थे। मध्यकालीन चित्रकला हमें सपाट लगती है। उस समय के कलाकारों के सभी पात्र एक ही पंक्ति में हैं। और इसलिए कई कार्य हमें कुछ हद तक शैलीबद्ध लगते हैं।

धूसर मध्य युग की अवधि का स्थान पुनर्जागरण के उज्जवल काल ने ले लिया। पुनर्जागरण ने फिर से इस कला के ऐतिहासिक विकास में एक महत्वपूर्ण मोड़ लाया। समाज में नए मूड, एक नया विश्वदृष्टिकोण कलाकार को निर्देशित करने लगा: पेंटिंग के किन पहलुओं को अधिक पूर्ण और स्पष्ट रूप से प्रकट करना है। पोर्ट्रेट और लैंडस्केप जैसी पेंटिंग शैलियाँ स्वतंत्र शैलियाँ बन जाएंगी। कलाकार मनुष्य और उसकी भावनाओं को व्यक्त करते हैं भीतर की दुनियापेंटिंग के नए तरीकों के माध्यम से. 17वीं और 18वीं शताब्दी में चित्रकला में और भी अधिक महत्वपूर्ण वृद्धि देखी गई। इस अवधि के दौरान, कैथोलिक चर्च अपना महत्व खो देता है, और कलाकार अपने कार्यों में तेजी से लोगों, प्रकृति और रोजमर्रा की जिंदगी के सच्चे विचारों को चित्रित करते हैं। इस अवधि के दौरान, बारोक, रोकोको, क्लासिकिज्म और मैनरिज्म जैसी शैलियों का भी गठन किया गया। रूमानियतवाद उभरता है, जिसे बाद में एक अधिक शानदार शैली - प्रभाववाद द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है।

बीसवीं सदी की शुरुआत में, चित्रकला में नाटकीय रूप से बदलाव आया और आधुनिक कला की एक नई दिशा सामने आई - अमूर्त चित्रकला। इस दिशा का विचार मनुष्य और कला के बीच सहमति व्यक्त करना, रेखाओं और रंग हाइलाइट्स के संयोजन में सामंजस्य बनाना है। यह वस्तुनिष्ठता विहीन कला है। वह वास्तविक छवि का सटीक प्रतिपादन नहीं करती है, बल्कि इसके विपरीत, वह कलाकार की आत्मा, उसकी भावनाओं को व्यक्त करती है। इस कला रूप में आकृतियाँ और रंग महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। इसका सार पहले से परिचित वस्तुओं को नए तरीके से व्यक्त करना है। यहां कलाकारों को अपनी कल्पना की पूरी आजादी दी जाती है। इससे उद्भव एवं विकास को गति मिली आधुनिक रुझानजैसे अवंत-गार्डे, भूमिगत, अमूर्त कला। बीसवीं सदी के अंत से लेकर आज तक चित्रकला में लगातार बदलाव आ रहा है। लेकिन, तमाम नई उपलब्धियों के बावजूद और आधुनिक प्रौद्योगिकियाँ, कलाकार अभी भी शास्त्रीय कला - तेल और के प्रति वफादार हैं वॉटरकलर वाली पेंटिंग, पेंट और कैनवस का उपयोग करके अपनी उत्कृष्ट कृतियाँ बनाएँ।

नतालिया मार्टीनेंको

ललित कलाओं का इतिहास

चित्रकला का इतिहास एक अंतहीन शृंखला है जो सबसे पहले बनाई गई पेंटिंग से शुरू हुई। प्रत्येक शैली उन शैलियों से विकसित होती है जो उससे पहले आई थीं। प्रत्येक महान कलाकारपहले के कलाकारों की उपलब्धियों में कुछ जोड़ता है और बाद के कलाकारों को प्रभावित करता है।

हम इसकी सुंदरता के लिए पेंटिंग का आनंद ले सकते हैं। इसकी रेखाएं, आकार, रंग और संरचना (भागों की व्यवस्था) हमारी इंद्रियों को आकर्षित कर सकती हैं और हमारी यादों में बनी रह सकती हैं। लेकिन कला का आनंद तब बढ़ जाता है जब हम यह सीखते हैं कि इसकी रचना कब, क्यों और कैसे हुई।

चित्रकला का इतिहास कई कारकों से प्रभावित रहा है। भूगोल, धर्म, राष्ट्रीय विशेषताएँ, ऐतिहासिक घटनाएँ, नई सामग्रियों का विकास - यह सब कलाकार की दृष्टि को आकार देने में मदद करता है। पूरे इतिहास में, चित्रकला ने बदलती दुनिया और उसके बारे में हमारे विचारों को प्रतिबिंबित किया है। बदले में, कलाकारों ने सभ्यता के विकास के कुछ बेहतरीन रिकॉर्ड प्रदान किए हैं, कभी-कभी लिखित शब्द से भी अधिक खुलासा करते हैं।

प्रागैतिहासिक चित्रकला

गुफावासी सबसे अधिक थे शुरुआती कलाकार. दक्षिणी फ्रांस और स्पेन में गुफाओं की दीवारों पर 30,000 से 10,000 ईसा पूर्व के जानवरों के रंगीन चित्र पाए गए हैं। इनमें से कई पेंटिंग उल्लेखनीय रूप से अच्छी तरह से संरक्षित हैं क्योंकि गुफाएं कई शताब्दियों से सीलबंद थीं। आरंभिक लोग अपने आस-पास देखे गए जंगली जानवरों के चित्र बनाते थे। अफ्रीका और पूर्वी स्पेन में जीवन स्थितियों में बनी बहुत ही अपरिष्कृत मानव आकृतियाँ पाई गई हैं।

गुफा कलाकारों ने गुफा की दीवारों को समृद्ध, जीवंत रंगों के चित्रों से भर दिया। सबसे खूबसूरत पेंटिंग्स में से कुछ स्पेन में अल्तामिरा गुफा में हैं। एक विवरण में एक घायल भैंस को दिखाया गया है, जो अब खड़ा होने में सक्षम नहीं है - संभवतः एक शिकारी का शिकार। इसे लाल भूरे रंग में रंगा गया है और इसे काले रंग में सरलता से, लेकिन कुशलता से रेखांकित किया गया है। गुफा कलाकारों द्वारा उपयोग किए जाने वाले रंग गेरू (लोहे के ऑक्साइड का रंग हल्के पीले से गहरे नारंगी तक होता है) और मैंगनीज (एक गहरे रंग की धातु) हैं। उन्हें पीसकर महीन पाउडर बनाया गया, चिकनाई (संभवतः वसायुक्त तेल) के साथ मिलाया गया और किसी प्रकार के ब्रश से सतह पर लगाया गया। कभी-कभी रंगद्रव्य क्रेयॉन के समान छड़ियों का रूप ले लेते थे। पाउडर पिगमेंट के साथ मिश्रित वसा ने एक पेंट तरल बना दिया, और पिगमेंट के कण एक साथ चिपक गए। गुफा में रहने वाले लोग जानवरों के बालों या पौधों से ब्रश बनाते थे, और सिलिकॉन से तेज उपकरण (चित्र बनाने और खरोंचने के लिए) बनाते थे।

30,000 साल पहले, लोगों ने पेंटिंग के लिए बुनियादी उपकरणों और सामग्रियों का आविष्कार किया था। निम्नलिखित शताब्दियों में विधियों और सामग्रियों को परिष्कृत और बेहतर बनाया गया। लेकिन गुफा में रहने वाले लोगों की खोजें चित्रकला के लिए मौलिक बनी हुई हैं।

मिस्र और मेसोपोटामिया चित्रकला (3400-332 ईसा पूर्व)

पहली सभ्यताओं में से एक मिस्र में प्रकट हुई। मिस्रवासियों द्वारा छोड़े गए लिखित अभिलेखों और कला से उनके जीवन के बारे में बहुत कुछ पता चलता है। उनका मानना ​​था कि शरीर को संरक्षित किया जाना चाहिए ताकि मृत्यु के बाद आत्मा जीवित रह सके। महान पिरामिड मिस्र के अमीर और शक्तिशाली शासकों की विस्तृत कब्रें थीं। मिस्र की अधिकांश कला राजाओं और अन्य महत्वपूर्ण लोगों के पिरामिडों और कब्रों के लिए बनाई गई थी। पूरी तरह से आश्वस्त होने के लिए कि आत्मा का अस्तित्व बना रहेगा, कलाकारों ने पत्थर पर एक मृत व्यक्ति की छवियां बनाईं। उन्होंने दफन कक्षों में दीवार चित्रों में मानव जीवन के दृश्यों को भी दोहराया।

मिस्र की कला तकनीकें सदियों से अपरिवर्तित बनी हुई हैं। एक विधि में, पानी के रंग का पेंट मिट्टी या चूना पत्थर की सतहों पर लगाया जाता था। एक अन्य प्रक्रिया में, रूपरेखा को पत्थर की दीवारों में उकेरा गया और जलरंगों से चित्रित किया गया। संभवतः पेंट को सतह पर चिपकाने के लिए गम अरेबिक नामक सामग्री का उपयोग किया जाता था। सौभाग्य से, शुष्क जलवायु और सीलबंद कब्रों ने इनमें से कुछ को रोक दिया जल रंग पेंटिंगनमी से ख़राब होना। थेब्स में मकबरे की दीवारों से लगभग 1450 ईसा पूर्व के शिकार के कई दृश्य अच्छी तरह से संरक्षित हैं। वे दिखाते हैं कि कैसे शिकारी पक्षियों या मछलियों का पीछा करते हैं। इन विषयों को आज भी पहचाना जा सकता है क्योंकि इन्हें सावधानीपूर्वक और सावधानीपूर्वक चित्रित किया गया था।

मेसोपोटामिया सभ्यता, जो 3200 से 332 ईसा पूर्व तक चली, मध्य पूर्व में टाइग्रिस और यूफ्रेट्स नदियों के बीच घाटी में स्थित थी। मेसोपोटामिया में घर मुख्यतः मिट्टी से बनाये जाते थे। जैसे ही बारिश से मिट्टी नरम हो जाती है, उनकी इमारतें धूल में बदल जाती हैं, जिससे सभी दीवार पेंटिंग नष्ट हो जाती हैं जो बहुत दिलचस्प हो सकती थीं। जो बचे हैं वे सजे हुए मिट्टी के बर्तन (चित्रित और पकाए हुए) और रंगीन मोज़ाइक हैं। हालाँकि मोज़ाइक को पेंटिंग नहीं माना जा सकता, फिर भी वे अक्सर इस पर प्रभाव डालते हैं।

एजियन सभ्यता (3000-1100 ईसा पूर्व)

तीसरा महान प्रारंभिक संस्कृतिवहां एजियन सभ्यता थी. एजियन लोग लगभग उसी समय ग्रीस के तट पर और एशिया माइनर के प्रायद्वीप पर प्राचीन मिस्र और मेसोपोटामिया के द्वीपों पर रहते थे।

1900 में, पुरातत्वविदों ने क्रेते द्वीप पर नोसोस में राजा मिनोस के महल की खुदाई शुरू की। उत्खनन से लगभग 1500 ईसा पूर्व चित्रित कला कृतियाँ प्राप्त हुई हैं। उस समय की असामान्य रूप से स्वतंत्र और सुंदर शैली में। जाहिर तौर पर क्रेटन लोग लापरवाह, प्रकृति-प्रेमी लोग थे। कला में उनके पसंदीदा विषय थे समुद्री जीवन, जानवर, फूल, खेल - कूद वाले खेल, सामूहिक जुलूस। नोसोस और अन्य एजियन महलों में, खनिज पदार्थों, रेत और मिट्टी के गेरू से बने पेंट का उपयोग करके गीले प्लास्टर की दीवारों पर पेंटिंग की जाती थी। पेंट गीले प्लास्टर में भीग गया और दीवार का स्थायी हिस्सा बन गया। इन चित्रों को बाद में भित्तिचित्र कहा गया (इतालवी शब्द "ताजा" या "नया" से)। क्रेटन को चमकीले पीले, लाल, नीले और हरे रंग पसंद थे।

ग्रीक और रोमन शास्त्रीय चित्रकला (1100 ईसा पूर्व - 400 ईस्वी)

प्राचीन यूनानियों ने मंदिरों और महलों की दीवारों को भित्तिचित्रों से सजाया था। प्राचीन साहित्यिक स्रोतों और ग्रीक कला की रोमन प्रतियों से यह कहा जा सकता है कि यूनानियों ने छोटे-छोटे चित्र बनाए और मोज़ाइक बनाए। ग्रीक मास्टर्स के नाम और उनके जीवन और कार्यों के बारे में बहुत कम जानकारी है, हालांकि सदियों और युद्धों के बाद बहुत कम ग्रीक पेंटिंग बची रहीं। यूनानियों ने कब्रों में ज्यादा कुछ नहीं लिखा, इसलिए उनके कार्यों को संरक्षित नहीं किया गया।

चित्रित फूलदान आज ग्रीक चित्रकला के अवशेष हैं। ग्रीस में मिट्टी के बर्तन बनाना एक बड़ा उद्योग था, विशेषकर एथेंस में। कंटेनरों की बहुत मांग थी, निर्यात किया जाता था, साथ ही तेल और शहद और घरेलू उद्देश्यों के लिए भी। सबसे पहली फूलदान पेंटिंग कहाँ बनाई गई थी? ज्यामितीय आकारऔर आभूषण (1100-700 ईसा पूर्व)। फूलदानों को हल्की मिट्टी पर भूरे शीशे से बनी मानव आकृतियों से भी सजाया गया था। छठी शताब्दी तक, फूलदान कलाकार अक्सर प्राकृतिक लाल मिट्टी पर काले मानव आकृतियों को चित्रित करते थे। विवरण को एक तेज उपकरण से मिट्टी में उकेरा गया था। इससे राहत की गहराई में लाल दिखाई देने लगा।

अंततः लाल आकृति वाली शैली ने काले रंग का स्थान ले लिया। अर्थात्, इसके विपरीत: आकृतियाँ लाल हैं, और पृष्ठभूमि काली है। इस शैली का लाभ यह था कि कलाकार रूपरेखा बनाने के लिए ब्रश का उपयोग कर सकता था। काले रंग के फूलदानों पर उपयोग किए जाने वाले धातु के उपकरण की तुलना में ब्रश एक ढीली रेखा बनाता है।

रोमन दीवार चित्र मुख्यतः विला में पाए गए हैं ( गांव का घर) पोम्पेई और हरकुलेनियम में। 79 ई. में वेसुवियस पर्वत के विस्फोट से ये दोनों शहर पूरी तरह से दब गये। जिन पुरातत्वविदों ने इस क्षेत्र की खुदाई की, वे इन शहरों से प्राचीन रोमन जीवन के बारे में बहुत कुछ सीखने में सक्षम थे। पोम्पेई के लगभग हर घर और विला की दीवारों पर पेंटिंग थीं। रोमन चित्रकारों ने संगमरमर की धूल और प्लास्टर का मिश्रण लगाकर सावधानीपूर्वक दीवार की सतह तैयार की। उन्होंने सतहों को संगमरमर की तरह पॉलिश किया। कई पेंटिंग ईसा पूर्व चौथी शताब्दी की ग्रीक पेंटिंग की नकल हैं। पोम्पेई में रहस्यों के विला की दीवारों पर चित्रित आकृतियों की सुंदर मुद्राओं ने 18वीं शताब्दी में कलाकारों को प्रेरित किया जब शहर की खुदाई की गई थी।

यूनानियों और रोमनों ने भी चित्र बनाए। उनमें से एक छोटी संख्या, ज्यादातर मिस्र के कलाकारों द्वारा ग्रीक शैली में बनाए गए ममी चित्र, उत्तरी मिस्र में अलेक्जेंड्रिया के आसपास बचे हैं। चौथी शताब्दी ईसा पूर्व में ग्रीस के सिकंदर महान द्वारा स्थापित, अलेक्जेंड्रिया ग्रीक और रोमन संस्कृति का एक प्रमुख केंद्र बन गया। चित्रों को लकड़ी पर एन्कास्टिक तकनीक का उपयोग करके चित्रित किया गया था और चित्रित व्यक्ति की मृत्यु के बाद ममी के रूप में स्थापित किया गया था। पिघले हुए मोम के साथ मिश्रित पेंट से बनाई गई मटमैली पेंटिंग बहुत लंबे समय तक चलती हैं। वास्तव में, ये चित्र अभी भी ताज़ा दिखते हैं, भले ही इन्हें ईसा पूर्व दूसरी शताब्दी में लिया गया था।

प्रारंभिक ईसाई और बीजान्टिन पेंटिंग (300-1300)

चौथी शताब्दी ईस्वी में रोमन साम्राज्य का पतन हो गया। उसी समय, ईसाई धर्म मजबूत हो रहा था। 313 में, रोमन सम्राट कॉन्स्टेंटाइन ने आधिकारिक तौर पर इस धर्म को मान्यता दी और खुद ईसाई धर्म अपना लिया।

ईसाई धर्म के उद्भव ने कला को बहुत प्रभावित किया। चर्चों की दीवारों को भित्तिचित्रों और मोज़ाइक से सजाने के लिए कलाकारों को नियुक्त किया गया था। उन्होंने चर्च चैपल में पैनल बनाए, चर्च की किताबों को चित्रित किया और सजाया। चर्च के प्रभाव में, कलाकारों से अपेक्षा की जाती थी कि वे ईसाई धर्म की शिक्षाओं को यथासंभव स्पष्ट रूप से संप्रेषित करें।

प्रारंभिक ईसाइयों और बीजान्टिन कलाकारों ने यूनानियों से सीखी गई मोज़ेक तकनीक को जारी रखा। गीले सीमेंट या प्लास्टर पर रंगीन कांच या पत्थर के छोटे-छोटे चपटे टुकड़े लगाए जाते थे। कभी-कभी अन्य कठोर सामग्रियों का उपयोग किया जाता था, जैसे पकी हुई मिट्टी के टुकड़े या सीपियाँ। इतालवी मोज़ेक में रंग विशेष रूप से गहरे और भरे हुए होते हैं। इतालवी कलाकारों ने सोने के शीशे के टुकड़ों से पृष्ठभूमि बनाई। उन्होंने चमचमाते सोने की पृष्ठभूमि में गहरे रंगों में मानव आकृतियों को चित्रित किया। समग्र प्रभाव सपाट, सजावटी और यथार्थवादी नहीं था।

बीजान्टिन कलाकारों के मोज़ेक अक्सर शुरुआती ईसाइयों के रूपांकनों की तुलना में कम यथार्थवादी और यहां तक ​​कि अधिक सजावटी थे। "बाइज़ेंटाइन" नाम है दी गई शैलीकला जो चारों ओर विकसित हुई प्राचीन शहरबीजान्टियम (अब इस्तांबुल, तुर्किये)। भव्य रूप से सजाए गए चर्चों के लिए मोज़ेक तकनीक बीजान्टिन स्वाद के लिए आदर्श रूप से अनुकूल थी। 547 ई. के आसपास बने थियोडोरा और जस्टिनियन के प्रसिद्ध मोज़ाइक धन के प्रति रुचि को प्रदर्शित करते हैं। जेवरआकृतियाँ चमकती हैं, और रंगीन दरबारी पोशाकें चमकते सोने की पृष्ठभूमि में चमकती हैं। बीजान्टिन कलाकारों ने भित्तिचित्रों और पैनलों पर भी सोने का उपयोग किया। मध्य युग में आध्यात्मिक वस्तुओं को रोजमर्रा की दुनिया से अलग करने के लिए सोने और अन्य कीमती सामग्रियों का उपयोग किया जाता था।

मध्यकालीन चित्रकला (500-1400)

मध्य युग का पहला भाग, लगभग 6ठीं से 11वीं शताब्दी ई.पू. तक, आमतौर पर अंधकार युग कहा जाता है। अशांति के इस समय के दौरान, कला को मुख्य रूप से मठों में रखा गया था। 5वीं शताब्दी ई. में उत्तरी और मध्य यूरोप की वारान जनजातियाँ महाद्वीप में घूमती थीं। सैकड़ों वर्षों तक उनका पश्चिमी यूरोप पर प्रभुत्व रहा। इन लोगों ने कला का निर्माण किया जिसमें मुख्य तत्व पैटर्न है। वे विशेष रूप से आपस में गुंथे हुए ड्रेगन और पक्षियों की संरचनाओं से आकर्षित थे।

सेल्टिक और सैक्सन कला का सर्वोत्तम नमूना 7वीं और 8वीं शताब्दी की पांडुलिपियों में पाया जा सकता है। पुस्तक चित्रण, रोशनी और लघु चित्रकला, जो रोमन काल के अंत से प्रचलित थी, मध्य युग में व्यापक हो गई। प्रकाश पाठ, बड़े अक्षरों और हाशिये की सजावट है। सोने, चांदी और चमकीले रंगों का प्रयोग किया गया। लघुचित्र एक छोटा चित्र होता है, जो अक्सर एक चित्र होता है। इस शब्द का उपयोग मूल रूप से पांडुलिपि में प्रारंभिक अक्षरों के आसपास सजावटी ब्लॉक का वर्णन करने के लिए किया गया था।

शारलेमेन, जिन्हें 9वीं शताब्दी की शुरुआत में पवित्र रोमन सम्राट का ताज पहनाया गया था, ने देर से रोमन और प्रारंभिक ईसाई काल की शास्त्रीय कला को पुनर्जीवित करने का प्रयास किया। उनके शासनकाल के दौरान, लघु चित्रकारों ने शास्त्रीय कला की नकल की, लेकिन उन्होंने अपने विषयों के माध्यम से व्यक्तिगत भावनाओं को भी व्यक्त किया।

मध्य युग से बहुत कम दीवार पेंटिंग बची हैं। रोमनस्क काल (11वीं-13वीं शताब्दी) के दौरान बने चर्चों में कुछ महान भित्तिचित्र थे, लेकिन उनमें से अधिकांश गायब हो गए हैं। गॉथिक काल (XII-XVI सदियों) के चर्चों में दीवार चित्रों के लिए पर्याप्त जगह नहीं थी। पुस्तक चित्रण गॉथिक चित्रकार का मुख्य कार्य था।

सर्वोत्तम सचित्र पांडुलिपियों में घंटों की किताबें थीं - कैलेंडर, प्रार्थनाओं और भजनों का संग्रह। एक इतालवी पांडुलिपि के एक पृष्ठ में विस्तृत प्रारंभिक अक्षर और सेंट जॉर्ज द्वारा एक ड्रैगन को मारते हुए एक बारीक विस्तृत सीमांत दृश्य दिखाया गया है। रंग शानदार और समान हैं जवाहरातरंगीन कांच की तरह, और पृष्ठ के ऊपर सोना चमकता है। खूबसूरती से सूक्ष्म पत्ती और पुष्प डिजाइन पाठ की सीमा बनाते हैं। कलाकारों ने संभवतः इस तरह के जटिल, विस्तृत काम का निर्माण करने के लिए आवर्धक चश्मे का उपयोग किया होगा।

इटली: सिमाबुए और गियट्टो

13वीं शताब्दी के अंत में इतालवी कलाकार अभी भी बीजान्टिन शैली में काम कर रहे थे। मानव आकृतियाँ सपाट एवं सजावटी बनाई गईं। चेहरों पर भाव कम ही थे। शव भारहीन थे और जमीन पर मजबूती से खड़े होने के बजाय तैरते हुए प्रतीत हो रहे थे। फ्लोरेंस में, कलाकार सिमाबु (1240-1302) ने कुछ पुरानी बीजान्टिन तकनीकों को आधुनिक बनाने का प्रयास किया। मैडोना एन्थ्रोंड के देवदूत उस समय के चित्रों में सामान्य से अधिक सक्रिय हैं। उनके हाव-भाव और चेहरे कुछ अधिक मानवीय भावना दर्शाते हैं। सिमाबु ने अपने चित्रों में स्मारकीयता या भव्यता की एक नई भावना जोड़ी। हालाँकि, उन्होंने कई बीजान्टिन परंपराओं का पालन करना जारी रखा, जैसे कि सुनहरी पृष्ठभूमि और वस्तुओं और आकृतियों की पैटर्न वाली व्यवस्था।

यह महान फ्लोरेंटाइन कलाकार गियट्टो (1267-1337) थे जिन्होंने वास्तव में बीजान्टिन परंपरा को तोड़ दिया था। पडुआ में एरिना चैपल में उनकी फ्रेस्को श्रृंखला बीजान्टिन कला को बहुत पीछे छोड़ देती है। मैरी और क्राइस्ट के जीवन के इन दृश्यों में वास्तविक भावना, तनाव और प्रकृतिवाद है। मानवीय गर्मजोशी और सहानुभूति के सभी गुण मौजूद हैं। लोग पूरी तरह से अवास्तविक या स्वर्गीय नहीं लगते। गियट्टो ने आकृतियों की रूपरेखा को छायांकित किया, और उसने गोलाई और दृढ़ता का एहसास देने के लिए कपड़ों की तहों में गहरी छायाएँ डालीं।

अपने छोटे पैनलों के लिए, गियोट्टो ने शुद्ध अंडे के टेम्परा का उपयोग किया, एक ऐसा माध्यम जिसे 14 वीं शताब्दी में फ्लोरेंटाइन द्वारा परिपूर्ण किया गया था। इसके रंगों की स्पष्टता और चमक ने बीजान्टिन पैनलों के गहरे रंगों के आदी लोगों को बहुत प्रभावित किया होगा। टेम्पेरा पेंटिंग से ऐसा आभास होता है जैसे दृश्य पर हल्की रोशनी पड़ रही हो। तेल चित्रकला की चमक के विपरीत, उनका स्वरूप लगभग सपाट है। 16वीं सदी में जब तक तेल ने इसकी जगह लगभग पूरी तरह से नहीं ले ली तब तक एग टेम्पेरा मुख्य पेंट बना रहा।

आल्प्स के उत्तर में देर से मध्ययुगीन चित्रकला

15वीं शताब्दी की शुरुआत में, उत्तरी यूरोप के कलाकारों ने इतालवी चित्रकला से बिल्कुल अलग शैली में काम किया। उत्तरी कलाकारअपने चित्रों में अनगिनत विवरण जोड़कर यथार्थवाद प्राप्त किया। सभी बालों को खूबसूरती से परिभाषित किया गया था, और पर्दे या फर्श का हर विवरण सटीक रूप से स्थित था। तेल चित्रकला के आविष्कार ने विवरण देना आसान बना दिया।

फ्लेमिश कलाकार जान वैन आइक (1370-1414) ने तेल चित्रकला के विकास में महान योगदान दिया। जब टेम्परा का उपयोग किया जाता है, तो रंगों को अलग से लगाया जाना चाहिए। वे एक-दूसरे को अच्छी तरह से छाया नहीं दे सकते क्योंकि पेंट जल्दी सूख जाता है। धीरे-धीरे सूखने वाले तेल से कलाकार अधिक जटिल प्रभाव प्राप्त कर सकता है। 1466-1530 तक के उनके चित्रों को फ्लेमिश तेल तकनीक में निष्पादित किया गया था। सभी विवरण और यहां तक ​​कि दर्पण प्रतिबिंब भी स्पष्ट और सटीक हैं। रंग टिकाऊ होता है और इसकी सतह सख्त, इनेमल जैसी होती है। प्राइमेड लकड़ी का पैनल उसी तरह तैयार किया गया था जैसे गियट्टो ने टेम्परा के लिए अपने पैनल तैयार किए थे। वैन आइक ने ग्लेज़ नामक महीन रंग की परतों से पेंटिंग बनाई। टेम्परा का उपयोग संभवतः मूल अंडरग्रोथ और हाइलाइट्स के लिए किया गया था।

इतालवी पुनर्जागरण

जिस समय वैन आइक उत्तर में काम कर रहे थे, इटालियंस कला और साहित्य के स्वर्ण युग में आगे बढ़ रहे थे। इस काल को पुनर्जागरण कहा जाता है, जिसका अर्थ है पुनर्जन्म। इतालवी कलाकार प्राचीन यूनानियों और रोमनों की मूर्तिकला से प्रेरित थे। इटालियंस शास्त्रीय कला की भावना को पुनर्जीवित करना चाहते थे, जो मानव स्वतंत्रता और कुलीनता का महिमामंडन करती है। पुनर्जागरण कलाकारों ने पेंटिंग करना जारी रखा धार्मिक दृश्य. लेकिन उन्होंने भी जोर दिया सांसारिक जीवनऔर लोगों की उपलब्धियाँ।

फ़्लोरेंस

14वीं सदी की शुरुआत में गियट्टो की उपलब्धियों ने पुनर्जागरण की शुरुआत को चिह्नित किया। इतालवी कलाकार XVIIसदियों ने इसे जारी रखा। मासासिओ (1401-1428) पुनर्जागरण कलाकारों की पहली पीढ़ी के नेताओं में से एक थे। वह फ्लोरेंस में रहते थे, जो एक समृद्ध व्यापारिक शहर था जहाँ पुनर्जागरण कला की शुरुआत हुई थी। बीस के दशक के उत्तरार्ध में अपनी मृत्यु के समय तक, उन्होंने चित्रकला में क्रांति ला दी थी। अपने प्रसिद्ध भित्तिचित्र "द ट्रिब्यूट मनी" में उन्होंने एक ऐसे परिदृश्य में भव्य मूर्तिकला आकृतियाँ रखी हैं जो दूर तक फैली हुई प्रतीत होती हैं। मासासिओ ने संभवतः फ्लोरेंटाइन वास्तुकार और मूर्तिकार ब्रुनेलेस्की (1377-1414) से परिप्रेक्ष्य का अध्ययन किया होगा।

पुनर्जागरण के दौरान फ़्रेस्को तकनीक बहुत लोकप्रिय थी। यह बड़े भित्तिचित्रों के लिए विशेष रूप से उपयुक्त था क्योंकि भित्तिचित्रों में रंग सूखे और बिल्कुल सपाट हैं। छवि को किसी भी कोण से बिना चमक या प्रतिबिंब के देखा जा सकता है। भित्तिचित्र भी सुलभ हैं। आमतौर पर, कलाकारों के पास कई सहायक होते थे। काम भागों में किया गया क्योंकि इसे तब पूरा करना था जब प्लास्टर अभी भी गीला था।

मासासिओ की पूर्ण "त्रि-आयामी" शैली 15वीं शताब्दी के नए प्रगतिशील आंदोलन की विशिष्ट थी। फ्रा एंजेलिको (1400-1455) की शैली एक अधिक पारंपरिक दृष्टिकोण का प्रतिनिधित्व करती है, जिसका उपयोग कई प्रारंभिक पुनर्जागरण कलाकारों द्वारा किया जाता है। उन्हें भविष्य की चिंता कम और दिलचस्पी ज़्यादा थी सजावटी पैटर्न. उनका "वर्जिन का राज्याभिषेक" अपने सबसे सुंदर रूप में स्वभाव का एक उदाहरण है। मज़ेदार, समृद्ध रंग सोने से मेल खाते हैं और सोने से मेल खाते हैं। चित्र एक विस्तृत लघुचित्र जैसा दिखता है। मासासिओ के साथ लंबी, संकीर्ण आकृतियों में बहुत कम समानता है। रचना को क्राइस्ट और मैरी की केंद्रीय आकृतियों के चारों ओर चक्कर लगाते हुए आंदोलन की व्यापक रेखाओं में व्यवस्थित किया गया है।

पारंपरिक शैली में काम करने वाले एक अन्य फ्लोरेंटाइन सैंड्रो बोथीसेली (1444-1515) थे। तरल लयबद्ध रेखाएं बोटिसेली के स्प्रिंग के खंडों को जोड़ती हैं। पश्चिमी हवा द्वारा लाई गई वसंत की आकृति दाहिनी ओर से आती है। थ्री ग्रेसेस एक घेरे में नृत्य करती हैं, उनकी पोशाकों की बहती तहें और उनके हाथों की सुंदर हरकतें नृत्य की लय को व्यक्त करती हैं।

लियोनार्डो दा विंची (1452-1519) ने फ्लोरेंस में चित्रकला का अध्ययन किया। वह अपने लिए मशहूर हैं वैज्ञानिक अनुसंधानऔर आविष्कार, साथ ही उनकी पेंटिंग भी। उनकी बहुत कम पेंटिंग बची हैं, आंशिक रूप से क्योंकि वह अक्सर आज़माए हुए और सच्चे तरीकों का उपयोग करने के बजाय पेंट बनाने और लगाने के विभिन्न तरीकों का प्रयोग करते थे। " पिछले खाना(1495 और 1498 के बीच चित्रित) तेल से किया गया था, लेकिन दुर्भाग्य से लियोनार्डो ने इसे एक नम दीवार पर चित्रित किया, जिससे पेंट टूट गया। लेकिन खराब हालत में भी (पुनर्स्थापना से पहले), पेंटिंग में इसे देखने वाले हर किसी में भावनाएं जगाने की क्षमता थी।

लियोनार्डो की शैली की विशिष्ट विशेषताओं में से एक रोशनी और अंधेरे को चित्रित करने की उनकी पद्धति थी। इटालियंस ने इसकी मंद रोशनी को "स्फुमातो" कहा, जिसका अर्थ है धुँआदार या धुँधला। मैडोना ऑफ़ द रॉक्स की आकृतियाँ स्फूमाटो के वातावरण में छिपी हुई हैं। उनके आकार और विशेषताएं नरम रूप से छायांकित हैं। लियोनार्डो ने प्रकाश और अंधेरे टोन के बहुत सूक्ष्म उन्नयन का उपयोग करके इन प्रभावों को प्राप्त किया।

रोम

पुनर्जागरण चित्रकला की पराकाष्ठा 16वीं शताब्दी में हुई। इसी समय, कला और संस्कृति का केंद्र फ्लोरेंस से रोम में स्थानांतरित हो गया। पोप सिक्सटस चतुर्थ और उनके उत्तराधिकारी, जूलियस द्वितीय के तहत, रोम शहर को पुनर्जागरण कलाकारों द्वारा शानदार और समृद्ध रूप से सजाया गया था। इस अवधि की कुछ सबसे महत्वाकांक्षी परियोजनाएँ जूलियस द्वितीय के कार्यकाल के दौरान शुरू की गईं थीं। जूलियस ने महान मूर्तिकार और चित्रकार माइकल एंजेलो (1475-1564) को छत को चित्रित करने का काम सौंपा सिस्टिन चैपलऔर पोप की कब्र के लिए एक मूर्ति बनाई। जूलियस ने वेटिकन को सजाने में मदद के लिए चित्रकार राफेल (1483-1520) को भी आमंत्रित किया। अपने सहायकों के साथ, राफेल ने वेटिकन पैलेस में पोप के अपार्टमेंट के चार कमरों को चित्रित किया।

माइकल एंजेलो, जो जन्म से फ्लोरेंटाइन थे, ने चित्रकला की एक स्मारकीय शैली विकसित की। उनकी पेंटिंग में आकृतियाँ इतनी मजबूत और विशाल हैं कि वे मूर्तियों की तरह दिखती हैं। सिस्टिन छत, जिसे पूरा करने में माइकल एंजेलो को 4 साल लगे, इसमें पुराने नियम की सैकड़ों मानव आकृतियाँ शामिल हैं। इस भव्य भित्तिचित्र को पूरा करने के लिए, माइकल एंजेलो को मचान पर अपनी पीठ के बल लेटना पड़ा। छत को घेरने वाले भविष्यवक्ताओं के बीच यिर्मयाह के चिंतित चेहरे को कुछ विशेषज्ञों द्वारा माइकल एंजेलो का आत्म-चित्र माना जाता है।

राफेल बहुत कम उम्र में ही उरबिनो से फ्लोरेंस आ गया था। फ्लोरेंस में उन्होंने लियोनार्डो और माइकल एंजेलो के विचारों को आत्मसात किया। जब राफेल वेटिकन में काम करने के लिए रोम गए, तब तक उनकी शैली निष्पादन की सुंदरता में सबसे महान में से एक बन गई थी। वह विशेष रूप से मैडोना और बाल के अपने खूबसूरत चित्रों के शौकीन थे। इन्हें हजारों लोगों द्वारा पुनरुत्पादित किया गया है और इन्हें हर जगह देखा जा सकता है। उनकी मैडोना डेल ग्रांडुका अपनी सादगी के कारण सफल है। अपनी शांति और पवित्रता में कालातीत, यह हमारे लिए उतना ही आकर्षक है जितना राफेल के युग के इटालियंस के लिए था।

वेनिस

वेनिस पुनर्जागरण का मुख्य उत्तरी इतालवी शहर था। फ़्लैंडर्स और अन्य क्षेत्रों के कलाकारों ने इसका दौरा किया था जो फ्लेमिश प्रयोगों के बारे में जानते थे ऑइल पेन्ट. इसने इतालवी शहर में तेल प्रौद्योगिकी के शुरुआती उपयोग को प्रेरित किया। वेनेशियनों ने फ्लोरेंस में आमतौर पर इस्तेमाल होने वाले लकड़ी के पैनलों के बजाय कसकर फैले हुए कैनवास पर पेंटिंग करना सीखा।

जियोवन्नी बेलिनी (1430-1515) 15वीं शताब्दी के महानतम वेनिस कलाकार थे। वह कैनवास पर तेल का उपयोग करने वाले पहले इतालवी कलाकारों में से एक थे। जियोर्जियोन (1478-1151) और टिटियन (1488-1515), जो सभी वेनिस के कलाकारों में सबसे प्रसिद्ध हैं, बेलिनी के स्टूडियो में प्रशिक्षु थे।

तेल चित्रकला में माहिर टिटियन ने विशाल कैनवस को गर्म, समृद्ध रंगों में चित्रित किया। अपने परिपक्व चित्रों में उन्होंने आश्चर्यजनक प्रभाव पैदा करने के लिए विस्तार का त्याग किया, जैसे पेसारो की मैडोना में। इसे बनाने के लिए उन्होंने बड़े ब्रशों का इस्तेमाल किया बड़े स्ट्रोक. उनके रंग विशेष रूप से समृद्ध हैं क्योंकि उन्होंने धैर्यपूर्वक विपरीत रंगों के ग्लेज़ बनाए। आमतौर पर, ग्लेज़ को भूरे रंग की टेम्पर्ड सतह पर लगाया जाता था, जिससे पेंटिंग को एक समान स्वर मिलता था।

16वीं शताब्दी के एक अन्य महान वेनिस कलाकार टिंटोरेटो (1518-1594) थे। टिटियन के विपरीत, वह आमतौर पर प्रारंभिक रेखाचित्रों या रूपरेखाओं के बिना सीधे कैनवास पर काम करते थे। कथानक की रचना और नाटकीयता के लिए उन्होंने अक्सर अपने रूपों को विकृत किया (उन्हें मोड़ दिया)। उनकी तकनीक, जिसमें व्यापक ब्रशस्ट्रोक और प्रकाश और अंधेरे के नाटकीय विरोधाभास शामिल हैं, बहुत आधुनिक प्रतीत होती है।

कलाकार किरियाकोस थियोटोकोपोलोस (1541-1614) को एल ग्रीको ("द ग्रीक") के नाम से जाना जाता था। क्रेते द्वीप पर जन्मे, जिस पर वेनिस की सेना का कब्ज़ा था, एल ग्रीको को इतालवी कलाकारों द्वारा प्रशिक्षित किया गया था। एक युवा व्यक्ति के रूप में, वह वेनिस में अध्ययन करने गये। बीजान्टिन कला का संयुक्त प्रभाव, जिसे उन्होंने क्रेते में अपने आसपास देखा था, और इतालवी पुनर्जागरण कला ने एल ग्रीको के काम को उत्कृष्ट बना दिया।

अपने चित्रों में उन्होंने प्राकृतिक रूपों को विकृत किया और यहां तक ​​कि टिंटोरेटो की तुलना में अधिक अजनबी, अधिक अलौकिक रंगों का इस्तेमाल किया, जिनकी वे प्रशंसा करते थे। बाद में, एल ग्रीको स्पेन चले गए, जहां स्पेनिश कला के अंधेरे ने उनके काम को प्रभावित किया। टोलेडो की उनकी नाटकीय दृष्टि में, शहर की घातक खामोशी पर एक तूफान उठता है। शांत नीला, हरा और नीला-सफ़ेद रंग परिदृश्य पर ठंडक फैलाते हैं।

फ़्लैंडर्स और जर्मनी में पुनर्जागरण

फ़्लैंडर्स (अब बेल्जियम और उत्तरी फ़्रांस का हिस्सा) में चित्रकला का स्वर्ण युग 15वीं शताब्दी था, वैन आइक का समय। 16वीं सदी में कई फ्लेमिश कलाकारों ने नकल की इतालवी कलाकारपुनर्जागरण। हालाँकि, कुछ फ्लेमिंग्स ने यथार्थवाद की फ्लेमिश परंपरा को जारी रखा। फिर यह फैल गया शैली पेंटिग- रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य जो कभी आकर्षक और कभी शानदार होते थे। हिरोनिमस बॉश(1450-1515), जो शैली चित्रकारों से पहले थे, के पास असामान्य रूप से ज्वलंत कल्पना थी। वह द टेम्पटेशन ऑफ सेंट के लिए सभी प्रकार के अजीब, विचित्र प्राणियों के साथ आए। एंथोनी।" पीटर ब्रूगल द एल्डर (1525-1569) ने भी फ्लेमिश परंपरा में काम किया, लेकिन अपनी शैली के दृश्यों में परिप्रेक्ष्य और अन्य पुनर्जागरण विशेषताओं को जोड़ा।

अल्ब्रेक्ट ड्यूरर (1471-1528), हंस होल्बिन द यंगर (1497-1543) और लुकास क्रैनाच द एल्डर (1472-1553) 16वीं सदी के तीन सबसे महत्वपूर्ण जर्मन कलाकार थे। उन्होंने प्रारंभिक जर्मन चित्रकला के गंभीर यथार्थवाद को नरम करने के लिए बहुत कुछ किया। ड्यूरर ने कम से कम एक बार इटली का दौरा किया, जहां वह जियोवानी बेलिनी और अन्य उत्तरी इटालियंस की पेंटिंग से प्रभावित हुए। इस अनुभव के माध्यम से उन्होंने जर्मन पेंटिंग में परिप्रेक्ष्य का ज्ञान, रंग और प्रकाश की भावना और रचना की एक नई समझ पैदा की। होल्बिन ने और भी अधिक इतालवी उपलब्धियों को आत्मसात किया। उनकी संवेदनशील ड्राइंग और केवल सबसे महत्वपूर्ण विवरणों को चुनने की क्षमता ने उन्हें एक उत्कृष्ट चित्रकार बना दिया।

बारोक पेंटिंग

17वीं सदी को कला में बारोक काल के नाम से जाना जाता है। इटली में, कलाकार कारवागियो (1571-1610) और एनीबेल कैरासी (1560-1609) ने दो विपरीत दृष्टिकोण प्रस्तुत किए। कारवागियो (असली नाम माइकल एंजेलो मेरिसी) ने हमेशा जीवन की वास्तविकताओं से सीधे प्रेरणा ली। उनकी मुख्य चिंताओं में से एक प्रकृति का किसी भी तरह से महिमामंडन किए बिना यथासंभव बारीकी से नकल करना था। दूसरी ओर, कैरासी ने सौंदर्य के पुनर्जागरण आदर्श का पालन किया। उसने अध्ययन कर लिया है प्राचीन मूर्तिऔर माइकल एंजेलो, राफेल और टिटियन द्वारा काम करता है। कारवागियो की शैली की कई कलाकारों ने प्रशंसा की, विशेषकर स्पैनियार्ड रिबेरा और युवा वेलाज़क्वेज़ ने। कैरासी ने 17वीं शताब्दी के प्रसिद्ध फ्रांसीसी चित्रकार निकोलस पॉसिन (1594-1665) को प्रेरित किया।

स्पेन

डिएगो वेलाज़क्वेज़ (1599-1660), स्पेन के राजा फिलिप चतुर्थ के दरबारी चित्रकार, सभी स्पेनिश कलाकारों में से एक थे। टिटियन के काम का प्रशंसक, वह समृद्ध, सामंजस्यपूर्ण रंग का उपयोग करने में माहिर था। कोई भी कलाकार इससे बेहतर समृद्ध ऊतक या मानव त्वचा का भ्रम नहीं रच सकता। प्रॉस्पर का लिटिल प्रिंस फिलिप का चित्र इस कौशल को दर्शाता है।

फ़्लैंडर्स

पेंटिंग्स फ्लेमिश कलाकारपीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640) पूर्ण-रंगीन बारोक शैली के अवतार का प्रतिनिधित्व करते हैं। वे ऊर्जा, रंग और प्रकाश से भरपूर हैं। रूबेंस ने छोटे चित्र बनाने की फ्लेमिश परंपरा को तोड़ दिया। उनके कैनवस विशाल हैं, मानव आकृतियों से भरे हुए हैं। उन्हें बड़ी पेंटिंग्स के लिए उनकी क्षमता से कहीं अधिक ऑर्डर मिले। इसलिए, वह अक्सर एक छोटा रंगीन रेखाचित्र ही बनाते थे। उसके बाद उनके सहायकों ने स्केच को एक बड़े कैनवास पर स्थानांतरित किया और रूबेन्स के निर्देशन में पेंटिंग पूरी की।

हॉलैंड

डच चित्रकार रेम्ब्रांट (1606-1669) की उपलब्धियाँ इतिहास में सबसे उत्कृष्ट हैं। उनमें मानवीय भावनाओं को सटीकता से पकड़ने और व्यक्त करने की अद्भुत प्रतिभा थी। टिटियन की तरह, उन्होंने बहुस्तरीय पेंटिंग बनाने के लिए लंबे समय तक काम किया। पृथ्वी के रंग - पीला गेरूआ, भूरा और भूरा-लाल - उनके पसंदीदा थे। उनकी पेंटिंग्स मुख्यतः गहरे रंगों में बनाई जाती हैं। गहरे बहुस्तरीय भागों का महत्व उनकी तकनीक को असामान्य बनाता है। अपेक्षाकृत प्रकाश वाले क्षेत्रों में उज्ज्वल प्रकाश द्वारा जोर दिया जाता है।

जान वर्मीर (1632-1675) डच कलाकारों के एक समूह में से एक थे जिन्होंने रोजमर्रा की जिंदगी के मामूली दृश्यों को चित्रित किया। वह किसी भी बनावट को चित्रित करने में माहिर थे - साटन, फ़ारसी कालीन, ब्रेड क्रस्ट, धातु। वर्मीर के इंटीरियर की समग्र छाप प्रतिष्ठित रोजमर्रा की वस्तुओं से भरे एक धूपदार, खुशहाल कमरे की है।

18वीं सदी की पेंटिंग

18वीं सदी में वेनिस ने कई बेहतरीन कलाकार तैयार किये। सबसे प्रसिद्ध जियोवानी बतिस्ता टाईपोलो (1696-1770) थे। उन्होंने महलों और अन्य इमारतों के अंदरूनी हिस्सों को भव्य, रंगीन भित्तिचित्रों से सजाया, जो धन के दृश्यों को दर्शाते थे। फ्रांसेस्को गार्डी (1712-1793) ब्रश के साथ बहुत कुशल थे, और रंग के कुछ धब्बों के साथ वह एक नाव में एक छोटी आकृति का विचार उत्पन्न कर सकते थे। एंटोनियो कैनेलेटो (1697-1768) के शानदार दृश्यों ने वेनिस के अतीत के गौरव का जश्न मनाया।

फ़्रांस: रोकोको शैली

फ़्रांस में, पेस्टल रंगों और जटिल सजावट के प्रति रुचि के कारण 18वीं शताब्दी की शुरुआत में रोकोको शैली का विकास हुआ। जीन एंटोनी वट्टू (1684-1721), राजा लुई XV के दरबारी चित्रकार, और बाद में फ्रांकोइस बाउचर (1703-1770) और जीन होनोरे फ्रैगोनार्ड (1732-1806) रोकोको प्रवृत्तियों से जुड़े थे। वट्टू ने स्वप्निल सपने लिखे, एक ऐसा जीवन जिसमें सब कुछ मज़ेदार है। यह शैली पार्कों में पिकनिक और वन पार्टियों पर आधारित है, जहां हंसमुख सज्जन और सुंदर महिलाएं प्रकृति में आनंद लेती हैं।

18वीं सदी के अन्य कलाकारों ने दृश्यों का चित्रण किया सामान्य जीवनमध्य वर्ग। डच वर्मीर की तरह, जीन बैप्टिस्ट शिमोन चार्डिन (1699-1779) ने सरल घरेलू विषयों और स्थिर जीवन की सराहना की। वट्टू की तुलना में उसके रंग शांत और शांत हैं।

इंगलैंड

18वीं सदी में सबसे पहले अंग्रेजों ने चित्रकला का एक अलग स्कूल विकसित किया। कोर में मुख्य रूप से वेनिस के पुनर्जागरण कलाकारों से प्रभावित चित्रकार शामिल थे। सर जोशुआ रेनॉल्ड्स (1723-1792) और थॉमस गेन्सबोरो (1727-1788) सबसे प्रसिद्ध हैं। रेनॉल्ड्स, जिन्होंने इटली की यात्रा की, ने पुनर्जागरण चित्रकला के आदर्शों का पालन किया। उनके चित्र, आकर्षक और मार्मिक होते हुए भी, रंग या बनावट में विशेष रूप से दिलचस्प नहीं हैं। दूसरी ओर, गेन्सबोरो में प्रतिभा की प्रतिभा थी। उनके चित्रों की सतहें चमकदार रंगों से दमकती हैं।

19वीं सदी की पेंटिंग

19वीं शताब्दी को कभी-कभी उस अवधि के रूप में देखा जाता है जिसके दौरान समकालीन कला. इस समय कला में तथाकथित क्रांति का एक महत्वपूर्ण कारण कैमरे का आविष्कार था, जिसने कलाकारों को चित्रकला के उद्देश्य पर पुनर्विचार करने के लिए मजबूर किया।

अधिक महत्वपूर्ण घटनापूर्व-निर्मित पेंट्स का व्यापक उपयोग हुआ। 19वीं शताब्दी तक, अधिकांश कलाकार या उनके सहायक रंगद्रव्य को पीसकर अपने स्वयं के पेंट बनाते थे। शुरुआती व्यावसायिक पेंट हाथ के पेंट से कमतर थे। 19वीं सदी के अंत में कलाकारों ने पाया कि गहरा नीला और भूरा रंग अधिक होता है प्रारंभिक पेंटिंगकुछ ही वर्षों में वे काले या भूरे हो गये। उन्होंने अपने काम को संरक्षित करने के लिए फिर से शुद्ध रंगों का उपयोग करना शुरू कर दिया, और कभी-कभी क्योंकि वे सड़क के दृश्यों में सूरज की रोशनी को अधिक सटीकता से प्रतिबिंबित करने की कोशिश कर रहे थे।

स्पेन: गोया

फ्रांसिस्को गोया (1746-1828) 17वीं शताब्दी के बाद उभरने वाले पहले महान स्पेनिश कलाकार थे। स्पैनिश दरबार के पसंदीदा कलाकार के रूप में, उन्होंने शाही परिवार के कई चित्र बनाए। शाही पात्र सुरुचिपूर्ण कपड़ों और बढ़िया गहनों से सुसज्जित होते हैं, लेकिन उनमें से कुछ के चेहरों पर घमंड और लालच झलकता है। चित्रों के अलावा, गोया ने चित्रकारी भी की नाटकीय दृश्य, जैसे कि मई 1808 की तीसरी तारीख। इस पेंटिंग में स्पेनिश विद्रोहियों के एक समूह को फ्रांसीसी सैनिकों द्वारा मार दिए जाने को दर्शाया गया है। लाल रंग के छींटों से युक्त, हल्के और गहरे तथा उदास रंगों का बोल्ड कंट्रास्ट, तमाशे की गंभीर भयावहता को उजागर करता है।

हालाँकि 1800 के दशक में फ्रांस कला का एक बड़ा केंद्र था, अंग्रेजी परिदृश्य कलाकार जॉन कॉन्स्टेबल (1776-1837) और जोसेफ मैलॉर्ड विलियम टर्नर (1775-1851) ने 19वीं सदी की पेंटिंग में बहुमूल्य योगदान दिया। दोनों की रुचि प्रकाश और वायु को चित्रित करने में थी, प्रकृति के दो पहलू जिन्हें 19वीं सदी के कलाकारों ने पूरी तरह से खोजा। कांस्टेबल ने एक विधि का उपयोग किया जिसे विभाजन, या टूटे हुए रंग के रूप में जाना जाता है। उन्होंने मुख्य पृष्ठभूमि रंग के स्थान पर विपरीत रंगों का उपयोग किया। वह अक्सर रंग को कसकर लगाने के लिए पैलेट चाकू का उपयोग करता था। पेंटिंग "हे वेन" ने 1824 में पेरिस में दिखाए जाने के बाद उन्हें प्रसिद्ध बना दिया। यह एक साधारण गाँव में घास काटने का दृश्य है। सूर्य के प्रकाश के छींटों से ढके घास के मैदानों पर बादल बहते रहते हैं। टर्नर की पेंटिंग कॉन्स्टेबल की तुलना में अधिक नाटकीय हैं, जिन्होंने प्रकृति के राजसी दृश्यों को चित्रित किया - तूफान, समुद्री दृश्यों, धधकते सूर्यास्त, ऊंचे पहाड़। अक्सर, सुनहरी धुंध उनके चित्रों में वस्तुओं को आंशिक रूप से अस्पष्ट कर देती है, जिससे वे अनंत अंतरिक्ष में तैरती हुई प्रतीत होती हैं।

फ्रांस

नेपोलियन के शासनकाल की अवधि और फ्रांसीसी क्रांतिफ्रांसीसी कला में दो विरोधी प्रवृत्तियों का उदय हुआ - क्लासिकिज़्म और रूमानियतवाद। जैक्स लुईस डेविड (1748-1825) और जीन अगस्टे डोमिनिक इंग्रेस (1780-1867) प्राचीन ग्रीक और रोमन कला और पुनर्जागरण से प्रेरित थे। उन्होंने ठोस आकार बनाने के लिए विस्तार पर जोर दिया और रंग का उपयोग किया। क्रांतिकारी सरकार के पसंदीदा कलाकार के रूप में, डेविड अक्सर उस काल की ऐतिहासिक घटनाओं को चित्रित करते थे। मैडम रिकैमियर जैसे अपने चित्रों में, उन्होंने शास्त्रीय सादगी हासिल करने का प्रयास किया।

थियोडोर गुएरीकॉल्ट (1791-1824) और रोमांटिक यूजीन डेलाक्रोइक्स (1798-1863) ने डेविड की शैली के खिलाफ विद्रोह किया। डेलाक्रोइक्स के लिए, पेंटिंग में रंग सबसे महत्वपूर्ण तत्व था और उनके पास शास्त्रीय मूर्तियों की नकल करने का धैर्य नहीं था। इसके बजाय, उन्होंने रूबेन और वेनेटियन की प्रशंसा की। उन्होंने अपने चित्रों के लिए रंगीन, विदेशी विषयों को चुना, जो रोशनी से चमकते हैं और गतिशीलता से भरे होते हैं।

बारबिजोन कलाकार भी सामान्य रोमांटिक आंदोलन का हिस्सा थे, जो लगभग 1820 से 1850 तक चला। वे फॉनटेनब्लियू जंगल के किनारे बारबिज़ोन गांव के पास काम करते थे। उन्हें प्रकृति से प्रेरणा मिली और उन्होंने अपने स्टूडियो में पेंटिंग पूरी कीं।

अन्य कलाकारों ने रोजमर्रा की, सामान्य वस्तुओं के साथ प्रयोग किया। जीन बैप्टिस्ट केमिली कोरोट (1796-1875) के परिदृश्य प्रकृति के प्रति उनके प्रेम को दर्शाते हैं, और मानव शरीर के उनके अध्ययन से एक प्रकार की संतुलित शांति का पता चलता है। गुस्ताव कौरबेट (1819-1877) ने खुद को यथार्थवादी कहा क्योंकि उन्होंने दुनिया को वैसा ही चित्रित किया जैसा उन्होंने देखा था - यहां तक ​​कि इसके कठोर, अप्रिय पक्ष को भी। उन्होंने अपने पैलेट को केवल कुछ गहरे रंगों तक ही सीमित रखा। एडौर्ड मानेट (1832-1883) ने भी अपने विषयों का आधार आसपास की दुनिया से लिया। उनके रंगीन कंट्रास्ट और असामान्य तकनीकों से लोग हैरान रह गए। उनके चित्रों की सतहों पर अक्सर ब्रश स्ट्रोक की सपाट, पैटर्न वाली बनावट होती है। प्रकाश के प्रभाव को रूप में लागू करने की मानेट की विधियों ने युवा कलाकारों, विशेषकर प्रभाववादियों को प्रभावित किया।

1870 और 1880 के दशक में काम करते हुए, प्रभाववादियों के नाम से जाने जाने वाले कलाकारों का एक समूह प्रकृति को बिल्कुल वैसी ही चित्रित करना चाहता था जैसी वह थी। रंग में प्रकाश के प्रभाव का अध्ययन करने में वे कॉन्स्टेबल, टर्नर और मानेट से कहीं आगे निकल गए। उनमें से कुछ ने रंग के वैज्ञानिक सिद्धांत विकसित किये। क्लॉड मोनेट (1840-1926) ने अक्सर इसी दृश्य को चित्रित किया अलग-अलग समययह दिखाने के लिए कि विभिन्न प्रकाश स्थितियों में यह कैसे बदलता है। विषय चाहे जो भी हो, उनकी पेंटिंग्स एक-दूसरे के बगल में रखे गए सैकड़ों छोटे ब्रशस्ट्रोक से बनी होती हैं, जो अक्सर विपरीत रंगों में होते हैं। दूरी पर, स्ट्रोक ठोस आकृतियों की छाप बनाने के लिए मिश्रित होते हैं। पियरे अगस्टे रेनॉयर (1841-1919) ने पेरिस के जीवन के उत्सव को पकड़ने के लिए प्रभाववादी तकनीकों का इस्तेमाल किया। मौलिन डे ला गैलेट में उनके नृत्य में, चमकीले रंग के कपड़े पहने लोग एक साथ इकट्ठा हुए और आनंदपूर्वक नृत्य किया। रेनॉयर ने पूरी तस्वीर को छोटे-छोटे स्ट्रोक से चित्रित किया। पेंट के बिंदु और स्ट्रोक किसी पेंटिंग की सतह पर बनावट बनाते हैं जो इसे एक पेंटिंग बनाती है विशेष प्रकार. लोगों की भीड़ धूप और झिलमिलाते रंगों में घुली हुई लगती है।

20वीं सदी की पेंटिंग

बहुत से कलाकार जल्द ही प्रभाववाद से असंतुष्ट हो गए। पॉल सीज़ेन (1839-1906) जैसे कलाकारों ने महसूस किया कि प्रभाववाद प्रकृति में रूपों की दृढ़ता का वर्णन नहीं करता है। सेज़ेन को स्थिर जीवन को चित्रित करना पसंद था क्योंकि इससे उन्हें फलों या अन्य वस्तुओं के आकार और उनकी व्यवस्था पर ध्यान केंद्रित करने की अनुमति मिलती थी। उनके स्थिर जीवन के विषय ठोस दिखते हैं क्योंकि उन्होंने उन्हें सरल ज्यामितीय आकृतियों में बदल दिया। पेंट के छींटों और गहरे रंग के छोटे स्ट्रोक्स को एक साथ रखने की उनकी तकनीक से पता चलता है कि उन्होंने प्रभाववादियों से बहुत कुछ सीखा है।

विंसेंट वान गाग (1853-90) और पॉल गाउगिन (1848-1903) ने प्रभाववादियों के यथार्थवाद का जवाब दिया। प्रभाववादियों के विपरीत, जिन्होंने कहा कि वे प्रकृति को वस्तुनिष्ठ रूप से देखते हैं, वान गाग को सटीकता की बहुत कम परवाह थी। अपने विचारों को अधिक रचनात्मक ढंग से व्यक्त करने के लिए वह अक्सर वस्तुओं को विकृत करते थे। उन्होंने विपरीत रंगों को एक-दूसरे के बगल में रखने के लिए प्रभाववादी सिद्धांतों का उपयोग किया। कभी-कभी वह ट्यूबों से सीधे कैनवास पर पेंट निचोड़ता था, जैसे "येलो कॉर्न फील्ड।"

गौगुइन को प्रभाववादियों के धब्बेदार रंग की परवाह नहीं थी। उन्होंने बड़े, सपाट क्षेत्रों में तरल रूप से रंग लगाया, जिसे उन्होंने रेखाओं या गहरे किनारों के साथ एक दूसरे से अलग किया। रंगीन उष्णकटिबंधीय लोगों ने उनकी अधिकांश विषय-वस्तु प्रदान की।

सरल ज्यामितीय आकृतियों का उपयोग करके स्थान बनाने की सीज़ेन की विधि पाब्लो पिकासो (1881-1973), जॉर्जेस ब्रैक (1882-1963) और अन्य द्वारा विकसित की गई थी। उनकी शैली को क्यूबिज़्म के नाम से जाना जाने लगा। क्यूबिस्टों ने वस्तुओं को ऐसे चित्रित किया जैसे कि उन्हें एक साथ कई कोणों से देखा जा सकता है, या जैसे कि उन्हें अलग कर दिया गया हो और एक सपाट कैनवास पर फिर से जोड़ा गया हो। अक्सर वस्तुएँ प्रकृति में विद्यमान किसी भी चीज़ से भिन्न निकलीं। कभी-कभी क्यूबिस्ट कपड़े, कार्डबोर्ड, वॉलपेपर या अन्य सामग्रियों से आकृतियाँ काटते हैं और कोलाज बनाने के लिए उन्हें कैनवास पर चिपकाते हैं। पेंट में रेत या अन्य पदार्थ मिलाकर बनावट में भी विविधता लाई गई।

हाल के रुझान इस विषय पर कम जोर देने के रहे हैं। रचना और छवि तकनीक पर अधिक जोर दिया जाने लगा।

चित्रकारी- ललित कला का सबसे सामान्य प्रकार, जिसकी कृतियाँ किसी भी सतह पर लगाए गए पेंट का उपयोग करके बनाई जाती हैं।

चित्रकारों द्वारा बनाई गई कला कृतियों में ड्राइंग, रंग, प्रकाश और छाया, स्ट्रोक की अभिव्यक्ति, बनावट और संरचना का उपयोग किया जाता है। इससे दुनिया की रंगीन समृद्धि, वस्तुओं की मात्रा, उनकी गुणात्मक भौतिक मौलिकता, स्थानिक गहराई और प्रकाश-वायु वातावरण को एक विमान पर पुन: पेश करना संभव हो जाता है।

पेंटिंग, किसी भी कला की तरह, सामाजिक चेतना का एक रूप है और दुनिया का एक कलात्मक और आलंकारिक प्रतिबिंब है। लेकिन, दुनिया को प्रतिबिंबित करते हुए, कलाकार एक साथ अपने विचारों और भावनाओं, आकांक्षाओं, सौंदर्यवादी आदर्शों को अपने कार्यों में शामिल करता है, जीवन की घटनाओं का मूल्यांकन करता है, उनके सार और अर्थ को अपने तरीके से समझाता है, और दुनिया की अपनी समझ को व्यक्त करता है।

चित्रकला की दुनिया समृद्ध और जटिल है, इसके खजाने को मानवता ने कई सहस्राब्दियों से संचित किया है। पेंटिंग के सबसे प्राचीन कार्यों की खोज वैज्ञानिकों ने उन गुफाओं की दीवारों पर की थी जिनमें आदिम लोग रहते थे। पहले कलाकारों ने शिकार के दृश्यों और जानवरों की आदतों को अद्भुत सटीकता और तीक्ष्णता के साथ चित्रित किया। इस तरह दीवार पर पेंटिंग की कला का उदय हुआ, जिसमें स्मारकीय पेंटिंग की विशेषताएं थीं।

स्मारकीय पेंटिंगस्मारकीय चित्रकला के दो मुख्य प्रकार हैं फ्रेस्को (इतालवी फ़्रेस्को से - ताज़ा) और मोज़ेक (इतालवी मोज़ेक से, शाब्दिक रूप से मसल्स को समर्पित)।

फ्रेस्कोताजे, नम प्लास्टर पर साफ या चूने के पानी से पतला पेंट से पेंटिंग करने की एक तकनीक है।

मौज़ेक- पत्थर, स्माल्ट, सिरेमिक टाइलों, सजातीय या भिन्न सामग्री के कणों से बनी एक छवि, जो मिट्टी की एक परत - चूने या सीमेंट में तय होती है।

फ़्रेस्को और मोज़ेक स्मारकीय कला के मुख्य प्रकार हैं, जो अपनी स्थायित्व और रंग स्थिरता के कारण, वास्तुशिल्प खंडों और विमानों (दीवार पेंटिंग, लैंपशेड, पैनल) को सजाने के लिए उपयोग किए जाते हैं। रूसी स्मारकवादियों के बीच ये नाम सुप्रसिद्ध हैं ए.ए. डेनेकी, पी.डी. कोरिना, ए.वी. वासनेत्सोवा, बी.ए. टैलबर्ग, डी.एम. मेरपर्टा, बी.पी. मिल्युकोवा और अन्य।

चित्रफलक पेंटिंग(चित्र) का एक स्वतंत्र चरित्र और अर्थ है। वास्तविक जीवन के कवरेज की व्यापकता और पूर्णता प्रकारों की विविधता में परिलक्षित होती है शैलियाँ: स्थिर जीवन, रोजमर्रा की जिंदगी, ऐतिहासिक, युद्ध शैलियाँ, परिदृश्य, चित्र।

स्मारकीय पेंटिंग के विपरीत, चित्रफलक पेंटिंग दीवार के समतल से जुड़ी नहीं है और इसे स्वतंत्र रूप से प्रदर्शित किया जा सकता है। चित्रफलक कला के कार्यों का वैचारिक और कलात्मक महत्व नहीं बदलता है। यह उस स्थान पर निर्भर करता है जहां वे स्थित हैं, हालांकि उनकी कलात्मक ध्वनि एक्सपोज़र स्थितियों पर निर्भर करती है।

उपरोक्त प्रकार की पेंटिंग के अलावा, वहाँ भी हैं सजावटी- नाटकीय और फिल्म सेट और वेशभूषा के रेखाचित्र, - साथ ही लघुचित्रऔर शास्त्र.

15वीं शताब्दी की प्राचीन रूसी चित्रकला के उच्च कौशल का एक स्मारक। आंद्रेई रुबलेव द्वारा बनाया गया "ट्रिनिटी" आइकन, सही मायनों में एक उत्कृष्ट कृति माना जाता है, जो ऑल-रूसी संग्रहालय एसोसिएशन "स्टेट ट्रेटीकोव गैलरी" (बीमार 6) में संग्रहीत है। यहां दुनिया और जीवन के साथ आत्मा के सामंजस्य का नैतिक आदर्श अपने समय के लिए एक आदर्श, उच्चतम रूप में व्यक्त किया गया है। आइकन गहरी काव्यात्मक और दार्शनिक सामग्री से भरा है। तीन स्वर्गदूतों की छवि एक वृत्त में अंकित है, जो सभी समोच्च रेखाओं के अधीन है, जिसकी स्थिरता लगभग संगीतमय प्रभाव पैदा करती है। उज्ज्वल, शुद्ध स्वर, विशेष रूप से कॉर्नफ्लावर नीला ("गोभी रोल") और पारदर्शी हरा, एक बारीक समन्वित सीमा में विलीन हो जाते हैं। ये रंग मध्य देवदूत के गहरे चेरी बागे के विपरीत हैं, जो समग्र रचना में उनके चित्र की अग्रणी भूमिका पर जोर देते हैं।

रूसी आइकन पेंटिंग की सुंदरता, नाम थियोफेन्स द ग्रीक, आंद्रेई रुबलेव, डायोनिसी, गोरोडेट्स से प्रोखोर, डेनियल चेर्नी 20वीं सदी के बाद ही इसे दुनिया के लिए खोला गया। बाद के अभिलेखों के प्राचीन चिह्नों को साफ़ करना सीखा।

दुर्भाग्य से, कला की एक सरल समझ है, जब कार्यों में वे कथानक की अनिवार्य स्पष्टता की तलाश करते हैं, कलाकार ने जो चित्रित किया है उसकी पहचान, "समान" या "असमान" के दृष्टिकोण से। साथ ही, वे भूल जाते हैं: सभी प्रकार की कलाओं में किसी को परिचित ठोस जीवन की तस्वीर के साथ कैनवास पर चित्रित की गई प्रत्यक्ष समानता नहीं मिल सकती है। इस दृष्टिकोण के साथ, आंद्रेई रुबलेव की पेंटिंग की खूबियों का मूल्यांकन करना मुश्किल है। संगीत, वास्तुकला, अनुप्रयुक्त और सजावटी कला जैसी "गैर-दृश्य" प्रकार की रचनात्मकता का उल्लेख नहीं करना।

कला के अन्य सभी रूपों की तरह, चित्रकला में भी एक विशेष कलात्मक भाषा होती है जिसके माध्यम से कलाकार अपने विचारों और भावनाओं को व्यक्त करता है जो वास्तविकता को प्रतिबिंबित करता है। पेंटिंग में, “कलात्मक छवि, रेखा और रंग के माध्यम से वास्तविकता की पूर्ण छवि का एहसास होता है, अपनी सभी तकनीकी पूर्णता के बावजूद, पेंटिंग अभी तक कला का काम नहीं है अगर यह दर्शकों में सहानुभूति और भावनाएं पैदा नहीं करती है।

बिल्कुल सटीक निष्पादन के साथ, कलाकार को जो चित्रित किया जा रहा है उसके प्रति अपना दृष्टिकोण दिखाने का अवसर वंचित है यदि उसका लक्ष्य केवल समानताएं व्यक्त करना है!

प्रसिद्ध उस्तादों के लिए, छवि कभी भी वास्तविकता को पूरी तरह और सटीक रूप से व्यक्त नहीं करती है, बल्कि इसे केवल एक निश्चित दृष्टिकोण से दर्शाती है। कलाकार मुख्य रूप से यह पहचानता है कि वह सचेत रूप से या सहज रूप से क्या विशेष रूप से महत्वपूर्ण मानता है, इस मामले में मुख्य बात। वास्तविकता के प्रति इस तरह के सक्रिय रवैये का परिणाम सिर्फ एक सटीक छवि नहीं होगी, बल्कि वास्तविकता की कलात्मक छवि, जिसमें लेखक, व्यक्तिगत विवरणों का सारांश देते हुए, सबसे महत्वपूर्ण, विशेषता पर जोर देता है। इस प्रकार, कलाकार की विश्वदृष्टि और सौंदर्य संबंधी स्थिति कार्य में प्रकट होती है।

स्थिर वस्तु चित्रण- चित्रकला की स्वतंत्र शैलियों में से एक। शैली की विशिष्टता इसकी महान दृश्य संभावनाओं में निहित है। विशिष्ट वस्तुओं के भौतिक सार के माध्यम से, एक सच्चा कलाकार जीवन, स्वाद और नैतिकता, लोगों की सामाजिक स्थिति, महत्वपूर्ण ऐतिहासिक घटनाओं और कभी-कभी पूरे युग के आवश्यक पहलुओं को आलंकारिक रूप में प्रतिबिंबित कर सकता है। छवि वस्तुओं के लक्षित चयन और उनकी व्याख्या के माध्यम से, वह वास्तविकता के प्रति अपना दृष्टिकोण व्यक्त करता है, अपने विचारों और भावनाओं को प्रकट करता है।

तुलना के लिए, आइए एक उत्कृष्ट सोवियत चित्रकार द्वारा चित्रित स्थिर जीवन को लें एमएस। सरयां(1880-1972), "येरेवन फूल" (बीमार 7)। मास्टर ने फूलों के प्रति अपना दृष्टिकोण इन शब्दों में व्यक्त किया जो उनके रचनात्मक कार्यों के मोनोग्राफ का प्रतीक बन गया: “किसी व्यक्ति के जीवन को सजाने वाले फूलों से अधिक सुंदर क्या हो सकता है? ...जब आप फूल देखते हैं, तो आप तुरंत आनंदमय मनोदशा से संक्रमित हो जाते हैं... रंगों की शुद्धता, पारदर्शिता और गहराई जो हम फूलों में देखते हैं, वह केवल पक्षियों और फलों के पंखों में ही देखी जा सकती है।''1.

“पेंटिंग की स्पष्ट सहजता और सहजता के पीछे एक बड़ी चित्रात्मक संस्कृति और एक अत्यधिक प्रतिभाशाली कलाकार का विशाल अनुभव है, जैसे कि एक सांस में, एक बड़े (96x103 सेमी) चित्र को चित्रित करने की, जानबूझकर विशिष्ट विवरणों की अनदेखी करना। चित्रकार के रचनात्मक तरीके से, मुख्य बात बताने का प्रयास करते हुए - हमारे मूल आर्मेनिया की प्रकृति के रंगों की असीमित संपदा।

रोजमर्रा की शैली, या बस "शैली" (से) फ़्रेंच शब्दशैली - जीनस, प्रकार) चित्रफलक पेंटिंग का सबसे आम प्रकार है, जिसमें कलाकार जीवन को उसकी रोजमर्रा की अभिव्यक्तियों में चित्रित करता है।

रूसी ललित कला में, रोजमर्रा की शैली ने 19वीं शताब्दी में अग्रणी स्थान प्राप्त किया, जब चित्रकला में लोकतांत्रिक आंदोलन के 154 उत्कृष्ट प्रतिनिधियों ने इसके विकास में योगदान दिया: वी.के. पेरोव (1833-1882), के.ए. सावित्स्की (1844-1905), एन.ए. यारोशेंको (1846 -1896), वी.ई. माकोवस्की (1846-1920), आई.ई. रेपिन (1844-1930)।

ए.ए. की निस्संदेह रचनात्मक सफलता। प्लास्टोवा (1893-1972)पेंटिंग "स्प्रिंग" को वह माना जाता है जिसमें कलाकार ने मातृत्व के लिए प्रशंसा की एक पवित्र और सूक्ष्म भावना व्यक्त की है। अपने बच्चे के सिर पर दुपट्टा बाँधती माँ की आकृति हल्की वसंत बर्फ की पृष्ठभूमि में बहुत अच्छी लगती है। कलाकार ने अपने साथी ग्रामीणों की सरल जीवन स्थितियों के लिए कई शैली की पेंटिंग समर्पित कीं।

ऐतिहासिक शैली 19वीं सदी के उत्तरार्ध में रूसी कला में इसका गठन हुआ। उन्होंने प्रमुख रूसी कलाकारों को उनकी मातृभूमि के अतीत, तत्कालीन वास्तविकता की गंभीर समस्याओं पर बारीकी से ध्यान देने में मदद की। रूसी ऐतिहासिक चित्रकला पिछली शताब्दी के 80-90 के दशक में रचनात्मकता के चरम पर पहुंच गई आई.ई. रेपिना, वी.आई. सुरिकोवा, वी.एम. वासनेत्सोवा, के.पी. ब्रायलोव।प्रसिद्ध रूसी कलाकार पी.डी. कोरिन (1892-1967)एक त्रिपिटक (जुड़े हुए तीन अलग-अलग चित्रों की एक रचना) बनाई सामान्य विषय) "अलेक्जेंडर नेवस्की"। यह कार्य महान काल के कठिन समय के दौरान बनाया गया था देशभक्ति युद्ध(1942-1943)। युद्ध के कठिन वर्षों के दौरान, कलाकार ने प्राचीन रूस के महान योद्धा की छवि की ओर रुख किया, जो लोगों के साथ, रूसी भूमि के साथ उनके अटूट संबंध को दर्शाता है। कोरिन का त्रिपिटक हमारे इतिहास के वीरतापूर्ण काल ​​के सबसे महत्वपूर्ण दस्तावेजों में से एक बन गया, जो गंभीर परीक्षणों के अधीन लोगों के साहस और लचीलेपन में कलाकार के विश्वास को व्यक्त करता है।

युद्ध शैली(फ्रांसीसी बटैले से - युद्ध) को एक प्रकार की ऐतिहासिक शैली माना जाता है। इस शैली के उत्कृष्ट कार्यों में पेंटिंग शामिल हैं ए.ए. दीनेकी"पेत्रोग्राद की रक्षा" (1928), "सेवस्तोपोल की रक्षा" (1942) और "डाउनडाउन ऐस" (1943)।

प्राकृतिक दृश्यअक्सर रोजमर्रा के ऐतिहासिक और युद्ध चित्रों के लिए एक महत्वपूर्ण अतिरिक्त के रूप में उपयोग किया जाता है, लेकिन यह एक स्वतंत्र शैली के रूप में भी कार्य कर सकता है। लैंडस्केप पेंटिंग के कार्य हमारे करीब और समझने योग्य हैं, हालांकि कैनवास पर व्यक्ति अक्सर अनुपस्थित होता है।

प्रकृति की छवियां सभी लोगों को उत्साहित करती हैं, उन्हें समान मूड, अनुभव और विचार देती हैं। हममें से कौन रूसी चित्रकारों के परिदृश्य के करीब नहीं है: "रूक आ गए हैं" ए.के. सावरसोवा, "पिघलना" एफ। वसीलीवा,"राई" आई.आई. शिशकिना,"नीपर पर रात" ए.आई. कुइंदझी,"मास्को प्रांगण" वी.डी. पोलेनोवाऔर "अनन्त शांति पर" आई.आई. लेविटन. हम अनायास ही दुनिया को उन कलाकारों की नज़र से देखना शुरू कर देते हैं जिन्होंने प्रकृति की काव्यात्मक सुंदरता को उजागर किया है।

लैंडस्केप कलाकारों ने प्रकृति को अपने-अपने तरीके से देखा और व्यक्त किया। उनके अपने पसंदीदा उद्देश्य थे। आई.के. ऐवाज़ोव्स्की (1817-1900),समुद्र की विभिन्न अवस्थाओं, जहाजों और तत्वों से संघर्ष कर रहे लोगों का चित्रण। उनके कैनवस की विशेषता काइरोस्कोरो का सूक्ष्म उन्नयन, प्रकाश प्रभाव, भावनात्मक उल्लास और वीरता और करुणा की प्रवृत्ति है।

सोवियत परिदृश्य चित्रकारों द्वारा इस शैली में उल्लेखनीय कार्य: पूर्वोत्तर. गेरासिमोवा (1885-1964), "विंटर" (1939) और "द आइस गॉन" (1945) जैसी पेंटिंग्स के लेखक,

एन.पी. क्रिमोवा(1884-1958), चित्रों के निर्माता "ऑटम" (1918), "ग्रे डे" (1923), "नून" (1930), "बिफोर डस्क" (1935) और अन्य, जलरंग ए.पी. ओस्ट्रौमोवा-लेबेडेवा(1871-1955) - "पावलोव्स्क" (1921), "पेत्रोग्राद। मंगल ग्रह का क्षेत्र" (1922), पेंटिंग पूर्वाह्न। ग्रित्सया (जन्म 1917)"समर गार्डन" (1955), "दोपहर" (1964), "मई।" स्प्रिंग वार्मथ" (1970), आदि।

चित्र(फ्रांसीसी चित्रण से - चित्रित करने के लिए) - एक छवि, किसी व्यक्ति या लोगों के समूह की एक छवि जो वास्तविकता में मौजूद हैं या अस्तित्व में हैं।

सबसे महत्वपूर्ण मानदंडों में से एक चित्रांकनछवि की मॉडल (मूल) से समानता है। किसी चित्र में रचना के लिए विभिन्न समाधान संभव हैं (बस्ट-लंबाई, कमर-लंबाई, पूर्ण-लंबाई, समूह)। लेकिन सभी प्रकार के रचनात्मक समाधानों और शिष्टाचार के साथ, चित्रांकन का मुख्य गुण न केवल बाहरी समानता का संदेश देना है, बल्कि चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के आध्यात्मिक सार, उसके पेशे और सामाजिक स्थिति का रहस्योद्घाटन भी है।

रूसी कला में, चित्रांकन ने अपना शानदार इतिहास 18वीं शताब्दी की शुरुआत में शुरू किया। एफ.एस. रोकोतोव (1735-1808), डी.जी. लेवित्स्की (1735-1822), वी.ए. बोरोविकोवस्की (1757-1825) 18वीं सदी के अंत तक. विश्व कला की सर्वोच्च उपलब्धियों के स्तर तक पहुँच गया।

19वीं सदी की शुरुआत में. रूसी कलाकार वी.ए. ट्रोपिनिन (1776-1857)और ओ.ए. किप्रेंस्की (1782-1836)ए.एस. के व्यापक रूप से ज्ञात चित्र बनाए गए। पुश्किन।

रूसी सचित्र चित्रण की परंपराओं को घुमंतू कलाकारों द्वारा जारी रखा गया था: वी.जी. पेरोव (1833/34-1882), एन.एन. जीई (1831 - 1894), आई.एन. क्राम्स्कोय (1837-1887), आई.ई. रेपिन (1844-1930)वगैरह।

विज्ञान और कला में प्रमुख हस्तियों के चित्रों के लिए रचनाओं को हल करने का एक शानदार उदाहरण कलाकार द्वारा बनाई गई कैनवस की एक श्रृंखला है एम.वी. नेस्टरोव (1877-1942). मास्टर को अपने नायकों को उनके रचनात्मक, केंद्रित विचार, आध्यात्मिक खोज (बीमार 13) के सबसे गहन क्षण में ढूंढना प्रतीत होता था। इस प्रकार प्रसिद्ध सोवियत मूर्तिकारों के चित्र डिज़ाइन किए गए थे पहचान। शद्र (1934) और वी.आई. मुखिना (1940),अकदमीशियन आई.पी. पावलोवा (1935)और एक प्रमुख सर्जन एस.एस. युदिना (1935).

चित्रकारी एक प्रकार की ललित कला है जिसमें चित्र बनाना शामिल है, पेंटिंग्स, पूरी तरह से और जीवंत रूप से वास्तविकता को प्रतिबिंबित करता है।

किसी भी चीज़ पर लगाए गए पेंट (तेल, तड़का, जल रंग, गौचे, आदि) से बनाई गई कला का एक काम कठोर सतह, पेंटिंग कहलाती है. पेंटिंग का मुख्य अभिव्यंजक साधन रंग है, विभिन्न भावनाओं और संघों को जगाने की इसकी क्षमता छवि की भावनात्मकता को बढ़ाती है। कलाकार आमतौर पर पेंटिंग के लिए आवश्यक रंग को एक पैलेट पर खींचता है, और फिर पेंटिंग के तल पर पेंट को रंग में बदल देता है, जिससे रंग क्रम - रंग तैयार होता है। रंग संयोजन की प्रकृति के अनुसार, यह गर्म और ठंडा, हर्षित और उदास, शांत और तनावपूर्ण, हल्का और अंधेरा हो सकता है।

पेंटिंग में छवियां बहुत ही दृश्यमान और आश्वस्त करने वाली हैं। पेंटिंग मात्रा और स्थान, प्रकृति और खुलासा करने में सक्षम है जटिल दुनियामानवीय भावनाएँ और चरित्र, सार्वभौमिक मानवीय विचारों, ऐतिहासिक अतीत की घटनाओं, पौराणिक छवियों और कल्पना की उड़ानों का प्रतीक हैं।

एक स्वतंत्र प्रकार की ललित कला के रूप में चित्रकला के विपरीत, चित्रात्मक दृष्टिकोण (विधि) का उपयोग इसके अन्य प्रकारों में किया जा सकता है: ड्राइंग, ग्राफिक्स और यहां तक ​​कि मूर्तिकला में भी। सचित्र दृष्टिकोण का सार, तानवाला संक्रमण के सूक्ष्म क्रम में, आसपास के स्थानिक प्रकाश-वायु वातावरण के साथ संबंध में एक वस्तु को चित्रित करने में निहित है।

आस-पास की दुनिया की वस्तुओं और घटनाओं की विविधता, करीब

उनमें कलाकारों की रुचि 17वीं सदी के दौरान उभरी -

XX सदी चित्रकला की शैलियाँ: चित्र, स्थिर जीवन, परिदृश्य, पशुवत, रोजमर्रा (शैली चित्रकला), पौराणिक, ऐतिहासिक, युद्ध शैलियाँ। कला के कार्यों में शैलियों या उनके तत्वों का संयोजन हो सकता है। उदाहरण के लिए, एक स्थिर जीवन या परिदृश्य एक चित्र छवि को सफलतापूर्वक पूरक कर सकता है।

द्वारा तकनीकी तरीकेऔर प्रयुक्त सामग्री, पेंटिंग को निम्नलिखित प्रकारों में विभाजित किया जा सकता है: तेल, टेम्परा, मोम (एनास्टिक), इनेमल, गोंद, गीले प्लास्टर पर पानी के पेंट (फ्रेस्को), आदि। कुछ मामलों में, पेंटिंग को ग्राफिक्स से अलग करना मुश्किल है . जल रंग, गौचे और पेस्टल में बनाई गई कृतियाँ पेंटिंग और ग्राफिक्स दोनों से संबंधित हो सकती हैं।

पेंटिंग सिंगल-लेयर हो सकती है, तुरंत की जा सकती है, या मल्टी-लेयर हो सकती है, जिसमें अंडरपेंटिंग और ग्लेज़िंग, सूखे पेंट परत पर लागू पेंट की पारदर्शी और पारभासी परतें शामिल हैं। इससे रंग की बेहतरीन बारीकियाँ और शेड्स प्राप्त होते हैं।

महत्वपूर्ण माध्यमों से कलात्मक अभिव्यक्तिपेंटिंग में, रंग (रंग) के अलावा, स्ट्रोक का स्थान और चरित्र, पेंट की सतह (बनावट) का उपचार, प्रकाश के आधार पर टोन में सूक्ष्म परिवर्तन दिखाने वाले मान, इंटरैक्शन से प्रकट होने वाली सजगताएं शामिल हैं आसन्न रंगों का.

पेंटिंग में आयतन और स्थान का निर्माण रैखिक और हवादार परिप्रेक्ष्य, गर्म और ठंडे रंगों के स्थानिक गुणों, रूप के प्रकाश और छाया मॉडलिंग और कैनवास के समग्र रंग टोन के हस्तांतरण से जुड़ा हुआ है। एक चित्र बनाने के लिए, रंग के अतिरिक्त, आपको चाहिए अच्छा चित्रणऔर अभिव्यंजक रचना. कलाकार, एक नियम के रूप में, रेखाचित्रों में सबसे सफल समाधान की खोज करके कैनवास पर काम शुरू करता है। फिर, जीवन के अनेक सुरम्य रेखाचित्रों में, वह

रचना के आवश्यक तत्वों पर काम करता है। किसी पेंटिंग पर काम ब्रश से रचना बनाने, अंडरपेंटिंग आदि से शुरू हो सकता है

किसी न किसी सचित्र साधन से कैनवास को सीधे चित्रित करना। इसके अलावा, यहां तक ​​कि प्रारंभिक रेखाचित्रों और रेखाचित्रों का भी कभी-कभी स्वतंत्र कलात्मक महत्व होता है, खासकर यदि वे ब्रश से संबंधित हों प्रसिद्ध चित्रकार. चित्रकारी एक अत्यंत प्राचीन कला है, जो पुरापाषाणकालीन शैल चित्रों से लेकर 20वीं सदी की चित्रकला के नवीनतम रुझानों तक कई शताब्दियों में विकसित हुई है। चित्रकला में यथार्थवाद से लेकर अमूर्ततावाद तक के विचारों को साकार करने की व्यापक संभावनाएं हैं। इसके विकास के दौरान विशाल आध्यात्मिक ख़ज़ाना जमा किया गया है। में प्राचीन समयवास्तविक दुनिया को वैसे ही पुन: पेश करने की इच्छा पैदा हुई जैसे कोई व्यक्ति उसे देखता है। इससे काइरोस्कोरो के सिद्धांतों, परिप्रेक्ष्य के तत्वों और वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक चित्रात्मक छवियों का उद्भव हुआ। सचित्र माध्यमों से वास्तविकता को चित्रित करने की नई विषयगत संभावनाएँ खुल गई हैं। चित्रकारी का उपयोग मंदिरों, आवासों, कब्रों और अन्य संरचनाओं को सजाने के लिए किया जाता था और यह वास्तुकला और मूर्तिकला के साथ कलात्मक एकता में थी।

मध्यकालीन चित्रकलामुख्यतः धार्मिक सामग्री थी। यह ध्वनिमय, मुख्य रूप से स्थानीय रंगों की अभिव्यक्ति और आकृति की अभिव्यंजना से प्रतिष्ठित था।

भित्तिचित्रों और चित्रों की पृष्ठभूमि, एक नियम के रूप में, पारंपरिक, अमूर्त या सुनहरी थी, जो अपनी रहस्यमय झिलमिलाहट में दिव्य विचार को मूर्त रूप देती थी। रंग प्रतीकवाद ने एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

पुनर्जागरण के दौरान, ब्रह्मांड के सामंजस्य, मानवकेंद्रितवाद (ब्रह्मांड के केंद्र में मनुष्य) की भावना धार्मिक और पौराणिक विषयों पर सचित्र रचनाओं, चित्रों, रोजमर्रा और ऐतिहासिक दृश्यों में परिलक्षित होती थी। पेंटिंग की भूमिका बढ़ गई है, रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य की वैज्ञानिक रूप से आधारित प्रणाली विकसित हो रही है, काइरोस्कोरो।

अमूर्त पेंटिंग सामने आई, जिसने आलंकारिकता की अस्वीकृति और दुनिया के प्रति कलाकार के व्यक्तिगत दृष्टिकोण, भावनात्मकता और रंग की पारंपरिकता, अतिशयोक्ति और ज्यामितिकरण की सक्रिय अभिव्यक्ति को चिह्नित किया।

रचनात्मक समाधानों के रूप, अलंकरण और साहचर्य।

20वीं सदी में नए रंगों और निर्माण के तकनीकी साधनों की खोज जारी है पेंटिंग्स, जो निस्संदेह चित्रकला में नई शैलियों के उद्भव को बढ़ावा देगा, लेकिन तैल चित्रअभी भी कलाकारों की सबसे पसंदीदा तकनीकों में से एक बनी हुई है।