Sodobna japonščina umetniška scena se zdi popolnoma globalizirano. Umetniki se gibljejo med Tokiom in New Yorkom, skoraj vsi so prejeli evropsko ali ameriško izobrazbo, o svojem delu pa govorijo v mednarodni umetniški angleščini. Vendar ta slika še zdaleč ni popolna.
Nacionalne oblike in trendi se izkažejo za eno najbolj iskanih dobrin, ki jih Japonska lahko ponudi svetovnemu trgu umetniških idej in del.
Delovanje letala. Kako superflat gibanje združuje ameriško geekovsko kulturo in tradicionalno japonsko slikarstvo
Takashi Murakami. "Tang Tang Bo"Če v zahodnem svetu skoraj za vsakogar (razen morda za najbolj goreče teoretike postmoderne) meja med visoko in množično kulturo še vedno ostaja aktualna, čeprav problematična, pa sta na Japonskem ti svetovi popolnoma premešani.
Primer tega je Takashi Murakami, ki uspešno združuje razstave v najboljših galerijah na svetu in pretočno produkcijo.
Posnetek turneje po Murakamijevi razstavi “There Will Be Gentle Rain”
Je pa Murakamijev odnos do popularne kulture – za Japonsko je to predvsem kultura oboževalcev mang in animejev (otaku) – bolj zapleten. Filozof Hiroki Azuma kritizira razumevanje otakuja kot pristnega japonskega fenomena. Otaku menijo, da so neposredno povezani s tradicijo obdobja Edo 17.–19. stoletja - dobe izolacionizma in zavračanja modernizacije. Azuma trdi, da je gibanje otaku – povezano z mango, animacijo, grafičnimi romani, računalniškimi igrami – lahko nastalo le v kontekstu povojne ameriške okupacije kot posledica uvoza ameriške kulture. Umetnost Murakamija in njegovih privržencev na novo izumlja otaku z metodami pop arta in razbija nacionalistični mit o pristnosti te tradicije. Predstavlja "re-amerikanizacijo japonizirane ameriške kulture."
Z umetnostnozgodovinskega vidika je superflat najbližji zgodnjemu japonskemu slikarstvu ukiyo-e. Najbolj znamenito delo v tej tradiciji je grafika Veliki val ob Kanagavi Katsušike Hokusaija (1823–1831).
Za zahodni modernizem je bilo odkritje japonskega slikarstva preboj. Omogočil nam je videti sliko kot ravnino in si prizadeva ne premagati te njene lastnosti, ampak delati z njo.
Katsushiki Hokusai. "Veliki val pri Kanagavi" Pionirji performansa. Kaj japonska umetnost petdesetih let pomeni danes
Dokumentiranje ustvarjalnega procesa Akire Kanayame in Kazua Shirage
Superflat se je oblikoval šele v 2000-ih. Toda umetniški dogodki, pomembni za svetovno umetnost, so se na Japonskem začeli veliko prej – in celo prej kot na Zahodu.
Performativni preobrat v umetnosti se je zgodil na prelomu 60. in 70. let prejšnjega stoletja. Na Japonskem se je performans pojavil v petdesetih letih.
Skupina Gutai je prvič preusmerila fokus z ustvarjanja samozadostnih predmetov na proces njihove proizvodnje. Od tu je korak stran od opustitve umetniškega objekta v korist minljivega dogodka.
Čeprav so posamezni umetniki iz Gutaija (skupaj jih je bilo v dvajsetih letih 59) aktivno obstajali v mednarodnem kontekstu, je razumevanje, kako kolektivna dejavnost Japonska povojna umetnost se je na Zahodu začela pred kratkim. Razcvet je prišel leta 2013: več razstav v majhnih galerijah v New Yorku in Los Angelesu, »Tokio 1955–1970: nova avantgarda« v MoMA in obsežna zgodovinska retrospektiva"Gutai: Splendid Playground" v muzeju Guggenheim. Uvoz japonske umetnosti iz Moskve se zdi skoraj zapoznelo nadaljevanje tega trenda.
Sadamasa Motonaga. Delo (voda) v muzeju Guggenheim Neverjetno, kako sodobno so videti te retrospektivne razstave. Osrednji objekt razstave v Guggenheimovem muzeju je na primer rekonstrukcija Dela (vode) Sadamase Motonage, v kateri so nivoji muzejske rotunde povezani s polietilenskimi cevmi z obarvano vodo. Spominjajo na poteze s čopičem, ki so bile iztrgane s platna, in ponazarjajo Gutaijevo osrednjo osredotočenost na "konkretnost" (kot se ime skupine prevede iz japonščine), materialnost predmetov, s katerimi umetnik dela.
Številni udeleženci Gutaija so se izobraževali v zvezi s klasičnim slikanjem nihonga, mnogi so biografsko vezani na verski kontekst zen budizma, na njegovo značilno japonsko kaligrafijo. Vsi so našli nov, proceduralni ali participativni pristop do starodavnih tradicij. Kazuo Shiraga je snemal videoposnetke, kako z nogami slika svoje enobarvne slike, predvidevajoč Rauschenberga, in celo ustvarja slike v javnosti.
Minoru Yoshida je preoblikoval rože iz japonskih grafik v psihedelične objekte – primer tega je Biseksualna roža, ena prvih kinetičnih (gibljivih) skulptur na svetu.
O političnem pomenu teh del govorijo kustosi razstave v muzeju Guggenheim:
»Gutai je pokazal pomen svobodnega individualnega delovanja, subverzije gledaliških pričakovanj in celo neumnosti kot načinov za boj proti družbeni pasivnosti in konformizmu, ki sta v več desetletjih omogočila militaristični vladi, da je pridobila kritično maso vpliva, napadla Kitajsko in potem se pridruži drugi svetovni vojni.
Dobro in modro. Zakaj so umetniki v šestdesetih letih 20. stoletja zapustili Japonsko in odšli v Ameriko?
Gutai je bil na povojni Japonski izjema od pravila. Avantgardne skupine so ostale obrobne, umetniški svet je bil strogo hierarhičen. Glavna pot do prepoznavnosti je bila udeležba na tekmovanjih priznanih združenj klasičnih umetnikov. Zato so mnogi raje odšli na Zahod in se vključili v angleško govoreči umetniški sistem.
Še posebej težko je bilo ženskam. Tudi v progresivnem Gutaju delež njihove prisotnosti ni dosegel niti petine. Kaj lahko rečemo o tradicionalnih institucijah, za dostop do katerih je bil potreben posebno izobraževanje. V šestdesetih letih so si dekleta že pridobila pravico do tega, a likovno izobraževanje (če ni šlo za dekorativno umetnost, ki je bila del nabora veščin) ryosai kenbo- dobra žena in modra mati) je bila družbeno neodobravana dejavnost.
Yoko Ono. Cut Piece
Zgodba o emigraciji petih močnih japonskih umetnic iz Tokia v ZDA je postala tema študije Midori Yoshimoto »Into Performance: Japanese Women Artists in New York«. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi in Shigeko Kubota so se na začetku svoje kariere odločile preseliti v New York in tam delale, med drugim na posodabljanju tradicije japonske umetnosti. Le Yoko Ono je odraščala v Združenih državah Amerike – a tudi ona se namerno ni hotela vrniti na Japonsko, saj je med kratkim bivanjem v letih 1962–1964 postala razočarana nad umetniško hierarhijo Tokia.
Ono je postala najbolj znana izmed teh petih – ne le kot žena Johna Lennona, ampak tudi kot avtorica protofeminističnih performansov, posvečenih objektivizaciji žensko telo. Obstajajo očitne vzporednice med Ono's Cut Piece, v katerem so lahko gledalci odrezali kose umetničinih oblačil, in "Rhythm 0" "babice performansa" Marine Abramović.
Na kratkih nogah. Kako prevzeti originalni igralski trening Tadashija Suzukija
V primeru Ono in Gutai sta metodi in temi njunega dela, ločeni od avtorjev, postali mednarodno pomembni. Obstajajo tudi druge oblike izvoza - ko je umetnikovo delo sprejeto z zanimanjem na mednarodnem prizorišču, vendar metoda sama zaradi svoje specifičnosti ni izposojena. Najbolj osupljiv primer je sistem igralskega treninga Tadashija Suzukija.
Gledališče Suzuki je priljubljeno tudi v Rusiji - in to ni presenetljivo. Zadnjič leta 2016 nas je obiskal s predstavo Trojanke po Evripidovih besedilih, v 2000-ih pa je večkrat prišel s postavitvami Shakespeara in Čehova. Suzuki je dogajanje dram prenesel v aktualni japonski kontekst in ponudil neočitne interpretacije besedil: pri Ivanovu je odkril antisemitizem in ga primerjal s prezirljivim odnosom Japoncev do Kitajcev ter prenesel dogajanje Kralja Leara v japonsko norišnico.
Suzuki je zgradil svoj sistem v nasprotju z ruskim gledališka šola. IN konec XIX stoletju, v tako imenovanem obdobju Meiji, je modernizirana imperialna Japonska doživela vzpon opozicijskih gibanj. Rezultat je bila obsežna vesternizacija prej skrajno zaprte kulture. Med uvoženimi oblikami je bil sistem Stanislavskega, ki še vedno ostaja ena glavnih režijskih metod na Japonskem (in v Rusiji).
Suzuki vaje
V šestdesetih letih, ko je Suzuki začel svojo kariero, se je vse bolj širila teza, da se japonski igralci zaradi svojih telesnih lastnosti ne morejo vživeti v vloge iz zahodnih besedil, ki so polnila takratni repertoar. Mlademu režiserju je uspelo ponuditi najbolj prepričljivo alternativo.
Suzukijev sistem vaj, imenovan slovnica nog, vključuje na desetine načinov sedenja, še več stoje in hoje.
Njegovi igralci običajno igrajo bosi in zaradi znižanja težišča delujejo čim težji, privezani na tla. Suzuki jih in tuje izvajalce uči svoje tehnike v vasi Toga, v starodavnih japonskih hišah, polnih sodobne opreme. Njegova skupina daje le približno 70 predstav na leto, preostali čas pa živi, skoraj nikoli ne zapusti vasi in nima časa za osebne zadeve - samo delo.
Center v Togi se je pojavil v sedemdesetih letih, zasnovan je bil na zahtevo direktorja sveta slavni arhitekt Arata Isozaka. Suzukijev sistem se morda zdi patriarhalen in konzervativen, vendar on sam govori o Togi v sodobnem smislu decentralizacije. Že sredi 2000-ih je Suzuki razumel pomen izvoza umetnosti iz prestolnice v regije in organiziranja lokalnih proizvodnih točk. Po režiserjevih besedah je japonski gledališki zemljevid v marsičem podoben ruskemu - umetnost je skoncentrirana v Tokiu in več manjših središčih. Rusko gledališče Prav tako bi bilo lepo imeti družbo, ki redno hodi na turneje v manjša mesta in ima sedež daleč od prestolnice.
Center podjetja SCOT v Togi Cvetlične poti. Kateri vir je sodobno gledališče odkrilo v sistemih noh in kabuki?
Metoda Suzuki izhaja iz dveh starodavnih japonskih tradicij – Kabuki. Ne gre samo za to, da tovrstna gledališča pogosto označujejo za hodečo umetnost, ampak tudi za bolj očitne podrobnosti. Suzuki se pogosto drži pravila, da vse vloge igrajo moški, pri čemer uporablja značilne prostorske rešitve, na primer hanamichi (»pot rož«) vzorca kabuki - ploščad, ki se razteza od odra do hrbta. avditorij. Uporablja tudi zelo prepoznavne simbole, kot so rože in zvitki.
Seveda, v globalni svet O privilegiju Japoncev, da uporabljajo svoje nacionalne oblike, ni govora.
Gledališče enega najpomembnejših režiserjev našega časa, Američana Roberta Wilsona, je bilo zgrajeno na izposojah iz njega.
Ne uporablja le mask in ličil, ki množično občinstvo spominjajo na Japonsko, ampak si izposoja tudi igralske metode, ki temeljijo na maksimalno počasnem posnetku in samozadostni ekspresivnosti geste. Z združevanjem tradicionalnih in ritualnih oblik z najsodobnejšimi svetlobnimi partiturami in minimalistično glasbo (eno najbolj znanih Wilsonovih del je produkcija Einstein na plaži Philipa Glassa) Wilson v bistvu ustvarja sintezo izvora in pomembnosti, h kateri stremi večina sodobne umetnosti.
Robert Wilson. "Einstein na plaži"
Iz noha in kabukija je zrasel eden od stebrov sodobnega plesa - butoh, dobesedno prevedeno - ples teme. Butoh, ki sta ga leta 1959 ustvarila koreografa Kazuo Ono in Tatsumi Hijikata, ki sta se prav tako zanašala na nizko težišče in osredotočenost na noge, predstavlja prevod razmišljanja o travmatičnih vojnih izkušnjah v fizično dimenzijo.
»Pokazali so telo, ki je bilo bolno, razpadajoče, celo pošastno, pošastno.<…>Gibi so včasih počasni, včasih namerno ostri, eksplozivni. Za to se uporablja posebna tehnika, ko se gibanje izvaja kot brez uporabe glavnih mišic, zaradi kostnih vzvodov okostja,« plesna zgodovinarka Irina Sirotkina piše buto v zgodovino osvoboditve telesa, ki povezuje to z odmikom od baletne normativnosti. Buto primerja s praksami plesalcev in koreografov zgodnjega 20. stoletja - Isadore Duncan, Marthe Graham, Mary Wigman, in govori o vplivu na kasnejši "postmoderni" ples.
Fragment plesa Katsure Kana, sodobnega naslednika tradicije butoha
Danes buto v izvirni obliki ni več avantgardna praksa, temveč zgodovinska rekonstrukcija.
Vendar pa besednjak giba, ki so ga razvili Ono, Hijikata in njuni privrženci, ostaja dragocen vir za sodobne koreografe. Na zahodu ga uporabljajo Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky in celo v videu za pesem »Belong To The World« skupine The Weekend. Na Japonskem je nadaljevalec tradicije butoha na primer Saburo Teshigawara, ki bo oktobra prišel v Rusijo. Čeprav sam zanika kakršne koli vzporednice s plesom teme, kritiki najdejo precej prepoznavne znake: na videz brez kosti telo, krhkost in tihi koraki. Resda so postavljeni že v kontekst postmoderne koreografije - z visokim tempom, joggingom, delom s postindustrijsko noise glasbo.
Saburo Teshigawara. Metamorfoza
Lokalno globalno. Kako je sodobna japonska umetnost podobna zahodni?
Dela Teshigawara in mnogih njegovih kolegov se brezhibno prilegajo v programe najboljših zahodnih festivalov sodobnega plesa. Če na hitro pogledate opise predstav in predstav, ki so bile prikazane na Festivalu/Tokio - največji letni predstavi japonskega gledališča, boste težko opazili temeljna odstopanja od evropskih trendov.
Ena od osrednjih tem je specifičnost lokacije – japonski umetniki raziskujejo prostore Tokia, ki segajo od gruče kapitalizma v obliki nebotičnikov do obrobnih območij koncentracije otaku.
Druga tema je elaboracija medgeneracijskega nesporazuma, gledališče kot prostor živega srečevanja in organiziranega komuniciranja ljudi. različne starosti. Njej posvečena projekta Toshiki Okada in Akira Tanayama sta več let zapored pripeljala na Dunaj na enega ključnih evropskih festivalov performativnih umetnosti. Do konca 2000-ih v prenašanju dokumentarnih materialov in osebnih zgodb na oder ni bilo nič novega, a je kustosinja dunajskega festivala te projekte predstavila javnosti kot priložnost za živ, ciljni stik z drugo kulturo.
Druga glavna linija je delo skozi travmatične izkušnje. Za Japonce je ne povezujejo z Gulagom ali holokavstom, temveč z bombardiranjem Hirošime in Nagasakija. Gledališče se nanjo nenehno sklicuje, a najmočnejša izjava o atomskih eksplozijah kot trenutku nastanka vse sodobne japonske kulture še vedno pripada Takashiju Murakamiju.
za razstavo “Little Boy: Umetnost japonske eksplozivne subkulture” "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" je naslov njegovega kuratorskega projekta, prikazanega v New Yorku leta 2005. "Mali deček" - "dojenček" v ruščini - je ime ene od bomb, ki so jih leta 1945 odvrgli na Japonsko. Z zbiranjem na stotine manga stripov vodilnih ilustratorjev, značilnih vintage igrač in spominkov, ki temeljijo na slavnih animejih - od Godzile do Hello Kitty, je Murakami napihnil koncentracijo srčkanega - kawaija - v muzejskem prostoru do meje. Hkrati je lansiral izbor animacij, v katerih osrednje slike Bile so slike eksplozij, gole zemlje, uničenih mest.
Ta kontrast je postal prva obsežna izjava o infantilizaciji japonske kulture kot načina za spopadanje s posttravmatsko stresno motnjo.
Zdaj se zdi ta sklep očiten. Na tem temelji akademska raziskava Inuhiko Yomota o kawaiju.
Obstajajo tudi kasnejši travmatični sprožilci. Najpomembnejši so dogodki 11. marca 2011, potres in cunami, ki sta povzročila veliko nesrečo v jedrski elektrarni Fukušima. Na Festivalu/Tokio-2018 celoten program od šestih predstav je bila posvečena razumevanju posledic naravne in tehnološke katastrofe; postali so tudi tema enega od del, predstavljenih na Solyanki. Ta primer jasno kaže, da se arzenal kritičnih metod v zahodni in japonski umetnosti bistveno ne razlikuje. Haruyuki Ishii ustvari instalacijo treh televizorjev, ki v zanki predvajajo hitre, zanke posnetke televizijskih programov o potresu.
"Delo je sestavljeno iz 111 videoposnetkov, ki jih je umetnik dnevno gledal na poročilih do trenutka, ko je vse, kar je videl, začelo dojemati kot fikcijo," pojasnjujejo kustosi. »Nova Japonska« je osupljiv primer, kako se umetnost ne upira interpretacijam, ki temeljijo na nacionalnih mitih, hkrati pa kritično oko razkrije, da bi lahko bila ista interpretacija relevantna za umetnost katerega koli izvora. Kustosi razpravljajo o kontemplaciji kot osnovi japonske tradicije, pri čemer se opirajo na citate Lao Ceja. Obenem, kot da bi pustili za oklepajem, je skoraj vsa sodobna umetnost usmerjena v »učinek opazovalca« (tako je ime razstave) – pa naj bo to v obliki ustvarjanja novih kontekstov za dojemanje znanih pojavov ali dvigovanja vprašanje možnosti ustrezne percepcije kot take.
Imagined Communities je še eno delo video umetnika Haruyukija Ishiija
Igra
Ne smemo pa misliti, da Japonska v 2010-ih predstavlja koncentracijo progresivnosti.
Navade dobrega starega tradicionalizma in ljubezni do orientalistične eksotike še niso premagali. »Gledališče devic« je naslov precej občudujočega članka o japonskem gledališču Takarazuka v ruski konzervativni reviji PTZh. "Takarazuka" se je pojavil konec 19. stoletja kot poslovni projekt za privabljanje turistov v oddaljeno istoimensko mesto, ki je po naključju postalo končna postaja zasebnega železnica. Igrajo samo v gledališču neporočena dekleta, ki naj bi po načrtu lastnika železnice v mesto zvabila moške gledalce. Danes Takarazuka deluje kot industrija - z lastnim televizijskim kanalom, gosto koncertni program, celo lokalni zabaviščni park. Toda samo neporočena dekleta imajo še vedno pravico biti v skupini - upajmo, da vsaj ne preverjajo svoje nedolžnosti.
Vseeno pa Takarazuka zbledi v primerjavi s klubom Toji Deluxe v Kjotu, ki mu Japonci pravijo tudi gledališče. Prikazujejo čisto divje stvari, sodeč po opis Kolumnist New Yorkerja Ian Buruma, striptiz predstava: več slečenih deklet na odru spremeni razkazovanje genitalij v javni ritual.
Tako kot mnogi umetniške prakse, ta predstava temelji na starodavnih legendah (moški iz občinstva so lahko s pomočjo sveče in povečevalnega stekla izmenoma raziskovali »skrivnosti matere boginje Amaterasu«), sam avtor pa je spomnil na izročilo Noh.
Iskanje zahodnih analogov za "Takarazuki" in Toji bomo prepustili bralcu - ni jih težko najti. Naj le opozorimo, da je prav v boj proti tovrstnim praksam zatiranja usmerjen pomemben del sodobne umetnosti – tako zahodne kot japonske, od superflata do buto plesa.
Ki zajema veliko tehnik in stilov. Skozi zgodovino svojega obstoja je doživela veliko število spremembe. Dodane so bile nove tradicije in žanri, originalna japonska načela pa so ostala. Skupaj z neverjetna zgodba Tudi japonsko slikarstvo je pripravljeno predstaviti veliko edinstvenih in zanimivih dejstev.
Starodavna Japonska
Prvi slogi se pojavijo v najstarejših zgodovinsko obdobje države, celo pr. e. Takrat je bila umetnost precej primitivna. Prvič, leta 300 pr. e., različne geometrijske oblike, ki so bile izvedene na lončenini s pomočjo palic. Takšno odkritje arheologov, kot so okraski na bronastih zvonovih, sega v poznejši čas.
Malo kasneje, že leta 300 po Kr. e., se pojavijo skalne slike, ki so veliko bolj raznoliki kot geometrijski vzorci. To so že polnopravne slike s slikami. Našli so jih v kriptah in verjetno so bili ljudje, ki so na njih naslikani, pokopani v teh grobiščih.
V 7. stoletju našega štetja e. Japonska prevzame pisavo, ki prihaja iz Kitajske. Približno v istem času so od tam prišle prve slike. Nato se slikarstvo pojavi kot posebna sfera umetnosti.
Edo
Edo še zdaleč ni prva in ne zadnja slika, je pa v kulturo prinesla veliko novega. Prvič, to je svetlost in barvitost, ki sta bili dodani običajni tehniki, izvedeni v črnih in sivih tonih. večina izjemen umetnik Ta slog se šteje za sotasu. Ustvarjal je klasične slike, vendar so bili njegovi liki zelo barviti. Kasneje se je preusmeril v naravo in večino njegovih krajin je naslikal na pozlačenih ozadjih.
Drugič, v obdobju Edo se je pojavila eksotika, žanr namban. Uporabljala je sodobne evropske in kitajske tehnike, ki so se prepletale s tradicionalnimi japonskimi slogi.
In tretjič, pojavi se šola Nanga. V njej umetniki najprej popolnoma posnemajo ali celo kopirajo dela kitajskih mojstrov. Nato se pojavi nova veja, ki se imenuje bunjing.
Obdobje modernizacije
Obdobje Edo se umakne Meijiju in zdaj je japonsko slikarstvo prisiljeno vstopiti v novo stopnjo razvoja. V tem času so po svetu postajali popularni žanri, kot je vestern in podobni, zato je modernizacija umetnosti postala običajno stanje. Toda na Japonskem, v državi, kjer vsi ljudje spoštujejo tradicijo, je bilo v tem času stanje bistveno drugačno od tistega, kar se je dogajalo v drugih državah. Konkurenca med evropskimi in lokalnimi tehniki je tu huda.
Vlada na tej stopnji daje prednost mladim umetnikom, ki veliko obetajo izboljšanje svojih sposobnosti v zahodnih slogih. Zato jih pošiljajo v šole po Evropi in Ameriki.
A to je bilo šele na začetku obdobja. Bistvo je v tem znani kritiki Zahodna umetnost je bila precej kritizirana. Da bi se izognili velikemu razburjenju okoli tega vprašanja, so evropske sloge in tehnike začeli prepovedovati na razstavah, njihovo razstavljanje je prenehalo, prav tako njihova priljubljenost.
Pojav evropskih stilov
Sledi obdobje Taisho. V tem času se v domovino vračajo mladi umetniki, ki so odšli študirat v tuje šole. Seveda s seboj prinašajo nove sloge japonskega slikarstva, ki so zelo podobni evropskim. Pojavita se impresionizem in postimpresionizem.
Na tej stopnji se oblikujejo številne šole, v katerih se oživljajo stari japonski slogi. Nemogoče pa se je popolnoma znebiti zahodnih teženj. Zato moramo združiti več tehnik, da ugodimo tako ljubiteljem klasike kot ljubiteljem sodobnega evropskega slikarstva.
Nekatere šole financira država, zaradi česar je mogoče ohraniti številne nacionalne tradicije. Zasebni lastniki so prisiljeni slediti potrošnikom, ki so želeli nekaj novega; naveličani so bili klasike.
Slikarstvo iz druge svetovne vojne
Po začetku vojne je japonsko slikarstvo nekaj časa ostalo odmaknjeno od dogodkov. Razvijala se je ločeno in neodvisno. Toda to ni moglo trajati večno.
Sčasoma, ko se politične razmere v državi zaostrijo, visoke in cenjene osebnosti pritegnejo številne umetnike. Nekateri med njimi so začeli ustvarjati v domoljubnem slogu že na začetku vojne. Ostali začnejo ta postopek le na ukaz oblasti.
Skladno s tem se japonska likovna umetnost med drugo svetovno vojno ni mogla posebej razviti. Zato se za slikanje lahko imenuje stagnira.
Večni Suibokuga
Japonsko sumi-e slikanje ali suibokuga dobesedno pomeni "slikanje s črnilom". To določa slog in tehniko te umetnosti. Prišel je iz Kitajske, vendar so se Japonci odločili, da ga poimenujejo za svojega. In sprva tehnika ni imela nobene estetske strani. Uporabljali so ga menihi za samoizpopolnjevanje med študijem zena. Poleg tega so najprej risali slike in nato ob gledanju urili koncentracijo. Menihi so verjeli, da stroge linije, zamegljeni toni in sence - vse, kar se imenuje enobarvno - pomagajo izboljšati.
Japonsko slikanje s tušem kljub široki raznolikosti slik in tehnik ni tako zapleteno, kot se morda zdi na prvi pogled. Temelji le na 4 ploskvah:
- Krizantema.
- Orhideja.
- Slivova veja.
- Bambus.
Majhno število ploskev ne omogoča hitrega obvladovanja tehnike. Nekateri mojstri verjamejo, da učenje traja vse življenje.
Kljub dejstvu, da se je sumi-e pojavil že zdavnaj, je vedno v povpraševanju. Še več, danes lahko srečate mojstre te šole ne le na Japonskem, ampak je razširjena daleč onkraj njenih meja.
Moderno obdobje
Po koncu druge svetovne vojne je umetnost na Japonskem cvetela le v velikih mestih; vaščani so imeli dovolj skrbi. Večinoma so se umetniki poskušali odvrniti od vojnih izgub in upodabljati sodobno življenje na platnu. mestno življenje z vsemi svojimi okrasi in lastnostmi. Evropske in ameriške ideje so bile uspešno sprejete, vendar to stanje ni trajalo dolgo. Mnogi mojstri so se začeli postopoma oddaljevati od njih proti japonskim šolam.
Vedno je ostal moden. Zato se sodobno japonsko slikarstvo lahko razlikuje le v tehniki izvedbe ali materialih, uporabljenih v procesu. A večina umetnikov ne dojema dobro raznih novosti.
Nemogoče je ne omeniti modnega sodobne subkulture, kot so anime in podobni slogi. Mnogi umetniki poskušajo zabrisati mejo med klasiko in današnjim povpraševanjem. Večinoma je takšno stanje posledica trgovine. Klasike in tradicionalni žanri se praktično ne kupujejo, zato je nedonosno delati kot umetnik v svojem najljubšem žanru, prilagoditi se morate modi.
Zaključek
Nedvomno je japonsko slikarstvo prava zakladnica likovna umetnost. Morda je bila omenjena država edina, ki ni sledila zahodnim trendom in se ni prilagodila modi. Kljub številnim udarcem ob pojavu novih tehnik so se japonski umetniki še vedno lahko branili nacionalne tradicije v mnogih žanrih. Verjetno so zato slike, narejene v klasičnem slogu, danes zelo cenjene na razstavah.
Kaj sta anime in manga? Najenostavnejša definicija izgleda takole:
Mange so japonski stripi.
Anime je japonska animacija.
Pogosto se verjame, da sta izraza "manga" in "anime" omejena na določene žanre (znanstvena fantastika, fantazija) in grafične sloge (realizem, "velike oči"). To je narobe. Izraza "manga" in "anime" opredeljujeta samo osnovno kulturo, na podlagi katere so ustvarjena ustrezna dela.
Ni države na svetu, kjer bi stripu in animaciji posvečali takšno pozornost. Ustvarjalci priljubljenih japonskih stripov so zelo bogati ljudje (Takahashi Rumikom je ena najbogatejših žensk na Japonskem), najbolj znane med njimi so nacionalne zvezdnice; manga predstavlja približno četrtino vseh tiskovin, proizvedenih na Japonskem, in se bere ne glede na to starost in spol. Položaj animejev je sicer nekoliko skromnejši, a prav tako zavidljiv. Recimo, ni države na svetu, v kateri bi glasovni igralci za animacijo (seiyuu) uživali takšno priznanje, spoštovanje in ljubezen. Japonska je edina država na svetu, ki je nominirala celovečerni animirani film za oskarja za "najboljši tuji film".
Med drugim so anime in mange odličen način, da cenite ne le, kako sodobni Japonci odsevajo in doživljajo tradicijo svojih prednikov, ampak tudi, kako japonska dela odražajo motive in zaplete drugih ljudstev. In nikakor ni dejstvo, da je prvo vedno bolj zanimivo od drugega. Moraš zelo dobro vedeti japonska in literarne teorije, da bi zares razumeli, kako se japonska verzifikacija (in japonska mentaliteta) razlikuje od evropskih. In da bi razumeli, kako se japonski vilini razlikujejo od Tolkienovih vilinov, si oglejte eno ali dve televizijski seriji.
Tako sta anime in manga nekakšna »zadnja vrata« v svet japonske zavesti. In če greste skozi ta prehod, si ne morete le skrajšati poti, ne da bi se morali prebijati skozi vse ograje in bastione, ki jih je postavila tisoč in pol stara japonska »visoka kultura« (umetnost animejev in mang je veliko mlajša , in v njem je manj tradicije), a tudi veliko užitka. Združevanje posla z užitkom - kaj bi lahko bilo bolje?
Zdaj pa nekaj posebnih opomb o mangah in animejih ločeno.
Manga
"Zgodbe v slikah" so na Japonskem poznane že od samega začetka njene kulturne zgodovine. Tudi v kofunskih gomilah (grobnicah starodavnih vladarjev) arheologi najdejo risbe, ki po ideologiji in strukturi nekoliko spominjajo na stripe.
Širjenje »zgodb v slikah« sta vedno omogočali zapletenost in dvoumnost japonske pisave. Tudi zdaj lahko japonski otroci berejo knjige in časopise za "odrasle" šele po koncu osnovna šola(pri 12 letih!). Skoraj takoj po pojavu japonske proze so se pojavile njene ilustrirane pripovedi, v katerih je bilo malo besedila, glavno vlogo pa so imele ilustracije.
Prvi japonski stripi se štejejo za "Smešne slike iz življenja živali", ki jih je v 12. stoletju ustvaril budistični duhovnik in umetnik Kakuyu (drugo ime je Toba, leta življenja - 1053-1140). To so štirje papirnati zvitki, ki prikazujejo zaporedje črno-belih s črnilom narisanih slik z napisi. Slike so pripovedovale o živalih, ki predstavljajo ljudi, in o budističnih menihih, ki kršijo pravila. Zdaj ti zvitki veljajo za sveto relikvijo in jih hranijo v samostanu, kjer je živel asket Kakuyu.
V skoraj tisočletni zgodovini so »zgodbe v slikah« izgledale in se imenovale drugače. Besedo "manga" (dobesedno "čudne (ali smešne) slike, groteske") je leta 1814 skoval slavni grafik Katsushika Hokusai, in čeprav jo je umetnik sam uporabil za serijo "življenjskih" risb, se je izraz oprijel sklicevati se na stripe.
Na razvoj mange sta močno vplivala evropska karikatura in ameriški strip, ki je zaslovel na Japonskem v drugi polovici 19. stoletja. Prva polovica 20. stoletja je bila čas iskanja mesta stripa v sistemu japonske kulture sodobnega časa. Pri tem je imela veliko vlogo militaristična vlada, ki je uporabljala množično kulturo za vplivanje na prebivalstvo. Vojska je financirala "pravilno" mango (za kratek čas se je začela pojavljati celo v barvah) in prepovedala mango s politično kritiko, s čimer je prisilila nekdanje risarje, da obvladajo pustolovske in domišljijske zaplete (na primer ideja o "velikanskem robotu" se je prvič pojavil v maščevalni mangi iz leta 1943, v kateri je tak robot razbil osovražene ZDA). Končno je v povojnem času veliki Tezuka Osamu s svojimi deli naredil pravo revolucijo v svetu mange in skupaj s svojimi učenci in privrženci iz mange naredil glavno smer množične kulture.
Manga je skoraj vedno črno-bela; samo naslovnice in posamezne ilustracije so narisane v barvah. Večina mang je serijskih serij, objavljenih v časopisih ali (pogosteje) v tednikih ali mesečnikih. Običajna velikost serije v tedniku je 15-20 strani. Manga, priljubljena med bralci, je ponovno objavljena v obliki ločenih zvezkov - tankobonov. Obstajajo seveda kratke manga zgodbe in manga takoj objavljena v obliki tankobona.
Na Japonskem je veliko revij o mangi. Vsak od njih je namenjen določeni publiki, na primer mlajšim najstnikom, ki jih zanima fantazija, ali starejšim najstnicam, ki jih zanima balet. Najmočnejše razlike so med ženskami in moške revije. Občinstvo takih revij sega od otrok (za katere so mange natisnjene brez napisov) do moških in žensk srednjih let. Na področju mange za starejše že potekajo poskusi. Seveda je iz te raznolikosti občinstva nastala cela vrsta stilov in žanrov: od simbolizma do fotorealizma in od pravljic do filozofskih del in šolskih učbenikov.
Ustvarjalec mange se imenuje "mangaka". Običajno ena oseba (pogosto s pomočniki vajencev) hkrati riše strip in piše besedila, pojavlja pa se tudi skupinska ustvarjalnost. Vendar pa ni običajno, da na eni sami mangi delajo več kot trije ali štirje ljudje. S tem se poveča umetniška integriteta, osebni dohodek pa raste. Poleg profesionalne mange obstaja tudi amaterska manga - "doujinshi". Mnogi umetniki mange so začeli kot ustvarjalci doujinshi ("doujinshika"). V velikih mestih obstajajo posebni trgi, kjer doujinshi prodajajo svoje izdelke in včasih najdejo resne založnike za svoja dela.
Anime
Izraz "anime" se je uveljavil šele sredi sedemdesetih let, pred tem so ljudje običajno rekli "manga-eiga" ("filmski strip"). Japonci so svoje prve poskuse z animacijo začeli sredi 1910. let, prvi anime pa se je pojavil leta 1917. Dolgo časa je bil anime na robu kinematografije, a tudi tu so militaristi odigrali koristno vlogo, ki je podpirala vsako »pravilno« umetnost. Tako sta bila prva dva večja anime filma izdana leta 1943 oziroma 1945 in sta bila »igra« propaganda, ki je poveličevala moč japonske vojske. Kot pri mangi, odločilno vlogo v zgodovini animeja je igral Tezuka Osamu, ki je predlagal opustitev nesmiselnega tekmovanja z celovečernih filmov Walta Disneyja in nadaljujte z ustvarjanjem televizijskih serij, ki so boljše od ameriških ne po kakovosti slike, temveč po privlačnosti za japonsko občinstvo.
Večina animejev je TV serij in serij, proizvedenih za prodajo na videu (serije OAV). Vendar pa obstaja tudi veliko televizijskih filmov in celovečernih animejev. Kar zadeva raznolikost stilov, žanrov in občinstva, je manga bistveno boljša od animeja, vendar slednji vsako leto dohiti svojega tekmeca. Po drugi strani pa je veliko animejev priredb priljubljenih mang in ne tekmujejo, ampak podpirajo komercialno drug drugega. Vendar je večina animejev za otroke in najstnike, čeprav obstajajo tudi animeji za mlade. Občinstvo srednjih let pritegnejo »družinski animeji«, ki jih otroci gledajo s starši. Serialnost narekuje svoje zakone - ustvarjalci animejev so manj nagnjeni k tehničnim eksperimentom kot animatorji v drugih državah, a veliko pozornosti posvečajo ustvarjanju privlačnih in zanimive slike liki (od tod tudi pomen kakovostne glasovne igre) in razvoj zapleta. Oblikovalci so v animeju pomembnejši od animatorjev.
Anime ustvarjajo anime studii, ki so običajno relativno majhni in delajo z zunanjim financiranjem različnih sponzorjev (TV kanali, korporacije igrač, založniki mang). Običajno takšni studii nastanejo okoli nekaj izjemnih ustvarjalcev, zato ima studio pogosto določen "studijski stil", ki ga določijo vodilni oblikovalci.
Od 16. novembra 2013 je v Ermitažu odprta razstava »Mono no charm of things. Sodobna umetnost Japonska". Razstavo, ki se nahaja v stavbi vzhodnega krila generalštaba, je pripravil državni Ermitaž ob podpori japonskega veleposlaništva v Rusiji, predstavlja instalacije, kiparstvo, video umetnost, fotografije, ustvarjene v zadnjih nekaj letih japonskih umetnikov in zasnovan tako, da zapolni nova stran v stoletni zgodovini umetnosti države vzhajajoče sonce. Njihova imena, znana v domovini, so ruski in evropski javnosti še vedno praktično neznana: Kanauji Teppei, Kengo Kito, Kuvakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita, Hiraki Sawa in drugi.
Izraz "mono no aware", ki obstaja od 10. stoletja, lahko prevedemo kot "čar stvari" ali "užitek v stvari" in je povezan z budistično idejo o minljivosti in nesmiselnosti obstoj. Materialni in duhovni predmeti, ki obkrožajo človeka, so polni edinstvenega, minljivega šarma (avare), ki je značilen le zanj. Človek – predvsem pa umetnik – mora imeti odzivno srce, da najde in začuti ta čar, se nanj notranje odzove. Sodobni umetniki imajo izostren čut za materiale, v katerih sije notranja preprostost pomena. Namerno se omejujejo na določene teme in motive, na nov način uporabljajo starodavne japonske likovne tehnike.
Na Japonskem, tako kot v Rusiji, je sodobna umetnost pojav, prinešen od zunaj, z Zahoda, ki ni vedno razumljiv in povzroča zavračanje. Obe kulturi sta sprejeli anglo-ameriški izraz sodobna umetnost kot simbol novodobnih kulturnih izposoj. Na Japonskem v 1970-ih, tako kot v Rusiji v 1990-ih, so se umetniki počutili kot tujci. Hodili so delat na Zahod, vendar so na Japonskem v sedemdesetih letih prejšnjega stoletja besede "sodobna umetnost" zvenele pozitivno, kar je omogočilo mlajši generaciji pozabite na definicijo "povojne umetnosti", povezane s tragedijo in zatonom.
Pravi razcvet moderne umetnosti v zahodnem smislu je prišel šele proti koncu osemdesetih let prejšnjega stoletja, ko so se galerije odprle ne le v Ginzi, ampak tudi v drugih predelih Tokia. Leta 1989 je bil v Hirošimi ustanovljen prvi muzej moderne umetnosti, kmalu pa so mu v devetdesetih letih prejšnjega stoletja sledili tokijski muzeji. Od takrat se je začelo postopno prepoznavanje fenomena sodobne umetnosti na nacionalni ravni in njen vstop v kulturni vsakdan. Naslednji korak je bila izvedba državnih bienalov in trienalov.
V dobi popolne prevlade medijskih tehnologij Japonski umetniki osredotočijo svojo pozornost na domače materiale, na njihov dotik, na njihovo poslušanje. Na razstavi so zelo zanimive instalacije, med katerimi je tudi delo Ryote Kuwakubo (r. 1971), enostavne po zasnovi, a kompleksne po delovanju, kjer glavna vloga senčne igre. Umetnik obrisuje predmete in ustvarja neverjeten gibljiv kalejdoskop. Kaneuji Teppei (r. 1978) predstavlja nepričakovane modele iz vsakdanjih gospodinjskih materialov. Predmete, ki jih je zbral, imajo drugačna barva in namenom, se razvijejo v bizarne forme, ki se spremenijo bodisi v modernistične skulpture oz zasnežene pokrajine iz japonskih slik na svili.
»Selekcijo materiala« v video delih in v žanru »najdenega predmeta« izvaja Hiroaki Morita (r. 1973), v slikarstvu pa Shinishiro Kano (r. 1982) in Masaya Chiba (r. 1980). Potencial zelo prozaičnih »izborov materialov«, ki so jih sestavili umetniki, sega v poduhovljenje vsega in vsakogar, tradicionalno za budizem z idejo, da se v vsakem bitju in v vsakem predmetu - od človeka do drobne travne bilke - skriva. naravo Bude. Pozorni so tudi na notranje bistvo stvari, ki jih dojemamo kot lepoto in čar.
Instalacija Kenga Kita (r. 1977), sestavljena iz obročev, je hkrati skulptura in velika slika z nepovezanimi ravninami, osnovnimi barvami in perspektivo. Prostor v njem se pred našimi očmi spreminja v ravnine, kar omogoča neskončno kopiranje vseh teh znakov in simbolov umetnosti, ki so izgubili povezavo z realnostjo.
Yasuaki Onishi (r. 1979) in Motoi Yamamoto (r. 1966) v svojih instalacijah s prostorom delata nekoliko drugače. Yoshihiro Suda (r. 1969) kot da bi z očarljivo preprostostjo združil vse te različne pristope, sproži minimalen vdor v razstavni prostor z diskretno postavitvijo lesenih rastlin, ki izgledajo kot prave.
Razstavo "Mono no aware. Čar stvari. Sodobna umetnost Japonske" je Oddelek za sodobno umetnost pripravil v okviru projekta Ermitaž 20/21. Po mnenju M. B. Piotrovskega, generalni direktor Državni puščavnik: »Cilji projekta so zbiranje, razstavljanje in proučevanje umetnosti 20.-21. stoletja »Ermitaž 20/21« je namenjen tistim, ki želijo iti v korak s časom - amaterjem in profesionalcem, prefinjenim poznavalcem in. najmlajši gledalci.”
Kustosa razstave sta Dmitrij Jurijevič Ozerkov, vodja Oddelka za sodobno umetnost Državnega Ermitaža, kandidat filozofije in Ekaterina Vladimirovna Lopatkina, namestnica vodje Oddelka za sodobno umetnost. Znanstveni svetovalec razstave - Anna Vasilyevna Savelyeva, znanstveni sodelavec Oddelek za vzhod Državne puščavnice. Za razstavo je bila pripravljena ilustrirana brošura, avtor besedila D.Yu. Ozerkov.
Japonska umetnost zavzema pomembno mesto v zbirki Državnega ermitaža in šteje okoli 10.000 del: muzej hrani 1.500 listov barvnih lesorezov, vključno z deli znanih mojstrov japonske gravure od sredine 18. do 20. stoletja; zbirka porcelana in keramike (več kot 2000 eksponatov); laki 16.-20. stoletja; vzorci tkanin in kostumov. Najdragocenejši del zbirke japonske umetnosti Ermitaža je zbirka netsuke - miniaturne skulpture 17.-19. stoletja, ki šteje več kot 1000 del.
Ermitaž gosti zanimivo razstavo - Sodobna umetnost Japonske "MONO-NO AWARE. Čar stvari."
Ne morem reči, da sem ljubiteljica sodobne umetnosti. Bolje mi je všeč, če je kaj videti (zaposlena grafika ali dekorativna umetnost, etnična pripadnost - to je moje vse). Občudovanje lepote čistega koncepta mi ni vedno zabavno. (Malevič, oprosti! Ne maram črnega kvadrata!)
Ampak danes sem prišel na to razstavo!
Spoštovani, če ste v Sankt Peterburgu, vas zanima umetnost in tam še niste bili, potem bo razstava na ogled do 9. februarja! Pojdi, zanimivo je!
Koncepti me ne prepričajo preveč, kot sem napisal zgoraj. Nekako sem mislil, da se mi v enem letu obiskovanja sodobnih razstav zdi smešen kvečjemu en ali dva predmeta. In marsikaj se me ne dotakne tako zelo, da bi mi bilo žal za porabljen čas. Ampak to je v kateri koli zvrsti, v kateri koli umetnosti, odstotek talenta in povprečnosti, če je eden od desetih! Ampak ta razstava mi je bila všeč.
Japonske stvaritve so bile razstavljene v razstavnih dvoranah generalštaba. Prva instalacija, ki pozdravi obiskovalce, je neverjetno velik labirint, posut s soljo po tleh. Siva tla, bela sol, neverjetno lično označen prostor, stkan v eno polje. Velik razstavna dvorana, in bel okras, ki se razprostira po tleh kot nekakšen neverjeten jesun. Poleg tega razumete, kako začasna je ta umetnost. Razstavo bodo zaprli, labirint bodo pometli z metlo. Nekoč sem gledal film "Mali Buda". In tam je na začetku budistični menih iz barvnega peska položil zapleten okras. In na koncu filma je menih naredil oster gib s čopičem in titansko delo se je razpršilo v veter. Bilo je tam, potem je bil skok, potem pa ga ni bilo. In to pravi, cenite lepoto tukaj in zdaj, vse je minljivo. Torej ta labirint soli stopi v dialog s teboj, ti začneš odgovarjati na vprašanja, ki ti jih postavlja. Umetnik - Motoi Yamamoto.
Da - da! To je tako velik labirint, ali čutite obseg?
Drugi predmet, ki očara, je ogromna kupola iz polietilena in črne smole Yasuakija Onishija. Prostor je zasnovan na nenavaden način. Na črnih, tankih, neravnih smolnih vrvicah, ki se rahlo premikajo, visi kupola ... ali gora s kompleksnim terenom. Ko vstopite, vidite pester vzorec pik - mest, kjer se smola drži. Smešno je, kot da črn dež tiho pada, vi pa ste pod krošnjami.
Kako ste prišli do te tehnike? Smešno, kajne? Toda v resničnem življenju izgleda "bolj živo", kupola se rahlo ziblje od vetra, ki ga ustvarjajo mimoidoči obiskovalci. In obstaja občutek vaše interakcije s predmetom. Lahko greste "v jamo" in vidite, kako je od znotraj!
Da pa ne bi bilo vtisa, da je bilo vse samo črno-belo, bom tukaj objavila še par fotografij kompozicije iz skupaj povezanih obročev. Tako barvni smešni plastični kodri! In prav tako se lahko sprehodite skozi to sobo, znotraj obročev, ali pa vse pogledate od zunaj.
Ti predmeti so mi bili najbolj všeč. Seveda bo konceptualna sodobna umetnost kmalu postala drugačna, v skladu z novim časom. Ne bo se vrnilo na staro in ne bo ostalo tako, kot je zdaj. Spremenilo se bo. Toda da bi razumeli, kaj se je zgodilo, kam je tok hitel in kaj in od kod prihaja, morate vedeti, kaj se zdaj dogaja. In ne bežite od dejstva, da neee, koncept ni zame, ampak poskusite ga videti in ceniti. Talentov je kot vedno malo, a obstajajo. In če eksponati odmevajo, potem še ni vse izgubljeno!!!