Powieść Drogi Flandrii (Les Routes des Flandres) (1960) Autor po raz pierwszy przedstawia nam bohaterów powieści w przededniu ich udziału we francuskich oddziałach walczących z faszystowskimi zdobywcami w

Malarstwo Holandii Joachima Patinira. Wieża Charona. 1520–1524 Rogier van der Weyden (ok. 1400–1464) Zejście z krzyża. Około 1435 r. Olej na drewnie. 220x262 Próba zrozumienia możliwości refleksji artystycznej świat wewnętrzny osobowości, Vaden stał się uznanym mistrzem

Malarstwo Flandrii Petera Paula Rubensa. Trzy Gracje. 1630–1635 Jan Brueghel Starszy (Aksamit) (1568–1625) Alegoria wzroku 1617. Olej na płótnie. 65x109 flamandzki malarz i rytownik Jan Brueghel należy do dynastii artystów, której założycielem był jego ojciec Pieter Bruegel

Sztuka Holandii, Holandii i Flandrii Frans Hals. Portret mężczyzny. Około 1635 r. Jan Van Eyck (1390–1441) W świątyni intronizowana jest Matka Boska z Dzieciątkiem. Tryptyk 1437. Deska dębowa, olej. Część środkowa ma wymiary 27,5 x 21,5, boki 27,5 x 8. Ten niewielki element jest autentyczny

Prawie dwieście lat później, w 1820 roku, w tym budynku ulokowano Pałac Królewski. galeria sztuki- jedna z najlepszych na świecie kolekcji malarstwa niderlandzkiego XV-XVII w.

XVII wiek nazywany jest „złotym wiekiem” malarstwa holenderskiego (nie mylić z flamandzkim „złotym wiekiem”, który nawiązuje do twórczości artystów Flandrii w XV wieku – tzw. „flamandzkich prymitywistów”).

W galerii są w pełni i różnorodnie reprezentowane wszystkie gatunki tej epoki holenderskiej sztuki pięknej: wspaniałe przykłady portretów, pejzaży, martwych natur, malarstwa historycznego i wreszcie główne odkrycie holenderskich mistrzów - sceny rodzajowe lub sceny życie codzienne.

Wydaje się, że nie ma ani jednego znaczącego artysty z Holandii, którego prace nie zostałyby zaprezentowane w Muzeum w Hadze. Oto portreciści Anton van Dyck i Jacob van Kampen oraz mistrzowie martwej natury Willem van Elst i Balthasar van der Ast, znani malarze pejzażu: Hendrik Averkamp ze swoim słynnym „Krajobrazem zimowym”, Jan van Goyen i Salomon van Ruisdel i oczywiście , genialni mistrzowie sceny gatunkowej Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou i inni.

Wśród wielu znanych nazwisk wyróżniają się cztery najważniejsze dla sztuki holenderskiej. Są to Jan Steen, Frans Hals i dwaj najwięksi holenderscy geniusze, Rembrandt van Rijn i Johannes Vermeer.
W tamtej epoce holenderski artysta często poświęcał swoją twórczość jednemu ulubionemu gatunkowi. Takimi są Sten i Hals. Każdy z tych artystów przez całe życie pracował w swojej własnej dziedzinie: Sten się rozwijał scena rodzajowa Hals osiągnął najwyższe umiejętności w portretowaniu.

Dziś twórczość tych mistrzów uważana jest za klasykę swojego gatunku. W muzeum można zobaczyć „Śmiejący się chłopiec” Fransa Halsa i „Staruszek śpiewa – młodzi ludzie śpiewają” Jana Steena.
Ani Rembrandt, ani Vermeer nie kojarzyli swojej twórczości z jednym gatunkiem. Obaj, choć z różnym natężeniem, pracowali w różnorodnych dziedzinach, od portretu po pejzaż, i wszędzie osiągali nieosiągalne wyżyny, zdecydowanie wyrywając malarstwo holenderskie z wąskich ram gatunkowych.

Rembrandt jest hojnie reprezentowany w muzeach swojej ojczyzny. Różnorodność jego dziedzictwa znajduje odzwierciedlenie także na wystawie w Hadze. W muzeum prezentowane są trzy obrazy artysty: „Szymon chwalący Chrystusa”, „Lekcja anatomii doktora Tulpy” oraz jeden z ostatnich autoportretów wielkiego mistrza.
Przeciwnie, Vermeer pozostawił po sobie niezwykle niewiele obrazów. Na palcach jednej ręki można policzyć muzea posiadające jeden lub dwa obrazy tego enigmatycznego malarza.

W ojczyźnie artysty zachowało się zaledwie sześć jego arcydzieł. Cztery z nich – największa kolekcja Vermeera na świecie – przechowywane są w Riksmuseum w Amsterdamie. Haga jest słusznie dumna z pozostałych dwóch. To słynny „Widok Delft” - rodzinne miasto Vermeera i być może jego najsłynniejszy obraz, który stał się „wizytówką” muzeum - „Dziewczyna z perłową siarką”.
Głównym bogactwem muzeum jest kolekcja malarstwa z Holandii z XVII wieku. Jednak wystawa nie ogranicza się do tego: galeria w Hadze może pochwalić się twórczością artystów z innego „złotego wieku” – flamandzkiego. Znajdują się w nim dzieła mistrzów XV wieku: „Opłakiwanie Chrystusa” Rogiera van der Weydena i „Portret mężczyzny” Hansa Memlinga.
Kolekcję Moritzhaus uzupełnia Galeria Sztuki Księcia Willema V. Jest to chronologicznie pierwsze muzeum sztuki w Holandii. Jego ekspozycja, niegdyś zebrana przez samego księcia i odzwierciedlająca jego gust, poświęcona jest malarstwu XVIII wieku.

Moritzhaus jest otwarty od wtorku do soboty w godzinach 10:00–17:00. W niedziele i weekendy - od 11 do 17 godzin. Zamknięte w poniedziałek. Cena biletu 12,50 NLG. Dzieci od 7 do 18 lat – 6,50 NLG.

Galeria Willem V czynna jest codziennie od 11:00 do 16:00. Zamknięte w poniedziałek. Cena biletu to 2,50 NLG. Dzieci od 7 do 18 lat – 1,50 NLG. Wstęp do Galerii Willem V jest bezpłatny po okazaniu biletu Moritzhaus.

Złoty wiek malarstwa holenderskiego to jedna z najwybitniejszych epok w historii całego malarstwa światowego. Rozważany jest złoty wiek malarstwa holenderskiego XVII wiek. To właśnie w tym czasie najzdolniejsi artyści i malarze tworzyli swoje nieśmiertelne dzieła. Ich obrazy nadal uważane są za niezrównane arcydzieła, które przechowywane są w słynnych muzeach na całym świecie i uważane są za bezcenne dziedzictwo ludzkości.

Na początku XVII wiek W Holandii nadal kwitła dość prymitywna sztuka, co było uzasadnione przyziemnymi gustami i preferencjami bogatych i wpływowych ludzi. W wyniku zmian politycznych, geopolitycznych i religijnych sztuka holenderska zmieniła się dramatycznie. Jeśli wcześniej artyści próbowali przypodobać się holenderskim mieszczanom, przedstawiając ich życie i sposób życia, pozbawiony wzniosłego i poetyckiego języka, a także pracowali dla kościoła, który zlecał artystom pracę w dość prymitywnym gatunku z dawno wytartymi tematami , to początek XVII wieku był prawdziwym przełomem. W Holandii panowała dominacja protestantów, którzy praktycznie przestali zamawiać u artystów obrazy o tematyce religijnej. Holandia uniezależniła się od Hiszpanii i zapewniła sobie miejsce na historycznym podium. Artyści przeszli od znanych wcześniej tematów do przedstawiania scen życia codziennego, portretów, pejzaży, martwych natur i tak dalej. Tutaj, na nowym polu, artyści złotego wieku zdawali się złapać nowy oddech, a na świecie zaczęli pojawiać się prawdziwi geniusze sztuki.

Holenderscy artyści XVII wieku wprowadzili do mody realizm w malarstwie. Oszałamiające kompozycją, realizmem, głębią i niezwykłością obrazy zaczęły odnosić ogromny sukces. Popyt na obrazy gwałtownie wzrósł. W rezultacie zaczęło pojawiać się coraz więcej nowych artystów, którzy w zadziwiająco szybkim tempie rozwijali podstawy malarstwa, opracowywali nowe techniki, style i gatunki. Jeden z najbardziej znani artyści Złoty wiek stali: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel Starszy, Esaias van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck i wielu innych.

Obrazy malarzy holenderskich

Cornelis de Man – Manufaktura oleju wielorybiego

Cornelis Trost - Zabawa w parku

Ludolf Backhuizen – Dok kampanii w Indiach Wschodnich w Amsterdamie

Pieter Bruegel Starszy – Katastrofa Alchemika

Rembrandt – Andries de Graef

Za narodziny szkoły holenderskiej uważa się pierwsze lata XVII wieku. Szkoła ta należy do wielkich szkół malarskich i jest szkołą niezależną i niezależną o wyjątkowych i niepowtarzalnych cechach i tożsamości.

Ma to podłoże w dużej mierze historyczne – jednocześnie narodził się nowy ruch w sztuce i nowe państwo na mapie Europy.

Aż do XVII wieku Holandia nie wyróżniała się bogactwem artystów narodowych. Być może dlatego w przyszłości w tym kraju można liczyć na tak dużą liczbę artystów, a konkretnie artystów holenderskich. Choć kraj ten stanowił jedno państwo z Flandrią, to głównie we Flandrii intensywnie tworzyły się i rozwijały oryginalne ruchy artystyczne. We Flandrii pracowali wybitni malarze Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, których takich w Holandii nie było. Na początku XVI wieku można odnotować jedynie pojedyncze wybuchy geniuszu w malarstwie; jest to artysta i rytownik Łukasz z Lejdy, będący zwolennikiem szkoły brukgijskiej. Ale Łukasz z Lejdy nie założył żadnej szkoły. To samo można powiedzieć o malarzu Dirku Boutsie z Haarlemu, którego twórczość ledwo odstaje na tle stylu i maniery początków szkoły flamandzkiej, o artystach Mostarcie, Skorelu i Heemskerke, którzy mimo całego swojego znaczenia, nie są indywidualnymi talentami, które charakteryzują ich z ich oryginalnością kraju.

Następnie wpływy włoskie rozprzestrzeniły się na wszystkich, którzy tworzyli pędzlem – od Antwerpii po Haarlem. Między innymi z tego powodu zacierały się granice, mieszały się szkoły, a artyści tracili tożsamość narodową. Nie przeżył ani jeden uczeń Jana Skorela. Ostatni, najsłynniejszy, największy portrecista, który wraz z Rembrandtem jest dumą Holandii, artysta obdarzony potężnym talentem, doskonale wykształcony, zróżnicowany stylowo, z natury odważny i elastyczny, kosmopolita, który utracił wszystko ślady jego pochodzenia, a nawet imienia – Antonis Moreau (był oficjalnym malarzem króla hiszpańskiego) zmarł po 1588 roku.

Pozostali przy życiu malarze niemal przestali być Holendrami w duchu swojej twórczości; brakowało im organizacji i umiejętności odnowienia szkoły narodowej. Byli to przedstawiciele manieryzmu holenderskiego: rytownik Hendrik Goltzius, Cornelis z Haarlemu, który naśladował Michała Anioła, Abraham Bloemaert, naśladowca Correggio, Michiel Mierevelt, dobry portrecista, zręczny, precyzyjny, lakoniczny, trochę zimny, nowoczesny jak na swoje czasy , ale nie narodowy. Co ciekawe, on sam nie uległ wpływom włoskim, które ujarzmiły większość przejawów ówczesnego malarstwa holenderskiego.

Pod koniec XVI wieku, kiedy portreciści utworzyli już szkołę, zaczęli pojawiać się i formować inni artyści. W drugiej połowie XVI wieku narodziło się wielu malarzy, którzy stali się fenomenem w malarstwie; było to niemal przebudzenie holenderskiej szkoły narodowej. Różnorodność talentów prowadzi do wielu różne kierunki i sposoby rozwoju malarstwa. Artyści sprawdzają się we wszystkich gatunkach, w różnych zestawieniach kolorystycznych: jedni pracują w jasnych barwach, inni w ciemnych (wyczuwał się tu wpływ włoskiego artysty Caravaggia). Malarze preferują jasne kolory, a koloryści ciemne kolory. Rozpoczyna się poszukiwanie maniery obrazkowej, opracowywane są zasady przedstawiania światłocienia. Paleta staje się bardziej zrelaksowana i swobodna, podobnie jak linie i plastyczność obrazu. Pojawiają się bezpośredni poprzednicy Rembrandta – jego nauczyciele Jan Pace i Peter Lastman. Coraz swobodniejsze stają się także metody gatunkowe – historyczność nie jest już tak obowiązkowa jak dawniej. Tworzy się szczególny, głęboko narodowy i niemal historyczny gatunek – portrety zbiorowe przeznaczone do miejsc publicznych – ratuszów, korporacji, warsztatów i społeczności. Wraz z tym najdoskonalszym w swej formie wydarzeniem kończy się wiek XVI, a zaczyna wiek XVII.

To dopiero początek, zalążek szkoły, sama szkoła jeszcze nie istnieje. Jest wielu utalentowanych artystów. Wśród nich są wykwalifikowani rzemieślnicy, kilku znakomitych malarzy. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder i wreszcie Esayas van de Velde i van Goyen – wszyscy urodzili się pod koniec XVI w. wiek. Na tej liście znajdują się także artyści, których nazwiska utrwaliły się w historii, ci, którzy reprezentowali jedynie indywidualne próby osiągnięcia mistrzostwa, oraz ci, którzy stali się nauczycielami i poprzednikami przyszłych mistrzów.

Był to moment krytyczny w rozwoju malarstwa holenderskiego. Przy niestabilnej równowadze politycznej wszystko zależało tylko od przypadku. Przeciwnie, we Flandrii, gdzie zaobserwowano podobne przebudzenie, panowało już poczucie pewności i stabilności, jakiego nie było jeszcze w Holandii. We Flandrii istnieli już artyści, którzy uformowali się w ten sposób lub byli mu bliscy. Warunki polityczne i społeczno-historyczne w tym kraju były korzystniejsze. Istniał bardziej elastyczny i tolerancyjny rząd, tradycje i społeczeństwo. Z potrzeby luksusu zrodziła się trwała potrzeba sztuki. W sumie istniały poważne powody, aby Flandria po raz drugi stała się wielkim ośrodkiem sztuki. Do tego brakowało tylko dwóch rzeczy: kilku lat spokoju i mistrza, który byłby twórcą szkoły.

W roku 1609, gdy decydowały się losy Holandii – Filip III zgodził się na rozejm między Hiszpanią a Holandią – pojawił się Rubens.

Wszystko zależało od szansy politycznej lub militarnej. Pokonana i podbita Holandia musiałaby całkowicie utracić niepodległość. Wtedy oczywiście nie mogłoby być dwóch niezależnych szkół – w Holandii i we Flandrii. W kraju zależnym od wpływów włosko-flamandzkich taka szkoła i utalentowani, oryginalni artyści nie mogli się rozwijać.

Aby narodził się naród holenderski, a sztuka holenderska ujrzała wraz z nim światło, potrzebna była głęboka i zwycięska rewolucja. Szczególnie ważne było, aby rewolucja opierała się na sprawiedliwości, rozsądku, konieczności, aby ludzie zasłużyli na to, co chcieli osiągnąć, aby byli zdecydowani, przekonani o swojej słuszności, pracowici, cierpliwi, powściągliwi, bohaterscy i mądrzy. Wszystkie te cechy historyczne znalazły później odzwierciedlenie w powstaniu holenderskiej szkoły malarstwa.

Sytuacja okazała się taka, że ​​wojna nie zrujnowała Holendrów, ale ich wzbogaciła; walka o niepodległość nie uszczupliła ich sił, ale wzmocniła i zainspirowała. W zwycięstwie nad najeźdźcami ludzie wykazali się tą samą odwagą, co w walce z żywiołami, o morze, o zalanie ziem, o klimat. To, co miało zniszczyć ludzi, dobrze im służyło. Traktaty podpisane z Hiszpanią dały Holandii wolność i wzmocniły jej pozycję. Wszystko to doprowadziło do powstania własnej sztuki, która gloryfikowała, uduchowiała i wyrażała wewnętrzną istotę narodu holenderskiego.

Po traktacie z 1609 r. i oficjalnym uznaniu Zjednoczonych Prowincji nastąpił natychmiastowy zastój. To było tak, jakby dobroczynny, ciepły wietrzyk dotknął ludzkich dusz, ożywił glebę, odnalazł i obudził kiełki gotowe do rozkwitu. To niesamowite, jak niespodziewanie i po co krótkoterminowy- nie więcej niż trzydzieści lat - na małej przestrzeni, na niewdzięcznej pustynnej ziemi, w trudnych warunkach życia, pojawiła się cudowna plejada malarzy, i to wielkich malarzy.

Pojawiły się natychmiast i wszędzie: w Amsterdamie, Dordrechcie, Lejdzie, Delft, Utrechcie, Rotterdamie, Haarlemie, a nawet za granicą - jakby z nasion, które spadły z pola. Najstarsi to urodzeni na przełomie wieków Jan van Goyen i Wijnants. I dalej, w przedziale od początku stulecia do końca jego pierwszej tercji – Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bol, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jakub Ruisdael.

Ale to nie koniec kreatywnych pomysłów. Następny na świat przyszedł Pieter de Hooch w Hobbema. Ostatni z wielkich – van der Heyden i Adrian van de Velde – urodzili się w latach 1636 i 1637. W tym czasie Rembrandt miał trzydzieści lat. Mniej więcej te lata można uznać za czas pierwszego rozkwitu szkoły holenderskiej.

Biorąc pod uwagę wydarzenia historyczne tamtych czasów, można sobie wyobrazić, jakie powinny być aspiracje, charakter i losy nowej szkoły malarstwa. Co ci artyści mogliby napisać w kraju takim jak Holandia?

Rewolucja, która dała Holendrom wolność i bogactwo, jednocześnie pozbawiła ich tego, co stanowi żywotną podstawę wielkich szkół na całym świecie. Zmieniła wierzenia, zmieniła nawyki, zniosła wizerunki scen starożytnych i ewangelicznych, zaprzestała tworzenia dużych dzieł - malarstwa kościelnego i dekoracyjnego. Tak naprawdę każdy artysta miał wybór – być oryginalnym albo nie być wcale.

Należało stworzyć sztukę dla narodu mieszczańskiego, która będzie do niego przemawiała, przedstawiała go i była dla niego istotna. Byli praktyczni, nie mieli skłonności do marzeń, ludzie biznesu, ze złamanymi tradycjami i nastrojami antywłoskimi. Można powiedzieć, że Holendrzy mieli proste i odważne zadanie – stworzyć własny portret.

Malarstwo holenderskie, był i mógł być jedynie wyrazem wyglądu zewnętrznego, prawdziwym, wiernym, podobnym portretem Holandii. Był to portret ludzi i terenu, zwyczajów mieszczańskich, placów, ulic, pól, morza i nieba. Głównymi elementami szkoły holenderskiej były portrety, pejzaże i sceny codzienne. Taki był obraz ten od początków jego istnienia aż do jego upadku.

Wydawać by się mogło, że nie ma nic prostszego niż odkrycie tej zwyczajnej sztuki. W rzeczywistości nie można sobie wyobrazić niczego równego mu pod względem szerokości i nowości.

Od razu zmieniło się wszystko w sposobie rozumienia, widzenia i przekazywania: punkt widzenia, ideał artystyczny, wybór natury, styl i metoda. włoski i Malarstwo flamandzkie w swoich najlepszych przejawach są dla nas nadal zrozumiałe, bo nadal się nimi bawią, ale są to już języki martwe i nikt już ich nie będzie używał.

Kiedyś panował zwyczaj myślenia wzniosłego i ogólnego; istniała sztuka polegająca na umiejętnym doborze przedmiotów. W ich dekoracji korekta. Uwielbiał pokazywać naturę taką, jaka nie istnieje w rzeczywistości. Wszystko ukazane było mniej więcej zgodne z osobowością danej osoby, zależało od niej i było jej podobieństwem. W rezultacie powstała sztuka, w której człowiek jest w centrum, a wszystkie inne obrazy wszechświata albo ucieleśniały się w ludzkich formach, albo były niewyraźnie ukazywane jako wtórne środowisko człowieka. Twórczość rozwijana według pewnych wzorców. Każdy przedmiot musiał zapożyczać swoją plastyczną formę od tego samego ideału. Mężczyzna musiał być częściej przedstawiany nago niż ubranego, dobrze zbudowanego i przystojnego, aby mógł z odpowiednią wielkością odegrać przypisaną mu rolę.

Teraz zadanie malowania stało się prostsze. Każdej rzeczy lub zjawisku należało nadać prawdziwe znaczenie, umieścić osobę na właściwym miejscu, a jeśli to konieczne, całkowicie się bez niej obejść.

Czas mniej myśleć, patrzeć uważnie na to, co najbliżej, lepiej obserwować i pisać inaczej. To jest obraz tłumu, obywatela, człowieka pracy. Trzeba było stać się skromnym dla wszystkiego, co skromne, małym dla małych, niepozornym dla niepozornego, wszystko akceptować, nie odrzucając i nie pogardząc niczym, wnikając w ukryte życie rzeczy, z miłością łącząc się z ich istnieniem, trzeba było być uważnym , dociekliwy i cierpliwy. Geniusz polega teraz na braku uprzedzeń. Nie ma potrzeby niczego upiększać, uszlachetniać, demaskować: to wszystko jest kłamstwem i bezużyteczną pracą.

Malarze holenderscy, tworząc w jakimś zakątku północnego kraju z wodą, lasami, morskimi horyzontami, potrafili odzwierciedlić w miniaturze cały wszechświat. Mały kraj, dokładnie zbadany według gustów i instynktów obserwatora, zamienia się w niewyczerpany skarbiec, tak bogaty jak samo życie, tak bogaty w doznania, jak bogate jest w nie ludzkie serce. Szkoła holenderska rozwija się i działa w ten sposób przez całe stulecie.

Malarze holenderscy znajdowali tematy i kolory, które zaspokajały wszelkie ludzkie skłonności i uczucia, dla natur szorstkich i delikatnych, żarliwych i melancholijnych, marzycielskich i wesołych. Pochmurne dni ustępują wesołym, słonecznym dniom, morze jest czasem spokojne i mieniące się srebrem, czasem burzliwe i ponure. Wzdłuż wybrzeża znajduje się wiele pastwisk z gospodarstwami rolnymi i wiele statków zatłoczonych. I prawie zawsze można poczuć ruch powietrza nad przestrzeniami i silne wiatry znad Morza Północnego, które gromadzą chmury, uginają drzewa, obracają skrzydła młynów i kierują światła i cienie. Do tego należy dodać miasta, życie domowe i uliczne, uroczystości na jarmarkach, przedstawienia różnych obyczajów, potrzeby biednych, okropności zimy, bezczynność w tawernach z dymem tytoniowym i kuflami piwa. Z drugiej strony zamożny tryb życia, sumienna praca, kawalkady, popołudniowy odpoczynek, polowania. Poza tym - życie społeczne, uroczystości cywilne, bankiety. W rezultacie powstała nowa sztuka, ale poruszająca tematy stare jak świat.

W ten sposób powstała harmonijna jedność ducha szkoły i najbardziej zdumiewająca różnorodność, jaka kiedykolwiek powstała w ramach jednego ruchu artystycznego.

Ogólnie rzecz biorąc, szkoła holenderska nazywana jest szkołą gatunkową. Jeśli rozłożymy go na elementy składowe, wówczas wyróżnimy w nim malarzy pejzaży, mistrzów portretu grupowego, malarzy morskich, malarzy zwierząt, artystów malujących portrety zbiorowe czy martwe natury. Jeśli przyjrzysz się bardziej szczegółowo, możesz rozróżnić wiele i odmiany gatunkowe- od miłośników malowniczości po ideologów, od kopistów natury po jej interpretatorów, od konserwatywnych domowników po podróżników, od kochających i odczuwających humor po artystów unikających komedii. Przypomnijmy sobie obrazy przedstawiające humor Ostade'a i powagę Ruisdaela, spokój Pottera i kpinę Jana Steena, dowcip Van de Velde i ponurą senność wielkiego Rembrandta.

Z wyjątkiem Rembrandta, którego należy uznać za zjawisko wyjątkowe zarówno w skali swojego kraju, jak i w historii, wówczas wszystkich pozostałych artystów holenderskich cechuje określony styl i metoda. Prawa tego stylu to szczerość, przystępność, naturalność i wyrazistość. Jeśli odbierzecie sztuce holenderskiej to, co można nazwać uczciwością, to przestaniecie rozumieć jej żywotne podstawy i nie będziecie w stanie określić ani jej charakteru moralnego, ani stylu. U tych artystów, którzy w większości zasłużyli sobie na miano krótkowzrocznych kopistów, czuć wzniosłą i życzliwą duszę, wierność prawdzie i umiłowanie realizmu. Wszystko to nadaje ich dziełom wartość, jakiej zdaje się nie mieć to, co na nich przedstawione.

Początkiem tego szczerego stylu i pierwszym efektem tego szczerego podejścia jest doskonały rysunek. Wśród malarzy holenderskich Potter jest przejawem geniuszu w precyzyjnych, zweryfikowanych pomiarach i umiejętności prześledzenia ruchu każdej linii.

W Holandii niebo często zajmuje połowę, a czasem cały obraz. Dlatego konieczne jest, aby niebo na zdjęciu poruszało się, przyciągało i niosło nas ze sobą. Aby można było odczuć różnicę między dniem, wieczorem i nocą, aby można było odczuć ciepło i zimno, aby widz był jednocześnie zmarznięty i cieszył się tym oraz odczuwał potrzebę skupienia. Choć chyba trudno taki rysunek nazwać najszlachetniejszym ze wszystkich, spróbujcie znaleźć na świecie artystów, którzy namalowaliby niebo, jak Ruisdael i van der Neer, a tak wiele i tak błyskotliwie przekazaliby swoją twórczością. Wszędzie Holendrzy mają ten sam design - powściągliwy, lakoniczny, precyzyjny, naturalny i naiwny, zręczny i nie sztuczny.

Holenderska paleta jest całkiem godna ich rysunku, stąd idealna jedność ich metody malowania. Każdy obraz holenderski można łatwo rozpoznać po wyglądzie. Jest niewielki i wyróżnia się mocnymi, surowymi kolorami. Wymaga to od artysty dużej precyzji, pewnej ręki i głębokiego skupienia, aby uzyskać skoncentrowany efekt na widzu. Artysta musi wejść w głąb siebie, aby pielęgnować swój pomysł, widz musi wejść w głąb siebie, aby zrozumieć plan artysty. To holenderskie obrazy dają najjaśniejsze wyobrażenie o tym ukrytym i wiecznym procesie: czuć, myśleć i wyrażać. Nie ma bardziej bogatego obrazu na świecie, skoro to Holendrzy mieszczą tak wiele treści na tak małej przestrzeni. Dlatego wszystko tutaj nabiera precyzyjnej, skompresowanej i skondensowanej formy.

Każdy obraz holenderski jest wklęsły, składa się z krzywych opisanych wokół jednego punktu, będącego ucieleśnieniem koncepcji obrazu oraz cieni rozmieszczonych wokół głównego punktu światła. Solidna podstawa, biegnący blat i zaokrąglone rogi zwrócone do środka – wszystko to jest obrysowane, pokolorowane i podświetlone w kole. Dzięki temu obraz nabiera głębi, a przedstawione na nim obiekty oddalają się od oka widza. Widz jest niejako prowadzony od pierwszego planu do ostatniego, od kadru po horyzont. Wydaje się, że zamieszkujemy obraz, poruszamy się, patrzymy w głąb, podnosimy głowę, by zmierzyć głębokość nieba. Rygor perspektywy powietrznej, doskonała zgodność koloru i odcieni z miejscem w przestrzeni, jakie zajmuje obiekt.

Aby pełniej zrozumieć malarstwo holenderskie, należy szczegółowo rozważyć elementy tego ruchu, cechy metod, naturę palety i zrozumieć, dlaczego jest ono tak ubogie, niemal monochromatyczne i tak bogate w rezultaty. Ale wszystkie te pytania, podobnie jak wiele innych, zawsze były przedmiotem spekulacji wielu historyków sztuki, nigdy jednak nie zostały wystarczająco zbadane i wyjaśnione. Opis głównych cech sztuki holenderskiej pozwala odróżnić tę szkołę od innych i prześledzić jej genezę. Wyrazistym obrazem ilustrującym tę szkołę jest obraz Adriaana van Ostade z Muzeum Amsterdamskiego „Atelier Artysty”. Temat ten był jednym z ulubionych malarzy holenderskich. Widzimy uważnego, lekko zgarbionego mężczyznę, z przygotowaną paletą, cienkimi, czystymi pędzlami i przezroczystym olejem. Pisze w półmroku. Jego twarz jest skupiona, jego ręka jest ostrożna. Tylko może ci malarze byli odważniejsi i umieli śmiać się bardziej beztrosko i cieszyć się życiem, niż można wywnioskować z zachowanych obrazów. W przeciwnym razie, jak ich geniusz objawiłby się w atmosferze tradycji zawodowych?

Podwaliny pod szkołę holenderską położyli van Goyen i Wijnants na początku XVII wieku, ustanawiając pewne prawa malarstwa. Prawa te zostały przekazane z nauczycieli na uczniów i przez całe stulecie holenderscy malarze kierowali się nimi, nie schodząc na bok.

Holenderskie malarstwo manierystyczne

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. A katolicka Flandria (dzisiejsza Belgia) pod skrzydłami Hiszpanii jest już sama.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne Prawie nikomu już to nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusowych dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju obudził w sobie miłość do tego typu sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć na obrazach własne życie. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „wielki” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt doświadczył w swoim życiu wielu emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. A jest tak wiele złożonych uczuć - w tych późniejszych.

Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży jego ukochana żona Saskia. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Ale to wszystko zniknie za około 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostaną zabrane za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najgłębsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też określiłbym go jako „dużego” Holendra.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Tak powstało wiele podobnych prac, przedstawiających współpracujących ze sobą ludzi: strzelców jednego cechu, lekarzy jednego miasta, kierowników domu opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Z Halsem było inaczej.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzego.”

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia pozycji czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest wiele, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki niezwykle poprawnemu ułożeniu figur.

I nawet w jednym portrecie Hals przewyższał wielu artystów. Jego wzory są naturalne. Osoby z wyższych sfer na jego obrazach pozbawione są wymyślonej wielkości, a modelki z niższych klas nie wyglądają na upokorzone.

Jego bohaterowie też są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał, żeby jego wygląd był upiększony. Hals nie zgodził się na jawne pochlebstwa i tym samym podpisał swój własny wyrok – „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Terborch był mistrzem gatunku codziennego. Bogaci i mniej zamożni mieszczanie rozmawiają spokojnie, damy czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To właśnie ten mistrz opracował kanony gatunku codziennego. Które później zapożyczyli Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

„Kieliszek lemoniady” to jedna z nich słynne dzieła Terborha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co świadczy o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się do widoku przytulnych podwórek i czystych pomieszczeń na obrazach „małych” Holendrów. Ale Terborch odważył się pokazać brzydką Holandię.

Jak rozumiesz, na taką pracę nie było popytu. A oni - rzadkie zjawisko nawet Terborcha.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. Prawda od tyłu.

Dlatego zaskakujące jest to, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Wiąże się to z jego arcydziełem „Delft Street”.

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu i szyje, podczas gdy jej dwójka dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca działanie swojej wagi.

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło miękko otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie sprawdzane. Nie znajdziesz ani jednego niepotrzebnego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „rozpadnie się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - na co dzień. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest warstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Pokojówka z dziewczyną na podwórzu”.

Pietera de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórzu. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło małe dzieła jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Niewiele osób potrafiło tak umiejętnie połączyć środowisko i ludzi.

Przypominamy, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” wisi obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny pokazuje, jak popularne było malarstwo wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom bogatego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające nauczanie moralne. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których panował występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w ukryciu ostrzegał go przed niegodziwym życiem.

Sten ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt odkrywczymi szczegółami. Są ślady gumki do pończoch, a nie pusty nocnik. I jakoś nie jest w porządku, żeby pies leżał bezpośrednio na poduszce.

Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stena są bardzo profesjonalne. W tym przewyższał wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Malarstwo holenderskie, w sztukach pięknych

Malarstwo holenderskie, jego powstanie i początkowy okres zbiegają się do tego stopnia z pierwszymi etapami rozwoju malarstwa flamandzkiego, że nowi historycy sztuki rozpatrują oba przez cały czas aż do końca XVI wieku. nierozerwalnie pod jedną ogólną nazwą „szkoły holenderskiej”.

Obaj, będący potomkami gałęzi Renu, są głupi. malarstwo, którego głównymi przedstawicielami są Wilhelm z Kolonii i Stefan Lochner, za swoich twórców uważa braci van Eyck; obydwoje od dawna podążają w tym samym kierunku, kierują się tymi samymi ideałami, realizują te same zadania, rozwijają tę samą technikę, dzięki czemu holenderscy artyści niczym nie różnią się od swoich flamandzkich i brabanckich braci.

Trwa to przez całe panowanie kraju, najpierw przez Burgundów, a następnie przez ród austriacki, aż do wybuchu brutalnej rewolucji, która zakończy się całkowitym triumfem narodu holenderskiego nad uciskającymi go Hiszpanami. Od tej epoki każda z dwóch gałęzi sztuki holenderskiej zaczyna poruszać się oddzielnie, choć zdarza się, że wchodzą ze sobą w bardzo bliski kontakt.

Malarstwo holenderskie natychmiast nabiera oryginalnego, całkowicie narodowego charakteru i szybko osiąga jasny i obfity rozkwit. Przyczyny tego zjawiska, jakiego nie można znaleźć w całej historii sztuki, leżą w uwarunkowaniach topograficznych, religijnych, politycznych i społecznych.

W tej „nizinie” (holland), składającej się z bagien, wysp i półwyspów, stale zmywanej przez morze i zagrożonej jej najazdami, ludność, gdy tylko zrzuciła obce jarzmo, musiała wszystko stworzyć od nowa, począwszy od warunków fizycznych gleby, a skończywszy na warunkach moralnych i intelektualnych, bo wszystko zostało zniszczone przez poprzednią walkę o niepodległość. Dzięki swojej przedsiębiorczości, praktycznemu zmysłowi i wytrwałej pracy Holendrom udało się przekształcić bagna w urodzajne pola i luksusowe pastwiska, podbić ogromne połacie ziemi od morza, zdobyć dobrobyt materialny i zewnętrzne znaczenie polityczne. Osiągnięciu tych wyników znacznie ułatwiła ustanowiona w kraju federalno-republikańska forma rządów oraz mądrze realizowana zasada wolności myśli i przekonań religijnych.

Jak gdyby cudem wszędzie, we wszystkich obszarach ludzkiej pracy, żarliwa działalność zaczęła nagle wrzeć w nowym, oryginalnym, czysto popularnym duchu, między innymi w dziedzinie sztuki. Z gałęzi tego ostatniego na ziemi holenderskiej szczęście było głównie w jednym - malarstwie, które tutaj, w twórczości wielu mniej lub bardziej utalentowanych artystów, pojawiających się niemal jednocześnie, przybrało bardzo wszechstronny kierunek i jednocześnie czas zupełnie odmienny od kierunku sztuki w innych krajach. Główną cechą charakteryzującą tych artystów jest miłość do natury, chęć odtworzenia jej w całej jej prostocie i prawdzie, bez najmniejszych upiększeń, bez podporządkowania jej w jakiekolwiek warunki z góry przyjętego ideału. Druga charakterystyczna właściwość Golla. malarzy cechuje subtelne wyczucie koloru i zrozumienie tego, jak silne, urzekające wrażenie może wywrzeć, oprócz treści obrazu, jedynie wierne i mocne przekazanie relacji barwnych zdeterminowanych w naturze przez działanie światła promienie, bliskość lub zakres odległości.

U najlepszych przedstawicieli malarstwa holenderskiego to wyczucie koloru, światła i cienia jest rozwinięte do tego stopnia, że ​​światło ze swoimi niezliczonymi i różnorodnymi niuansami odgrywa, można rzec, główną rolę w obrazie. aktor i wzbudza duże zainteresowanie najbardziej nieistotną fabułą, najbardziej nieeleganckimi formami i obrazami. Następnie należy zauważyć, że większość Goll. artyści nie szukają długo materiału do swojej twórczości, zadowalają się tym, co odnajdują wokół siebie, w rodzimej naturze i życiu swoich ludzi. Typowe cechy wybitnych rodaków, fizjonomie zwykłych Holendrów i Holenderek, hałaśliwe zabawy powszechnych świąt, biesiad chłopskich, sceny z życia wiejskiego lub intymnego mieszczan, rodzime wydmy, poldery i rozległe równiny poprzecinane kanałami, stada pasące się w bogatych łąki, chaty położone na skraju gajów bukowych lub dębowych, wioski nad brzegami rzek, jezior i gajów, miasta z czystymi domami, mostami zwodzonymi i wysokimi iglicami kościołów i ratuszów, porty zapełnione statkami, niebo wypełnione srebrzyste lub złote opary - wszystko to pod pędzlem holenderskich mistrzów przepojonych miłością do ojczyzny i dumą narodową zamienia się w obrazy pełne powietrza, światła i atrakcyjności.

Nawet w tych przypadkach, gdy niektórzy z tych mistrzów w poszukiwaniu tematów sięgają do Biblii, historii starożytnej i mitologii, nawet wtedy, nie martwiąc się o zachowanie wierności archeologicznej, przenoszą akcję w środowisko Holendrów, otaczając je holenderską oprawą. Co prawda obok zwartego tłumu takich patriotycznych artystów znajduje się falanga innych malarzy, szukających inspiracji poza granicami ojczyzny, w klasyczny kraj sztuka, Włochy; jednak w ich twórczości pojawiają się także elementy eksponujące ich narodowość.

Wreszcie jako cechę malarzy holenderskich można wskazać wyrzeczenie się tradycji artystycznych. Daremnie byłoby szukać wśród nich ścisłej ciągłości znanych zasad estetycznych i reguł technicznych, nie tylko w sensie stylu akademickiego, ale także w sensie asymilacji przez uczniów charakteru swoich nauczycieli: może z wyjątkiem samych uczniów Rembrandta, którzy mniej więcej poszli w ślady swojego genialnego mentora, prawie wszyscy malarze w Holandii, gdy tylko minęli lata studenckie, a czasem nawet w tych latach, zaczęli pracować w własną drogą, zgodnie z tym, dokąd zaprowadziły ich indywidualne skłonności i czego nauczyła ich bezpośrednia obserwacja natury.

Dlatego artystów holenderskich nie można dzielić na szkoły, tak jak to robimy z artystami z Włoch czy Hiszpanii; trudno nawet skomponować z nich ściśle określone grupy, a samo określenie „holenderska szkoła malarstwa”, które weszło do powszechnego użytku, należy rozumieć jedynie w sensie warunkowym, jako oznaczające zbiór mistrzów plemiennych, a nie rzeczywista szkoła. Tymczasem we wszystkich głównych miastach Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów, co, jak się wydaje, powinno było wpłynąć na komunikację ich działań w jednym ogólnym kierunku. Jednakże towarzystwa takie, noszące nazwę cechów św. Łukasz, jeśli się do tego przyczynił, to w bardzo umiarkowanym stopniu. Nie były to akademie, kustosze znanych tradycji artystycznych, ale wolne korporacje, podobne do innych cechów rzemieślniczych i przemysłowych, niewiele różniące się od nich strukturą i nastawione na wzajemne wsparcie swoich członków, ochronę ich praw, opiekę na starość, troszczcie się o los swoich wdów i sierot.

Do cechu przyjmowano każdego malarza miejscowego, który spełniał wymagania moralne, po uprzednim potwierdzeniu jego zdolności i wiedzy lub na podstawie zdobytej już sławy; przyjezdni artyści byli przyjmowani do cechu jako członkowie tymczasowi na czas pobytu w danym mieście. Członkowie cechu spotykali się, aby pod przewodnictwem dziekanów omówić swoje wspólne sprawy lub w celu wzajemnej wymiany myśli; ale na tych spotkaniach nie było nic, co przypominałoby głoszenie pewnego kierunek artystyczny i miałby tendencję do ograniczania oryginalności któregokolwiek z członków.

Wskazane cechy malarstwa niderlandzkiego są zauważalne już w jego początkach – w czasie, gdy rozwijało się ono nierozerwalnie od szkoły flamandzkiej. Jej powołaniem, podobnie jak tej ostatniej, było wówczas głównie dekorowanie kościołów malowidłami religijnymi, pałaców, ratuszy i domów szlacheckich portretami urzędników państwowych i arystokratów. Niestety, dzieła prymitywnych malarzy holenderskich dotarły do ​​nas jedynie w bardzo ograniczonych ilościach, ponieważ większość z nich zginęła w tym niespokojnym czasie, kiedy reformacja dewastowała kościoły katolickie, znosiła klasztory i opactwa oraz podżegała „łamaczy ikon” (beeldstormers) do zniszczenia malował i rzeźbił święte obrazy, a powstanie ludowe zniszczyło wszędzie portrety znienawidzonych tyranów. Wielu artystów, którzy poprzedzili rewolucję, znamy tylko z nazwiska; Innych możemy oceniać tylko na podstawie jednej lub dwóch próbek ich pracy. Tak więc o najstarszym z malarzy holenderskich, Albercie van Ouwaterze, nie ma pozytywnych danych, poza informacją, że był on rówieśnikiem van Eycksów i pracował w Harlemie; Nie ma wiarygodnych jego obrazów. Jego uczennica Gertjen van Sint-Jan znana jest jedynie z dwóch paneli tryptyku („Grób św.” i „Legenda o kościach św. Jana”), który napisał dla katedry w Harlemie, przechowywanej w Galerii Wiedeńskiej. Mgła, która spowija nas w początkowej epoce szkoły G., zaczyna się rozwiewać wraz z pojawieniem się na scenie Dirka Boutsa, zwanego Stuerboat († 1475), pochodzącego z Haarlemu, ale pracującego w Leuven i dlatego przez wielu uważanego za należy do szkoły flamandzkiej (jego najlepszymi dziełami są dwa obrazy „Bezprawny proces cesarza Ottona” znajdujące się w Muzeum Brukselskim), a także Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), którego główną zasługą jest to, że był nauczycielem słynny Łukasz z Lejdy (1494-1533). Ten ostatni, wszechstronny, pracowity i niezwykle utalentowany artysta, potrafił jak nikt przed nim wiernie odtworzyć wszystko, co mu wpadło w oko, dlatego można go uważać za prawdziwego ojca holenderskiego gatunku, choć zajmował się malarstwem głównie religijnym obrazy i portrety. W twórczości współczesnego mu Jana Mostaerta (ok. 1470-1556) dążenie do naturalizmu łączy się z nutą tradycji gotyckiej, ciepłem uczuć religijnych z troską o elegancję zewnętrzną.

Oprócz tych wybitni mistrzowie, dla początków sztuki holenderskiej na wspomnienie zasługują: Hieronymus van Aken, nazywany Hieronymus de Bosch (ok. 1462-1516), ze swoimi złożonymi, zawiłymi, a czasem niezwykle dziwnymi kompozycjami, który położył podwaliny pod satyryczną codzienność malarstwo; Jan Mundain († 1520), znany w Harlemie z przedstawień diabelstwa i bufonady; Pieter Aertsen († 1516), nazywany „Długim Piotrem” (Lange Pier) ze względu na swój wysoki wzrost, David Ioris (1501-56), utalentowany malarz na szkle, który dał się ponieść bełkotowi anabaptystów i wyobrażał sobie siebie jako proroka Dawida i jego syna Boga, Jacoba Swartsa (1469? - 1535?), Jacoba Cornelisena (1480? - później 1533) i jego syna Dirka Jacobsa (w Ermitażu znajdują się dwa obrazy tego ostatniego, przedstawiające towarzystwa strzeleckie).

W pobliżu połowa XVI tabela. wśród malarzy holenderskich istnieje chęć pozbycia się wad sztuki rodzimej - jej gotyckiej kanciastości i suchości - poprzez studiowanie włoskich artystów renesansu i łączenie ich manier z najlepszymi tradycjami własnej szkoły. Pragnienie to widoczne jest już w twórczości wspomnianego Mosterta; za głównego propagatora nowego ruchu należy jednak uznać Jana Schorela (1495-1562), który przez długi czas mieszkał we Włoszech, a później założył w Utrechcie szkołę, z której wywodziło się wielu artystów zarażonych chęcią zostania holenderskim Rafaelem i Michał Anioł. W jego ślady poszli Maarten van Van, nazywany Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, nazywany. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) i inni należący do kolejnego okresu szkoły włoskiej, jak na przykład Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), wyszli poza Alpy, aby nasycić się doskonałościami luminarzy malarstwa włoskiego, ale w większości pod wpływem przedstawicieli rozpoczynającego się wówczas upadku tego malarstwa, jako manieryści powrócili do ojczyzny, wyobrażając sobie, że cała istota sztuki tkwi w przesada mięśni, pretensjonalność kątów i rozmach konwencjonalnych kolorów.

Jednak fascynacja Włochami, która w epoce przejściowej malarstwa holenderskiego sięgała często do skrajności, przyniosła pewien pożytek, gdyż wniosła do tego malarstwa lepszy, bardziej wyuczony rysunek oraz możliwość swobodniejszego i odważniejszego kierowania kompozycją. Wraz z tradycją staroniderlandzką i bezgraniczną miłością do natury, Italianizm stał się jednym z elementów, z których ukształtowała się oryginalna, wysoko rozwinięta sztuka epoki rozkwitu. Początek tej epoki, jak już powiedzieliśmy, należy datować na początek XVII wieku, kiedy Holandia, uzyskawszy niepodległość, zaczęła żyć nowym życiem. Dramatycznemu przekształceniu się wczoraj uciskanego i biednego kraju w politycznie ważny, wygodny i zamożny związek państw towarzyszyła równie dramatyczna rewolucja w jego sztuce.

Ze wszystkich stron, niemal na raz, pojawiają się w niezliczonej liczbie. wspaniali artyści, powołani do działania przez wzrost ducha narodowego i potrzebę swojej pracy, która rozwinęła się w społeczeństwie. Do pierwotnych ośrodków artystycznych, Haarlemu i Lejdy, dochodzą nowe – Delft, Utrecht, Dortrecht, Haga, Amsterdam itd. Wszędzie stare zadania malarstwa rozwijają się w nowy sposób pod wpływem zmieniających się wymagań i poglądów i jego nowe gałęzie, których początki były w poprzednim okresie ledwo zauważalne.

Reformacja wypędziła obrazy religijne z kościołów; nie było potrzeby ozdabiania pałaców i komnat szlacheckich wizerunkami starożytnych bogów i bohaterów, dlatego malarstwo historyczne, zaspokajając gusta bogatej mieszczaństwa, odrzuciło idealizm i zwróciło się ku dokładnemu odwzorowaniu rzeczywistości: zaczęło interpretować wydarzenia z dawnych czasów jako wydarzenia dnia, które rozegrały się w Holandii, a w szczególności zajął się portretem, utrwalając w nim rysy ówczesnych ludzi, czy to w pojedynczych postaciach, czy w rozbudowanych, wielofigurowych kompozycjach przedstawiających towarzystwa strzeleckie (schutterstuke), które odegrali tak znaczącą rolę w walce o wyzwolenie kraju – kierownicy jego instytucji charytatywnych (regentenstuke), majsterowie sklepów i członkowie różnych korporacji.

Gdybyśmy zdecydowali się porozmawiać o wszystkich utalentowanych portrecistach okresu rozkwitu sztuki holenderskiej, samo wymienienie ich nazwisk ze wskazaniem najlepszych dzieł wymagałoby wielu zdań; Dlatego ograniczamy się do wymienienia tylko tych artystów, którzy szczególnie wyróżniają się z szeregów generalnych. Są to: Michiel Mierevelt (1567-1641), jego uczeń Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), poprzednicy trzech największych portrecistów Holandii – czarnoksiężnik światłocienia Rembrandt van Rijn (1606-69), niezrównany rysownik, który niesamowita sztuka modelują postacie w jasnym, ale nieco zimnym charakterze i kolorze Bartłomieja van der Gelsta (1611 lub 1612-70) oraz efektownej fudze jego pędzla Fransa Golsa Starszego (1581-1666). Spośród nich szczególnie jasno w historii świeci imię Rembrandta, początkowo darzonego dużym szacunkiem przez współczesnych, potem przez nich zapomnianego, mało docenianego przez potomność i dopiero w obecnym stuleciu wyniesionego, słusznie, do poziomu światowego geniusz.

W jego charakterystycznej osobowości artystycznej skupiają się, jakby w skupieniu, wszystkie najlepsze cechy malarstwa holenderskiego, a jego wpływ znalazł odzwierciedlenie we wszystkich jego typach - w portretach, obrazach historycznych, scenach życia codziennego i pejzażach. Do najsłynniejszych uczniów i naśladowców Rembrandta należeli: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645-1645-1645). 1727), Jacob Backer (1608 lub 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (ok. 1620-54), Salomon i Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Portera († później 1645), Gerarda Dou (1613-75) i Samuela van Googstratena (1626-78). Oprócz tych artystów, dla kompletności, lista najlepszych portrecistów i malarze historyczni z omawianego okresu można wymienić Jana Lievensa (1607-30), współucznia Rembrandta P. Lastmana, Abrahama van Tempela (1622-72) i Petera Nasona (1612-91), pracującego najwyraźniej pod wpływem V. . d. Gelsta, naśladowca Halsa Johannesa Versproncka (1597-1662), Jana i Jacoba de Braevów († 1664, † 1697), Cornelisa van Zeulena (1594-1664) i Nicholasa de Gelta-Stokade (1614-69). Malarstwo domowe, którego pierwsze eksperymenty pojawiły się w starej szkole holenderskiej, znalazło się w XVII wieku. szczególnie żyzna gleba w protestanckiej, wolnej, burżuazyjnej, samozadowoleniej Holandii.

Małe obrazy, bezpretensjonalnie przedstawiające zwyczaje i życie różnych klas lokalnej społeczności, wydawały się wystarczającej liczbie ludzi bardziej zabawne niż duże dzieła poważnego malarstwa i wraz z pejzażami wygodniejsze do dekoracji przytulnych domów prywatnych. Zapotrzebowanie na takie obrazy zaspokaja cała rzesza artystów, nie zastanawiając się długo nad wyborem tematów dla nich, ale sumiennie odtwarzając wszystko, co spotyka się w rzeczywistości, okazując jednocześnie miłość do własnego, kochanego, dobrodusznego humoru, dokładnie charakteryzujące przedstawione pozycje i twarze oraz dopracowane w opanowaniu technologii. Podczas gdy jedni zajmują się życiem zwykłych ludzi, scenami chłopskiego szczęścia i smutku, pijatkami w tawernach i karczmach, zgromadzeniami przed przydrożnymi karczmami, wakacjami na wsi, grami i jazdą na łyżwach po lodzie zamarzniętych rzek i kanałów itp., inni zajmują się treść swoich dzieł z kręgu bardziej eleganckiego - malują pełne wdzięku damy w swoim intymnym otoczeniu, zaloty dandysów, gospodynie wydające polecenia swoim pokojówkom, salonowe ćwiczenia przy muzyce i śpiewie, hulanki złotej młodości w domach rozkoszy itp. W długim szeregu artystów pierwszej kategorii wyróżniają się Adrian i Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 lub 1606-38), Jan Stan (ok. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, nazywany Bambocchio we Włoszech (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, nazywany Sorg (1621-82), Claes Molenaar (dawniej 1630-76), Jan Minse-Molenar (około 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) i niektórzy. itd. Z równie znacznej liczby malarzy, którzy reprodukowali życie średniej i wyższej klasy, w zasadzie wystarczającej, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francja ok. Miris Starsza (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer z Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony i Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) itd. Do kategorii malarzy gatunkowych zaliczają się artyści, którzy malowali sceny z życia wojskowego, bezczynność żołnierzy w wartowniach , obozowiska, potyczki kawalerii i całe bitwy, konie ujeżdżeniowe, a także sceny sokolnictwa i polowań na psy przypominające sceny bitewne. Głównym przedstawicielem tej gałęzi malarstwa jest słynny i niezwykle płodny Philips Wouwerman (1619-68). Oprócz niego jej brat tego mistrza, Piotr (1623-82), Jan Asselein (1610-52), którego wkrótce spotkamy wśród pejzażystów, wspomniany Palamedes, Jacob Leduc (1600 - później 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) itd. Dla wielu z tych artystów krajobraz odgrywa równie ważną rolę jak postacie ludzkie; ale równolegle z nimi pracuje masa malarzy, traktując to jako swoje główne lub wyłączne zadanie.

W ogóle Holendrzy mają niezbywalne prawo do dumy, że ich ojczyzna jest kolebką nie tylko najnowszego gatunku, ale także krajobrazu w dzisiejszym rozumieniu. Faktycznie, w innych krajach, np. we Włoszech i Francji sztuka w niewielkim stopniu interesowała się przyrodą nieożywioną, nie doszukiwała się w niej ani wyjątkowego życia, ani szczególnego piękna: malarz wprowadzał do swoich obrazów pejzaż jedynie jako element poboczny, jako dekorację, wśród których znalazły się epizody ludzkich dramatów lub komedię rozgrywa się, dlatego też poddaje ją warunkom sceny, wymyślając malownicze linie i korzystne dla niej zakątki, ale bez kopiowania natury, bez nasycania się wrażeniami, jakie ona wywołuje.

W ten sam sposób „komponował” naturę w tych rzadkich przypadkach, gdy próbował namalować malarstwo czysto pejzażowe. Holendrzy jako pierwsi zrozumieli, że nawet w przyrodzie nieożywionej wszystko tchnie życiem, wszystko jest atrakcyjne, wszystko jest w stanie wywołać myśl i wzbudzić poruszenie serca. I było to całkiem naturalne, ponieważ Holendrzy, że tak powiem, stworzyli otaczającą ich przyrodę własnymi rękami, cenili ją i podziwiali, jak ojciec pielęgnuje i podziwia własne dziecko. Ponadto natura ta, pomimo skromności form i barw, zapewniła takim kolorystom jak Holendrzy obfity materiał do opracowania motywów świetlnych i perspektywy powietrznej dzięki warunki klimatyczne kraj - jego nasycone parą powietrze, zmiękczające kontury obiektów, tworzące gradację tonów na różnych płaszczyznach i zasłaniające odległość mgłą srebrzystej lub złotej mgły, a także zmienność wyglądu obszarów zdeterminowana czasem roku, pory dnia i warunków pogodowych.

Wśród malarzy pejzażystów okresu rozkwitu Holendrzy. Szczególnie szanowane są szkoły będące interpretatorami swego domowego charakteru: Jan V. Goyena (1595-1656), który wraz z Esaiasem van de Velde (ok. 1590-1630) i Pieterem Moleynem Starszym. (1595-1661), uważany za założyciela Goll. krajobraz; następnie uczeń tego mistrza, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (ok. 1600 - później 1679), miłośnik efektów lepszego oświetlenia Art. zm. Nair (1603-77), poetycki Jacob v. Ruisdael (1628 lub 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) i Cornelis Dekker († 1678).

Wśród Holendrów było także wielu pejzażystek, którzy odbywali podróże i reprodukowali motywy obcej natury, co jednak nie przeszkodziło im w zachowaniu narodowego charakteru w swoim malarstwie. Alberta V. Everdingen (1621-75) przedstawił widoki Norwegii; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († później 1690) i Jan Lingelbach (1623-74) – Włochy; Ian W. d. Burmistrz Młodszy (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) i Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) – Niemcy i Szwajcaria; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) wraz z grupą jego zwolenników malował pejzaże inspirowane włoską przyrodą, z ruinami starożytnych budynków, kąpiącymi się nimfami i scenami z wyimaginowanej Arkadii. W specjalnej kategorii wyróżnić można mistrzów, którzy w swoich obrazach łączyli pejzaże z wizerunkami zwierząt, preferując albo pierwszą, albo drugą, albo traktując obie części z równą uwagą. Najbardziej znanym z takich malarzy wiejskiej idylli jest Paulus Potter (1625-54); Oprócz niego należy tu uwzględnić Adriana. d. Velde (1635 lub 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) oraz liczni artyści, którzy zwrócili się po tematykę głównie lub wyłącznie do Włoch, jak: Willem Romain († później 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 lub 1634 -86) itd. Malarstwo jest ściśle związane z pejzażem widoki architektoniczne, którym holenderscy artyści zaczęli się zajmować jako samodzielna dziedzina sztuki dopiero w połowie XVII wieku.

Niektórzy z tych, którzy od tego czasu pracowali w tej dziedzinie, z wyrafinowaniem przedstawiali ulice i place miast wraz z ich budynkami; są to między innymi mniej znaczące: Johannes Bärestraten (1622-66), Job i Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) i Jacob v. wieś Yulft (1627-88). Inni, wśród których najwybitniejsi to Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 lub 1617-92), malowali widoki wnętrz kościołów i pałaców. Morze miało tak duże znaczenie w życiu Holandii, że jej sztuka nie mogła traktować go inaczej niż z największą uwagą. Wielu jej artystów zajmujących się pejzażem, gatunkiem, a nawet portretem, odrywając się na chwilę od zwykłych tematów, zostało malarzami morskimi, a gdybyśmy zdecydowali się wymienić wszystkich malarzy szkoły holenderskiej, którzy przedstawiali spokojne lub wzburzone morze, statki kołysanie się na nim, zagracone statki portowe, bitwy morskie itp., wtedy otrzymalibyśmy bardzo długą listę, która zawierałaby nazwiska Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. i J. Ruisdal, A. Cuyp i inni wspomniani już w poprzednich wierszach. Ograniczając się do wskazania tych, dla których specjalizacją było malowanie gatunków morskich, musimy wymienić Willema v. de Velde Starszego (1611 lub 1612-93), jego słynny syn V. v. de Velde Młodszego (1633-1707), Ludolfa Backhuisena (1631-1708), Jana V. de Cappelle († 1679) i Julius Parcellis († później 1634).

Wreszcie realistyczny kierunek szkoły holenderskiej spowodował, że ukształtował się i rozwinął w niej rodzaj malarstwa, który w innych szkołach nie był dotychczas uprawiany jako odrębna, samodzielna gałąź, a mianowicie malowanie kwiatów, owoców, warzyw, istoty żywe, przybory kuchenne, zastawa stołowa itp. – jednym słowem to, co obecnie powszechnie nazywa się „martwą naturą” (nature morte, Stilleben). Na tym terenie pomiędzy Najbardziej znanymi artystami epoki rozkwitu byli Jan-Davids de Gem (1606-83), jego syn Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) -93), Willem V. Aalsta (1626-83), Willema Gedy (1594 - później 1678), Willema Kalfa (1621 lub 1622-93) i Jana Waenixa (1640-1719).

Genialny okres malarstwa holenderskiego nie trwał długo – tylko jedno stulecie. Od początku XVIII w. jego upadek nadchodzi nie dlatego, że wybrzeża Zuiderzee przestają produkować wrodzone talenty, ale dlatego społeczeństwo coraz bardziej słabnie tożsamość narodowa, duch narodowy wyparowuje, a zakorzeniają się francuskie gusta i poglądy pompatycznej epoki Ludwika XIV. W sztuce ten zwrot kulturowy wyraża się w zapomnieniu przez artystów podstawowych zasad, na których opierała się oryginalność malarzy poprzednich pokoleń, i odwołaniu się do zasad estetycznych przywiezionych z sąsiedniego kraju.

Zamiast bezpośredniego związku z naturą, umiłowania tego, co rodzime i szczerości, dominacja z góry przyjętych teorii, konwencji i naśladownictwa Poussina, Lebruna, Cl. Lorrain i inni luminarze szkoły francuskiej. Głównym propagatorem tego godnego pożałowania nurtu był osiadły w Amsterdamie Flamandzki Gerard de Leresse (1641-1711), artysta niezwykle zdolny i wykształcony jak na swoje czasy, wywierający ogromny wpływ na swoich współczesnych i bezpośrednie potomstwo zarówno poprzez swoje wychowane pseudo -obrazy historyczne oraz dzieła jego własnego pióra, wśród których jedna, Wielka Księga Malarza ('t groot schilderboec), przez pięćdziesiąt lat służyła młodym artystom za kod. Do upadku szkoły przyczynił się także słynny Hadrian. de Werff (1659-1722), którego eleganckie malarstwo z zimnymi postaciami, jakby wyrzeźbionymi z kości słoniowej, o matowej, bezsilnej kolorystyce, wydawało się kiedyś szczytem doskonałości. Wśród naśladowców tego artysty Henryk v. cieszył się sławą jako malarz historyczny. Limborg (1680-1758) i Philip V.-Dyck (1669-1729), nazywany „Małym V.-Dyckiem”.

Z pozostałych malarzy omawianej epoki, obdarzonych niewątpliwym talentem, ale zarażonych duchem czasu, warto zwrócić uwagę na Willema i France v. Miris Młodsza (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Izaak de Moucheron (1670-1744) i Carel de Maur (1656-1738). Nieco blasku umierającej szkole nadał Cornelis Trost (1697-1750), przede wszystkim rysownik, nazywany Holendrem. Gogartha, portrecistę Jana Quincgarda (1688-1772), malarza dekoracyjnego i historycznego Jacoba de Wita (1695-1754) oraz malarzy martwej natury Jana V. Geysum (1682-1749) i Rachel Reisch (1664-1750).

Wpływy zagraniczne wywierały duży wpływ na malarstwo holenderskie aż do lat dwudziestych XIX wiek, udało się w nim mniej więcej odzwierciedlić modyfikacje, jakie dokonała się sztuka we Francji, poczynając od perukarstwa z czasów Króla Słońce, a kończąc na pseudoklasycyzmie Dawida. Kiedy styl tego ostatniego stał się przestarzały i wszędzie w Europie Zachodniej zamiast fascynacji starożytnymi Grekami i Rzymianami rozbudziło się romantyczne pragnienie, opanowując zarówno poezję, jak i sztukę figuratywną, Holendrzy, podobnie jak inni

ludy skierowały wzrok na ich starożytność, a tym samym na chwalebną przeszłość ich malarstwa.

Chęć przywrócenia mu blasku, jakim błyszczała w XVII wieku, zaczęła inspirować najmłodszych artystów i przywracać ich do zasad starożytnych mistrzów narodowych - do ścisłej obserwacji natury i naiwnego, szczerego podejścia do zadań ręka. Jednocześnie nie próbowali całkowicie eliminować się spod obcych wpływów, ale wyjeżdżając na studia do Paryża, Dusseldorfu i innych ośrodków artystycznych w Niemczech, zabrali do domu jedynie znajomość z sukcesami nowoczesnej technologii.

Dzięki temu odrodzona szkoła holenderska ponownie otrzymała oryginalną, atrakcyjną fizjonomię i dziś podąża drogą prowadzącą do dalszego postępu. Wiele swoich najnowszych postaci z łatwością potrafi porównać z najlepszymi malarzami XIX wieku w innych krajach. Malarstwo historyczne sensu stricto jest w nim kultywowane, jak za dawnych czasów, bardzo umiarkowanie i nie ma wybitnych przedstawicieli; ale po części gatunek historyczny Holandia może poszczycić się kilkoma znaczącymi współczesnymi mistrzami, takimi jak: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (ur. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (ur. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) i niezwykle utalentowany Lawrence Alma-Tadema (ur. 1836), który zdezerterował do Anglii. Do gatunku codziennego, który także znalazł się w kręgu twórczości tych artystów (z wyjątkiem Almy-Tademy), można wskazać szereg znakomitych malarzy, na czele z Josephem Izraelsem (ur. 1824) i Christoffelem Bisschopem (ur. 1828); poza nimi na miano zasługują Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (ur. 1826), Teresa Schwarze (ur. 1852) i Valli Mus (ur. 1857).

Najnowsze malarstwo holenderskie jest szczególnie bogate w pejzażystów, którzy pracowali i pracują na różne sposoby, czasem ze starannym wykończeniem, czasem z szeroką techniką impresjonistów, ale wierni i poetyccy interpretatorzy ich dzieł rodzima przyroda. Należą do nich Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (ur. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (ur. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (ur. 1837), Lodewijk Apol (ur. 1850) i wielu innych. itp. Bezpośrednimi spadkobiercami Ya. Pojawili się malarze obiecujących poglądów D. Heyden i E. de Witte, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomew v. Gove (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) itd. Do najmłodszych malarzy marynistycznych Holandii zaliczają się m.in. dłoń należy do Joga. Schhotel (1787-1838), Ari Plaisir (ur. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) i Henrik Mesdag (ur. 1831). Na koniec w malarstwie pokazano zwierzęta wielka sztuka Wouters Verschoor (1812-74) i Johann Gas (ur. 1832).

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d’autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Szkice o historii Malarstwo holenderskie na podstawie próbek znajdujących się w Petersburgu.” (specjalny dodatek do czasopisma „Vestn. Fine Arts”, 1885-90).

Tymczasem jest to szczególny obszar kultury europejskiej warty bardziej szczegółowych badań, który odzwierciedla pierwotne życie mieszkańców Holandii w tamtym czasie.

Historia wyglądu

Wybitni przedstawiciele sztuki artystycznej zaczęli pojawiać się w kraju w XVII wieku. Francuscy znawcy kultury nadali im potoczną nazwę – „mały Holender”, która nie jest związana ze skalą talentu, a oznacza przywiązanie do pewnych tematów z życia codziennego, w przeciwieństwie do „dużego” stylu z dużymi płótnami o tematyce historycznej lub mitologicznej. Historia powstania malarstwa holenderskiego została szczegółowo opisana w XIX wieku i autorzy prac na jej temat również posługiwali się tym terminem. „Małych Holendrów” wyróżniał świecki realizm, zwrócenie się do otaczającego świata i ludzi oraz posługiwanie się bogatym w tonację malarstwem.

Główne etapy rozwoju

Historię malarstwa holenderskiego można podzielić na kilka okresów. Pierwszy trwał mniej więcej od 1620 do 1630 roku, kiedy to w sztuce narodowej ugruntował się realizm. Drugi okres malarstwa niderlandzkiego przypadł na lata 1640-1660. Jest to czas prawdziwego rozkwitu lokalnej szkoły artystycznej. Wreszcie trzeci okres, czas, w którym malarstwo holenderskie zaczęło podupadać – od 1670 roku do początków XVIII wieku.

Warto zauważyć, że w tym czasie zmieniły się ośrodki kultury. W pierwszym okresie w Haarlemie pracowali czołowi artyści, a głównym przedstawicielem była Khalsa. Następnie ośrodek przeniósł się do Amsterdamu, gdzie najważniejsze dzieła wykonali Rembrandt i Vermeer.

Sceny z życia codziennego

Lista najbardziej ważne gatunki Malarstwo holenderskie zdecydowanie trzeba zacząć od codzienności - najbardziej żywej i oryginalnej w historii. To Flamandowie odsłonili światu sceny z życia codziennego zwykłych ludzi, chłopów i mieszczan czy mieszczan. Pionierami byli Ostade i jego zwolennicy Audenrogge, Bega i Dusart. Na wczesnych obrazach Ostade'a ludzie grają w karty, kłócą się, a nawet walczą w tawernie. Każdy obraz wyróżnia się dynamicznym, nieco brutalnym charakterem. Malarstwo holenderskie tamtych czasów także opowiada o scenach spokojnych: na niektórych pracach chłopi rozmawiają przy fajce i szklance piwa, spędzają czas na jarmarku lub w gronie rodziny. Wpływ Rembrandta doprowadził do powszechnego stosowania miękkiego światłocienia w kolorze złotym. Sceny miejskie inspirowały artystów takich jak Hals, Leicester, Molenaar i Codde. W połowie XVII wieku mistrzowie przedstawiali lekarzy, naukowców w trakcie pracy, własnych warsztatów, prac domowych, czy też Każda fabuła miała mieć charakter rozrywkowy, czasem groteskowo dydaktyczny. Niektórzy mistrzowie byli skłonni do poetyzacji życia codziennego, np. Terborch przedstawiał sceny grania muzyki lub flirtu. Metsu zastosował jasne kolory, zamieniając codzienność w święto, natomiast de Hooch inspirował się prostotą życia rodzinnego, skąpanego w rozproszonym świetle dnia. Późniejsi przedstawiciele gatunku, do których zaliczają się tacy holenderscy mistrzowie malarstwa, jak Van der Werff i Van der Neer, w pogoni za eleganckim przedstawieniem, często tworzyli tematy nieco pretensjonalne.

Przyroda i krajobrazy

Ponadto malarstwo holenderskie jest szeroko reprezentowane w gatunku pejzażowym. Po raz pierwszy pojawił się w dziełach takich mistrzów z Haarlemu, jak van Goyen, de Moleyn i van Ruisdael. To oni zaczęli przedstawiać obszary wiejskie w pewnym srebrzystym świetle. W jego twórczości na pierwszy plan wysunęła się materialna jedność natury. Osobno warto wspomnieć o pejzażach morskich. Do XVII-wiecznych marinistów należeli Porsellis, de Vlieger i van de Capelle. Starali się nie tyle oddać określone sceny morskie, ile samą wodę, grę świateł na niej i na niebie.

W drugiej połowie XVII wieku w gatunku pojawiły się bardziej emocjonalne dzieła o ideach filozoficznych. Jan van Ruisdael maksymalnie odsłonił piękno holenderskiego krajobrazu, ukazując go w całej jego dramatyczności, dynamice i monumentalności. Hobbem, który preferował słoneczne krajobrazy, kontynuował swoje tradycje. Koninck malował panoramy, a van der Neer tworzył nocne pejzaże i renderował światło księżyca, wschody i zachody słońca. Wielu artystów charakteryzuje się także przedstawianiem zwierząt w pejzażach, na przykład pasących się krów i koni, a także polowań i scen z kawalerzystów. Później artyści zaczęli interesować się obcą przyrodą – zarówno van Laar, Wenix, Berchem, jak i Hackert przedstawiali Włochy skąpane w promieniach południowego słońca. Założycielem gatunku był Sanredam, którego najlepszych naśladowców można nazwać braćmi Berkheide i Janem van der Heijdenem.

Obraz wnętrz

Odrębnym gatunkiem, który wyróżniał malarstwo holenderskie w czasach jego świetności, można nazwać sceny z kościołami, pałacami i pokojami domowymi. Wnętrza pojawiały się na obrazach drugiej połowy XVII w. autorstwa mistrzów Delft – Haukgeesta, van der Vlieta i de Witte’a, którzy stali się głównymi przedstawicielami tego ruchu. Wykorzystując techniki Vermeera artyści przedstawiali sceny skąpane w słońcu, pełne emocji i wolumenu.

Malownicze potrawy i potrawy

Wreszcie kolejnym charakterystycznym gatunkiem malarstwa holenderskiego jest martwa natura, zwłaszcza przedstawianie śniadań. Jako pierwsi zajęli się nim mieszkańcy Haarlemu, Claes i Heda, którzy malowali nakryte stoły luksusowymi naczyniami. Malowniczy bałagan i szczególny przekaz przytulnego wnętrza wypełnia srebrzystoszare światło, charakterystyczne dla srebra i cyny. Artyści z Utrechtu malowali martwe natury z bujnymi kwiatami, a w Hadze artyści szczególnie dobrze radzili sobie z przedstawianiem ryb i gadów morskich. W Lejdzie narodził się filozoficzny kierunek gatunku, w którym czaszki i klepsydry współistnieją z symbolami zmysłowych przyjemności lub ziemskiej chwały, mającymi przypominać o przemijaniu czasu. Martwa natura w kuchni demokratycznej osobliwość szkoła artystyczna w Rotterdamie.

Malarstwo holenderskie

jego powstanie i początkowy okres zbiegają się do tego stopnia z pierwszymi etapami rozwoju malarstwa flamandzkiego, że nowi historycy sztuki rozpatrują oba przez cały okres aż do końca XVI wieku. nierozerwalnie pod jedną ogólną nazwą „szkoła holenderska”. Obaj, będący potomkami gałęzi Renu, są głupi. malarstwo, którego głównymi przedstawicielami są Wilhelm z Kolonii i Stefan Lochner, za swoich twórców uważa braci van Eyck; obydwoje od dawna podążają w tym samym kierunku, kierują się tymi samymi ideałami, realizują te same zadania, rozwijają tę samą technikę, dzięki czemu holenderscy artyści niczym nie różnią się od swoich flamandzkich i brabanckich braci. Trwa to przez całe panowanie kraju, najpierw przez ród Burgundów, a następnie przez ród austriacki, aż do wybuchu brutalnej rewolucji, zakończonej całkowitym triumfem Gollów. ludzi nad Hiszpanami, którzy ich uciskali. Od tej epoki każda z dwóch gałęzi sztuki holenderskiej zaczyna poruszać się oddzielnie, choć zdarza się, że wchodzą ze sobą w bardzo bliski kontakt. Malarstwo G. natychmiast nabiera oryginalnego, całkowicie narodowego charakteru i szybko osiąga jasny i obfity rozkwit. Przyczyny tego zjawiska, jakiego nie można znaleźć w całej historii sztuki, leżą w uwarunkowaniach topograficznych, religijnych, politycznych i społecznych. W tej „nizinie” (holland), składającej się z bagien, wysp i półwyspów, stale zmywanej przez morze i zagrożonej jej najazdami, ludność, gdy tylko zrzuciła obce jarzmo, musiała wszystko stworzyć od nowa, począwszy od warunków fizycznych gleby, a skończywszy na warunkach moralnych i intelektualnych, bo wszystko zostało zniszczone przez poprzednią walkę o niepodległość. Dzięki swojej przedsiębiorczości, praktycznemu zmysłowi i wytrwałej pracy Holendrom udało się przekształcić bagna w urodzajne pola i luksusowe pastwiska, podbić ogromne połacie ziemi od morza, zdobyć dobrobyt materialny i zewnętrzne znaczenie polityczne. Główną cechą charakteryzującą tych artystów jest miłość do natury, chęć odtworzenia jej w całej jej prostocie i prawdzie, bez najmniejszych upiększeń, bez podporządkowania jej w jakiekolwiek warunki z góry przyjętego ideału. Druga charakterystyczna właściwość Golla. malarzy cechuje subtelne wyczucie koloru i zrozumienie tego, jak silne, urzekające wrażenie może wywrzeć, oprócz treści obrazu, jedynie wierne i mocne przekazanie relacji barwnych zdeterminowanych w naturze przez działanie światła promienie, bliskość lub zakres odległości. U najlepszych przedstawicieli malarstwa geometrycznego to wyczucie koloru i światłocienia jest rozwinięte do tego stopnia, że ​​światło ze swoimi niezliczonymi i różnorodnymi niuansami odgrywa w obrazie, można rzec, rolę głównego bohatera i wzbudza duże zainteresowanie najbardziej nieistotna fabuła, najbardziej nieeleganckie formy i obrazy. Następnie należy zauważyć, że większość Goll. artyści nie szukają długo materiału do swojej twórczości, zadowalają się tym, co odnajdują wokół siebie, w rodzimej naturze i życiu swoich ludzi. Typowe cechy wybitnych rodaków, fizjonomie zwykłych Holendrów i Holenderek, hałaśliwe zabawy powszechnych świąt, biesiad chłopskich, sceny z życia wiejskiego lub intymnego mieszczan, rodzime wydmy, poldery i rozległe równiny poprzecinane kanałami, stada pasące się w bogatych łąki, chaty położone na skraju gajów bukowych lub dębowych, wioski nad brzegami rzek, jezior i gajów, miasta z czystymi domami, mostami zwodzonymi i wysokimi iglicami kościołów i ratuszów, porty zapełnione statkami, niebo pełne srebrzyste lub złote opary - to wszystko pod muśnięciem . mistrzów przepojonych miłością do ojczyzny i dumą narodową, zamienia się w obrazy pełne powietrza, światła i atrakcyjności. Nawet w tych przypadkach, gdy niektórzy z tych mistrzów w poszukiwaniu tematów sięgają do Biblii, historii starożytnej i mitologii, nawet wtedy, nie martwiąc się o zachowanie wierności archeologicznej, przenoszą akcję w środowisko Holendrów, otaczając je holenderską oprawą. Co prawda obok zatłoczonego tłumu takich patriotycznych artystów znajduje się falanga innych malarzy, szukających inspiracji poza granicami ojczyzny, w klasycznym kraju sztuki, we Włoszech; jednak w ich twórczości pojawiają się także elementy eksponujące ich narodowość. Wreszcie jako cecha celu. malarzy, można wskazać na ich wyrzeczenie się tradycji artystycznych. Daremnie byłoby szukać wśród nich ścisłej ciągłości znanych zasad estetycznych i reguł technicznych, nie tylko w sensie stylu akademickiego, ale także w sensie asymilacji przez uczniów charakteru swoich nauczycieli: może z wyjątkiem samych uczniów Rembrandta, którzy mniej więcej poszli w ślady swojego genialnego mentora, prawie wszyscy malarze w Holandii, gdy tylko minęli lata studenckie, a czasem nawet w tych latach, zaczęli pracować w własną drogą, zgodnie z tym, dokąd zaprowadziły ich indywidualne skłonności i czego nauczyła ich bezpośrednia obserwacja natury. Dlatego cel. artystów nie można dzielić na szkoły, tak jak to robimy z artystami z Włoch czy Hiszpanii; trudno nawet stworzyć z nich ściśle określone grupy, a samo wyrażenie „ G. szkoła malarstwa„, które weszło do powszechnego użytku, należy rozumieć jedynie w sensie warunkowym, jako oznaczające zbiór mistrzów plemiennych, a nie rzeczywistą szkołę. Tymczasem we wszystkich głównych miastach Holandii istniały zorganizowane stowarzyszenia artystów, które, jak się okazało, wydawałoby się, powinno wpłynąć na komunikację ich działań w jednym ogólnym kierunku, jednak takie stowarzyszenia nosiły tę nazwę. cechy św. Łukasz, jeśli się do tego przyczyniły, to w bardzo umiarkowanym stopniu. Nie były to akademie, kustosze znanych tradycji artystycznych, ale wolne korporacje, podobne do innych cechów rzemieślniczych i przemysłowych, niewiele różniące się od nich strukturą i nastawione na wzajemne wsparcie swoich członków, ochronę ich praw, opiekę na starość, troszczcie się o los swoich wdów i sierot. Do cechu przyjmowano każdego malarza miejscowego, który spełniał wymagania moralne, po uprzednim potwierdzeniu jego zdolności i wiedzy lub na podstawie zdobytej już sławy; przyjezdni artyści byli przyjmowani do cechu jako członkowie tymczasowi na czas pobytu w danym mieście. Członkowie cechu spotykali się, aby pod przewodnictwem dziekanów omówić swoje wspólne sprawy lub w celu wzajemnej wymiany myśli; ale na tych spotkaniach nie było nic, co przypominałoby głoszenie określonego kierunku artystycznego i co mogłoby ograniczać oryginalność któregokolwiek z członków.

Wskazane cechy malarstwa G. są zauważalne już w jego początkach – w czasie, gdy rozwijało się ono nierozerwalnie od szkoły flamandzkiej. Jej powołaniem, podobnie jak tej ostatniej, było wówczas głównie dekorowanie kościołów malowidłami religijnymi, pałaców, ratuszy i domów szlacheckich portretami urzędników państwowych i arystokratów. Niestety dzieła prymitywnych malarzy greckich dotarły do ​​nas jedynie w bardzo ograniczonych ilościach, gdyż większość z nich zginęła w tym niespokojnym czasie, kiedy reformacja dewastowała kościoły katolickie, znosiła klasztory i opactwa oraz podżegała „łamaczy ikon” (beeldstormers) do niszczenia malowniczych i rzeźbione święte obrazy, a powstanie ludowe zniszczyło wszędzie portrety znienawidzonych tyranów. Wielu artystów, którzy poprzedzili rewolucję, znamy tylko z nazwiska; Innych możemy oceniać tylko na podstawie jednej lub dwóch próbek ich pracy. A więc, jeśli chodzi o najstarszego z Gollów. malarze Albert van Ouwater, nie ma pozytywnych danych poza informacją, że był on rówieśnikiem van Eycksa i pracował w Harlemie; Nie ma wiarygodnych jego obrazów. Jego uczeń Gertjen van Sint-Jan znany jest jedynie z dwóch paneli tryptyku przechowywanego w Galerii Wiedeńskiej („Grób Święty” i „Legenda o kościach św. Jana”), który napisał dla katedry w Harlemie. Mgła, która spowija nas w początkowej epoce szkoły G., zaczyna się rozwiewać wraz z pojawieniem się na scenie Dirka Boutsa, zwanego Stuerboat († 1475), pochodzącego z Haarlemu, ale pracującego w Leuven i dlatego przez wielu uważanego za należeć do szkoły flamandzkiej (jego najlepszymi dziełami są dwa obrazy „Bezprawny proces cesarza Ottona” znajdujące się w Muzeum Brukselskim), a także Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), którego główną zasługą jest to, że był nauczycielem słynny Łukasz z Lejdy (1494-1533). Ten ostatni, wszechstronny, pracowity i niezwykle utalentowany artysta, potrafił jak nikt przed nim wiernie odtworzyć wszystko, co mu wpadło w oko, dlatego można go uważać za prawdziwego ojca holenderskiego gatunku, choć zajmował się malarstwem głównie religijnym obrazy i portrety. W twórczości współczesnego mu Jana Mostaerta (ok. 1470-1556) dążenie do naturalizmu łączy się z nutą tradycji gotyckiej, ciepłem uczuć religijnych z troską o elegancję zewnętrzną. Oprócz tych wybitnych mistrzów w początkach sztuki gruzińskiej na uwagę zasługują: Hieronymus van Aken, nazywany J. de Bosch (ok. 1462-1516), który swoim kompleksem położył podwaliny pod satyryczne malarstwo codzienne, skomplikowane, a czasem niezwykle dziwne kompozycje; Jan Mundain († 1520), znany w Harlemie z przedstawień diabelstwa i bufonady; Peter Aertsen († 1516), nazywany „Długim Piotrem” (Lange Pier) ze względu na swój wysoki wzrost, David Ioris (1501-56), utalentowany malarz na szkle, uniesiony anabaptystycznymi bzdurami i wyobrażający sobie siebie jako proroka Dawida i syna Bóg, Jacob Swarts (1469? - 1535?), Jacob Cornelissen (1480? - później 1533) i jego syn Dirk Jacobs (dwa obrazy tego ostatniego, przedstawiające towarzystwa strzeleckie, znajdują się w Cesarskim Ermitażu).

Poślubić. Van Eyden u. van der Willigen, „Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw” (4 tomy, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, „Geschichte der Malerei” (tom 2 i 3, 1882-1883); Waagen, „Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen” (1862); Bode, „Studien zur Geschichte der holländischen Malerei” (1883); Havard, „La peinture hollandaise” (1880); E. Fromentin, „Les maîtres d”autrefois. Belgique, Hollande” (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam” (1890); P. P. Semenov, „Studia nad historią malarstwa holenderskiego na podstawie jego próbek znajdujących się w Petersburgu” (specjalny dodatek do czasopismo „Vestn. Sztuk Pięknych”, 1885-90).

A. Somow.