Βασιλική ΠινακοθήκηΤο Mauritshuis (ολλανδικά Mauritshuis, κυριολεκτικά το σπίτι του Moritz) είναι μια γκαλερί τέχνης στη Χάγη της Ολλανδίας.

Ένα μικρό παλάτι κοντά στο Binnenhof χτίστηκε το 1636-41. Κυβερνήτης της Ολλανδικής Βραζιλίας, Moritz του Nassau-Siegen, σχεδιασμένο από τους αρχιτέκτονες Jacob van Kampen και Peter Post. Το 1704, το παλάτι κάηκε και στη συνέχεια αποκαταστάθηκε, αλλά χωρίς τον τρούλο.

Το 1820, το Βασίλειο της Ολλανδίας αγόρασε το σπίτι του Μόριτζ για να στεγάσει τη βασιλική συλλογή έργων τέχνης και αρχαιοτήτων. Το μουσείο άνοιξε τις πόρτες του δύο χρόνια αργότερα. Από το 1875 είναι μια γκαλερί τέχνης με μια μικρή αλλά επιλεγμένη συλλογή έργων ζωγραφικής Ολλανδοί καλλιτέχνες"Golden Age" - Johannes Vermeer, Rembrandt van Rijn, Jan Steen, Paulus Potter και Frans Hals. Εκτίθενται επίσης αρκετά έργα του Holbein the Younger.

Ρέμπραντ (περιβάλλον) - Πορτρέτο του Ρέμπραντ σε ηλικία 23 ετών, γ. 1629, 37,9 cm x 28,9 cm, Λάδι σε ξύλο

Το Mauritshuis παρέμεινε κρατικό μουσείο μέχρι που μεταφέρθηκε σε ένα εξειδικευμένο ίδρυμα το 1995. Σήμερα είναι ένα από τα πιο δημοφιλή μουσεία στην Ολλανδία.

Το μαργαριτάρι του μουσείου είναι μια συλλογή έργων Ολλανδών ζωγράφων του 17ου αιώνα. Αλλά το Μουσείο της Χάγης έχει κάτι για το οποίο πρέπει να είναι περήφανο, εκτός από αυτό: διαθέτει επίσης έργα εκπροσώπων της φλαμανδικής «χρυσής εποχής» - του 15ου.

Η συλλογή είναι συγκρίσιμη με ένα μαργαριταρένιο κολιέ, γιατί κάθε πίνακας είναι ένα παράδειγμα της υψηλότερης δεξιοτεχνίας, αν και ο αριθμός των έργων είναι μικρός.
Αλλά ακόμη και ανάμεσα στα γραφικά μαργαριτάρια, ξεχωρίζουν ορισμένα μοναδικά δείγματα: «Μάθημα ανατομίας» του Ρέμπραντ, «Πορτρέτο ενός κοριτσιού με μαργαριτάρι σκουλαρίκι» ή «Τοπίο του Ντελφτ» του Βερμέερ - αυτά είναι αριστουργήματα της παγκόσμιας συλλογής τέχνης.

Vermeer van Delft, Johannes - Κορίτσι με μαργαριταρένιο σκουλαρίκι, περ. 1665, 44,5 cm x 39 cm, Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Self-Portrait, 1669, 63,5 cm x 57,8 cm, Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Study of an Old Man (ο Πατέρας του Ρέμπραντ), γ. 1630-31, 46,9 cm x 38,8 cm, Λάδι σε ξύλο

Rembrandt - Study of an Old Woman (Rembrandt's Mother), γ. 1630-35, 18,2 cm x 14 cm, Λάδι σε ξύλο

Mauritshuis: Rembrandt (κύκλος) - Ξεκουράζονται ταξιδιώτες

Ρέμπραντ - Ανδρομέδα, περ. 1631, 34 cm x 24 cm, Ξύλο, λάδι

Mauritshuis: Rembrandt (κύκλος) - Minerva

Ρέμπραντ - Όμηρος, 1663, 107 εκ. x 82 εκ., Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Two Moors, 1661, 77,8 cm x 64,4 cm, Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ - Τραγούδι (Ύμνος) του Συμεών, 1631, 60,9 εκ. x 47,9 εκ., Λάδι σε ξύλο

Ρέμπραντ - Πορτρέτο ενός ηλικιωμένου άνδρα, 1650, 80,5 εκ. x 66,5 εκ., Λάδι σε καμβά

Rembrandt - Portrait of an old man, 1667, 81,9 cm x 67,7 cm, Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ - Χαμογελαστός άντρας, περ. 1629-30, 15,4 cm x 12,2 cm, Χαλκός, λάδι.

Rembrandt - The Anatomy Lesson of Dr. Nicholas Tulp, 1632, 169,5 cm x 216,5 cm, Λάδι σε καμβά

Ρέμπραντ (εργαστήριο) - Saul and David, c. 1650-55, 130 cm x 164,5 cm, Λάδι σε καμβά

Vermeer van Delft, Johannes - Diana and her nymphs, c. 1653-54, 97,8 cm x 104,6 cm, Λάδι σε καμβά.

Vermeer, Johannes - Άποψη της πόλης του Ντελφτ, περ. 1660-61, 96,5 cm x 115,7 cm, Λάδι σε καμβά

Mauritshuis: Vermeer, Jan - View of Delft, 1660-61

"Vermeulen, Jan - Νεκρή φύση με βιβλία, σφαίρα και μουσικά όργανα, περίπου 1660, 30 cm x 38,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Τοπίο στην άκρη των αμμόλοφων

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Αγροτική αυλή στους αμμόλοφους

Steen, Jan - Κιστερκιανή γυναίκα (μοναχή) που παίζει, περ. 1662-65, 31 cm x 27,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Steen, Jan - Όπως ακούγεται, έτσι τραγουδιέται, οκ. 1663-65, 134 cm x 63 cm, Λάδι σε καμβά

Steen, Jan - Αν είσαι γουρούνι, θα πρέπει να είσαι σε στάβλο (Drunk Women), οκ. 1673-75, 86 cm x 72 cm, Λάδι σε καμβά

Mauritshuis: Sten, Jan - Human Life

Mauritshuis: Sten, Jan - Old Men Making Eggnog

Mauritshuis: Sten, Jan - Κορίτσι που τρώει στρείδια

Mauritshuis: Sten, Jan - Fortune Teller

Mauritshuis: Sten, Jan - Εξοχικός χορός στην ταβέρνα

Mauritshuis: Sten, Jan - Ο Μωυσής και το στέμμα του Φαραώ

Mauritshuis: Sten, Jan - Επίσκεψη γιατρού

Mauritshuis: Sten, Jan - Πορτρέτο της υποτιθέμενης Maria van Wassenaar (1654-1683), ή Πουλερικό Δικαστήριο

Mauritshuis: Sten, Jan - Teether

Mauritshuis: Sten, Jan - Άρρωστο κορίτσι

Mauritshuis: Πότερ, Παύλος - Αγελάδες που αντανακλώνται στο νερό, 1648

Mauritshuis: Potter, Paul - A Herd in the Meadow, 1652

Mauritshuis: Potter, Paul - Bull, 1647

Mauritshuis: Hals, Frans - Laughing Boy, 1625

Mauritshuis: Hals, Frans - Portrait of a Man, 1660

Mauritshuis: Holbein, Hans II - Portrait of Robert Cheeseman (1485-1547), 1533

Avercamp, Hendrick - Ice fun, περ. 1610, 36 cm x 71 cm, Ξύλο, λάδι

Backer, Jacob Adriaensz - Ποιμένας με φλάουτο, πιθανώς αυτοπροσωπογραφία, γ. 1637, 52,2 cm x 40,8 cm, Λάδι σε ξύλο

Baen, Jan de - Glorification of Cornelis de Witt (1623-1672), ως νικητής της μάχης του Chatham το 1667, γ. 1667-70, 66 cm x 100 cm, Λάδι σε καμβά

Barbari, Jacopo de (αποδίδεται) - Πορτρέτο του Χέντρικ, Κόμης του Μεκλεμβούργου (1479-1552), 1507, 59,3 cm x 37,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Beest, Van Sybrand - Αγορά Χοιρινού, 1638, 44 cm x 68 cm, Λάδι σε ξύλο

Bega, Cornelis Pietersz - Village tavern, 1658, 47 cm x 58 cm, Λάδι σε καμβά

Berchem, Nicolaes Pietersz - Childhood of Zeus, 1648, 202 cm x 262 cm, Λάδι σε καμβά

Berchem, Nicolaes Pietersz, Weenix, Jan Baptist - The Calling of Matthew, γ. 1657, 98,2 cm x 120,8 cm, Λάδι σε ξύλο

Berghe, Christoffel van den - Χειμερινό τοπίο, περ. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, Χαλκός, λάδι

Berghe, Christoffel van den - Καλοκαιρινό τοπίο, περ. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, Χαλκός, λάδι

Beuckelaer, Joachim - Σκηνή κουζίνας με τον Χριστό στο Emmaus, γ. 1560-65, 109,5 cm x 169 cm, Λάδι σε ξύλο

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Νεκρή φύση με φρούτα και είδη πολυτελείας, περ. 1655, 98 εκ. x 76 εκ., Ξύλο, λάδι

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Πολυτελής νεκρή φύση, περ. 1655, 99,5 cm x 120,5 cm, Λάδι σε καμβά

Bloemaert, Abraham - Gods at the wedding of Peleus and Thetis, 1638, 193 cm x 164,5 cm, Λάδι σε καμβά

Bloemaert, Abraham - Theagenes που λαμβάνει ένα κλαδί φοίνικα από τη Χαρίκλεια, 1626, 157,2 cm x 157,7 cm, Λάδι σε καμβά

Borch, Gerard ter - Letter, περ. 1655, 39 cm x 29,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Και τα δύο, Ιαν - ιταλικό τοπίο, γ. 1645, 108,2 εκ. x 125,8 εκ., Λάδι σε καμβά

Bray, Jan de - Adoration of the Shepherds, 1665, 63 cm x 48 cm, Λάδι σε ξύλο

Breenbergh, Bartholomeus - Τοπίο με κυνηγετικές νύμφες και Νταϊάνα, 1647, 37,8 cm x 50 cm, Λάδι σε ξύλο

Brekelenkam, Quiringh Gerritsz - Ηλικιωμένη γυναίκα που κάνει αιμοληψία, περ. 1660, 48 cm x 37 cm, Ξύλο, λάδι

Brouwer, Adriaen - Αγροτικός αγώνας, περ. 1625-26, 25,5 cm x 34 cm, Λάδι σε ξύλο

Brueghel de Oude, Jan - Βάζο με λουλούδια, περ. 1610-15, 42 cm x 34,5 cm, Λάδι σε ξύλο

Αρχικά, τα έργα δημιουργήθηκαν με την τεχνική της ακουαρέλας. Αργότερα προστέθηκε ακρυλικό. Η τελευταία σειρά έργων είναι ως επί το πλείστον ακρυλικά Με ακρυλικό, ο καλλιτέχνης άρχισε να ζωγραφίζει ζεστούς, και μερικές φορές ακόμη και καυτούς, πίνακες. Μερικά έργα μοιάζουν να είναι ζωγραφισμένα σε μικτά μέσα. Και ακουαρέλα, ακρυλικό και παστέλ ο V. Heijenraets είναι ένας ιμπρεσιονιστής καλλιτέχνης. Τα έργα του Willem διαποτίζονται από αέρα, χρώμα, τρυφερότητα, ελαφρότητα, περιβάλλονται από μια ιδιαίτερη ακουαρέλα διάθεση χαλάρωσης, γαλήνης και ελευθερίας...ιστοσελίδα...

Willem Haenraets

γεννήθηκε τον Οκτώβριο του 1940 στο Ρότερνταμ

Σε ηλικία 16 ετών μπήκε στην Ακαδημία Τέχνης της Αμβέρσας. Οι δάσκαλοι της ακαδημίας σημείωσαν γρήγορα το προφανές ταλέντο του νεαρού ταλέντου και τον ενθάρρυναν με κάθε δυνατό τρόπο. δημιουργική ανάπτυξη. Τέσσερα χρόνια αργότερα, από τη στιγμή που μπήκε στην ακαδημία, ο Willem Haenraets άρχισε να λαμβάνει κρατική υποτροφία από τη βελγική κυβέρνηση και μπόρεσε να συνεχίσει την εκπαίδευσή του στο Εθνικό Ινστιτούτο Καλών Τεχνών στην Αμβέρσα. Ο Willem Haenraets σπούδασε με τους διαπρεπείς καθηγητές Sarina και Vaarten. Οι έμπειροι τεχνίτες χάρηκαν που ένας άξιος αντικαταστάτης μεγάλωνε και συνέβαλαν με κάθε δυνατό τρόπο στην προώθηση του William. Σε αυτό είδαν μια συνέχεια των παραδόσεων της βελγο-ολλανδικής σχολής Τα ίδια χρόνια πραγματοποιήθηκε η πρώτη έκθεση νεαρός καλλιτέχνης. Με τα έσοδα, αγόρασε για τον εαυτό του ένα σκούτερ, το οποίο στη συνέχεια ταξίδεψε σε πολλά γραφικά μέρη της περιοχής, ειδικά στην περιοχή του λιμανιού της Αμβέρσας. Εδώ συνάντησε έναν από τους πλούσιους πλοιοκτήτες, με τη βοήθεια του οποίου ο Willem άρχισε να ζωγραφίζει πολλά πορτρέτα όταν ο πελάτης πέθανε, ο William πήγε στο Παρίσι για αρκετούς μήνες. Στην πλατεία της πόλης Place de Tetre ζωγράφιζε πορτρέτα από το πρωί μέχρι το βράδυ και τελικά μπόρεσε να αγοράσει για τον εαυτό του ένα σπίτι στην πόλη του Μπέργκεν (στην Ολλανδία). Αργότερα εγκαταστάθηκε εκεί με την πρώτη του σύζυγο Χάνα. Αυτή ήταν η εποχή που ζωγραφίστηκε ένας μεγάλος αριθμός πινάκων, οι οποίοι πουλήθηκαν σε σαλόνια τέχνης και γκαλερί , η ζωή του Γουίλιαμ έχασε την τάξη. Αλλά στο τέλος, αποφάσισε να επιστρέψει στη γενέτειρά του Herpen, όπου εγκαταστάθηκε στο μικρό κάστρο Kasteel Terworm, βυθιζόμενος στη δουλειά. Πούλησε τα έργα του στην Ολλανδία και τη Γερμανία.

Στα τέλη της δεκαετίας του '70, ο καλλιτέχνης βρήκε τη δεύτερη σύζυγό του, η οποία είχε ήδη μια μικρή κόρη. Αργότερα απέκτησαν έναν γιο Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο William άρχισε να δημοσιεύει τα έργα του. Αυτό έκανε μεγάλη διαφορά στη ζωή του οικονομικά και όσον αφορά τη συμμετοχή σε εκθέσεις τέχνης και εκθέσεις. Υπήρχαν τακτικές προσκλήσεις σε εκθέσεις στις ΗΠΑ και την Αγγλία. Τα πρωτότυπά του έχουν εκτεθεί σε γκαλερί στο Μπέβερλι Χιλς και λιθογραφίες του έργου του έχουν παρουσιαστεί σε εκθέσεις. Ως αποτέλεσμα, οι εκθεσιακές δραστηριότητες έφεραν στον ζωγράφο παγκόσμια φήμη. Η έκθεση στη Ναγκόγια (που βρίσκεται στην Ιαπωνία) είχε τεράστια επιτυχία. Στους Ιάπωνες άρεσε πολύ το στυλ του καλλιτέχνη, τα απαλά του χρώματα, η ρομαντική του διάθεση Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο καλλιτέχνης έγινε κοντά στον ιδιοκτήτη της γκαλερί στο Stokstraat στο Μάαστριχτ. Μαζί έκαναν υπέροχες εκθέσεις στη Gallery Renoir κάθε δύο χρόνια. Ωστόσο, λόγω της ασθένειας του γκαλερίστα, η συνεργασία αυτή έληξε.

δεκαετία του 2000

Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, ο Willem Haenraets αγόρασε ένα σπίτι στην Ισπανία, στον δήμο Hondon de las Nieves. Η διοίκηση του ζήτησε να παρουσιάσει τους πίνακές του στο Σπίτι του Πολιτισμού της πόλης. Ο καλλιτέχνης αναφέρει αυτό το γεγονός ως πολύ ευχάριστο.

Ο William αυτή τη στιγμή συνεργάζεται με έναν εκδοτικό οίκο που αντιπροσωπεύει το έργο του παγκοσμίως με τη μορφή αφίσας και λιθογραφιών υψηλής ποιότητας. Ο καλλιτέχνης πουλάει ο ίδιος πρωτότυπα και μέσα από γκαλερί.

Το 2009, ο Willem Haenraets προσκλήθηκε από την επιτροπή της Biennale Internazionale Della Arte contemporanea να λάβει μέρος σε αυτή τη διάσημη έκθεση. Ο ίδιος ο καλλιτέχνης θεωρεί τη συμμετοχή του αυτή τη μεγάλη του επιτυχία.

Τέχνη της Ολλανδίας, της Ολλανδίας και της Φλάνδρας

Φρανς Χαλς. Πορτρέτο ενός άνδρα. Γύρω στο 1635

Jan Van Eyck (1390–1441) Η Παναγία και το Βρέφος ενθρονισμένοι στο ναό. Τρίπτυχο 1437. Δρυς σανίδα, λάδι. Κεντρικό τμήμα - 27,5x21,5, πλευρά - 27,5x8

Αυτό το μικρού μεγέθους έργο είναι ένα πραγματικό αριστούργημα της ολλανδικής τέχνης του 15ου αιώνα. Στο κεντρικό τμήμα του τρίπτυχου βρίσκεται η Παναγία και το Βρέφος στο πολυτελές εσωτερικό ενός γοτθικού καθεδρικού ναού, που κάθεται σε έναν υπέροχο λαξευμένο θρόνο ανάμεσα σε δύο σειρές πολύχρωμων κιόνων από ίασπη και μάρμαρο.

Η αριστερή πόρτα απεικονίζει τον Αρχάγγελο Μιχαήλ («αρχηγό του ουράνιου στρατού»), ντυμένο με αλυσίδα και οπλισμένο με ασπίδα, δόρυ και σπαθί. Παρουσιάζει τον δωρητή, τον πελάτη του τρίπτυχου, στην Παναγία και το Βρέφος. Το όνομα του άνδρα είναι άγνωστο, εικάζεται ότι είναι από τη Γενοβέζικη οικογένεια Giustiniani. Στη δεξιά πτέρυγα η Αγία Αικατερίνη της Αλεξάνδρειας με παραδοσιακές ιδιότητες, τα «όργανα» του μαρτυρίου της: ένα σπαθί στο χέρι και έναν τροχό βασανιστηρίων στα πόδια της.

Το κείμενο που δίνεται στο τρίπτυχο έχει μεγάλη σημασία. Αυτά είναι αποσπάσματα από τη Βίβλο και άλλα λατινικά ρητά. Το μωρό κρατά ένα μήνυμα με το κείμενο, το λεγόμενο δέμα: «Μάθε από μένα, γιατί είμαι πράος και ταπεινός στην καρδιά». Υπάρχουν επιγραφές στα αρχικά πλαίσια όλων των τμημάτων του πίνακα στην κάτω ράβδο του κεντρικού πίνακα είναι γραμμένο στα λατινικά: «Ο Johannes de Eyck ολοκληρώθηκε και ολοκληρώθηκε το έτος του Κυρίου 1437. Όπως έκανα». Αυτές οι λέξεις έγιναν διαθέσιμες για ανάγνωση μόλις το 1958, σχεδόν 520 χρόνια μετά τη δημιουργία του τρίπτυχου! Μέχρι εκείνη τη στιγμή, πιστευόταν ότι το έργο ανήκε σε παλαιότερη περίοδο του έργου του πλοιάρχου.

Το μικρό μέγεθος του έργου επέτρεπε στον ιδιοκτήτη να το μεταφέρει. Η τεχνική του καλλιτέχνη είναι εντυπωσιακή στο φιλιγκράν της: οι πιο μικρές λεπτομέρειες είναι ζωγραφισμένες, οι οποίες φαίνονται μόνο μέσω ενός μεγεθυντικού φακού. Ταυτόχρονα, η μεγέθυνση δεν αποκαλύπτει ούτε μια αβέβαιη διαδρομή ή το παραμικρό σφάλμα στο σχέδιο.

Peter Paul Rubens (1577–1640) Η επιστροφή της Νταϊάνα από το κυνήγι γύρω στο 1615. Λάδι σε καμβά. 136x184

Το 1608, ο Ρούμπενς, επιστρέφοντας από την Ιταλία στην Αμβέρσα, έφερε μαζί του ένα ενδιαφέρον για την κληρονομιά της αρχαίας τέχνης και λογοτεχνίας, που δεν έσβησε μέσα του σε όλη του τη ζωή και έγινε ο ακρογωνιαίος λίθος της δημιουργικότητάς του και της σκέψης του για την τέχνη. Χρησιμοποίησε θέματα από την ελληνική και τη ρωμαϊκή μυθολογία για πολλούς από τους πίνακές του, ειδικά για τους πίνακές του.

Η θεά Νταϊάνα ήταν εξαιρετικά ελκυστική για τον Ρούμπενς, αφού ο μύθος για αυτήν συνδύαζε με την αρχαιότητα ένα άλλο από τα αγαπημένα του θέματα - το κυνήγι. Το ενδιαφέρον του ζωγράφου τροφοδοτήθηκε από τους βασιλικούς και αριστοκράτες προστάτες του: το κυνήγι ήταν αποκλειστικό προνόμιο αυτών των κύκλων. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε μια σειρά από κυνηγετικούς πίνακες μεγάλου μεγέθους, πολλοί από τους οποίους βασίζονται σε μια αρχαία πλοκή.

Σε αντίθεση με άλλους πίνακες στους οποίους ο πλοίαρχος μεταφέρει το πάθος του αγώνα, σε αυτόν τον πίνακα η προσοχή του εστιάζεται στην ομορφιά της αρχαίας θεάς-κυνηγού. Η Νταϊάνα, η υπερασπιστής της γυναικείας αγνότητας, στέκεται με τους συντρόφους της μπροστά σε μια ομάδα σατύρων, οι οποίοι, παρεμπιπτόντως, αντιπροσωπεύουν έναν άλλο πόλο συμφερόντων για τον Ρούμπενς - ό,τι σχετίζεται με τη βακκαναλία. Το Spear of Diana οριοθετεί απότομα αυτές τις δύο ομάδες, δύο κόσμους. Πόσο διαφορετική είναι η εμφάνιση των συμμετεχόντων τους: ανάμεσα στους σάτυρους υπάρχουν κατσικίσια πλάσματα άγρια ​​στο πάθος τους, που περιβάλλονται από την Νταϊάνα, που η ίδια εκπέμπει τη γοητεία της γυναικείας φύσης, τις θεϊκά όμορφες συντρόφους της. Οι σάτυροι εμφανίζουν άφθονα φρούτα, υπονοώντας τι υπέροχο κρασί θα κάνουν στο μέλλον. Με τη σειρά της, η Νταϊάνα έχει πουλιά και έναν λαγό (σύμβολα αισθησιακών απολαύσεων), τα οποία σκότωσε ενώ κυνηγούσε. ΣΕ συμβολική έννοιαεκφράζουν την άρνησή της για τις απολαύσεις που προσφέρονται.

Οι Ολλανδοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα, μερικές φορές με μια στενή εξειδίκευση, προσέλκυαν συχνά τους συναδέλφους τους όταν ήταν απαραίτητο να απεικονίσουν σε έναν πίνακα κάτι στο οποίο δεν ήταν αρκετά δυνατοί. Έτσι, τα φρούτα και τα ζώα στον παρουσιαζόμενο καμβά ζωγραφίστηκαν από τον Φρανς Σνάιντερς, ο οποίος ήταν διάσημος για παρόμοιες νεκρές φύσεις και εικόνες ζώων.

Peter Paul Rubens Bathsheba at the Fountain 1635. Λάδι σε ξύλο βελανιδιάς. 175x126

Ο Ρούμπενς δημιούργησε μεγάλο αριθμό πινάκων με βάση βιβλικά θέματα. Για να κατανοήσετε το έργο που παρουσιάζεται εδώ, είναι απαραίτητο να γνωρίζετε τη βιβλική ιστορία και η εφευρετικότητα του καλλιτέχνη στη μεταφορά των λεπτομερειών του είναι εκπληκτική. Κάποτε ο βασιλιάς Δαβίδ «περπάτησε στη στέγη του σπιτιού του βασιλιά και είδε μια γυναίκα να λούζεται από τη στέγη· και αυτή η γυναίκα ήταν πολύ όμορφη». Αυτή ήταν η Βηθσαβέ, η σύζυγος του Ουρία του Χετταίου. Στην επάνω αριστερή γωνία του καμβά, η φιγούρα του βασιλιά Δαβίδ είναι μόλις ορατή στην οροφή του παλατιού και ο Ρούμπενς έδειξε τη Μπαθσέμπα πίσω από την τουαλέτα στην πλατφόρμα που οδηγεί στην πισίνα. Ο Δαβίδ την αποπλάνησε και ο Ουρίας την έστειλε σε βέβαιο θάνατο.

Μια πανέμορφη νεαρή γυναίκα τραβάει την προσοχή. Ο Ρούμπενς ήταν μεγάλος δεξιοτέχνης στην απεικόνιση του γυναικείου σώματος και δημιούργησε τον δικό του κανόνα ομορφιάς. Εν τω μεταξύ, κανείς δεν μπορεί παρά να θαυμάσει την ευρηματικότητα με την οποία ο καλλιτέχνης μεταφέρει τις λεπτές συναισθηματικές στιγμές αυτής της σκηνής: το έκπληκτο βλέμμα της Bathsheba, που δεν περίμενε να λάβει ένα γράμμα από τα χέρια του μαύρου αγοριού που της έστειλε (είναι σαφές ότι το γράμμα μπορεί να είναι μόνο ένα γράμμα αγάπης), η αντίδραση του σκύλου, που ξεγύμνωσε τα δόντια του στον αγγελιοφόρο και υποψιάστηκε ότι κάτι δεν πήγαινε καλά (ένας σκύλος που κάθεται στα πόδια μιας γυναίκας στο σύστημα συμβόλων της αναγέννησης και της μπαρόκ προσωπογραφίας προσωποποιούσε τη συζυγική πίστη ). Και πόσο απολαυστικά απεικονίζονται οι γυναικείες φιγούρες, τα ρέοντα νερά, τα ρούχα και το αρχιτεκτονικό τοπίο!

Peter Paul Rubens Κυνήγι Κάπρου 1615–1620. Ξύλο, λάδι. 137x168

Στα έργα του Ρούμπενς με θέμα το κυνήγι, διακρίνονται δύο φάσεις δημιουργικότητας. Οι πίνακες της πρώτης περιόδου, που διήρκεσαν έως το 1620, στους οποίους ανήκει το παρουσιαζόμενο «Κυνήγι Κάπρου», χαρακτηρίζονται από ένα κεντρομόλο και διαγώνιο συνθετικό σχήμα, στο οποίο δρουν αχαλίνωτες δυνάμεις και στις δύο πλευρές. Μεταγενέστερα έργα αναπτύσσουν μια σύνθεση χαρακτηριστική μιας ζωφόρου, δηλαδή η δράση σε αυτά φαίνεται σε οριζόντια προοπτική, παράλληλα με το επίπεδο της εικόνας. Στην πρώτη περίπτωση, τονίζεται η κορύφωση του κυνηγιού, όταν το ζώο ξεπεραστεί και νικηθεί, στη δεύτερη - η διαδικασία της σύλληψης. Και αν τα έργα της πρώτης περιόδου καταδεικνύουν τη νίκη των κυνηγών έναντι ενός άγριου αρπακτικού, τότε οι πίνακες της δεύτερης δείχνουν την καταδίωξη ενός ανυπεράσπιστου ζώου.

Ο πίνακας της Δρέσδης, ως προς το περιεχόμενό του, είναι πολύ περισσότερο από μια απλή σκηνή κυνηγιού. Ξεκάθαρα «λάμπει» αρχαίος μύθοςγια το κυνήγι της Καληδονίας, αυτό κατά το οποίο ο Μελέαγρος σκοτώνει τον Καλυδώνιο κάπρο με δόρυ (αυτός ο μύθος περιγράφεται από τον Φιλόστρατο τον νεότερο στο κεφάλαιο 15 των «Πίνακες» του). Όλοι οι συμμετέχοντες στην ιστορία απεικονίζονται εδώ: ο κάπρος στέκεται κάτω από ένα δέντρο σε ένα πυκνό δαχτυλίδι κυνηγών και σκύλων που γαβγίζουν θυμωμένα. Η Αταλάντα μόλις έριξε το βέλος της. Το δόρυ του Μελέαγρου τρυπάει το θηρίο. Ένας νεκρός βρίσκεται κοντά στον κάπρο. Αυτό το θέμα χρησιμοποιείται από πολλούς Φλαμανδούς καλλιτέχνες για πίνακες που απεικονίζουν το κυνήγι σε ένα δασικό τοπίο. Στο Ρούμπενς, η μανία του αγώνα, η σωματική και πνευματική ένταση φτάνουν στο έπακρο.

Jan Brueghel the Elder (1568–1625) Τοπίο στο ποτάμι με ξυλοκόπους 1608. Λάδι στο σκάφος. 47Χ46

Τα παλιά χρόνια συνηθιζόταν να κληρονομείται η δουλειά των γονιών, ιδιαίτερα τα δημιουργικά επαγγέλματα. Υπάρχουν διάσημες δυναστείες καλλιτεχνών, γλυπτών και συνθετών. Η δυναστεία Bruegel είναι μια από τις μεγαλύτερες στην ιστορία της ζωγραφικής. Συνήθως σε τέτοιες οικογένειες ο κύριος αριθμός υψώνεται πάνω από όλους: για παράδειγμα, στην οικογένεια Μπαχ - Johann Sebastian, και στην οικογένεια Bruegel - Pieter Bruegel ο Πρεσβύτερος.

Ο Γιαν Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος (ο Πρεσβύτερος, αφού στη συνέχεια εμφανίστηκε ένας άλλος Γιαν στην οικογένεια - αντίστοιχα, ο Νεότερος) έλαβε το παρατσούκλι "Velvet" λόγω του ιδιαίτερου χρώματος της ζωγραφικής του. Παραδόξως, η Πινακοθήκη της Δρέσδης φιλοξενεί πέντε πίνακες του πλοιάρχου, αλλά δεν υπάρχουν έργα ούτε του αρχηγού της δυναστείας ούτε των άλλων εκπροσώπων της. Αυτό εξηγείται σε κάποιο βαθμό από το γεγονός ότι, αν και ο Jan ήταν κατώτερος σε ταλέντο από τον πατέρα του, η επίσημη θέση του ήταν υψηλότερη - ήταν ο αυλικός καλλιτέχνης του Αρχιδούκα Αλβέρτου. Ως εκ τούτου, τα έργα του πλοιάρχου φυλάσσονταν στα βασιλικά διαμερίσματα, από όπου ήταν ευκολότερο για αυτά να μπουν σε άλλες αυγουστιάτικες συλλογές.

Έγραψε ο Γιαν Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος διαφορετικά είδη- τοπία, νεκρές φύσεις (κυρίως λουλούδια και ζώα), μικρομορφές ζωγραφικής με βιβλικά, μυθολογικά και αλληγορικά θέματα. Ο πίνακας που παρουσιάζεται είναι ένα από τα παραδείγματα της τοπιογραφίας του. Το έργο καταδεικνύει ξεκάθαρα τη γενετική σύνδεση μεταξύ της ζωγραφικής του Jan Brueghel και της τέχνης του πατέρα του. Αναπόφευκτα προκύπτει μια σύγκριση με τον πίνακα του Pieter Bruegel «Τοπίο με την πτώση του Ίκαρου» (περίπου 1558, Βασιλικό Μουσείο Fine Arts, Βρυξέλλες), που γράφτηκε 50 χρόνια πριν από αυτό το έργο. Κατασκευάζονται με παρόμοιο τρόπο: η κυματιστή γραμμή των συνόρων μεταξύ θάλασσας και ξηράς χωρίζει τις συνθέσεις σε δύο μέρη. Και στις δύο περιπτώσεις επιλέχθηκαν υψηλό σημείο, από το οποίο ζωγραφίζεται ένα τοπίο γεμάτο με σκηνές είδους, αυτό επιτρέπει μια ευρεία προοπτική. Εδώ τελειώνουν, ίσως, οι ομοιότητες: ο πίνακας του πατέρα είναι γεμάτος δραματική ένταση, ενώ του γιου είναι απλώς ένα τοπίο. Και η διαφορά δεν είναι στην πλοκή, αλλά στην ψυχολογία: η τέχνη του πατέρα αντανακλά το ανήσυχο πνεύμα του, ενώ ο χαρακτήρας του γιου είναι χωρίς συγκρούσεις.

Jan van Goyen (1596–1656) Winter on the River. B/g. Ξύλο, λάδι. 68x90,5

Οι ερευνητές σημειώνουν ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του στυλ του καλλιτέχνη, το οποίο προσελκύει την προσοχή του μέσου θεατή - ο ορίζοντας στους πίνακες του καλλιτέχνη τοποθετείται αρκετά χαμηλά, επομένως, ο ουρανός καταλαμβάνει περίπου τα δύο τρίτα της επιφάνειας του καμβά. Αυτό εξηγείται πιθανώς από το γεγονός ότι η κατάσταση του ουρανού - είτε είναι καθαρός είτε με ποικίλους βαθμούς συννεφιάς - έχει μια εξαιρετική επίδραση στο ορατό χρώμα της μεγάλης έκτασης του νερού, την οποία, κατά κανόνα, απεικόνιζε ο ζωγράφος και απέκτησε φήμη για αυτό. Αν και το έργο που παρουσιάζεται δεν απεικονίζει τη θάλασσα, αλλά ένα χειμερινό ποτάμι με πάγο, ο ουρανός εξακολουθεί να παίζει πολύ σημαντικό ρόλο. Στα έργα του Goyen δεν είναι ποτέ χωρίς σύννεφα ή γαλάζιο, αλλά πάντα καλύπτεται από σύννεφα. Οι καμβάδες του καλλιτέχνη είναι φτιαγμένοι με μονόχρωμο ζωγραφικό τρόπο. Συνήθως απεικονίζονται συννεφιασμένες, ομιχλώδεις μέρες.

Meindert Gobbema (1638–1709) Νερόμυλος. B/g. Δρυς, λάδι. 59,5x84,5

Τον 17ο αιώνα, ο Jacob van Ruisdael κυριάρχησε στην ολλανδική τοπιογραφία μαζί με τον Rembrandt. Από τους μαθητές του Ruisdael του Άμστερνταμ, ο Meindert Gobbema (Hobbema) απέκτησε σχεδόν μεγαλύτερη φήμη από τον δάσκαλο.

Ο Meindert Gobbema είναι ο τελευταίος από τους μεγάλους Ολλανδούς τοπιογράφους του 17ου αιώνα. Οι πίνακες του Gobbema διακρίνονται για την απλότητα, τη φυσικότητα και την προσεκτική εκτέλεσή τους. Ο καλλιτέχνης έλκεται από δέντρα, πυκνό δάσος, θέα σε χωριά, αγροτικά σπίτια με κόκκινες στέγες, ένα καμπαναριό εκκλησίας χαμένο στην ομίχλη στον ορίζοντα και ένα μεσαίο έδαφος που φωτίζεται από το φως του ήλιου. Συχνά το κύριο μοτίβο σε τέτοια τοπία είναι ένας παλιός μύλος. Πολλές από τις παραλλαγές του πλοιάρχου σε αυτό το θέμα φυλάσσονται σε διαφορετικά μουσεία σε όλο τον κόσμο, ο πίνακας της Δρέσδης είναι ένας από αυτούς.

Στο ανθρώπινο μυαλό, τουλάχιστον στον ευρωπαϊκό πολιτισμό, πολλές ιδέες και ιδέες συνδέονται με τον μύλο, που πάντα χρωματίζουν συναισθηματικά την αντίληψή μας για αυτόν τόσο στην πραγματικότητα όσο και στην τέχνη. Παραδοσιακά συνδέεται με αυτό η ιδέα της μοναξιάς, χρωματισμένη από ρομαντικές εμπειρίες. Το ατελείωτο ρέον νερό συνδέεται με την ιδέα του αμετάβλητου της ύπαρξης, ένας περιστρεφόμενος τροχός - ο κύριος μηχανισμός του μύλου - μέσω μιας νύξης στον «τροχό της τύχης» εισάγει την ιδέα των αντιξοοτήτων της μοίρας στον κύκλο του δημιουργημένες εικόνες.

Anthony van Dyck (1599–1641) Πορτρέτο ενός ιππότη με μια κόκκινη μπάντα 1625–1627. Λάδι σε καμβά. 90Χ70

Για να ορίσουμε πολύ συνοπτικά τη διαφορά μεταξύ ολλανδικών και φλαμανδικών τέχνη XVIIαιώνα, μπορούμε να πούμε ότι στο πρώτο κυριαρχούν νεκρές φύσεις, που ονομάζονται «blende» λόγω των ρεαλιστικών χαρακτηριστικών και της εκπληκτικής λεπτομέρειας της εικόνας, που έφτασαν σε σημείο ψευδαίσθησης, ενώ στο δεύτερο κυριαρχούν τελετουργικά πορτρέτα. Ο Anthony van Dyck είναι ο πιο λαμπρός εκπρόσωπος του είδους, ένας δεξιοτέχνης των τελετουργικών πορτρέτων και των θρησκευτικών θεμάτων σε στυλ μπαρόκ.

Το "Portrait of a Knight with a Red Band" είναι ένα από τα καλύτερα παραδείγματα της δουλειάς του Van Dyck. Συνθετικά, είναι όμορφα κατασκευασμένο: το πρόσωπο του μοντέλου βρίσκεται στο οριζόντιο κέντρο της εικόνας, η ενέργεια, η δύναμη και το θάρρος γίνονται αισθητά στην περιστροφή του, προσελκύει το βλέμμα του θεατή. Η υφή και η λάμψη της πανοπλίας του ιππότη μεταφέρεται υπέροχα.

Το πορτρέτο ζωγραφίστηκε σε μια περίοδο της ζωής του που ο Van Dyck δημιουργούσε με εξαιρετική ευκολία και ταχύτητα και ταυτόχρονα πέτυχε τέλεια επεξεργασία των έργων του. Στο τέλος της ζωής του, ο οικονομικά στριμωγμένος κύριος αναγκάστηκε να γράψει πάρα πολλά για να έχει χρόνο να το κάνει με πλήρη καλλιτεχνική τελειότητα. Από το 1621 έως το 1627 έζησε στην Ιταλία, περνώντας τον περισσότερο χρόνο του στους ανώτατους κύκλους της γενουατικής κοινωνίας. Πολλοί εκπρόσωποι της αριστοκρατίας έγιναν πρότυπα γι' αυτόν. Ωστόσο, δεν έχει καταστεί ακόμη δυνατός ο εντοπισμός του χαρακτήρα αυτού του πίνακα. Είναι ακόμη πιθανό ότι αυτό δεν είναι ένα πορτρέτο ενός πραγματικού προσώπου, αλλά κάποιο είδος αλληγορίας.

Rembrandt (1606–1669) Portrait of Saskia van Uylenburch 1633. Oil on oak. 52,5x44,5

Γύρω στο 1631-1632 ο Ρέμπραντ μετακόμισε μόνιμα στο Άμστερνταμ. Εγκαταστάθηκε σε ένα από τα δωμάτια του εμπόρου έργων τέχνης Hendrik van Uylenburch, ο οποίος είχε ήδη μαζί του την κόρη του συγγενή του, Saskia van Uylenburch. Οι νέοι ερωτεύτηκαν και παντρεύτηκαν δύο χρόνια αργότερα. Το κορίτσι προερχόταν από μια πλούσια οικογένεια, έτσι ο Ρέμπραντ μπήκε στην υψηλή κοινωνία. Ξεκίνησε η πιο ευτυχισμένη περίοδος της ζωής του, έγινε διάσημος και μοντέρνος καλλιτέχνης.

Μια σειρά από πορτρέτα της συζύγου του χρονολογούνται από τη δεκαετία του '30. Ήταν το αγαπημένο μοντέλο του καλλιτέχνη. Έτσι, εκτός από τον πίνακα που παρουσιάζεται, μπορεί κανείς να ονομάσει τη "Φλώρα", στην οποία ο Ρέμπραντ απεικόνισε τη Σάσκια λίγο πριν τη γέννηση του γιου τους Τίτου. Η Saskia υπηρέτησε επίσης ως μοντέλο για τη διάσημη «Δανάη» του πλοιάρχου.

Rembrandt (1606–1669) Αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη με τη σύζυγό του Saskia 1635. Λάδι σε καμβά. 161x131

Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Ρέμπραντ ζωγράφισε πολλές αυτοπροσωπογραφίες. Ο πίνακας της Δρέσδης αποτυπώνει τη χαρά της ζωής, την αγαλλίαση της κατοχής ενός αγαπημένου προσώπου - συστατικά της συναισθηματικής κατάστασης του ζωγράφου αυτής της περιόδου. Το ανοιχτό βλέμμα των χαρακτήρων, στραμμένο στον θεατή (φαίνεται ότι σε προσκαλούν να μοιραστείς τη χαρά τους), το λαμπερό πρόσωπο του Ρέμπραντ, σαν να έχει πετύχει όλες τις ευλογίες της ζωής - αυτή είναι η διάθεση αυτού καμβάς.

Ωστόσο, το πορτρέτο περιέχει και μια συγκεκριμένη πρόκληση που ήταν ξεκάθαρη στους θεατές εκείνης της εποχής: ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον εαυτό του στην εικόνα ενός... άσωτου γιου να γλεντάει με μια εταίρα. Είναι αξιοσημείωτο ότι στο Ευαγγέλιο ο Λουκάς λέει ξεκάθαρα: «... κατασπατάλησε την υπόστασή του ζώντας ασυνείδητα». Ο Ρέμπραντ, έχοντας παντρευτεί για αγάπη, αντίθετα, υπερέβαλε την κατάσταση της συζύγου του και απέκτησε υψηλότερη κοινωνική θέση. Πόσο εντυπωσιακά διαφορετικός είναι αυτός ο «άσωτος γιος» από εκείνον που επέστρεψε στον πατέρα του μετά από πολύωρες περιπλανήσεις στον ομώνυμο πίνακα του Ερμιτάζ!

Εάν η σύγκριση με τον βιβλικό ήρωα είναι αρκετά προφανής, τότε η άλλη σημασιολογική σημασία της εικόνας απαιτεί εξήγηση. Εδώ γίνεται νύξη για το σύμβολο της αρετής του μέτρου, η παράβαση του οποίου οδήγησε τον άσωτο γιο σε θλιβερό τέλος. Αυτό το σύμβολο είναι ένα ποτήρι σηκωμένο στο χέρι ενός κυρίου (δηλαδή του Ρέμπραντ) - ένα "φλάουτο", όπως ονομαζόταν στην ολλανδική χρήση εκείνης της εποχής - ένα μετρημένο σκάφος, ένα σημάδι σοφής αυτοκυριαρχίας, το έμβλημα του που τονίζεται από το δυσανάλογα μεγάλο μέγεθός του.

Willem Claes Heda (1593/1594-1680/1682) Πρωινό με βατόπιτα 1631. Ξύλο, λάδι. 54x82

Τον 17ο αιώνα στην Ολλανδία, πολλοί καλλιτέχνες δημιούργησαν νεκρές φύσεις, και μεταξύ αυτών υπήρχε μια εξειδίκευση: ο ένας απεικόνιζε λουλούδια, ο άλλος - πιάτα, ο τρίτος - μουσικά όργανα. Ο Willem Klass Heda ζωγράφισε παρόμοιες νεκρές φύσεις για αρκετές δεκαετίες, τουλάχιστον χρονολογούνται τόσο από το 1631 (που αντιπροσωπεύεται από το «Breakfast with Blueberry Pie») όσο και από το 1651. Για τόσο μεγάλο χρονικό διάστημα που εργάζονταν σε ένα είδος, οι καλλιτέχνες πέτυχαν εντυπωσιακή τελειότητα στην τεχνική του απόδοση φρούτων και λαχανικών, υφές υφάσματος, αντικείμενα από μέταλλο και γυαλί, νερό σε ποτήρια. Οι νεκρές φύσεις με φαγητό ονομάζονταν "ontbijtjes" (από τα ολλανδικά - "πρωινό").

Η ζήτηση για τέτοιες νεκρές φύσεις ήταν πολύ μεγάλη. Στις αρχές της δεκαετίας του 1630, ο Heda άρχισε να τα γράφει, χρησιμοποιώντας τους μάλλον συντηρητικούς κανόνες των συγχρόνων του - Floris Klee van Dyck και Nicolaes Gillis. Τοποθετεί επίσης το τραπέζι αυστηρά παράλληλα με το επίπεδο της εικόνας, δηλαδή τον πίσω τοίχο του δωματίου. Ωστόσο, ο καλλιτέχνης έφερε μια ορισμένη αναβίωση στη σύνθεση των νεκρών φύσεων του. Έτσι, το λευκό του τραπεζομάντηλο δεν καλύπτει ολόκληρο το τραπέζι, αλλά μόνο ένα μέρος του. Έτσι, αποφεύγει τη μονοτονία του παρασκηνίου.

Η μακροπρόθεσμη προτίμηση του Head για τα ίδια θέματα είναι αξιοσημείωτη. Ένα φλιτζάνι, ένα ποτήρι, ένα σφηνάκι, μια λεπίδα Δαμασκού, ένα ρολόι τσέπης με ανοιχτό καπάκι και έναν εκπληκτικά απεικονισμένο μηχανισμό (ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε τα καλύτερα πινέλα στο έργο του) - όλα αυτά αναπαράχθηκαν με αναμφισβήτητη αγάπη.

Jan Davids de Heem (1606–1684) Λουλούδια σε γυάλινο βάζο και φρούτα. B/g. Λάδι σε καμβά. 100x75,5

Ο Jan Davids de Heem είναι ένας Ολλανδός καλλιτέχνης που εργάστηκε για κάποιο χρονικό διάστημα στο Leiden, αλλά το 1635 εντάχθηκε στην Αμβέρσα Guild of St. Luke και τον επόμενο χρόνο έγινε πολίτης της Αμβέρσας. Γύρω στο 1667 επέστρεψε στην πατρίδα του την Ουτρέχτη, αλλά το 1672 κατέφυγε στην Αμβέρσα από τους Γάλλους, που είχαν καταλάβει την πόλη.

Ο De Heem έγινε διάσημος για τις υπέροχες νεκρές φύσεις των λουλουδιών του. Εκτελούνται τόσο προσεκτικά που σήμερα μπορεί κάλλιστα να χρησιμεύσουν ως ένα είδος βιβλίου αναφοράς της ευρωπαϊκής χλωρίδας. Αλλά πρώτα απ 'όλα, οι καμβάδες προσελκύουν με τις καλλιτεχνικές τους ιδιότητες, την ομορφιά των συνδυασμών φυτικών χρωμάτων και χρωμάτων, τον πλούτο της παλέτας τους, την πολυπλοκότητα της σύνθεσης, που επιτρέπει σε κάποιον να φανταστεί μια φωτεινή χρωματική (πολύχρωμη) σειρά λουλουδιών (φυτά).

Σε μεγάλο βαθμό χάρη στον Jan Davids de Heem, η νεκρή φύση έγινε ένα ανεξάρτητο είδος ζωγραφικής στο έργο των Ολλανδών και Φλαμανδών δασκάλων του 17ου αιώνα. Οι νεκρές φύσεις αυτής της εποχής είναι σε μεγάλο βαθμό αλληγορικές. Έτσι, εκτός από τα ίδια τα λουλούδια, η εικόνα που παρουσιάζεται δείχνει μια πεταλούδα και ένα σαλιγκάρι. σε άλλους καμβάδες υπάρχουν κάμπιες και προνύμφες. Σημαίνουν όχι μόνο τον κύκλο της ανθρώπινης επίγειας ζωής, αλλά και τον θάνατο και την ανάσταση.

Adrian Brouwer (1606–1638) Αγροτικός αγώνας παίζοντας χαρτιά. B/g. Δρυς, λάδι. 26,5x34,5

Ο Adrian Brouwer, μαθητής του Frans Hals, ήταν ένας από τους πιο πρωτότυπους δημιουργούς της φλαμανδικής τέχνης. Έζησε μια σύντομη ζωή - μόλις 32 ετών, πεθαίνει από την πανώλη. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε σκηνές από τη ζωή των αγροτών, λαϊκούς χορούς, χαρτοπαίκτες, καπνιστές, γερακόσπορους και καυγάδες. Ενδιαφερόταν ιδιαίτερα για τα συναισθήματα, τις εκφράσεις και τις εκφράσεις του προσώπου των χαρακτήρων. Οι πίνακες του Brouwer διακρίνονται για τη ζωντάνια και την ευρηματικότητα του σχεδιασμού τους. Μερικοί από τους πίνακές του μπορεί να προκαλούν σκέψεις καρικατούρας. Ωστόσο, μετά από προσεκτική εξέταση, καθίσταται σαφές ότι πρόκειται μόνο για μια αναπαραγωγή καθημερινών καταστάσεων με μεγάλη ακρίβεια. Στους πίνακες του δασκάλου δεν υπάρχει σκόπιμη καταδίκη των ηρώων μέσω της γελοιοποίησης. Έγραφε απλώς για τη ζωή γύρω του. Ο ζωγράφος δεν εκτιμήθηκε από τους συγχρόνους του, είχε πάντα μεγάλη ανάγκη. Οι επόμενες γενιές για μεγάλο χρονικό διάστημα αντιλαμβάνονταν τον Brouwer κυρίως ως χιουμορίστα, αλλά μάλλον ήταν μια τραγική φιγούρα.

Ένας καβγάς ενώ παίζει χαρτιά είναι μια από τις αγαπημένες πλοκές του Brouwer. Η δράση διαδραματίζεται σε μια τυπική ταβέρνα με τους άθλιους θαμώνες και το φτωχό περιβάλλον. Ωστόσο, για να απεικονίσει έτσι τη φτώχεια, ο κύριος έπρεπε προφανώς να έχει πλούσια καλλιτεχνική φαντασία.

Adrian van Ostade (1610–1685) Καλλιτέχνης στο στούντιο 1663. Λάδι σε ξύλο. 38x35,5

Adrian van Ostade - Ολλανδός καλλιτέχνης του μπαρόκ, εκπρόσωπος καθημερινό είδος. Σπούδασε με τον Φρανς Χαλς και αργότερα το δημιουργικό του στυλ επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον Ρέμπραντ, αλλά ο ταλαντούχος Φλαμανδός ζωγράφος του είδους Άντριαν Μπρόουερ είχε ιδιαίτερη επιρροή. Έτσι ο Ostade έγινε συγγραφέας της καθημερινής ζωής των Ολλανδών. Οι ήρωες των πινάκων του, κατά κανόνα, είναι απλοί άνθρωποι, εξ ου και οι αντίστοιχες πλοκές: σκηνές σε μια ταβέρνα (μερικές φορές με καυγάδες), κακοπροαίρετα αδέρφια, κακοπροαίρετοι μουσικοί (μια ολόκληρη γκαλερί: ένας βιολονίστας, ένας φλαουτίστας, ένας γκάιντας, ένας αντεροβγάλτης Είναι ακόμη περίεργο πόσοι άνθρωποι ήξεραν πώς να παίζουν μουσικά όργανα, ειδικά το βιολί).

Στον καμβά που παρουσιάζεται η πλοκή είναι αξιοπρεπής. Κάποιοι πιστεύουν ότι πρόκειται για αυτοπροσωπογραφία του ζωγράφου. Όπως και να έχει, η θέα του εργαστηρίου και ο καλλιτέχνης που εργάζεται ανιδιοτελώς σε αυτό προκαλεί ένα καλό συναίσθημα: ένα ευρύχωρο δωμάτιο, πλημμυρισμένο από φως από ένα όμορφα καγκελό παράθυρο, μια διαταραχή που μπορεί να θεωρηθεί δημιουργική... Όλα γίνονται σε ζεστά αρμονικά χρώματα. Με μια λέξη, η εικόνα δημιουργεί μια ρομαντική διάθεση, προκαλεί θλίψη για τα παλιά και μια κατάσταση πλήρους βύθισης στη δημιουργικότητα.

Gerard Terborch (1617–1681) Γυναίκα, πλένετε τα χέρια. Γύρω στο 1655. Λάδι σε ξύλο. 53Χ45

Ο Gerard Terborch είναι ένας εξαιρετικός δεξιοτέχνης της ζωγραφικής του είδους της ολλανδικής σχολής του 17ου αιώνα. Στην αρχή της καριέρας του ζωγράφιζε κυρίως σκηνές της ζωής των αγροτών και των στρατιωτών και από τα τέλη της δεκαετίας του 1640 άρχισε να ειδικεύεται σε εσωτερικές σκηνές με μικρό αριθμό χαρακτήρων - κατά κανόνα ήταν ζευγάρια, κυρίες που διάβαζαν, έγραφαν και έπαιζαν μουσική . Είναι πιθανό η κυρία που απεικονίζεται εδώ να είναι η αδερφή του καλλιτέχνη.

Ο καλλιτέχνης ζούσε στη φτώχεια, γεγονός που εξηγεί το γεγονός ότι χρησιμοποιούσε έναν στενό κύκλο στενών ανθρώπων, ιδιαίτερα την αδερφή του Gezina, ως μοντέλα. Πιθανότατα, είναι αυτή που εκπροσωπείται στον πίνακα "Γυναίκα που πλένει τα χέρια της".

Συνήθως, αυτού του είδους η πλοκή ερμηνεύεται από τους ερευνητές ως μια αλληγορία της διαλυμένης ζωής, αλλά στην περίπτωση αυτή το περιεχόμενο του έργου πιθανώς αντιπροσωπεύει μια αλληγορία της αρετής. Τα σύμβολά του είναι οι κουρτίνες του κρεβατιού που σύρονται (σε ​​πολλούς άλλους πίνακες είναι ξεκομμένο), η κυρία που πλένει τα χέρια της (από την εποχή της δίκης του Χριστού από τον Πόντιο Πιλάτο, αυτή η χειρονομία συμβολίζει την απροθυμία να συμμετάσχει σε κάτι κατακριτέο) η απουσία κοσμημάτων στο τραπέζι (σε ​​άλλες παρόμοιες σκηνές ο ίδιος ο Terborch, τέτοια διακοσμητικά «διαβάζονται» ως πληρωμή για ερωτικές απολαύσεις) και τέλος ενός σκύλου, προστατεύοντας την ψυχική ηρεμία του ιδιοκτήτη. Η πιο ξεκάθαρη απεικόνιση της σημασίας του συμβόλου του ζώου μπορεί να φανεί στον πίνακα του Jan van Eyck «Portrait of the Arnolfini Couple», που φυλάσσεται στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου (βλ. τόμο 11 της συλλογής «Great Museums of the World»).

Από μια γραφική σκοπιά, ο Terborch σε αυτό το έργο έδειξε ότι είναι αξεπέραστος δεξιοτέχνης της απόδοσης της ύλης, ιδιαίτερα του λευκού σατέν (το φόρεμα της κοπέλας) και του πολύχρωμου τραπεζομάντιλου.

David Teniers the Younger (1610–1690) Εξοχική γιορτή στην ταβέρνα Crescent. Fragment 1641. Λάδι σε μουσαμά. 93x132

Ο Ντέιβιντ Τένιερς ο Νεότερος (ο Νεότερος επειδή ονομαζόταν το ίδιο με τον πατέρα του, Ντέιβιντ Τένιερς ο Πρεσβύτερος) ξεπέρασε τον γονέα του και, πιστεύεται, δάσκαλο. Οι καλύτεροι πίνακες ζωγραφικήςΟι πίνακες του καλλιτέχνη δημιουργήθηκαν τη δεκαετία του 1640, όταν έγινε ο αυλικός ζωγράφος του αρχιδούκα Λεοπόλντ Γουίλιαμ της Αυστρίας. Ο Τένιερς συγκέντρωσε μια συλλογή έργων τέχνης για τον κυβερνήτη και έγινε ο θεματοφύλακάς της. Σε αυτό το status, ο Teniers φάνηκε πολύ ξεκάθαρα: όχι μόνο συνέταξε έναν κατάλογο της συλλογής, αλλά έκανε και μικρά αντίγραφα πολλών πινάκων, συμπεριλαμβανομένων πολύτιμων έργων ζωγραφικής από δασκάλους της βενετικής σχολής της Αναγέννησης. Του πιστώνονται περισσότερα από 2.000 δικά του έργα, αν και, φυσικά, δεν ήταν τόσο παραγωγικός. Η γκαλερί της Δρέσδης φιλοξενεί εννέα έργα του καλλιτέχνη.

Ένα σημαντικό μέρος της κληρονομιάς του Teniers αποτελείται από πολυάριθμα έργα που απεικονίζουν σκηνές της ζωής των απλών ανθρώπων. Η εικόνα που παρουσιάζεται είναι χαρακτηριστικό παράδειγμα δημοφιλούς Ολλανδική τέχνηείδος kermes - διακοπές στο χωριό με ένα απαραίτητο μικρό μουσικό σύνολο, χαρούμενους χορούς των χωρικών, αστείες καθημερινές σκηνές. Ο Βίκτωρ Ουγκώ στον «Καθεδρικό Ναό» Παναγία των Παρισίων» γράφει τα εξής για τον Τενιέ: «Το όργιο έπαιρνε όλο και περισσότερο φλαμανδικό χαρακτήρα. Το πινέλο του ίδιου του Τένιερς θα μπορούσε να δώσει μόνο μια αόριστη ιδέα για αυτό».

Wermeer of Delft (1632–1675) At the Pimp 1656. Λάδι σε καμβά. 143x130

Ο Γιαν Βέρμερ από το Ντελφτ είναι ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης της ολλανδικής ζωγραφικής του είδους και του τοπίου.

Ο πίνακας «At the Pimp» είναι ένα από τα πολλά έργα του καλλιτέχνη στο είδος των καθημερινών σκηνών. Όπως σχεδόν πάντα στην τέχνη των μικρών Ολλανδών, η σκηνή περιέχει ένα αλληγορικό νόημα. Σε αυτή την περίπτωση, όπως στην αυτοπροσωπογραφία του Ρέμπραντ με τη Σάσκια, η πλοκή πηγαίνει πίσω στην παραβολή του Ευαγγελίου του Άσωτου Υιού. Στο έργο του Βερμέερ, ένα ειλικρινές επεισόδιο απεικονίζεται σε έναν οίκο ανοχής με όλα τα χαρακτηριστικά μιας διεφθαρμένης ζωής: ένα νόμισμα που προσφέρει ένας κύριος σε μια κυρία (πληρωμή για την πώληση αγάπης), ποτήρια κρασί στα χέρια μιας γυναίκας και ενός κυρίου. το αριστερό, ένας λαιμός, πιθανώς ένα λαούτο, που εισάγει μια νύξη στη μουσική στους τόνους του σημασιολογικού περιεχομένου της εικόνας, που συνδέεται έντονα με την αγάπη. Με τη ζωγραφική, ο καλλιτέχνης μεταφέρει το περιεχόμενο της μισάν-σκηνής, που παρουσιάζει στον θεατή, θα έλεγε κανείς, μια θεατρική σκηνή με ζωντανούς και καθαρούς διαλόγους. Ο κύριος στα αριστερά, στρέφοντας το βλέμμα του στον θεατή, φαίνεται να τον προσκαλεί να πάρει μέρος στο γλέντι.

Wermeer of Delft (1632–1675) Κορίτσι που διαβάζει ένα γράμμα στο ανοιχτό παράθυρο 1657. Λάδι σε καμβά. 83x64,5

Το μοτίβο του γράμματος βρίσκεται συχνά στους πίνακες του Βερμέερ και ενσωματώνεται πάντα στην εικόνα της ηρωίδας που διαβάζει ένα μήνυμα από τον εραστή της, που είναι μακριά της.

Αξίζει να σημειωθεί ότι στον παρουσιαζόμενο καμβά ο καλλιτέχνης σχεδίαζε να απεικονίσει έναν έρωτα με ένα γράμμα. Αυτό αποδεικνύεται από μελέτες που έγιναν στο ακτινογραφίεςπου έδειχνε ένα μοτίβο έρωτα. Έτσι, το συμβολικό νόημα ολόκληρης της σκηνής είναι αναμφισβήτητο. Ο ερευνητής Norbert Schneider είδε ακόμη στη νεκρή φύση και το τσαλακωμένο τραπεζομάντιλο στο τραπέζι σύμβολα σπασμένων όρκων συζυγικής πίστης και εξωσυζυγικών σχέσεων. Τα μήλα και τα ροδάκινα είναι μια νύξη στη βιβλική ιστορία της πτώσης.

Jacob van Ruisdael (1628–1682) Εβραϊκό νεκροταφείο 1655–1660. Ξύλο, λάδι.84x95

Σχεδόν ταυτόχρονα με τον Ρέμπραντ, δούλευε ένας άλλος αξιόλογος Ολλανδός - ο Jacob van Ruisdael - ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης του τοπίου, τα έργα του οποίου διακρίνονται όχι μόνο από υψηλή δεξιοτεχνία, αλλά και από βαθύ φιλοσοφικό περιεχόμενο.

Τα τοπία του πλοιάρχου είναι γεμάτα δράματα και φιλοσοφικούς στοχασμούς. Αυτά τα δημιουργικά γνωρίσματα ήταν που εκδηλώθηκαν με εξαιρετική δύναμη στο πιο περίπλοκο και τραγικό έργο, «Το Εβραϊκό Νεκροταφείο». Βασίζεται σε μια εικόνα μιας από τις γωνιές ενός πραγματικού αρχαίου εβραϊκού νεκροταφείου που βρίσκεται κοντά στο Άμστερνταμ. Στο βάθος διακρίνονται τα ερείπια μιας παλιάς συναγωγής, που λειτουργούσε μέχρι το 1675 και καταστράφηκε από κεραυνό. Στο μπροστινό μέρος υπάρχουν πολλές μαρμάρινες επιτύμβιες στήλες, η μία από αυτές ανήκει στον πρώην προσωπικό γιατρό του Γάλλου βασιλιά Ερρίκου Δ', η δεύτερη στον αρχιραβίνο του Άμστερνταμ και η τρίτη σε κάποιον πλούσιο πολίτη.

Η ζωγραφική γίνεται σε σκούρες γαλαζοπράσινες αποχρώσεις, το φόντο δημιουργεί έναν θυελλώδη ουρανό με δυσοίωνα, χαμηλά σύννεφα. Η βαριά σιωπή του νεκροταφείου μεταφέρεται με ακρίβεια, η αιωνόβια θλίψη διαπερνά κάθε γωνιά. Υπάρχει η αίσθηση του αναπόφευκτου του θανάτου, της μικρής διάρκειας και της ματαιότητας της επίγειας ύπαρξης. Ο Βόλφγκανγκ Γκαίτε αποκάλεσε τον Ρουισντάελ ποιητή και στοχαστή. Το εφήμερο της ανθρώπινης ζωής τονίζεται από την ταραχή της βλάστησης, τα πανίσχυρα δέντρα και την αιωνιότητα της φύσης...

Κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη, ο πίνακας ονομαζόταν «Αλληγορία της ανθρώπινης ζωής». Η επιλογή του θέματος είναι αξιοσημείωτη: γιατί ο συγγραφέας απεικόνισε ένα εβραϊκό νεκροταφείο, και όχι ένα πιο κοντινό προτεσταντικό νεκροταφείο, για να εκφράσει την κοσμοθεωρία του; Γιατί ο καλλιτέχνης έδωσε τόσο εξαιρετική προσοχή στο συγκεκριμένο έργο; Εκτός από πολλά προπαρασκευαστικά σκίτσα, ο Ruisdael έκανε δύο ολοκληρωμένες εκδοχές του έργου: τη Δρέσδη (1650–1653) και το Ντιτρόιτ (1660). Ο καλλιτέχνης δεν άφησε καμία εξήγηση για αυτό.

Φαίνεται ότι το φιλοσοφικό περιεχόμενο του πίνακα «Εβραϊκό Νεκροταφείο» εμπνεύστηκε από την ανάγνωση του Εκκλησιαστή από τον κύριο. Αυτό το βιβλίο του έκανε πολύ δυνατή εντύπωση. Η εικόνα ενός ρυακιού που τρέχει σαν ρυάκι που βράζει ανάμεσα σε πέτρες συνδέεται με την ανάγνωση της Παλαιάς Διαθήκης. Το βιβλίο του προφήτη Ησαΐα λέει: «Το νερό, ιδιαίτερα το «ζωντανό» νερό, που ρέει την άνοιξη, συμβολίζει τη ζωή και την ευτυχία».

Gabriel Metsu (1629–1667) Game Trader 1662. Δρυς, λάδι. 61x45

Ο Gabriel Metsu, ένας Ολλανδός καλλιτέχνης και σχεδιαστής, ζωγράφισε θρησκευτικά και μυθολογικά θέματα, νεκρές φύσεις και πορτρέτα. Στη δεκαετία του 1660, το ταλέντο του Metsu εκδηλώθηκε πλήρως στον τομέα του καθημερινού είδους, το οποίο αντανακλούσε, στον ένα ή τον άλλο βαθμό, την επιρροή των Steen, Terborch, de Hooch και Vermeer.

Ο Metsyu εμφανίζεται ως ώριμος δάσκαλος, επιρρεπής στην αφήγηση της πλοκής και μια οικεία και λυρική αποκάλυψη του θέματος, κατακτώντας με σιγουριά τις τεχνικές της ζεστής τονικής ζωγραφικής με έντονες ηχητικές αντιθέσεις χρωματικών κηλίδων και φαινομενικά απτική υλικότητα στην απεικόνιση υφασμάτων, γούνας, πιάτων, και ακριβά αντικείμενα. Οι άνετοι εσωτερικοί του χώροι συνήθως γεμίζουν με δύο ή τρεις φιγούρες.

Σε ένα από τα λίγα έργα του που απεικονίζει τη ζωή των απλών ανθρώπων, ο Μέτσου αναπαρήγαγε μια γωνιά του δρόμου. Ένας γέρος, έμπορος θηραμάτων, κάθεται σε έναν τοίχο με ραγισμένο γύψο, τα ρούχα του είναι σκισμένα, η εμφάνισή του είναι αξιολύπητη. Σχεδιασμένο για να ενισχύσει την εντύπωση της φτώχειας, οι πλούσιοι περνούν ντυμένη γυναίκα, στον οποίο ο γέρος προσφέρει τα αγαθά του. Η εικόνα, που βασίζεται σε κοινωνικές αντιθέσεις και ισχυρίζεται ότι έχει μια βαθιά εικόνα της ζωής, περιέχει, ωστόσο, μόνο μια απλή δήλωση γεγονότων. Ο θεατής δεν συγκινείται από το γεγονός που βρίσκεται σε εξέλιξη. Ο Μέτσια είναι ασυνήθιστος στο να αισθάνεται την κοινωνική αδικία και την τραγωδία της ζωής.

ΚΕΦΑΛΑΙΟ 6 Στρατιωτική τέχνη. Επιχειρησιακή τέχνη AIR DOMINANCE είναι η αποφασιστική υπεροχή της αεροπορίας ενός από τα μέρη στον εναέριο χώρο ενός θεάτρου επιχειρήσεων, μιας σημαντικής επιχειρησιακής περιοχής ή σε μια συγκεκριμένη περιοχή. Επιτρέπει την Πολεμική Αεροπορία καθώς και τις Δυνάμεις του εδάφους

συγγραφέας Varlamova Tatyana Konstantinovna

Ολλανδία Βασίλειο των Κάτω Χωρών Ημερομηνία δημιουργίας ανεξάρτητου κράτους: 1609 Έκταση: 41,5 χιλιάδες τετραγωνικά μέτρα. kmΔιοικητικό τμήμα: 12 επαρχίες Πρωτεύουσα: Άμστερνταμ Επίσημη γλώσσα: Ολλανδικά Νόμισμα: ευρώ Πληθυσμός: 16,3 εκατομμύρια (2004) Πυκνότητα

Από το βιβλίο Υπόμνημα προς πολίτες της ΕΣΣΔ που ταξιδεύουν στο εξωτερικό συγγραφέας Άγνωστος συγγραφέας

Προξενικό Τμήμα της Πρεσβείας του Βασιλείου της Ολλανδίας: Χάγη, Andries Bikerwech, 2, τηλ. 070-45-13-00, 070-45-13-01, τέλεξ

Από το βιβλίο στο εξωτερικό συγγραφέας Τσούπρινιν Σεργκέι Ιβάνοβιτς

ΣΥΓΓΡΑΦΕΙΣ ΤΗΣ ΟΛΛΑΝΔΙΑΣ ALLA AVILOVAAvilova Η Alla γεννήθηκε το 1948 στη Μόσχα. Αποφοίτησε από τη Φιλολογική Σχολή του Κρατικού Πανεπιστημίου της Μόσχας. Εργάστηκε στον εκδοτικό οίκο «Znanie» και στο APN. Το 1979 μετακόμισε στην Ολλανδία για μόνιμη κατοικία, ζει στο Άμστερνταμ, εργάζεται στο εβδομαδιαίο περιοδικό «Coorddanser», το οποίο ενημερώνει για διαλέξεις

Από το βιβλίο Lawyer Encyclopedia του συγγραφέα

Ολλανδία (Βασίλειο των Κάτω Χωρών) ΟΛΛΑΝΔΙΑ (Βασίλειο της Ολλανδίας) είναι ένα κράτος στη Δυτική Ευρώπη. Ν. κατέχουν μια σειρά από νησιά των Αντιλλών. Κατά σχήμα κυβερνητική δομήΟ Ν. είναι ενιαίο κράτος. Η χώρα χωρίζεται σε 12 επαρχίες. Στις επαρχίες υπάρχουν

Από το βιβλίο Φιλοτελική Γεωγραφία. Ευρωπαϊκές ξένες χώρες. συγγραφέας Βλαντίνετς Νικολάι Ιβάνοβιτς

ΟΛΛΑΝΔΙΑ (Βασίλειο των Κάτω Χωρών) Ολλανδία. Koninkrijktier Nederlanden State στα βόρεια. Δυτική ακτή Ευρώπη. Terr. 36,6 χιλ. τ. χλμ. μας. 13,9 εκατ. (1978), κυρίως Ολλανδός. Πρωτεύουσα είναι το Άμστερνταμ. Η κυβέρνηση και το κοινοβούλιο βρίσκονται στη Χάγη. Κατάσταση γλώσσα - ολλανδικά - συνταγματική.

Από το βιβλίο Ξένη λογοτεχνίαΧΧ αιώνα. Βιβλίο 2 συγγραφέας Νόβικοφ Βλαντιμίρ Ιβάνοβιτς

Δρόμοι της Φλάνδρας (Les routes des Flandres) Μυθιστόρημα (1960) Για πρώτη φορά, ο συγγραφέας μας συστήνει τους ήρωες του μυθιστορήματος την παραμονή της συμμετοχής τους στα γαλλικά στρατεύματα που μάχονται ενάντια στους φασίστες κατακτητές στο

Από το βιβλίο Dresden Art Gallery συγγραφέας Maykapar A.

Πίνακας της Ολλανδίας Joachim Patinir. Πύργος του Χάρωνα. 1520–1524 Rogier van der Weyden (περίπου 1400–1464) Κάθοδος από τον Σταυρό. Γύρω στο 1435. Λάδι σε ξύλο. 220x262 Σε μια προσπάθεια να κατανοήσει τη δυνατότητα καλλιτεχνικής αντανάκλασης του εσωτερικού κόσμου ενός ατόμου, ο Vaden έγινε αναγνωρισμένος δάσκαλος

Από το βιβλίο του συγγραφέα

Πίνακας της Φλάνδρας Peter Paul Rubens. Τρεις Χάριτες. 1630–1635 Jan Brueghel the Elder (Velvet) (1568–1625) Allegory of Sight 1617. Λάδι σε καμβά. 65x109 Ο Φλαμανδός ζωγράφος και χαράκτης Jan Brueghel ανήκει σε μια δυναστεία καλλιτεχνών, ιδρυτής της οποίας ήταν ο πατέρας του Pieter Bruegel

Από το βιβλίο του συγγραφέα

Τέχνη της Ολλανδίας, της Ολλανδίας και της Φλάνδρας Frans Hals. Πορτρέτο ενός άνδρα. Γύρω στο 1635 Jan Van Eyck (1390–1441) Η Παναγία και το Βρέφος ενθρονίστηκαν στο ναό. Τρίπτυχο 1437. Δρυς σανίδα, λάδι. Το κεντρικό μέρος είναι 27,5x21,5, τα πλαϊνά είναι 27,5x8 Αυτό το μικρό κομμάτι είναι γνήσιο

Στο πλαίσιο του Έτους του Βασιλείου των Κάτω Χωρών στη Ρωσική Ομοσπονδία
στο Κρατικό Μουσείο Καλών Τεχνών του Α.Σ. Πούσκιν (Πινακοθήκη ευρωπαϊκών και αμερικανικών χωρών του 19ου-20ου αιώνα)
μέχρι τις 26 Ιανουαρίου 2014 υπήρχε έκθεση έργων από την εταιρική συλλογή του Ομίλου ING
Η μαγεία του ολλανδικού ρεαλισμού.

Ο Όμιλος ING είναι μια από τις μεγαλύτερες διεθνείς χρηματοοικονομικές εταιρείες ολλανδικής καταγωγής. Η συλλογή έργων τέχνης ING σήμερα περιλαμβάνει πάνω από 15 χιλιάδες έργα διαφόρων εθνικών σχολών και κινημάτων. Στην έκθεση του Κρατικού Μουσείου Καλών Τεχνών Πούσκιν, ο Όμιλος ING παρουσιάζει το πιο σημαντικό μέρος της συλλογής του - πίνακες που σχετίζονται με το καλλιτεχνικό κίνημα μαγικός ρεαλισμός.
Στη δεκαετία του 1920 στην Ευρώπη, με το σύνθημα «επιστροφή στην τάξη», ξεκίνησε μια αναβίωση της κλασικής τάσης στην τέχνη. Στην ευρωπαϊκή τέχνη, το πάθος για την αφαίρεση της προηγούμενης δεκαετίας εξασθενεί και οι ρεαλιστικές τάσεις αναβιώνουν. Αυτό οφειλόταν εν μέρει στην οδυνηρή εμπειρία του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου: η γλώσσα της αφηρημένης τέχνης ήταν αρκετά περιορισμένη και οι καλλιτέχνες αναγκάστηκαν να αναζητήσουν νέο στυλγια να εκφράσει τη σκληρότητα της προηγούμενης σφαγής. Αυτό οδήγησε στη γέννηση μιας νέας μορφής ρεαλισμού, που εγκατέλειψε την απεικόνιση της καθημερινής ζωής, όπως συνέβαινε στην τέχνη του 19ου αιώνα, και επικεντρώθηκε σε άλλες τεχνικές. Παρόμοια κινήματα τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται σε όλη την Ευρώπη: «νέα υλικότητα» στη Γερμανία, «μεταφυσική τέχνη» στην Ιταλία, «σουρεαλισμός» στη Γαλλία και, τη δεκαετία του 1930, «μαγικός ρεαλισμός» στην Ολλανδία.

Ο όρος «μαγικός ρεαλισμός» επινοήθηκε για πρώτη φορά στη Γερμανία και αργότερα χρησιμοποιήθηκε στην Ολλανδία από ορισμένους συγγραφείς. Το ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του είναι ότι αντικείμενα από τον πραγματικό κόσμο απεικονίζονται με φωτογραφική ακρίβεια (ρεαλισμός), ωστόσο, αφού τοποθετούνται σε ένα εξωπραγματικό πλαίσιο - αποκύημα της φαντασίας του καλλιτέχνη - το αποτέλεσμα της αποκόλλησης (μαγεία), η καταστροφή της τυπικής αντίληψης του γύρω κόσμου γεννιέται. Για να επιτύχουν αυτό το αποτέλεσμα, οι μαγικοί ρεαλιστές στράφηκαν στις εκλεπτυσμένες τεχνικές της ζωγραφικής του 17ου αιώνα. Ταυτόχρονα, πίσω από την πρόσοψη ενός εμφατικά ρεαλιστικού στυλ ζωγραφικής κρύβεται μια διεισδυτική και βαθιά προσωπική ματιά και η σχολαστική ακρίβεια με την οποία είναι φτιαγμένοι οι πίνακες δημιουργεί ένα αίσθημα αποξένωσης.

Οι καλλιτέχνες αρχίζουν να δείχνουν ενδιαφέρον για την ίδια τη ζωγραφική παράδοση. Ένας από τους πρώτους οπαδούς αυτής της τάσης είναι ο Ολλανδός Karel Willink, ο μοναδικός καλλιτέχνης που έχει την τιμή να συμπεριληφθεί όχι μόνο στη συλλογή της ING, αλλά και σε μεγάλη ιστορίατέχνη του 20ου αιώνα Δεδομένου ότι έβλεπε τα σύγχρονα στυλ ως παροδικά, ο Willink αποφάσισε να τελειώσει τα πειράματά του και να προχωρήσει στην παραδοσιακή ρεαλιστική ζωγραφική.

Karel Willink. Κορίτσι με αναγεννησιακό φόρεμα. 1946

Το βλέμμα όποιου μπαίνει στην έκθεση τραβά αμέσως στο «Κορίτσι με αναγεννησιακό κοστούμι» του Karel Willink. Το κορίτσι του Ρούμπενς με ένα βαρύ μπροκάρ φόρεμα με ένα πρόβατο παιχνίδι σε λουρί, που απεικονίζεται με φόντο ένα κανονικό πάρκο που απλώνεται στην προοπτική του Πατίνιροφ μέχρι τον ορίζοντα, μοιάζει με ηρωίδα κάποιου είδους εφιάλτη. Είτε το παγωμένο ηλεκτρικό φως, όπως στο «Melancholia» του Lars von Trier, δίνει ένα τέτοιο αποτέλεσμα, ή η αντίθεση ανάμεσα στο καθόλου παιδικό και καθόλου αθώο πρόσωπο του μοντέλου και στο ειδυλλιακό σκηνικό στο πνεύμα των παλιών δασκάλων, όπου αυτό μπαίνει πρόσωπο, σαν σε πίνακα, ενεργοποιείται ένα ψεύτικο από επαρχιακό φωτογραφείο. Το "Girl" γράφτηκε το 1945 - κατά τη διάρκεια της κατοχής, ο Karel Willink, παρόλο που αναγνωρίστηκε ως εντελώς Άριος καλλιτέχνης, αρνήθηκε να πουλήσει τους πίνακές του στους Γερμανούς και έβγαζε τα προς το ζην από πορτρέτα. Ωστόσο, αυτή η εικόνα, με όλο τον κατά παραγγελία χαρακτήρα της, θεωρείται ως μια αντανάκλαση της Παλαιάς Ευρώπης, η οποία έχει πεθάνει και που πρέπει τώρα να κατοικηθεί από νέες, άγνωστες φυλές.

Οι υπόλοιποι καλλιτέχνες που παρουσιάζονται στην έκθεση είναι πολύ λιγότερο διάσημοι και φαίνεται να θέλουν να έρθουν σε διαμάχη με τον Willink, αποδεικνύοντάς του με τον μανιακό ρεαλισμό τους ότι οι αξίες του παλιού κόσμου έχουν δικαίωμα στη ζωή. Αλλά ταυτόχρονα, η συλλογή ING δεν μοιάζει καθόλου με εκδήλωση συντηρητισμού.

Ο όρος «μαγικός ρεαλισμός», που καλύπτεται στον τίτλο της έκθεσης, επινοήθηκε από έναν Γερμανό ιστορικό τέχνης και κριτικό Φραντς Ροχτο 1925 για καλλιτέχνες της «νέας υλικότητας», αλλά γρήγορα μετανάστευσαν στο χώρο της λογοτεχνίας και πρακτικά έχασαν κάθε σαφές νόημα στον τομέα της εικαστικής τέχνης. Αυτό που βλέπουμε στην έκθεση είναι ένα ευρύ φάσμα «ισμών». Από τον υπερρεαλισμό - όπως στο "The Box" Φρανς Κλέμεντ, από το οποίο θα πέφτουν ανά πάσα στιγμή εργαλεία κατασκευής, σε σημείο μπανάλ ακαδημαϊσμού - όπως στις παραγωγές νεκρής φύσης Πήτερ ΣέμπενςΚαι Bernard Ferkayka. Υπάρχουν και εδώ θαυμαστές του Andrew Wyeth... Γιόχαν Άμπελινγκμε το «House», που θα μπορούσε άνετα να γίνει «Christina's House». Και οι εννοιολογικοί σαν τον συγγραφέα 7 χιλιάδων αυτοπροσωπογραφιών Φίλιπ Άκερμαν, μαθητής των μεγάλων Γιαν Ντιμπετς. Και οι λάτρεις των μεταμοντέρνων παιχνιδιών όπως Μπαρέντα Μπλάνκερτ, παραθέτοντας παλιούς Ιταλούς ανάμεικτους με τον Ζωρζ Σευρά. Και αυτή η πολύ «νέα ουσία», που περιλαμβάνει τους συνομηλίκους του Karel Willink - Βιμ Σουμάχερμε ασημένια πορτρέτα και τοπία και ο Ντικ Κετ με κολάζ νεκρές φύσεις, επιστρέφοντας την ψευδαισθησιακή πειστικότητα στον κυβιστικό αντικειμενικό κόσμο. Ωστόσο, Ντικ Κετ, στο «Still Life for St. Nicholas Day» κρυπτογραφώντας το όνομά του, από τότε που ανέβηκε γιορτινό τραπέζιμια κούκλα μαριονέτα που ονομάζεται "ket" στα Δυτικά Φριζιανά, παίζει σουρεαλιστικά παιχνίδια. Όπως ο Karel Willink, ο βόρειος μανιερισμός του είναι κοντά στον Max Ernst και τον Salvador Dali και ο καρτεσιανισμός του είναι κοντά στον Rene Magritte.

Μάλλον η συλλογή ING έχει πατριωτικό πρόγραμμα: άλλωστε ο ρεαλισμός θεωρείται μεγάλο επίτευγμα της ολλανδικής χρυσής εποχής. Πολλοί καλλιτέχνες εδώ κάνουν έκκληση στη χρυσή εποχή και στο «Νεκρή φύση με φρούτα στο φόντο ενός τοπίου» από έναν λαμπρό στυλίστα Ραούλ ΧίνκςΘα ήθελα να διορθώσω την ημερομηνία γράφοντας «1635» αντί για «1935». Αλλά κανείς δεν μπορεί να πει ότι τα κίνητρα που ώθησαν τη συλλογή αυτής της εταιρικής συλλογής περιορίζονται στην επιθυμία υποστήριξης της εθνικής καλλιτεχνικής μάρκας. Η έκθεση καταλαμβάνει μόνο τρεις αίθουσες και οι πίνακες απλώς διανέμονται μεταξύ τους σύμφωνα με την αρχή του είδους: πορτρέτο, τοπίο, νεκρή φύση. Ωστόσο, παρ' όλο τον φωτογραφικό ρεαλισμό των έργων, δεν αισθάνεσαι τη διαφορά μεταξύ των ειδών: σχεδιασμένα κυρίως σε θαμπούς ασημί-γκρι τόνους, που φωτίζονται κυρίως από απαλό ματ φως, που διακρίνονται από την αφύσικη καθαρότητα των γραμμών, όλα σε προκαλέστε πρώτα την ιδέα ενός τυπικού ολλανδικού τοπίου και στη συνέχεια αρχίστε να φαίνεται σαν νεκρή φύση. Ένα αριστοτεχνικό και απαθές καστ της πραγματικότητας από το οποίο η ζωή έχει εξαφανιστεί. Όχι ως μια ολιστική εικόνα του πραγματικού κόσμου, αλλά ως ένα σύνολο ενδείξεων που αναφέρονται στον πραγματικό κόσμο ως σκηνή εγκλήματος, όπως μια ρωγμή στο ένα υποβραχιόνιο και ένα τόξο στο άλλο. Μπαρέντα Μπλάνκερτ. Το οποίο εν μέρει περιέγραψε ο ποιητής Τζόζεφ Μπρόντσκισε ένα ποίημα εμπνευσμένο από τον πίνακα του Carl Willink: «Αυτό είναι που λέγεται «μαεστρία»:

Η ικανότητα να μην φοβάστε τη διαδικασία

Η ανυπαρξία - ως δικές της μορφές

Απουσία, έχοντας αντιγράψει από τη ζωή.

Ακολουθώντας τον Willink, εκπρόσωποι του μαγικού ρεαλισμού όπως ο Peike Koch, ο Raoul Hinkuis, ο Dick Kaeth και ο Wim Schumacher γίνονται όλο και πιο δημοφιλείς.

Πέικε Κοχ. Συγκομιδή. 1953

«Ο μαγικός ρεαλισμός απεικονίζει φαινόμενα που είναι πιθανά και όμως απίθανα. Ο σουρεαλισμός, από την πλευρά του, καταδεικνύει καταστάσεις που είναι αδύνατες, δεν υπάρχουν ή δεν μπορούν να υπάρξουν», είπε Πέικε Κοχ, εξηγώντας τη διαφορά μεταξύ του μαγικού ρεαλισμού και του σουρεαλισμού, δύο κινήματα τέχνης που συχνά συγχέονται μεταξύ τους. Ο σουρεαλισμός είναι πρωτίστως ένας κόσμος φαντασίας και ονείρων, ενώ ο μαγικός ρεαλισμός είναι η καθημερινότητα σε ένα νέο πλαίσιο.

Κοινό χαρακτηριστικό όλων των μαγικών ρεαλιστών είναι η ατμόσφαιρα που δημιουργούν οι πίνακές τους. Το αίσθημα ανησυχίας που προκαλούν αυτοί οι πίνακες οφείλεται εν μέρει στον ακραίο ρεαλισμό τους, ο οποίος μειώνει την απόσταση μεταξύ του θεατή και του έργου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει αυστηρή αφήγηση ή πλήρης αφήγηση. Ο καλλιτέχνης προσφέρει μόνο μια σειρά από πιθανές αναγνώσεις, αλλά ποτέ δεν δίνει μια ολοκληρωμένη απάντηση. Δίνεται το δικαίωμα στον θεατή να βγάλει τα συμπεράσματά του.

Η αισθητική του μαγικού ρεαλισμού, αυτός ο συνδυασμός πραγματικότητας και μαγείας, χρειαζόταν φυσικά ορισμένες στυλιστικές τεχνικές. Τα έργα των μαγικών ρεαλιστών διακρίνονται από μια ορισμένη ψυχρότητα και τη φαινομενικά αποστασιοποιημένη ματιά του καλλιτέχνη στο θέμα της εικόνας, που γλιστράει στην επιφάνεια, κάτι που ήταν ιδιαίτερα εμφανές στα πορτρέτα και τις νεκρές φύσεις (Ντικ Καθ, Βιμ Σουμάχερ).

Βιμ Σουμάχερ. Πορτρέτο του Adin Mees. 1933;

Wim Schumacher "Melita in White" 1928

Wim Schumacher "Prats de Mollo" 1929

Ντικ Κετ. Άγιος Νικόλαος, νεκρή φύση. 1931

Dick Ket (1902-1940). Νεκρή φύση με βιολί και αποκόμματα εφημερίδων με αυτοπροσωπογραφίες των W.Schumacher και R.Hynckes.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973).Νεκρή φύση με φρούτα και τοπίο/Νεκρή φύση με φρούτα στο φόντο ενός τοπίου.1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Pears in a Landscape.Ca.1937/Ger Langeweg.Pears in a landscape.

Για τους σύγχρονους εκπροσώπους του μαγικού ρεαλισμού στην Ολλανδία, είναι χαρακτηριστικό και όχι τυχαίο ότι έχουν σχέση με φαινόμενα στην τέχνη του 20ου αιώνα όπως η ποπ αρτ, ο νεοεξπρεσιονισμός και ο φωτορεαλισμός. Τεχνικές επίδειξης κατασκευής του ευφάνταστου κόσμου, η επιθυμία να παίξουμε τον ωφελιμισμό και τα στερεότυπα του περιβάλλοντος χώρου, τη φυγή στον κόσμο του φανταστικού, η χρήση κρυφών νύξεων, το ελεύθερο παιχνίδι με εικόνες και νοήματα κάνουν το έργο του σύγχρονου «μαγικού Καλλιτέχνες παρόμοιοι με τον σουρεαλισμό. Ταυτόχρονα, ο ακραίος βαθμός παραστατικότητας και η προσοχή στη λεπτομέρεια είναι αναμφίβολα μια έκκληση στη ρεαλιστική παράδοση των παλιών Ολλανδών δασκάλων.

Σκοπός της έκθεσης «Η μαγεία του ολλανδικού ρεαλισμού» είναι να δείξει ένα από τα λαμπρότερα φαινόμενα στην ολλανδική τέχνη του 20ου αιώνα - ως διάλογος μεταξύ ζωγράφων πολλών γενεών, μεταξύ μαγικών ρεαλιστών του πρώτου μισού του 20ού αιώνα. αιώνα, συμπεριλαμβανομένων των Wim Schumacher, Karel Willink, Peike Koch και των σύγχρονων οπαδών τους: Philipp Akkerman, Frans Stuurman, Koos van Koulen και άλλων, ένας διάλογος που σας κάνει να θυμάστε την παραδοσιακή κουλτούρα της Ολλανδίας. Στην έκθεση παρουσιάζονται περίπου σαράντα έργα Ολλανδών καλλιτεχνών του 20ου και 21ου αιώνα, που επιδεικνύουν τεχνική μαεστρία, συνδυασμό παράδοσης και καινοτομίας.

Jan van Tongeren (1897-1991).Νεκρή φύση με λευκή κανάτα.1967/ Jan van Tongeren.Νεκρή φύση με λευκή κανάτα

Franc Clement (b.1941).Box.1985/ Franc Clement.Box.

Frans Stuurman "Delfshaven" 1979

Frans Stuurman (g.1952) The Gulf.1994 / Frans Stuurman.Seagull

Jan Worst "Adventurer" 1993

Kick Sailer "Μπροστά στον καθρέφτη" 1993

Kick Seiler "Night" 1992

Pete Sebens "Hilda's Table" 1995

Henk Helmantel (γεν. 1945). Νεκρή φύση με φρούτα ροδιού. 1998. Ξύλο, λάδι

Barend Blankert (g.1941).The Exercise.1991 / Barend Blankert. Ασκηση

Barend Blankert «Δύο αγόρια στη φύση» 1988-1990

Φίλιπ Άκερμαν. Αυτοπροσωπογραφία. 2001

Philip Akkerman (b.1957) 4 Self-Portraits No. 132, No. 51, No. 80, No. 20 / Philip Akerman.4 self-portraits

Το φως στους μαγικούς ρεαλιστικούς πίνακες συχνά φαίνεται τεχνητό, υπερβολικά σκληρό και διακοπτόμενο. Οι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν αυτή την τεχνική για να συνειδητοποιήσουν πλήρως τις μεθόδους χρήσης της προοπτικής που ανέπτυξαν οι κυβιστές.

Επίσης, στους πίνακες των μαγικών ρεαλιστών δύσκολα μπορεί κανείς να βρει αποχρώσεις ή απαλές έγχρωμες λύσεις: Το προσκήνιο και το φόντο απεικονίζονται συχνά με το ίδιο επίπεδο λεπτομέρειας. Μεταξύ των σύγχρονων οπαδών του μαγικού ρεαλισμού, αυτή η τεχνική χρησιμοποιείται από Koos van Koulen.

Koos van Koulen. Όλγα. 2007

Koos van Keulen "Itier and Pisanello" 2003

Matthijs Roling(b.1943).Garden.2005 / Matthijs Roling.Garden

Bernard Verkaaik (γ.1946). Pot, Onions and black Cloth.2004/ Bernard Ferkaaik. Κατσαρόλα, βολβοί και μαύρο ύφασμα

em>
Kenne Gregoire (γεν. 1951). Διάλειμμα για καφέ. 2003. Καμβάς σε ξύλο, ακρυλικό

Harry van der Woude "Αυτοπροσωπογραφία με ένα πορτοκαλί μπολ" 2007

Εμφανίζεται στη Γαλλία τη δεκαετία του 1960 νέο ρεαλισμό, και στις ΗΠΑ και τη Μεγάλη Βρετανία η ποπ αρτ - η ζήτηση για μαγικό ρεαλισμό ως κίνημα πέφτει κατακόρυφα. Την εποχή αυτή άρχισε να εμφανίζεται στην Ευρώπη ο νεοεξπρεσιονισμός. Σε αυτή τη διαδικασία συμμετέχουν ενεργά μεταξύ άλλων Βέλγοι και Ολλανδοί καλλιτέχνες Alphonse FreimuthΚαι Ρότζερ Ρόβελ. Αρχίζουν να δημιουργούν πίνακες σε «φυσικό στυλ», επιστρέφοντας από καιρό σε καιρό στις παραδόσεις των προκατόχων τους, οι οποίοι ανακάλυψαν την κατεύθυνση του «μαγικού ρεαλισμού». Τώρα οι κύριοι είναι πιο τυπικοί για θέματα όπως η αγάπη, η αρμονία, ο θάνατος, τα συναισθήματα, ενώ ο νέος νευρωτικός ρεαλισμός συχνά στρέφεται σε θέματα ταμπού στην κοινωνία. Οι καλλιτέχνες όλων αυτών των κινημάτων πιστεύουν ακράδαντα στην ανάγκη έκφρασης τόσο των προσωπικών τους θέσεων, σκέψεων, όσο και των οικουμενικών ανθρώπινων αξιών, που ενώνει αυτές τις περιόδους στην τέχνη.

Η έκθεση στο σύνολό της δείχνει ξεκάθαρα όχι μόνο τη συνέχεια των σύγχρονων Ολλανδών καλλιτεχνών από τους άμεσους προκατόχους τους, αλλά και έναν συνεχή διάλογο με τον παραδοσιακό πολιτισμό και τη σύνδεση με τη χρυσή εποχή της ολλανδικής ζωγραφικής. Η εύρεση αυτών των διασταυρώσεων και των αμοιβαίων αναφορών γίνεται μια συναρπαστική αναζήτηση για τον θεατή. Ωστόσο, η μαγεία λειτουργεί και με παθητικό στοχασμό. Ωστόσο, ο μαγικός ρεαλισμός είναι οξύμωρο και τα παράδοξα και οι αντιφάσεις πάντα ελκύουν.

P.S. Δυστυχώς, δεν μπόρεσα να παρακολουθήσω την έκθεση, συγκέντρωσα υλικό για αυτήν στο Διαδίκτυο:
Εδαφος διά παιγνίδι γκολφ:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html

Ολλανδική ζωγραφική

Η εμφάνιση και η αρχική του περίοδος συγχωνεύονται σε τέτοιο βαθμό με τα πρώτα στάδια ανάπτυξης της φλαμανδικής ζωγραφικής που οι τελευταίοι ιστορικοί τέχνης θεωρούν και τα δύο για ολόκληρο το διάστημα μέχρι τα τέλη του 16ου αιώνα. αναπόσπαστα, με ένα γενικό όνομα «ολλανδικό σχολείο». Και οι δύο, που αποτελούν τον απόγονο του κλάδου του Ρήνου, είναι χαζοί. Η ζωγραφική, οι κύριοι εκπρόσωποι της οποίας είναι ο Wilhelm της Κολωνίας και ο Stefan Lochner, θεωρούν τους αδερφούς van Eyck ως ιδρυτές τους. Και οι δύο κινούνται προς την ίδια κατεύθυνση εδώ και πολύ καιρό, εμψυχώνονται από τα ίδια ιδανικά, επιδιώκουν τα ίδια καθήκοντα, αναπτύσσουν την ίδια τεχνική, έτσι ώστε οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας να μην διαφέρουν από τους Φλαμανδούς και Μπραμπάντ αδερφούς τους. Αυτό συνεχίζεται σε όλη τη διάρκεια της βασιλείας της χώρας, πρώτα από τους Βουργουνδούς και μετά από τον Αυστριακό οίκο, μέχρι να ξεσπάσει μια βάναυση επανάσταση, που καταλήγει στον πλήρη θρίαμβο των Γκολ. άνθρωποι πάνω από τους Ισπανούς που τους καταπίεσαν. Από αυτή την εποχή, καθένας από τους δύο κλάδους της ολλανδικής τέχνης αρχίζει να κινείται χωριστά, αν και μερικές φορές τυχαίνει να έρχονται σε πολύ στενή επαφή μεταξύ τους. Η Ζ. ζωγραφική παίρνει αμέσως έναν πρωτότυπο, εντελώς εθνικό χαρακτήρα και γρήγορα φτάνει σε μια φωτεινή και άφθονη ανθοφορία. Οι λόγοι αυτού του φαινομένου, του οποίου δύσκολα μπορεί κανείς να συναντήσει σε όλη την ιστορία της τέχνης, έγκειται σε τοπογραφικές, θρησκευτικές, πολιτικές και κοινωνικές συνθήκες. Σε αυτή τη «χαμηλή χώρα» (hol land), που αποτελείται από βάλτους, νησιά και χερσονήσους, που συνεχώς παρασύρεται από τη θάλασσα και απειλείται από τις επιδρομές της, ο πληθυσμός, μόλις πέταξε τον ξένο ζυγό, έπρεπε να δημιουργήσει τα πάντα εκ νέου, ξεκινώντας από τις φυσικές συνθήκες του εδάφους και τελειώνοντας με ηθικές και πνευματικές συνθήκες, γιατί τα πάντα καταστράφηκαν από τον προηγούμενο αγώνα για ανεξαρτησία. Χάρη στην επιχείρησή τους, την πρακτική λογική και την επίμονη δουλειά τους, οι Ολλανδοί κατάφεραν να μετατρέψουν τους βάλτους σε καρποφόρα χωράφια και πολυτελή βοσκοτόπια, να κατακτήσουν τεράστιες εκτάσεις γης από τη θάλασσα, να αποκτήσουν υλική ευημερία και εξωτερική πολιτική σημασία. Το κύριο χαρακτηριστικό που χαρακτηρίζει αυτούς τους καλλιτέχνες είναι η αγάπη τους για τη φύση, η επιθυμία να την αναπαράγουν με όλη της την απλότητα και αλήθεια, χωρίς τον παραμικρό εξωραϊσμό, χωρίς να την υποτάσσουν κάτω από οποιεσδήποτε συνθήκες προκαθορισμένου ιδεώδους. Η δεύτερη χαρακτηριστική ιδιότητα του Goll. Οι ζωγράφοι αποτελούνται από μια λεπτή αίσθηση του χρώματος και την κατανόηση του τι ισχυρή, μαγευτική εντύπωση μπορεί να κάνει, εκτός από το περιεχόμενο της εικόνας, μόνο από την πιστή και ισχυρή μετάδοση πολύχρωμων σχέσεων που καθορίζονται στη φύση από τη δράση του φωτός ακτίνες, εγγύτητα ή εύρος αποστάσεων. Μεταξύ των καλύτερων εκπροσώπων της γεωμετρικής ζωγραφικής, αυτή η αίσθηση του χρώματος και του chiaroscuro αναπτύσσεται σε τέτοιο βαθμό που το φως, με τις αμέτρητες και ποικίλες αποχρώσεις του, παίζει στην εικόνα, θα έλεγε κανείς, το ρόλο του κύριου χαρακτήρα και προσδίδει μεγάλο ενδιαφέρον στον η πιο ασήμαντη πλοκή, οι πιο άκομψες μορφές και εικόνες. Τότε θα πρέπει να σημειωθεί ότι οι περισσότεροι Goll. Οι καλλιτέχνες δεν κάνουν μακροχρόνιες αναζητήσεις υλικού για τη δημιουργικότητά τους, αλλά αρκούνται σε ό,τι βρίσκουν γύρω τους, στη γηγενή τους φύση και στη ζωή των ανθρώπων τους. Τυπικά χαρακτηριστικά διακεκριμένων συμπατριωτών, τα πρόσωπα των απλών Ολλανδών και Ολλανδέζων, η θορυβώδης διασκέδαση των κοινών γιορτών, οι γιορτές των χωρικών, οι σκηνές της αγροτικής ζωής ή η οικεία ζωή των κατοίκων της πόλης, οι ντόπιοι αμμόλοφοι, οι πόλντερ και οι απέραντες πεδιάδες που διασχίζονται από κανάλια, τα κοπάδια που βόσκουν σε πλούσια λιβάδια, καλύβες, φωλιασμένες στην άκρη δάσους οξιάς ή βελανιδιάς, χωριά στις όχθες ποταμών, λιμνών και άλση, πόλεις με τα καθαρά σπίτια τους, κινητή γέφυρες και ψηλά κωδωνοστάσια εκκλησιών και δημαρχείων, λιμάνια γεμάτα πλοία, ουρανός γεμάτος ασημί ή χρυσαφί ατμοί - όλα αυτά, κάτω από τη βούρτσα του . Δάσκαλοι εμποτισμένοι με αγάπη για την πατρίδα και την εθνική υπερηφάνεια, μετατρέπονται σε πίνακες γεμάτους αέρα, φως και ελκυστικότητα. Ακόμη και σε εκείνες τις περιπτώσεις που κάποιοι από αυτούς τους δασκάλους καταφεύγουν στη Βίβλο, την αρχαία ιστορία και τη μυθολογία για θέματα, ακόμη και τότε, χωρίς να ανησυχούν για τη διατήρηση της αρχαιολογικής πιστότητας, μεταφέρουν τη δράση στο περιβάλλον των Ολλανδών, περιβάλλοντάς το με ολλανδικό σκηνικό. Αλήθεια, δίπλα στο κατάμεστο πλήθος τέτοιων πατριωτών καλλιτεχνών υπάρχει μια φάλαγγα άλλων ζωγράφων που αναζητούν έμπνευση έξω από τα σύνορα της πατρίδας, στο κλασική χώρατέχνη, Ιταλία; όμως στα έργα τους υπάρχουν και χαρακτηριστικά που εκθέτουν την εθνικότητα τους. Τέλος, ως χαρακτηριστικό του στόχου. ζωγράφων, μπορεί κανείς να επισημάνει την απάρνηση τους από τις καλλιτεχνικές παραδόσεις. Θα ήταν μάταιο να αναζητήσουμε μεταξύ τους μια αυστηρή συνέχεια γνωστών αισθητικών αρχών και τεχνικών κανόνων, όχι μόνο με την έννοια του ακαδημαϊκού στυλ, αλλά και με την έννοια της αφομοίωσης από τους μαθητές του χαρακτήρα των δασκάλων τους: η εξαίρεση, ίσως, μόνο των μαθητών του Ρέμπραντ, που λίγο πολύ ακολούθησαν τα χνάρια του ιδιοφυούς μέντορά τους, σχεδόν όλοι οι ζωγράφοι στην Ολλανδία, μόλις πέρασαν τα φοιτητικά τους χρόνια, και μερικές φορές ακόμη και σε αυτά τα χρόνια, άρχισαν να εργάζονται σε τον δικό τους τρόπο, ανάλογα με το πού τους οδήγησε η ατομική τους κλίση και τι τους δίδαξε η άμεση παρατήρηση της φύσης. Ως εκ τούτου, ο στόχος. Οι καλλιτέχνες δεν μπορούν να χωριστούν σε σχολεία, όπως κάνουμε με τους καλλιτέχνες της Ιταλίας ή της Ισπανίας. είναι δύσκολο ακόμη και να σχηματιστούν αυστηρά καθορισμένες ομάδες αυτών, και η ίδια η έκφραση " σολ. σχολή ζωγραφικής", το οποίο τέθηκε σε γενική χρήση, θα πρέπει να γίνει κατανοητό μόνο υπό όρους, ως υποδηλώνοντας μια συλλογή από φυλετικούς δασκάλους, αλλά όχι ένα πραγματικό σχολείο. Εν τω μεταξύ, σε όλες τις κύριες πόλεις της Ολλανδίας υπήρχαν οργανωμένες εταιρείες καλλιτεχνών, οι οποίες, Φαίνεται ότι θα έπρεπε να έχουν επηρεάσει την επικοινωνία των δραστηριοτήτων τους μιας γενικής κατεύθυνσης, ωστόσο, τέτοιες κοινωνίες έφεραν το όνομα. συντεχνίες του αγ. Λουκ, αν συνέβαλαν σε αυτό, τότε σε πολύ μέτριο βαθμό. Δεν ήταν ακαδημίες, θεματοφύλακες γνωστών καλλιτεχνικών παραδόσεων, αλλά ελεύθερες εταιρείες, παρόμοιες με άλλες βιοτεχνικές και βιομηχανικές συντεχνίες, που δεν διαφέρουν πολύ από αυτές ως προς τη δομή και στόχευαν στην αμοιβαία υποστήριξη των μελών τους, την προστασία των δικαιωμάτων τους, τη φροντίδα. για τα γηρατειά τους, φροντίζουν για τη μοίρα των χήρων και των ορφανών τους. Κάθε ντόπιος ζωγράφος που πληρούσε τις προϋποθέσεις των ηθικών προσόντων γινόταν δεκτός στη συντεχνία μετά από προκαταρκτική επιβεβαίωση των ικανοτήτων και των γνώσεών του ή με βάση τη φήμη που είχε ήδη αποκτήσει. οι επισκέπτες καλλιτέχνες έγιναν δεκτοί στη συντεχνία ως προσωρινά μέλη για τη διάρκεια της παραμονής τους σε μια δεδομένη πόλη. Όσοι ανήκουν στη συντεχνία συναντήθηκαν για να συζητήσουν, υπό την προεδρία των κοσμητόρων, τις κοινές τους υποθέσεις ή για την αμοιβαία ανταλλαγή σκέψεων. αλλά σε αυτές τις συναντήσεις δεν υπήρχε τίποτα που να έμοιαζε με το κήρυγμα μιας ορισμένης καλλιτεχνικής κατεύθυνσης και που θα έτεινε να περιορίσει την πρωτοτυπία οποιουδήποτε από τα μέλη.

Τα υποδεικνυόμενα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής Γ. είναι αισθητά ακόμη και στις πρώτες μέρες της - σε μια εποχή που αναπτύχθηκε άρρηκτα από τη φλαμανδική σχολή. Η αποστολή της, όπως και της τελευταίας, ήταν τότε κυρίως να διακοσμεί εκκλησίες με θρησκευτικές αγιογραφίες, παλάτια, δημαρχεία και αρχοντικά σπίτια με πορτρέτα κυβερνητικών αξιωματούχων και αριστοκρατών. Δυστυχώς, τα έργα των πρωτόγονων Ελλήνων ζωγράφων έχουν φτάσει σε εμάς μόνο σε πολύ περιορισμένες ποσότητες, αφού τα περισσότερα από αυτά χάθηκαν σε εκείνη την ταραγμένη εποχή που η Μεταρρύθμιση κατέστρεψε τις καθολικές εκκλησίες, κατήργησε μοναστήρια και μοναστήρια και υποκίνησε τους «εικονοθραύστες» (Beeldstormers) να καταστρέψουν τα γραφικά. και γλυπτικές ιερές εικόνες, και η λαϊκή εξέγερση κατέστρεψε παντού τα πορτρέτα των μισητών τυράννων. Ξέρουμε πολλούς από τους καλλιτέχνες που προηγήθηκαν της επανάστασης μόνο ονομαστικά. Μπορούμε να κρίνουμε τους άλλους μόνο από ένα ή δύο δείγματα της δουλειάς τους. Λοιπόν, όσον αφορά το παλαιότερο από τα Γκολ. ζωγράφοι, Albert van Ouwater, δεν υπάρχουν θετικά στοιχεία, εκτός από την πληροφορία ότι ήταν σύγχρονος των van Eycks και εργάστηκε στο Χάρλεμ. Δεν υπάρχουν αξιόπιστοι πίνακές του. Ο μαθητής του Gertjen van Sint-Jan είναι γνωστός μόνο από δύο πίνακες ενός τρίπτυχου που φυλάσσεται στην Πινακοθήκη της Βιέννης ("Holy Sepulcher" και "Legend of the Bones of St. John"), το οποίο έγραψε για τον Καθεδρικό Ναό του Χάρλεμ. Η ομίχλη που μας σκεπάζει στην αρχική εποχή της σχολής G. αρχίζει να διαλύεται με την εμφάνιση στη σκηνή του Dirk Bouts, με το παρατσούκλι Stuerboat († 1475), με καταγωγή από το Χάρλεμ, αλλά που εργαζόταν στο Leuven και επομένως θεωρείται από πολλούς είναι Φλαμανδικό σχολείο(τα καλύτερα έργα του είναι δύο πίνακες «The Wrongful Trial of Emperor Otto», βρίσκονται στο Μουσείο των Βρυξελλών), καθώς και ο Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), του οποίου η κύρια αξία είναι ότι ήταν δάσκαλος του διάσημου Λουκά του Λέιντεν ( 1494-1533). Αυτός ο τελευταίος, ένας πολυπράγμων, εργατικός και εξαιρετικά ταλαντούχος καλλιτέχνης, ήξερε πώς, όπως κανείς πριν από αυτόν, να αναπαράγει με ακρίβεια όλα όσα του τράβηξαν την προσοχή, και ως εκ τούτου μπορεί να θεωρηθεί ο πραγματικός πατέρας του ολλανδικού είδους, αν και έπρεπε να ζωγραφίζει κυρίως θρησκευτικά πίνακες ζωγραφικής και πορτρέτα. Στα έργα του σύγχρονου του Jan Mostaert (περίπου 1470-1556), η επιθυμία για νατουραλισμό συνδυάζεται με ένα άγγιγμα της γοτθικής παράδοσης, τη ζεστασιά του θρησκευτικού συναισθήματος με την ανησυχία για την εξωτερική κομψότητα. Εκτός από αυτά εξαιρετικοί δάσκαλοι, για την αρχική εποχή της G. τέχνης, αξίζει να αναφερθούν οι εξής: Hieronymus van Aken, με το παρατσούκλι J. de Bosch (περ. 1462-1516), ο οποίος έθεσε τα θεμέλια για τη σατιρική καθημερινή ζωγραφική με την περίπλοκη, περίπλοκη και μερικές φορές εξαιρετικά περίεργες συνθέσεις? Jan Mundain († 1520), διάσημος στο Χάρλεμ για τις απεικονίσεις του διαβολισμού και της βαβούρας. Peter Aertsen († 1516), με το παρατσούκλι "Long Peter" (Lange Pier) για το ψηλό του ανάστημα, David Ioris (1501-56), ένας επιδέξιος ζωγράφος γυαλιού, παρασύρθηκε από τις αναβαπτιστικές ανοησίες και φανταζόταν τον εαυτό του ως τον προφήτη Δαβίδ και τον γιο του Ο Θεός, ο Jacob Swarts (1469 ? - 1535?), ο Jacob Cornelissen (1480? - αργότερα 1533) και ο γιος του Dirk Jacobs (δύο πίνακες του τελευταίου, που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού, βρίσκονται στο Αυτοκρατορικό Ερμιτάζ).

Νυμφεύομαι. Van Eyden u. van der Willigen, «Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw» (4 τόμοι, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2ος και 3ος τόμος, 1882-1883); Waagen, «Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen» (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876)· A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890)· P. P. Semenov, "Studies on the history of Dutch painting based on its δείγματα που βρίσκονται στην Αγία Πετρούπολη." (ειδικό παράρτημα στο περιοδικό "Vestn. Fine Arts", 1885-90).

Α. Σόμοβ.

Εγκυκλοπαιδικό Λεξικό F.A. Brockhaus και I.A. Έφρον. - S.-Pb.: Brockhaus-Efron. 1890-1907 .

Ολλανδική ζωγραφική, στις καλές τέχνες

Κοντά μισό XVIτραπέζι. μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων υπάρχει η επιθυμία να απαλλαγούν από τις ελλείψεις της εγχώριας τέχνης - τη γοτθική γωνιότητα και την ξηρότητά της - μελετώντας Ιταλούς καλλιτέχνες της Αναγέννησης και συνδυάζοντας τον τρόπο τους με τις καλύτερες παραδόσεις της δικής τους σχολής. Αυτή η επιθυμία είναι ήδη ορατή στα έργα του προαναφερθέντος Mostert. αλλά ο κύριος διαδότης του νέου κινήματος πρέπει να θεωρηθεί ο Jan Schorel (1495-1562), ο οποίος έζησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ιταλία και αργότερα ίδρυσε ένα σχολείο στην Ουτρέχτη, από το οποίο προήλθαν αρκετοί καλλιτέχνες μολυσμένοι με την επιθυμία να γίνουν Ολλανδοί Ραφαήλ. και ο Μιχαήλ Άγγελος. Στα βήματά του, ο Maarten van Van, με το παρατσούκλι Gemskerk (1498-1574), ο Henryk Goltzius (1558-1616), ο Peter Montford, παρατσούκλι. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Ο Χάρλεμ (1562-1638) και άλλοι που ανήκαν στην επόμενη περίοδο της ιταλικής σχολής, όπως, για παράδειγμα, ο Αβραάμ Μπλόμαερτ (1564-1651), ο Τζέραρντ Γκόνθορστ (1592-1662), ξεπέρασαν τις Άλπεις για να εμποτιστούν με τις τελειότητες. των διαφωτιστών της ιταλικής ζωγραφικής, αλλά έπεσε, ως επί το πλείστον, υπό την επίδραση εκπροσώπων της παρακμής αυτού του πίνακα που άρχιζε εκείνη την εποχή και επέστρεψαν στην πατρίδα τους ως μανιεριστές, φανταζόμενοι ότι όλη η ουσία της τέχνης βρίσκεται στην υπερβολή των μυών, στην επιδεξιότητα των γωνιών και την απήχηση των συμβατικών χρωμάτων. Ωστόσο, το πάθος των Ιταλών για τη ζωγραφική, που συχνά επεκτεινόταν στα άκρα στη μεταβατική εποχή της Γεωργίας, έφερε ένα είδος οφέλους, αφού έφερε σε αυτόν τον πίνακα καλύτερο, πιο μαθημένο σχέδιο και την ικανότητα να διαχειρίζεται τη σύνθεση πιο ελεύθερα και τολμηρά. Μαζί με την παλιά ολλανδική παράδοση και την απεριόριστη αγάπη για τη φύση, ο Ιταλισμός έγινε ένα από τα στοιχεία από τα οποία διαμορφώθηκε η πρωτότυπη, ιδιαίτερα ανεπτυγμένη τέχνη της ακμάζουσας εποχής. Η έναρξη αυτής της εποχής, όπως έχουμε ήδη πει, πρέπει να χρονολογηθεί στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν η Ολλανδία, έχοντας κερδίσει την ανεξαρτησία, άρχισε να ζει νέα ζωή . Η δραματική μετατροπή μιας καταπιεσμένης και φτωχής χώρας μόλις χθες σε μια πολιτικά σημαντική, άνετη και πλούσια ένωση κρατών συνοδεύτηκε από μια εξίσου δραματική επανάσταση στην τέχνη της. Από όλες τις πλευρές, σχεδόν ταυτόχρονα, αναδύονται σε αμέτρητους αριθμούς υπέροχοι καλλιτέχνες, καλούμενοι να δραστηριοποιηθούν από την άνοδο του εθνικού πνεύματος και την ανάγκη για το έργο τους που έχει αναπτυχθεί στην κοινωνία. Στα αρχικά καλλιτεχνικά κέντρα, το Χάρλεμ και το Λάιντεν, προστίθενται νέα - Ντελφτ, Ουτρέχτη, Ντόρτρεχτ, Χάγη, Άμστερνταμ κ.λπ. Παντού τα παλιά καθήκοντα της ζωγραφικής αναπτύσσονται με νέο τρόπο υπό την επίδραση των μεταβαλλόμενων απαιτήσεων και απόψεων, και τους νέους κλάδους της, οι απαρχές των οποίων ήταν ελάχιστα αισθητές την προηγούμενη περίοδο. Η Μεταρρύθμιση έδιωξε τους θρησκευτικούς πίνακες από τις εκκλησίες. δεν χρειαζόταν να διακοσμηθούν τα παλάτια και οι ευγενείς αίθουσες με εικόνες αρχαίων θεών και ηρώων, και επομένως η ιστορική ζωγραφική, που ικανοποιούσε τα γούστα της πλούσιας αστικής τάξης, απέρριψε τον ιδεαλισμό και στράφηκε σε μια ακριβή αναπαραγωγή της πραγματικότητας: άρχισε να ερμηνεύει γεγονότα του μακρού παρελθόντος όπως τα γεγονότα της εποχής που έλαβαν χώρα στην Ολλανδία, και κυρίως έλαβαν προσωπογραφία, διαιωνίζοντας σε αυτήν τα χαρακτηριστικά των ανθρώπων εκείνης της εποχής, είτε σε μονόμορφες μορφές είτε σε εκτενείς, πολυμορφικές συνθέσεις που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού (schutterstuke), οι οποίες έπαιξε τόσο εξέχοντα ρόλο στον αγώνα για την απελευθέρωση της χώρας - οι διαχειριστές των φιλανθρωπικών της ιδρυμάτων (regentenstuke), οι εργοδηγοί των καταστημάτων και τα μέλη διαφόρων εταιρειών. Αν αποφασίσαμε να μιλήσουμε για όλους τους ταλαντούχους προσωπογράφους της ακμάζουσας εποχής της Γαλατίας. τέχνη, τότε και μόνο η λίστα με τα ονόματά τους με ένδειξη των καλύτερων έργων τους θα χρειαζόταν πολλές γραμμές. Ως εκ τούτου, περιοριζόμαστε να αναφέρουμε μόνο εκείνους τους καλλιτέχνες που είναι ιδιαίτερα εξέχοντες από τη γενική τάξη. Αυτοί είναι οι: Michiel Miervelt (1567-1641), ο μαθητής του Paulus Morelse (1571-1638), ο Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572; - 1657), οι προκάτοχοι των τριών μεγαλύτερων προσωπογράφων της Ολλανδίας - των μάγος του chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), ενός ασύγκριτου σχεδιαστή που είχε μια καταπληκτική τέχνη να μοντελοποιεί φιγούρες στο φως, αλλά κάπως ψυχρό χαρακτήρα και χρώμα, Bartholomew van der Gelst (1611 ή 1612-70) και εντυπωσιακό με τη φούγκα του πινέλου του Frans Gols the Elder (1581-1666). Από αυτά, το όνομα του Ρέμπραντ λάμπει ιδιαίτερα έντονα στην ιστορία, στην αρχή εκτιμήθηκε πολύ από τους συγχρόνους του, στη συνέχεια ξεχάστηκε από αυτούς, εκτιμήθηκε ελάχιστα από τους μεταγενέστερους και μόνο τον τρέχοντα αιώνα ανυψώθηκε, με κάθε δικαιοσύνη, στο επίπεδο του κόσμου. ιδιοφυία. Στη χαρακτηριστική καλλιτεχνική του προσωπικότητα συγκεντρώνονται όλα τα καλύτερα προσόντα της ζωγραφικής του Γ., σαν στο επίκεντρο, και η επιρροή του αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τύπους - σε πορτρέτα, ιστορικούς πίνακες, καθημερινές σκηνές και τοπία. Οι πιο διάσημοι μεταξύ των μαθητών και οπαδών του Ρέμπραντ ήταν οι: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ή 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (περίπου 1620-54), Salomon and Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († αργότερα 1645), Gerard Dou (1613-75) και Samuel van Googstraten (1626-78). Εκτός από αυτούς τους καλλιτέχνες, για να συμπληρωθεί ο κατάλογος των καλύτερων προσωπογράφων και ιστορικών ζωγράφων της υπό εξέταση περιόδου, θα πρέπει να ονομάσουμε τον Jan Lievens (1607-30), τον συμμαθητή του Ρέμπραντ του P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) και ο Pieter Nazon (1612-91), εργαζόμενοι, προφανώς, υπό την επιρροή του V. d Gelsta, ο μιμητής των Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan and Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) και Nicholas de Gelta-Stokade (1614-). Οικιακή ζωγραφική , του οποίου τα πρώτα πειράματα εμφανίστηκαν στο παλιό ολλανδικό σχολείο, βρέθηκαν τον 17ο αιώνα. ιδιαίτερα γόνιμο έδαφος στην προτεσταντική, ελεύθερη, αστική, αυτάρεσκη Ολλανδία. Μικρές εικόνες, που αντιπροσώπευαν άτεχνα τα έθιμα και τη ζωή διαφορετικών τάξεων της τοπικής κοινωνίας, φαίνονταν σε αρκετούς ανθρώπους πιο διασκεδαστικές από μεγάλα έργα σοβαρής ζωγραφικής και, μαζί με τοπία, πιο βολικές για τη διακόσμηση φιλόξενων ιδιωτικών κατοικιών. Μια ολόκληρη ορδή καλλιτεχνών ικανοποιεί τη ζήτηση τέτοιων εικόνων, χωρίς να σκέφτεται πολύ την επιλογή των θεμάτων για αυτές, αλλά αναπαράγει συνειδητά όλα όσα συναντά κανείς στην πραγματικότητα, δείχνοντας ταυτόχρονα αγάπη για την οικογένειά τους, στη συνέχεια καλοσυνάτο χιούμορ, με ακρίβεια χαρακτηρίζοντας τις απεικονιζόμενες θέσεις και πρόσωπα και εξευγενισμένο στην κυριαρχία της τεχνολογίας. Ενώ κάποιοι ασχολούνται με τη ζωή των απλών ανθρώπων, σκηνές αγροτικής ευτυχίας και λύπης, ποτό σε ταβέρνες και ταβέρνες, συγκεντρώσεις μπροστά σε πανδοχεία στην άκρη του δρόμου, αγροτικές διακοπές, παιχνίδια και πατινάζ στους πάγους παγωμένων ποταμών και καναλιών κ.λπ., άλλοι παίρνουν το περιεχόμενο για τα έργα τους από έναν πιο κομψό κύκλο - ζωγραφίζουν χαριτωμένα κυρίες στο οικείο τους περιβάλλον, την ερωτοτροπία των δανδή κυρίων, τις νοικοκυρές που δίνουν εντολές στις υπηρέτριές τους, τις ασκήσεις κομμωτηρίου στη μουσική και το τραγούδι, το γλέντι της χρυσής νεότητας σε σπίτια αναψυχής κ.λπ. Στη μεγάλη σειρά των καλλιτεχνών της πρώτης κατηγορίας διαπρέπουν οι Adrian και Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ή 1606-38), Jan Stan (περίπου 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, με το παρατσούκλι Bambocchio στην Ιταλία (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, με το παρατσούκλι Sorg (1621-82), Claes Molenaar (πρώην 1630-76), Jan Minse-Molenar (περίπου 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) και μερικοί. κ.λπ. Από τον εξίσου σημαντικό αριθμό ζωγράφων που αναπαρήγαγαν τη ζωή της μεσαίας και ανώτερης, γενικά επαρκούς, τάξης, οι Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Γκογκ (1630-66), Κάσπαρ Νέτσερ (1639-84), Γαλλία γ. Miris the Elder (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer of Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony and Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) κ.λπ. Η κατηγορία των ζωγράφων του είδους περιλαμβάνει καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν σκηνές στρατιωτικής ζωής, αδράνεια στρατιωτών σε φρουρά , κατασκηνώσεις, αψιμαχίες ιππικού και ολόκληρες μάχες, άλογα γυμναστικής, καθώς και σκηνές κυνηγιού γερακιού και κυνηγόσκυλου που μοιάζουν με σκηνές μάχης. Ο κύριος εκπρόσωπος αυτού του κλάδου της ζωγραφικής είναι ο διάσημος και εξαιρετικά παραγωγικός Philips Wouwerman (1619-68). Εκτός από αυτόν, ο αδερφός της αυτού του δασκάλου, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), τον οποίο σύντομα θα συναντήσουμε ανάμεσα στους τοπιογράφους, τους προαναφερθέντες Παλαμήδη, Jacob Leduc (1600 - αργότερα 1660), Henrik. Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), κ.λπ. Για πολλούς από αυτούς τους καλλιτέχνες, το τοπίο παίζει εξίσου σημαντικό ρόλο με τις ανθρώπινες φιγούρες. αλλά παράλληλα με αυτούς εργάζεται και μια μάζα ζωγράφων που το θέτουν ως κύριο ή αποκλειστικό έργο τους. Γενικά, οι Ολλανδοί έχουν το αναφαίρετο δικαίωμα να είναι περήφανοι που η πατρίδα τους είναι η γενέτειρα όχι μόνο του νεότερου είδους, αλλά και του τοπίου με την έννοια που γίνεται κατανοητό σήμερα. Μάλιστα, σε άλλες χώρες, π.χ. στην Ιταλία και τη Γαλλία, η τέχνη δεν ενδιαφέρθηκε καθόλου για την άψυχη φύση, δεν βρήκε σε αυτήν ούτε μια μοναδική ζωή ούτε ιδιαίτερη ομορφιά: ο ζωγράφος εισήγαγε το τοπίο στους πίνακές του μόνο ως παράπλευρο στοιχείο, ως διακόσμηση, μεταξύ των οποίων επεισόδια ανθρώπινου δράματος ή η κωμωδία παίζεται, και ως εκ τούτου την υποτάσσει τις συνθήκες της σκηνής, επινοώντας γραφικές γραμμές και σημεία που της είναι ευεργετικά, χωρίς όμως να αντιγράφουν τη φύση, χωρίς να διαποτίζονται από την εντύπωση που εμπνέει. Με τον ίδιο τρόπο «συνέθεσε» τη φύση σε εκείνες τις σπάνιες περιπτώσεις που προσπάθησε να ζωγραφίσει έναν καθαρά τοπιογράφο. Οι Ολλανδοί ήταν οι πρώτοι που κατάλαβαν ότι ακόμα και στην άψυχη φύση όλα αναπνέουν ζωή, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλούν σκέψη και να συναρπάζουν την κίνηση της καρδιάς. Και αυτό ήταν απολύτως φυσικό, γιατί οι Ολλανδοί, ας πούμε, δημιούργησαν τη φύση γύρω τους με τα χέρια τους, την εκτιμούσαν και τη θαύμασαν, όπως ένας πατέρας λατρεύει και θαυμάζει το δικό του πνευματικό τέκνο. Επιπλέον, αυτή η φύση, παρά τη σεμνότητα των μορφών και των χρωμάτων της, παρείχε στους χρωματιστές όπως οι Ολλανδοί άφθονο υλικό για την ανάπτυξη μοτίβων φωτισμού και εναέριας προοπτικής λόγω των κλιματικών συνθηκών της χώρας - τον κορεσμένο με ατμό αέρα της, μαλακώνοντας τα περιγράμματα του αντικείμενα, που παράγουν μια διαβάθμιση τόνων σε διαφορετικά σχέδια και καλύπτουν την απόσταση με μια ομίχλη αργυρής ή χρυσής ομίχλης, καθώς και τη μεταβλητότητα της εμφάνισης των περιοχών που καθορίζονται από την εποχή του χρόνου, την ώρα της ημέρας και τις καιρικές συνθήκες. Από τους τοπιογράφους της περιόδου της ανθοφορίας, οι Ολλανδοί. σχολεία που ήταν διερμηνείς της εγχώριας φύσης τους είναι ιδιαίτερα σεβαστά: Jan V. Goyen (1595-1656), ο οποίος μαζί με τον Esaias van de Velde (περ. 1590-1630) και τον Pieter Moleyn the Elder. (1595-1661), που θεωρείται ο ιδρυτής του Γκολ. τοπίο; τότε αυτός ο μαθητής του μεταπτυχιακού, ο Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (περ. 1600 - αργότερα 1679), λάτρης των εφέ του καλύτερου φωτισμού Τέχνη. d Nair (1603-77), ποιητικός Jacob v. Ruisdael (1628 ή 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) και Cornelis Dekker († 1678). Μεταξύ των Ολλανδών υπήρχαν και πολλοί τοπιογράφοι που ξεκίνησαν ταξίδια και αναπαρήγαγαν μοτίβα ξένης φύσης, κάτι που όμως δεν τους εμπόδισε να διατηρήσουν έναν εθνικό χαρακτήρα στη ζωγραφική τους. Albert V. Ο Έβερντινγκεν (1621-75) απεικόνισε απόψεις της Νορβηγίας. Jan Both (1610-52), Dirk v. Μπέργκεν († αργότερα 1690) και Γιαν Λίνγκελμπαχ (1623-74) - Ιταλία; Ian V. δ. Δήμαρχος ο νεότερος (1656-1705), Χέρμαν Σάφτλεβεν (1610-85) και Γιαν Γκρίφιρ (1656-1720) - Ρέινα. Jan Hackart (1629-99;) - Γερμανία και Ελβετία. Ο Cornelis Pulenenburg (1586-1667) και μια ομάδα οπαδών του ζωγράφισαν τοπία εμπνευσμένα από την ιταλική φύση, με ερείπια αρχαίων κτιρίων, νύμφες που κολυμπούν και σκηνές μιας φανταστικής Αρκαδίας. Σε μια ειδική κατηγορία μπορούμε να ξεχωρίσουμε μάστορες που στους πίνακές τους συνδύασαν τοπία με εικόνες ζώων, δίνοντας προτίμηση είτε στο πρώτο είτε στο δεύτερο ή αντιμετωπίζοντας και τα δύο μέρη με την ίδια προσοχή. Ο πιο διάσημος από αυτούς τους ζωγράφους του αγροτικού ειδυλλίου είναι ο Paulus Potter (1625-54). Εκτός από αυτόν, εδώ πρέπει να συμπεριληφθεί και ο Άντριαν. d Velde (1635 ή 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) και πολυάριθμοι καλλιτέχνες που στράφηκαν για θέματα κατά προτίμηση ή αποκλειστικά στην Ιταλία, όπως: Willem Romain († αργότερα 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616;-77) Frederic de Moucheron (1633 ή 1634 -86) κλπ. Η ζωγραφική συνδέεται στενά με το τοπίο αρχιτεκτονικές απόψεις, με την οποία οι Ολλανδοί καλλιτέχνες άρχισαν να ασχολούνται ως ανεξάρτητος κλάδος τέχνης μόλις στα μισά του 17ου αιώνα. Μερικοί από εκείνους που από τότε εργάστηκαν σε αυτόν τον τομέα ήταν περίπλοκοι στην απεικόνιση των δρόμων και των πλατειών της πόλης με τα κτίριά τους. αυτοί είναι, μεταξύ άλλων, λιγότερο σημαντικοί, οι Johannes Bärestraten (1622-66), Job and Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d Heyden (1647-1712) και Jacob v. χωριό Γιούλφτ (1627-88). Άλλοι, μεταξύ των οποίων οι πιο εξέχοντες είναι οι Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Ο Delen (1605-71), ο Emmanuel de Witte (1616 ή 1617-92), ζωγράφισαν εσωτερικές όψεις εκκλησιών και παλατιών. Η θάλασσα ήταν τόσο σημαντική στη ζωή της Ολλανδίας που η τέχνη της δεν μπορούσε να την αντιμετωπίσει παρά μόνο με τη μεγαλύτερη προσοχή. Πολλοί από τους καλλιτέχνες του που ασχολήθηκαν με τοπία, είδη, ακόμη και πορτρέτα, ξεφεύγοντας για λίγο από τα συνηθισμένα τους θέματα, έγιναν ναυτικοί ζωγράφοι και αν αποφασίσαμε να απαριθμήσουμε όλους τους Ολλανδούς ζωγράφους. σχολεία που απεικονίζουν μια ήρεμη ή μανιασμένη θάλασσα, πλοία που λικνίζονται πάνω της, λιμάνια γεμάτα με πλοία, ναυμαχίες κ.λπ., τότε θα είχαμε έναν πολύ μακρύ κατάλογο που θα περιλάμβανε τα ονόματα του Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdahl, A. Cuyp και άλλοι που έχουν ήδη αναφερθεί στις προηγούμενες γραμμές. Περιοριζόμενοι στο να επισημάνουμε εκείνους για τους οποίους η ζωγραφική θαλάσσιων ειδών ήταν ειδικότητα, πρέπει να ονομάσουμε τον Willem v. de Velde the Elder (1611 ή 1612-93), ο διάσημος γιος του V. v. de Velde ο νεότερος (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) και Julius Parcellis († αργότερα 1634). Τέλος, η ρεαλιστική κατεύθυνση της ολλανδικής σχολής ήταν ο λόγος που διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε αυτήν ένα είδος ζωγραφικής, που σε άλλα σχολεία μέχρι τότε δεν είχε καλλιεργηθεί ως ιδιαίτερος, ανεξάρτητος κλάδος, δηλαδή ζωγραφική λουλουδιών, φρούτων, λαχανικών, ζωντανά πλάσματα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη κ.λπ. - με μια λέξη, αυτό που σήμερα αποκαλείται συνήθως «νεκρή φύση» (nature morte, Stilleben). Στην περιοχή αυτή μεταξύ των Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες της ακμής ήταν ο Jan-Davids de Gem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Abraham Mignon (1640-79), ο Melchior de Gondecoeter (1636-95), η Maria Osterwijk (1630). -93) , Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - αργότερα 1678), Willem Kalf (1621 ή 1622-93) και Jan Waenix (1640-1719).

Η λαμπρή περίοδος της ολλανδικής ζωγραφικής δεν κράτησε πολύ - μόνο έναν αιώνα. Από τις αρχές του 18ου αιώνα. Η παρακμή του έρχεται, όχι επειδή οι ακτές του Zuiderzee παύουν να παράγουν έμφυτα ταλέντα, αλλά επειδή η κοινωνία αποδυναμώνεται ολοένα και περισσότερο εθνική ταυτότητα, το εθνικό πνεύμα εξατμίζεται και οι γαλλικές γεύσεις και απόψεις της πομπώδους εποχής του Λουδοβίκου XIV ριζώνουν. Στην τέχνη, αυτή η πολιτιστική στροφή εκφράζεται με τη λήθη εκ μέρους των καλλιτεχνών εκείνων των βασικών αρχών από τις οποίες εξαρτιόταν η πρωτοτυπία των ζωγράφων των προηγούμενων γενεών και η έφεση στις αισθητικές αρχές που προέρχονται από μια γειτονική χώρα. Αντί για άμεση σχέση με τη φύση, η αγάπη για αυτό που είναι εγγενές και η ειλικρίνεια, η κυριαρχία των προκατασκευασμένων θεωριών, η σύμβαση και η μίμηση των Poussin, Lebrun, Cl. Λορέν και άλλοι διαφωτιστές της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διαπραγματευτής αυτής της θλιβερής τάσης ήταν ο Φλαμανδός Gerard de Leresse (1641-1711), ο οποίος εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ, ένας ικανότατος και μορφωμένος καλλιτέχνης στην εποχή του, ο οποίος άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στους άμεσους απογόνους του, τόσο με το ψεύδος του. -ιστορικούς πίνακες και με έργα της δικής του πένας, μεταξύ των οποίων ένα - «Το μεγάλο βιβλίο του ζωγράφου» («t groot schilderboec») - λειτούργησε ως κώδικας για τους νέους καλλιτέχνες για πενήντα χρόνια Η παρακμή της σχολής συνέβαλε ο διάσημος Adrian V. de Werff (1659-1722), του οποίου η κομψή ζωγραφική με ψυχρές, σαν κομμένες φιγούρες από ελεφαντόδοντο, με ένα θαμπό, ανίσχυρο χρώμα, φαινόταν κάποτε το απόγειο της τελειότητας μεταξύ των οπαδών αυτού του καλλιτέχνη. Ο Henrik V. Limborg (1680-1758) και ο Philip V.-Dyck (1669-1729), με το παρατσούκλι "Little V.", ήταν διάσημοι ως ιστορικοί ζωγράφοι -Dyck. Από τους άλλους ζωγράφους της εν λόγω εποχής αναμφισβήτητο ταλέντο, αλλά μολυσμένο με το πνεύμα της εποχής, πρέπει να σημειωθεί Willem and France v. Miris the Younger (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) και Carel de Maur (1656-173). Λίγη λάμψη έδωσε στο ετοιμοθάνατο σχολείο ο Cornelis Troost (1697-1750), κυρίως σκιτσογράφος, με το παρατσούκλι Dutch. Ο Γκόγκαρθ, ο πορτραίτης Jan Quincgard (1688-1772), ο διακοσμητικός και ιστορικός ζωγράφος Jacob de Wit (1695-1754) και οι ζωγράφοι της νεκρής φύσης Jan V. Geysum (1682-1749) και Rachel Reisch (1664-1750).

Η ξένη επιρροή επιβάρυνε την ολλανδική ζωγραφική μέχρι τη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα, έχοντας καταφέρει να αντικατοπτρίσει σε αυτήν λίγο πολύ τις αλλαγές που επέφερε η τέχνη στη Γαλλία, ξεκινώντας από την κατασκευή περουκών της εποχής του Βασιλιά Ήλιου και τελειώνοντας με τον ψευδοκλασικισμό του Δαβίδ. Όταν το ύφος των τελευταίων απαρχαιώθηκε και παντού στη Δυτική Ευρώπη, αντί της γοητείας με τους αρχαίους Έλληνες και Ρωμαίους, γεννήθηκε μια ρομαντική επιθυμία, κατακτώντας τόσο την ποίηση όσο και τις παραστατικές τέχνες, οι Ολλανδοί, όπως και άλλοι λαοί, έστρεψαν το βλέμμα τους στο την αρχαιότητα τους, άρα και την ένδοξη περασμένη ζωγραφική τους. Η επιθυμία να του δώσει ξανά τη λάμψη με την οποία έλαμψε τον 17ο αιώνα άρχισε να εμπνέει τους νεότερους καλλιτέχνες και τους επέστρεψε στις αρχές των αρχαίων εθνικών δασκάλων - σε μια αυστηρή παρατήρηση της φύσης και μια έξυπνη, ειλικρινή στάση απέναντι στα καθήκοντα του χέρι. Ταυτόχρονα, δεν προσπάθησαν να εξαλειφθούν εντελώς από την ξένη επιρροή, αλλά όταν πήγαν για σπουδές στο Παρίσι ή στο Ντίσελντορφ και σε άλλα καλλιτεχνικά κέντρα στη Γερμανία, έμαθαν μόνο μια γνωριμία με τις επιτυχίες της σύγχρονης τεχνολογίας. Χάρη σε όλα αυτά, το αναβίωσε Ολλανδικό σχολείοέχει και πάλι ένα πρωτότυπο, όμορφο πρόσωπο και κινείται σήμερα στο μονοπάτι που οδηγεί σε περαιτέρω πρόοδο. Μπορεί εύκολα να αντιπαραβάλει πολλές από τις νεότερες φιγούρες της με τους καλύτερους ζωγράφους του 19ου αιώνα σε άλλες χώρες. Ζωγραφική ιστορίαςΜε την αυστηρή έννοια του όρου, καλλιεργείται σε αυτό, όπως παλιά, πολύ μέτρια και δεν έχει εξαιρετικούς εκπροσώπους. Αλλά όσον αφορά το ιστορικό είδος, ο Holland μπορεί να υπερηφανεύεται για αρκετούς σημαντικούς πρόσφατους δασκάλους, όπως: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (γεν. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (γεν. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) και τον εξαιρετικά ταλαντούχο Lawrence Alma-Tadema (γεν. 1836), που εγκατέλειψε στην Αγγλία. Όσον αφορά το καθημερινό είδος, που περιλαμβανόταν επίσης στον κύκλο δραστηριότητας αυτών των καλλιτεχνών (με εξαίρεση τον Alma-Tadema), μπορεί κανείς να επισημάνει έναν αριθμό εξαιρετικών ζωγράφων, με επικεφαλής τον Joseph Israels (γενν. 1824) και τον Christoffel. Bisschop (γ. 1828); Εκτός από αυτούς, οι Michiel Verseg (1756-1843), ο Elhanon Vervaer (γ. 1826), η Teresa Schwarze (γ. 1852) και ο Valli Mus (γ. 1857) είναι άξιοι να ονομαστούν. Ο νεότερος στόχος είναι ιδιαίτερα πλούσιος. ζωγραφική από τοπιογράφους που εργάστηκαν και εργάζονται με διάφορους τρόπους, άλλοτε με προσεκτική ολοκλήρωση, άλλοτε με την ευρεία τεχνική των ιμπρεσιονιστών, αλλά πιστούς και ποιητικούς ερμηνευτές της ιθαγενούς φύσης τους. Σε αυτούς περιλαμβάνονται οι Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (γ. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (γ. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (γ. 1837), Lodewijk Apol (γ. 1850) και πολλοί άλλοι. κλπ. Άμεσοι κληρονόμοι του Υα. Εμφανίστηκαν οι D. Heyden και E. de Witte ζωγράφοι υποσχόμενων απόψεων, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gove (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), κ.λπ. Από τους νεότερους ναυτικούς ζωγράφους της Ολλανδίας, οι Η παλάμη ανήκει στο Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (γ. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) και Henrik Mesdag (γ. 1831). Τέλος, τα ζώα παρουσιάστηκαν στη ζωγραφική μεγάλη τέχνη Wouters Verschoor (1812-74) και Johann Gas (γεν. 1832).

Νυμφεύομαι. Van Eyden u. van der Willigen, «Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw» (4 τόμοι, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2ος και 3ος τόμος, 1882-1883); Waagen, «Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen» (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876)· A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890)· P. P. Semenov, "Studies on the history of Dutch painting based on its δείγματα που βρίσκονται στην Αγία Πετρούπολη." (ειδικό παράρτημα στο περιοδικό "Vestn. Fine Arts", 1885-90).

Σχεδόν διακόσια χρόνια αργότερα, το 1820, σε αυτό το κτίριο βρισκόταν η Βασιλική Πινακοθήκη - μια από τις καλύτερες συλλογές ολλανδικής ζωγραφικής του 15ου-17ου αιώνα στον κόσμο.

XVII αιώνα ονομάζεται «χρυσή εποχή» της ολλανδικής ζωγραφικής (δεν πρέπει να συγχέεται με τη φλαμανδική «χρυσή εποχή», η οποία αναφέρεται στο έργο των καλλιτεχνών της Φλάνδρας τον 15ο αιώνα - των λεγόμενων «Φλαμανδών πρωτογονιστών»).

Όλα τα είδη αυτής της εποχής της ολλανδικής καλλιτεχνικής τέχνης εκπροσωπούνται πλήρως και ποικιλοτρόπως στη γκαλερί: υπέροχα παραδείγματα πορτρέτων, τοπίων, νεκρών φύσεων, ιστορικών ζωγραφικών έργων και τέλος, η κύρια ανακάλυψη των Ολλανδών δασκάλων - σκηνές είδους ή σκηνές καθημερινής ζωής .

Φαίνεται ότι δεν υπάρχει ούτε ένας σημαντικός καλλιτέχνης από την Ολλανδία του οποίου το έργο δεν θα παρουσιαζόταν στο Μουσείο της Χάγης. Εδώ είναι οι πορτραίτες Anton van Dyck και Jacob van Kampen, και οι δάσκαλοι της νεκρής φύσης Willem van Elst και Balthasar van der Ast, διάσημοι τοπιογράφοι: Hendrik Averkamp με το διάσημο «Winter Landscape», Jan van Goyen και Salomon van Ruisdel και, φυσικά , λαμπρές μάστερ σκηνή του είδους Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou και άλλοι.

Ανάμεσα στα πολλά διάσημα ονόματα, ξεχωρίζουν τέσσερα από τα πιο σημαντικά για την ολλανδική τέχνη. Πρόκειται για τον Jan Steen, τον Frans Hals και δύο από τις μεγαλύτερες Ολλανδές ιδιοφυΐες, τον Rembrandt van Rijn και τον Johannes Vermeer.
Σε εκείνη την εποχή, ο Ολλανδός καλλιτέχνης αφιέρωνε συχνά την τέχνη του σε οποιοδήποτε αγαπημένο είδος. Τέτοιοι είναι ο Στεν και ο Χαλς. Σε όλη τους τη ζωή αυτοί οι καλλιτέχνες δούλεψαν ο καθένας στον τομέα του: ο Sten ανέπτυξε τη σκηνή του είδους, ο Hals πέτυχε την υψηλότερη δεξιοτεχνία στο πορτραίτο.

Σήμερα το έργο αυτών των δασκάλων θεωρείται κλασικό στο είδος του. Στο μουσείο μπορείτε να δείτε το «The Laughing Boy» του Frans Hals και το «The Old Man Sings - The Young People Sing Along» του Jan Steen.
Ούτε ο Ρέμπραντ ούτε ο Βερμέερ συνέδεσαν τη δουλειά τους με κάποιο είδος. Και οι δύο, αν και με διαφορετική ένταση, δούλεψαν σε διάφορους τομείς, από το πορτραίτο μέχρι το τοπίο, και παντού έφτασαν σε δυσβάσταχτα ύψη, βγάζοντας αποφασιστικά την ολλανδική ζωγραφική από το στενό πλαίσιο του είδους.

Ο Ρέμπραντ εκπροσωπείται γενναιόδωρα στα μουσεία της πατρίδας του. Η ποικιλομορφία της κληρονομιάς του αντικατοπτρίζεται και στην έκθεση της Χάγης. Το μουσείο εκθέτει τρεις πίνακες του καλλιτέχνη: «Ο Συμεών που υμνεί τον Χριστό», «Το μάθημα της ανατομίας του γιατρού Τούλπα» και μια από τις τελευταίες αυτοπροσωπογραφίες του μεγάλου δασκάλου.
Ο Βερμέερ, αντίθετα, άφησε εξαιρετικά λίγους πίνακες. Ο αριθμός των μουσείων που κατέχουν έναν ή δύο πίνακες αυτού του αινιγματικού ζωγράφου μπορεί να μετρηθεί στο ένα χέρι.

Μόνο έξι από τα αριστουργήματά του παραμένουν στην πατρίδα του καλλιτέχνη. Τέσσερα από αυτά -η μεγαλύτερη συλλογή Vermeer στον κόσμο- φυλάσσονται στο Riksmuseum στο Άμστερνταμ. Η Χάγη είναι δικαίως περήφανη για τα άλλα δύο. Αυτή είναι η περίφημη "Προβολή του Ντελφτ" - η γενέτειρα του Βερμέερ και, ίσως, ο πιο διάσημος πίνακας του, που έγινε η "επισκεπτήριο" του μουσείου - "Κορίτσι με Πέρλα Θείο".
Η συλλογή πινάκων από την Ολλανδία του 17ου αιώνα είναι ο κύριος πλούτος του μουσείου. Ωστόσο, η έκθεση δεν περιορίζεται σε αυτήν: η γκαλερί της Χάγης είναι περήφανη για τις δημιουργίες καλλιτεχνών μιας άλλης «χρυσής εποχής» - της Φλαμανδικής. Φιλοξενεί έργα δασκάλων του 15ου αιώνα: «Θρήνος του Χριστού» του Rogier van der Weyden και «Portrait of a Man» του Hans Memling.
Η συλλογή Moritzhaus συμπληρώνεται από την Πινακοθήκη Prince Willem V Αυτή είναι χρονολογικά η πρώτη μουσείο τέχνηςΟλλανδία. Η έκθεσή του, που κάποτε συλλέχθηκε από τον ίδιο τον πρίγκιπα και αντικατοπτρίζει το γούστο του, είναι αφιερωμένη ζωγραφική XVIII V.

Το Moritzhaus είναι ανοιχτό από Τρίτη έως Σάββατο από τις 10 π.μ. έως τις 5 μ.μ. Τις Κυριακές και τα Σαββατοκύριακα - από τις 11 έως τις 17 ώρες. Κλειστά τη Δευτέρα. Τιμή εισιτηρίου 12,50 NLG. Παιδιά από 7 έως 18 ετών - 6,50 NLG.

Η Willem V Gallery είναι ανοιχτή καθημερινά από τις 11 π.μ. έως τις 4 μ.μ. Κλειστά τη Δευτέρα. Η τιμή του εισιτηρίου είναι 2,50 NLG. Παιδιά από 7 έως 18 ετών - 1,50 NLG. Η είσοδος στη Γκαλερί Willem V είναι δωρεάν με την επίδειξη εισιτηρίου Moritzhaus.

Όλοι γνωρίζουμε ότι μοναδικά έργα τέχνης έχουν δημιουργηθεί στην Ολλανδία κατά τη διάρκεια των αιώνων. Τι συμβαίνει όμως στη σκηνή της σύγχρονης τέχνης σήμερα; Ποιος νέος καλλιτέχνης μπορεί να πάρει τη θέση του στην ιστορία; Το Άμστερνταμ, όπως και πολλές άλλες μεγάλες ολλανδικές πόλεις, έχει πολλές ενδιαφέρουσες γκαλερί, που διοργανώνουν μεγάλες εκθέσεις ταλαντούχων δημιουργικών καλλιτεχνών από όλη τη χώρα. Δεδομένου ότι υπάρχει ένας τεράστιος αριθμός σύγχρονων Ολλανδών καλλιτεχνών, διάσημων τόσο στο εσωτερικό όσο και στο εξωτερικό, τα έργα τους βρίσκονται τόσο στο μεγάλα μουσείαεπίπεδο του Stedelijk, καθώς και σε μικρές γκαλερί KochxBos Gallery ή Nederlands Fotomuseum.

Παρακάτω είναι πέντε ανερχόμενοι Ολλανδοί καλλιτέχνες που έχουν προσελκύσει την παγκόσμια προσοχή και αναμφίβολα θα συνεισφέρουν στην ολλανδική ιστορία της τέχνης.

Daan Roosegaard

«Ο στόχος της δουλειάς μου είναι να κάνω τους ανθρώπους να σκέφτονται για το μέλλον», λέει ο Roosegaard. Αυτός ο καλλιτέχνης και καινοτόμος είναι ο νικητής πολλών βραβείων. Έγινε γνωστός στον κόσμο της σύγχρονης τέχνης με την εγκατάστασή του το 2006 Dune. Διαδραστικές φωτεινές πινακίδες που έχουν τοποθετηθεί κατά μήκος του ποταμού Μάας στο Ρότερνταμ άνοιξαν την πόρτα για έναν καλλιτέχνη που έχει εμμονή με την τεχνολογία, το σχέδιο και την αρχιτεκτονική. Στα έργα του, ο Roosegaard δημιουργεί έναν φουτουριστικό κόσμο στον οποίο άνθρωποι και τεχνολογία αλληλεπιδρούν αρμονικά μεταξύ τους. Από τον Φεβρουάριο έως τις 5 Μαΐου, το «Lotus Dome» θα εκτίθεται στην αίθουσα Beuning του Rijksmuseum. Αυτός ο θόλος των δύο μέτρων αντιδρά στην προσέγγιση των ανθρώπων: εκατοντάδες λουλούδια αλουμινίου ανθίζουν, νιώθοντας τη ζεστασιά των επισκεπτών.

Levi van Veluw

Οι παραδοσιακοί τρόποι δημιουργίας έργων τέχνης για τον van Veluwu, έναν καλλιτέχνη από το Heuwelaken, σαφώς δεν επαρκούν. Το χαρτοφυλάκιό του περιλαμβάνει φωτογραφίες, γλυπτά, σχέδια και εγκαταστάσεις, και η χρήση του εαυτού του ως υλικού είναι το χαρακτηριστικό της δουλειάς του. Δεν είναι τυχαίο ότι η πρώτη του έκθεση στην γκαλερί Ron Mandos στο Άμστερνταμ περιλάμβανε μια σειρά από έξι φωτογραφίες που απεικόνιζαν όμορφα λεπτομερή σχέδια με στυλό. Αντί για καμβά, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε στο πρόσωπό του. Η σύνδεση μεταξύ σώματος και επιφάνειας ανακαλύφθηκε από μεταπολεμικούς καλλιτέχνες, οι οποίοι ανέπτυξαν την τέχνη της περφόρμανς σε επίπεδο που δεν είχε ξαναδεί. Αλλά η χρήση καθημερινών αντικειμένων όπως ένα στυλό για τη δημιουργία ενός έργου τέχνης έπαιξε σημαντικό ρόλο στην επιτυχία του van Veluwe. Αναπτύσσοντας την ιδέα με το δικό του προσωπικό στυλ, ο Levi van Veluw μπόρεσε να εκθέσει τη δουλειά του στα καλύτερα μουσεία του κόσμου και να φέρει τη σύγχρονη ολλανδική τέχνη στη διεθνή σκηνή.

Τόνι Βαν Τιλ

Ο Τόνι Βαν Τιλ έλαβε τριτοβάθμιας εκπαίδευσηςστις Καλές Τέχνες από την St. Justa, ένα εκπαιδευτικό ίδρυμα που βρίσκεται στη μικρή νότια πόλη Breda, το 2007. Μετά την αποφοίτησή του, ο νεαρός καλλιτέχνης ασχολείται με ενδιαφέροντα έργα. Ένα από αυτά είναι τα «Τwitter Sculptures». Από το 2012 διατηρεί λογαριασμό στο Twitter όπου περιγράφει ιδέες για γλυπτά με 140 χαρακτήρες. Για παράδειγμα, μια από τις ιδέες είναι «ένα πορτρέτο μιας καλλονής με μπότοξ, μεγεθυσμένο σε μέγεθος τοίχου 4 ορόφων», άλλες είναι πιο αφηρημένες: η δημιουργία «σκιών με αυξανόμενο πόνο» μεταξύ των άλλων έργων του καλλιτέχνη σειρά σχεδίων που περιέχουν περισσότερες ιδέες για γλυπτά. Είναι το tweet μια δημιουργική διαδικασία; Για τον Van Til, η απάντηση είναι ναι.

Anouk Kruythof

Αυτός ο καλλιτέχνης με έδρα το Ντόρντρεχτ χρησιμοποιεί φωτογραφίες ως υλικό πηγής για να δημιουργήσει γλυπτά, εγκαταστάσεις, βιβλία και φυλλάδια για διανομή. Μερικές φορές δημιουργεί ανώνυμα αντικείμενα (όπως κάρτες και αφίσες) που οι επισκέπτες μπορούν να πάρουν σπίτι. Το Μουσείο Stedelijk φιλοξενεί αυτήν την περίοδο έκθεση της ίδιας και της συναδέλφου της Ολλανδής καλλιτέχνιδας Pauline Olseten. Η εγκατάσταση στο ισόγειο παρουσιάζει την ερμηνεία τους στη φωτογραφία δρόμου. Χαρακτηριστικό γνώρισμαέργα είναι ένας τονισμένος θαυμασμός για τους ανθρώπους και τους ξένους. Μια άλλη πτυχή της ζωής που τραβάει την προσοχή της είναι το χρώμα. Σύμφωνα με την καλλιτέχνιδα, «δημιουργεί τάξη στο χάος» χρησιμοποιώντας τη μέθοδο της χρωματικής διαβάθμισης.

Χάρμα Χάικενς

Είναι δύσκολο να μην αναφέρουμε τη Harma Heikes όταν μιλάμε για τη σύγχρονη ολλανδική τέχνη. Οι πρώτες της εκθέσεις χρονολογούνται στις αρχές της δεκαετίας του 1990. Τα γλυπτά σε φυσικό μέγεθος συνδυάζουν στυλ manga και σύγχρονη street art. Το έργο της Χάρμα Χάικενς δεν είναι εύκολο να γίνει αντιληπτό, ειδικά στην αρχή. Πολλοί τους αποκαλούσαν ακόμη και «ιδιόρρυθμο κιτς». Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι ο καλλιτέχνης επέλεξε ένα πολύ οδυνηρό θέμα: την εκμετάλλευση των παιδιών σε μια καταναλωτική κοινωνία όπου οι αξίες διαστρεβλώνονται. Τα γλυπτά της απεικονίζουν τον διαταραγμένο κόσμο των φτωχών και εκμεταλλευόμενων παιδιών, λειτουργώντας ως αφύπνιση στον θεατή για να αντιμετωπίσει βαθιά ριζωμένα κοινωνικά προβλήματα.

Ολλανδία. 17ος αιώνας Η χώρα γνωρίζει πρωτοφανή ευημερία. Η λεγόμενη «Χρυσή Εποχή». Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν την ανεξαρτησία τους από την Ισπανία.

Τώρα οι Προτεσταντικές Κάτω Χώρες έχουν ακολουθήσει τον δικό τους δρόμο. Και η καθολική Φλάνδρα (σημερινό Βέλγιο) υπό την πτέρυγα της Ισπανίας είναι δική της.

Στην ανεξάρτητη Ολλανδία ραφήΣχεδόν κανείς δεν το χρειαζόταν πια. Η Προτεσταντική Εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτελή διακόσμηση. Αλλά αυτή η περίσταση «έπαιξε στα χέρια» της κοσμικής ζωγραφικής.

Κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας ξύπνησε μια αγάπη για αυτό το είδος τέχνης. Οι Ολλανδοί ήθελαν να δουν τη δική τους ζωή στους πίνακες. Και οι καλλιτέχνες πρόθυμα τους συνάντησαν στα μισά του δρόμου.

Ποτέ πριν δεν είχε απεικονιστεί τόσο πολύ η περιρρέουσα πραγματικότητα. Απλοί άνθρωποι, συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό ενός κατοίκου της πόλης.

Ο ρεαλισμός άνθισε. Μέχρι τον 20ο αιώνα θα είναι άξιος ανταγωνιστής του ακαδημαϊσμού με τις νύμφες και Ελληνίδες θεές.

Αυτοί οι καλλιτέχνες ονομάζονται «μικροί» Ολλανδοί. Γιατί; Οι πίνακες ήταν μικροί σε μέγεθος, γιατί δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλοι οι πίνακες του Jan Vermeer δεν έχουν ύψος μεγαλύτερο από μισό μέτρο.

Αλλά η άλλη εκδοχή μου αρέσει περισσότερο. Έζησε και εργάστηκε στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα μεγάλος δάσκαλος, ο «μεγάλος» Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι ήταν «μικροί» σε σύγκριση με αυτόν.

Μιλάμε φυσικά για τον Ρέμπραντ. Ας ξεκινήσουμε με αυτόν.

1. Ρέμπραντ (1606-1669)

Ρέμπραντ. Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών. 1669 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο

Ο Ρέμπραντ βίωσε ένα ευρύ φάσμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Επομένως στο δικό του πρώιμα έργατόσο πολύ διασκεδαστικό και μπράβο. Και υπάρχουν τόσα σύνθετα συναισθήματα - στα μεταγενέστερα.

Εδώ είναι νέος και ανέμελος στον πίνακα «Ο Άσωτος Υιός στην Ταβέρνα». Στα γόνατα είναι η αγαπημένη του σύζυγος Saskia. Είναι δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες πέφτουν βροχή.

Ρέμπραντ. Ο Άσωτος Υιός σε Ταβέρνα. 1635 Old Masters Gallery, Δρέσδη

Όλα αυτά όμως θα εξαφανιστούν σε περίπου 10 χρόνια. Η Saskia θα πεθάνει από την κατανάλωση. Η δημοτικότητα θα εξαφανιστεί σαν καπνός. Μεγάλο σπίτιμε μοναδική είσπραξη θα αφαιρεθεί για χρέη.

Θα εμφανιστεί όμως ο ίδιος Ρέμπραντ που θα μείνει για αιώνες. Τα γυμνά συναισθήματα των ηρώων. Οι βαθύτερες σκέψεις τους.

2. Φρανς Χαλς (1583-1666)

Φρανς Χαλς. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Ο Φρανς Χαλς είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα τον κατατάξω επίσης ως «μεγάλο» Ολλανδό.

Στην Ολλανδία εκείνη την εποχή ήταν συνηθισμένο να παραγγέλνουν ομαδικά πορτρέτα. Έτσι εμφανίστηκαν πολλά παρόμοια έργα που απεικονίζουν ανθρώπους να συνεργάζονται: σκοπευτές μιας συντεχνίας, γιατροί μιας πόλης, διευθυντές οίκου ευγηρίας.

Σε αυτό το είδος, ο Χαλς ξεχωρίζει περισσότερο. Εξάλλου, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα έμοιαζαν με μια τράπουλα. Οι άνθρωποι κάθονται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλώς παρακολουθούν. Με τον Χαλς ήταν διαφορετικά.

Δείτε το ομαδικό του πορτρέτο «Arrows of the Guild of St. Γεώργιος."

Φρανς Χαλς. Βέλη της Συντεχνίας του Αγ. Γεώργιος. 1627 Μουσείο Frans Hals, Χάρλεμ, Ολλανδία

Εδώ δεν θα βρείτε ούτε μία επανάληψη σε πόζα ή έκφραση προσώπου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται περιττός. Χάρη στην εκπληκτικά σωστή διάταξη των μορφών.

Και ακόμη και σε ένα μόνο πορτρέτο, ο Χαλς ήταν ανώτερος από πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοτίβα του είναι φυσικά. Άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία στους πίνακές του στερούνται επινοημένης μεγαλοπρέπειας και τα μοντέλα από τα κατώτερα στρώματα δεν φαίνονται ταπεινωμένα.

Και οι χαρακτήρες του είναι επίσης πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν και χειρονομούν. Όπως, για παράδειγμα, αυτός ο «Τσιγγάνος» με πονηρό βλέμμα.

Φρανς Χαλς. Αθίγγανος. 1625-1630

Ο Χαλς, όπως και ο Ρέμπραντ, τελείωσε τη ζωή του στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήταν αντίθετος με τα γούστα των πελατών του. Που ήθελαν να στολιστεί η εμφάνισή τους. Ο Χαλς δεν δέχτηκε την καθαρή κολακεία και έτσι υπέγραψε τη δική του πρόταση - "Λήθη".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Βασιλική Πινακοθήκη Mauritshuis, Χάγη, Ολλανδία

Ο Terborkh ήταν κύριος του καθημερινού είδους. Πλούσιοι και όχι και τόσο πλούσιοι μπιφτέκι μιλούν χαλαρά, κυρίες διαβάζουν γράμματα και ένας προξενητής παρακολουθεί την ερωτοτροπία. Δύο ή τρεις φιγούρες σε κοντινή απόσταση.

Ήταν αυτός ο δάσκαλος που ανέπτυξε τους κανόνες του καθημερινού είδους. Το οποίο αργότερα θα δανείστηκαν οι Jan Vermeer, Pieter de Hooch και πολλοί άλλοι «μικροί» Ολλανδοί.

Gerard Terborch. Ένα ποτήρι λεμονάδα. δεκαετία του 1660. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη

Το “A Glass of Lemonade” είναι ένα από τα διάσημα έργα Terborha. Δείχνει ένα άλλο πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτος ρεαλιστική εικόναυφάσματα φορεμάτων.

Ο Terborch έχει επίσης ασυνήθιστα έργα. Κάτι που μιλά για την επιθυμία του να υπερβεί τις απαιτήσεις των πελατών.

Το «The Grinder» του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων ανθρώπων στην Ολλανδία. Έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε άνετες αυλές και καθαρά δωμάτια στους πίνακες των «μικρών» Ολλανδών. Αλλά ο Terborch τόλμησε να δείξει την αντιαισθητική Holland.

Gerard Terborch. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κρατικά Μουσεία του Βερολίνου

Όπως καταλαβαίνετε, μια τέτοια δουλειά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και μεταξύ του Terborch.

4. Γιαν Βερμέερ (1632-1675)

Γιαν Βερμέερ. Εργαστήρι καλλιτέχνη. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα πώς έμοιαζε ο Jan Vermeer. Είναι προφανές μόνο ότι στον πίνακα "The Artist's Workshop" απεικόνισε τον εαυτό του. Η αλήθεια από πίσω.

Είναι λοιπόν έκπληξη το γεγονός ότι πρόσφατα έγινε γνωστό ένα νέο γεγονός από τη ζωή του πλοιάρχου. Συνδέεται με το αριστούργημα του «Delft Street».

Γιαν Βερμέερ. Οδός Ντελφτ. 1657 Rijksmuseum στο Άμστερνταμ

Αποδείχθηκε ότι ο Βερμέερ πέρασε τα παιδικά του χρόνια σε αυτόν τον δρόμο. Το σπίτι που απεικονίζεται ανήκε στη θεία του. Εκεί μεγάλωσε τα πέντε παιδιά της. Ίσως κάθεται στο κατώφλι και ράβει ενώ τα δύο παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ο Βερμέερ έμενε στο απέναντι σπίτι.

Πιο συχνά όμως απεικόνιζε το εσωτερικό αυτών των σπιτιών και τους κατοίκους τους. Φαίνεται ότι οι πλοκές των πινάκων είναι πολύ απλές. Εδώ είναι μια όμορφη κυρία, μια πλούσια κάτοικος της πόλης, που ελέγχει τη λειτουργία της ζυγαριάς της.

Γιαν Βερμέερ. Γυναίκα με κλίμακες. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον

Γιατί ο Βερμέερ ξεχώρισε ανάμεσα σε χιλιάδες άλλους «μικρούς» Ολλανδούς;

Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος του φωτός. Στον πίνακα «Γυναίκα με ζυγαριά» το φως τυλίγει απαλά το πρόσωπο, τα υφάσματα και τους τοίχους της ηρωίδας. Δίνοντας στην εικόνα μια άγνωστη πνευματικότητα.

Και οι συνθέσεις των πινάκων του Βερμέερ επαληθεύονται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε ούτε μια περιττή λεπτομέρεια. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η εικόνα θα "καταρρεύσει" και η μαγεία θα φύγει.

Όλα αυτά δεν ήταν εύκολα για τον Βερμέερ. Τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούσε επίπονη δουλειά. Μόνο 2-3 πίνακες το χρόνο. Ως αποτέλεσμα, η αδυναμία σίτισης της οικογένειας. Ο Βερμέερ εργάστηκε επίσης ως έμπορος έργων τέχνης, πουλώντας έργα άλλων καλλιτεχνών.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Ο Χοχ συχνά συγκρίνεται με τον Βερμέερ. Δούλευαν ταυτόχρονα, υπήρξε μάλιστα περίοδος στην ίδια πόλη. Και σε ένα είδος - καθημερινό. Στο Hoch βλέπουμε επίσης μία ή δύο φιγούρες σε φιλόξενες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.

Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν τον χώρο των πινάκων του πολυεπίπεδο και διασκεδαστικό. Και οι φιγούρες ταιριάζουν σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του «Υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή».

Pieter de Hooch. Μια υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου

Μέχρι τον 20ο αιώνα, ο Χοχ εκτιμήθηκε ιδιαίτερα. Λίγοι όμως παρατήρησαν τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του Βερμέερ.

Αλλά στον 20ο αιώνα όλα άλλαξαν. Η δόξα του Χοχ έσβησε. Ωστόσο, είναι δύσκολο να μην αναγνωρίσεις τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική. Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να συνδυάσουν τόσο καλά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.

Pieter de Hooch. Παίκτες καρτών σε ένα ηλιόλουστο δωμάτιο. 1658 Βασιλικό συλλογή έργων τέχνης, Λονδίνο

Σημειώστε ότι σε ένα λιτό σπίτι στον καμβά "Card Players" υπάρχει ένας πίνακας που κρέμεται σε ένα ακριβό πλαίσιο.

Αυτό δείχνει για άλλη μια φορά πόσο δημοφιλής ήταν η ζωγραφική στους απλούς Ολλανδούς. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν κάθε σπίτι: το σπίτι ενός πλούσιου κτηνοτρόφου, ενός σεμνού κατοίκου της πόλης, ακόμη και ενός αγρότη.

6. Jan Steen (1626-1679)

Γιαν Στεν. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. δεκαετία του 1670 Μουσείο Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη

Ο Jan Steen είναι ίσως ο πιο χαρούμενος «μικρός» Ολλανδός. Αλλά αγαπώντας την ηθική διδασκαλία. Συχνά απεικόνιζε ταβέρνες ή φτωχικά σπίτια στα οποία υπήρχε η κακία.

Οι κύριοι χαρακτήρες του είναι γλεντζέδες και κυρίες της εύκολης αρετής. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποιούσε λανθασμένα για μια φαύλο ζωή.

Γιαν Στεν. Είναι ένα χάος. 1663 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη

Ο Sten έχει και πιο αθόρυβα έργα. Όπως, για παράδειγμα, η «Πρωινή τουαλέτα». Αλλά και εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήσσει τον θεατή με πολύ αποκαλυπτικές λεπτομέρειες. Υπάρχουν ίχνη από ελαστικό κάλτσας, και όχι ένα άδειο δοχείο θαλάμου. Και κατά κάποιο τρόπο δεν είναι καθόλου κατάλληλο για τον σκύλο να είναι ξαπλωμένος ακριβώς στο μαξιλάρι.

Γιαν Στεν. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Rijksmuseum, Άμστερνταμ

Όμως, παρά την επιπολαιότητα, οι χρωματικοί συνδυασμοί του Sten είναι πολύ επαγγελματικοί. Σε αυτό ήταν ανώτερος από πολλούς «μικρούς Ολλανδούς». Δείτε πόσο τέλεια ταιριάζει η κόκκινη κάλτσα με το μπλε σακάκι και το έντονο μπεζ χαλί.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Πορτρέτο του Ruisdael. Λιθογραφία από βιβλίο του 19ου αιώνα.