Τέχνη της Ολλανδίας, της Ολλανδίας και της Φλάνδρας
Φρανς Χαλς. Πορτρέτο ενός άνδρα. Γύρω στο 1635
Jan Van Eyck (1390–1441) Η Παναγία και το Βρέφος ενθρονισμένοι στο ναό. Τρίπτυχο 1437. Δρυς σανίδα, λάδι. Κεντρικό τμήμα - 27,5x21,5, πλευρά - 27,5x8
Αυτό το μικρού μεγέθους έργο είναι ένα πραγματικό αριστούργημα της ολλανδικής τέχνης του 15ου αιώνα. Στο κεντρικό τμήμα του τρίπτυχου βρίσκεται η Παναγία και το Βρέφος στο πολυτελές εσωτερικό ενός γοτθικού καθεδρικού ναού, που κάθεται σε έναν υπέροχο λαξευμένο θρόνο ανάμεσα σε δύο σειρές πολύχρωμων κιόνων από ίασπη και μάρμαρο.
Η αριστερή πόρτα απεικονίζει τον Αρχάγγελο Μιχαήλ («αρχηγό του ουράνιου στρατού»), ντυμένο με αλυσίδα και οπλισμένο με ασπίδα, δόρυ και σπαθί. Παρουσιάζει τον δωρητή, τον πελάτη του τρίπτυχου, στην Παναγία και το Βρέφος. Το όνομα του άνδρα είναι άγνωστο, εικάζεται ότι είναι από τη Γενοβέζικη οικογένεια Giustiniani. Στη δεξιά πτέρυγα η Αγία Αικατερίνη της Αλεξάνδρειας με παραδοσιακές ιδιότητες, τα «όργανα» του μαρτυρίου της: ένα σπαθί στο χέρι και έναν τροχό βασανιστηρίων στα πόδια της.
Το κείμενο που δίνεται στο τρίπτυχο έχει μεγάλη σημασία. Αυτά είναι αποσπάσματα από τη Βίβλο και άλλα λατινικά ρητά. Το μωρό κρατά ένα μήνυμα με το κείμενο, το λεγόμενο δέμα: «Μάθε από μένα, γιατί είμαι πράος και ταπεινός στην καρδιά». Υπάρχουν επιγραφές στα αρχικά πλαίσια όλων των τμημάτων του πίνακα στην κάτω ράβδο του κεντρικού πίνακα είναι γραμμένο στα λατινικά: «Ο Johannes de Eyck ολοκληρώθηκε και ολοκληρώθηκε το έτος του Κυρίου 1437. Όπως έκανα». Αυτές οι λέξεις έγιναν διαθέσιμες για ανάγνωση μόλις το 1958, σχεδόν 520 χρόνια μετά τη δημιουργία του τρίπτυχου! Μέχρι εκείνη τη στιγμή, πιστευόταν ότι το έργο ανήκε σε παλαιότερη περίοδο του έργου του πλοιάρχου.
Το μικρό μέγεθος του έργου επέτρεπε στον ιδιοκτήτη να το μεταφέρει. Η τεχνική του καλλιτέχνη είναι εντυπωσιακή στο φιλιγκράν της: οι πιο μικρές λεπτομέρειες είναι ζωγραφισμένες, οι οποίες φαίνονται μόνο μέσω ενός μεγεθυντικού φακού. Ταυτόχρονα, η μεγέθυνση δεν αποκαλύπτει ούτε μια αβέβαιη διαδρομή ή το παραμικρό σφάλμα στο σχέδιο.
Peter Paul Rubens (1577–1640) Η επιστροφή της Νταϊάνα από το κυνήγι γύρω στο 1615. Λάδι σε καμβά. 136x184
Το 1608, ο Ρούμπενς, επιστρέφοντας από την Ιταλία στην Αμβέρσα, έφερε μαζί του ένα ενδιαφέρον για την κληρονομιά της αρχαίας τέχνης και λογοτεχνίας, που δεν έσβησε μέσα του σε όλη του τη ζωή και έγινε ο ακρογωνιαίος λίθος της δημιουργικότητάς του και της σκέψης του για την τέχνη. Χρησιμοποίησε θέματα από την ελληνική και τη ρωμαϊκή μυθολογία για πολλούς από τους πίνακές του, ιδιαίτερα για τους πίνακές του.
Η θεά Νταϊάνα ήταν εξαιρετικά ελκυστική για τον Ρούμπενς, αφού ο μύθος για αυτήν συνδύαζε με την αρχαιότητα ένα άλλο από τα αγαπημένα του θέματα - το κυνήγι. Το ενδιαφέρον του ζωγράφου τροφοδοτήθηκε από τους βασιλικούς και αριστοκράτες προστάτες του: το κυνήγι ήταν αποκλειστικό προνόμιο αυτών των κύκλων. Ο καλλιτέχνης δημιούργησε μια σειρά από κυνηγετικούς πίνακες μεγάλου μεγέθους, πολλοί από τους οποίους βασίζονται σε μια αρχαία πλοκή.
Σε αντίθεση με άλλους πίνακες στους οποίους ο πλοίαρχος μεταφέρει το πάθος του αγώνα, σε αυτόν τον πίνακα η προσοχή του εστιάζεται στην ομορφιά της αρχαίας θεάς-κυνηγού. Η Νταϊάνα, η υπερασπιστής της γυναικείας αγνότητας, στέκεται με τους συντρόφους της μπροστά σε μια ομάδα σατύρων, οι οποίοι, παρεμπιπτόντως, αντιπροσωπεύουν έναν άλλο πόλο συμφερόντων για τον Ρούμπενς - ό,τι συνδέεται με τη βακκαναλία. Το Spear of Diana οριοθετεί απότομα αυτές τις δύο ομάδες, δύο κόσμους. Πόσο διαφορετική είναι η εμφάνιση των συμμετεχόντων τους: ανάμεσα στους σάτυρους υπάρχουν κατσικίσια πλάσματα άγρια στο πάθος τους, που περιβάλλονται από την Νταϊάνα, που η ίδια εκπέμπει τη γοητεία της γυναικείας φύσης, τις θεϊκά όμορφες συντρόφους της. Οι σάτυροι εμφανίζουν άφθονα φρούτα, υπονοώντας τι υπέροχο κρασί θα κάνουν στο μέλλον. Με τη σειρά της, η Νταϊάνα έχει πουλιά και έναν λαγό (σύμβολα αισθησιακών απολαύσεων), τα οποία σκότωσε ενώ κυνηγούσε. Με συμβολική έννοια εκφράζουν την άρνησή της για τις απολαύσεις που προσφέρει.
Οι Ολλανδοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα, μερικές φορές με μια στενή εξειδίκευση, προσέλκυαν συχνά τους συναδέλφους τους όταν ήταν απαραίτητο να απεικονίσουν σε έναν πίνακα κάτι στο οποίο δεν ήταν αρκετά δυνατοί. Έτσι, τα φρούτα και τα ζώα στον παρουσιαζόμενο καμβά ζωγραφίστηκαν από τον Φρανς Σνάιντερς, ο οποίος ήταν διάσημος για παρόμοιες νεκρές φύσεις και εικόνες ζώων.
Peter Paul Rubens Bathsheba at the Fountain 1635. Λάδι σε ξύλο βελανιδιάς. 175x126
Ο Ρούμπενς δημιούργησε ένας μεγάλος αριθμός απόζωγραφιές με βιβλικά θέματα. Για να κατανοήσετε το έργο που παρουσιάζεται εδώ, είναι απαραίτητο να γνωρίζετε τη βιβλική ιστορία και η εφευρετικότητα του καλλιτέχνη στη μεταφορά των λεπτομερειών του είναι εκπληκτική. Κάποτε ο βασιλιάς Δαβίδ «περπάτησε στη στέγη του σπιτιού του βασιλιά και είδε μια γυναίκα να λούζεται από τη στέγη· και αυτή η γυναίκα ήταν πολύ όμορφη». Αυτή ήταν η Βηθσαβέ, η γυναίκα του Ουρία του Χετταίου. Στην επάνω αριστερή γωνία του καμβά, η φιγούρα του βασιλιά Δαβίδ είναι μόλις ορατή στην οροφή του παλατιού και ο Ρούμπενς έδειξε τη Μπαθσέμπα πίσω από την τουαλέτα στην πλατφόρμα που οδηγεί στην πισίνα. Ο Δαβίδ την αποπλάνησε και ο Ουρίας την έστειλε σε βέβαιο θάνατο.
Μια πανέμορφη νεαρή γυναίκα τραβάει την προσοχή. Ο Ρούμπενς ήταν μεγάλος δεξιοτέχνης στην απεικόνιση του γυναικείου σώματος και δημιούργησε τον δικό του κανόνα ομορφιάς. Εν τω μεταξύ, κανείς δεν μπορεί παρά να θαυμάσει την ευρηματικότητα με την οποία ο καλλιτέχνης μεταφέρει τις λεπτές συναισθηματικές στιγμές αυτής της σκηνής: το έκπληκτο βλέμμα της Bathsheba, που δεν περίμενε να λάβει ένα γράμμα από τα χέρια του μαύρου αγοριού που της έστειλε (είναι σαφές ότι το γράμμα μπορεί να είναι μόνο ένα γράμμα αγάπης), η αντίδραση του σκύλου, που ξεγύμνωσε τα δόντια του στον αγγελιοφόρο και υποψιάστηκε ότι κάτι δεν πήγαινε καλά (ένας σκύλος που κάθεται στα πόδια μιας γυναίκας στο σύστημα συμβόλων της αναγέννησης και της μπαρόκ προσωπογραφίας προσωποποιούσε τη συζυγική πίστη ). Και πόσο απολαυστικά απεικονίζονται οι γυναικείες φιγούρες, τα ρέοντα νερά, τα ρούχα και το αρχιτεκτονικό τοπίο!
Peter Paul Rubens Κυνήγι Κάπρου 1615–1620. Ξύλο, λάδι. 137x168
Στα έργα του Ρούμπενς με θέμα το κυνήγι, διακρίνονται δύο φάσεις δημιουργικότητας. Οι πίνακες της πρώτης περιόδου, που διήρκεσαν έως το 1620, στους οποίους ανήκει το παρουσιαζόμενο «Κυνήγι Κάπρου», χαρακτηρίζονται από ένα κεντρομόλο και διαγώνιο συνθετικό σχήμα, στο οποίο δρουν αχαλίνωτες δυνάμεις και στις δύο πλευρές. Μεταγενέστερα έργα αναπτύσσουν μια σύνθεση χαρακτηριστική μιας ζωφόρου, δηλαδή η δράση σε αυτά φαίνεται σε οριζόντια προοπτική, παράλληλα με το επίπεδο της εικόνας. Στην πρώτη περίπτωση, τονίζεται η κορύφωση του κυνηγιού, όταν το ζώο ξεπεραστεί και νικηθεί, στη δεύτερη - η διαδικασία της σύλληψης. Και αν τα έργα της πρώτης περιόδου καταδεικνύουν τη νίκη των κυνηγών έναντι ενός άγριου αρπακτικού, τότε οι πίνακες της δεύτερης δείχνουν την καταδίωξη ενός ανυπεράσπιστου ζώου.
Ο πίνακας της Δρέσδης, ως προς το περιεχόμενό του, είναι πολύ περισσότερο από μια απλή σκηνή κυνηγιού. Ξεκάθαρα «διατρέχει» τον αρχαίο μύθο του κυνηγιού της Καληδονίας, εκείνου κατά τον οποίο ο Μελέαγρος σκοτώνει τον Καλυδώνιο κάπρο με ένα δόρυ (αυτός ο μύθος εκτίθεται από τον Φιλόστρατο τον Νεότερο στο Κεφάλαιο 15 των «Εικόνων» του). Όλοι οι συμμετέχοντες στην ιστορία απεικονίζονται εδώ: ο κάπρος στέκεται κάτω από ένα δέντρο σε ένα πυκνό δαχτυλίδι κυνηγών και σκύλων που γαβγίζουν θυμωμένα. Η Αταλάντα μόλις έριξε το βέλος της. Το δόρυ του Μελέαγρου τρυπάει το θηρίο. Ξαπλωμένο κοντά στον κάπρο νεκρός. Αυτό το θέμα χρησιμοποιείται από πολλούς Φλαμανδοί καλλιτέχνεςγια πίνακες που απεικονίζουν το κυνήγι με φόντο ένα δασικό τοπίο. Στο Ρούμπενς, η μανία του αγώνα, η σωματική και πνευματική ένταση φτάνουν στο έπακρο.
Jan Brueghel the Elder (1568–1625) Τοπίο στο ποτάμι με ξυλοκόπους 1608. Λάδι στο σκάφος. 47x46
Τα παλιά χρόνια συνηθιζόταν να κληρονομείται η δουλειά των γονιών, ιδιαίτερα τα δημιουργικά επαγγέλματα. Υπάρχουν διάσημες δυναστείες καλλιτεχνών, γλυπτών και συνθετών. Η δυναστεία Bruegel είναι μια από τις μεγαλύτερες στην ιστορία της ζωγραφικής. Συνήθως σε τέτοιες οικογένειες ο κύριος αριθμός υψώνεται πάνω από όλους: για παράδειγμα, στην οικογένεια Μπαχ - Johann Sebastian, και στην οικογένεια Bruegel - Pieter Bruegel ο Πρεσβύτερος.
Ο Γιαν Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος (ο Πρεσβύτερος, αφού στη συνέχεια εμφανίστηκε ένας άλλος Γιαν στην οικογένεια - αντίστοιχα, ο Νεότερος) έλαβε το παρατσούκλι "Velvet" λόγω του ιδιαίτερου χρώματος της ζωγραφικής του. Παραδόξως, η Πινακοθήκη της Δρέσδης φιλοξενεί πέντε πίνακες του πλοιάρχου, αλλά δεν υπάρχουν έργα ούτε του αρχηγού της δυναστείας ούτε των άλλων εκπροσώπων της. Αυτό εξηγείται σε κάποιο βαθμό από το γεγονός ότι, αν και ο Jan ήταν κατώτερος σε ταλέντο από τον πατέρα του, η επίσημη θέση του ήταν υψηλότερη - ήταν ο αυλικός καλλιτέχνης του Αρχιδούκα Αλβέρτου. Ως εκ τούτου, τα έργα του πλοιάρχου φυλάσσονταν στα βασιλικά διαμερίσματα, από όπου ήταν ευκολότερο για αυτά να μπουν σε άλλες αυγουστιάτικες συλλογές.
Ο Γιαν Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος ζωγράφισε σε διάφορα είδη - τοπία, νεκρές φύσεις (κυρίως λουλούδια και ζώα), μικρομορφές ζωγραφικής με βιβλικά, μυθολογικά και αλληγορικά θέματα. Η εικόνα που παρουσιάζεται είναι ένα από τα δείγματά του ζωγραφική τοπίου. Το έργο καταδεικνύει ξεκάθαρα τη γενετική σύνδεση μεταξύ της ζωγραφικής του Jan Brueghel και της τέχνης του πατέρα του. Αναπόφευκτα προκύπτει μια σύγκριση με τον πίνακα του Pieter Bruegel «Τοπίο με την πτώση του Ίκαρου» (περίπου 1558, Βασιλικό Μουσείο Καλών Τεχνών, Βρυξέλλες), ζωγραφισμένο 50 χρόνια πριν από αυτό το έργο. Κατασκευάζονται με παρόμοιο τρόπο: η κυματιστή γραμμή του ορίου μεταξύ θάλασσας και ξηράς χωρίζει τις συνθέσεις σε δύο μέρη. Και στις δύο περιπτώσεις, επιλέγεται ένα υψηλό σημείο από το οποίο θα ζωγραφίσει ένα τοπίο γεμάτο με σκηνές του είδους, κάτι που επιτρέπει μια ευρεία προοπτική. Εδώ τελειώνουν, ίσως, οι ομοιότητες: ο πίνακας του πατέρα είναι γεμάτος δραματική ένταση, ενώ του γιου είναι απλώς ένα τοπίο. Και η διαφορά δεν είναι στην πλοκή, αλλά στην ψυχολογία: η τέχνη του πατέρα αντανακλά το ανήσυχο πνεύμα του, ενώ ο χαρακτήρας του γιου είναι χωρίς συγκρούσεις.
Jan van Goyen (1596–1656) Winter on the River. B/g. Ξύλο, λάδι. 68x90,5
Οι ερευνητές σημειώνουν ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του στυλ του καλλιτέχνη, το οποίο προσελκύει την προσοχή του μέσου θεατή - ο ορίζοντας στους πίνακες του καλλιτέχνη τοποθετείται αρκετά χαμηλά, επομένως, ο ουρανός καταλαμβάνει περίπου τα δύο τρίτα της επιφάνειας του καμβά. Αυτό εξηγείται πιθανώς από το γεγονός ότι η κατάσταση του ουρανού - είτε είναι καθαρός είτε με ποικίλους βαθμούς συννεφιάς - έχει μια εξαιρετική επίδραση στο ορατό χρώμα της μεγάλης έκτασης του νερού, την οποία, κατά κανόνα, απεικόνιζε ο ζωγράφος και κέρδισε τη φήμη για αυτό. Αν και το έργο που παρουσιάζεται δεν απεικονίζει τη θάλασσα, αλλά ένα χειμερινό ποτάμι με πάγο, ο ουρανός εξακολουθεί να παίζει πολύ σημαντικό ρόλο. Στα έργα του Goyen δεν είναι ποτέ χωρίς σύννεφα ή γαλάζιο, αλλά πάντα καλύπτεται από σύννεφα. Οι καμβάδες του καλλιτέχνη είναι φτιαγμένοι με μονόχρωμο ζωγραφικό τρόπο. Συνήθως απεικονίζονται συννεφιασμένες, ομιχλώδεις μέρες.
Meindert Gobbema (1638–1709) Νερόμυλος. B/g. Δρυς, λάδι. 59,5x84,5
Τον 17ο αιώνα, ο Jacob van Ruisdael κυριάρχησε στην ολλανδική τοπιογραφία μαζί με τον Rembrandt. Από τους μαθητές του Ruisdael του Άμστερνταμ, ο Meindert Gobbema (Hobbema) απέκτησε σχεδόν μεγαλύτερη φήμη από τον δάσκαλο.
Ο Meindert Gobbema είναι ο τελευταίος από τους μεγάλους Ολλανδούς τοπιογράφους του 17ου αιώνα. Οι πίνακες του Gobbema διακρίνονται για την απλότητα, τη φυσικότητα και την προσεκτική εκτέλεσή τους. Ο καλλιτέχνης έλκεται από δέντρα, πυκνό δάσος, θέα σε χωριά, αγροτικά σπίτια με κόκκινες στέγες, ένα καμπαναριό εκκλησίας χαμένο στην ομίχλη στον ορίζοντα και ένα μεσαίο έδαφος που φωτίζεται από το φως του ήλιου. Συχνά το κύριο μοτίβο σε τέτοια τοπία είναι ένας παλιός μύλος. Πολλές από τις παραλλαγές του πλοιάρχου σε αυτό το θέμα φυλάσσονται σε διάφορα μουσεία σε όλο τον κόσμο, ο πίνακας της Δρέσδης είναι ένας από αυτούς.
Με ένα μύλο στο μυαλό του ανθρώπου, ούτως ή άλλως, Ευρωπαϊκός πολιτισμός, συνδέονται πολλές ιδέες και ιδέες, χρωματίζοντας πάντα συναισθηματικά την αντίληψή μας για αυτό τόσο στην πραγματικότητα όσο και στην τέχνη. Παραδοσιακά συνδέεται με αυτό η ιδέα της μοναξιάς, χρωματισμένη από ρομαντικές εμπειρίες. Το ατελείωτο ρέον νερό συνδέεται με την ιδέα του αμετάβλητου της ύπαρξης, ένας περιστρεφόμενος τροχός - ο κύριος μηχανισμός του μύλου - μέσω μιας νύξης στον «τροχό της τύχης» εισάγει την ιδέα των αντιξοοτήτων της μοίρας στον κύκλο του δημιουργημένες εικόνες.
Anthony van Dyck (1599–1641) Πορτρέτο ενός ιππότη με μια κόκκινη μπάντα 1625–1627. Καμβάς, λάδι. 90x70
Αν ορίσουμε πολύ συνοπτικά τη διαφορά μεταξύ της ολλανδικής και της φλαμανδικής τέχνης του 17ου αιώνα, μπορούμε να πούμε ότι στον πρώτο κυριαρχούν οι νεκρές φύσεις, που ονομάζονται «blende», λόγω των ρεαλιστικών χαρακτηριστικών και της εκπληκτικής λεπτομέρειας της εικόνας, που φέρεται στο σημείο. της ψευδαίσθησης, στο δεύτερο, τελετουργικά πορτρέτα. Ο Anthony van Dyck είναι ο πιο λαμπρός εκπρόσωπος του είδους, ένας δεξιοτέχνης των τελετουργικών πορτρέτων και των θρησκευτικών θεμάτων σε στυλ μπαρόκ.
Το "Portrait of a Knight with a Red Band" είναι ένα από τα καλύτερα παραδείγματα της δουλειάς του Van Dyck. Συνθετικά, είναι όμορφα κατασκευασμένο: το πρόσωπο του μοντέλου βρίσκεται στο οριζόντιο κέντρο της εικόνας, η ενέργεια, η δύναμη και το θάρρος γίνονται αισθητά στην περιστροφή του, προσελκύει το βλέμμα του θεατή. Η υφή και η λάμψη της πανοπλίας του ιππότη μεταφέρεται υπέροχα.
Το πορτρέτο ζωγραφίστηκε σε μια περίοδο της ζωής του που ο Van Dyck δημιουργούσε με εξαιρετική ευκολία και ταχύτητα και ταυτόχρονα πέτυχε τέλεια επεξεργασία των έργων του. Στο τέλος της ζωής του, ο οικονομικά στριμωγμένος κύριος αναγκάστηκε να γράψει πάρα πολλά για να έχει χρόνο να το κάνει με πλήρη καλλιτεχνική τελειότητα. Από το 1621 έως το 1627 έζησε στην Ιταλία, περνώντας τον περισσότερο χρόνο του στους ανώτατους κύκλους της γενουατικής κοινωνίας. Πολλοί εκπρόσωποι της αριστοκρατίας έγιναν πρότυπα γι' αυτόν. Ωστόσο, δεν έχει καταστεί ακόμη δυνατός ο εντοπισμός του χαρακτήρα αυτού του πίνακα. Είναι ακόμη πιθανό ότι αυτό δεν είναι ένα πορτρέτο ενός πραγματικού προσώπου, αλλά κάποιο είδος αλληγορίας.
Rembrandt (1606–1669) Portrait of Saskia van Uylenburch 1633. Δρυς, λάδι. 52,5x44,5
Γύρω στο 1631-1632 ο Ρέμπραντ μετακόμισε μόνιμα στο Άμστερνταμ. Εγκαταστάθηκε σε ένα από τα δωμάτια του εμπόρου έργων τέχνης Hendrik van Uylenburch, ο οποίος είχε ήδη μαζί του την κόρη του συγγενή του, Saskia van Uylenburch. Οι νέοι ερωτεύτηκαν και παντρεύτηκαν δύο χρόνια αργότερα. Το κορίτσι προερχόταν από μια πλούσια οικογένεια, έτσι ο Ρέμπραντ μπήκε στην υψηλή κοινωνία. Ξεκίνησε η πιο ευτυχισμένη περίοδος της ζωής του, έγινε διάσημος και μοντέρνος καλλιτέχνης.
Μια σειρά από πορτρέτα της συζύγου του χρονολογούνται από τη δεκαετία του '30. Ήταν το αγαπημένο μοντέλο του καλλιτέχνη. Έτσι, εκτός από τον πίνακα που παρουσιάζεται, μπορεί κανείς να ονομάσει τη "Φλώρα", στην οποία ο Ρέμπραντ απεικόνισε τη Σάσκια λίγο πριν τη γέννηση του γιου τους Τίτου. Η Saskia υπηρέτησε επίσης ως μοντέλο για τη διάσημη «Δανάη» του πλοιάρχου.
Rembrandt (1606–1669) Αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη με τη σύζυγό του Saskia 1635. Λάδι σε καμβά. 161x131
Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Ρέμπραντ ζωγράφισε πολλές αυτοπροσωπογραφίες. Ο πίνακας της Δρέσδης αποτυπώνει τη χαρά της ζωής, την αγαλλίαση της ιδιοκτησίας ενός αγαπημένου προσώπου - συστατικά της συναισθηματικής κατάστασης του ζωγράφου αυτής της περιόδου. Το ανοιχτό βλέμμα των χαρακτήρων, στραμμένο στον θεατή (φαίνεται ότι σε προσκαλούν να μοιραστείς τη χαρά τους), το λαμπερό πρόσωπο του Ρέμπραντ, σαν να έχει πετύχει όλες τις ευλογίες της ζωής - αυτή είναι η διάθεση αυτού καμβάς.
Ωστόσο, το πορτρέτο περιέχει και μια συγκεκριμένη πρόκληση που ήταν ξεκάθαρη στους θεατές εκείνης της εποχής: ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον εαυτό του στην εικόνα ενός... άσωτου γιου να γλεντάει με μια εταίρα. Είναι αξιοσημείωτο ότι στο Ευαγγέλιο ο Λουκάς λέει ξεκάθαρα: «... κατασπατάλησε την υπόστασή του ζώντας ασυνείδητα». Ο Ρέμπραντ, έχοντας παντρευτεί για αγάπη, αντίθετα, υπερέβαλε την κατάσταση της συζύγου του και απέκτησε υψηλότερη κοινωνική θέση. Πόσο εντυπωσιακά διαφορετικός είναι αυτός ο «άσωτος γιος» από εκείνον που επέστρεψε στον πατέρα του μετά από πολύωρες περιπλανήσεις στον ομώνυμο πίνακα του Ερμιτάζ!
Εάν η σύγκριση με τον βιβλικό ήρωα είναι αρκετά προφανής, τότε η άλλη σημασιολογική σημασία της εικόνας απαιτεί εξήγηση. Εδώ γίνεται νύξη για το σύμβολο της αρετής του μέτρου, η παράβαση του οποίου οδήγησε τον άσωτο υιό σε θλιβερό τέλος. Αυτό το σύμβολο είναι ένα ποτήρι σηκωμένο στο χέρι ενός κυρίου (δηλαδή του Ρέμπραντ) - ένα "φλάουτο", όπως ονομαζόταν στην ολλανδική χρήση εκείνης της εποχής - ένα μετρημένο σκάφος, ένα σημάδι σοφής αυτοκυριαρχίας, το έμβλημα του που τονίζεται από το δυσανάλογα μεγάλο μέγεθός του.
Willem Claes Heda (1593/1594-1680/1682) Πρωινό με βατόπιτα 1631. Ξύλο, λάδι. 54x82
Τον 17ο αιώνα στην Ολλανδία, πολλοί καλλιτέχνες δημιούργησαν νεκρές φύσεις, και μεταξύ αυτών υπήρχε μια εξειδίκευση: ο ένας απεικόνιζε λουλούδια, ο άλλος - πιάτα, ο τρίτος - μουσικά όργανα. Ο Willem Klass Heda ζωγράφισε παρόμοιες νεκρές φύσεις για αρκετές δεκαετίες, τουλάχιστον χρονολογούνται τόσο από το 1631 (που αντιπροσωπεύεται από το «Breakfast with Blueberry Pie») όσο και από το 1651. Για τόσο μεγάλο χρονικό διάστημα που εργάζονταν σε ένα είδος, οι καλλιτέχνες πέτυχαν εντυπωσιακή τελειότητα στην τεχνική του απόδοση φρούτων και λαχανικών, υφές υφάσματος, αντικείμενα από μέταλλο και γυαλί, νερό σε ποτήρια. Οι νεκρές φύσεις με φαγητό ονομάζονταν "ontbijtjes" (από τα ολλανδικά - "πρωινό").
Η ζήτηση για τέτοιες νεκρές φύσεις ήταν πολύ μεγάλη. Στις αρχές της δεκαετίας του 1630, ο Heda άρχισε να τα γράφει, χρησιμοποιώντας τους μάλλον συντηρητικούς κανόνες των συγχρόνων του - Floris Klee van Dyck και Nicolaes Gillis. Τοποθετεί επίσης το τραπέζι αυστηρά παράλληλα με το επίπεδο της εικόνας, δηλαδή τον πίσω τοίχο του δωματίου. Ωστόσο, ο καλλιτέχνης έφερε μια ορισμένη αναβίωση στη σύνθεση των νεκρών φύσεων του. Έτσι, το λευκό του τραπεζομάντηλο δεν καλύπτει ολόκληρο το τραπέζι, αλλά μόνο ένα μέρος του. Έτσι, αποφεύγει τη μονοτονία του παρασκηνίου.
Η μακροπρόθεσμη προτίμηση του Head για τα ίδια θέματα είναι αξιοσημείωτη. Ένα φλιτζάνι, ένα ποτήρι, ένα σφηνάκι, μια λεπίδα Δαμασκού, ένα ρολόι τσέπης με ανοιχτό καπάκι και έναν εκπληκτικά απεικονισμένο μηχανισμό (ο καλλιτέχνης χρησιμοποίησε τα καλύτερα πινέλα στο έργο του) - όλα αυτά αναπαράχθηκαν με αναμφισβήτητη αγάπη.
Jan Davids de Heem (1606–1684) Λουλούδια σε γυάλινο βάζο και φρούτα. B/g. Καμβάς, λάδι. 100x75,5
Ο Jan Davids de Heem είναι ένας Ολλανδός καλλιτέχνης που εργάστηκε για κάποιο χρονικό διάστημα στο Leiden, αλλά το 1635 εντάχθηκε στην Αμβέρσα Guild of St. Luke και τον επόμενο χρόνο έγινε πολίτης της Αμβέρσας. Γύρω στο 1667 επέστρεψε στην πατρίδα του την Ουτρέχτη, αλλά το 1672 κατέφυγε στην Αμβέρσα από τους Γάλλους, που είχαν καταλάβει την πόλη.
Ο De Heem έγινε διάσημος για τις υπέροχες νεκρές φύσεις των λουλουδιών του. Εκτελούνται τόσο προσεκτικά που σήμερα μπορούν κάλλιστα να χρησιμεύσουν ως ένα είδος βιβλίου αναφοράς της ευρωπαϊκής χλωρίδας. Αλλά πρώτα απ 'όλα, οι καμβάδες προσελκύουν με τις καλλιτεχνικές τους ιδιότητες, την ομορφιά των συνδυασμών φυτικών χρωμάτων και χρωμάτων, τον πλούτο της παλέτας τους, την πολυπλοκότητα της σύνθεσης, που επιτρέπει σε κάποιον να φανταστεί μια φωτεινή χρωματική (πολύχρωμη) σειρά λουλουδιών (φυτά).
Σε μεγάλο βαθμό χάρη στον Jan Davids de Heem, η νεκρή φύση έγινε ένα ανεξάρτητο είδος ζωγραφικής στο έργο των Ολλανδών και Φλαμανδών δασκάλων του 17ου αιώνα. Οι νεκρές φύσεις αυτής της εποχής είναι σε μεγάλο βαθμό αλληγορικές. Έτσι, εκτός από τα ίδια τα λουλούδια, η εικόνα που παρουσιάζεται δείχνει μια πεταλούδα και ένα σαλιγκάρι. σε άλλους καμβάδες υπάρχουν κάμπιες και προνύμφες. Σημαίνουν όχι μόνο τον κύκλο της ανθρώπινης επίγειας ζωής, αλλά και τον θάνατο και την ανάσταση.
Adrian Brouwer (1606–1638) Αγροτικός αγώνας παίζοντας χαρτιά. B/g. Δρυς, λάδι. 26,5x34,5
Ο Adrian Brouwer, μαθητής του Frans Hals, ήταν ένας από τους πιο πρωτότυπους δημιουργούς της φλαμανδικής τέχνης. Έζησε μια σύντομη ζωή - μόλις 32 ετών, πεθαίνει από την πανώλη. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε σκηνές από τη ζωή των αγροτών, λαϊκούς χορούς, χαρτοπαίκτες, καπνιστές, γερακόσπορους και καυγάδες. Ενδιαφερόταν ιδιαίτερα για τα συναισθήματα, τις εκφράσεις και τις εκφράσεις του προσώπου των χαρακτήρων. Οι πίνακες του Brouwer διακρίνονται για τη ζωντάνια και την ευρηματικότητα του σχεδιασμού τους. Μερικοί από τους πίνακές του μπορεί να προκαλούν σκέψεις καρικατούρας. Ωστόσο, μετά από προσεκτική εξέταση, καθίσταται σαφές ότι πρόκειται μόνο για μια αναπαραγωγή καθημερινών καταστάσεων με μεγάλη ακρίβεια. Στους πίνακες του δασκάλου δεν υπάρχει σκόπιμη καταδίκη των ηρώων μέσω της γελοιοποίησης. Έγραφε απλώς για τη ζωή γύρω του. Ο ζωγράφος δεν εκτιμήθηκε από τους συγχρόνους του, είχε πάντα μεγάλη ανάγκη. Οι επόμενες γενιές για μεγάλο χρονικό διάστημα αντιλαμβάνονταν τον Brouwer κυρίως ως χιουμορίστα, αλλά μάλλον ήταν μια τραγική φιγούρα.
Ένας καβγάς ενώ παίζει χαρτιά είναι μια από τις αγαπημένες πλοκές του Brouwer. Η δράση διαδραματίζεται σε μια τυπική ταβέρνα με τους άθλιους θαμώνες και το φτωχό περιβάλλον. Ωστόσο, για να απεικονίσει έτσι τη φτώχεια, ο κύριος έπρεπε προφανώς να έχει πλούσια καλλιτεχνική φαντασία.
Adrian van Ostade (1610–1685) Καλλιτέχνης στο στούντιο 1663. Λάδι σε ξύλο. 38x35,5
Ο Adrian van Ostade είναι Ολλανδός καλλιτέχνης της εποχής του μπαρόκ, εκπρόσωπος του καθημερινού είδους. Σπούδασε με τον Φρανς Χαλς και αργότερα το δημιουργικό του στυλ επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον Ρέμπραντ, αλλά ο ταλαντούχος Φλαμανδός ζωγράφος του είδους Άντριαν Μπρόουερ είχε ιδιαίτερη επιρροή. Έτσι ο Ostade έγινε συγγραφέας της καθημερινής ζωής των Ολλανδών. Οι ήρωες των πινάκων του, κατά κανόνα, είναι απλοί άνθρωποι, εξ ου και οι αντίστοιχες πλοκές: σκηνές σε μια ταβέρνα (μερικές φορές με καυγάδες), κακοπροαίρετα αδέρφια, κακοπροαίρετοι μουσικοί (μια ολόκληρη γκαλερί: ένας βιολονίστας, ένας φλαουτίστας, ένας γκάιντας, ένας αντεροβγάλτης Είναι ακόμη περίεργο πόσοι άνθρωποι ήξεραν πώς να παίζουν μουσικά όργανα, ειδικά το βιολί).
Στον καμβά που παρουσιάζεται η πλοκή είναι αξιοπρεπής. Κάποιοι πιστεύουν ότι πρόκειται για αυτοπροσωπογραφία του ζωγράφου. Όπως και να έχει, η θέα του εργαστηρίου και ο καλλιτέχνης που εργάζεται ανιδιοτελώς σε αυτό προκαλεί ένα καλό συναίσθημα: ένα ευρύχωρο δωμάτιο, πλημμυρισμένο από φως από ένα όμορφα καγκελό παράθυρο, μια διαταραχή που μπορεί να θεωρηθεί δημιουργική... Όλα γίνονται σε ζεστά αρμονικά χρώματα. Με μια λέξη, η εικόνα δημιουργεί μια ρομαντική διάθεση, προκαλεί θλίψη για τα παλιά και μια κατάσταση πλήρους βύθισης στη δημιουργικότητα.
Gerard Terborch (1617–1681) Γυναίκα που πλένει τα χέρια της. Γύρω στο 1655. Λάδι σε ξύλο. 53Χ45
Ο Gerard Terborch είναι ένας εξαιρετικός δεξιοτέχνης της ζωγραφικής του είδους της ολλανδικής σχολής του 17ου αιώνα. Στην αρχή της καριέρας του ζωγράφιζε κυρίως σκηνές της ζωής των αγροτών και των στρατιωτών και από τα τέλη της δεκαετίας του 1640 άρχισε να ειδικεύεται σε εσωτερικές σκηνές με μικρό αριθμό χαρακτήρων - κατά κανόνα ήταν ζευγάρια, κυρίες που διάβαζαν, έγραφαν και έπαιζαν μουσική . Είναι πιθανό η κυρία που απεικονίζεται εδώ να είναι η αδερφή του καλλιτέχνη.
Ο καλλιτέχνης ζούσε στη φτώχεια, γεγονός που εξηγεί το γεγονός ότι χρησιμοποιούσε έναν στενό κύκλο στενών ανθρώπων, ιδιαίτερα την αδερφή του Gezina, ως μοντέλα. Πιθανότατα, είναι αυτή που εκπροσωπείται στον πίνακα "Γυναίκα που πλένει τα χέρια της".
Συνήθως, αυτού του είδους η πλοκή ερμηνεύεται από τους ερευνητές ως μια αλληγορία της διαλυμένης ζωής, αλλά στην περίπτωση αυτή το περιεχόμενο του έργου πιθανώς αντιπροσωπεύει μια αλληγορία της αρετής. Τα σύμβολά του είναι οι κουρτίνες του κρεβατιού που σύρονται (σε πολλούς άλλους πίνακες είναι ξεκομμένο), η κυρία που πλένει τα χέρια της (από την εποχή της δίκης του Χριστού από τον Πόντιο Πιλάτο, αυτή η χειρονομία συμβολίζει την απροθυμία να συμμετάσχει σε κάτι κατακριτέο) η απουσία κοσμημάτων στο τραπέζι (σε άλλες παρόμοιες σκηνές στο ίδιο Terborch, τέτοιες διακοσμήσεις «διαβάζονται» ως πληρωμή για ερωτικές απολαύσεις) και τέλος ενός σκύλου, προστατεύοντας την ψυχική ηρεμία του ιδιοκτήτη. Η πιο ξεκάθαρη απεικόνιση της σημασίας του συμβόλου του ζώου μπορεί να φανεί στον πίνακα του Jan van Eyck «Portrait of the Arnolfini Couple», που φυλάσσεται στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου (βλ. τόμο 11 της συλλογής «Great Museums of the World»).
Από μια γραφική σκοπιά, ο Terborch σε αυτό το έργο έδειξε ότι είναι αξεπέραστος δεξιοτέχνης της απόδοσης της ύλης, ιδιαίτερα του λευκού σατέν (το φόρεμα της κοπέλας) και του πολύχρωμου τραπεζομάντιλου.
David Teniers the Younger (1610–1690) Εξοχική γιορτή στην ταβέρνα Crescent. Fragment 1641. Λάδι σε μουσαμά. 93x132
Ο Ντέιβιντ Τένιερς ο Νεότερος (ο Νεότερος επειδή ονομαζόταν το ίδιο με τον πατέρα του, Ντέιβιντ Τένιερς ο Πρεσβύτερος) ξεπέρασε τον γονέα του και, πιστεύεται, δάσκαλο. Οι καλύτεροι πίνακες του καλλιτέχνη δημιουργήθηκαν τη δεκαετία του 1640, όταν έγινε ο αυλικός ζωγράφος του αρχιδούκα Leopold Wilhelm της Αυστρίας. Ο Τένιερς συγκέντρωσε μια συλλογή έργων τέχνης για τον κυβερνήτη και έγινε ο θεματοφύλακάς της. Σε αυτό το status, ο Teniers φάνηκε πολύ ξεκάθαρα: όχι μόνο συνέταξε έναν κατάλογο της συλλογής, αλλά έκανε και μικρά αντίγραφα πολλών πινάκων, συμπεριλαμβανομένων πολύτιμων έργων ζωγραφικής από δασκάλους της βενετικής σχολής της Αναγέννησης. Του πιστώνονται περισσότερα από 2.000 δικά του έργα, αν και, φυσικά, δεν ήταν τόσο παραγωγικός. Η γκαλερί της Δρέσδης φιλοξενεί εννέα έργα του καλλιτέχνη.
Ένα σημαντικό μέρος της κληρονομιάς του Teniers αποτελείται από πολυάριθμα έργα που απεικονίζουν σκηνές της ζωής των απλών ανθρώπων. Η εικόνα που παρουσιάζεται είναι χαρακτηριστικό παράδειγμαΤο είδος kermes, δημοφιλές στην ολλανδική τέχνη, είναι διακοπές στο χωριό με ένα απαραίτητο μικρό μουσικό σύνολο, χαρούμενους χορούς των χωρικών και αστείες καθημερινές σκηνές. Ο Βίκτορ Ουγκώ στη «Νοτρ Νταμ του Παρισιού» γράφει τα εξής για τον Τενιέ: «Το όργιο έπαιρνε όλο και περισσότερο φλαμανδικό χαρακτήρα. Το πινέλο του ίδιου του Τένιερς θα μπορούσε να δώσει μόνο μια αόριστη ιδέα για αυτό».
Wermeer of Delft (1632–1675) At the Pimp 1656. Λάδι σε καμβά. 143x130
Ο Γιαν Βέρμερ από το Ντελφτ είναι ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης της ολλανδικής ζωγραφικής του είδους και του τοπίου.
Ο πίνακας «At the Pimp» είναι ένα από τα πολλά έργα του καλλιτέχνη στο είδος των καθημερινών σκηνών. Όπως σχεδόν πάντα στην τέχνη των μικρών Ολλανδών, η σκηνή περιέχει ένα αλληγορικό νόημα. Σε αυτή την περίπτωση, όπως στην αυτοπροσωπογραφία του Ρέμπραντ με τη Σάσκια, η πλοκή πηγαίνει πίσω στην παραβολή του Ευαγγελίου του Άσωτου Υιού. Στο έργο του Βερμέερ, ένα ειλικρινές επεισόδιο απεικονίζεται σε έναν οίκο ανοχής με όλα τα χαρακτηριστικά μιας διεφθαρμένης ζωής: ένα νόμισμα που προσφέρει ένας κύριος σε μια κυρία (πληρωμή για την πώληση αγάπης), ποτήρια κρασί στα χέρια μιας γυναίκας και ενός κυρίου. το αριστερό, ένας λαιμός, πιθανώς ένα λαούτο, που εισάγει μια νύξη στη μουσική στους τόνους του σημασιολογικού περιεχομένου της εικόνας, που συνδέεται έντονα με την αγάπη. Με τη ζωγραφική, ο καλλιτέχνης μεταφέρει το περιεχόμενο της μισάν-σκηνής, που παρουσιάζει στον θεατή, θα έλεγε κανείς, μια θεατρική σκηνή με ζωντανούς και καθαρούς διαλόγους. Ο κύριος στα αριστερά, στρέφοντας το βλέμμα του στον θεατή, φαίνεται να τον προσκαλεί να πάρει μέρος στο γλέντι.
Wermeer of Delft (1632–1675) Κορίτσι που διαβάζει ένα γράμμα στο ανοιχτό παράθυρο 1657. Λάδι σε καμβά. 83x64,5
Το μοτίβο του γράμματος βρίσκεται συχνά στους πίνακες του Βερμέερ και ενσωματώνεται πάντα στην εικόνα της ηρωίδας που διαβάζει ένα μήνυμα από τον εραστή της, που είναι μακριά της.
Αξίζει να σημειωθεί ότι στον παρουσιαζόμενο καμβά ο καλλιτέχνης σχεδίαζε να απεικονίσει έναν έρωτα με ένα γράμμα. Αυτό αποδεικνύεται από μελέτες εργασίας σε ακτίνες Χ, οι οποίες αποκάλυψαν το μοτίβο του έρωτα. Έτσι, το συμβολικό νόημα ολόκληρης της σκηνής είναι αναμφισβήτητο. Ο ερευνητής Norbert Schneider είδε ακόμη στη νεκρή φύση και το τσαλακωμένο τραπεζομάντιλο στο τραπέζι σύμβολα σπασμένων όρκων συζυγικής πίστης και εξωσυζυγικών σχέσεων. Τα μήλα και τα ροδάκινα είναι μια νύξη στη βιβλική ιστορία της πτώσης.
Jacob van Ruisdael (1628–1682) Εβραϊκό νεκροταφείο 1655–1660. Ξύλο, λάδι.84x95
Σχεδόν ταυτόχρονα με τον Ρέμπραντ, δούλευε ένας άλλος αξιόλογος Ολλανδός - ο Jacob van Ruisdael - ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης του τοπίου, τα έργα του οποίου διακρίνονται όχι μόνο από υψηλή δεξιοτεχνία, αλλά και από βαθύ φιλοσοφικό περιεχόμενο.
Τα τοπία του πλοιάρχου είναι γεμάτα δράματα και φιλοσοφικούς στοχασμούς. Αυτά τα δημιουργικά χαρακτηριστικά ήταν που εκδηλώθηκαν με εξαιρετική δύναμη στο πιο περίπλοκο και τραγικό έργο, «Το Εβραϊκό Νεκροταφείο». Βασίζεται σε μια εικόνα μιας από τις γωνίες ενός πραγματικού αρχαίου εβραϊκού νεκροταφείου που βρίσκεται κοντά στο Άμστερνταμ. Στο βάθος διακρίνονται τα ερείπια μιας παλιάς συναγωγής, που λειτουργούσε μέχρι το 1675 και καταστράφηκε από κεραυνό. Στο μπροστινό μέρος υπάρχουν πολλές μαρμάρινες επιτύμβιες στήλες, η μία από αυτές ανήκει στον πρώην προσωπικό γιατρό του Γάλλου βασιλιά Ερρίκου Δ', η δεύτερη στον αρχιραβίνο του Άμστερνταμ και η τρίτη σε κάποιον πλούσιο πολίτη.
Η ζωγραφική γίνεται σε σκούρες γαλαζοπράσινες αποχρώσεις, το φόντο δημιουργεί έναν θυελλώδη ουρανό με δυσοίωνα, χαμηλά σύννεφα. Η βαριά σιωπή του νεκροταφείου μεταφέρεται με ακρίβεια, η αιωνόβια θλίψη διαπερνά κάθε γωνιά. Υπάρχει η αίσθηση του αναπόφευκτου του θανάτου, της μικρής διάρκειας και της ματαιότητας της επίγειας ύπαρξης. Ο Βόλφγκανγκ Γκαίτε αποκάλεσε τον Ρουισντάελ ποιητή και στοχαστή. Το εφήμερο της ανθρώπινης ζωής τονίζεται από την ταραχή της βλάστησης, τα πανίσχυρα δέντρα και την αιωνιότητα της φύσης...
Κατά τη διάρκεια της ζωής του καλλιτέχνη, ο πίνακας ονομαζόταν «Αλληγορία της ανθρώπινης ζωής». Η επιλογή του θέματος είναι αξιοσημείωτη: γιατί ο συγγραφέας απεικόνισε ένα εβραϊκό νεκροταφείο, και όχι ένα πιο κοντινό προτεσταντικό νεκροταφείο, για να εκφράσει την κοσμοθεωρία του; Γιατί ο καλλιτέχνης έδωσε τόσο εξαιρετική προσοχή στο συγκεκριμένο έργο; Εκτός από πολλά προπαρασκευαστικά σκίτσα, ο Ruisdael έκανε δύο ολοκληρωμένες εκδοχές του έργου: τη Δρέσδη (1650–1653) και το Ντιτρόιτ (1660). Ο καλλιτέχνης δεν άφησε καμία εξήγηση για αυτό.
Φαίνεται ότι φιλοσοφικό περιεχόμενοΟ πίνακας «Εβραϊκό Νεκροταφείο» είναι εμπνευσμένος από την ανάγνωση του Εκκλησιαστή από τον κύριο. Αυτό το βιβλίο του έκανε πολύ δυνατή εντύπωση. Η εικόνα ενός ρυακιού που τρέχει σαν ρυάκι που βράζει ανάμεσα σε πέτρες συνδέεται με την ανάγνωση της Παλαιάς Διαθήκης. Το βιβλίο του προφήτη Ησαΐα λέει: «Το νερό, ιδιαίτερα το «ζωντανό» νερό, που ρέει την άνοιξη, συμβολίζει τη ζωή και την ευτυχία».
Gabriel Metsu (1629–1667) Game Trader 1662. Λάδι σε δρυς. 61x45
Ο Gabriel Metsu, ένας Ολλανδός καλλιτέχνης και σχεδιαστής, ζωγράφισε θρησκευτικά και μυθολογικά θέματα, νεκρές φύσεις και πορτρέτα. Στη δεκαετία του 1660, το ταλέντο του Metsu εκδηλώθηκε πλήρως στον τομέα του καθημερινού είδους, το οποίο αντανακλούσε, στον ένα ή τον άλλο βαθμό, την επιρροή των Steen, Terborch, de Hooch και Vermeer.
Ο Metsyu εμφανίζεται ως ένας ώριμος δάσκαλος, επιρρεπής στην αφηγηματική αφήγηση και μια οικεία και λυρική παρουσίαση του θέματος, κατακτώντας με σιγουριά τις τεχνικές της ζεστής τονικής ζωγραφικής με έντονες ηχητικές αντιθέσεις χρωματικών κηλίδων και φαινομενικά απτική υλικότητα στην απεικόνιση υφασμάτων, γούνας, πιάτων, και ακριβά αντικείμενα. Οι άνετοι εσωτερικοί του χώροι συνήθως γεμίζουν με δύο ή τρεις φιγούρες.
Σε ένα από τα λίγα έργα του που απεικονίζει τη ζωή κοινοί άνθρωποι, ο Μέτσου αναπαρήγαγε τη γωνία του δρόμου. Ένας γέρος, ένας έμπορος θηραμάτων, κάθεται σε έναν τοίχο με ραγισμένο γύψο, τα ρούχα του είναι σκισμένα, η εμφάνισή του είναι αξιολύπητη. Με σκοπό να ενισχύσει την εντύπωση της φτώχειας, περνάει μια πλούσια ντυμένη γυναίκα, στην οποία ο γέρος προσφέρει τα αγαθά του. Η εικόνα, που βασίζεται σε κοινωνικές αντιθέσεις και ισχυρίζεται ότι παρέχει βαθιά εικόνα της ζωής, περιέχει, ωστόσο, μόνο μια απλή δήλωση γεγονότων. Ο θεατής δεν συγκινείται από το γεγονός που βρίσκεται σε εξέλιξη. Είναι ασυνήθιστο για τον Μέτσια να αισθάνεται κοινωνική αδικία και την τραγωδία της ζωής.
ΚΕΦΑΛΑΙΟ 6 Στρατιωτική τέχνη. Επιχειρησιακή τέχνη AIR DOMINANCE είναι η αποφασιστική υπεροχή της αεροπορίας ενός από τα μέρη στον εναέριο χώρο ενός θεάτρου επιχειρήσεων, μιας σημαντικής επιχειρησιακής περιοχής ή σε μια συγκεκριμένη περιοχή. Επιτρέπει την Πολεμική Αεροπορία καθώς και τις Δυνάμεις του εδάφους
Από το βιβλίο Όλες οι χώρες του κόσμου συγγραφέας Varlamova Tatyana KonstantinovnaΟλλανδία Βασίλειο των Κάτω Χωρών Ημερομηνία δημιουργίας ανεξάρτητου κράτους: 1609 Έκταση: 41,5 χιλιάδες τετραγωνικά μέτρα. kmΔιοικητικό τμήμα: 12 επαρχίες Πρωτεύουσα: Άμστερνταμ Επίσημη γλώσσα: Ολλανδικά Νόμισμα: ευρώ Πληθυσμός: 16,3 εκατομμύρια (2004) Πυκνότητα
Από το βιβλίο Υπόμνημα προς πολίτες της ΕΣΣΔ που ταξιδεύουν στο εξωτερικό συγγραφέας άγνωστος συγγραφέαςΠροξενικό Τμήμα της Πρεσβείας του Βασιλείου της Ολλανδίας: Χάγη, Andries Bikerwech, 2, τηλ. 070-45-13-00, 070-45-13-01, τέλεξ
Από το βιβλίο στο εξωτερικό συγγραφέας Τσούπρινιν Σεργκέι ΙβάνοβιτςΣΥΓΓΡΑΦΕΙΣ ΤΗΣ ΟΛΛΑΝΔΙΑΣ ALLA AVILOVAAvilova Η Alla γεννήθηκε το 1948 στη Μόσχα. Αποφοίτησε από τη Φιλολογική Σχολή του Κρατικού Πανεπιστημίου της Μόσχας. Εργάστηκε στον εκδοτικό οίκο «Znanie» και στο APN. Το 1979 μετακόμισε στην Ολλανδία για μόνιμη κατοικία, ζει στο Άμστερνταμ, εργάζεται στο εβδομαδιαίο περιοδικό «Coorddanser», το οποίο ενημερώνει για διαλέξεις
Από το βιβλίο Lawyer Encyclopedia του συγγραφέαΗ Ολλανδία (Βασίλειο των Κάτω Χωρών) ΟΛΛΑΝΔΙΑ (Βασίλειο της Ολλανδίας) είναι ένα κράτος στη Δυτική Ευρώπη. Ν. κατέχουν μια σειρά από νησιά των Αντιλλών. Σύμφωνα με τη μορφή διακυβέρνησης η Ν. είναι ενιαίο κράτος. Η χώρα χωρίζεται σε 12 επαρχίες. Στις επαρχίες υπάρχουν
Από το βιβλίο Φιλοτελική Γεωγραφία. Ευρωπαϊκές ξένες χώρες. συγγραφέας Βλαντίνετς Νικολάι ΙβάνοβιτςΟΛΛΑΝΔΙΑ (Βασίλειο των Κάτω Χωρών) Ολλανδία. Koninkrijktier Nederlanden State στα βόρεια. Δυτική ακτή Ευρώπη. Terr. 36,6 χιλ. τ. χλμ. μας. 13,9 εκατ. (1978), κυρίως Ολλανδός. Πρωτεύουσα είναι το Άμστερνταμ. Η κυβέρνηση και το κοινοβούλιο βρίσκονται στη Χάγη. κατάσταση γλώσσα - ολλανδικά - συνταγματική.
Από βιβλίο Ξένη λογοτεχνίαΧΧ αιώνα. Βιβλίο 2 συγγραφέας Νόβικοφ Βλαντιμίρ ΙβάνοβιτςΔρόμοι της Φλάνδρας (Les routes des Flandres) Μυθιστόρημα (1960) Για πρώτη φορά, ο συγγραφέας μας συστήνει τους ήρωες του μυθιστορήματος την παραμονή της συμμετοχής τους στα γαλλικά στρατεύματα που μάχονται ενάντια στους φασίστες κατακτητές στο
Από το βιβλίο Dresden Art Gallery συγγραφέας Maykapar A.Πίνακας της Ολλανδίας Joachim Patinir. Πύργος του Χάρωνα. 1520–1524 Rogier van der Weyden (περίπου 1400–1464) Κάθοδος από τον Σταυρό. Γύρω στο 1435. Λάδι σε ξύλο. 220x262 Προσπαθώντας να κατανοήσουμε τη δυνατότητα καλλιτεχνικού προβληματισμού εσωτερικός κόσμοςπροσωπικότητα, ο Vaden έγινε αναγνωρισμένος δάσκαλος
Από το βιβλίο του συγγραφέαΠίνακας της Φλάνδρας Peter Paul Rubens. Τρεις Χάριτες. 1630–1635 Jan Brueghel the Elder (Velvet) (1568–1625) Allegory of Sight 1617. Λάδι σε καμβά. 65x109 Ο Φλαμανδός ζωγράφος και χαράκτης Jan Brueghel ανήκει σε μια δυναστεία καλλιτεχνών, ιδρυτής της οποίας ήταν ο πατέρας του Pieter Bruegel
Από το βιβλίο του συγγραφέαΤέχνη της Ολλανδίας, της Ολλανδίας και της Φλάνδρας Frans Hals. Πορτρέτο ενός άνδρα. Γύρω στο 1635 Jan Van Eyck (1390–1441) Η Παναγία και το Βρέφος ενθρονίστηκαν στο ναό. Τρίπτυχο 1437. Δρυς σανίδα, λάδι. Το κεντρικό μέρος είναι 27,5x21,5, τα πλαϊνά είναι 27,5x8 Αυτό το μικρό κομμάτι είναι γνήσιο
Κοντά μισό XVI τραπέζι. μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων υπάρχει η επιθυμία να απαλλαγούν από τις ελλείψεις της εγχώριας τέχνης - τη γοτθική γωνιότητα και την ξηρότητά της - μελετώντας Ιταλούς καλλιτέχνες της Αναγέννησης και συνδυάζοντας τον τρόπο τους με τις καλύτερες παραδόσεις της δικής τους σχολής. Αυτή η επιθυμία είναι ήδη ορατή στα έργα του προαναφερθέντος Mostert. αλλά ο κύριος διαδότης του νέου κινήματος πρέπει να θεωρηθεί ο Jan Schorel (1495-1562), ο οποίος έζησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ιταλία και αργότερα ίδρυσε ένα σχολείο στην Ουτρέχτη, από το οποίο προήλθαν αρκετοί καλλιτέχνες μολυσμένοι με την επιθυμία να γίνουν Ολλανδοί Ραφαήλ. και ο Μιχαήλ Άγγελος. Στα βήματά του, ο Maarten van Van, με το παρατσούκλι Gemskerk (1498-1574), ο Henryk Goltzius (1558-1616), ο Peter Montford, παρατσούκλι. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Ο Χάρλεμ (1562-1638) και άλλοι που ανήκαν στην επόμενη περίοδο της ιταλικής σχολής, όπως, για παράδειγμα, ο Αβραάμ Μπλόμαερτ (1564-1651), ο Τζέραρντ Γκόνθορστ (1592-1662), ξεπέρασαν τις Άλπεις για να εμποτιστούν με τις τελειότητες. των φωτιστών της ιταλικής ζωγραφικής, αλλά έπεσαν, ως επί το πλείστον, υπό την επίδραση εκπροσώπων της παρακμής αυτού του πίνακα που άρχιζε εκείνη την εποχή, επέστρεψαν στην πατρίδα τους ως μανιεριστές, φανταζόμενοι ότι όλη η ουσία της τέχνης βρίσκεται σε την υπερβολή των μυών, στην επιτηδειότητα των γωνιών και την απελπισία των συμβατικών χρωμάτων. Ωστόσο, το πάθος των Ιταλών για τη ζωγραφική, που συχνά επεκτεινόταν στα άκρα στη μεταβατική εποχή της Γεωργίας, έφερε ένα είδος οφέλους, αφού έφερε σε αυτόν τον πίνακα καλύτερο, πιο μαθημένο σχέδιο και την ικανότητα να διαχειρίζεται τη σύνθεση πιο ελεύθερα και τολμηρά. Μαζί με την παλιά ολλανδική παράδοση και την απεριόριστη αγάπη για τη φύση, ο Ιταλισμός έγινε ένα από τα στοιχεία από τα οποία διαμορφώθηκε η πρωτότυπη, ιδιαίτερα ανεπτυγμένη τέχνη της ακμάζουσας εποχής. Η έναρξη αυτής της εποχής, όπως έχουμε ήδη πει, θα πρέπει να χρονολογηθεί στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν η Ολλανδία, έχοντας κερδίσει την ανεξαρτησία, άρχισε να ζει μια νέα ζωή. Η δραματική μετατροπή μιας καταπιεσμένης και φτωχής χώρας μόλις χθες σε μια πολιτικά σημαντική, άνετη και πλούσια ένωση κρατών συνοδεύτηκε από μια εξίσου δραματική επανάσταση στην τέχνη της. Από όλες τις πλευρές, σχεδόν ταυτόχρονα, αναδύονται σε αμέτρητους αριθμούς υπέροχοι καλλιτέχνες, καλούμενοι να δραστηριοποιηθούν από την άνοδο του εθνικού πνεύματος και την ανάγκη για το έργο τους που έχει αναπτυχθεί στην κοινωνία. Στα αρχικά καλλιτεχνικά κέντρα, το Χάρλεμ και το Λάιντεν, προστίθενται νέα - Ντελφτ, Ουτρέχτη, Ντόρτρεχτ, Χάγη, Άμστερνταμ κ.λπ. Παντού τα παλιά καθήκοντα της ζωγραφικής αναπτύσσονται με νέο τρόπο υπό την επίδραση των μεταβαλλόμενων απαιτήσεων και απόψεων, και τους νέους κλάδους της, οι απαρχές των οποίων ήταν ελάχιστα αισθητές την προηγούμενη περίοδο. Η Μεταρρύθμιση έδιωξε τους θρησκευτικούς πίνακες από τις εκκλησίες. δεν χρειαζόταν να διακοσμηθούν τα παλάτια και οι ευγενείς αίθουσες με εικόνες αρχαίων θεών και ηρώων, και επομένως η ιστορική ζωγραφική, που ικανοποιούσε τα γούστα της πλούσιας αστικής τάξης, απέρριψε τον ιδεαλισμό και στράφηκε σε μια ακριβή αναπαραγωγή της πραγματικότητας: άρχισε να ερμηνεύει γεγονότα του μακρού παρελθόντος όπως τα γεγονότα της εποχής που έλαβαν χώρα στην Ολλανδία, και κυρίως έλαβαν προσωπογραφία, διαιωνίζοντας σε αυτήν τα χαρακτηριστικά των ανθρώπων εκείνης της εποχής, είτε σε μονόμορφες μορφές είτε σε εκτενείς, πολυμορφικές συνθέσεις που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού (schutterstuke), οι οποίες έπαιξε τόσο εξέχοντα ρόλο στον αγώνα για την απελευθέρωση της χώρας - οι διαχειριστές των φιλανθρωπικών της ιδρυμάτων (regentenstuke), οι εργοδηγοί των καταστημάτων και τα μέλη διαφόρων εταιρειών. Αν αποφασίσαμε να μιλήσουμε για όλους τους ταλαντούχους προσωπογράφους της ακμάζουσας εποχής της Γαλατίας. τέχνη, τότε και μόνο η λίστα με τα ονόματά τους με ένδειξη των καλύτερων έργων τους θα χρειαζόταν πολλές γραμμές. Ως εκ τούτου, περιοριζόμαστε να αναφέρουμε μόνο εκείνους τους καλλιτέχνες που ξεχωρίζουν ιδιαίτερα γενική σειρά. Αυτοί είναι οι: Michiel Miervelt (1567-1641), ο μαθητής του Paulus Morelse (1571-1638), ο Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572; - 1657), οι προκάτοχοι των τριών μεγαλύτερων προσωπογράφων της Ολλανδίας - των μάγος του chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), ένας ασύγκριτος σχεδιαστής που είχε καταπληκτική τέχνημοντελοποιήστε τις φιγούρες στο φως, αλλά κάπως ψυχρού χαρακτήρα και χρώματος του Βαρθολομαίου βαν ντερ Γκελστ (1611 ή 1612-70) και της εντυπωσιακής φούγκας του πινέλου του από τον Φρανς Γκολς τον Πρεσβύτερο (1581-1666). Από αυτά, το όνομα του Ρέμπραντ λάμπει ιδιαίτερα έντονα στην ιστορία, στην αρχή εκτιμήθηκε πολύ από τους συγχρόνους του, στη συνέχεια ξεχάστηκε από αυτούς, εκτιμήθηκε ελάχιστα από τους μεταγενέστερους και μόνο τον τρέχοντα αιώνα ανυψώθηκε, με κάθε δικαιοσύνη, στο επίπεδο του κόσμου. ιδιοφυία. Στη χαρακτηριστική καλλιτεχνική του προσωπικότητα συγκεντρώνονται όλα τα καλύτερα προσόντα της ζωγραφικής του Γ., σαν στο επίκεντρο, και η επιρροή του αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τύπους - σε πορτρέτα, ιστορικούς πίνακες, καθημερινές σκηνές και τοπία. Οι πιο διάσημοι μεταξύ των μαθητών και οπαδών του Ρέμπραντ ήταν οι: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ή 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (περίπου 1620-54), Salomon and Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († αργότερα 1645), Gerard Dou (1613-75) και Samuel van Googstraten (1626-78). Εκτός από αυτούς τους καλλιτέχνες, για να συμπληρωθεί ο κατάλογος των καλύτερων προσωπογράφων και ιστορικών ζωγράφων της υπό εξέταση περιόδου, θα πρέπει να ονομάσουμε τον Jan Lievens (1607-30), τον συμμαθητή του Ρέμπραντ του P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) και ο Pieter Nazon (1612-91), εργαζόμενοι, προφανώς, υπό την επιρροή του V. d Gelsta, ο μιμητής των Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan and Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) και Nicholas de Gelta-Stokade (1614-). Οικιακή ζωγραφική, τα πρώτα πειράματα της οποίας εμφανίστηκαν στα παλιά Ολλανδικό σχολείο , βρέθηκα τον 17ο αιώνα. ιδιαίτερα γόνιμο έδαφος στην προτεσταντική, ελεύθερη, αστική, αυτάρεσκη Ολλανδία. Μικρές εικόνες, που αντιπροσώπευαν άτεχνα τα έθιμα και τη ζωή διαφορετικών τάξεων της τοπικής κοινωνίας, φαίνονταν σε αρκετούς ανθρώπους πιο διασκεδαστικές από μεγάλα έργα σοβαρής ζωγραφικής και, μαζί με τοπία, πιο βολικές για τη διακόσμηση φιλόξενων ιδιωτικών κατοικιών. Μια ολόκληρη ορδή καλλιτεχνών ικανοποιεί τη ζήτηση τέτοιων εικόνων, χωρίς να σκέφτεται πολύ την επιλογή των θεμάτων για αυτές, αλλά αναπαράγει συνειδητά όλα όσα συναντά κανείς στην πραγματικότητα, δείχνοντας ταυτόχρονα αγάπη για την οικογένειά τους, στη συνέχεια καλοσυνάτο χιούμορ, με ακρίβεια χαρακτηρίζοντας τις απεικονιζόμενες θέσεις και πρόσωπα και εξευγενισμένο στην κυριαρχία της τεχνολογίας. Ενώ κάποιοι ασχολούνται με τη ζωή των απλών ανθρώπων, σκηνές αγροτικής ευτυχίας και λύπης, ποτό σε ταβέρνες και ταβέρνες, συγκεντρώσεις μπροστά σε πανδοχεία στην άκρη του δρόμου, αγροτικές διακοπές, παιχνίδια και πατινάζ στους πάγους παγωμένων ποταμών και καναλιών κ.λπ., άλλοι παίρνουν το περιεχόμενο για τα έργα τους από έναν πιο κομψό κύκλο - ζωγραφίζουν χαριτωμένες κυρίες στο οικείο τους περιβάλλον, την ερωτοτροπία των δανδή κυρίων, τις νοικοκυρές που δίνουν εντολές στις υπηρέτριές τους, τις ασκήσεις κομμωτηρίου στη μουσική και το τραγούδι, το γλέντι της χρυσής νεότητας σε σπίτια αναψυχής κ.λπ. Στη μεγάλη σειρά των καλλιτεχνών της πρώτης κατηγορίας διαπρέπουν οι Adrian και Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ή 1606-38), Jan Stan (περίπου 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, με το παρατσούκλι Bambocchio στην Ιταλία (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, με το παρατσούκλι Sorg (1621-82), Claes Molenaar (πρώην 1630-76), Jan Minse-Molenar (περίπου 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) και μερικοί. κ.λπ. Από τον εξίσου σημαντικό αριθμό ζωγράφων που αναπαρήγαγαν τη ζωή της μεσαίας και ανώτερης, γενικά επαρκούς, τάξης, οι Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Γκογκ (1630-66), Κάσπαρ Νέτσερ (1639-84), Γαλλία γ. Miris the Elder (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer of Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony and Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) κ.λπ. Η κατηγορία των ζωγράφων του είδους περιλαμβάνει καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν σκηνές στρατιωτικής ζωής, αδράνεια στρατιωτών σε φρουρά , χώροι κατασκήνωσης, αψιμαχίες ιππικού και ολόκληρες μάχες, άλογα γυμναστικής, καθώς και σκηνές κυνηγιού γερακιών και κυνηγόσκυλων παρόμοιες με σκηνές μάχης. Επικεφαλής Αντιπρόσωπος Αυτός ο κλάδος της ζωγραφικής είναι ο διάσημος και ασυνήθιστα παραγωγικός Philips Wouwerman (1619-68). Εκτός από αυτόν, ο αδερφός της αυτού του δασκάλου, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), τον οποίο σύντομα θα συναντήσουμε ανάμεσα στους τοπιογράφους, τους προαναφερθέντες Παλαμήδη, Jacob Leduc (1600 - αργότερα 1660), Henrik. Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), κ.λπ. Για πολλούς από αυτούς τους καλλιτέχνες, το τοπίο παίζει εξίσου σημαντικό ρόλο με τις ανθρώπινες φιγούρες. αλλά παράλληλα με αυτούς εργάζεται και μια μάζα ζωγράφων που το θέτουν ως κύριο ή αποκλειστικό έργο τους. Γενικά, οι Ολλανδοί έχουν το αναφαίρετο δικαίωμα να είναι περήφανοι που η πατρίδα τους είναι η γενέτειρα όχι μόνο του νεότερου είδους, αλλά και του τοπίου με την έννοια που γίνεται κατανοητό σήμερα. Μάλιστα, σε άλλες χώρες, π.χ. στην Ιταλία και τη Γαλλία, η τέχνη δεν ενδιαφέρθηκε καθόλου για την άψυχη φύση, δεν βρήκε σε αυτήν ούτε μια μοναδική ζωή ούτε ιδιαίτερη ομορφιά: ο ζωγράφος εισήγαγε το τοπίο στους πίνακές του μόνο ως παράπλευρο στοιχείο, ως διακόσμηση, μεταξύ των οποίων επεισόδια ανθρώπινου δράματος ή η κωμωδία παίζεται, και ως εκ τούτου την υποτάσσει τις συνθήκες της σκηνής, επινοώντας γραφικές γραμμές και σημεία που της είναι ευεργετικά, χωρίς όμως να αντιγράφουν τη φύση, χωρίς να διαποτίζονται από την εντύπωση που εμπνέει. Με τον ίδιο τρόπο «συνέθεσε» τη φύση σε εκείνες τις σπάνιες περιπτώσεις που προσπάθησε να ζωγραφίσει έναν καθαρά τοπιογράφο. Οι Ολλανδοί ήταν οι πρώτοι που κατάλαβαν ότι ακόμα και στην άψυχη φύση όλα αναπνέουν ζωή, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλούν σκέψη και να συναρπάζουν την κίνηση της καρδιάς. Και αυτό ήταν απολύτως φυσικό, γιατί οι Ολλανδοί, ας πούμε έτσι, δημιούργησαν τη φύση γύρω τους με τα χέρια τους, τη θησαύρισαν και τη θαύμασαν, όπως ο πατέρας θησαυρίζει και θαυμάζει το δικό του πνευματικό τέκνο. Επιπλέον, αυτή η φύση, παρά τη σεμνότητα των μορφών και των χρωμάτων της, παρείχε στους χρωματιστές όπως οι Ολλανδοί άφθονο υλικό για την ανάπτυξη μοτίβων φωτισμού και εναέριας προοπτικής λόγω των κλιματικών συνθηκών της χώρας - τον κορεσμένο με ατμό αέρα της, μαλακώνοντας τα περιγράμματα του αντικείμενα, που παράγουν μια διαβάθμιση τόνων σε διαφορετικά σχέδια και καλύπτουν την απόσταση με μια ομίχλη αργυρής ή χρυσής ομίχλης, καθώς και τη μεταβλητότητα της εμφάνισης των περιοχών που καθορίζονται από την εποχή του χρόνου, την ώρα της ημέρας και τις καιρικές συνθήκες. Από τους τοπιογράφους της περιόδου της ανθοφορίας, οι Ολλανδοί. σχολεία που ήταν διερμηνείς της εγχώριας φύσης τους είναι ιδιαίτερα σεβαστά: Jan V. Goyen (1595-1656), ο οποίος μαζί με τον Esaias van de Velde (περ. 1590-1630) και τον Pieter Moleyn the Elder. (1595-1661), που θεωρείται ο ιδρυτής του Γκολ. τοπίο; τότε αυτός ο μαθητής του μεταπτυχιακού, ο Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (περ. 1600 - αργότερα 1679), λάτρης των εφέ του καλύτερου φωτισμού Τέχνη. d Nair (1603-77), ποιητικό Jacob v. Ruisdael (1628 ή 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) και Cornelis Dekker († 1678). Μεταξύ των Ολλανδών υπήρχαν επίσης πολλοί τοπιογράφοι που ξεκίνησαν ταξίδια και αναπαρήγαγαν μοτίβα ξένης φύσης, τα οποία όμως δεν τους εμπόδισαν να διατηρήσουν στη ζωγραφική τους εθνικό χαρακτήρα. Albert V. Ο Έβερντινγκεν (1621-75) απεικόνισε απόψεις της Νορβηγίας. Jan Both (1610-52), Dirk v. Μπέργκεν († αργότερα 1690) και Γιαν Λίνγκελμπαχ (1623-74) - Ιταλία; Ian V. δ. Δήμαρχος ο νεότερος (1656-1705), Χέρμαν Σάφτλεβεν (1610-85) και Γιαν Γκρίφιρ (1656-1720) - Ρέινα. Jan Hackart (1629-99;) - Γερμανία και Ελβετία. Ο Cornelis Pulenenburg (1586-1667) και μια ομάδα οπαδών του ζωγράφισαν τοπία εμπνευσμένα από την ιταλική φύση, με ερείπια αρχαίων κτιρίων, νύμφες που κολυμπούν και σκηνές μιας φανταστικής Αρκαδίας. Σε μια ειδική κατηγορία μπορούμε να ξεχωρίσουμε μάστορες που στους πίνακές τους συνδύασαν τοπία με εικόνες ζώων, δίνοντας προτίμηση είτε στο πρώτο είτε στο δεύτερο ή αντιμετωπίζοντας και τα δύο μέρη με την ίδια προσοχή. Ο πιο διάσημος από αυτούς τους ζωγράφους του αγροτικού ειδυλλίου είναι ο Paulus Potter (1625-54). Εκτός από αυτόν, εδώ θα πρέπει να συμπεριληφθεί και ο Άντριαν. d Velde (1635 ή 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) και πολυάριθμοι καλλιτέχνες που στράφηκαν για θέματα κατά προτίμηση ή αποκλειστικά στην Ιταλία, όπως: Willem Romain († αργότερα 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616;-77) Frederic de Moucheron (1633 ή 1634 -86) κ.λπ. Στενή σχέση με το τοπίο είναι η ζωγραφική των αρχιτεκτονικών απόψεων, που Ολλανδοί καλλιτέχνεςάρχισε να ασκείται ως ανεξάρτητος κλάδος της τέχνης μόλις στα μισά του 17ου αιώνα. Μερικοί από εκείνους που από τότε εργάστηκαν σε αυτόν τον τομέα ήταν περίπλοκοι στην απεικόνιση των δρόμων και των πλατειών της πόλης με τα κτίριά τους. αυτοί είναι, μεταξύ άλλων, λιγότερο σημαντικοί, οι Johannes Bärestraten (1622-66), Job and Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d Heyden (1647-1712) και Jacob v. χωριό Γιούλφτ (1627-88). Άλλοι, μεταξύ των οποίων οι πιο εξέχοντες είναι οι Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Ο Delen (1605-71), ο Emmanuel de Witte (1616 ή 1617-92), ζωγράφισαν εσωτερικές όψεις εκκλησιών και παλατιών. Η θάλασσα ήταν τόσο σημαντική στη ζωή της Ολλανδίας που η τέχνη της δεν μπορούσε να την αντιμετωπίσει παρά μόνο με τη μεγαλύτερη προσοχή. Πολλοί από τους καλλιτέχνες του που ασχολήθηκαν με τοπία, είδη, ακόμη και πορτρέτα, ξεφεύγοντας για λίγο από τα συνηθισμένα τους θέματα, έγιναν ναυτικοί ζωγράφοι και αν αποφασίσαμε να απαριθμήσουμε όλους τους Ολλανδούς ζωγράφους. σχολεία που απεικονίζουν μια ήρεμη ή μανιασμένη θάλασσα, πλοία που λικνίζονται πάνω της, λιμάνια γεμάτα με πλοία, ναυμαχίες κ.λπ., τότε θα είχαμε έναν πολύ μακρύ κατάλογο που θα περιλάμβανε τα ονόματα του Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdal, A. Cuyp και άλλοι που έχουν ήδη αναφερθεί στις προηγούμενες γραμμές. Περιοριζόμενοι στο να επισημάνουμε εκείνους για τους οποίους η ζωγραφική θαλάσσιων ειδών ήταν ειδικότητα, πρέπει να ονομάσουμε τον Willem v. de Velde the Elder (1611 ή 1612-93), ο διάσημος γιος του V. v. de Velde ο νεότερος (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) και Julius Parcellis († αργότερα 1634). Τέλος, η ρεαλιστική κατεύθυνση της ολλανδικής σχολής ήταν ο λόγος που διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε αυτήν ένα είδος ζωγραφικής, που σε άλλα σχολεία μέχρι τότε δεν είχε καλλιεργηθεί ως ιδιαίτερος, ανεξάρτητος κλάδος, δηλαδή ζωγραφική λουλουδιών, φρούτων, λαχανικών, ζωντανά πλάσματα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη κ.λπ. - με μια λέξη, αυτό που σήμερα αποκαλείται συνήθως «νεκρή φύση» (nature morte, Stilleben). Στην περιοχή αυτή μεταξύ των Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες της ακμής ήταν ο Jan-Davids de Gem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Abraham Mignon (1640-79), ο Melchior de Gondecoeter (1636-95), η Maria Osterwijk (1630). -93) , Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - αργότερα 1678), Willem Kalf (1621 ή 1622-93) και Jan Waenix (1640-1719).
Η λαμπρή περίοδος της ολλανδικής ζωγραφικής δεν κράτησε πολύ - μόνο έναν αιώνα. Από τις αρχές του 18ου αιώνα. Η παρακμή του έρχεται, όχι επειδή οι ακτές του Zuiderzee παύουν να παράγουν έμφυτα ταλέντα, αλλά επειδή Στην κοινωνία, η εθνική αυτοσυνειδησία εξασθενεί ολοένα και περισσότερο, το εθνικό πνεύμα εξατμίζεται και τα γαλλικά γούστα και απόψεις της πομπώδους εποχής του Λουδοβίκου 14ου κυριαρχούν. Στην τέχνη, αυτή η πολιτιστική στροφή εκφράζεται με τη λήθη εκ μέρους των καλλιτεχνών εκείνων των βασικών αρχών από τις οποίες εξαρτιόταν η πρωτοτυπία των ζωγράφων των προηγούμενων γενεών και η έφεση στις αισθητικές αρχές που προέρχονται από μια γειτονική χώρα. Αντί για άμεση σχέση με τη φύση, η αγάπη για αυτό που είναι εγγενές και η ειλικρίνεια, η κυριαρχία των προκατασκευασμένων θεωριών, η σύμβαση και η μίμηση των Poussin, Lebrun, Cl. Λορέν και άλλοι διαφωτιστές της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διαπραγματευτής αυτής της θλιβερής τάσης ήταν ο Φλαμανδός Gerard de Leresse (1641-1711), που εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ, ένας ικανότατος καλλιτέχνης και μορφωμένος στην εποχή του, που άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στους άμεσους απογόνους του, τόσο με το ψεύτικό του ήθος. -ιστορικοί πίνακες και έργα της δικής του πένας, μεταξύ των οποίων ένα - «Το μεγάλο βιβλίο του ζωγράφου» («t groot schilderboec») - λειτούργησε ως κώδικας για τους νέους καλλιτέχνες για πενήντα χρόνια στην παρακμή της σχολής από τον διάσημο Adrian V. de Werff (1659-1722), του οποίου η κομψή ζωγραφική με κρύες, σαν κομμένες φιγούρες από ελεφαντόδοντο, με ένα θαμπό, ανίσχυρο χρωματισμό, φαινόταν κάποτε το ύψος της τελειότητας μεταξύ των οπαδών αυτού του καλλιτέχνη, ο Henrik V Ο Limborg (1680-1758) και ο Philip V.-Dyck (1669-1729), με το παρατσούκλι "Little V.", ήταν διάσημοι ως ιστορικοί ζωγράφοι -Dyck , αλλά μολυσμένο από το πνεύμα της εποχής, πρέπει να σημειωθεί Willem and France v. Miris the Younger (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) και Carel de Maur (1656-173). Λίγη λάμψη έδωσε στο ετοιμοθάνατο σχολείο ο Cornelis Troost (1697-1750), κυρίως σκιτσογράφος, με το παρατσούκλι Dutch. Ο Γκόγκαρθ, ο πορτραίτης Jan Quincgard (1688-1772), ο διακοσμητικός και ιστορικός ζωγράφος Jacob de Wit (1695-1754) και οι ζωγράφοι της νεκρής φύσης Jan V. Geysum (1682-1749) και Rachel Reisch (1664-1750).
Η ξένη επιρροή επιβάρυνε την ολλανδική ζωγραφική μέχρι τη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα, έχοντας καταφέρει να αντικατοπτρίσει σε αυτήν λίγο πολύ τις αλλαγές που επέφερε η τέχνη στη Γαλλία, ξεκινώντας από την κατασκευή περουκών της εποχής του Βασιλιά Ήλιου και τελειώνοντας με τον ψευδοκλασικισμό του Δαβίδ. Όταν το ύφος των τελευταίων απαρχαιώθηκε και παντού στη Δυτική Ευρώπη, αντί της γοητείας με τους αρχαίους Έλληνες και Ρωμαίους, γεννήθηκε μια ρομαντική επιθυμία, κατακτώντας τόσο την ποίηση όσο και τις παραστατικές τέχνες, οι Ολλανδοί, όπως και άλλοι λαοί, έστρεψαν το βλέμμα τους στο την αρχαιότητα τους, άρα και την ένδοξη περασμένη ζωγραφική τους. Η επιθυμία να της ξαναδώσω τη λάμψη με την οποία έλαμψε XVII αιώνα, άρχισε να εμπνέει τους νεότερους καλλιτέχνες και τους επέστρεψε στις αρχές των αρχαίων εθνικών δασκάλων - σε μια αυστηρή παρατήρηση της φύσης και μια έξυπνη, ειλικρινή στάση απέναντι στα καθήκοντα που είχαν. Ταυτόχρονα, δεν προσπάθησαν να εξαλειφθούν εντελώς από την ξένη επιρροή, αλλά όταν πήγαν για σπουδές στο Παρίσι ή στο Ντίσελντορφ και σε άλλα καλλιτεχνικά κέντρα στη Γερμανία, έμαθαν μόνο μια γνωριμία με τις επιτυχίες της σύγχρονης τεχνολογίας. Χάρη σε όλα αυτά, το αναβιωμένο ολλανδικό σχολείο έλαβε και πάλι μια πρωτότυπη, ελκυστική φυσιογνωμία και κινείται σήμερα στο μονοπάτι που οδηγεί σε περαιτέρω πρόοδο. Μπορεί εύκολα να αντιπαραβάλει πολλές από τις νεότερες φιγούρες της με τους καλύτερους ζωγράφους του 19ου αιώνα σε άλλες χώρες. Η ιστορική ζωγραφική με τη στενή έννοια της λέξης καλλιεργείται σε αυτήν, όπως παλιά, πολύ μέτρια και δεν έχει εξαιρετικούς εκπροσώπους. Αλλά όσον αφορά το ιστορικό είδος, ο Holland μπορεί να υπερηφανεύεται για αρκετούς σημαντικούς πρόσφατους δασκάλους, όπως: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (γεν. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (γεν. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) και τον εξαιρετικά ταλαντούχο Lawrence Alma-Tadema (γεν. 1836), που εγκατέλειψε στην Αγγλία. Όσον αφορά το καθημερινό είδος, που περιλαμβανόταν επίσης στον κύκλο δραστηριότητας αυτών των καλλιτεχνών (με εξαίρεση τον Alma-Tadema), μπορεί κανείς να επισημάνει έναν αριθμό εξαιρετικών ζωγράφων, με επικεφαλής τον Joseph Israels (γενν. 1824) και τον Christoffel. Bisschop (γ. 1828); Εκτός από αυτούς, οι Michiel Verseg (1756-1843), ο Elhanon Vervaer (γ. 1826), η Teresa Schwarze (γ. 1852) και ο Valli Mus (γ. 1857) είναι άξιοι να ονομαστούν. Ο νεότερος στόχος είναι ιδιαίτερα πλούσιος. ζωγραφική από τοπιογράφους που εργάστηκαν και εργάζονται με διάφορους τρόπους, άλλοτε με προσεκτική ολοκλήρωση, άλλοτε με την ευρεία τεχνική των ιμπρεσιονιστών, αλλά πιστούς και ποιητικούς ερμηνευτές τους αυτοφυής φύση. Σε αυτούς περιλαμβάνονται οι Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (γ. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (γ. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (γ. 1837), Lodewijk Apol (γ. 1850) και πολλοί άλλοι. κλπ. Άμεσοι κληρονόμοι του Ya. Εμφανίστηκαν οι D. Heyden και E. de Witte ζωγράφοι υποσχόμενων απόψεων, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), κ.λπ. Από τους νεότερους ναυτικούς ζωγράφους της Ολλανδίας, οι Η παλάμη ανήκει στο Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (γ. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) και Henrik Mesdag (γ. 1831). Τέλος, ο Wouters Verschoor (1812-74) και ο Johann Gas (γεν. 1832) επέδειξαν μεγάλη δεξιοτεχνία στη ζωγραφική των ζώων.
Νυμφεύομαι. Van Eyden u. van der Willigen, «Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw» (4 τόμοι, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2ος και 3ος τόμος, 1882-1883); Waagen, «Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen» (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876)· A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890)· P. P. Semenov, "Studies on the history of Dutch painting based on its δείγματα που βρίσκονται στην Αγία Πετρούπολη." (ειδικό παράρτημα στο περιοδικό "Vestn. Fine Arts", 1885-90).
Τα πρώτα χρόνια του 17ου αιώνα θεωρούνται η γέννηση της ολλανδικής σχολής. Η σχολή αυτή ανήκει στις μεγάλες σχολές της ζωγραφικής και είναι μια σχολή ανεξάρτητη και ανεξάρτητη με μοναδικά και αμίμητα χαρακτηριστικά και ταυτότητα.
Αυτό έχει μια σε μεγάλο βαθμό ιστορική εξήγηση - μια νέα κίνηση στην τέχνη και μια νέα κατάσταση στον χάρτη της Ευρώπης προέκυψαν ταυτόχρονα.
Μέχρι τον 17ο αιώνα, η Ολλανδία δεν ξεχώριζε για την αφθονία των εθνικών καλλιτεχνών. Ίσως γι' αυτό στο μέλλον σε αυτή τη χώρα μπορεί κανείς να μετρήσει τόσο μεγάλο αριθμό καλλιτεχνών, και συγκεκριμένα Ολλανδούς καλλιτέχνες. Ενώ αυτή η χώρα ήταν ένα κράτος με τη Φλάνδρα, ήταν κυρίως στη Φλάνδρα που δημιουργήθηκαν και αναπτύχθηκαν εντατικά πρωτότυπα καλλιτεχνικά κινήματα. Οι εξαιρετικοί ζωγράφοι Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, παρόμοιοι των οποίων δεν βρέθηκαν στην Ολλανδία, εργάστηκαν στη Φλάνδρα. Μόνο μεμονωμένες εκρήξεις ιδιοφυΐας στη ζωγραφική μπορούν να σημειωθούν στις αρχές του 16ου αιώνα, αυτός είναι ο καλλιτέχνης και χαράκτης Luke of Leiden, ο οποίος είναι οπαδός της σχολής της Μπριζ. Αλλά ο Λουκάς του Λέιντεν δεν δημιούργησε καμία σχολή. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τον ζωγράφο Dirk Bouts από το Χάρλεμ, του οποίου οι δημιουργίες δεν ξεχωρίζουν με φόντο το ύφος και τον τρόπο προέλευσης της φλαμανδικής σχολής, για τους καλλιτέχνες Mostaert, Skorel και Heemskerke, οι οποίοι, παρ' όλη τη σημασία τους, δεν είναι μεμονωμένα ταλέντα που τους χαρακτηρίζουν με την πρωτοτυπία τους στη χώρα.
Στη συνέχεια, η ιταλική επιρροή εξαπλώθηκε σε όλους όσους δημιούργησαν με το πινέλο - από την Αμβέρσα μέχρι το Χάρλεμ. Αυτός ήταν ένας από τους λόγους που τα σύνορα ήταν ασαφή, τα σχολεία ήταν μικτά και οι καλλιτέχνες έχασαν την εθνική τους ταυτότητα. Ούτε ένας μαθητής του Γιαν Σκόρελ δεν επέζησε. Ο τελευταίος, ο πιο διάσημος, ο μεγαλύτερος ζωγράφος πορτρέτων, που μαζί με τον Ρέμπραντ είναι το καμάρι της Ολλανδίας, ένας καλλιτέχνης προικισμένος με ισχυρό ταλέντο, άριστα μορφωμένος, ποικίλο στυλ, θαρραλέος και ευέλικτος από τη φύση του, ένας κοσμοπολίτης που έχει χάσει τα πάντα ίχνη της καταγωγής του και ακόμη και το όνομά του - Αντώνης Μορώ, (ήταν ο επίσημος ζωγράφος του Ισπανού βασιλιά) πέθανε μετά το 1588.
Οι επιζώντες ζωγράφοι σχεδόν έπαψαν να είναι Ολλανδοί στο πνεύμα της δουλειάς τους δεν είχαν την οργάνωση και την ικανότητα να ανανεώσουν το εθνικό σχολείο. Αυτοί ήταν εκπρόσωποι του ολλανδικού μανιερισμού: ο χαράκτης Hendrik Goltzius, ο Cornelis του Haarlem, που μιμήθηκε τον Michelangelo, ο Abraham Bloemaert, οπαδός του Correggio, ο Michiel Miervelt, καλός καλλιτέχνης πορτρέτων, δεξιοτέχνης, ακριβής, λακωνικός, λίγο ψυχρός, μοντέρνος για την εποχή του. , αλλά όχι εθνική. Είναι ενδιαφέρον ότι μόνο αυτός δεν υπέκυψε στην ιταλική επιρροή, η οποία υπέταξε τις περισσότερες από τις εκδηλώσεις στη ζωγραφική της Ολλανδίας εκείνη την εποχή.
Στα τέλη του 16ου αιώνα, όταν οι προσωπογράφοι είχαν ήδη δημιουργήσει μια σχολή, άρχισαν να εμφανίζονται και να σχηματίζονται άλλοι καλλιτέχνες. Στο δεύτερο μισό του 16ου αιώνα γεννήθηκε ένας μεγάλος αριθμός ζωγράφων που έγιναν φαινόμενο στη ζωγραφική αυτό ήταν σχεδόν το ξύπνημα της ολλανδικής εθνικής σχολής. Η μεγάλη ποικιλία ταλέντων οδηγεί σε πολλές διαφορετικές κατευθύνσεις και μονοπάτια για την ανάπτυξη της ζωγραφικής. Οι καλλιτέχνες δοκιμάζουν τον εαυτό τους σε όλα τα είδη, σε διαφορετικούς χρωματικούς συνδυασμούς: άλλοι δουλεύουν με ανοιχτόχρωμο τρόπο, άλλοι με σκούρο (η επιρροή του Ιταλού καλλιτέχνη Καραβάτζιο έγινε αισθητή εδώ). Οι ζωγράφοι είναι αφοσιωμένοι στα ανοιχτά χρώματα και οι χρωματιστές στα σκούρα χρώματα. Ξεκινά η αναζήτηση ενός εικονογραφικού τρόπου και αναπτύσσονται κανόνες για την απεικόνιση του chiaroscuro. Η παλέτα γίνεται πιο χαλαρή και ελεύθερη, όπως και οι γραμμές και η πλαστικότητα της εικόνας. Εμφανίζονται οι άμεσοι προκάτοχοι του Ρέμπραντ - οι δάσκαλοί του Jan Pace και Peter Lastman. Οι μέθοδοι του είδους γίνονται επίσης πιο ελεύθερες - η ιστορικότητα δεν είναι τόσο υποχρεωτική όσο πριν. Δημιουργείται ένα ιδιαίτερο, βαθιά εθνικό και σχεδόν ιστορικό είδος - ομαδικά πορτρέτα που προορίζονται για δημόσιους χώρους - δημαρχεία, εταιρείες, εργαστήρια και κοινότητες. Με αυτό το γεγονός, το τελειότερο σε μορφή, τελειώνει ο 16ος αιώνας και αρχίζει ο 17ος αιώνας.
Αυτή είναι μόνο η αρχή, το έμβρυο του σχολείου δεν υπάρχει ακόμα. Υπάρχουν πολλά ταλαντούχους καλλιτέχνες. Ανάμεσά τους υπάρχουν ικανοί τεχνίτες, αρκετοί σπουδαίοι ζωγράφοι. Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder και τέλος ο Esayas van de Velde και ο van Goyen - όλοι γεννήθηκαν στα τέλη του 16ου αιώνας. Αυτός ο κατάλογος περιλαμβάνει επίσης καλλιτέχνες των οποίων τα ονόματα έχουν διατηρηθεί από την ιστορία, εκείνους που αντιπροσώπευαν μόνο μεμονωμένες προσπάθειες να επιτύχουν κυριαρχία και εκείνους που έγιναν δάσκαλοι και προκάτοχοι μελλοντικών δασκάλων.
Αυτή ήταν μια κρίσιμη στιγμή στην ανάπτυξη της ολλανδικής ζωγραφικής. Με μια ασταθή πολιτική ισορροπία, τα πάντα εξαρτιόνταν μόνο από την τύχη. Στη Φλάνδρα, όπου παρατηρήθηκε παρόμοια αφύπνιση, αντίθετα, υπήρχε ήδη μια αίσθηση εμπιστοσύνης και σταθερότητας που δεν υπήρχε ακόμα στην Ολλανδία. Στη Φλάνδρα υπήρχαν ήδη καλλιτέχνες που είχαν σχηματίσει ή ήταν κοντά σε αυτό. Οι πολιτικές και κοινωνικοϊστορικές συνθήκες σε αυτή τη χώρα ήταν πιο ευνοϊκές. Υπήρχε μια πιο ευέλικτη και ανεκτική κυβέρνηση, παραδόσεις και κοινωνία. Η ανάγκη για πολυτέλεια γέννησε μια επίμονη ανάγκη για τέχνη. Γενικά, υπήρχαν σοβαροί λόγοι για να γίνει η Φλάνδρα για δεύτερη φορά μεγάλο κέντρο τέχνης. Για αυτό, μόνο δύο πράγματα έλειπαν: αρκετά χρόνια ειρήνης και ένας δάσκαλος που θα ήταν ο δημιουργός του σχολείου.
Το 1609, όταν αποφασιζόταν η μοίρα της Ολλανδίας - ο Φίλιππος Γ' συμφώνησε σε ανακωχή μεταξύ Ισπανίας και Ολλανδίας - εμφανίστηκε ο Ρούμπενς.
Όλα εξαρτιόνταν από πολιτικές ή στρατιωτικές πιθανότητες. Ηττημένη και υποταγμένη, η Ολλανδία θα έπρεπε να χάσει εντελώς την ανεξαρτησία της. Τότε, φυσικά, δεν θα μπορούσαν να υπάρχουν δύο ανεξάρτητα σχολεία - στην Ολλανδία και στη Φλάνδρα. Σε μια χώρα εξαρτημένη από την Ιταλο-Φλαμανδική επιρροή, μια τέτοια σχολή και ταλαντούχοι πρωτότυποι καλλιτέχνες δεν μπορούσαν να αναπτυχθούν.
Για να γεννηθούν οι Ολλανδοί και για να δει το φως μαζί τους η ολλανδική τέχνη, χρειαζόταν μια επανάσταση, βαθιά και νικηφόρα. Ήταν ιδιαίτερα σημαντικό η επανάσταση να βασίζεται στη δικαιοσύνη, τη λογική, την αναγκαιότητα, να αξίζει ο λαός αυτό που ήθελε να πετύχει, να είναι αποφασιστικός, πεπεισμένος ότι είναι σωστός, εργατικός, υπομονετικός, εγκρατής, ηρωικός και σοφός. Όλα αυτά τα ιστορικά χαρακτηριστικά αντικατοπτρίστηκαν στη συνέχεια κατά τη διαμόρφωση της ολλανδικής σχολής ζωγραφικής.
Η κατάσταση αποδείχτηκε τέτοια που ο πόλεμος δεν κατέστρεψε τους Ολλανδούς, αλλά τους πλούτισε ο αγώνας για ανεξαρτησία δεν εξάντλησε τις δυνάμεις τους, αλλά τους ενίσχυσε και τους ενέπνευσε. Στη νίκη επί των εισβολέων, ο λαός έδειξε το ίδιο θάρρος όπως στον αγώνα κατά των στοιχείων, πάνω από τη θάλασσα, πάνω από τις πλημμύρες των εδαφών, πάνω στο κλίμα. Αυτό που υποτίθεται ότι θα κατέστρεφε τους ανθρώπους τους εξυπηρετούσε καλά. Οι συνθήκες που υπογράφηκαν με την Ισπανία έδωσαν στην Ολλανδία ελευθερία και ενίσχυσαν τη θέση της. Όλα αυτά οδήγησαν στη δημιουργία της δικής τους τέχνης, η οποία δόξαζε, πνευματοποίησε και εξέφραζε την εσωτερική ουσία του ολλανδικού λαού.
Μετά τη συνθήκη του 1609 και την επίσημη αναγνώριση των Ηνωμένων Επαρχιών, επήλθε αμέσως ηρεμία. Λες και ένα ευεργετικό, ζεστό αεράκι άγγιξε ανθρώπινες ψυχές, ξαναζωντάνεψε το χώμα, βρήκε και ξύπνησε βλαστάρια που ήταν έτοιμα να ανθίσουν. Είναι εκπληκτικό πόσο απροσδόκητα και σε πόσο σύντομο χρονικό διάστημα -όχι περισσότερο από τριάντα χρόνια- εμφανίστηκε σε έναν μικρό χώρο, σε αχάριστο έρημο χώμα, σε σκληρές συνθήκες διαβίωσης, ένας υπέροχος γαλαξίας ζωγράφων, και μάλιστα σπουδαίων ζωγράφων.
Εμφανίστηκαν αμέσως και παντού: στο Άμστερνταμ, στο Ντόρντρεχτ, στο Λέιντεν, στο Ντελφτ, στην Ουτρέχτη, στο Ρότερνταμ, στο Χάρλεμ, ακόμη και στο εξωτερικό - σαν από σπόρους που έπεσαν έξω από το χωράφι. Οι πρώτοι είναι οι Jan van Goyen και Wijnants, που γεννήθηκαν στις αρχές του αιώνα. Και περαιτέρω, στο διάστημα από την αρχή του αιώνα έως το τέλος του πρώτου τρίτου του - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael.
Αλλά οι δημιουργικοί χυμοί δεν σταμάτησαν εκεί. Στη συνέχεια γεννήθηκαν ο Pieter de Hooch, Hobbema. Οι τελευταίοι από τους μεγάλους - van der Heyden και Adrian van de Velde - γεννήθηκαν το 1636 και το 1637. Εκείνη την εποχή, ο Ρέμπραντ ήταν τριάντα ετών. Αυτά τα χρόνια περίπου μπορούν να θεωρηθούν η εποχή της πρώτης ανθοφορίας του ολλανδικού σχολείου.
Λαμβάνοντας υπόψη τα ιστορικά γεγονότα εκείνης της εποχής, μπορεί κανείς να φανταστεί ποιες πρέπει να είναι οι φιλοδοξίες, ο χαρακτήρας και η μοίρα της νέας ζωγραφικής σχολής. Τι θα μπορούσαν να γράψουν αυτοί οι καλλιτέχνες σε μια χώρα όπως η Ολλανδία;
Η επανάσταση, που έδωσε στον ολλανδικό λαό ελευθερία και πλούτο, ταυτόχρονα τους στέρησε αυτό που αποτελεί τη ζωτική βάση των παντού μεγάλων σχολείων. Άλλαξε πεποιθήσεις, άλλαξε συνήθειες, κατάργησε εικόνες τόσο αρχαίων όσο και ευαγγελικών σκηνών και σταμάτησε τη δημιουργία μεγάλων έργων - εκκλησιαστικών και διακοσμητικών πινάκων. Στην πραγματικότητα, κάθε καλλιτέχνης είχε μια εναλλακτική - να είναι πρωτότυπος ή να μην είναι καθόλου.
Ήταν απαραίτητο να δημιουργηθεί τέχνη για ένα έθνος μπιφτέκι που θα τους άρεσε, θα τους απεικόνιζε και θα ήταν σχετικό με αυτούς. Ήταν πρακτικοί, μη επιρρεπείς στην αφηρημάδα, επιχειρηματίες, με σπασμένες παραδόσεις και αντιιταλικά αισθήματα. Μπορούμε να πούμε ότι οι Ολλανδοί είχαν ένα απλό και τολμηρό καθήκον - να δημιουργήσουν το δικό τους πορτρέτο.
Η ολλανδική ζωγραφική ήταν και θα μπορούσε να είναι μόνο μια έκφραση της εξωτερικής εμφάνισης, ένα αληθινό, ακριβές, παρόμοιο πορτρέτο της Ολλανδίας. Ήταν ένα πορτρέτο ανθρώπων και εδάφους, έθιμα, πλατείες, δρόμοι, χωράφια, θάλασσα και ουρανός. Τα κύρια στοιχεία της ολλανδικής σχολής ήταν τα πορτρέτα, τα τοπία και οι καθημερινές σκηνές. Τέτοιος ήταν αυτός ο πίνακας από την αρχή της ύπαρξής του μέχρι την παρακμή του.
Μπορεί να φαίνεται ότι τίποτα δεν θα μπορούσε να είναι πιο απλό από την ανακάλυψη αυτής της συνηθισμένης τέχνης. Στην πραγματικότητα, είναι αδύνατο να φανταστεί κανείς κάτι αντίστοιχο σε εύρος και καινοτομία.
Αμέσως όλα άλλαξαν στον τρόπο κατανόησης, θέασης και μετάδοσης: άποψη, καλλιτεχνικό ιδανικό, επιλογή φύσης, στυλ και μέθοδος. Ιταλικά και Φλαμανδική ζωγραφικήστις καλύτερες εκφάνσεις τους εξακολουθούν να είναι κατανοητές για εμάς, γιατί εξακολουθούν να τις απολαμβάνουμε, αλλά αυτές είναι ήδη νεκρές γλώσσες και κανείς δεν θα τις χρησιμοποιεί πια.
Κάποτε υπήρχε η συνήθεια να σκέφτεσαι ψηλά και γενικά υπήρχε μια τέχνη που συνίστατο στην επιδέξια επιλογή αντικειμένων. Στη διακόσμησή τους διόρθωση. Του άρεσε να δείχνει τη φύση καθώς δεν υπάρχει στην πραγματικότητα. Όλα όσα απεικονίζονταν ήταν λίγο-πολύ συνεπή με την προσωπικότητα του ατόμου, εξαρτιόνταν από αυτήν και ήταν η ομοιότητά του. Ως αποτέλεσμα, προέκυψε μια τέχνη στην οποία ο άνθρωπος βρίσκεται στο κέντρο, και όλες οι άλλες εικόνες του σύμπαντος είτε ενσαρκώθηκαν σε ανθρώπινες μορφές είτε εμφανίστηκαν αόριστα ως δευτερεύον περιβάλλον του ανθρώπου. Η δημιουργικότητα αναπτύχθηκε σύμφωνα με ορισμένα πρότυπα. Κάθε αντικείμενο έπρεπε να δανειστεί την πλαστική του μορφή από το ίδιο ιδανικό. Ο άντρας έπρεπε να απεικονίζεται πιο συχνά γυμνός παρά ντυμένος, καλοφτιαγμένος και όμορφος, ώστε να μπορεί να παίξει τον ρόλο που του ανατέθηκε με την ανάλογη μεγαλοπρέπεια.
Τώρα το έργο της ζωγραφικής έχει γίνει πιο απλό. Ήταν απαραίτητο να δώσουμε σε κάθε πράγμα ή φαινόμενο το δικό του αληθινό νόημα, βάλτε ένα άτομο στη σωστή του θέση και, εάν είναι απαραίτητο, κάντε χωρίς αυτόν εντελώς.
Ήρθε η ώρα να σκεφτείς λιγότερο, να κοιτάξεις προσεκτικά τι είναι πιο κοντά, να παρατηρήσεις καλύτερα και να γράψεις διαφορετικά. Τώρα αυτή είναι η ζωγραφιά του πλήθους, του πολίτη, του εργαζόμενου ανθρώπου. Ήταν απαραίτητο να γίνουμε σεμνοί για οτιδήποτε μέτριο, μικρό για το μικρό, δυσδιάκριτο για το δυσθεώρητο, να αποδεχθούμε τα πάντα χωρίς να απορρίπτουμε ή να περιφρονούμε τίποτα, να διεισδύσουμε στην κρυφή ζωή των πραγμάτων, να συγχωνεύσουμε με αγάπη με την ύπαρξή τους, ήταν απαραίτητο να γίνουμε προσεκτικοί , περίεργος και υπομονετικός. Η ιδιοφυΐα συνίσταται πλέον στο να μην έχεις προκαταλήψεις. Δεν χρειάζεται να εξωραΐσουμε, να εξευγενίσουμε ή να εκθέσουμε οτιδήποτε: όλα αυτά είναι ένα ψέμα και άχρηστο έργο.
Ολλανδοί ζωγράφοι, δημιουργώντας σε κάποια γωνιά της βόρειας χώρας με νερό, δάση, θαλάσσιους ορίζοντες, μπόρεσαν να αντικατοπτρίσουν ολόκληρο το σύμπαν σε μικρογραφία. Μια μικρή χώρα, προσεκτικά εξερευνημένη σύμφωνα με τα γούστα και τα ένστικτα του παρατηρητή, μετατρέπεται σε ένα ανεξάντλητο θησαυροφυλάκιο, τόσο άφθονο όσο η ίδια η ζωή, τόσο πλούσια σε αισθήσεις όσο πλούσια σε αυτές η ανθρώπινη καρδιά. Το ολλανδικό σχολείο αναπτύσσεται και λειτουργεί έτσι εδώ και έναν ολόκληρο αιώνα.
Οι Ολλανδοί ζωγράφοι βρήκαν θέματα και χρώματα για να ικανοποιήσουν τις όποιες ανθρώπινες κλίσεις και στοργές, για τραχιές και λεπτές φύσεις, φλογερές και μελαγχολικές, ονειρεμένες και χαρούμενες. Οι συννεφιασμένες μέρες δίνουν τη θέση τους σε χαρούμενες ηλιόλουστες μέρες, η θάλασσα είναι άλλοτε ήρεμη και αστραφτερή από ασήμι, άλλοτε φουρτουνιασμένη και ζοφερή. Υπάρχουν πολλά βοσκοτόπια με φάρμες και πολλά πλοία συνωστισμένα κατά μήκος της ακτής. Και σχεδόν πάντα μπορείς να νιώσεις την κίνηση του αέρα πάνω από τις εκτάσεις και τους δυνατούς ανέμους από τη Βόρεια Θάλασσα, που συσσωρεύουν σύννεφα, λυγίζουν δέντρα, γυρίζουν τα φτερά των μύλων και οδηγούν φως και σκιές. Σε αυτό πρέπει να προσθέσουμε πόλεις, σπίτι και ζωή στο δρόμο, γλέντια σε πανηγύρια, απεικονίσεις διαφόρων ηθών, η ανάγκη των φτωχών, η φρίκη του χειμώνα, η αδράνεια στις ταβέρνες με τον καπνό του τσιγάρου και τις κούπες μπύρας. Από την άλλη πλευρά - ένας πλούσιος τρόπος ζωής, ευσυνείδητη εργασία, καβαλάρηδες, απογευματινή ανάπαυση, κυνήγι. Επιπλέον - δημόσια ζωή, πολιτικές τελετές, συμπόσια. Το αποτέλεσμα ήταν νέα τέχνη, αλλά με θέματα τόσο παλιά όσο ο χρόνος.
Έτσι προέκυψε μια αρμονική ενότητα του πνεύματος του σχολείου και η πιο εκπληκτική ποικιλομορφία που προέκυψε ποτέ μέσα σε ένα μόνο κίνημα τέχνης.
Γενικά, η ολλανδική σχολή ονομάζεται σχολή είδους. Αν το αποσυνθέσουμε στα συστατικά στοιχεία του, τότε μπορούμε να διακρίνουμε σε αυτό τοπιογράφους, δεξιοτέχνες ομαδικών πορτρέτων, θαλάσσιους ζωγράφους, ζωγράφους, καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν ομαδικά πορτρέτα ή νεκρές φύσεις. Αν κοιτάξετε λεπτομερέστερα, μπορείτε να διακρίνετε πολλές ποικιλίες ειδών - από τους λάτρεις της γραφικότητας έως τους ιδεολόγους, από τους αντιγραφείς της φύσης έως τους ερμηνευτές της, από τους συντηρητικούς ανθρώπους μέχρι τους ταξιδιώτες, από αυτούς που αγαπούν και αισθάνονται χιούμορ έως τους καλλιτέχνες που αποφεύγουν την κωμωδία. Ας θυμηθούμε τους πίνακες του χιούμορ του Ostade και τη σοβαρότητα του Ruisdael, την ταπεινότητα του Πότερ και την κοροϊδία του Jan Steen, την εξυπνάδα του Van de Velde και τη ζοφερή ονειροπόληση του μεγάλου Rembrandt.
Με εξαίρεση τον Ρέμπραντ, που πρέπει να θεωρείται εξαιρετικό φαινόμενο, τόσο για τη χώρα του όσο και για όλες τις εποχές, τότε όλοι οι άλλοι Ολλανδοί καλλιτέχνες χαρακτηρίζονται από ένα συγκεκριμένο στυλ και μέθοδο. Οι νόμοι για αυτό το στυλ είναι η ειλικρίνεια, η προσβασιμότητα, η φυσικότητα και η εκφραστικότητα. Εάν αφαιρέσετε από την ολλανδική τέχνη αυτό που μπορεί να ονομαστεί ειλικρίνεια, τότε θα πάψετε να κατανοείτε τη ζωτική της βάση και δεν θα μπορείτε να προσδιορίσετε ούτε τον ηθικό χαρακτήρα ούτε το στυλ της. Σε αυτούς τους καλλιτέχνες, που ως επί το πλείστον έχουν κερδίσει τη φήμη κοντόφθαλμων αντιγραφέων, νιώθεις μια υπέροχη και ευγενική ψυχή, πίστη στην αλήθεια και αγάπη για τον ρεαλισμό. Όλα αυτά δίνουν στα έργα τους μια αξία που δεν φαίνεται να έχουν τα ίδια τα πράγματα που απεικονίζονται πάνω τους.
Η αρχή αυτού του ειλικρινούς στυλ και το πρώτο αποτέλεσμα αυτής της ειλικρινούς προσέγγισης είναι ένα τέλειο σχέδιο. Αναμεταξύ Ολλανδοί ζωγράφοιΟ Πότερ έχει μια εκδήλωση ιδιοφυΐας σε ακριβείς, επαληθευμένες μετρήσεις και την ικανότητα να παρακολουθεί την κίνηση κάθε γραμμής.
Στην Ολλανδία, ο ουρανός συχνά καταλαμβάνει το μισό, και μερικές φορές ολόκληρη την εικόνα. Επομένως, είναι απαραίτητο ο ουρανός της εικόνας να κινείται, να ελκύει και να μας παρασύρει μαζί του. Για να γίνεται αισθητή η διαφορά μεταξύ ημέρας, βραδιού και νύχτας, ώστε να γίνεται αισθητή η ζέστη και το κρύο, ώστε ο θεατής να είναι και ψυχρός και να το απολαμβάνει και να νιώθει την ανάγκη να συγκεντρωθεί. Αν και είναι μάλλον δύσκολο να αποκαλέσετε ένα τέτοιο σχέδιο το ευγενέστερο όλων, προσπαθήστε να βρείτε καλλιτέχνες στον κόσμο που θα ζωγράφιζαν τον ουρανό, όπως ο Ruisdael και ο van der Neer, και θα έλεγαν τόσα πολλά και τόσο υπέροχα με τη δουλειά τους. Παντού οι Ολλανδοί έχουν το ίδιο σχέδιο - συγκρατημένο, λακωνικό, ακριβές, φυσικό και αφελές, επιδέξιο και όχι τεχνητό.
Η ολλανδική παλέτα είναι αρκετά αντάξια του σχεδίου τους, εξ ου και η τέλεια ενότητα της μεθόδου ζωγραφικής τους. Οποιοσδήποτε ολλανδικός πίνακας είναι εύκολο να αναγνωριστεί από την εμφάνισή του. Είναι μικρό σε μέγεθος και διακρίνεται για τα δυνατά, αυστηρά χρώματά του. Αυτό απαιτεί μεγάλη ακρίβεια, σταθερό χέρι και βαθιά συγκέντρωση από τον καλλιτέχνη προκειμένου να επιτευχθεί ένα συγκεντρωμένο αποτέλεσμα στον θεατή. Ο καλλιτέχνης πρέπει να εμβαθύνει στον εαυτό του για να καλλιεργήσει την ιδέα του, ο θεατής πρέπει να εμβαθύνει στον εαυτό του για να κατανοήσει το σχέδιο του καλλιτέχνη. Είναι οι ολλανδικοί πίνακες που δίνουν την πιο ξεκάθαρη ιδέα αυτής της κρυφής και αιώνιας διαδικασίας: να αισθάνεσαι, να σκέφτεσαι και να εκφράζεις. Δεν υπάρχει εικόνα στον κόσμο πιο κορεσμένη, αφού οι Ολλανδοί είναι αυτοί που περιλαμβάνουν τέτοια υπέροχο περιεχόμενοσε ένα τόσο μικρό χώρο. Γι' αυτό όλα εδώ παίρνουν μια ακριβή, συμπιεσμένη και συμπυκνωμένη μορφή.
Κάθε ολλανδικός πίνακας είναι κοίλος, αποτελείται από καμπύλες που περιγράφονται γύρω από ένα μόνο σημείο, το οποίο αποτελεί την ενσάρκωση της έννοιας της εικόνας και σκιές που βρίσκονται γύρω από το κύριο σημείο φωτός. Μια συμπαγής βάση, μια επιφάνεια που τρέχει και στρογγυλεμένες γωνίες που τείνουν προς το κέντρο - όλα αυτά σκιαγραφούνται, χρωματίζονται και φωτίζονται σε κύκλο. Ως αποτέλεσμα, ο πίνακας αποκτά βάθος και τα αντικείμενα που απεικονίζονται σε αυτόν απομακρύνονται από το μάτι του θεατή. Ο θεατής οδηγείται, λες, από το προσκήνιο στο τελευταίο, από το κάδρο στον ορίζοντα. Φαίνεται να κατοικούμε στην εικόνα, να κινούμαστε, να κοιτάμε βαθιά, να σηκώνουμε το κεφάλι μας για να μετρήσουμε το βάθος του ουρανού. Η αυστηρότητα της εναέριας προοπτικής, η τέλεια αντιστοιχία χρώματος και αποχρώσεων με τη θέση στο χώρο που καταλαμβάνει το αντικείμενο.
Για μια πληρέστερη κατανόηση της ολλανδικής ζωγραφικής, θα πρέπει κανείς να εξετάσει λεπτομερώς τα στοιχεία αυτής της κίνησης, τα χαρακτηριστικά των μεθόδων, τη φύση της παλέτας και να κατανοήσει γιατί είναι τόσο φτωχή, σχεδόν μονόχρωμη και τόσο πλούσια σε αποτελέσματα. Αλλά όλα αυτά τα ερωτήματα, όπως και πολλά άλλα, ήταν πάντα αντικείμενο εικασιών από πολλούς ιστορικούς τέχνης, αλλά ποτέ δεν έχουν μελετηθεί και διευκρινιστεί επαρκώς. Η περιγραφή των κύριων χαρακτηριστικών της ολλανδικής τέχνης μας επιτρέπει να ξεχωρίσουμε αυτή τη σχολή από άλλες και να εντοπίσουμε την προέλευσή της. Μια εκφραστική εικόνα που απεικονίζει αυτό το σχολείο είναι ένας πίνακας του Adriaen van Ostade από το Μουσείο του Άμστερνταμ "Artist's Atelier". Αυτό το θέμα ήταν ένα από τα αγαπημένα των Ολλανδών ζωγράφων. Βλέπουμε έναν προσεκτικό άντρα, ελαφρώς σκυμμένο, με έτοιμη παλέτα, λεπτά, καθαρά πινέλα και διάφανο λάδι. Γράφει στο λυκόφως. Το πρόσωπό του είναι συγκεντρωμένο, το χέρι του προσεκτικό. Μόνο που, ίσως, αυτοί οι ζωγράφοι ήταν πιο τολμηροί και ήξεραν πώς να γελούν πιο αμέριμνοι και να απολαμβάνουν τη ζωή απ' ό,τι μπορεί να συναχθεί από τις σωζόμενες εικόνες. Διαφορετικά, πώς θα εκδηλωνόταν η ιδιοφυΐα τους σε μια ατμόσφαιρα επαγγελματικών παραδόσεων;
Τα θεμέλια για την ολλανδική σχολή τέθηκαν από τους van Goyen και Wijnants στις αρχές του 17ου αιώνα, θεσπίζοντας ορισμένους νόμους της ζωγραφικής. Αυτοί οι νόμοι μεταβιβάστηκαν από τους δασκάλους στους μαθητές και για έναν ολόκληρο αιώνα οι Ολλανδοί ζωγράφοι ζούσαν με αυτούς χωρίς να παρεκκλίνουν στο πλάι.
Ολλανδική ζωγραφική μανιερισμού
=Ολλανδική ζωγραφική. Μεγάλη συλλογή=Η ολλανδική ζωγραφική είναι ο πρώτος κλάδος του λεγόμενου. Το «ολλανδικό σχολείο», όπως και το δεύτερο - το φλαμανδικό, προέκυψε ως ξεχωριστή εποχή στις καλές τέχνες μετά από μια βάναυση επανάσταση, που έληξε με τη νίκη του ολλανδικού λαού επί των Ισπανών που τους καταπίεζαν. Από αυτή τη στιγμή, η ολλανδική ζωγραφική πήρε αμέσως έναν πρωτότυπο, εντελώς εθνικό χαρακτήρα και γρήγορα έφτασε σε μια φωτεινή και άφθονη ανθοφορία. Η ζωγραφική, στα έργα ενός τεράστιου αριθμού περισσότερο ή λιγότερο ταλαντούχων καλλιτεχνών που εμφανίστηκαν σχεδόν ταυτόχρονα, πήρε αμέσως μια κατεύθυνση εδώ που ήταν πολύ ευέλικτη και ταυτόχρονα εντελώς διαφορετική από την κατεύθυνση της τέχνης σε άλλες χώρες! κύριο χαρακτηριστικόΑυτό που χαρακτηρίζει αυτούς τους καλλιτέχνες είναι η αγάπη για τη φύση, η επιθυμία να την αναπαράγουν με όλη της την απλότητα και αλήθεια, χωρίς τον παραμικρό εξωραϊσμό, χωρίς να την υποτάσσουν κάτω από οποιεσδήποτε συνθήκες προκαθορισμένου ιδανικού. Η δεύτερη διακριτική του ιδιότητα είναι η λεπτή αίσθηση του χρώματος και η κατανόηση του πόσο ισχυρή, μαγευτική εντύπωση μπορεί να προκληθεί, εκτός από το περιεχόμενο της εικόνας, μόνο από την πιστή και ισχυρή μετάδοση πολύχρωμων σχέσεων που καθορίζονται στη φύση από τη δράση του ακτίνες φωτός, εγγύτητα ή εύρος αποστάσεων. Η ολλανδική ζωγραφική είναι ένας πίνακας όπου η αίσθηση του χρώματος και του φωτός και της σκιάς αναπτύσσεται σε τέτοιο βαθμό που το φως, με τις αμέτρητες και ποικίλες αποχρώσεις του, παίζει στην εικόνα, θα έλεγε κανείς, το ρόλο του κύριου χαρακτήρα και δίνει μεγάλο ενδιαφέρον στο η πιο ασήμαντη πλοκή, οι πιο άκομψες μορφές και εικόνες... .Σας παρουσιάζω την προσωπική μου συλλογή από πίνακες Ολλανδών καλλιτεχνών! Λίγη ιστορία: Οι περισσότεροι Ολλανδοί καλλιτέχνες δεν κάνουν μακροχρόνιες αναζητήσεις για υλικό για τη δημιουργικότητά τους, αλλά είναι ικανοποιημένοι με ό,τι βρίσκουν γύρω τους, στη φύση και στη ζωή των ανθρώπων τους - η θορυβώδης διασκέδαση των κοινών γιορτών, των αγροτικών γιορτών , σκηνές από τη ζωή του χωριού ή την οικεία ζωή των κατοίκων των πόλεων, ντόπιους αμμόλοφους, πόλντερ και απέραντες πεδιάδες που διασχίζονται από κανάλια, κοπάδια που βόσκουν σε καταπράσινα λιβάδια, χωριά στις όχθες ποταμών, λιμνών και γκροτ, πόλεις με τα καθαρά τους σπίτια, τις κινητήριες γέφυρες και τα ψηλά κώνοι εκκλησιών και δημαρχείων, λιμανάκια γεμάτα με πλοία, γεμάτα με ασήμι ή τους χρυσούς ατμούς του ουρανού - όλα αυτά, κάτω από τη βούρτσα της χολής. Δάσκαλοι εμποτισμένοι με αγάπη για την πατρίδα και την εθνική υπερηφάνεια, μετατρέπονται σε πίνακες γεμάτους αέρα, φως και ελκυστικότητα. Ακόμη και σε εκείνες τις περιπτώσεις που κάποιοι από αυτούς τους δασκάλους στρέφονται στη Βίβλο, την αρχαία ιστορία και τη μυθολογία για θέματα, ακόμη και τότε, χωρίς να ανησυχούν για τη διατήρηση της αρχαιολογικής πιστότητας, μεταφέρουν τη δράση στο περιβάλλον των Ολλανδών, περιβάλλοντάς το με ολλανδικό σκηνικό. Είναι αλήθεια ότι δίπλα στο κατάμεστο πλήθος τέτοιων πατριωτών καλλιτεχνών βρίσκεται μια φάλαγγα άλλων ζωγράφων, αναζητώντας έμπνευση έξω από την πατρίδα, στην κλασική χώρα της τέχνης, την Ιταλία. όμως στα έργα τους υπάρχουν και χαρακτηριστικά που εκθέτουν την εθνικότητα τους. Τέλος, ως χαρακτηριστικό των Ολλανδών ζωγράφων, μπορεί κανείς να επισημάνει την απάρνηση τους από τις καλλιτεχνικές παραδόσεις. Θα ήταν μάταιο να αναζητήσουμε μεταξύ τους μια αυστηρή συνέχεια γνωστών αισθητικών αρχών και τεχνικών κανόνων, όχι μόνο με την έννοια του ακαδημαϊκού στυλ, αλλά και με την έννοια της αφομοίωσης από τους μαθητές του χαρακτήρα των δασκάλων τους: η εξαίρεση, ίσως, μόνο των μαθητών του Ρέμπραντ, που λίγο πολύ ακολούθησαν τα χνάρια του ιδιοφυούς μέντορά τους, σχεδόν όλοι οι ζωγράφοι στην Ολλανδία, μόλις πέρασαν τα φοιτητικά τους χρόνια, και μερικές φορές ακόμη και σε αυτά τα χρόνια, άρχισαν να εργάζονται σε τον δικό τους τρόπο, ανάλογα με το πού τους οδήγησε η ατομική τους κλίση και τι τους δίδαξε η άμεση παρατήρηση της φύσης. Επομένως, οι Ολλανδοί καλλιτέχνες δεν μπορούν να χωριστούν σε σχολεία, όπως κάνουμε με τους καλλιτέχνες της Ιταλίας ή της Ισπανίας. Εν τω μεταξύ, σε όλες τις κυριότερες πόλεις της Ολλανδίας λειτουργούσαν οργανωμένοι σύλλογοι καλλιτεχνών! Ωστόσο, τέτοιες εταιρείες, που φέρουν το όνομα των συντεχνιών του Αγ. Λουκά, δεν ήταν ακαδημίες, θεματοφύλακες διάσημων καλλιτεχνικών παραδόσεων, αλλά ελεύθερες εταιρείες, παρόμοιες με άλλες βιοτεχνικές και βιομηχανικές συντεχνίες, που δεν διαφέρουν πολύ από αυτές ως προς τη δομή και με στόχο την αμοιβαία υποστήριξη των μελών τους, την προστασία των δικαιωμάτων τους, φροντίδα για τα γηρατειά τους, φροντίδα για τη μοίρα τις χήρες και τα ορφανά τους. Κάθε ντόπιος ζωγράφος που πληρούσε τις προϋποθέσεις των ηθικών προσόντων γινόταν δεκτός στη συντεχνία μετά από προκαταρκτική επιβεβαίωση των ικανοτήτων και των γνώσεών του ή με βάση τη φήμη που είχε ήδη αποκτήσει. οι επισκέπτες καλλιτέχνες έγιναν δεκτοί στη συντεχνία ως προσωρινά μέλη για τη διάρκεια της παραμονής τους σε μια δεδομένη πόλη. Τα πρώτα έργα των Ολλανδών ζωγράφων έχουν φτάσει σε εμάς μόνο σε πολύ περιορισμένες ποσότητες, αφού τα περισσότερα από αυτά χάθηκαν σε εκείνη την ταραγμένη εποχή που η Μεταρρύθμιση κατέστρεψε καθολικές εκκλησίες, κατάργησε μοναστήρια και μοναστήρια, υποκίνησε τους «θραυστές εικόνων» (Beeldstormers) να καταστρέψουν ζωγραφισμένα και γλυπτά ιερά. εικόνες, και η λαϊκή εξέγερση κατέστρεψε παντού τα πορτρέτα των μισητών τυράννων. Ξέρουμε πολλούς από τους καλλιτέχνες που προηγήθηκαν της επανάστασης μόνο ονομαστικά. Μπορούμε να κρίνουμε τους άλλους μόνο από ένα ή δύο δείγματα της δουλειάς τους. Η ομίχλη που μας καλύπτει από την αρχική εποχή της ολλανδικής σχολής αρχίζει να διαλύεται με την εμφάνιση στη σκηνή του Dirk Bouts, με το παρατσούκλι Stuirbout († 1475), καθώς και του Jan Mostaert (περίπου 1470-1556), του οποίου η επιθυμία για νατουραλισμό είναι σε συνδυασμό με μια πινελιά γοτθικού θρύλου, τη ζεστασιά του θρησκευτικού συναισθήματος με φροντίδα για την εξωτερική κομψότητα. Εκτός από αυτούς τους εξαιρετικούς δασκάλους, από την πρώιμη εποχή της ολλανδικής τέχνης άξια αναφοράς είναι: ο Pieter Aertsen († 1516), με το παρατσούκλι "Long Peter" (Lange Pier) για το ψηλό του ανάστημα, ο David Joris (1501-56), ένας επιδέξιος ζωγράφος γυαλιού που άρχισε να ενδιαφέρεται για την ανοησία του Αναβαπτισμού και να φαντάζεται τον εαυτό του ως τον προφήτη Δαβίδ και τον γιο του Θεού και τον Ντιρκ Τζέικομπς (δύο πίνακες του τελευταίου που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού βρίσκονται στο Ερμιτάζ). Γύρω στα μέσα του 16ου αι. μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων υπάρχει η επιθυμία να απαλλαγούν από τις ελλείψεις της εγχώριας τέχνης - τη γοτθική γωνιότητα και την ξηρότητά της - μελετώντας Ιταλούς καλλιτέχνες της Αναγέννησης και συνδυάζοντας τον τρόπο τους με τις καλύτερες παραδόσεις της δικής τους σχολής. Ο κύριος διαδότης του νέου κινήματος πρέπει να θεωρηθεί ο Jan van Scorel (1495-1562), ο οποίος έζησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ιταλία και αργότερα ίδρυσε ένα σχολείο στην Ουτρέχτη, από το οποίο προήλθαν αρκετοί καλλιτέχνες μολυσμένοι από την επιθυμία να γίνουν Ολλανδοί Ραφαήλ. και ο Μιχαήλ Άγγελος. Τα βήματά του ακολούθησαν ο Maarten van Van, με το παρατσούκλι Heemskerk (1498-1574), ο Henrik Goltzius (1558-1616), ο Cornelis van Haarlem (1562-1638) και άλλοι που ανήκουν στην επόμενη περίοδο της σχολής, όπως π.χ. Ο Abraham Bloemaert (1564 -1651) και ο Gerard Honthorst (1592-1662), οι οποίοι ξεπέρασαν τις Άλπεις για να εμποτιστούν με τις τελειότητες των προσωπικοτήτων της ιταλικής ζωγραφικής, αλλά έπεσαν, ως επί το πλείστον, υπό την επίδραση εκπροσώπων της παρακμής της αυτός ακριβώς ο πίνακας που ξεκινούσε εκείνη την εποχή. Ωστόσο, το πάθος για τους Ιταλούς, που συχνά επεκτεινόταν στα άκρα στη μεταβατική εποχή, έφερε ένα είδος οφέλους, αφού έφερε σε αυτόν τον πίνακα καλύτερο, πιο μαθημένο σχέδιο και την ικανότητα να διαχειρίζεται τη σύνθεση πιο ελεύθερα και τολμηρά. Μαζί με την παλιά ολλανδική παράδοση και την απεριόριστη αγάπη για τη φύση, ο Ιταλισμός έγινε ένα από τα στοιχεία από τα οποία διαμορφώθηκε η πρωτότυπη, ιδιαίτερα ανεπτυγμένη τέχνη της ακμάζουσας εποχής. Η έναρξη αυτής της εποχής, όπως έχουμε ήδη πει, θα πρέπει να χρονολογηθεί στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν η Ολλανδία, έχοντας κερδίσει την ανεξαρτησία, άρχισε να ζει μια νέα ζωή. Η δραματική μετατροπή μιας καταπιεσμένης και φτωχής χώρας μόλις χθες σε μια πολιτικά σημαντική, άνετη και πλούσια ένωση κρατών συνοδεύτηκε από μια εξίσου δραματική επανάσταση στην τέχνη της. Από όλες τις πλευρές, σχεδόν ταυτόχρονα, υπέροχοι καλλιτέχνες αναδύονται σε αμέτρητους αριθμούς! Στα αρχικά καλλιτεχνικά κέντρα, το Χάρλεμ και το Λάιντεν, προστίθενται νέα - Ντελφτ, Ουτρέχτη, Ντόρντρεχτ, Χάγη, Άμστερνταμ κ.λπ. Παντού αναπτύσσονται με νέο τρόπο τα παλιά καθήκοντα της ζωγραφικής - οι νέοι κλάδοι της, οι απαρχές των οποίων ήταν ελάχιστα αισθητές την προηγούμενη περίοδο, ακμάζουν. Η Μεταρρύθμιση έδιωξε τους θρησκευτικούς πίνακες από τις εκκλησίες. Δεν χρειαζόταν να διακοσμηθούν τα παλάτια και οι ευγενείς αίθουσες με εικόνες αρχαίων θεών και ηρώων, και επομένως η ιστορική ζωγραφική, που ικανοποιούσε τα γούστα της πλούσιας αστικής τάξης, εγκατέλειψε τον ιδεαλισμό και στράφηκε σε μια ακριβή αναπαραγωγή της πραγματικότητας. Αν θέλετε να μιλήσετε για όλους τους ταλαντούχους πορτραίτες αυτής της ακμάζουσας εποχής, τότε και μόνο η λίστα των ονομάτων τους με ένδειξη των καλύτερων έργων τους θα έπαιρνε πολλές γραμμές. Επομένως, περιοριζόμαστε να αναφέρουμε μόνο μερικά. Τέτοιος, για παράδειγμα, είναι ο Michael Mervelt (1567-1641), ο προκάτοχος των τριών μεγαλύτερων ζωγράφων πορτρέτων της Ολλανδίας - ο μάγος του chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), ένας ασύγκριτος σχεδιαστής που είχε την εκπληκτική τέχνη του μοντελισμού. ελαφρύ, αλλά ο Βαρθολομαίος βαν ντερ ήταν κάπως ψυχρός στον χαρακτήρα και το χρώμα Χελστ (1611 ή 1612-70) και η εντυπωσιακή φούγκα του πινέλου του από τον Φρανς Χαλς τον Πρεσβύτερο (1581-1666). Από αυτά, το όνομα του Ρέμπραντ λάμπει ιδιαίτερα έντονα στην ιστορία, στην αρχή εκτιμήθηκε πολύ από τους συγχρόνους του, στη συνέχεια ξεχάστηκε από αυτούς, εκτιμήθηκε ελάχιστα από τους μεταγενέστερους και μόνο τον τρέχοντα αιώνα ανυψώθηκε, με κάθε δικαιοσύνη, στο επίπεδο του κόσμου. ιδιοφυία. Στη χαρακτηριστική του καλλιτεχνική προσωπικότητα, όλες οι καλύτερες ιδιότητες της ολλανδικής ζωγραφικής συγκεντρώνονται, σαν να εστιάζονται, και η επιρροή του αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τύπους - σε πορτρέτα, ιστορικούς πίνακες, καθημερινές σκηνές και τοπία. Οι πιο διάσημοι μεταξύ των μαθητών και οπαδών του Ρέμπραντ ήταν οι: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727 ), Jacob Backer (1608 ή 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (περ. 1620-54), Pieter de Grebber, Willem de Porter († αργότερα 1645), Gerard Dou (1613-75 ) και Samuel van Hoogstraten (1626-78). Εκτός από αυτούς τους καλλιτέχνες, για λόγους πληρότητας του καταλόγου, θα πρέπει να ονομάσουμε και τον Jan Lievens (1607-30), τον συμμαθητή του Ρέμπραντ των P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) και Pieter Neson (1612-91). ), ο οποίος εργάστηκε στο Προφανώς, υπό την επιρροή του V. d Helst, μιμητής των Hals Johannes Verspronck (1597-1662) και Jan de Bray († 1664, † 1697). Μια ολόκληρη ορδή καλλιτεχνών ικανοποιεί τη ζήτηση για τέτοιους πίνακες, αναπαράγοντας ευσυνείδητα όλα όσα συναντάμε στην πραγματικότητα, δείχνοντας ταυτόχρονα αγάπη για το δικό τους, αγαπητό, καλοσυνάτο χιούμορ, χαρακτηρίζοντας με ακρίβεια τις απεικονιζόμενες θέσεις και πρόσωπα και όντας εκλεπτυσμένοι στο κυριαρχία της τεχνολογίας. Ενώ κάποιοι ασχολούνται με τη ζωή των απλών ανθρώπων, σκηνές αγροτικής ευτυχίας και λύπης, ποτό σε ταβέρνες και ταβέρνες, συγκεντρώσεις μπροστά σε πανδοχεία στην άκρη του δρόμου, αγροτικές διακοπές, παιχνίδια και πατινάζ στους πάγους παγωμένων ποταμών και καναλιών κ.λπ., άλλοι παίρνουν το περιεχόμενο για τα έργα τους από έναν πιο κομψό κύκλο - ζωγραφίζουν χαριτωμένα κυρίες στο οικείο περιβάλλον τους, την ερωτοτροπία των κυρίων δανδή, τις νοικοκυρές που δίνουν εντολές στις υπηρέτριές τους, τις ασκήσεις στο σαλόνι μουσικής και το τραγούδι, το γλέντι της χρυσής νεότητας σε σπίτια αναψυχής. .. Σε μια μεγάλη σειρά καλλιτεχνών της πρώτης κατηγορίας όπου κυριαρχούσαν οι Adrian και Isaac van Ostade (1 6 10-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ή 1606-38), Jan Steen (περίπου 1626-79), Cornelis Bailly (1620-64), Richart Brackenburg (1650- 1702), Peter van Laer, ονόματι Bambocchio στην Ιταλία (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Joss Drohsloot (1586-1666), Clallenerformerly 1630-76), Jan Meins Molenaar (περίπου 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81). Από τον εξίσου σημαντικό αριθμό ζωγράφων, οι Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Pieter de Hooch (1630-66), Caspar Netscher (1639-84). διάσημος Φρανς βαν Μιέρις ο Πρεσβύτερος (1635-81), Έγκον βαν ντερ Νέρ (1643-1703), Γιαν Βέρκολγκε (1650-93), Κουίρινγκ Μπρέκελενκαμπ (†1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656) και Anthony Palamedes (1601-73). Η κατηγορία των ζωγράφων του είδους περιλαμβάνει καλλιτέχνες που ζωγράφισαν σκηνές στρατιωτικής ζωής, καθώς και σκηνές κυνηγιού γερακιού και κυνηγόσκυλου. Ο κύριος εκπρόσωπος αυτού του κλάδου της ζωγραφικής είναι ο διάσημος και εξαιρετικά παραγωγικός Philips Wouwerman (1619-68). Εκτός από αυτόν, ο αδερφός της αυτού του δασκάλου, Πέτρος (1623-82), ο προαναφερθείς Παλαμήδης, ο Ιάκωβος Δούκας (1600 - αργότερα 1660) και ο Ντιρκ Μάας (1656-1717) ήταν άριστα ανεπτυγμένοι. Για πολλούς από αυτούς τους καλλιτέχνες, το τοπίο παίζει εξίσου σημαντικό ρόλο με τις ανθρώπινες φιγούρες. αλλά παράλληλα με αυτούς εργάζεται και μια μάζα ζωγράφων που το θέτουν ως κύριο ή αποκλειστικό έργο τους. Γενικά, οι Ολλανδοί έχουν το αναφαίρετο δικαίωμα να είναι περήφανοι που η πατρίδα τους είναι η γενέτειρα όχι μόνο του νεότερου είδους, αλλά και του τοπίου με την έννοια που γίνεται κατανοητό σήμερα. Μάλιστα, σε άλλες χώρες, για παράδειγμα στην Ιταλία και τη Γαλλία, η τέχνη ελάχιστα ενδιαφερόταν για την άψυχη φύση και δεν έβρισκε σε αυτήν ούτε μια μοναδική ζωή ούτε ιδιαίτερη ομορφιά. Οι Ολλανδοί ήταν οι πρώτοι που κατάλαβαν ότι ακόμα και στην άψυχη φύση όλα αναπνέουν ζωή, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλούν σκέψη και να συναρπάζουν την κίνηση της καρδιάς. Και αυτό ήταν απολύτως φυσικό, γιατί οι Ολλανδοί, ας πούμε έτσι, δημιούργησαν τη φύση γύρω τους με τα χέρια τους, τη θησαύρισαν και τη θαύμασαν, όπως ο πατέρας θησαυρίζει και θαυμάζει το δικό του πνευματικό τέκνο. Από τους τοπιογράφους της περιόδου ακμής της ολλανδικής σχολής είναι ιδιαίτερα σεβαστοί: ο Γιαν βαν Γκόιεν (1595-1656), ο οποίος μαζί με τον Ezaias van de Velde (περ. 1590-1630) και τον Pieter Moleyn Elder. (1595-1661), που θεωρείται ο ιδρυτής του ολλανδικού τοπίου. τότε μαθητής αυτού του δασκάλου, Salomon van Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (περίπου 1600 - αργότερα 1679), λάτρης των καλύτερων εφέ φωτισμού Art van der Neer (1603-77), ποιητικός Jacob van Ruisdael (1628 ή 1629-82), Meindert Hobbema (1638-1709) και Cornelis Dekker († 1678). Μεταξύ των Ολλανδών υπήρχαν και πολλοί τοπιογράφοι που ξεκίνησαν ταξίδια και αναπαρήγαγαν μοτίβα ξένης φύσης, κάτι που όμως δεν τους εμπόδισε να διατηρήσουν έναν εθνικό χαρακτήρα στη ζωγραφική τους. Ο Allaert van Everdingen (1621-75) απεικόνισε απόψεις της Νορβηγίας. Jan Both (1610-52) - Ιταλία; Hermann Saftleven (1610-85) - Reina; Ο Cornelis Poulenburg (1586-1667) και μια ομάδα οπαδών του ζωγράφισαν τοπία εμπνευσμένα από την ιταλική φύση, με ερείπια αρχαίων κτιρίων, νύμφες που κολυμπούν και σκηνές μιας φανταστικής Αρκαδίας. Σε μια ειδική κατηγορία μπορούμε να ξεχωρίσουμε μάστορες που στους πίνακές τους συνδύασαν τοπία με εικόνες ζώων, δίνοντας προτίμηση είτε στο πρώτο είτε στο δεύτερο ή αντιμετωπίζοντας και τα δύο μέρη με την ίδια προσοχή. Ο πιο διάσημος από αυτούς τους ζωγράφους του αγροτικού ειδυλλίου είναι ο Paulus Potter (1625-54). Εκτός από αυτόν, πρέπει να μετρηθούν εδώ ο Adrian van de Velde (1635 ή 1636-72), ο Albert Cuyp (1620 - 91) και πολλοί καλλιτέχνες που στράφηκαν για θέματα κατά προτίμηση ή αποκλειστικά στην Ιταλία, όπως: Adam Peinaker (1622-73), Jan -Baptiste Weenix (1621-60), Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78) κ.λπ. Στενά συνδεδεμένη με τη ζωγραφική τοπίου είναι η ζωγραφική των αρχιτεκτονικών απόψεων, με την οποία οι Ολλανδοί καλλιτέχνες άρχισαν να ασχολούνται ως ανεξάρτητοι κλάδος της τέχνης μόλις στα μισά του 17ου αιώνα. Μερικοί από εκείνους που από τότε εργάστηκαν σε αυτόν τον τομέα ήταν περίπλοκοι στην απεικόνιση των δρόμων και των πλατειών της πόλης με τα κτίριά τους. αυτοί είναι ο Johannes Beerestraten (1622-66) και ο Jacob van der Ulf (1627-88). Άλλοι, κυρίως ο Pieter Sanredam († 1666) και ο Dirk van Delen (1605-71), ζωγράφισαν εσωτερικές απόψεις εκκλησιών και παλατιών. Η θάλασσα ήταν τόσο σημαντική στη ζωή της Ολλανδίας που η τέχνη της δεν μπορούσε να την αντιμετωπίσει παρά μόνο με τη μεγαλύτερη προσοχή. Πολλοί από τους καλλιτέχνες του, που ασχολούνταν με το τοπίο, το είδος, ακόμη και τα πορτρέτα, ξεφεύγοντας από τα συνηθισμένα τους θέματα για λίγο, έγιναν ναυτικοί ζωγράφοι και αν ήθελε κανείς να απαριθμήσει όλους τους ζωγράφους της ολλανδικής σχολής που απεικόνιζαν μια ήρεμη ή μαινόμενη θάλασσα , πλοία που λικνίζονται πάνω του, λιμάνια γεμάτα με πλοία, θαλάσσιες μάχες κ.λπ., τότε το αποτέλεσμα θα ήταν ένας πολύ μακρύς κατάλογος, ο οποίος θα περιλαμβάνει τα ονόματα του Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdael, A. Cuyp και άλλοι που έχουν ήδη αναφερθεί στις προηγούμενες γραμμές. Περιοριζόμενοι στο να επισημάνουμε εκείνους για τους οποίους η ζωγραφική με θέα στη θάλασσα ήταν ειδικότητα, πρέπει να ονομάσουμε και τον Willem van de Velde τον Πρεσβύτερο (1611 ή 1612-93), τον διάσημο γιο του Willem van de Velde ο νεότερος (1633-1707). ως Jan van de Cappelle († 1679). Τέλος, η ρεαλιστική κατεύθυνση της ολλανδικής σχολής ήταν ο λόγος που διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε αυτήν ένα είδος ζωγραφικής, που σε άλλα σχολεία μέχρι τότε δεν είχε καλλιεργηθεί ως ιδιαίτερος, ανεξάρτητος κλάδος, δηλαδή ζωγραφική λουλουδιών, φρούτων, λαχανικών, ζωντανά πλάσματα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη κ.λπ. - με μια λέξη, αυτό που σήμερα αποκαλείται συνήθως «νεκρή φύση» (nature morte, Stilleben). Στην περιοχή αυτή, μεταξύ των Ολλανδών καλλιτεχνών της ακμής εποχής, οι πιο διάσημοι ήταν ο Jan-Davids de Heem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Abraham Mignon (1640-79), ο Melchior de Hondekoeter (1636). -95), Maria Oosterwijk (1630-93), Willem van Aelst (1626-83), Willem Heda (1594 - αργότερα 1678), Willem Kalf (1621 ή 1622-93) και Jan Weenix (1640-1719). Σε γενικές γραμμές, όπως βλέπουμε, πιθανώς το κύριο χαρακτηριστικό γνώρισμα της ανάπτυξης της ολλανδικής τέχνης όλα αυτά τα χρόνια ήταν η σημαντική κυριαρχία της σε όλα τα είδη ζωγραφικής της. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν τα σπίτια όχι μόνο εκπροσώπων της άρχουσας ελίτ της κοινωνίας, αλλά και φτωχών κτηνοτρόφων, τεχνιτών και αγροτών. πωλήθηκαν σε δημοπρασίες και εκθέσεις. μερικές φορές οι καλλιτέχνες τα χρησιμοποιούσαν ως μέσο πληρωμής λογαριασμών. Το επάγγελμα του καλλιτέχνη δεν ήταν σπάνιο, υπήρχαν πολλοί ζωγράφοι και ανταγωνίζονταν σκληρά μεταξύ τους. Λίγοι από αυτούς μπορούσαν να συντηρήσουν τον εαυτό τους ζωγραφίζοντας διάφορα έργα : Ο Sten ήταν ξενοδόχος, ο Hobbema ήταν υπάλληλος των ειδικών φόρων κατανάλωσης, ο Jacob van Ruisdael ήταν γιατρός.)))))) Από τις αρχές του 18ου αιώνα. στην ολλανδική ζωγραφική καθιερώνονται τα γαλλικά γούστα και απόψεις της πομπώδους εποχής του Λουδοβίκου XIV - μίμηση των Poussin, Lebrun, Cl. Λορέν και άλλοι διαφωτιστές της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διαδότης αυτής της τάσης ήταν ο Φλαμανδός Gerard de Leresse (1641-1711), ο οποίος εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ, ένας ικανότατος καλλιτέχνης και μορφωμένος στην εποχή του, ο οποίος άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στους άμεσους απογόνους του, τόσο με τους ήπιους ψευτο- ιστορικοί πίνακες και έργα της δικής του πένας, μεταξύ των οποίων ένα - "Το μεγάλο βιβλίο του ζωγράφου" ("t groot schilderboec") - για πενήντα χρόνια χρησίμευσε ως κωδικός για νέους καλλιτέχνες, καθώς και ο διάσημος Adrian van de Werff ( 1659-1722), του οποίου η ζωγραφική με ψυχρές φιγούρες, σαν λαξευμένη από ελεφαντόδοντο, φαινόταν τότε το απόγειο της τελειότητας Μεταξύ των οπαδών αυτού του καλλιτέχνη, ο Χένρικ βαν Λίμποργκ (1680-1758) και ο Φίλιπ βαν Ντάικ (1669-1729), με το παρατσούκλι. Ο «Μικρός Βαν Ντάικ» ήταν διάσημοι ως ιστορικοί ζωγράφοι της εν λόγω εποχής, προικισμένοι με αδιαμφισβήτητο ταλέντο, αλλά πρέπει να σημειωθούν οι Βίλεμ και Φρανς βαν Μίερς ο Νεότερος. 1747, 1689-1763), Nicholas Verkolge (1673-1746), Constantijn Netscher (1668-1722) και Karel de Moor (1656-1738). Λίγη λάμψη δόθηκε σε αυτό το σχολείο από τον Cornelis Troost (1697-1750), κυρίως καρικατουρίστα, με το παρατσούκλι Ολλανδός Gogarth, πορτραίτα Jan Quincheed (1688-1772), ζωγράφο διακοσμητικής ιστορίας Jacob de Wit (1695-1754) και ζωγράφο νεκρών φύση Jan van Huysum (1682) -1749). Η ξένη επιρροή επιβάρυνε την ολλανδική ζωγραφική μέχρι τη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα, έχοντας καταφέρει να αντικατοπτρίσει σε αυτήν λίγο πολύ τις αλλαγές που επέφερε η τέχνη στη Γαλλία, ξεκινώντας από την κατασκευή περουκών της εποχής του Βασιλιά Ήλιου και τελειώνοντας με τον ψευδοκλασικισμό του Δαβίδ. Όταν το ύφος των τελευταίων απαρχαιώθηκε και παντού στη Δυτική Ευρώπη, αντί της γοητείας με τους αρχαίους Έλληνες και Ρωμαίους, γεννήθηκε μια ρομαντική επιθυμία, κατακτώντας τόσο την ποίηση όσο και τις παραστατικές τέχνες, οι Ολλανδοί, όπως και άλλοι λαοί, έστρεψαν το βλέμμα τους στο την αρχαιότητα τους, άρα και την ένδοξη περασμένη ζωγραφική τους. Η επιθυμία να του δώσει ξανά τη λάμψη με την οποία έλαμψε τον 17ο αιώνα άρχισε να εμπνέει τους νεότερους καλλιτέχνες και τους επέστρεψε στις αρχές των αρχαίων εθνικών δασκάλων - σε μια αυστηρή παρατήρηση της φύσης και μια έξυπνη, ειλικρινή στάση απέναντι στα καθήκοντα του χέρι. Ταυτόχρονα, δεν προσπάθησαν να εξαλειφθούν εντελώς από την ξένη επιρροή, αλλά όταν πήγαν για σπουδές στο Παρίσι ή στο Ντίσελντορφ και σε άλλα καλλιτεχνικά κέντρα στη Γερμανία, έμαθαν μόνο μια γνωριμία με τις επιτυχίες της σύγχρονης τεχνολογίας. Χάρη σε όλα αυτά, το αναβιωμένο ολλανδικό σχολείο απέκτησε ξανά πρωτοτυπία και κινήθηκε στις μέρες μας στο μονοπάτι που οδηγεί σε περαιτέρω πρόοδο. Μπορεί εύκολα να αντιπαραβάλει πολλές από τις νεότερες φιγούρες της με τους καλύτερους ζωγράφους του 19ου αιώνα σε άλλες χώρες. Ο Holland μπορεί κάλλιστα να είναι περήφανος για πολλούς σημαντικούς πρόσφατους δασκάλους: Jacob Eckhout (1793-1861), David Bles (γεν. 1821), Hermann ten Cate (1822-1891) και τον εξαιρετικά ταλαντούχο Lawrence Alma-Tadema (γεν. 1836), ο οποίος «Έρημος» στην Αγγλία Joseph Israels (γεν. 1824) και Christoffel Bissschop (γεν. 1828), Anton Mauwe (1838-88) και Jacob Maris (γεν. 1837), Bartholomeus van Hove (1790-1888) και Johannes Bosboom ( 1817-N), Henrik Mesdag (γ. 1831), Wouters Vershuur (1812-74) και πολλοί άλλοι.....
Εν τω μεταξύ, αυτός είναι ένας ιδιαίτερος τομέας του ευρωπαϊκού πολιτισμού που αξίζει πιο λεπτομερούς μελέτης, ο οποίος αντικατοπτρίζει την αρχική ζωή των κατοίκων της Ολλανδίας εκείνη την εποχή.
Ιστορία εμφάνισης
Επιφανείς εκπρόσωποι της καλλιτεχνικής τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται στη χώρα τον δέκατο έβδομο αιώνα. Γάλλοι πολιτιστικοί εμπειρογνώμονες τους έδωσαν ένα κοινό όνομα - "μικρό Ολλανδό", το οποίο δεν σχετίζεται με την κλίμακα του ταλέντου και υποδηλώνει μια προσκόλληση σε ορισμένα θέματα από την καθημερινή ζωή, αντίθετα με το "μεγάλο" στυλ με μεγάλους καμβάδες σε ιστορικά ή μυθολογικά θέματα. Η ιστορία της εμφάνισης της ολλανδικής ζωγραφικής περιγράφηκε λεπτομερώς τον δέκατο ένατο αιώνα και οι συγγραφείς έργων σχετικά με αυτήν χρησιμοποίησαν επίσης αυτόν τον όρο. Οι «Μικροί Ολλανδοί» διακρίθηκαν από τον κοσμικό ρεαλισμό, στράφηκαν στον περιβάλλοντα κόσμο και τους ανθρώπους και χρησιμοποιούσαν ζωγραφική πλούσια σε τόνους.
Κύρια στάδια ανάπτυξης
Η ιστορία της ολλανδικής ζωγραφικής μπορεί να χωριστεί σε διάφορες περιόδους. Η πρώτη διήρκεσε περίπου από το 1620 έως το 1630, όταν καθιερώθηκε ο ρεαλισμός στην εθνική τέχνη. Η ολλανδική ζωγραφική γνώρισε τη δεύτερη περίοδο της το 1640-1660. Αυτή είναι η εποχή που η τοπική καλλιτεχνική σχολή άνθισε πραγματικά. Τέλος, η τρίτη περίοδος, η εποχή που η ολλανδική ζωγραφική άρχισε να παρακμάζει - από το 1670 έως τις αρχές του δέκατου όγδοου αιώνα.
Αξίζει να σημειωθεί ότι τα πολιτιστικά κέντρα άλλαξαν αυτό το διάστημα. Την πρώτη περίοδο, κορυφαίοι καλλιτέχνες εργάστηκαν στο Χάρλεμ και ο κύριος εκπρόσωπος ήταν ο Χάλσα. Στη συνέχεια το κέντρο μεταφέρθηκε στο Άμστερνταμ, όπου τα σημαντικότερα έργα πραγματοποιήθηκαν από τους Ρέμπραντ και Βερμέερ.
Σκηνές της καθημερινότητας
Κατά την απαρίθμηση των πιο σημαντικών ειδών της ολλανδικής ζωγραφικής, είναι επιτακτική ανάγκη να ξεκινήσετε με την καθημερινή - την πιο ζωντανή και πρωτότυπη στην ιστορία. Οι Φλαμανδοί ήταν αυτοί που αποκάλυψαν στον κόσμο σκηνές από την καθημερινή ζωή των απλών ανθρώπων, των αγροτών και των κατοίκων της πόλης ή των τσιφλικάδων. Οι πρωτοπόροι ήταν ο Ostade και οι ακόλουθοί του Audenrogge, Bega και Dusart. Στους πρώιμους πίνακες του Ostade, οι άνθρωποι παίζουν χαρτιά, μαλώνουν ακόμα και τσακώνονται σε μια ταβέρνα. Κάθε πίνακας διακρίνεται από έναν δυναμικό, κάπως βάναυσο χαρακτήρα. Η ολλανδική ζωγραφική εκείνης της εποχής μιλά επίσης για ειρηνικές σκηνές: σε ορισμένα έργα, οι αγρότες μιλούν πάνω από ένα πίπα και ένα ποτήρι μπύρα, περνούν χρόνο σε μια έκθεση ή με τις οικογένειές τους. Η επιρροή του Ρέμπραντ οδήγησε στην ευρεία χρήση του μαλακού, χρυσού χρώματος chiaroscuro. Οι αστικές σκηνές ενέπνευσαν καλλιτέχνες όπως οι Hals, Leicester, Molenaar και Codde. Στα μέσα του δέκατου έβδομου αιώνα, οι δάσκαλοι απεικόνιζαν γιατρούς, επιστήμονες στη διαδικασία της εργασίας, τα δικά τους εργαστήρια, τις δουλειές του σπιτιού ή κάθε πλοκή θα έπρεπε να ήταν διασκεδαστική, μερικές φορές γκροτέσκο διδακτική. Μερικοί δάσκαλοι είχαν την τάση να ποιητοποιούν την καθημερινή ζωή, για παράδειγμα, ο Terborch απεικόνιζε σκηνές αναπαραγωγής μουσικής ή φλερτ. Ο Metsyu χρησιμοποίησε φωτεινα χρωματα, μετατρέποντας την καθημερινότητα σε διακοπές και ο de Hooch εμπνεύστηκε από την απλότητα οικογενειακή ζωή, πλημμυρισμένο από διάχυτο φως της ημέρας. Μεταγενέστεροι εκπρόσωποι του είδους, στους οποίους περιλαμβάνονται ολλανδοί δεξιοτέχνες της ζωγραφικής όπως ο Van der Werff και ο Van der Neer, στην προσπάθειά τους για κομψή απεικόνιση, συχνά δημιούργησαν κάπως επιτηδευμένα θέματα.
Φύση και τοπία
Επιπλέον, η ολλανδική ζωγραφική εκπροσωπείται ευρέως στο είδος του τοπίου. Εμφανίστηκε για πρώτη φορά στα έργα τέτοιων δασκάλων του Χάρλεμ όπως ο van Goyen, ο de Moleyn και ο van Ruisdael. Ήταν αυτοί που άρχισαν να απεικονίζουν τις αγροτικές περιοχές με ένα συγκεκριμένο ασημί φως. Η υλική ενότητα της φύσης ήρθε στο προσκήνιο στα έργα του. Τα θαλασσινά τοπία αξίζει να αναφερθούν ξεχωριστά. Οι Μαρινιστές του 17ου αιώνα περιλάμβαναν τους Porsellis, de Vlieger και van de Capelle. Δεν προσπάθησαν τόσο να μεταφέρουν ορισμένες θαλάσσιες σκηνές όσο προσπάθησαν να απεικονίσουν το ίδιο το νερό, το παιχνίδι του φωτός πάνω του και στον ουρανό.
Στο δεύτερο μισό του δέκατου έβδομου αιώνα, εμφανίστηκαν στο είδος πιο συναισθηματικά έργα με φιλοσοφικές ιδέες. Ο Jan van Ruisdael αποκάλυψε την ομορφιά του ολλανδικού τοπίου στο μέγιστο, απεικονίζοντάς το σε όλη του τη δραματικότητα, τη δυναμική και τη μνημειακότητά του. Ο Χόμπεμ, που προτιμούσε τα ηλιόλουστα τοπία, συνέχισε τις παραδόσεις του. Ο Koninck ζωγράφισε πανοράματα και ο van der Neer δημιούργησε νυχτερινά τοπία και απέδωσε το φως του φεγγαριού, την ανατολή και το ηλιοβασίλεμα. Ορισμένοι καλλιτέχνες χαρακτηρίζονται επίσης από την απεικόνιση ζώων σε τοπία, για παράδειγμα, να βόσκουν αγελάδες και άλογα, καθώς και από το κυνήγι και τις σκηνές με ιππείς. Αργότερα, οι καλλιτέχνες άρχισαν να ενδιαφέρονται για την ξένη φύση - Και οι δύο, ο van Laar, ο Wenix, ο Berchem και ο Hackert απεικόνισαν την Ιταλία να λούζεται στις ακτίνες του νότιου ήλιου. Ο ιδρυτής του είδους ήταν ο Sanredam, του οποίου οι καλύτεροι οπαδοί μπορούν να ονομαστούν οι αδελφοί Berkheide και ο Jan van der Heijden.
Εικόνα εσωτερικών χώρων
Ένα ξεχωριστό είδος που ξεχώρισε την ολλανδική ζωγραφική στην ακμή της μπορεί να ονομαστεί σκηνές με δωμάτια εκκλησίας, παλατιού και σπιτιού. Οι εσωτερικοί χώροι εμφανίστηκαν σε πίνακες του δεύτερου μισού του δέκατου έβδομου αιώνα από τους δασκάλους του Delft - Haukgeest, van der Vliet και de Witte, οι οποίοι έγιναν ο κύριος εκπρόσωπος του κινήματος. Χρησιμοποιώντας τις τεχνικές του Vermeer, οι καλλιτέχνες απεικόνισαν σκηνές λουσμένες στο φως του ήλιου, γεμάτες συναίσθημα και όγκο.
Γραφικά πιάτα και πιάτα
Τέλος, ένα άλλο χαρακτηριστικό είδος της ολλανδικής ζωγραφικής είναι η νεκρή φύση, ειδικά η απεικόνιση πρωινού. Καταλήφθηκε για πρώτη φορά από τους κατοίκους του Χάρλεμ, Claes και Heda, οι οποίοι ζωγράφισαν στρωμένα τραπέζια με πολυτελή πιάτα. Το γραφικό χάος και η ιδιαίτερη μεταφορά ενός ζεστού εσωτερικού χώρου γεμίζουν με ασημί-γκρι φως, χαρακτηριστικό του ασημιού και του κασσίτερου. Οι καλλιτέχνες της Ουτρέχτης ζωγράφιζαν πλούσια λουλουδάτα νεκρές φύσεις και στη Χάγη, οι καλλιτέχνες ήταν ιδιαίτερα καλοί στην απεικόνιση ψαριών και θαλάσσιων ερπετών. Στο Leiden, προέκυψε μια φιλοσοφική κατεύθυνση του είδους, στην οποία κρανία και κλεψύδρες συνυπάρχουν με σύμβολα αισθησιακής ευχαρίστησης ή γήινης δόξας, σχεδιασμένα να θυμίζουν την παροδικότητα του χρόνου. Οι δημοκρατικές νεκρές φύσεις κουζίνας έγιναν χαρακτηριστικό γνώρισμα της σχολής τέχνης του Ρότερνταμ.
Ολλανδική ζωγραφικήεμφανίστηκε στα πρώτα χρόνια του 17ου αιώνα. Η ολλανδική σχολή ζωγραφικής ήταν μια ανεξάρτητη, σπουδαία, ανεξάρτητη σχολή με μοναδικά και αμίμητα χαρακτηριστικά και ταυτότητα.
Μέχρι τον 17ο αιώνα, η Ολλανδία δεν ξεχώριζε για την αφθονία των εθνικών καλλιτεχνών. Ενώ αυτή η χώρα ήταν ένα κράτος με τη Φλάνδρα, ήταν κυρίως στη Φλάνδρα που δημιουργήθηκαν και αναπτύχθηκαν εντατικά πρωτότυπα καλλιτεχνικά κινήματα.
Οι εξαιρετικοί ζωγράφοι Van Eyck, Memling, Rogier van der Weyden, παρόμοιοι των οποίων δεν βρέθηκαν στην Ολλανδία, εργάστηκαν στη Φλάνδρα. Μόνο μεμονωμένες εκρήξεις ιδιοφυΐας στη ζωγραφική μπορούν να σημειωθούν στις αρχές του 16ου αιώνα, αυτός είναι ο καλλιτέχνης και χαράκτης Luke of Leiden, ο οποίος είναι οπαδός της σχολής της Μπριζ. Αλλά ο Λουκάς του Λέιντεν δεν δημιούργησε καμία σχολή. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τον ζωγράφο Dirk Bouts από το Χάρλεμ, του οποίου οι δημιουργίες δεν ξεχωρίζουν με φόντο το ύφος και τον τρόπο προέλευσης της φλαμανδικής σχολής, για τους καλλιτέχνες Mostaert, Skorel και Heemskerke, οι οποίοι, παρ' όλη τη σημασία τους, δεν είναι μεμονωμένα ταλέντα που τους χαρακτηρίζουν με την πρωτοτυπία τους στη χώρα.
Στα τέλη του 16ου αιώνα, όταν οι προσωπογράφοι είχαν ήδη δημιουργήσει μια σχολή, άρχισαν να εμφανίζονται και να σχηματίζονται άλλοι καλλιτέχνες. Η μεγάλη ποικιλία ταλέντων οδηγεί σε πολλές διαφορετικές κατευθύνσεις και μονοπάτια για την ανάπτυξη της ζωγραφικής. Εμφανίζονται οι άμεσοι προκάτοχοι του Ρέμπραντ - οι δάσκαλοί του Jan Pace και Peter Lastman. Οι μέθοδοι του είδους γίνονται επίσης πιο ελεύθερες - η ιστορικότητα δεν είναι τόσο υποχρεωτική όσο πριν. Δημιουργείται ένα ιδιαίτερο, βαθιά εθνικό και σχεδόν ιστορικό είδος - ομαδικά πορτρέτα που προορίζονται για δημόσιους χώρους - δημαρχεία, εταιρείες, εργαστήρια και κοινότητες.
Αυτή είναι μόνο η αρχή, το ίδιο το σχολείο δεν υπάρχει ακόμα. Υπάρχουν πολλοί ταλαντούχοι καλλιτέχνες, ανάμεσά τους υπάρχουν ειδικευμένοι τεχνίτες, αρκετοί σπουδαίοι ζωγράφοι: Morelse, Jan Ravestein, Lastman, Frans Hals, Pulenburg, van Schoten, van de Venne, Thomas de Keyser, Honthorst, Cape the Elder, τέλος, Esayas van de Velde και van Goyen - όλοι τους γεννήθηκαν στα τέλη του 16ου αιώνα.
Σε ανάπτυξη Ολλανδική ζωγραφικήήταν μια κρίσιμη στιγμή. Με μια ασταθή πολιτική ισορροπία, τα πάντα εξαρτιόνταν μόνο από την τύχη. Στη Φλάνδρα, όπου παρατηρήθηκε παρόμοια αφύπνιση, αντίθετα, υπήρχε ήδη μια αίσθηση εμπιστοσύνης και σταθερότητας που δεν υπήρχε ακόμα στην Ολλανδία. Στη Φλάνδρα υπήρχαν ήδη καλλιτέχνες που είχαν σχηματίσει ή ήταν κοντά σε αυτό.
Οι πολιτικές και κοινωνικοϊστορικές συνθήκες σε αυτή τη χώρα ήταν πιο ευνοϊκές. Υπήρχαν σοβαροί λόγοι για να γίνει η Φλάνδρα για δεύτερη φορά μεγάλο κέντρο τέχνης. Για αυτό, δύο πράγματα έλειπαν: αρκετά χρόνια ειρήνης και ένας δάσκαλος που θα ήταν ο δημιουργός του σχολείου.
Το 1609 αποφασίστηκε η μοίρα της Ολλανδίας, μετά τη συνθήκη εκεχειρίας (μεταξύ Ισπανίας και Ολλανδίας) και την επίσημη αναγνώριση των Ηνωμένων Επαρχιών, υπήρξε αμέσως ηρεμία. Είναι εκπληκτικό πόσο απροσδόκητα και σε πόσο σύντομο χρονικό διάστημα -όχι περισσότερο από τριάντα χρόνια- εμφανίστηκε σε έναν μικρό χώρο, σε αχάριστο έρημο χώμα, σε σκληρές συνθήκες διαβίωσης, ένας υπέροχος γαλαξίας ζωγράφων, και μάλιστα σπουδαίων ζωγράφων.
Εμφανίστηκαν αμέσως και παντού: στο Άμστερνταμ, στο Ντόρντρεχτ, στο Λέιντεν, στο Ντελφτ, στην Ουτρέχτη, στο Ρότερνταμ, στο Χάρλεμ, ακόμη και στο εξωτερικό - σαν από σπόρους που έπεσαν έξω από το χωράφι. Οι πρώτοι είναι οι Jan van Goyen και Wijnants, που γεννήθηκαν γύρω στα τέλη του αιώνα. Και περαιτέρω, στο διάστημα από την αρχή του αιώνα έως το τέλος του πρώτου τρίτου του - Cuyp, Terborch, Brouwer, Rembrandt, Adrian van Ostade, Ferdinand Bohl, Gerard Dau, Metsu, Venix, Wauerman, Berchem, Potter, Jan Steen , Jacob Ruisdael. Ακολουθεί ο Pieter de Hooch, Hobbema. Οι τελευταίοι από τους σπουδαίους ήταν ο van der Heyden και ο Adrian van de Velde το 1636 και το 1637. Αυτά τα χρόνια περίπου μπορούν να θεωρηθούν η εποχή της πρώτης ανθοφορίας του ολλανδικού σχολείου. Ήταν απαραίτητο να δημιουργηθεί τέχνη για το έθνος.
Ολλανδική ζωγραφική, ήταν και θα μπορούσε να είναι μόνο μια έκφραση εξωτερικής εμφάνισης, ένα αληθινό, ακριβές, παρόμοιο πορτρέτο της Ολλανδίας. Τα κύρια στοιχεία της ολλανδικής σχολής ζωγραφικής ήταν τα πορτρέτα, τα τοπία και οι καθημερινές σκηνές. Το ολλανδικό σχολείο μεγαλώνει και λειτουργεί εδώ και έναν αιώνα.
Ολλανδοί ζωγράφοι βρήκαν θέματα και χρώματα για να ικανοποιήσουν οποιεσδήποτε ανθρώπινες κλίσεις και στοργές. Η ολλανδική παλέτα είναι αρκετά αντάξια του σχεδίου τους, εξ ου και η τέλεια ενότητα της μεθόδου ζωγραφικής τους. Οποιοσδήποτε ολλανδικός πίνακας είναι εύκολο να αναγνωριστεί από την εμφάνισή του. Είναι μικρό σε μέγεθος και διακρίνεται για τα δυνατά, αυστηρά χρώματά του. Αυτό απαιτεί μεγάλη ακρίβεια, σταθερό χέρι και βαθιά συγκέντρωση από τον καλλιτέχνη.
Ακριβώς Ολλανδική ζωγραφικήδίνει την πιο ξεκάθαρη ιδέα αυτής της κρυφής και αιώνιας διαδικασίας: να αισθάνεσαι, να σκέφτεσαι και να εκφράζεις. Δεν υπάρχει πιο πλούσια εικόνα στον κόσμο, αφού οι Ολλανδοί είναι αυτοί που περιλαμβάνουν τόσο πολύ περιεχόμενο σε έναν τόσο μικρό χώρο. Γι' αυτό όλα εδώ παίρνουν μια ακριβή, συμπιεσμένη και συμπυκνωμένη μορφή.
Για μια πιο ολοκληρωμένη εικόνα της ολλανδικής ζωγραφικής, θα πρέπει κανείς να εξετάσει λεπτομερώς τα στοιχεία αυτής της κίνησης, τα χαρακτηριστικά των μεθόδων και τη φύση της παλέτας. Η περιγραφή των κύριων χαρακτηριστικών της ολλανδικής τέχνης μας επιτρέπει να ξεχωρίσουμε αυτή τη σχολή από άλλες και να εντοπίσουμε την προέλευσή της.
Με εκφραστικό τρόπο εικονογράφηση Ολλανδική ζωγραφική, είναι ένας πίνακας του Adrian van Ostade από το Μουσείο του Άμστερνταμ «Artist's Atelier». Αυτό το θέμα ήταν ένα από τα αγαπημένα των Ολλανδών ζωγράφων. Βλέπουμε έναν προσεκτικό άντρα, ελαφρώς σκυμμένο, με έτοιμη παλέτα, λεπτά, καθαρά πινέλα και διάφανο λάδι. Γράφει στο λυκόφως. Το πρόσωπό του είναι συγκεντρωμένο, το χέρι του προσεκτικό.
Μόνο που, ίσως, αυτοί οι ζωγράφοι ήταν πιο θαρραλέοι και ήξεραν πώς να γελούν πιο αμέριμνοι και να απολαμβάνουν τη ζωή από ό,τι μπορεί να συμπεράνει κανείς από τις σωζόμενες εικόνες.
Τα θεμέλια για την ολλανδική σχολή ζωγραφικής τέθηκαν από τους Jan van Goyen και Jan van Wijnants στις αρχές του 17ου αιώνα, καθιερώνοντας ορισμένους νόμους της ζωγραφικής.
Ολλανδική ζωγραφική Η εμφάνιση και η αρχική του περίοδος συγχωνεύονται σε τέτοιο βαθμό με τα πρώτα στάδια ανάπτυξης της φλαμανδικής ζωγραφικής που οι τελευταίοι ιστορικοί τέχνης θεωρούν και τα δύο για ολόκληρο το διάστημα μέχρι τα τέλη του 16ου αιώνα. αναπόσπαστα, με ένα γενικό όνομα «ολλανδικό σχολείο». Και οι δύο, που αποτελούν τον απόγονο του κλάδου του Ρήνου, είναι χαζοί. Η ζωγραφική, οι κύριοι εκπρόσωποι της οποίας είναι ο Wilhelm της Κολωνίας και ο Stefan Lochner, θεωρούν τους αδερφούς van Eyck ως ιδρυτές τους. Και οι δύο κινούνται προς την ίδια κατεύθυνση εδώ και πολύ καιρό, εμψυχώνονται από τα ίδια ιδανικά, επιδιώκουν τα ίδια καθήκοντα, αναπτύσσουν την ίδια τεχνική, έτσι ώστε οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας να μην διαφέρουν από τους Φλαμανδούς και Μπραμπάντ αδερφούς τους. Αυτό συνεχίζεται σε όλη τη διάρκεια της βασιλείας της χώρας, πρώτα από τους Βουργουνδούς και μετά από τον Αυστριακό οίκο, μέχρι να ξεσπάσει μια βάναυση επανάσταση, που καταλήγει στον πλήρη θρίαμβο των Γκολ. άνθρωποι πάνω από τους Ισπανούς που τους καταπίεσαν. Από αυτή την εποχή, καθένας από τους δύο κλάδους της ολλανδικής τέχνης αρχίζει να κινείται χωριστά, αν και μερικές φορές τυχαίνει να έρχονται σε πολύ στενή επαφή μεταξύ τους. Η Ζ. ζωγραφική παίρνει αμέσως έναν πρωτότυπο, εντελώς εθνικό χαρακτήρα και γρήγορα φτάνει σε μια φωτεινή και άφθονη ανθοφορία. Τα αίτια αυτού του φαινομένου, του οποίου δύσκολα συναντάμε σε όλη την ιστορία της τέχνης, βρίσκονται σε τοπογραφικές, θρησκευτικές, πολιτικές και κοινωνικές συνθήκες. Σε αυτή τη «χαμηλή χώρα» (hol land), που αποτελείται από βάλτους, νησιά και χερσονήσους, που συνεχώς παρασύρεται από τη θάλασσα και απειλείται από τις επιδρομές της, ο πληθυσμός, μόλις πέταξε τον ξένο ζυγό, έπρεπε να δημιουργήσει τα πάντα εκ νέου, ξεκινώντας από τις φυσικές συνθήκες του εδάφους και τελειώνοντας με ηθικές και πνευματικές συνθήκες, γιατί τα πάντα καταστράφηκαν από τον προηγούμενο αγώνα για ανεξαρτησία. Χάρη στην επιχείρησή τους, την πρακτική λογική και την επίμονη δουλειά τους, οι Ολλανδοί κατάφεραν να μετατρέψουν τους βάλτους σε καρποφόρα χωράφια και πολυτελή βοσκοτόπια, να κατακτήσουν τεράστιες εκτάσεις γης από τη θάλασσα, να αποκτήσουν υλική ευημερία και εξωτερική πολιτική σημασία. Το κύριο χαρακτηριστικό που χαρακτηρίζει αυτούς τους καλλιτέχνες είναι η αγάπη τους για τη φύση, η επιθυμία να την αναπαράγουν με όλη της την απλότητα και αλήθεια, χωρίς τον παραμικρό εξωραϊσμό, χωρίς να την υποτάσσουν κάτω από οποιεσδήποτε συνθήκες προκαθορισμένου ιδεώδους. Η δεύτερη χαρακτηριστική ιδιότητα του Goll. Οι ζωγράφοι αποτελούνται από μια λεπτή αίσθηση του χρώματος και την κατανόηση του τι ισχυρή, μαγευτική εντύπωση μπορεί να κάνει, εκτός από το περιεχόμενο της εικόνας, μόνο από την πιστή και ισχυρή μετάδοση πολύχρωμων σχέσεων που καθορίζονται στη φύση από τη δράση του φωτός ακτίνες, εγγύτητα ή εύρος αποστάσεων. Μεταξύ των καλύτερων εκπροσώπων της γεωμετρικής ζωγραφικής, αυτή η αίσθηση του χρώματος και του chiaroscuro αναπτύσσεται σε τέτοιο βαθμό που το φως, με τις αμέτρητες και ποικίλες αποχρώσεις του, παίζει στην εικόνα, θα έλεγε κανείς, το ρόλο του κύριου χαρακτήρα και προσδίδει μεγάλο ενδιαφέρον στον η πιο ασήμαντη πλοκή, οι πιο άκομψες μορφές και εικόνες. Τότε θα πρέπει να σημειωθεί ότι οι περισσότεροι Goll. Οι καλλιτέχνες δεν κάνουν μακροχρόνιες αναζητήσεις υλικού για τη δημιουργικότητά τους, αλλά αρκούνται σε ό,τι βρίσκουν γύρω τους, στη γηγενή τους φύση και στη ζωή των ανθρώπων τους. Τυπικά χαρακτηριστικά διακεκριμένων συμπατριωτών, τα πρόσωπα των απλών Ολλανδών και Ολλανδίδων, η θορυβώδης διασκέδαση των κοινών γιορτών, οι γιορτές των χωρικών, οι σκηνές της αγροτικής ζωής ή η οικεία ζωή των κατοίκων της πόλης, οι ντόπιοι αμμόλοφοι, οι πόλντερ και οι απέραντες πεδιάδες που διασχίζονται από κανάλια, τα κοπάδια που βόσκουν σε πλούσια λιβάδια, καλύβες, φωλιασμένες στην άκρη δάσους οξιάς ή βελανιδιάς, χωριά στις όχθες ποταμών, λιμνών και άλση, πόλεις με τα καθαρά σπίτια τους, κινητή γέφυρες και ψηλά κωδωνοστάσια εκκλησιών και δημαρχείων, λιμάνια γεμάτα πλοία, ουρανός γεμάτος ασημί ή χρυσαφί ατμοί - όλα αυτά, κάτω από τη βούρτσα του . Δάσκαλοι εμποτισμένοι με αγάπη για την πατρίδα και την εθνική υπερηφάνεια, μετατρέπονται σε πίνακες γεμάτους αέρα, φως και ελκυστικότητα. Ακόμη και σε εκείνες τις περιπτώσεις που κάποιοι από αυτούς τους δασκάλους καταφεύγουν στη Βίβλο, την αρχαία ιστορία και τη μυθολογία για θέματα, ακόμη και τότε, χωρίς να ανησυχούν για τη διατήρηση της αρχαιολογικής πιστότητας, μεταφέρουν τη δράση στο περιβάλλον των Ολλανδών, περιβάλλοντάς το με ολλανδικό σκηνικό. Είναι αλήθεια ότι δίπλα στο κατάμεστο πλήθος τέτοιων πατριωτών καλλιτεχνών υπάρχει μια φάλαγγα άλλων ζωγράφων που αναζητούν έμπνευση έξω από τα σύνορα της πατρίδας τους, στην κλασική χώρα της τέχνης, την Ιταλία. όμως στα έργα τους υπάρχουν και χαρακτηριστικά που εκθέτουν την εθνικότητα τους. Τέλος, ως χαρακτηριστικό του στόχου. ζωγράφων, μπορεί κανείς να επισημάνει την απάρνηση τους από τις καλλιτεχνικές παραδόσεις. Θα ήταν μάταιο να αναζητήσουμε μεταξύ τους μια αυστηρή συνέχεια γνωστών αισθητικών αρχών και τεχνικών κανόνων, όχι μόνο με την έννοια του ακαδημαϊκού στυλ, αλλά και με την έννοια της αφομοίωσης από τους μαθητές του χαρακτήρα των δασκάλων τους: η εξαίρεση, ίσως, μόνο των μαθητών του Ρέμπραντ, που λίγο πολύ ακολούθησαν τα χνάρια του ιδιοφυούς μέντορά τους, σχεδόν όλοι οι ζωγράφοι στην Ολλανδία, μόλις πέρασαν τα φοιτητικά τους χρόνια, και μερικές φορές ακόμη και σε αυτά τα χρόνια, άρχισαν να εργάζονται σε τον δικό τους τρόπο, ανάλογα με το πού τους οδήγησε η ατομική τους κλίση και τι τους δίδαξε η άμεση παρατήρηση της φύσης. Ως εκ τούτου, ο στόχος. Οι καλλιτέχνες δεν μπορούν να χωριστούν σε σχολεία, όπως κάνουμε με τους καλλιτέχνες της Ιταλίας ή της Ισπανίας. είναι δύσκολο ακόμη και να σχηματιστούν αυστηρά καθορισμένες ομάδες αυτών, και η ίδια η έκφραση " σολ. σχολή ζωγραφικής", το οποίο τέθηκε σε γενική χρήση, θα πρέπει να γίνει κατανοητό μόνο υπό όρους, ως υποδηλώνοντας μια συλλογή από φυλετικούς δασκάλους, αλλά όχι ένα πραγματικό σχολείο. Εν τω μεταξύ, σε όλες τις κύριες πόλεις της Ολλανδίας υπήρχαν οργανωμένες εταιρείες καλλιτεχνών, οι οποίες, Φαίνεται ότι θα έπρεπε να έχουν επηρεάσει την επικοινωνία των δραστηριοτήτων τους μιας γενικής κατεύθυνσης, ωστόσο, τέτοιες κοινωνίες έφεραν το όνομα. συντεχνίες του αγ. Τόξα, αν συνέβαλαν σε αυτό, τότε σε πολύ μέτριο βαθμό. Δεν ήταν ακαδημίες, θεματοφύλακες γνωστών καλλιτεχνικών παραδόσεων, αλλά ελεύθερες εταιρείες, παρόμοιες με άλλες βιοτεχνικές και βιομηχανικές συντεχνίες, που δεν διαφέρουν πολύ από αυτές ως προς τη δομή και στόχευαν στην αμοιβαία υποστήριξη των μελών τους, την προστασία των δικαιωμάτων τους, τη φροντίδα. για τα γηρατειά τους, φροντίζουν για τη μοίρα των χήρων και των ορφανών τους. Κάθε ντόπιος ζωγράφος που πληρούσε τις προϋποθέσεις των ηθικών προσόντων γινόταν δεκτός στη συντεχνία μετά από προκαταρκτική επιβεβαίωση των ικανοτήτων και των γνώσεών του ή με βάση τη φήμη που είχε ήδη αποκτήσει. οι επισκέπτες καλλιτέχνες έγιναν δεκτοί στη συντεχνία ως προσωρινά μέλη για τη διάρκεια της παραμονής τους σε μια δεδομένη πόλη. Όσοι ανήκουν στη συντεχνία συναντήθηκαν για να συζητήσουν, υπό την προεδρία των κοσμητόρων, τις κοινές τους υποθέσεις ή για την αμοιβαία ανταλλαγή σκέψεων. αλλά σε αυτές τις συναντήσεις δεν υπήρχε τίποτα που να μοιάζει με το κήρυγμα μιας ορισμένης καλλιτεχνικής κατεύθυνσης και που θα έτεινε να περιορίσει την πρωτοτυπία οποιουδήποτε από τα μέλη. Τα υποδεικνυόμενα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής Γ. είναι αισθητά ακόμη και στις πρώτες μέρες της - σε μια εποχή που αναπτύχθηκε άρρηκτα από τη φλαμανδική σχολή. Η αποστολή της, όπως και της τελευταίας, ήταν τότε κυρίως να διακοσμεί εκκλησίες με θρησκευτικές αγιογραφίες, παλάτια, δημαρχεία και αρχοντικά σπίτια με πορτρέτα κυβερνητικών αξιωματούχων και αριστοκρατών. Δυστυχώς, τα έργα των πρωτόγονων Ελλήνων ζωγράφων έχουν φτάσει σε εμάς μόνο σε πολύ περιορισμένες ποσότητες, αφού τα περισσότερα από αυτά χάθηκαν σε εκείνη την ταραγμένη εποχή που η Μεταρρύθμιση κατέστρεψε τις καθολικές εκκλησίες, κατήργησε μοναστήρια και μοναστήρια και υποκίνησε τους «εικονοθραύστες» (Beeldstormers) να καταστρέψουν τα γραφικά. και γλυπτικές ιερές εικόνες, και η λαϊκή εξέγερση κατέστρεψε παντού τα πορτρέτα των μισητών τυράννων. Ξέρουμε πολλούς από τους καλλιτέχνες που προηγήθηκαν της επανάστασης μόνο ονομαστικά. Μπορούμε να κρίνουμε τους άλλους μόνο από ένα ή δύο δείγματα της δουλειάς τους. Λοιπόν, όσον αφορά το παλαιότερο από τα Γκολ. ζωγράφοι, Albert van Ouwater, δεν υπάρχουν θετικά στοιχεία, εκτός από την πληροφορία ότι ήταν σύγχρονος των van Eycks και εργάστηκε στο Χάρλεμ. Δεν υπάρχουν αξιόπιστοι πίνακές του. Ο μαθητής του Gertjen van Sint-Jan είναι γνωστός μόνο από δύο πίνακες ενός τρίπτυχου που φυλάσσεται στην Πινακοθήκη της Βιέννης ("Holy Sepulcher" και "Legend of the Bones of St. John"), το οποίο έγραψε για τον Καθεδρικό Ναό του Χάρλεμ. Η ομίχλη που μας σκεπάζει στην αρχική εποχή της σχολής G. αρχίζει να διαλύεται με την εμφάνιση στη σκηνή του Dirk Bouts, με το παρατσούκλι Stuerboat († 1475), με καταγωγή από το Haarlem, αλλά που εργαζόταν στο Leuven και γι' αυτό πολλοί θεωρείται ότι να είναι μέλος της Φλαμανδικής σχολής (τα καλύτερα έργα του είναι δύο πίνακες «Η λανθασμένη δίκη του αυτοκράτορα Όθωνα» βρίσκονται στο Μουσείο των Βρυξελλών), καθώς και ο Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), του οποίου η κύρια αξία είναι ότι ήταν ο δάσκαλος του περίφημος Λουκάς του Λέιντεν (1494-1533). Αυτός ο τελευταίος, ένας πολυπράγμων, εργατικός και εξαιρετικά ταλαντούχος καλλιτέχνης, ήξερε πώς, όπως κανείς πριν από αυτόν, να αναπαράγει με ακρίβεια όλα όσα του τράβηξαν την προσοχή, και ως εκ τούτου μπορεί να θεωρηθεί ο πραγματικός πατέρας του ολλανδικού είδους, αν και έπρεπε να ζωγραφίζει κυρίως θρησκευτικά πίνακες ζωγραφικής και πορτρέτα. Στα έργα του σύγχρονου του Jan Mostaert (περίπου 1470-1556), η επιθυμία για νατουραλισμό συνδυάζεται με ένα άγγιγμα της γοτθικής παράδοσης, τη ζεστασιά του θρησκευτικού συναισθήματος με την ανησυχία για την εξωτερική κομψότητα. Εκτός από αυτούς τους εξαιρετικούς δασκάλους, αξίζει να αναφερθούν οι εξής κατά την αρχική εποχή της γεωργιανής τέχνης: Hieronymus van Aken, με το παρατσούκλι J. de Bosch (περίπου 1462-1516), ο οποίος έθεσε τα θεμέλια για τη σατιρική καθημερινή ζωγραφική με το σύμπλεγμα του, περίπλοκες και μερικές φορές εξαιρετικά παράξενες συνθέσεις. Jan Mundain († 1520), διάσημος στο Χάρλεμ για τις απεικονίσεις του διαβολισμού και της βαβούρας. Peter Aertsen († 1516), με το παρατσούκλι "Long Peter" (Lange Pier) για το ψηλό του ανάστημα, David Ioris (1501-56), ένας επιδέξιος ζωγράφος γυαλιού, που παρασύρθηκε από τις αναβαπτιστικές ανοησίες και φανταζόταν τον εαυτό του ως τον προφήτη Δαβίδ και τον γιο του Θεέ, Τζέικομπ Σουαρτς (1469 ? - 1535;), Jacob Cornelissen (1480; - αργότερα 1533) και ο γιος του Dirk Jacobs (δύο πίνακες του τελευταίου, που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού, βρίσκονται στο Αυτοκρατορικό Ερμιτάζ). Νυμφεύομαι. Van Eyden u. van der Willigen, «Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw» (4 τόμοι, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2ος και 3ος τόμος, 1882-1883); Waagen, «Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen» (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876)· A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890)· P. P. Semenov, "Studies on the history of Dutch painting based on its δείγματα που βρίσκονται στην Αγία Πετρούπολη." (ειδικό παράρτημα στο περιοδικό "Vestn. Fine Arts", 1885-90). Α. Σόμοβ.
εγκυκλοπαιδικό λεξικόΦΑ. Brockhaus και I.A. Έφρον. - S.-Pb.: Brockhaus-Efron. 1890-1907 .
Ολλανδική ζωγραφική, στις καλές τέχνες
Περίπου το μισό του 16ου πίνακα. μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων υπάρχει η επιθυμία να απαλλαγούν από τις ελλείψεις της εγχώριας τέχνης - τη γοτθική γωνιότητα και την ξηρότητά της - μελετώντας Ιταλούς καλλιτέχνες της Αναγέννησης και συνδυάζοντας τον τρόπο τους με τις καλύτερες παραδόσεις της δικής τους σχολής. Αυτή η επιθυμία είναι ήδη ορατή στα έργα του προαναφερθέντος Mostert. αλλά ο κύριος διαδότης του νέου κινήματος πρέπει να θεωρηθεί ο Jan Schorel (1495-1562), ο οποίος έζησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ιταλία και αργότερα ίδρυσε ένα σχολείο στην Ουτρέχτη, από το οποίο προήλθαν αρκετοί καλλιτέχνες μολυσμένοι με την επιθυμία να γίνουν Ολλανδοί Ραφαήλ. και ο Μιχαήλ Άγγελος. Στα βήματά του, ο Maarten van Van, με το παρατσούκλι Gemskerk (1498-1574), ο Henryk Goltzius (1558-1616), ο Peter Montford, παρατσούκλι. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Ο Χάρλεμ (1562-1638) και άλλοι που ανήκαν στην επόμενη περίοδο της ιταλικής σχολής, όπως, για παράδειγμα, ο Αβραάμ Μπλόμαερτ (1564-1651), ο Τζέραρντ Γκόνθορστ (1592-1662), ξεπέρασαν τις Άλπεις για να εμποτιστούν με τις τελειότητες. των φωτιστών της ιταλικής ζωγραφικής, αλλά έπεσαν, ως επί το πλείστον, υπό την επίδραση εκπροσώπων της παρακμής αυτού του πίνακα που άρχιζε εκείνη την εποχή, επέστρεψαν στην πατρίδα τους ως μανιεριστές, φανταζόμενοι ότι όλη η ουσία της τέχνης βρίσκεται σε την υπερβολή των μυών, στην επιτηδειότητα των γωνιών και την απελπισία των συμβατικών χρωμάτων. Ωστόσο, το πάθος των Ιταλών για τη ζωγραφική, που συχνά επεκτεινόταν στα άκρα στη μεταβατική εποχή της Γεωργίας, έφερε ένα είδος οφέλους, αφού έφερε σε αυτόν τον πίνακα καλύτερο, πιο μαθημένο σχέδιο και την ικανότητα να διαχειρίζεται τη σύνθεση πιο ελεύθερα και τολμηρά. Μαζί με την παλιά ολλανδική παράδοση και την απεριόριστη αγάπη για τη φύση, ο Ιταλισμός έγινε ένα από τα στοιχεία από τα οποία διαμορφώθηκε η πρωτότυπη, ιδιαίτερα ανεπτυγμένη τέχνη της ακμάζουσας εποχής. Η έναρξη αυτής της εποχής, όπως έχουμε ήδη πει, θα πρέπει να χρονολογηθεί στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν η Ολλανδία, έχοντας κερδίσει την ανεξαρτησία, άρχισε να ζει μια νέα ζωή. Η δραματική μετατροπή μιας καταπιεσμένης και φτωχής χώρας μόλις χθες σε μια πολιτικά σημαντική, άνετη και πλούσια ένωση κρατών συνοδεύτηκε από μια εξίσου δραματική επανάσταση στην τέχνη της. Από όλες τις πλευρές, σχεδόν ταυτόχρονα, αναδύονται σε αμέτρητους αριθμούς υπέροχοι καλλιτέχνες, καλούμενοι να δραστηριοποιηθούν από την άνοδο του εθνικού πνεύματος και την ανάγκη για το έργο τους που έχει αναπτυχθεί στην κοινωνία. Στα αρχικά καλλιτεχνικά κέντρα, το Χάρλεμ και το Λάιντεν, προστίθενται νέα - Ντελφτ, Ουτρέχτη, Ντόρτρεχτ, Χάγη, Άμστερνταμ κ.λπ. Παντού τα παλιά καθήκοντα της ζωγραφικής αναπτύσσονται με νέο τρόπο υπό την επίδραση των μεταβαλλόμενων απαιτήσεων και απόψεων, και τους νέους κλάδους της, οι απαρχές των οποίων ήταν ελάχιστα αισθητές την προηγούμενη περίοδο. Η Μεταρρύθμιση έδιωξε τους θρησκευτικούς πίνακες από τις εκκλησίες. δεν χρειαζόταν να διακοσμηθούν τα παλάτια και οι ευγενείς αίθουσες με εικόνες αρχαίων θεών και ηρώων, και επομένως η ιστορική ζωγραφική, που ικανοποιούσε τα γούστα της πλούσιας αστικής τάξης, απέρριψε τον ιδεαλισμό και στράφηκε σε μια ακριβή αναπαραγωγή της πραγματικότητας: άρχισε να ερμηνεύει γεγονότα του μακρού παρελθόντος όπως τα γεγονότα της εποχής που έλαβαν χώρα στην Ολλανδία, και κυρίως έλαβαν προσωπογραφία, διαιωνίζοντας σε αυτήν τα χαρακτηριστικά των ανθρώπων εκείνης της εποχής, είτε σε μονόμορφες μορφές είτε σε εκτενείς, πολυμορφικές συνθέσεις που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού (schutterstuke), οι οποίες έπαιξε τόσο εξέχοντα ρόλο στον αγώνα για την απελευθέρωση της χώρας - οι διαχειριστές των φιλανθρωπικών της ιδρυμάτων (regentenstuke), οι εργοδηγοί των καταστημάτων και τα μέλη διαφόρων εταιρειών. Αν αποφασίσαμε να μιλήσουμε για όλους τους ταλαντούχους προσωπογράφους της ακμάζουσας εποχής της Γαλατίας. τέχνη, τότε και μόνο η λίστα με τα ονόματά τους με ένδειξη των καλύτερων έργων τους θα χρειαζόταν πολλές γραμμές. Ως εκ τούτου, περιοριζόμαστε να αναφέρουμε μόνο εκείνους τους καλλιτέχνες που ξεχωρίζουν ιδιαίτερα από τη γενική τάξη. Αυτοί είναι οι: Michiel Miervelt (1567-1641), ο μαθητής του Paulus Morelse (1571-1638), ο Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572; - 1657), οι προκάτοχοι των τριών μεγαλύτερων προσωπογράφων της Ολλανδίας - των μάγος του chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), ενός ασύγκριτου σχεδιαστή που είχε μια καταπληκτική τέχνη να μοντελοποιεί φιγούρες στο φως, αλλά κάπως ψυχρό χαρακτήρα και χρώμα, Bartholomew van der Gelst (1611 ή 1612-70) και εντυπωσιακό με τη φούγκα του πινέλου του Frans Gols the Elder (1581-1666). Από αυτά, το όνομα του Ρέμπραντ λάμπει ιδιαίτερα έντονα στην ιστορία, στην αρχή εκτιμήθηκε πολύ από τους συγχρόνους του, στη συνέχεια ξεχάστηκε από αυτούς, εκτιμήθηκε ελάχιστα από τους μεταγενέστερους και μόνο τον τρέχοντα αιώνα ανυψώθηκε, με κάθε δικαιοσύνη, στο επίπεδο του κόσμου. ιδιοφυία. Στη χαρακτηριστική καλλιτεχνική του προσωπικότητα συγκεντρώνονται όλα τα καλύτερα προσόντα της ζωγραφικής του Γ., σαν στο επίκεντρο, και η επιρροή του αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τύπους - σε πορτρέτα, ιστορικούς πίνακες, καθημερινές σκηνές και τοπία. Οι πιο διάσημοι μεταξύ των μαθητών και οπαδών του Ρέμπραντ ήταν οι: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ή 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (περίπου 1620-54), Salomon and Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († αργότερα 1645), Gerard Dou (1613-75) και Samuel van Googstraten (1626-78). Εκτός από αυτούς τους καλλιτέχνες, για να συμπληρωθεί ο κατάλογος των καλύτερων πορτραιτογράφων και ιστορικών ζωγράφων της υπό εξέταση περιόδου, θα πρέπει να ονομάσουμε τον Jan Lievens (1607-30), τον φίλο του Ρέμπραντ στις σπουδές του με τον P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) και Peter Nason (1612-91), οι οποίοι προφανώς εργάστηκαν υπό την επιρροή του V. d Gelsta, ο μιμητής των Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan and Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) και Nicholas de Gelta-Stokade (1614-). Η οικιακή ζωγραφική, τα πρώτα πειράματα της οποίας εμφανίστηκαν στο παλιό ολλανδικό σχολείο, βρέθηκε τον 17ο αιώνα. ιδιαίτερα γόνιμο έδαφος στην προτεσταντική, ελεύθερη, αστική, αυτάρεσκη Ολλανδία. Μικρές εικόνες, που αντιπροσώπευαν άτεχνα τα έθιμα και τη ζωή διαφορετικών τάξεων της τοπικής κοινωνίας, φαίνονταν σε αρκετούς ανθρώπους πιο διασκεδαστικές από μεγάλα έργα σοβαρής ζωγραφικής και, μαζί με τοπία, πιο βολικές για τη διακόσμηση φιλόξενων ιδιωτικών κατοικιών. Μια ολόκληρη ορδή καλλιτεχνών ικανοποιεί τη ζήτηση τέτοιων εικόνων, χωρίς να σκέφτεται πολύ την επιλογή των θεμάτων για αυτές, αλλά αναπαράγει συνειδητά όλα όσα συναντά κανείς στην πραγματικότητα, δείχνοντας ταυτόχρονα αγάπη για την οικογένειά τους, στη συνέχεια καλοσυνάτο χιούμορ, με ακρίβεια χαρακτηρίζοντας τις απεικονιζόμενες θέσεις και πρόσωπα και εξευγενισμένο στην κυριαρχία της τεχνολογίας. Ενώ κάποιοι ασχολούνται με τη ζωή των απλών ανθρώπων, σκηνές αγροτικής ευτυχίας και λύπης, ποτό σε ταβέρνες και ταβέρνες, συγκεντρώσεις μπροστά σε πανδοχεία στην άκρη του δρόμου, αγροτικές διακοπές, παιχνίδια και πατινάζ στους πάγους παγωμένων ποταμών και καναλιών κ.λπ., άλλοι παίρνουν το περιεχόμενο για τα έργα τους από έναν πιο κομψό κύκλο - ζωγραφίζουν χαριτωμένες κυρίες στο οικείο τους περιβάλλον, την ερωτοτροπία των δανδή κυρίων, τις νοικοκυρές που δίνουν εντολές στις υπηρέτριές τους, τις ασκήσεις κομμωτηρίου στη μουσική και το τραγούδι, το γλέντι της χρυσής νεότητας σε σπίτια αναψυχής κ.λπ. Στη μεγάλη σειρά των καλλιτεχνών της πρώτης κατηγορίας διαπρέπουν οι Adrian και Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ή 1606-38), Jan Stan (περίπου 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, με το παρατσούκλι Bambocchio στην Ιταλία (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, με το παρατσούκλι Sorg (1621-82), Claes Molenaar (πρώην 1630-76), Jan Minse-Molenar (περίπου 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) και μερικοί. κ.λπ. Από τον εξίσου σημαντικό αριθμό ζωγράφων που αναπαρήγαγαν τη ζωή της μεσαίας και ανώτερης, γενικά επαρκούς, τάξης, οι Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Γκογκ (1630-66), Κάσπαρ Νέτσερ (1639-84), Γαλλία γ. Miris the Elder (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer of Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony and Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) κ.λπ. Η κατηγορία των ζωγράφων του είδους περιλαμβάνει καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν σκηνές στρατιωτικής ζωής, αδράνεια στρατιωτών σε φρουρά , χώροι κατασκήνωσης, αψιμαχίες ιππικού και ολόκληρες μάχες, άλογα γυμναστικής, καθώς και σκηνές κυνηγιού γερακιών και κυνηγόσκυλων παρόμοιες με σκηνές μάχης. Ο κύριος εκπρόσωπος αυτού του κλάδου της ζωγραφικής είναι ο διάσημος και εξαιρετικά παραγωγικός Philips Wouwerman (1619-68). Εκτός από αυτόν, ο αδερφός της αυτού του δασκάλου, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), τον οποίο σύντομα θα συναντήσουμε ανάμεσα στους τοπιογράφους, τους προαναφερθέντες Παλαμήδη, Jacob Leduc (1600 - αργότερα 1660), Henrik. Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), κ.λπ. Για πολλούς από αυτούς τους καλλιτέχνες, το τοπίο παίζει εξίσου σημαντικό ρόλο με τις ανθρώπινες φιγούρες. αλλά παράλληλα με αυτούς εργάζεται και μια μάζα ζωγράφων που το θέτουν ως κύριο ή αποκλειστικό έργο τους. Γενικά, οι Ολλανδοί έχουν το αναφαίρετο δικαίωμα να είναι περήφανοι που η πατρίδα τους είναι η γενέτειρα όχι μόνο του νεότερου είδους, αλλά και του τοπίου με την έννοια που γίνεται κατανοητό σήμερα. Μάλιστα, σε άλλες χώρες, π.χ. στην Ιταλία και τη Γαλλία, η τέχνη δεν ενδιαφέρθηκε καθόλου για την άψυχη φύση, δεν βρήκε σε αυτήν ούτε μια μοναδική ζωή ούτε ιδιαίτερη ομορφιά: ο ζωγράφος εισήγαγε το τοπίο στους πίνακές του μόνο ως παράπλευρο στοιχείο, ως διακόσμηση, μεταξύ των οποίων επεισόδια ανθρώπινου δράματος ή η κωμωδία παίζεται, και ως εκ τούτου την υποτάσσει τις συνθήκες της σκηνής, επινοώντας γραφικές γραμμές και σημεία που της είναι ευεργετικά, χωρίς όμως να αντιγράφουν τη φύση, χωρίς να διαποτίζονται από την εντύπωση που εμπνέει. Με τον ίδιο τρόπο «συνέθεσε» τη φύση σε εκείνες τις σπάνιες περιπτώσεις που προσπάθησε να ζωγραφίσει έναν καθαρά τοπιογράφο. Οι Ολλανδοί ήταν οι πρώτοι που κατάλαβαν ότι ακόμα και στην άψυχη φύση όλα αναπνέουν ζωή, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλούν σκέψη και να συναρπάζουν την κίνηση της καρδιάς. Και αυτό ήταν απολύτως φυσικό, γιατί οι Ολλανδοί, ας πούμε έτσι, δημιούργησαν τη φύση γύρω τους με τα χέρια τους, τη θησαύρισαν και τη θαύμασαν, όπως ο πατέρας θησαυρίζει και θαυμάζει το δικό του πνευματικό τέκνο. Επιπλέον, αυτή η φύση, παρά τη σεμνότητα των μορφών και των χρωμάτων της, παρείχε στους χρωματιστές όπως οι Ολλανδοί άφθονο υλικό για την ανάπτυξη μοτίβων φωτισμού και εναέριας προοπτικής λόγω των κλιματικών συνθηκών της χώρας - τον κορεσμένο με ατμό αέρα της, μαλακώνοντας τα περιγράμματα του αντικείμενα, που παράγουν μια διαβάθμιση τόνων σε διαφορετικά σχέδια και καλύπτουν την απόσταση με μια ομίχλη αργυρής ή χρυσής ομίχλης, καθώς και τη μεταβλητότητα της εμφάνισης των περιοχών που καθορίζονται από την εποχή του χρόνου, την ώρα της ημέρας και τις καιρικές συνθήκες. Από τους τοπιογράφους της περιόδου της ανθοφορίας, οι Ολλανδοί. σχολεία που ήταν διερμηνείς της εγχώριας φύσης τους είναι ιδιαίτερα σεβαστά: Jan V. Goyen (1595-1656), ο οποίος μαζί με τον Esaias van de Velde (περ. 1590-1630) και τον Pieter Moleyn the Elder. (1595-1661), που θεωρείται ο ιδρυτής του Γκολ. τοπίο; τότε αυτός ο μαθητής του μεταπτυχιακού, ο Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (περ. 1600 - αργότερα 1679), λάτρης των εφέ του καλύτερου φωτισμού Τέχνη. d Nair (1603-77), ποιητικό Jacob v. Ruisdael (1628 ή 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) και Cornelis Dekker († 1678). Μεταξύ των Ολλανδών υπήρχαν και πολλοί τοπιογράφοι που ξεκίνησαν ταξίδια και αναπαρήγαγαν μοτίβα ξένης φύσης, κάτι που όμως δεν τους εμπόδισε να διατηρήσουν έναν εθνικό χαρακτήρα στη ζωγραφική τους. Albert V. Ο Έβερντινγκεν (1621-75) απεικόνισε απόψεις της Νορβηγίας. Jan Both (1610-52), Dirk v. Μπέργκεν († αργότερα 1690) και Γιαν Λίνγκελμπαχ (1623-74) - Ιταλία; Ian V. δ. Δήμαρχος ο νεότερος (1656-1705), Χέρμαν Σάφτλεβεν (1610-85) και Γιαν Γκρίφιρ (1656-1720) - Ρέινα. Jan Hackart (1629-99;) - Γερμανία και Ελβετία. Ο Cornelis Pulenenburg (1586-1667) και μια ομάδα οπαδών του ζωγράφισαν τοπία εμπνευσμένα από την ιταλική φύση, με ερείπια αρχαίων κτιρίων, νύμφες που κολυμπούν και σκηνές μιας φανταστικής Αρκαδίας. Σε μια ειδική κατηγορία μπορούμε να ξεχωρίσουμε μάστορες που στους πίνακές τους συνδύασαν τοπία με εικόνες ζώων, δίνοντας προτίμηση είτε στο πρώτο είτε στο δεύτερο ή αντιμετωπίζοντας και τα δύο μέρη με την ίδια προσοχή. Ο πιο διάσημος από αυτούς τους ζωγράφους του αγροτικού ειδυλλίου είναι ο Paulus Potter (1625-54). Εκτός από αυτόν, εδώ θα πρέπει να συμπεριληφθεί και ο Άντριαν. d Velde (1635 ή 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) και πολυάριθμοι καλλιτέχνες που στράφηκαν για θέματα κατά προτίμηση ή αποκλειστικά στην Ιταλία, όπως: Willem Romain († αργότερα 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616;-77) Frederic de Moucheron (1633 ή 1634 -86) κ.λπ. Στενά συνδεδεμένη με τη ζωγραφική τοπίου είναι η ζωγραφική των αρχιτεκτονικών απόψεων, την οποία οι Ολλανδοί καλλιτέχνες άρχισαν να ασχολούνται ως ανεξάρτητος κλάδος τέχνης μόλις στα μισά του 17ου αιώνα. Μερικοί από εκείνους που από τότε εργάστηκαν σε αυτόν τον τομέα ήταν περίπλοκοι στην απεικόνιση των δρόμων και των πλατειών της πόλης με τα κτίριά τους. αυτοί είναι, μεταξύ άλλων, λιγότερο σημαντικοί, οι Johannes Bärestraten (1622-66), Job and Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d Heyden (1647-1712) και Jacob v. χωριό Γιούλφτ (1627-88). Άλλοι, μεταξύ των οποίων οι πιο εξέχοντες είναι οι Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Ο Delen (1605-71), ο Emmanuel de Witte (1616 ή 1617-92), ζωγράφισαν εσωτερικές όψεις εκκλησιών και παλατιών. Η θάλασσα ήταν τόσο σημαντική στη ζωή της Ολλανδίας που η τέχνη της δεν μπορούσε να την αντιμετωπίσει παρά μόνο με τη μεγαλύτερη προσοχή. Πολλοί από τους καλλιτέχνες του που ασχολήθηκαν με τοπία, είδη, ακόμη και πορτρέτα, ξεφεύγοντας για λίγο από τα συνηθισμένα τους θέματα, έγιναν ναυτικοί ζωγράφοι και αν αποφασίσαμε να απαριθμήσουμε όλους τους Ολλανδούς ζωγράφους. σχολεία που απεικονίζουν μια ήρεμη ή μανιασμένη θάλασσα, πλοία που λικνίζονται πάνω της, λιμάνια γεμάτα με πλοία, ναυμαχίες κ.λπ., τότε θα είχαμε έναν πολύ μακρύ κατάλογο που θα περιλάμβανε τα ονόματα του Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdal, A. Cuyp και άλλοι που έχουν ήδη αναφερθεί στις προηγούμενες γραμμές. Περιοριζόμενοι στο να επισημάνουμε εκείνους για τους οποίους η ζωγραφική θαλάσσιων ειδών ήταν ειδικότητα, πρέπει να ονομάσουμε τον Willem v. de Velde the Elder (1611 ή 1612-93), ο διάσημος γιος του V. v. de Velde ο νεότερος (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) και Julius Parcellis († αργότερα 1634). Τέλος, η ρεαλιστική κατεύθυνση της ολλανδικής σχολής ήταν ο λόγος που διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε αυτήν ένα είδος ζωγραφικής, που σε άλλα σχολεία μέχρι τότε δεν είχε καλλιεργηθεί ως ιδιαίτερος, ανεξάρτητος κλάδος, δηλαδή ζωγραφική λουλουδιών, φρούτων, λαχανικών, ζωντανά πλάσματα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη κ.λπ. - με μια λέξη, αυτό που σήμερα αποκαλείται συνήθως «νεκρή φύση» (nature morte, Stilleben). Στην περιοχή αυτή μεταξύ των Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες της ακμής ήταν ο Jan-Davids de Gem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Abraham Mignon (1640-79), ο Melchior de Gondecoeter (1636-95), η Maria Osterwijk (1630). -93) , Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - αργότερα 1678), Willem Kalf (1621 ή 1622-93) και Jan Waenix (1640-1719).
Η λαμπρή περίοδος της ολλανδικής ζωγραφικής δεν κράτησε πολύ - μόνο έναν αιώνα. Από τις αρχές του 18ου αιώνα. Η παρακμή του έρχεται, όχι επειδή οι ακτές του Zuiderzee παύουν να παράγουν έμφυτα ταλέντα, αλλά επειδή Στην κοινωνία, η εθνική αυτοσυνειδησία εξασθενεί ολοένα και περισσότερο, το εθνικό πνεύμα εξατμίζεται και τα γαλλικά γούστα και απόψεις της πομπώδους εποχής του Λουδοβίκου 14ου κυριαρχούν. Στην τέχνη, αυτή η πολιτιστική στροφή εκφράζεται με τη λήθη εκ μέρους των καλλιτεχνών εκείνων των βασικών αρχών από τις οποίες εξαρτιόταν η πρωτοτυπία των ζωγράφων των προηγούμενων γενεών και η έφεση στις αισθητικές αρχές που προέρχονται από μια γειτονική χώρα. Αντί για άμεση σχέση με τη φύση, η αγάπη για αυτό που είναι εγγενές και η ειλικρίνεια, η κυριαρχία των προκατασκευασμένων θεωριών, η σύμβαση και η μίμηση των Poussin, Lebrun, Cl. Λορέν και άλλοι διαφωτιστές της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διαπραγματευτής αυτής της θλιβερής τάσης ήταν ο Φλαμανδός Gerard de Leresse (1641-1711), που εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ, ένας ικανότατος καλλιτέχνης και μορφωμένος στην εποχή του, που άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στους άμεσους απογόνους του, τόσο με το ψεύτικό του ήθος. -ιστορικοί πίνακες και έργα της δικής του πένας, μεταξύ των οποίων ένα - «Το μεγάλο βιβλίο του ζωγράφου» («t groot schilderboec») - λειτούργησε ως κώδικας για τους νέους καλλιτέχνες για πενήντα χρόνια στην παρακμή της σχολής από τον διάσημο Adrian V. de Werff (1659-1722), του οποίου η κομψή ζωγραφική με κρύες, σαν κομμένες φιγούρες από ελεφαντόδοντο, με ένα θαμπό, ανίσχυρο χρωματισμό, φαινόταν κάποτε το ύψος της τελειότητας μεταξύ των οπαδών αυτού του καλλιτέχνη, ο Henrik V Ο Limborg (1680-1758) και ο Philip V.-Dyck (1669-1729), με το παρατσούκλι "Little V.", ήταν διάσημοι ως ιστορικοί ζωγράφοι -Dyck , αλλά μολυσμένο από το πνεύμα της εποχής, πρέπει να σημειωθεί Willem and France v. Miris the Younger (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) και Carel de Maur (1656-173). Λίγη λάμψη έδωσε στο ετοιμοθάνατο σχολείο ο Cornelis Troost (1697-1750), κυρίως σκιτσογράφος, με το παρατσούκλι Dutch. Ο Γκόγκαρθ, ο πορτραίτης Jan Quincgard (1688-1772), ο διακοσμητικός και ιστορικός ζωγράφος Jacob de Wit (1695-1754) και οι ζωγράφοι της νεκρής φύσης Jan V. Geysum (1682-1749) και Rachel Reisch (1664-1750).
Η ξένη επιρροή επιβάρυνε την ολλανδική ζωγραφική μέχρι τη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα, έχοντας καταφέρει να αντικατοπτρίσει σε αυτήν λίγο πολύ τις αλλαγές που επέφερε η τέχνη στη Γαλλία, ξεκινώντας από την κατασκευή περουκών της εποχής του Βασιλιά Ήλιου και τελειώνοντας με τον ψευδοκλασικισμό του Δαβίδ. Όταν το ύφος των τελευταίων απαρχαιώθηκε και παντού στη Δυτική Ευρώπη, αντί της γοητείας με τους αρχαίους Έλληνες και Ρωμαίους, γεννήθηκε μια ρομαντική επιθυμία, κατακτώντας τόσο την ποίηση όσο και τις παραστατικές τέχνες, οι Ολλανδοί, όπως και άλλοι λαοί, έστρεψαν το βλέμμα τους στο την αρχαιότητα τους, άρα και την ένδοξη περασμένη ζωγραφική τους. Η επιθυμία να του δώσει ξανά τη λάμψη με την οποία έλαμψε τον 17ο αιώνα άρχισε να εμπνέει τους νεότερους καλλιτέχνες και τους επέστρεψε στις αρχές των αρχαίων εθνικών δασκάλων - σε μια αυστηρή παρατήρηση της φύσης και μια έξυπνη, ειλικρινή στάση απέναντι στα καθήκοντα του χέρι. Ταυτόχρονα, δεν προσπάθησαν να εξαλειφθούν εντελώς από την ξένη επιρροή, αλλά όταν πήγαν για σπουδές στο Παρίσι ή στο Ντίσελντορφ και σε άλλα καλλιτεχνικά κέντρα στη Γερμανία, έμαθαν μόνο μια γνωριμία με τις επιτυχίες της σύγχρονης τεχνολογίας. Χάρη σε όλα αυτά, το αναβιωμένο ολλανδικό σχολείο έλαβε και πάλι μια πρωτότυπη, ελκυστική φυσιογνωμία και κινείται σήμερα στο μονοπάτι που οδηγεί σε περαιτέρω πρόοδο. Μπορεί εύκολα να αντιπαραβάλει πολλές από τις νεότερες φιγούρες της με τους καλύτερους ζωγράφους του 19ου αιώνα σε άλλες χώρες. Η ιστορική ζωγραφική με τη στενή έννοια της λέξης καλλιεργείται σε αυτήν, όπως παλιά, πολύ μέτρια και δεν έχει εξαιρετικούς εκπροσώπους. Αλλά όσον αφορά το ιστορικό είδος, ο Holland μπορεί να υπερηφανεύεται για αρκετούς σημαντικούς πρόσφατους δασκάλους, όπως: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (γεν. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (γεν. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) και τον εξαιρετικά ταλαντούχο Lawrence Alma-Tadema (γεν. 1836), που εγκατέλειψε στην Αγγλία. Όσον αφορά το καθημερινό είδος, που περιλαμβανόταν επίσης στον κύκλο δραστηριότητας αυτών των καλλιτεχνών (με εξαίρεση τον Alma-Tadema), μπορεί κανείς να επισημάνει έναν αριθμό εξαιρετικών ζωγράφων, με επικεφαλής τον Joseph Israels (γενν. 1824) και τον Christoffel. Bisschop (γ. 1828); Εκτός από αυτούς, οι Michiel Verseg (1756-1843), ο Elhanon Vervaer (γ. 1826), η Teresa Schwarze (γ. 1852) και ο Valli Mus (γ. 1857) είναι άξιοι να ονομαστούν. Ο νεότερος στόχος είναι ιδιαίτερα πλούσιος. ζωγραφική από τοπιογράφους που εργάστηκαν και εργάζονται με διάφορους τρόπους, άλλοτε με προσεκτική ολοκλήρωση, άλλοτε με την ευρεία τεχνική των ιμπρεσιονιστών, αλλά πιστούς και ποιητικούς ερμηνευτές της ιθαγενούς φύσης τους. Σε αυτούς περιλαμβάνονται οι Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (γ. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (γ. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (γ. 1837), Lodewijk Apol (γ. 1850) και πολλοί άλλοι. κλπ. Άμεσοι κληρονόμοι του Ya. Εμφανίστηκαν οι D. Heyden και E. de Witte ζωγράφοι υποσχόμενων απόψεων, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), κ.λπ. Από τους νεότερους ναυτικούς ζωγράφους της Ολλανδίας, οι Η παλάμη ανήκει στο Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (γ. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) και Henrik Mesdag (γ. 1831). Τέλος, ο Wouters Verschoor (1812-74) και ο Johann Gas (γεν. 1832) επέδειξαν μεγάλη δεξιοτεχνία στη ζωγραφική των ζώων.
Νυμφεύομαι. Van Eyden u. van der Willigen, «Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw» (4 τόμοι, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2ος και 3ος τόμος, 1882-1883); Waagen, «Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen» (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876)· A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890)· P. P. Semenov, "Studies on the history of Dutch painting based on its δείγματα που βρίσκονται στην Αγία Πετρούπολη." (ειδικό παράρτημα στο περιοδικό "Vestn. Fine Arts", 1885-90).
Σχεδόν διακόσια χρόνια αργότερα, το 1820, στο κτίριο αυτό βρισκόταν το Βασιλικό Παλάτι. γκαλερί τέχνης- μία από τις καλύτερες συλλογές ολλανδικής ζωγραφικής του 15ου-17ου αιώνα στον κόσμο.
XVII αιώνα ονομάζεται «χρυσή εποχή» της ολλανδικής ζωγραφικής (δεν πρέπει να συγχέεται με τη φλαμανδική «χρυσή εποχή», η οποία αναφέρεται στο έργο των καλλιτεχνών της Φλάνδρας τον 15ο αιώνα - των λεγόμενων «Φλαμανδών πρωτογονιστών»).
Όλα τα είδη αυτής της εποχής της ολλανδικής καλλιτεχνικής τέχνης εκπροσωπούνται πλήρως και ποικιλοτρόπως στη γκαλερί: υπέροχα παραδείγματα πορτρέτων, τοπίων, νεκρών φύσεων, ιστορικών ζωγραφικών έργων και τέλος, η κύρια ανακάλυψη των Ολλανδών δασκάλων - σκηνές είδους ή σκηνές καθημερινής ζωής .
Φαίνεται ότι δεν υπάρχει ούτε ένας σημαντικός καλλιτέχνης από την Ολλανδία του οποίου το έργο να μην εκπροσωπείται στο Μουσείο της Χάγης. Εδώ είναι οι πορτραίτες Anton van Dyck και Jacob van Kampen, και οι δάσκαλοι της νεκρής φύσης Willem van Elst και Balthasar van der Ast, διάσημοι τοπιογράφοι: Hendrik Averkamp με το διάσημο «Winter Landscape», Jan van Goyen και Salomon van Ruisdel και, φυσικά , λαμπρές μάστερ σκηνή του είδους Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou και άλλοι.
Ανάμεσα στα πολλά διάσημα ονόματα, ξεχωρίζουν τέσσερα από τα πιο σημαντικά για την ολλανδική τέχνη. Πρόκειται για τον Jan Steen, τον Frans Hals και δύο από τις μεγαλύτερες Ολλανδές ιδιοφυΐες, τον Rembrandt van Rijn και τον Johannes Vermeer.
Σε εκείνη την εποχή, ο Ολλανδός καλλιτέχνης αφιέρωνε συχνά την τέχνη του σε οποιοδήποτε αγαπημένο είδος. Τέτοιοι είναι ο Στεν και ο Χαλς. Σε όλη τους τη ζωή αυτοί οι καλλιτέχνες δούλεψαν ο καθένας στον τομέα του: ο Sten ανέπτυξε τη σκηνή του είδους, ο Hals πέτυχε την υψηλότερη δεξιοτεχνία στο πορτραίτο.
Σήμερα το έργο αυτών των δασκάλων θεωρείται κλασικό στο είδος του. Στο μουσείο μπορείτε να δείτε το «The Laughing Boy» του Frans Hals και το «The Old Man Sings - The Young People Sing Along» του Jan Steen.
Ούτε ο Ρέμπραντ ούτε ο Βερμέερ συνέδεσαν τη δουλειά τους με κάποιο είδος. Και οι δύο, αν και με διαφορετική ένταση, δούλεψαν σε διάφορους τομείς, από το πορτραίτο μέχρι το τοπίο, και παντού έφτασαν σε δυσβάσταχτα ύψη, βγάζοντας αποφασιστικά την ολλανδική ζωγραφική από το στενό πλαίσιο του είδους.
Ο Ρέμπραντ εκπροσωπείται γενναιόδωρα στα μουσεία της πατρίδας του. Η ποικιλομορφία της κληρονομιάς του αντικατοπτρίζεται και στην έκθεση της Χάγης. Το μουσείο εκθέτει τρεις πίνακες του καλλιτέχνη: «Ο Συμεών που υμνεί τον Χριστό», «Το μάθημα της ανατομίας του γιατρού Τούλπα» και μια από τις τελευταίες αυτοπροσωπογραφίες του μεγάλου δασκάλου.
Ο Βερμέερ, αντίθετα, άφησε εξαιρετικά λίγους πίνακες. Ο αριθμός των μουσείων που κατέχουν έναν ή δύο πίνακες αυτού του αινιγματικού ζωγράφου μπορεί να μετρηθεί στο ένα χέρι.
Μόνο έξι από τα αριστουργήματά του παραμένουν στην πατρίδα του καλλιτέχνη. Τέσσερα από αυτά -η μεγαλύτερη συλλογή Vermeer στον κόσμο- φυλάσσονται στο Riksmuseum στο Άμστερνταμ. Η Χάγη είναι δικαίως περήφανη για τα άλλα δύο. Αυτή είναι η περίφημη "Προβολή του Ντελφτ" - η γενέτειρα του Βερμέερ και, ίσως, ο πιο διάσημος πίνακας του, που έγινε η "επισκεπτήριο" του μουσείου - "Κορίτσι με Πέρλα Θείο".
Η συλλογή έργων ζωγραφικής από την Ολλανδία του 17ου αιώνα είναι ο κύριος πλούτος του μουσείου. Ωστόσο, η έκθεση δεν περιορίζεται σε αυτήν: η γκαλερί της Χάγης είναι περήφανη για τις δημιουργίες καλλιτεχνών μιας άλλης «χρυσής εποχής» - της Φλαμανδικής. Φιλοξενεί έργα δασκάλων του 15ου αιώνα: «Θρήνος του Χριστού» του Rogier van der Weyden και «Portrait of a Man» του Hans Memling.
Η συλλογή Moritzhaus συμπληρώνεται από την Prince Willem V Art Gallery Αυτό είναι χρονολογικά το πρώτο μουσείο τέχνης στην Ολλανδία. Η έκθεσή του, που κάποτε συλλέχτηκε από τον ίδιο τον πρίγκιπα και αντικατοπτρίζει το γούστο του, είναι αφιερωμένη στη ζωγραφική του 18ου αιώνα.
Το Moritzhaus είναι ανοιχτό από Τρίτη έως Σάββατο από τις 10 π.μ. έως τις 5 μ.μ. Τις Κυριακές και τα Σαββατοκύριακα - από τις 11 έως τις 17 ώρες. Κλειστά τη Δευτέρα. Τιμή εισιτηρίου 12,50 NLG. Παιδιά από 7 έως 18 ετών - 6,50 NLG.
Η Willem V Gallery είναι ανοιχτή καθημερινά από τις 11 το πρωί έως τις 4 το απόγευμα. Κλειστά τη Δευτέρα. Η τιμή του εισιτηρίου είναι 2,50 NLG. Παιδιά από 7 έως 18 ετών - 1,50 NLG. Η είσοδος στη Γκαλερί Willem V είναι δωρεάν με την επίδειξη εισιτηρίου Moritzhaus.
Όλοι γνωρίζουμε ότι μοναδικά έργα τέχνης έχουν δημιουργηθεί στην Ολλανδία κατά τη διάρκεια των αιώνων. Τι συμβαίνει όμως στη σκηνή της σύγχρονης τέχνης σήμερα; Ποιος νέος καλλιτέχνης μπορεί να πάρει τη θέση του στην ιστορία; Το Άμστερνταμ, όπως και πολλές άλλες μεγάλες ολλανδικές πόλεις, έχει πολλές ενδιαφέρουσες γκαλερί που φιλοξενούν μεγάλες εκθέσεις ταλαντούχων δημιουργικών καλλιτεχνών από όλη τη χώρα. Δεδομένου ότι οι σύγχρονοι Ολλανδοί καλλιτέχνες, διάσημοι τόσο στο εσωτερικό όσο και στο εξωτερικό, μεγάλο ποσό, τα έργα τους βρίσκονται τόσο σε μεγάλα μουσεία του επιπέδου Stedelijk όσο και σε μικρές γκαλερί KochxBos Gallery ή Nederlands Fotomuseum.
Παρακάτω είναι πέντε ανερχόμενοι Ολλανδοί καλλιτέχνες που έχουν προσελκύσει την παγκόσμια προσοχή και αναμφίβολα θα συνεισφέρουν στην ολλανδική ιστορία της τέχνης.
Daan Roosegaard
«Ο στόχος της δουλειάς μου είναι να κάνω τους ανθρώπους να σκέφτονται για το μέλλον», λέει ο Roosegaard. Αυτός ο καλλιτέχνης και καινοτόμος είναι ο νικητής πολλών βραβείων. Έγινε γνωστός στον κόσμο της σύγχρονης τέχνης με την εγκατάστασή του το 2006 Dune. Διαδραστικές φωτεινές πινακίδες που έχουν τοποθετηθεί κατά μήκος του ποταμού Μάας στο Ρότερνταμ άνοιξαν την πόρτα για έναν καλλιτέχνη που έχει εμμονή με την τεχνολογία, το σχέδιο και την αρχιτεκτονική. Στα έργα του, ο Roosegaard δημιουργεί έναν φουτουριστικό κόσμο στον οποίο άνθρωποι και τεχνολογία αλληλεπιδρούν αρμονικά μεταξύ τους. Από τον Φεβρουάριο έως τις 5 Μαΐου, το «Lotus Dome» θα εκτίθεται στην αίθουσα Beuning του Rijksmuseum. Αυτός ο θόλος των δύο μέτρων αντιδρά στην προσέγγιση των ανθρώπων: εκατοντάδες λουλούδια αλουμινίου ανθίζουν, νιώθοντας τη ζεστασιά των επισκεπτών.
Levi van Veluw
Οι παραδοσιακοί τρόποι δημιουργίας έργων τέχνης για τον van Veluwu, έναν καλλιτέχνη από το Heuwelaken, σαφώς δεν επαρκούν. Το χαρτοφυλάκιό του περιλαμβάνει φωτογραφίες, γλυπτά, σχέδια και εγκαταστάσεις, και η χρήση του εαυτού του ως υλικού είναι το χαρακτηριστικό της δουλειάς του. Δεν είναι τυχαίο ότι η πρώτη του έκθεση στην γκαλερί Ron Mandos στο Άμστερνταμ περιλάμβανε μια σειρά από έξι φωτογραφίες που απεικόνιζαν όμορφα λεπτομερή σχέδια με στυλό. Αντί για καμβά, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε στο πρόσωπό του. Η σύνδεση μεταξύ σώματος και επιφάνειας ανακαλύφθηκε από μεταπολεμικούς καλλιτέχνες, οι οποίοι ανέπτυξαν την τέχνη της περφόρμανς σε επίπεδο που δεν είχε ξαναδεί. Αλλά η χρήση καθημερινών αντικειμένων όπως ένα στυλό για τη δημιουργία ενός έργου τέχνης έπαιξε σημαντικό ρόλο στην επιτυχία του van Veluwe. Αναπτύσσοντας την ιδέα με το δικό του προσωπικό στυλ, ο Levi van Veluw μπόρεσε να εκθέσει τη δουλειά του στα καλύτερα μουσεία του κόσμου και να φέρει τη σύγχρονη ολλανδική τέχνη στη διεθνή σκηνή.
Τόνι Βαν Τιλ
Ο Τόνι Βαν Τιλ έλαβε ανώτερη εκπαίδευσηειδικότητα στις Καλές Τέχνες στο St. Just - εκπαιδευτικό ίδρυμα, που βρίσκεται στη μικρή νότια πόλη Breda, το 2007. Μετά την αποφοίτησή του, ο νεαρός καλλιτέχνης ασχολείται με ενδιαφέροντα έργα. Ένα από αυτά είναι τα «Τwitter Sculptures». Από το 2012 διατηρεί λογαριασμό στο Twitter όπου περιγράφει ιδέες για γλυπτά με 140 χαρακτήρες. Για παράδειγμα, μια από τις ιδέες είναι «ένα πορτρέτο μιας καλλονής με μπότοξ, μεγεθυσμένο σε μέγεθος τοίχου 4 ορόφων», άλλες είναι πιο αφηρημένες: η δημιουργία «σκιών με αυξανόμενο πόνο» μεταξύ των άλλων έργων του καλλιτέχνη σειρά σχεδίων που περιέχουν περισσότερες ιδέες για γλυπτά. Είναι το tweet μια δημιουργική διαδικασία; Για τον Van Til, η απάντηση είναι ναι.
Anouk Kruythof
Αυτός ο καλλιτέχνης με έδρα το Ντόρντρεχτ χρησιμοποιεί φωτογραφίες ως υλικό πηγής για να δημιουργήσει γλυπτά, εγκαταστάσεις, βιβλία και φυλλάδια για διανομή. Μερικές φορές δημιουργεί ανώνυμα αντικείμενα (όπως κάρτες και αφίσες) που οι επισκέπτες μπορούν να πάρουν σπίτι. Το Μουσείο Stedelijk φιλοξενεί αυτήν την περίοδο έκθεση της ίδιας και της συναδέλφου της Ολλανδής καλλιτέχνιδας Pauline Olseten. Η εγκατάσταση στο ισόγειο παρουσιάζει την ερμηνεία τους στη φωτογραφία δρόμου. Χαρακτηριστικό στοιχείο των έργων είναι ο τονισμένος θαυμασμός για ανθρώπους και αγνώστους. Μια άλλη πτυχή της ζωής που τραβάει την προσοχή της είναι το χρώμα. Σύμφωνα με την καλλιτέχνιδα, «δημιουργεί τάξη στο χάος» χρησιμοποιώντας τη μέθοδο της χρωματικής διαβάθμισης.
Χάρμα Χάικενς
Είναι δύσκολο να μην αναφέρουμε τη Harma Heikes όταν μιλάμε για τη σύγχρονη ολλανδική τέχνη. Οι πρώτες της εκθέσεις χρονολογούνται στις αρχές της δεκαετίας του 1990. Τα γλυπτά σε φυσικό μέγεθος συνδυάζουν στυλ manga και σύγχρονη τέχνη του δρόμου. Το έργο της Χάρμα Χάικενς δεν είναι εύκολο να γίνει αντιληπτό, ειδικά στην αρχή. Πολλοί μάλιστα τους αποκαλούσαν «ιδιόρρυθμο κιτς». Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι ο καλλιτέχνης επέλεξε ένα πολύ οδυνηρό θέμα: την εκμετάλλευση των παιδιών σε μια καταναλωτική κοινωνία όπου οι αξίες διαστρεβλώνονται. Τα γλυπτά της απεικονίζουν τον διαταραγμένο κόσμο των φτωχών και εκμεταλλευόμενων παιδιών, λειτουργώντας ως αφύπνιση στον θεατή για να αντιμετωπίσει βαθιά ριζωμένα κοινωνικά προβλήματα.
Ολλανδία. 17ος αιώνας Η χώρα γνωρίζει πρωτοφανή ευημερία. Η λεγόμενη «Χρυσή Εποχή». Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν την ανεξαρτησία τους από την Ισπανία.
Τώρα οι προτεσταντικές Κάτω Χώρες έχουν ακολουθήσει τον δικό τους δρόμο. Και η καθολική Φλάνδρα (σημερινό Βέλγιο) υπό την πτέρυγα της Ισπανίας είναι δική της.
Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, σχεδόν κανείς δεν χρειαζόταν θρησκευτική ζωγραφική. Η Προτεσταντική Εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτελή διακόσμηση. Αλλά αυτή η περίσταση «έπαιξε στα χέρια» της κοσμικής ζωγραφικής.
Κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας ξύπνησε μια αγάπη για αυτό το είδος τέχνης. Οι Ολλανδοί ήθελαν να δουν τη δική τους ζωή στους πίνακες. Και οι καλλιτέχνες πρόθυμα τους συνάντησαν στα μισά του δρόμου.
Ποτέ πριν δεν είχε απεικονιστεί τόσο πολύ η περιρρέουσα πραγματικότητα. Απλοί άνθρωποι, συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό ενός κατοίκου της πόλης.
Ο ρεαλισμός άνθισε. Μέχρι τον 20ο αιώνα θα είναι άξιος ανταγωνιστής του ακαδημαϊσμού με τις νύμφες και Ελληνίδες θεές.
Αυτοί οι καλλιτέχνες ονομάζονται «μικροί» Ολλανδοί. Γιατί; Οι πίνακες ήταν μικροί σε μέγεθος, γιατί δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλοι οι πίνακες του Jan Vermeer δεν έχουν ύψος μεγαλύτερο από μισό μέτρο.
Αλλά η άλλη εκδοχή μου αρέσει περισσότερο. Έζησε και εργάστηκε στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα Μεγάλος κύριος, ο «μεγάλος» Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι ήταν «μικροί» σε σύγκριση με αυτόν.
Μιλάμε φυσικά για τον Ρέμπραντ. Ας ξεκινήσουμε με αυτόν.
1. Ρέμπραντ (1606-1669)
Ρέμπραντ. Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών. 1669 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο Ο Ρέμπραντ βίωσε ένα ευρύ φάσμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο υπάρχει τόσο πολύ κέφι και θάρρος στην πρώιμη δουλειά του. Και υπάρχουν τόσα σύνθετα συναισθήματα - στα μεταγενέστερα.
Εδώ είναι νέος και ανέμελος στον πίνακα «Ο Άσωτος Υιός στην Ταβέρνα». Στα γόνατα είναι η αγαπημένη του σύζυγος Saskia. Είναι δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες πέφτουν βροχή.
Ρέμπραντ. Ο Άσωτος Υιός σε Ταβέρνα. 1635 Old Masters Gallery, Δρέσδη Όλα αυτά όμως θα εξαφανιστούν σε περίπου 10 χρόνια. Η Saskia θα πεθάνει από την κατανάλωση. Η δημοτικότητα θα εξαφανιστεί σαν καπνός. Ένα μεγάλο σπίτι με μοναδική συλλογή θα αφαιρεθεί για χρέη.
Θα εμφανιστεί όμως ο ίδιος Ρέμπραντ που θα μείνει για αιώνες. Τα γυμνά συναισθήματα των ηρώων. Οι βαθύτερες σκέψεις τους.
2. Φρανς Χαλς (1583-1666)
Φρανς Χαλς. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη Ο Φρανς Χαλς είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα τον κατατάξω επίσης ως «μεγάλο» Ολλανδό.
Στην Ολλανδία εκείνη την εποχή ήταν συνηθισμένο να παραγγέλνουν ομαδικά πορτρέτα. Έτσι εμφανίστηκαν πολλά παρόμοια έργα που απεικονίζουν ανθρώπους να συνεργάζονται: σκοπευτές μιας συντεχνίας, γιατροί μιας πόλης, διευθυντές οίκου ευγηρίας.
Σε αυτό το είδος, ο Χαλς ξεχωρίζει περισσότερο. Εξάλλου, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα έμοιαζαν με μια τράπουλα. Οι άνθρωποι κάθονται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλώς παρακολουθούν. Ήταν διαφορετικά για τον Χαλς.
Δείτε το ομαδικό του πορτρέτο «Arrows of the Guild of St. Γεώργιος."
Φρανς Χαλς. Βέλη της Συντεχνίας του Αγ. Γεώργιος. 1627 Μουσείο Φρανς Χαλς, Χάρλεμ, Ολλανδία Εδώ δεν θα βρείτε ούτε μία επανάληψη σε πόζα ή έκφραση προσώπου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται περιττός. Χάρη στην εκπληκτικά σωστή διάταξη των μορφών.
Και ακόμη και σε ένα μόνο πορτρέτο, ο Χαλς ήταν ανώτερος από πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοτίβα του είναι φυσικά. Άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία στους πίνακές του στερούνται επινοημένης μεγαλοπρέπειας και τα μοντέλα από τα κατώτερα στρώματα δεν φαίνονται ταπεινωμένα.
Και οι χαρακτήρες του είναι επίσης πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν και χειρονομούν. Όπως, για παράδειγμα, αυτός ο «Τσιγγάνος» με πονηρό βλέμμα.
Φρανς Χαλς. Αθίγγανος. 1625-1630 Ο Χαλς, όπως και ο Ρέμπραντ, τελείωσε τη ζωή του στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήταν αντίθετος με τα γούστα των πελατών του. Που ήθελαν να στολιστεί η εμφάνισή τους. Ο Χαλς δεν δέχτηκε την καθαρή κολακεία και έτσι υπέγραψε τη δική του πρόταση - "Λήθη".
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Βασιλική Πινακοθήκη Mauritshuis, Χάγη, Ολλανδία Ο Terborkh ήταν κύριος του καθημερινού είδους. Πλούσιοι και όχι και τόσο πλούσιοι μπιφτέκι μιλούν χαλαρά, κυρίες διαβάζουν γράμματα και ένας προξενητής παρακολουθεί την ερωτοτροπία. Δύο ή τρεις φιγούρες σε κοντινή απόσταση.
Ήταν αυτός ο δάσκαλος που ανέπτυξε τους κανόνες του καθημερινού είδους. Το οποίο αργότερα θα δανείστηκαν οι Jan Vermeer, Pieter de Hooch και πολλοί άλλοι «μικροί» Ολλανδοί.
Gerard Terborch. Ένα ποτήρι λεμονάδα. δεκαετία του 1660. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη Το «A Glass of Lemonade» είναι ένα από τα διάσημα έργα του Terborch. Δείχνει ένα άλλο πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτα ρεαλιστική εικόνα του υφάσματος φορέματος.
Ο Terborch έχει επίσης ασυνήθιστα έργα. Κάτι που λέει πολλά για την επιθυμία του να υπερβεί τις απαιτήσεις των πελατών.
Το «The Grinder» του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων ανθρώπων στην Ολλανδία. Έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε άνετες αυλές και καθαρά δωμάτια στους πίνακες των «μικρών» Ολλανδών. Αλλά ο Terborch τόλμησε να δείξει την αντιαισθητική Holland.
Gerard Terborch. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κρατικά Μουσεία του Βερολίνου Όπως καταλαβαίνετε, μια τέτοια δουλειά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και μεταξύ του Terborch.
4. Γιαν Βερμέερ (1632-1675)
Γιαν Βερμέερ. Εργαστήρι καλλιτέχνη. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα πώς έμοιαζε ο Jan Vermeer. Είναι προφανές μόνο ότι στον πίνακα "The Artist's Workshop" απεικόνισε τον εαυτό του. Η αλήθεια από πίσω.
Είναι λοιπόν περίεργο που έγινε πρόσφατα γνωστό νέο γεγονόςαπό τη ζωή ενός πλοιάρχου. Συνδέεται με το αριστούργημα του «Delft Street».
Γιαν Βερμέερ. Οδός Ντελφτ. 1657 Rijksmuseum στο Άμστερνταμ Αποδείχθηκε ότι ο Βερμέερ πέρασε τα παιδικά του χρόνια σε αυτόν τον δρόμο. Το σπίτι που απεικονίζεται ανήκε στη θεία του. Εκεί μεγάλωσε τα πέντε παιδιά της. Ίσως κάθεται στο κατώφλι και ράβει ενώ τα δύο παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ο Βερμέερ έμενε στο απέναντι σπίτι.
Πιο συχνά όμως απεικόνιζε το εσωτερικό αυτών των σπιτιών και τους κατοίκους τους. Φαίνεται ότι οι πλοκές των πινάκων είναι πολύ απλές. Εδώ είναι μια όμορφη κυρία, μια πλούσια κάτοικος της πόλης, που ελέγχει τη λειτουργία της ζυγαριάς της.
Γιαν Βερμέερ. Γυναίκα με κλίμακες. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον Γιατί ο Βερμέερ ξεχώρισε ανάμεσα σε χιλιάδες άλλους «μικρούς» Ολλανδούς;
Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος του φωτός. Στον πίνακα «Γυναίκα με ζυγαριά» το φως τυλίγει απαλά το πρόσωπο, τα υφάσματα και τους τοίχους της ηρωίδας. Δίνοντας στην εικόνα μια άγνωστη πνευματικότητα.
Και οι συνθέσεις των πινάκων του Βερμέερ επαληθεύονται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε ούτε μια περιττή λεπτομέρεια. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η εικόνα θα "καταρρεύσει" και η μαγεία θα φύγει.
Όλα αυτά δεν ήταν εύκολα για τον Βερμέερ. Τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούσε επίπονη δουλειά. Μόνο 2-3 πίνακες το χρόνο. Ως αποτέλεσμα, η αδυναμία σίτισης της οικογένειας. Ο Βερμέερ εργάστηκε επίσης ως έμπορος έργων τέχνης, πουλώντας έργα άλλων καλλιτεχνών.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Pieter de Hooch. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Rijksmuseum, Άμστερνταμ Ο Χοχ συχνά συγκρίνεται με τον Βερμέερ. Δούλευαν ταυτόχρονα, υπήρξε μάλιστα περίοδος στην ίδια πόλη. Και σε ένα είδος - καθημερινό. Στο Hoch βλέπουμε επίσης μία ή δύο φιγούρες σε φιλόξενες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.
Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν τον χώρο των πινάκων του πολυεπίπεδο και διασκεδαστικό. Και οι φιγούρες ταιριάζουν σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του «Υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή».
Pieter de Hooch. Μια υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου
Μέχρι τον 20ο αιώνα, ο Χοχ εκτιμήθηκε ιδιαίτερα. Λίγοι όμως παρατήρησαν τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του Βερμέερ.
Αλλά στον 20ο αιώνα όλα άλλαξαν. Η δόξα του Χοχ έσβησε. Ωστόσο, είναι δύσκολο να μην αναγνωρίσουμε τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική. Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να συνδυάσουν τόσο καλά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.
Pieter de Hooch. Παίκτες καρτών σε ένα ηλιόλουστο δωμάτιο. 1658 Βασιλική Συλλογή Τέχνης, Λονδίνο Λάβετε υπόψη ότι σε ένα λιτό σπίτι στον καμβά "Card Players" υπάρχει ένας πίνακας που κρέμεται σε ένα ακριβό πλαίσιο.
Αυτό δείχνει για άλλη μια φορά πόσο δημοφιλής ήταν η ζωγραφική στους απλούς Ολλανδούς. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν κάθε σπίτι: το σπίτι ενός πλούσιου κτηνοτρόφου, ενός σεμνού κατοίκου της πόλης, ακόμη και ενός αγρότη.
6. Jan Steen (1626-1679)
Γιαν Στεν. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. δεκαετία του 1670 Μουσείο Thyssen-Bornemisza, ΜαδρίτηΟ Jan Steen είναι ίσως ο πιο χαρούμενος «μικρός» Ολλανδός. Αλλά αγαπώντας την ηθική διδασκαλία. Συχνά απεικόνιζε ταβέρνες ή φτωχικά σπίτια στα οποία υπήρχε η κακία.
Οι κύριοι χαρακτήρες του είναι γλεντζέδες και κυρίες της εύκολης αρετής. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποιούσε λανθασμένα για μια φαύλο ζωή.
Γιαν Στεν. Είναι ένα χάος. 1663 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη Ο Sten έχει και πιο αθόρυβα έργα. Όπως, για παράδειγμα, η «Πρωινή τουαλέτα». Αλλά και εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήσσει τον θεατή με πολύ αποκαλυπτικές λεπτομέρειες. Υπάρχουν ίχνη από ελαστικό κάλτσας, και όχι ένα άδειο δοχείο θαλάμου. Και κατά κάποιο τρόπο δεν είναι καθόλου κατάλληλο για τον σκύλο να είναι ξαπλωμένος ακριβώς στο μαξιλάρι.
Γιαν Στεν. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Rijksmuseum, Άμστερνταμ Όμως, παρά την επιπολαιότητα, οι χρωματικοί συνδυασμοί του Sten είναι πολύ επαγγελματικοί. Σε αυτό ήταν ανώτερος από πολλούς «μικρούς Ολλανδούς». Δείτε πόσο τέλεια ταιριάζει η κόκκινη κάλτσα με το μπλε σακάκι και το έντονο μπεζ χαλί.
7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)
Πορτρέτο του Ruisdael. Λιθογραφία από βιβλίο του 19ου αιώνα. Η Χρυσή Εποχή της Ολλανδικής ζωγραφικής είναι μια από τις πιο σημαντικές εποχές στην ιστορία όλης της παγκόσμιας ζωγραφικής. Θεωρείται η Χρυσή Εποχή της Ολλανδικής ζωγραφικής 17ος αιώνας. Ήταν εκείνη την εποχή που οι πιο ταλαντούχοι καλλιτέχνες και ζωγράφοι δημιούργησαν τα αθάνατα έργα τους. Οι πίνακές τους θεωρούνται ακόμη αξεπέραστα αριστουργήματα, που φυλάσσονται σε διάσημα μουσεία σε όλο τον κόσμο και θεωρούνται ανεκτίμητη κληρονομιά της ανθρωπότητας.
Αρχικά 17ος αιώναςΣτην Ολλανδία, μια μάλλον πρωτόγονη τέχνη εξακολουθούσε να ανθίζει, η οποία δικαιολογούνταν από τα εγκόσμια γούστα και τις προτιμήσεις πλουσίων και ισχυρών ανθρώπων. Ως αποτέλεσμα πολιτικών, γεωπολιτικών και θρησκευτικών αλλαγών, η ολλανδική τέχνη άλλαξε δραματικά. Αν πριν από αυτό οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να καλοπιάσουν τους Ολλανδούς μπέργκερ, απεικονίζοντας τη ζωή και τον τρόπο ζωής τους, χωρίς καμία υψηλή και ποιητική γλώσσα, και επίσης δούλευαν για την εκκλησία, η οποία ανέθεσε στους καλλιτέχνες να δουλέψουν σε ένα μάλλον πρωτόγονο είδος με μακροχρόνια θέματα , τότε οι αρχές του 17ου αιώνα ήταν μια πραγματική ανακάλυψη. Στην Ολλανδία βασίλευε η κυριαρχία των Προτεσταντών, οι οποίοι ουσιαστικά σταμάτησαν να παραγγέλνουν πίνακες με θρησκευτικά θέματα από καλλιτέχνες. Η Ολλανδία ανεξαρτητοποιήθηκε από την Ισπανία και επιβλήθηκε στο ιστορικό βάθρο. Οι καλλιτέχνες μετακινήθηκαν από παλαιότερα γνωστά θέματα στην απεικόνιση καθημερινών σκηνών, πορτρέτων, τοπίων, νεκρών φύσεων και ούτω καθεξής. Εδώ, σε ένα νέο πεδίο, οι καλλιτέχνες της χρυσής εποχής έμοιαζαν να έχουν ανοίξει μια νέα πνοή και πραγματικές ιδιοφυΐες τέχνης άρχισαν να εμφανίζονται στον κόσμο.
Ολλανδοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα εισήγαγαν τον ρεαλισμό στη ζωγραφική στη μόδα. Εκπληκτικοί σε σύνθεση, σε ρεαλισμό, σε βάθος και ασυνήθιστη, οι πίνακες άρχισαν να απολαμβάνουν τεράστια επιτυχία. Η ζήτηση για πίνακες αυξήθηκε κατακόρυφα. Ως αποτέλεσμα, άρχισαν να εμφανίζονται όλο και περισσότεροι νέοι καλλιτέχνες, οι οποίοι με εκπληκτικά γρήγορους ρυθμούς ανέπτυξαν τις βασικές αρχές της ζωγραφικής, ανέπτυξαν νέες τεχνικές, στυλ και είδη. Μερικοί από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες της Χρυσής Εποχής ήταν οι: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel the Elder, Esaias van de Velde, Frans Hals, Adrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck και πολλοί άλλοι.
Πίνακες Ολλανδών ζωγράφων
Cornelis de Man - Whale Oil Manufactory
Cornelis Trost - Διασκέδαση στο πάρκο
Ludolf Backhuizen - Ανατολική Ινδία Campaign Dock στο Άμστερνταμ
Pieter Bruegel the Elder - The Alchemist's Catastrofe
Ρέμπραντ - Άντριες ντε Γκρέεφ
Ολλανδία. 17ος αιώνας Η χώρα γνωρίζει πρωτοφανή ευημερία. Η λεγόμενη «Χρυσή Εποχή». Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν την ανεξαρτησία τους από την Ισπανία.
Τώρα οι προτεσταντικές Κάτω Χώρες έχουν ακολουθήσει τον δικό τους δρόμο. Και η καθολική Φλάνδρα (σημερινό Βέλγιο) υπό την πτέρυγα της Ισπανίας είναι δική της.
Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, σχεδόν κανείς δεν χρειαζόταν θρησκευτική ζωγραφική. Η Προτεσταντική Εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτελή διακόσμηση. Αλλά αυτή η περίσταση «έπαιξε στα χέρια» της κοσμικής ζωγραφικής.
Κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας ξύπνησε μια αγάπη για αυτό το είδος τέχνης. Οι Ολλανδοί ήθελαν να δουν τη δική τους ζωή στους πίνακες. Και οι καλλιτέχνες πρόθυμα τους συνάντησαν στα μισά του δρόμου.
Ποτέ πριν δεν είχε απεικονιστεί τόσο πολύ η περιρρέουσα πραγματικότητα. Απλοί άνθρωποι, συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό ενός κατοίκου της πόλης.
Ο ρεαλισμός άνθισε. Μέχρι τον 20ο αιώνα θα είναι άξιος ανταγωνιστής του ακαδημαϊσμού με τις νύμφες και τις Ελληνίδες θεές.
Αυτοί οι καλλιτέχνες ονομάζονται «μικροί» Ολλανδοί. Γιατί; Οι πίνακες ήταν μικροί σε μέγεθος, γιατί δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλοι οι πίνακες του Jan Vermeer δεν έχουν ύψος μεγαλύτερο από μισό μέτρο.
Αλλά η άλλη εκδοχή μου αρέσει περισσότερο. Στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα έζησε και δούλεψε ένας μεγάλος δάσκαλος, ο «μεγάλος» Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι ήταν «μικροί» σε σύγκριση με αυτόν.
Μιλάμε φυσικά για τον Ρέμπραντ. Ας ξεκινήσουμε με αυτόν.
1. Ρέμπραντ (1606-1669)
Ρέμπραντ. Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών. 1669 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο Ο Ρέμπραντ βίωσε ένα ευρύ φάσμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο υπάρχει τόσο πολύ κέφι και θάρρος στην πρώιμη δουλειά του. Και υπάρχουν τόσα σύνθετα συναισθήματα - στα μεταγενέστερα.
Εδώ είναι νέος και ανέμελος στον πίνακα «Ο Άσωτος Υιός στην Ταβέρνα». Στα γόνατα είναι η αγαπημένη του σύζυγος Saskia. Είναι δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες πέφτουν βροχή.
Ρέμπραντ. Ο Άσωτος Υιός σε Ταβέρνα. 1635 Old Masters Gallery, Δρέσδη Όλα αυτά όμως θα εξαφανιστούν σε περίπου 10 χρόνια. Η Saskia θα πεθάνει από την κατανάλωση. Η δημοτικότητα θα εξαφανιστεί σαν καπνός. Ένα μεγάλο σπίτι με μοναδική συλλογή θα αφαιρεθεί για χρέη.
Θα εμφανιστεί όμως ο ίδιος Ρέμπραντ που θα μείνει για αιώνες. Τα γυμνά συναισθήματα των ηρώων. Οι βαθύτερες σκέψεις τους.
2. Φρανς Χαλς (1583-1666)
Φρανς Χαλς. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη Ο Φρανς Χαλς είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα τον κατατάξω επίσης ως «μεγάλο» Ολλανδό.
Στην Ολλανδία εκείνη την εποχή ήταν συνηθισμένο να παραγγέλνουν ομαδικά πορτρέτα. Έτσι εμφανίστηκαν πολλά παρόμοια έργα που απεικονίζουν ανθρώπους να συνεργάζονται: σκοπευτές μιας συντεχνίας, γιατροί μιας πόλης, διευθυντές οίκου ευγηρίας.
Σε αυτό το είδος, ο Χαλς ξεχωρίζει περισσότερο. Εξάλλου, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα έμοιαζαν με μια τράπουλα. Οι άνθρωποι κάθονται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλώς παρακολουθούν. Ήταν διαφορετικά για τον Χαλς.
Δείτε το ομαδικό του πορτρέτο «Arrows of the Guild of St. Γεώργιος."
Φρανς Χαλς. Βέλη της Συντεχνίας του Αγ. Γεώργιος. 1627 Μουσείο Φρανς Χαλς, Χάρλεμ, Ολλανδία Εδώ δεν θα βρείτε ούτε μία επανάληψη σε πόζα ή έκφραση προσώπου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται περιττός. Χάρη στην εκπληκτικά σωστή διάταξη των μορφών.
Και ακόμη και σε ένα μόνο πορτρέτο, ο Χαλς ήταν ανώτερος από πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοτίβα του είναι φυσικά. Άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία στους πίνακές του στερούνται επινοημένης μεγαλοπρέπειας και τα μοντέλα από τα κατώτερα στρώματα δεν φαίνονται ταπεινωμένα.
Και οι χαρακτήρες του είναι επίσης πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν και χειρονομούν. Όπως, για παράδειγμα, αυτός ο «Τσιγγάνος» με πονηρό βλέμμα.
Φρανς Χαλς. Αθίγγανος. 1625-1630 Ο Χαλς, όπως και ο Ρέμπραντ, τελείωσε τη ζωή του στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήταν αντίθετος με τα γούστα των πελατών του. Που ήθελαν να στολιστεί η εμφάνισή τους. Ο Χαλς δεν δέχτηκε την καθαρή κολακεία και έτσι υπέγραψε τη δική του πρόταση - "Λήθη".
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Βασιλική Πινακοθήκη Mauritshuis, Χάγη, Ολλανδία Ο Terborkh ήταν κύριος του καθημερινού είδους. Πλούσιοι και όχι και τόσο πλούσιοι μπιφτέκι μιλούν χαλαρά, κυρίες διαβάζουν γράμματα και ένας προξενητής παρακολουθεί την ερωτοτροπία. Δύο ή τρεις φιγούρες σε κοντινή απόσταση.
Ήταν αυτός ο δάσκαλος που ανέπτυξε τους κανόνες του καθημερινού είδους. Το οποίο αργότερα θα δανείστηκαν οι Jan Vermeer, Pieter de Hooch και πολλοί άλλοι «μικροί» Ολλανδοί.
Gerard Terborch. Ένα ποτήρι λεμονάδα. δεκαετία του 1660. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη Το «A Glass of Lemonade» είναι ένα από τα διάσημα έργα του Terborch. Δείχνει ένα άλλο πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτα ρεαλιστική εικόνα του υφάσματος φορέματος.
Ο Terborch έχει επίσης ασυνήθιστα έργα. Κάτι που λέει πολλά για την επιθυμία του να υπερβεί τις απαιτήσεις των πελατών.
Το «The Grinder» του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων ανθρώπων στην Ολλανδία. Έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε άνετες αυλές και καθαρά δωμάτια στους πίνακες των «μικρών» Ολλανδών. Αλλά ο Terborch τόλμησε να δείξει την αντιαισθητική Holland.
Gerard Terborch. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κρατικά Μουσεία του Βερολίνου Όπως καταλαβαίνετε, μια τέτοια δουλειά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και μεταξύ του Terborch.
4. Γιαν Βερμέερ (1632-1675)
Γιαν Βερμέερ. Εργαστήρι καλλιτέχνη. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα πώς έμοιαζε ο Jan Vermeer. Είναι προφανές μόνο ότι στον πίνακα "The Artist's Workshop" απεικόνισε τον εαυτό του. Η αλήθεια από πίσω.
Είναι λοιπόν έκπληξη το γεγονός ότι πρόσφατα έγινε γνωστό ένα νέο γεγονός από τη ζωή του πλοιάρχου. Συνδέεται με το αριστούργημα του «Delft Street».
Γιαν Βερμέερ. Οδός Ντελφτ. 1657 Rijksmuseum στο Άμστερνταμ Αποδείχθηκε ότι ο Βερμέερ πέρασε τα παιδικά του χρόνια σε αυτόν τον δρόμο. Το σπίτι που απεικονίζεται ανήκε στη θεία του. Εκεί μεγάλωσε τα πέντε παιδιά της. Ίσως κάθεται στο κατώφλι και ράβει ενώ τα δύο παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ο Βερμέερ έμενε στο απέναντι σπίτι.
Πιο συχνά όμως απεικόνιζε το εσωτερικό αυτών των σπιτιών και τους κατοίκους τους. Φαίνεται ότι οι πλοκές των πινάκων είναι πολύ απλές. Εδώ είναι μια όμορφη κυρία, μια πλούσια κάτοικος της πόλης, που ελέγχει τη λειτουργία της ζυγαριάς της.
Γιαν Βερμέερ. Γυναίκα με κλίμακες. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον Γιατί ο Βερμέερ ξεχώρισε ανάμεσα σε χιλιάδες άλλους «μικρούς» Ολλανδούς;
Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος του φωτός. Στον πίνακα «Γυναίκα με ζυγαριά» το φως τυλίγει απαλά το πρόσωπο, τα υφάσματα και τους τοίχους της ηρωίδας. Δίνοντας στην εικόνα μια άγνωστη πνευματικότητα.
Και οι συνθέσεις των πινάκων του Βερμέερ επαληθεύονται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε ούτε μια περιττή λεπτομέρεια. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η εικόνα θα "καταρρεύσει" και η μαγεία θα φύγει.
Όλα αυτά δεν ήταν εύκολα για τον Βερμέερ. Τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούσε επίπονη δουλειά. Μόνο 2-3 πίνακες το χρόνο. Ως αποτέλεσμα, η αδυναμία σίτισης της οικογένειας. Ο Βερμέερ εργάστηκε επίσης ως έμπορος έργων τέχνης, πουλώντας έργα άλλων καλλιτεχνών.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Pieter de Hooch. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Rijksmuseum, Άμστερνταμ Ο Χοχ συχνά συγκρίνεται με τον Βερμέερ. Δούλευαν ταυτόχρονα, υπήρξε μάλιστα περίοδος στην ίδια πόλη. Και σε ένα είδος - καθημερινό. Στο Hoch βλέπουμε επίσης μία ή δύο φιγούρες σε φιλόξενες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.
Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν τον χώρο των πινάκων του πολυεπίπεδο και διασκεδαστικό. Και οι φιγούρες ταιριάζουν σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του «Υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή».
Pieter de Hooch. Μια υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου
Μέχρι τον 20ο αιώνα, ο Χοχ εκτιμήθηκε ιδιαίτερα. Λίγοι όμως παρατήρησαν τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του Βερμέερ.
Αλλά στον 20ο αιώνα όλα άλλαξαν. Η δόξα του Χοχ έσβησε. Ωστόσο, είναι δύσκολο να μην αναγνωρίσουμε τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική. Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να συνδυάσουν τόσο καλά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.
Pieter de Hooch. Παίκτες καρτών σε ένα ηλιόλουστο δωμάτιο. 1658 Βασιλική Συλλογή Τέχνης, Λονδίνο Λάβετε υπόψη ότι σε ένα λιτό σπίτι στον καμβά "Card Players" υπάρχει ένας πίνακας που κρέμεται σε ένα ακριβό πλαίσιο.
Αυτό δείχνει για άλλη μια φορά πόσο δημοφιλής ήταν η ζωγραφική στους απλούς Ολλανδούς. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν κάθε σπίτι: το σπίτι ενός πλούσιου κτηνοτρόφου, ενός σεμνού κατοίκου της πόλης, ακόμη και ενός αγρότη.
6. Jan Steen (1626-1679)
Γιαν Στεν. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. δεκαετία του 1670 Μουσείο Thyssen-Bornemisza, ΜαδρίτηΟ Jan Steen είναι ίσως ο πιο χαρούμενος «μικρός» Ολλανδός. Αλλά αγαπώντας την ηθική διδασκαλία. Συχνά απεικόνιζε ταβέρνες ή φτωχικά σπίτια στα οποία υπήρχε η κακία.
Οι κύριοι χαρακτήρες του είναι γλεντζέδες και κυρίες της εύκολης αρετής. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποιούσε λανθασμένα για μια φαύλο ζωή.
Γιαν Στεν. Είναι ένα χάος. 1663 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη Ο Sten έχει και πιο αθόρυβα έργα. Όπως, για παράδειγμα, η «Πρωινή τουαλέτα». Αλλά και εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήσσει τον θεατή με πολύ αποκαλυπτικές λεπτομέρειες. Υπάρχουν ίχνη από ελαστικό κάλτσας, και όχι ένα άδειο δοχείο θαλάμου. Και κατά κάποιο τρόπο δεν είναι καθόλου κατάλληλο για τον σκύλο να είναι ξαπλωμένος ακριβώς στο μαξιλάρι.
Γιαν Στεν. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Rijksmuseum, Άμστερνταμ Όμως, παρά την επιπολαιότητα, οι χρωματικοί συνδυασμοί του Sten είναι πολύ επαγγελματικοί. Σε αυτό ήταν ανώτερος από πολλούς «μικρούς Ολλανδούς». Δείτε πόσο τέλεια ταιριάζει η κόκκινη κάλτσα με το μπλε σακάκι και το έντονο μπεζ χαλί.
7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)
Πορτρέτο του Ruisdael. Λιθογραφία από βιβλίο του 19ου αιώνα. Μπαρόκ "Burgher" στην ολλανδική ζωγραφικήXVII V. – απεικόνιση της καθημερινότητας (P. de Hooch, Vermeer). «Πολυτελείς» νεκρές φύσεις του Καλφ. Ομαδικό πορτρέτο και τα χαρακτηριστικά του από τους Hals και Rembrandt. Ερμηνεία μυθολογικών και βιβλικών σκηνών από τον Ρέμπραντ.
Ολλανδική τέχνη του 17ου αιώνα
Τον 17ο αιώνα Η Ολλανδία έχει γίνει πρότυπο καπιταλιστικής χώρας. Διεξήγαγε εκτεταμένο αποικιακό εμπόριο, διέθετε ισχυρό στόλο και η ναυπηγική ήταν μια από τις κορυφαίες βιομηχανίες. Ο προτεσταντισμός (ο καλβινισμός ως η πιο σκληρή του μορφή), που αντικατέστησε εντελώς την επιρροή της Καθολικής Εκκλησίας, οδήγησε στο γεγονός ότι ο κλήρος στην Ολλανδία δεν είχε την ίδια επιρροή στην τέχνη όπως στη Φλάνδρα, και ιδιαίτερα στην Ισπανία ή την Ιταλία. Στην Ολλανδία, η εκκλησία δεν έπαιζε το ρόλο του πελάτη έργων τέχνης: οι εκκλησίες δεν ήταν διακοσμημένες με εικόνες βωμού, γιατί ο Καλβινισμός απέρριπτε κάθε υπαινιγμό πολυτέλειας. Οι προτεσταντικές εκκλησίες ήταν απλές στην αρχιτεκτονική και δεν ήταν διακοσμημένες με κανέναν τρόπο στο εσωτερικό.
Το κύριο επίτευγμα της ολλανδικής τέχνης του 18ου αιώνα. - σε καβαλέτο ζωγραφική. Ο άνθρωπος και η φύση ήταν τα αντικείμενα παρατήρησης και απεικόνισης από Ολλανδούς καλλιτέχνες. Η οικιακή ζωγραφική γίνεται ένα από τα κορυφαία είδη, οι δημιουργοί των οποίων στην ιστορία έλαβαν το όνομα "Μικροί Ολλανδοί". Εκπροσωπούνται επίσης πίνακες που βασίζονται σε ευαγγέλια και βιβλικά θέματα, αλλά όχι στον ίδιο βαθμό όπως σε άλλες χώρες. Στην Ολλανδία δεν υπήρξαν ποτέ δεσμοί με την Ιταλία και η κλασική τέχνη δεν έπαιξε τέτοιο ρόλο όπως στη Φλάνδρα.
Η κυριαρχία των ρεαλιστικών τάσεων, η ανάπτυξη μιας συγκεκριμένης σειράς θεμάτων, η διαφοροποίηση των ειδών ως ενιαία διαδικασία ολοκληρώθηκαν μέχρι τη δεκαετία του 20 του 17ου αιώνα. Ιστορία της ολλανδικής ζωγραφικής του 17ου αιώνα. καταδεικνύει τέλεια την εξέλιξη του έργου ενός από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων στην Ολλανδία, του Φρανς Χαλς (περίπου 1580-1666). Στη δεκαετία του 10-30, ο Hals δούλεψε πολύ στο είδος των ομαδικών πορτρέτων. Από τους καμβάδες αυτών των χρόνων, χαρούμενοι, ενεργητικοί, επιχειρηματικοί άνθρωποι κοιτούν έξω, σίγουροι για τις ικανότητές τους και για το μέλλον (“The Shooting Guild of St. Adrian”, 1627 και 1633.
«Συντεχνία Τυφεκίων του Αγ. Γεώργιος», 1627).
Οι ερευνητές αποκαλούν μερικές φορές τα ατομικά πορτρέτα του Hals πορτρέτα του είδους λόγω της ιδιαίτερης ιδιαιτερότητας της εικόνας. Το σχηματικό ύφος του Hulse, η τολμηρή γραφή του, όταν η πινελιά σμιλεύει τόσο σχήμα όσο και όγκο και μεταφέρει χρώμα.
Στα πορτρέτα του Χαλς της ύστερης περιόδου (δεκαετίες 50-60), η ανέμελη ανδρεία, η ενέργεια και η ένταση στους χαρακτήρες των εικονιζόμενων προσώπων εξαφανίζονται. Αλλά ήταν στην ύστερη περίοδο της δημιουργικότητας που ο Χαλς έφτασε στο απόγειο της μαεστρίας και δημιούργησε τα πιο βαθιά έργα. Ο χρωματισμός των πινάκων του γίνεται σχεδόν μονόχρωμος. Δύο χρόνια πριν από το θάνατό του, το 1664, ο Χαλς επέστρεψε ξανά στο ομαδικό πορτρέτο. Ζωγραφίζει δύο πορτρέτα των αντιβασιλέων και των αντιβασιλέων ενός γηροκομείου, στο ένα από τα οποία βρήκε καταφύγιο ο ίδιος στο τέλος της ζωής του. Στο πορτρέτο των αντιβασιλέων δεν υπάρχει πνεύμα συντροφικότητας προηγούμενων συνθέσεων, τα μοντέλα είναι διχασμένα, ανίσχυρα, έχουν βαρετά βλέμματα, η καταστροφή είναι γραμμένη στα πρόσωπά τους.
Η τέχνη του Χαλς είχε μεγάλη σημασία για την εποχή της και επηρέασε την ανάπτυξη όχι μόνο πορτρέτων, αλλά και καθημερινών ειδών, τοπίων και νεκρών φύσεων.
Το είδος τοπίου της Ολλανδίας του 17ου αιώνα είναι ιδιαίτερα ενδιαφέρον. Η Ολλανδία απεικονίζεται από τους Jan van Goyen (1596-1656) και Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).
Η ακμή της τοπογραφίας στην ολλανδική σχολή χρονολογείται από τα μέσα του 17ου αιώνα. Ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης του ρεαλιστικού τοπίου ήταν ο Jacob van Ruisdael (1628/29-1682), τα έργα του είναι συνήθως γεμάτα δράμα, είτε απεικονίζει δασικά άλματα («Δασικός βάλτος»).
τοπία με καταρράκτες («Καταρράκτης») ή ένα ρομαντικό τοπίο με νεκροταφείο («Εβραϊκό Νεκροταφείο»).
Η φύση του Ruisdael εμφανίζεται στη δυναμική, στην αιώνια ανανέωση.
Το ζωϊκό είδος είναι στενά συνδεδεμένο με το ολλανδικό τοπίο. Το αγαπημένο μοτίβο του Albert Cuyp είναι οι αγελάδες σε μια τρύπα ποτίσματος («Ηλιοβασίλεμα στον ποταμό», «Αγελάδες στην όχθη ενός ρέματος»).
Η νεκρή φύση επιτυγχάνει λαμπρή ανάπτυξη. Η ολλανδική νεκρή φύση, σε αντίθεση με τη φλαμανδική νεκρή φύση, είναι ένας πίνακας οικείας φύσης, μέτριος σε μέγεθος και μοτίβα. Ο Pieter Claes (περ. 1597-1661), ο Billem Heda (1594-1680/82) απεικόνιζαν συχνότερα τα λεγόμενα πρωινά: πιάτα με ζαμπόν ή πίτα σε ένα σχετικά λιτά σερβιρισμένο τραπέζι. Τα «πρωινά» του Kheda αντικαθίστανται από τα πολυτελή «επιδόρπια» του Kalf. Τα απλά σκεύη αντικαθίστανται από μαρμάρινα τραπέζια, τραπεζομάντιλα χαλιών, ασημένια κύπελλα, αγγεία από όστρακα από φίλντισι και κρυστάλλινα ποτήρια. Το Kalf επιτυγχάνει εκπληκτική δεξιοτεχνία μεταφέροντας την υφή των ροδάκινων, των σταφυλιών και των κρυστάλλινων επιφανειών.
Στη δεκαετία του 20-30 του 17ου αιώνα. Οι Ολλανδοί δημιούργησαν έναν ειδικό τύπο μικρού πίνακα ζωγραφικής. Οι δεκαετίες 40-60 ήταν η εποχή της ακμής της ζωγραφικής, δοξάζοντας την ήρεμη ζωή των burgher της Ολλανδίας, τη μετρημένη καθημερινή ύπαρξη.
Ο Adrian van Ostade (1610-1685) αρχικά απεικονίζει τις σκιώδεις πλευρές της ζωής της αγροτιάς («The Fight»).
Από τη δεκαετία του '40, οι σατιρικές νότες στο έργο του αντικαθίστανται όλο και περισσότερο από χιουμοριστικές («Σε μια ταβέρνα του χωριού», 1660).
Μερικές φορές αυτοί οι μικροί πίνακες είναι χρωματισμένοι με μια μεγάλη λυρική αίσθηση. Ο «Ζωγράφος στο στούντιο» (1663) του Ostade, στον οποίο ο καλλιτέχνης εξυμνεί τη δημιουργική δουλειά, θεωρείται δικαίως αριστούργημα της ζωγραφικής του Ostade.
Αλλά το κύριο θέμα των «μικρών Ολλανδών» δεν είναι ακόμα η ζωή των αγροτών, αλλά η ζωή των μπούρδων. Συνήθως πρόκειται για εικόνες χωρίς συναρπαστική πλοκή. Ο πιο διασκεδαστικός αφηγητής σε ταινίες αυτού του είδους ήταν ο Jan Stan (1626-1679) ("Revelers", "Game of Backgammon"). Ο Gerard Terborch (1617-1681) πέτυχε ακόμη μεγαλύτερη μαεστρία σε αυτό.
Το εσωτερικό των «μικρών Ολλανδών» γίνεται ιδιαίτερα ποιητικό. Ο πραγματικός τραγουδιστής αυτού του θέματος ήταν ο Pieter de Hooch (1629-1689). Τα δωμάτιά του με μισάνοιχτο παράθυρο, με παπούτσια πεταμένα κατά λάθος ή μια σκούπα που αφήνεται πίσω, συχνά απεικονίζονται χωρίς ανθρώπινη φιγούρα.
Ένα νέο στάδιο της ζωγραφικής του είδους ξεκινά τη δεκαετία του '50 και συνδέεται με τη λεγόμενη σχολή του Ντελφτ, με τα ονόματα καλλιτεχνών όπως οι Carel Fabricius, Emmanuel de Witte και Jan Wermeer, γνωστοί στην ιστορία της τέχνης ως Wermeer of Delft (1632-1675). ). Οι πίνακες του Vermeer δεν φαίνεται να είναι σε καμία περίπτωση πρωτότυποι. Αυτές είναι οι ίδιες εικόνες της παγωμένης ζωής των burgher: διαβάζοντας ένα γράμμα, ένας κύριος και μια κυρία που μιλάνε, υπηρέτριες που κάνουν απλές δουλειές του σπιτιού, θέα στο Άμστερνταμ ή στο Ντελφτ. Αυτοί οι πίνακες είναι απλοί στη δράση: "Κορίτσι που διαβάζει ένα γράμμα",
«Ο κύριος και η κυρία στην ράχη»
Το "The Officer and the Laughing Girl" κ.λπ. - είναι γεμάτο πνευματική διαύγεια, σιωπή και γαλήνη.
Τα κύρια πλεονεκτήματα του Βερμέερ ως καλλιτέχνη είναι στη μετάδοση φωτός και αέρα. Η διάλυση των αντικειμένων σε ένα περιβάλλον φωτός-αέρα, η ικανότητα δημιουργίας αυτής της ψευδαίσθησης, καθόρισε πρωτίστως την αναγνώριση και τη δόξα του Βερμέερ ακριβώς τον 19ο αιώνα.
Ο Βερμέερ έκανε κάτι που κανείς δεν έκανε τον 17ο αιώνα: ζωγράφισε τοπία από τη ζωή («Οδός», «Άποψη του Ντελφτ»).
Μπορούν να ονομαστούν τα πρώτα παραδείγματα ζωγραφικής με αέρα.
Το αποκορύφωμα του ολλανδικού ρεαλισμού, αποτέλεσμα των εικονογραφικών επιτευγμάτων του ολλανδικού πολιτισμού τον 17ο αιώνα, είναι το έργο του Ρέμπραντ. Ο Harmens van Rijn Rembrandt (1606-1669) γεννήθηκε στο Λέιντεν. Το 1632, ο Ρέμπραντ έφυγε για το Άμστερνταμ, το κέντρο της καλλιτεχνικής κουλτούρας στην Ολλανδία, που φυσικά προσέλκυσε τον νεαρό καλλιτέχνη. Η δεκαετία του '30 ήταν η εποχή της μεγαλύτερης δόξας του, ο δρόμος προς τον οποίο άνοιξε για τον ζωγράφο ένας μεγάλος πίνακας του 1632 - ένα ομαδικό πορτρέτο, γνωστό και ως "The Anatomy of Doctor Tulp" ή "Anatomy Lesson".
Το 1634, ο Ρέμπραντ παντρεύτηκε ένα κορίτσι από μια πλούσια οικογένεια, τη Saskia van Uylenborch. Ξεκινά η πιο ευτυχισμένη περίοδος της ζωής του. Γίνεται διάσημος και μοντέρνος καλλιτέχνης.
Όλη αυτή η περίοδος καλύπτεται από ρομαντισμό. Η κοσμοθεωρία του Ρέμπραντ για αυτά τα χρόνια μεταφέρεται πιο ξεκάθαρα από το περίφημο «Αυτοπροσωπογραφία με τη Σάσκια στα γόνατά της» (περίπου το 1636). Ολόκληρος ο καμβάς είναι διαποτισμένος από ειλικρινή χαρά της ζωής και αγαλλίαση.
Η γλώσσα του Μπαρόκ είναι πιο κοντά στην έκφραση του υψηλού πνεύματος. Και ο Ρέμπραντ κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από το ιταλικό μπαρόκ.
Οι χαρακτήρες στον πίνακα του 1635 «Η Θυσία του Αβραάμ» εμφανίζονται μπροστά μας από πολύπλοκες οπτικές γωνίες. Η σύνθεση είναι ιδιαίτερα δυναμική, χτισμένη σύμφωνα με όλους τους κανόνες του μπαρόκ.
Την ίδια δεκαετία του '30, ο Ρέμπραντ άρχισε για πρώτη φορά να ασχολείται σοβαρά με τα γραφικά, κυρίως με τη χάραξη. Τα χαρακτικά του Ρέμπραντ είναι κυρίως βιβλικά και ευαγγελικά θέματα, αλλά στα σχέδιά του, ως γνήσιος Ολλανδός καλλιτέχνης, στρέφεται συχνά στο είδος. Στο γύρισμα της πρώιμης περιόδου του έργου του καλλιτέχνη και της δημιουργικής του ωριμότητας, εμφανίζεται μπροστά μας ένας από τους πιο διάσημους πίνακές του, γνωστός ως «The Night Watch» (1642) - ένα ομαδικό πορτρέτο της εταιρείας τουφεκιού του Captain Banning Cock.
Επέκτεινε το εύρος του είδους, παρουσιάζοντας μάλλον μια ιστορική εικόνα: μετά από σήμα συναγερμού, το απόσπασμα του Μπάνινγκ Κοκ ξεκινά μια εκστρατεία. Μερικοί είναι ήρεμοι και γεμάτοι αυτοπεποίθηση, άλλοι ενθουσιασμένοι αναμένοντας αυτό που θα ακολουθήσει, αλλά όλοι φέρουν την έκφραση της γενικής ενέργειας, του πατριωτικού ενθουσιασμού και του θριάμβου του πολιτικού πνεύματος.
Το ομαδικό πορτρέτο κάτω από το πινέλο του Ρέμπραντ εξελίχθηκε σε μια ηρωική εικόνα της εποχής και της κοινωνίας.
Ο πίνακας είχε ήδη γίνει τόσο σκοτεινός που θεωρήθηκε ότι ήταν μια απεικόνιση μιας νυχτερινής σκηνής, εξ ου και η εσφαλμένη ονομασία του. Η σκιά που ρίχνεται από τη φιγούρα του καπετάνιου στα ανοιχτόχρωμα ρούχα του υπολοχαγού αποδεικνύει ότι δεν είναι νύχτα, αλλά μέρα.
Με τον θάνατο της Saskia το ίδιο 1642, συνέβη η φυσική ρήξη του Rembrandt με τους ξένους γι' αυτόν κύκλους των πατρικίων.
Τα 40 και 50 είναι μια εποχή δημιουργικής ωριμότητας. Αυτή την περίοδο στρέφεται συχνά σε προηγούμενα έργα για να τα ξαναφτιάξει με νέο τρόπο. Αυτό συνέβη, για παράδειγμα, με τη «Δανάη», την οποία φιλοτέχνησε το 1636. Με τη στροφή του στον πίνακα τη δεκαετία του '40, ο καλλιτέχνης ενέτεινε τη συναισθηματική του κατάσταση.
Ξαναέγραψε το κεντρικό μέρος με την ηρωίδα και την υπηρέτρια. Δίνοντας στη Δανάη μια νέα χειρονομία σηκωμένου χεριού, της μετέφερε μεγάλο ενθουσιασμό, μια έκφραση χαράς, ελπίδας, έκκλησης.
Στη δεκαετία του 40-50, η μαεστρία του Ρέμπραντ αυξανόταν σταθερά. Επιλέγει για ερμηνεία τις πιο λυρικές, ποιητικές πτυχές της ανθρώπινης ύπαρξης, εκείνη την ανθρωπότητα που είναι αιώνια, πανανθρώπινη: τη μητρική αγάπη, τη συμπόνια. Η Αγία Γραφή του παρέχει το πιο υλικό, και από αυτό - σκηνές της ζωής της Αγίας Οικογένειας απεικονίζει την απλή ζωή, τους απλούς ανθρώπους, όπως στον πίνακα "Η Αγία Οικογένεια".
Τα τελευταία 16 χρόνια είναι τα πιο τραγικά χρόνια της ζωής του Ρέμπραντ. είναι κατεστραμμένος και δεν έχει εντολές. Όμως αυτά τα χρόνια ήταν γεμάτα εκπληκτική δημιουργική δραστηριότητα, με αποτέλεσμα να δημιουργηθούν γραφικές εικόνες, εξαιρετικές στον μνημειώδη χαρακτήρα και την πνευματικότητά τους, έργα βαθιά φιλοσοφικά. Ακόμη και τα μικρού μεγέθους έργα του Ρέμπραντ από αυτά τα χρόνια δημιουργούν την εντύπωση εξαιρετικής μεγαλοπρέπειας και αληθινής μνημειακότητας. Το χρώμα αποκτά ηχητικότητα και ένταση. Τα χρώματά του μοιάζουν να εκπέμπουν φως. Τα πορτρέτα του αείμνηστου Ρέμπραντ είναι πολύ διαφορετικά από τα πορτρέτα της δεκαετίας του '30 και ακόμη και του '40. Πρόκειται για εξαιρετικά απλές (μισό μήκος ή γενιάς) εικόνες ανθρώπων κοντά στον καλλιτέχνη στην εσωτερική τους δομή. Ο Ρέμπραντ πέτυχε τη μεγαλύτερη λεπτότητα χαρακτηρισμού στις αυτοπροσωπογραφίες του, από τις οποίες περίπου εκατό έχουν φτάσει σε εμάς. Το τελευταίο κομμάτι στην ιστορία των ομαδικών πορτρέτων ήταν η απεικόνιση του Ρέμπραντ των πρεσβυτέρων του εργαστηρίου υφασμάτων - των λεγόμενων «Σίνδικων» (1662), όπου, με πενιχρά μέσα, ο Ρέμπραντ δημιούργησε ζωντανούς και ταυτόχρονα διαφορετικούς ανθρώπινους τύπους, αλλά Το πιο σημαντικό, ήταν σε θέση να μεταφέρει μια αίσθηση πνευματικής ένωσης, αμοιβαίας κατανόησης και διασυνδέσεων μεταξύ των ανθρώπων.
Στα ώριμα χρόνια του (κυρίως στη δεκαετία του '50), ο Ρέμπραντ δημιούργησε τα καλύτερα χαρακτικά του. Ως χαράκτης δεν έχει όμοιο του στην παγκόσμια τέχνη. Σε όλα αυτά, οι εικόνες έχουν βαθύ φιλοσοφικό νόημα. μιλούν για τα μυστήρια της ύπαρξης, για την τραγωδία της ανθρώπινης ζωής.
Κάνει πολύ σχέδιο. Ο Ρέμπραντ άφησε πίσω του 2000 σχέδια. Αυτά περιλαμβάνουν σκίτσα από τη ζωή, σκίτσα για πίνακες και προετοιμασίες για χαρακτικά.
Στο τελευταίο τέταρτο του 17ου αιώνα. αρχίζει η παρακμή της ολλανδικής ζωγραφικής σχολής, η απώλεια της εθνικής της ταυτότητας, και από την αρχή XVIII αιώναΤο τέλος της μεγάλης εποχής του ολλανδικού ρεαλισμού πλησιάζει.
Εισαγωγή
1. Μικρό Ολλανδό
Ολλανδική σχολή ζωγραφικής
Είδος ζωγραφικής
4. Συμβολισμός. Νεκρή φύση
Ρέμπραντ βαν Ράιν
Βερμέερ του Ντελφτ Ιαν
συμπέρασμα
Εισαγωγή
Ο σκοπός της εργασίας ελέγχου είναι:
· Σε ανάπτυξη δημιουργικές δυνατότητες;
· Δημιουργία ενδιαφέροντος για την τέχνη.
· Εμπέδωση και αναπλήρωση γνώσεων.
Η ολλανδική τέχνη γεννήθηκε τον 17ο αιώνα. Αυτή η τέχνη θεωρείται ανεξάρτητη και ανεξάρτητη, έχει ορισμένες μορφές και χαρακτηριστικά.
Μέχρι τον 17ο αιώνα, η Ολλανδία δεν είχε τους δικούς της σημαντικούς καλλιτέχνες στην τέχνη, γιατί ανήκε στο κράτος της Φλάνδρας. Ωστόσο, λίγοι καλλιτέχνες γιορτάζονται αυτή τη χρονική περίοδο. Πρόκειται για τον καλλιτέχνη και χαράκτη Luca Leydensky (1494-1533), ζωγράφος Dirk Bouts (1415-1475), καλλιτέχνης Σκορέλε (1495-1562).
Σταδιακά άλλα σχολεία αναμίχθηκαν και τα μάστερ έχασαν χαρακτηριστικά γνωρίσματατα σχολεία τους, και οι εναπομείναντες καλλιτέχνες της Ολλανδίας παύουν να έχουν το πνεύμα της εθνικής δημιουργικότητας. Πολλά διαφορετικά και νέα στυλ εμφανίζονται. Οι καλλιτέχνες προσπαθούν να ζωγραφίσουν σε όλα τα είδη, αναζητώντας ατομικό στυλ. Οι μέθοδοι του είδους διαγράφηκαν: η ιστορικότητα δεν είναι τόσο απαραίτητη όσο πριν. Δημιουργείται ένα νέο είδος - ομαδικοί αχθοφόροι.
Στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν αποφασιζόταν η μοίρα της Ολλανδίας, ο Φίλιππος Γ' συμφώνησε σε ανακωχή μεταξύ Ισπανίας και Ολλανδίας. Αυτό που χρειαζόταν ήταν μια επανάσταση, μια πολιτική ή στρατιωτική κατάσταση. Ο αγώνας για την ανεξαρτησία ένωσε τον λαό. Ο πόλεμος ενίσχυσε το εθνικό πνεύμα. Οι υπογραφείσες συνθήκες με την Ισπανία έδωσαν στην Ολλανδία ελευθερία. Αυτό ώθησε στη δημιουργία της δικής τους και ιδιαίτερης τέχνης, που εκφράζει την ουσία των Ολλανδών.
Η ιδιαιτερότητα των Ολλανδών καλλιτεχνών ήταν να δημιουργούν μια πραγματική εικόνα μέχρι την παραμικρή λεπτομέρεια - μια εκδήλωση συναισθημάτων και σκέψεων. Αυτή είναι η βάση του ολλανδικού σχολείου. Γίνεται ρεαλιστική τέχνη και στα μέσα του 17ου αιώνα φτάνει σε κορυφές σε όλους τους τομείς.
Για τον Holland, είναι χαρακτηριστικό να χωρίζεται όχι μόνο σε είδη, αλλά και σε πολλούς υποτύπους. Μερικοί δάσκαλοι ζωγραφίζουν σκηνές από τη ζωή των μπέργκερ και των αξιωματικών - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), άλλοι - από τη ζωή των αγροτών - Adrian van Ostade (1610-1685). ), τρίτο - σκηνές από τη ζωή των επιστημόνων και των γιατρών - Gerrit Dou (1613-1675). τοπιογράφοι - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), εικονιστές δασικών γωνιών - Meindert Hobbema (1638-1609), εσωτερικοί δάσκαλοι - Pieter Janssens (1623-1682). Από καιρό σε καιρό, ένα συγκεκριμένο είδος γίνεται παραδοσιακό στις σχολές τέχνης. Για παράδειγμα, οι ζωγράφοι νεκρών φύσεων του Χάρλεμ των λεγόμενων «πρωινών» - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).
Οι καλλιτέχνες δείχνουν ήθη και έθιμα, ηθικά και ηθικά πρότυπα ανθρώπινης συμπεριφοράς. Συχνά απεικονίζονται οικογενειακά γεγονότα. Οι τοπιογράφοι και οι ζωγράφοι νεκρών φύσεων μεταδίδουν φως από κάτω ύπαιθρο, σε κλειστούς χώρους απεικονίζουν με μαεστρία την υφή των αντικειμένων. Η οικιακή ζωγραφική βρίσκεται στην κορυφή χάρη στους Jan Steen (1626-1679), Gerhard Terborch (1617-1681), Pieter de Hooch (1629-1624).
1. Μικρό Ολλανδό
Οι Μικροί Ολλανδοί είναι μια ομάδα καλλιτεχνών του 17ου αιώνα, που «ενώνει» ζωγράφους μικρού μεγέθους τοπίων και καθημερινών ειδών ζωγραφικής (εξ ου και το όνομα). Τέτοιοι πίνακες προορίζονταν για το λιτό εσωτερικό των κτιρίων κατοικιών. Αγοράστηκαν από κατοίκους της πόλης και αγρότες. Τέτοιοι πίνακες χαρακτηρίζονται από μια αίσθηση άνεσης στην εικόνα, λεπτότητα των λεπτομερειών, εγγύτητα μεταξύ του ατόμου και του εσωτερικού.
P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. and S. van Ruisdael (1628-1682) και (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691) κ.λπ. Ο καθένας ειδικευόταν, κατά κανόνα , σε ένα συγκεκριμένο είδος. Οι «Μικροί Ολλανδοί» συνέχισαν τις παραδόσεις των Ολλανδών δασκάλων της Αναγέννησης, οι οποίοι υποστήριξαν ότι η τέχνη δεν πρέπει μόνο να φέρνει ευχαρίστηση, αλλά και να θυμίζει αξίες.
Η δημιουργικότητα των καλλιτεχνών μπορεί να χωριστεί σε 3 ομάδες:
δεκαετία του 1630 - η καθιέρωση του ρεαλισμού στην εθνική ζωγραφική (το κορυφαίο καλλιτεχνικό κέντρο ήταν το Χάρλεμ, σημαντικος ΠΑΡΑΓΟΝΤΑΣήταν η επιρροή του F. Hals).
1640-1660 - η άνθηση της σχολής τέχνης (το κέντρο της τέχνης μετακομίζει στο Άμστερνταμ, προσελκύοντας καλλιτέχνες από άλλες πόλεις, η επιρροή του Ρέμπραντ γίνεται σχετική 2. Ολλανδική σχολή ζωγραφικής
Για τρία τέταρτα του αιώνα, η άνοδος της τέχνης συνεχίστηκε στα βόρεια της Ολλανδίας, στη δημοκρατία των Ηνωμένων Επαρχιών, που ονομάζεται Holland. Το 1609, αυτή η δημοκρατία έλαβε το καθεστώς του κράτους. Εδώ προέκυψε ένα αστικό κράτος.
Ο Ιταλός καλλιτέχνης Καραβάτζιο (1571-1610) είχε σημαντικό ρόλο στη ζωγραφική της Αναγέννησης. Ζωγράφιζε τους πίνακές του πολύ ρεαλιστικά και τα αντικείμενα και οι φιγούρες είχαν υψηλή τεχνική chiaroscuro.
Υπήρχαν πολλοί καλλιτέχνες και ζούσαν σε μικρές πόλεις: Χάρλεμ, Ντελφτ, Λέιντεν. Κάθε μία από αυτές τις πόλεις ανέπτυξε το δικό της σχολείο με τα δικά της θέματα, αλλά το Άμστερνταμ έπαιξε τον πιο σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη της ολλανδικής τέχνης.
3. Ζωγραφική του είδους
Στην Ολλανδία, μαζί με τη δημοτικότητα του είδους του τοπίου, εμφανίζονται νέα: μαρίνα - θαλασσινό τοπίο, αστικό τοπίο - veduta, εικόνες ζώων - ζωγραφική ζώων. Τα έργα του Pieter Bruegel είχαν σημαντική επίδραση στο τοπίο (1525-1529). Οι Ολλανδοί ζωγράφισαν τη δική τους μοναδική ομορφιά της φύσης της πατρίδας τους. Τον 17ο αιώνα, η ολλανδική σχολή ζωγραφικής έγινε μια από τις κορυφαίες στην Ευρώπη. Το περιβάλλον των ανθρώπων έχει γίνει πηγή έμπνευσης για τους καλλιτέχνες. Στην τέχνη αυτής της εποχής, ολοκληρώθηκε η διαμόρφωση ενός συστήματος ειδών, που ξεκίνησε στην Αναγέννηση. Σε πορτρέτα, καθημερινούς πίνακες, τοπία και νεκρές φύσεις, οι καλλιτέχνες μετέφεραν τις εντυπώσεις τους από τη φύση και την καθημερινή ζωή. Το είδος της καθημερινής ζωγραφικής άρχισε να έχει μια νέα αντίληψη - τη ζωγραφική του είδους. Το καθημερινό είδος έχει αναπτυχθεί σε δύο ποικιλίες - το αγροτικό και το burgher (αστικό). Οι πίνακες του είδους απεικόνιζαν τη ζωή ενός ιδιώτη: γλέντια γλεντζέδων, οικονομικές δραστηριότητες, παίζοντας μουσική. Οι καλλιτέχνες έδωσαν προσοχή στην εμφάνιση, τις πόζες και τα κοστούμια. Τα αντικείμενα έγιναν μέρος της θαλπωρής: ένα τραπέζι από μαόνι, μια ντουλάπα, μια πολυθρόνα ντυμένη με δέρμα, μια σκούρα γυάλινη καράφα και ποτήρι, φρούτα. Αυτό το είδος αντανακλούσε τη συμπεριφορά και την επικοινωνία ανθρώπων που ανήκουν σε διαφορετικές τάξεις.
Τα έργα του Garard Dow ήταν πολύ δημοφιλή εκείνη την εποχή. Ζωγραφίζει σεμνές σκηνές από τη ζωή των μικροαστών. Συχνά απεικονίζει ηλικιωμένες γυναίκες να κάθονται σε έναν περιστρεφόμενο τροχό ή να διαβάζουν. Η προφανής τάση του Dow είναι να απεικονίζει τις επιφάνειες των αντικειμένων στις μικρές του εικόνες - μοτίβα υφασμάτων, ρυτίδες σε παλιά πρόσωπα, λέπια ψαριού κ.λπ. (παράρτημα· εικ.
Αλλά η ζωγραφική του είδους έχει υποστεί εξέλιξη. Κατά την περίοδο της συγκρότησής του εκ νέου, διανεμήθηκαν ιστορίες με θέματα αναψυχής, ψυχαγωγίας και σκηνές από τη ζωή των αξιωματικών. Τέτοιες εικόνες ονομάζονταν «πρωινά», «συμπόσια», «κοινωνίες», «συναυλίες». Αυτός ο πίνακας διακρίθηκε από την ποικιλομορφία του χρώματος και τους χαρούμενους τόνους. Το αρχικό είδος ήταν «πρωινά». Πρόκειται για ένα είδος νεκρής φύσης στην οποία ο χαρακτήρας των ιδιοκτητών τους μεταδόθηκε μέσω της απεικόνισης πιάτων και διαφόρων πιάτων.
Το καθημερινό είδος είναι το πιο χαρακτηριστικό και πρωτότυπο φαινόμενο της ολλανδικής σχολής, που άνοιξε την καθημερινότητα ενός ιδιώτη στην παγκόσμια τέχνη.
Ο Jan Steen έγραψε επίσης για το είδος της τέχνης. Σημείωσε με χιούμορ τις λεπτομέρειες της καθημερινότητας και των σχέσεων μεταξύ των ανθρώπων. Στον πίνακα "Revelers", ο ίδιος ο καλλιτέχνης κοιτάζει τον θεατή χαρούμενα και πονηρά, καθισμένος δίπλα στη γυναίκα του, η οποία έχει αποκοιμηθεί μετά από ένα χαρούμενο γλέντι. Και στην ταινία, μέσα από τις εκφράσεις του προσώπου και τις χειρονομίες των χαρακτήρων, ο Jan Steen αποκαλύπτει επιδέξια την πλοκή μιας φανταστικής ασθένειας.
Στις αρχές της δεκαετίας του '30, ολοκληρώθηκε η διαμόρφωση της ολλανδικής ζωγραφικής. Η ζωγραφική του είδους χωρίστηκε σύμφωνα με κοινωνικά κριτήρια: θέματα με θέματα από τη ζωή της αστικής τάξης και σκηνές από τη ζωή των αγροτών και των φτωχών των πόλεων.
Ένας από τους διάσημους καλλιτέχνες που ζωγράφιζε στο «αγροτικό είδος» ήταν ο Adrian van Ostad. ΣΕ πρώιμη περίοδοδημιουργικότητα, η απεικόνιση των χωρικών ήταν κωμική. Έτσι, στην εικόνα, οι μαχητές, φωτισμένοι από τραχύ φως, δεν φαίνονται ζωντανοί άνθρωποι, αλλά μαριονέτες. Η αντιπαράθεση ψυχρών και ζεστών χρωμάτων, έντονες αντιθέσεις φωτός δημιουργούν μάσκες με θυμωμένα συναισθήματα στα πρόσωπά τους.
Αργότερα, ο καλλιτέχνης ζωγραφίζει εικόνες με πιο ήρεμα θέματα, απεικονίζοντας ένα άτομο κατά τις συνήθεις δραστηριότητές του, πιο συχνά σε στιγμές ανάπαυσης. Για παράδειγμα, ο εσωτερικός πίνακας «Χωριακοί Μουσικοί». Το Ostade μεταφέρει τη συγκέντρωση των «μουσικών», απεικονίζοντας παιδιά να τους παρακολουθούν από το παράθυρο με λεπτό χιούμορ. Ο αδερφός του Adrian Isaac van Ostade, ο οποίος πέθανε νωρίς, εργάστηκε επίσης στο "αγροτικό είδος". Απεικόνισε τη ζωή στην αγροτική Ολλανδία. Ο πίνακας «Winter View» παρουσιάζει ένα τυπικό τοπίο με έναν γκρίζο ουρανό να κρέμεται πάνω από το έδαφος, ένα παγωμένο ποτάμι, στις όχθες του οποίου υπάρχει ένα χωριό.
Στη δεκαετία του 50-60 του 17ου αιώνα, τα θέματα των ειδών ζωγραφικής περιορίστηκαν και η δομή τους άλλαξε. Γίνονται πιο ήρεμοι, πιο λυρικοί, πιο στοχαστικοί. Αυτή η σκηνή αντιπροσωπεύεται από τη δουλειά τέτοιων καλλιτεχνών όπως: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Τα έργα τους χαρακτηρίζονται από μια εξιδανικευμένη εικόνα της ζωής της ολλανδικής αστικής τάξης. Έτσι, στον εσωτερικό πίνακα «Room in a Dutch House» του Pieter Janssens, απεικονίζεται ένα ζεστό δωμάτιο πλημμυρισμένο από το φως του ήλιου με παίκτες να παίζουν στο πάτωμα και στους τοίχους. ηλιόλουστα κουνελάκια. Η επιλογή της σύνθεσης τονίζει την ενότητα του ανθρώπου και του περιβάλλοντός του.
Οι Ολλανδοί ζωγράφοι προσπάθησαν να αντικατοπτρίσουν τον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπου στα έργα τους. Σε καταστάσεις που εμφανίζονταν τακτικά, μπόρεσαν να δείξουν έναν κόσμο εμπειριών. Έτσι, ο Gerard Terborch στην ταινία «A Glass of Lemonade» απεικόνισε μια λεπτή γλώσσα χειρονομιών, αγγίγματος χεριών, οπτικής επαφής, που αποκαλύπτει μια ολόκληρη σειρά συναισθημάτων και σχέσεων μεταξύ των χαρακτήρων.
Η λεπτότητα και η ειλικρίνεια στην αναδημιουργία της πραγματικότητας συνδυάζονται από τους Ολλανδούς δασκάλους με δυσδιάκριτη και καθημερινή ομορφιά. Αυτό το χαρακτηριστικό εκδηλώθηκε πιο καθαρά στη νεκρή φύση. Οι Ολλανδοί το ονόμασαν «stilleven». Σε αυτήν την κατανόηση, οι δάσκαλοι είδαν στα άψυχα αντικείμενα μια κρυφή ζωή που σχετίζεται με τη ζωή ενός ατόμου, με τον τρόπο ζωής, τις συνήθειες και τα γούστα του. Ολλανδοί ζωγράφοι δημιούργησαν την εντύπωση του φυσικού «χαζού» στη διάταξη των πραγμάτων: έδειξαν μια κομμένη πίτα, ένα ξεφλουδισμένο λεμόνι με τη φλούδα κρεμασμένη σε μια σπείρα, ένα ημιτελές ποτήρι κρασί, ένα αναμμένο κερί, ένα ανοιχτό βιβλίο - φαίνεται πάντα ότι κάποιος άγγιξε αυτά τα αντικείμενα, μόνο που χρησιμοποιήθηκαν, γίνεται αισθητή η αόρατη παρουσία ενός ατόμου.
Οι κορυφαίοι δάσκαλοι της ολλανδικής νεκρής φύσης στο πρώτο μισό του 17ου αιώνα ήταν ο Pieter Claes 1και ο Willem Hed. Ένα αγαπημένο θέμα των νεκρών φύσεων τους είναι τα λεγόμενα «πρωινά». Στο «Breakfast with Lobster» του V. Kheda (παράρτημα· Εικ. 16) αντικείμενα με τα πιο ποικίλα σχήματα και υλικά - ένα μπρίκι, ένα ποτήρι, ένα λεμόνι, ένα ασημένιο πιάτο. Τα αντικείμενα είναι τοποθετημένα με τέτοιο τρόπο ώστε να δείχνουν την ελκυστικότητα και την ιδιαιτερότητα του καθενός. Χρησιμοποιώντας μια ποικιλία τεχνικών, η Heda μεταφέρει τέλεια το υλικό και την ιδιαιτερότητα της υφής τους. Έτσι, η λάμψη του φωτός παίζει διαφορετικά στην επιφάνεια του γυαλιού και του μετάλλου. Όλα τα στοιχεία της σύνθεσης ενώνονται με το φως και το χρώμα. Στο «Still Life with a Candle» του P. Klass, δεν είναι μόνο αξιοσημείωτη η ακρίβεια της αναπαραγωγής των υλικών ιδιοτήτων των αντικειμένων - η σύνθεση και ο φωτισμός τους δίνουν μεγάλη συναισθηματική εκφραστικότητα. Οι νεκρές φύσεις του Klass και της Kheda μοιάζουν μεταξύ τους - είναι μια διάθεση οικειότητας και άνεσης, ηρεμίας στη ζωή του σπιτιού ενός burgher, όπου υπάρχει ευημερία. Η νεκρή φύση μπορεί να θεωρηθεί ως ένα από τα σημαντικά θέματα της ολλανδικής τέχνης - το θέμα της ζωής ενός ιδιώτη. Πήρε την κύρια απόφαση της σε μια ταινία είδους.
Συμβολισμός. Νεκρή φύση
Όλα τα στοιχεία σε Ολλανδική νεκρή φύσησυμβολικός. Συλλογές που εκδόθηκαν κατά τον 18ο αιώνα Τα θρυμματισμένα πέταλα κοντά στο βάζο είναι σημάδια αδυναμίας.
ο ένα μαραμένο λουλούδι είναι ένας υπαινιγμός της εξαφάνισης των συναισθημάτων.
ο Οι ίριδες είναι σημάδι της Παναγίας.
ο Τα κόκκινα λουλούδια είναι σύμβολο της εξιλεωτικής θυσίας του Χριστού.
ο Ο λευκός κρίνος δεν είναι μόνο ένα όμορφο λουλούδι, αλλά και σύμβολο της αγνότητας της Παναγίας.
ο γαρύφαλλο - σύμβολο του χυμένου αίματος του Χριστού.
ο λευκή τουλίπα - ψεύτικη αγάπη.
ο ρόδι - σύμβολο της ανάστασης, σύμβολο αγνότητας.
ο μήλα, ροδάκινα, πορτοκάλια θύμιζαν το φθινόπωρο.
ο το κρασί σε ένα ποτήρι ή κανάτα αντιπροσώπευε το θυσιαστικό αίμα του Χριστού.
ο ελιά - σύμβολο ειρήνης.
ο Τα σάπια φρούτα είναι σύμβολο γήρανσης.
ο Τα στάχυα του σιταριού και του κισσού είναι σύμβολο της αναγέννησης και του κύκλου της ζωής.
ο Το γυαλί είναι σύμβολο ευθραυστότητας.
ο πορσελάνη - καθαριότητα?
ο το μπουκάλι είναι σύμβολο της αμαρτίας και της μέθης.
ο Τα σπασμένα πιάτα είναι σύμβολο θανάτου.
ο ένα ανεστραμμένο ή άδειο ποτήρι σημαίνει κενό.
ο μαχαίρι - σύμβολο προδοσίας.
ο τα ασημένια αγγεία είναι η προσωποποίηση του πλούτου.
ο κλεψύδρα - μια υπενθύμιση της παροδικότητας της ζωής.
ο κρανίο - μια υπενθύμιση του αναπόφευκτου του θανάτου.
ο αυτιά σιταριού - σύμβολα της αναγέννησης και του κύκλου της ζωής.
ο Το ψωμί είναι σύμβολο του σώματος του Κυρίου.
ο Τα όπλα και η πανοπλία είναι σύμβολο δύναμης και δύναμης, ονομασία του τι δεν μπορεί να πάρει μαζί σας στον τάφο.
ο κλειδιά - συμβολίζουν τη δύναμη.
ο Το τσιγάρο είναι ένα σύμβολο φευγαλέου και άπιαστου γήινες απολαύσεις;
ο μάσκα καρναβαλιού - είναι ένα σημάδι της απουσίας ενός ατόμου. ανεύθυνη ευχαρίστηση.
ο καθρέφτες, γυάλινες μπάλες είναι σύμβολα ματαιοδοξίας, σημάδι αντανάκλασης, μη πραγματικότητας.
Τα θεμέλια του ολλανδικού ρεαλιστικού τοπίου διαμορφώθηκαν στις αρχές του 17ου αιώνα. Οι καλλιτέχνες απεικόνισαν την αγαπημένη τους φύση με αμμόλοφους και κανάλια, σπίτια και χωριά. Προσπάθησαν να απεικονίσουν την εθνικότητα του τοπίου, την ατμόσφαιρα του αέρα και τα χαρακτηριστικά της εποχής. Οι δάσκαλοι υποτάσσουν όλο και περισσότερο όλα τα στοιχεία της εικόνας σε έναν μόνο τόνο. Είχαν έντονη αίσθηση του χρώματος και μετέφεραν επιδέξια τις μεταβάσεις από φως σε σκιά, από τόνο σε τόνο.
Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος του ολλανδικού ρεαλιστικού τοπίου ήταν ο Jan van Goyen (1596-1656). Εργάστηκε στο Λέιντεν και στη Χάγη. Ο καλλιτέχνης αγαπούσε να απεικονίζει κοιλάδες και την επιφάνεια του νερού των ποταμών σε καμβάδες μικρού μεγέθους. Ο Goyen άφησε πολύ χώρο για τον ουρανό με τα σύννεφα. Αυτός είναι ο πίνακας «Άποψη του ποταμού Waal κοντά στο Nijmegen», σχεδιασμένος σε μια διακριτική καφέ-γκρι γκάμα χρωμάτων.
Αργότερα, η χαρακτηριστική ουσία των τοπίων αλλάζει. Γίνεται λίγο ευρύτερη, πιο συναισθηματική. Η ιδιαιτερότητα παραμένει ίδια - συγκρατημένη, αλλά οι τόνοι αποκτούν βάθος.
Όλα τα νέα χαρακτηριστικά του στυλ τοπίου ενσωματώθηκαν στους πίνακές του από τον Jacob van Ruisdael (1629-1682). Απεικονίζοντας δέντρα και θάμνους ως ογκώδεις, δημιουργούσε την αίσθηση ότι κινούνταν στο προσκήνιο και γίνονταν πιο ισχυροί. Με εξαιρετική αίσθηση προοπτικής, ο Ruisdael μετέφερε επιδέξια τις μεγάλες πεδιάδες και τα περίχωρα της Ολλανδίας. Η επιλογή του τόνου και του φωτισμού προκαλεί εστίαση. Ο Ruisdael αγαπούσε επίσης τα ερείπια ως διακοσμητικές λεπτομέρειες που μιλούν για την καταστροφή και την αδυναμία της γήινης ύπαρξης. Το «Εβραϊκό Νεκροταφείο» αντιπροσωπεύει μια παραμελημένη περιοχή. Ο Ruisdael δεν είχε επιτυχία στην εποχή του. Ο ρεαλισμός των πινάκων του δεν ανταποκρινόταν στα γούστα της κοινωνίας. Ο καλλιτέχνης, που τώρα απολαμβάνει επάξια παγκόσμια φήμη, πέθανε ένας φτωχός άνδρας σε ένα σπίτι ελεημοσύνης του Χάρλεμ.
Πορτραίτα ζωγραφική. Φρανς Χαλς
Ένας από τους σπουδαίους Ολλανδούς καλλιτέχνες ήταν ο Φρανς Χαλς (περίπου 1580-1666). Γεννήθηκε τον 17ο αιώνα στην Αμβέρσα. Ως πολύ νέος καλλιτέχνης ήρθε στο Χάρλεμ, όπου μεγάλωσε και διαμορφώθηκε στο στυλ της σχολής του Karel Van Mander. Το Χάρλεμ ήταν περήφανο για τον καλλιτέχνη του και έφεραν εξέχοντες καλεσμένους στο στούντιό του - τον Ρούμπενς και τον Βαν Ντάικ.
Ο Χαλς ήταν σχεδόν αποκλειστικά ζωγράφος πορτρέτων, αλλά η τέχνη του σήμαινε πολλά όχι μόνο για την ολλανδική προσωπογραφία, αλλά και για τη διαμόρφωση άλλων ειδών. Στο έργο του Hals, μπορούν να διακριθούν τρεις τύποι συνθέσεων πορτρέτου: ένα ομαδικό πορτρέτο, ένα ατομικό πορτρέτο με παραγγελία και ένας ειδικός τύπος εικόνων πορτρέτου, παρόμοια στη φύση με τη ζωγραφική του είδους.
Το 1616, ο Χαλς ζωγράφισε «Το συμπόσιο των Αξιωματικών της Εταιρείας του Συντάγματος Τυφεκίων του Αγίου Γεωργίου», στο οποίο έσπασε εντελώς με το παραδοσιακό μοτίβο ενός ομαδικού αχθοφόρου. Δημιουργώντας πολύ ζωντανή εργασίαΣυνδυάζοντας χαρακτήρες σε ομάδες και δίνοντάς τους διάφορες πόζες, φαινόταν να συγχωνεύει το πορτραίτο με τη ζωγραφική του είδους. Το έργο στέφθηκε με επιτυχία και ο καλλιτέχνης πλημμύρισε από παραγγελίες.
Οι χαρακτήρες του στέκονται φυσικά και ελεύθερα στο πορτρέτο, η στάση και οι χειρονομίες τους φαίνονται ασταθείς και η έκφραση στα πρόσωπά τους πρόκειται να αλλάξει. Το πιο αξιοσημείωτο χαρακτηριστικό του δημιουργικού τρόπου του Hals είναι η ικανότητα να μεταδίδει χαρακτήρα μέσω μεμονωμένων εκφράσεων και χειρονομιών του προσώπου, σαν να τον πιάνουν στα πεταχτά - "Χαρούμενος σύντροφος ποτών", "Mulatto", "Χαμογελαστός αξιωματικός". Ο καλλιτέχνης αγαπούσε συναισθηματικές καταστάσεις γεμάτες δυναμική. Αλλά σε αυτή τη στιγμή που απαθανάτισε ο Χαλς, το πιο ουσιαστικό, ο πυρήνας της εικόνας του «Τσιγγάνου», το «Malle Babe» αποτυπώνεται πάντα.
Ωστόσο, στις εικόνες του Χαλς από το τέλος των δεκαετιών του '30 και του '40, εμφανίζεται στοχασμός και θλίψη, ξένες προς τους χαρακτήρες του στο πορτρέτο του Willem Heythuisen, και μερικές φορές μια ελαφριά ειρωνεία διαφεύγει στη στάση του καλλιτέχνη απέναντί τους. Η χαρμόσυνη αποδοχή της ζωής και του ανθρώπου σταδιακά εξαφανίζεται από την τέχνη Khalsa.
Σημεία καμπής έχουν έρθει στη ζωγραφική Khalsa. Στα πορτρέτα του Χαλς, ζωγραφισμένα στις δεκαετίες του '50 και του '60, η εις βάθος μαεστρία του χαρακτηρισμού συνδυάζεται με ένα νέο εσωτερικό νόημα. Ένα από τα πιο δυνατά έργα του αείμνηστου Χαλς είναι το πορτρέτο ενός άνδρα από το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης (1650-1652). Η σύνθεση του πορτρέτου είναι μια γενεαλογική εικόνα της φιγούρας, η τοποθέτησή της σε ένα καθαρό μέτωπο, το βλέμμα στραμμένο απευθείας στον θεατή, η σημασία της προσωπικότητας γίνεται αισθητή. Η στάση του άντρα αποκαλύπτει ψυχρή εξουσία και αλαζονική περιφρόνηση για όλους. Η αυτοεκτίμηση συνδυάζεται μέσα του με απέραντη φιλοδοξία. Ταυτόχρονα, μια χροιά απογοήτευσης πιάνεται απροσδόκητα στο βλέμμα, σαν σε αυτό το άτομο να κρύβεται η λύπη για το παρελθόν - για τη νεολαία του και τη νεολαία της γενιάς του, των οποίων τα ιδανικά έχουν ξεχαστεί και τα κίνητρα ζωής έχουν ξεθωριάσει.
Τα πορτρέτα του Hals των δεκαετιών του '50 και του '60 αποκαλύπτουν πολλά για την ολλανδική πραγματικότητα εκείνων των χρόνων. Ο καλλιτέχνης έζησε μια μακρά ζωή και είχε την ευκαιρία να δει τον εκφυλισμό της ολλανδικής κοινωνίας και την εξαφάνιση του δημοκρατικού της πνεύματος. Δεν είναι τυχαίο ότι η τέχνη Khalsa είναι πλέον εκτός μόδας. Τα όψιμα έργα του Χαλς αντανακλούν με ευαισθησία το πνεύμα της εποχής, τόσο ξένο για τον πλοίαρχο, αλλά σε αυτά μπορεί κανείς να ακούσει και τη δική του απογοήτευση από τη γύρω πραγματικότητα. Σε κάποια έργα αυτών των χρόνων, αποτυπώνεται ο απόηχος των προσωπικών συναισθημάτων του παλιού καλλιτέχνη, που έχανε την παλιά του αίγλη και είχε ήδη δει το τέλος του ταξιδιού της ζωής του.
Δύο χρόνια πριν από το θάνατό του, το 1664, ο Χαλς ζωγράφισε πορτρέτα των αντιβασιλέων και των αντιβασιλέων (έμπιστων) του γηροκομείου του Χάρλεμ.
Στο «Portrait of the Regents» τους ενώνει όλους ένα αίσθημα απογοήτευσης και καταστροφής. Δεν υπάρχει ζωντάνια στους αντιβασιλείς, όπως στα πρώιμα ομαδικά πορτρέτα του Χαλς. Όλοι είναι μόνοι, ο καθένας υπάρχει μόνος του. Μαύροι τόνοι με κοκκινοροζ κηλίδες δημιουργούν μια τραγική ατμόσφαιρα.
Το «Portrait of the Regents» αποφασίζεται σε ένα διαφορετικό συναισθηματικό κλειδί. Στις σχεδόν ακίνητες πόζες των απαθών ηλικιωμένων, που δεν γνωρίζουν συμπόνια, νιώθει κανείς την εξουσία του κυρίου και ταυτόχρονα σε όλες ζει βαθιά κατάθλιψη, αίσθημα αδυναμίας και απελπισίας μπροστά στον επικείμενο θάνατο.
Μέχρι το τέλος των ημερών του, ο Χαλς διατήρησε το αλάθητο της ικανότητάς του και η τέχνη του ογδόνταχρονου ζωγράφου απέκτησε διορατικότητα και δύναμη.
6. Ρέμπραντ βαν Ράιν
Ο Ρέμπραντ (1606-1669) είναι ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της χρυσής εποχής της ολλανδικής ζωγραφικής. Γεννήθηκε στο Λέιντεν το 1606. Για να λάβει καλλιτεχνική εκπαίδευση, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στο Άμστερνταμ και μπήκε στο εργαστήριο του Pieter Lastman και στη συνέχεια επέστρεψε στο Leiden, όπου το 1625 ξεκίνησε μια ανεξάρτητη δημιουργική ζωή. Το 1631, ο Ρέμπραντ μετακόμισε τελικά στο Άμστερνταμ και η υπόλοιπη ζωή του κυρίου συνδέθηκε με αυτήν την πόλη.
Το έργο του Ρέμπραντ είναι εμποτισμένο με μια φιλοσοφική κατανόηση της ζωής και του εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου. Αυτή είναι η κορυφή της ανάπτυξης της ολλανδικής τέχνης του 17ου αιώνα. Η καλλιτεχνική κληρονομιά του Ρέμπραντ διακρίνεται από μια ποικιλία ειδών. Ζωγράφισε πορτρέτα, νεκρές φύσεις, τοπία, σκηνές του είδους, πίνακες με ιστορικά, βιβλικά και μυθολογικά θέματα. Όμως το έργο του καλλιτέχνη έφτασε στο μεγαλύτερο βάθος τα τελευταία χρόνια της ζωής του. Το Ουφίτσι έχει τρία έργα του μεγάλου δασκάλου. Αυτό είναι μια αυτοπροσωπογραφία στη νεότητα, μια αυτοπροσωπογραφία σε μεγάλη ηλικία, ένα πορτρέτο ενός γέρου (ραββίνος) Σε πολλά από τα μεταγενέστερα έργα του, ο καλλιτέχνης βυθίζει ολόκληρη την επιφάνεια του καμβά στο σκοτάδι, εστιάζοντας την προσοχή του θεατή. στο πρόσωπο.
Έτσι απεικόνιζε τον εαυτό του ο Ρέμπραντ σε ηλικία 23 ετών.
Η περίοδος της μετακόμισης στο Άμστερνταμ σημαδεύτηκε από δημιουργική βιογραφία Rembrandt δημιουργώντας πολλές μελέτες για άνδρες και γυναίκες. Σε αυτά εξερευνά τη μοναδικότητα κάθε μοντέλου, τις εκφράσεις του προσώπου του. Αυτά τα μικρά έργα έγιναν αργότερα μια πραγματική σχολή του Ρέμπραντ ως προσωπογράφου. Ήταν η ζωγραφική πορτρέτου που εκείνη την εποχή επέτρεψε στον καλλιτέχνη να προσελκύει παραγγελίες από πλούσιους μπιφτέκι του Άμστερνταμ και έτσι να επιτύχει εμπορική επιτυχία.
Το 1653, αντιμετωπίζοντας οικονομικές δυσκολίες, ο καλλιτέχνης μεταβίβασε σχεδόν όλη την περιουσία του στον γιο του Τίτο, μετά την οποία κήρυξε πτώχευση το 1656. Αφού πούλησε το σπίτι και την περιουσία του, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στα περίχωρα του Άμστερνταμ, στην εβραϊκή συνοικία, όπου πέρασε το υπόλοιπο της ζωής του. Το πιο κοντινό του πρόσωπο εκείνα τα χρόνια ήταν, προφανώς, ο Τίτος, γιατί οι εικόνες του είναι οι πιο πολλές. Ο θάνατος του Τίτου το 1668 ήταν ένα από τα τελευταία χτυπήματα της μοίρας για τον καλλιτέχνη. ο ίδιος πέθανε ένα χρόνο αργότερα. «Ο Ματθαίος και ο Άγγελος» (1661). Ίσως ο Τίτος ήταν το πρότυπο για τον άγγελο.
Οι δύο τελευταίες δεκαετίες της ζωής του Ρέμπραντ έγιναν το αποκορύφωμα της ικανότητάς του ως προσωπογράφος. Τα μοντέλα είναι οι σύντροφοι του καλλιτέχνη (Nicholas Breuning, 1652· Gerard de Leresse, 1665· Jeremias de Dekker, 1666), στρατιώτες, γέροι και γυναίκες - όλοι όσοι, όπως ο συγγραφέας, πέρασαν χρόνια θλιβερών δοκιμασιών. Τα πρόσωπα και τα χέρια τους φωτίζονται από εσωτερικό πνευματικό φως. Η εσωτερική εξέλιξη του καλλιτέχνη μεταφέρεται από μια σειρά αυτοπροσωπογραφιών, αποκαλύπτοντας στον θεατή τον κόσμο των πιο εσώτερων εμπειριών του. Η σειρά των αυτοπροσωπογραφιών συνοδεύεται από εικόνες σοφών αποστόλων. Στο πρόσωπο του αποστόλου μπορεί κανείς να διακρίνει τα χαρακτηριστικά του ίδιου του καλλιτέχνη.
7. Βερμέερ του Ντελφτ Ιαν
Ολλανδική ζωγραφική τέχνης νεκρή φύση
Vermeer Jan of Delft (1632-1675) - Ολλανδός ζωγράφος, ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης του ολλανδικού είδους και ζωγραφικής τοπίου. Ο Βερμέερ εργάστηκε στο Ντελφτ. Ως καλλιτέχνης αναπτύχθηκε υπό την επιρροή του Karel Fabritius, ο οποίος πέθανε τραγικά από την έκρηξη μιας πυριτιδαποθήκης.
Οι πρώιμοι πίνακες του Βερμέερ έχουν εξαιρετικές εικόνες ( Ο Χριστός με τη Μάρθα και τη Μαρία ). Το έργο του Βερμέερ επηρεάστηκε έντονα από το έργο του δεξιοτέχνη της ζωγραφικής του είδους Pieter de Hooch. Το στυλ αυτού του ζωγράφου αναπτύχθηκε περαιτέρω στους πίνακες του Βερμέερ.
Από το δεύτερο μισό της δεκαετίας του '50, ο Βερμέερ ζωγράφιζε μικρούς πίνακες με μία ή περισσότερες φιγούρες στο ασημί φως ενός εσωτερικού σπιτιού ( Κορίτσι με ένα γράμμα Υπηρέτρια με μια κανάτα γάλα ). Στα τέλη της δεκαετίας του '50, ο Βερμέερ δημιούργησε δύο αριστουργήματα ζωγραφικής τοπίου: μια ζωγραφική ζωγραφική δρόμος με λαμπερά, φρέσκα, καθαρά, χρώματα και πίνακες Άποψη της πόλης του Ντελφτ . Στη δεκαετία του '60, το έργο του Βερμέερ έγινε πιο εκλεπτυσμένο και η ζωγραφική του έγινε πιο κρύα. ( Κορίτσι με ένα μαργαριτάρι σκουλαρίκι).
Στα τέλη της δεκαετίας του '60, ο καλλιτέχνης απεικόνιζε συχνά πλούσια επιπλωμένα δωμάτια όπου κυρίες και κύριοι έπαιζαν μουσική και είχαν γενναίες συζητήσεις.
Τα τελευταία χρόνια της ζωής του Βερμέερ, η οικονομική του κατάσταση επιδεινώθηκε πολύ. Η ζήτηση για πίνακες έπεσε κατακόρυφα, ο ζωγράφος αναγκάστηκε να πάρει δάνεια για να ταΐσει έντεκα παιδιά και άλλα μέλη της οικογένειας. Αυτό μάλλον επιτάχυνε την προσέγγιση του θανάτου. Δεν είναι γνωστό τι συνέβη - μια οξεία ασθένεια ή κατάθλιψη λόγω οικονομικών, αλλά ο Βερμέερ θάφτηκε το 1675 στην οικογενειακή κρύπτη στο Ντελφτ.
Η ατομική τέχνη του Βερμέερ μετά τον θάνατό του δεν εκτιμήθηκε από τους συγχρόνους του. Το ενδιαφέρον για αυτό αναβίωσε μόλις τον 19ο αιώνα, χάρη στις δραστηριότητες του κριτικός τέχνηςκαι τον ιστορικό τέχνης Etienne Théophile Thoré, ο οποίος «ανακάλυψε» τον Vermeer για το ευρύ κοινό.
συμπέρασμα
Η έκκληση στην πραγματικότητα βοήθησε στη διεύρυνση των καλλιτεχνικών δυνατοτήτων της ολλανδικής τέχνης και εμπλούτισε το θέμα του είδους της. Εάν, μέχρι τον 17ο αιώνα, τα βιβλικά και μυθολογικά θέματα είχαν μεγάλη σημασία στην ευρωπαϊκή καλλιτεχνική τέχνη και άλλα είδη ήταν ελάχιστα αναπτυγμένα, τότε στην ολλανδική τέχνη η σχέση μεταξύ των ειδών αλλάζει δραματικά. Υπάρχει άνοδος σε είδη όπως: καθημερινή ζωή, πορτρέτο, τοπίο, νεκρή φύση. Τα ίδια τα βιβλικά και μυθολογικά θέματα στην ολλανδική τέχνη χάνουν σε μεγάλο βαθμό τις προηγούμενες μορφές ενσάρκωσής τους και τώρα ερμηνεύονται ως οικιακές ζωγραφιές.
Παρ' όλα τα επιτεύγματά της, η ολλανδική τέχνη έφερε επίσης ορισμένα συγκεκριμένα χαρακτηριστικά περιορισμού - ένα στενό φάσμα θεμάτων και μοτίβων. Ένα άλλο μειονέκτημα: μόνο ορισμένοι δάσκαλοι προσπάθησαν να βρουν τη βαθιά τους βάση στα φαινόμενα.
Αλλά σε πολλούς πίνακες σύνθεσης και πορτρέτα, οι εικόνες είναι βαθύτερης φύσης και τα τοπία δείχνουν την αληθινή και πραγματική φύση. Αυτό έγινε ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα της ολλανδικής τέχνης. Έτσι, οι ζωγράφοι έκαναν μεγάλες ανακαλύψεις στην τέχνη κατακτώντας τη δύσκολη και περίπλοκη δεξιότητα της ζωγραφικής εικόνων του εσωτερικού κόσμου και των εμπειριών ενός ατόμου.
Το τεστ μου έδωσε την ευκαιρία να δοκιμάσω τις δημιουργικές μου ικανότητες, να αναπληρώσω τις θεωρητικές μου γνώσεις και να μάθω περισσότερα για τους Ολλανδούς καλλιτέχνες και τα έργα τους.
Φροντιστήριο
Χρειάζεστε βοήθεια για τη μελέτη ενός θέματος;
Οι ειδικοί μας θα συμβουλεύσουν ή θα παρέχουν υπηρεσίες διδασκαλίας σε θέματα που σας ενδιαφέρουν.
Υποβάλετε την αίτησή σαςυποδεικνύοντας το θέμα αυτή τη στιγμή για να ενημερωθείτε σχετικά με τη δυνατότητα λήψης μιας διαβούλευσης.
Ολλανδική ζωγραφική, στις καλές τέχνες
Ολλανδική ζωγραφική, η εμφάνιση και η αρχική του περίοδος συγχωνεύονται σε τέτοιο βαθμό με τα πρώτα στάδια ανάπτυξης της φλαμανδικής ζωγραφικής που οι τελευταίοι ιστορικοί τέχνης θεωρούν και τα δύο για ολόκληρο το διάστημα μέχρι τα τέλη του 16ου αιώνα. αναπόσπαστα, με ένα γενικό όνομα του «ολλανδικού σχολείου».
Και οι δύο, που αποτελούν τον απόγονο του κλάδου του Ρήνου, είναι χαζοί. Η ζωγραφική, οι κύριοι εκπρόσωποι της οποίας είναι ο Wilhelm της Κολωνίας και ο Stefan Lochner, θεωρούν τους αδερφούς van Eyck ως ιδρυτές τους. Και οι δύο κινούνται προς την ίδια κατεύθυνση εδώ και πολύ καιρό, εμψυχώνονται από τα ίδια ιδανικά, επιδιώκουν τα ίδια καθήκοντα, αναπτύσσουν την ίδια τεχνική, έτσι ώστε οι καλλιτέχνες της Ολλανδίας να μην διαφέρουν από τους Φλαμανδούς και Μπραμπάντ αδερφούς τους.
Αυτό συνεχίζεται καθ' όλη τη διάρκεια της διακυβέρνησης της χώρας, πρώτα από τους Βουργουνδούς και μετά από τον Αυστριακό οίκο, μέχρι να ξεσπάσει μια βάναυση επανάσταση, που καταλήγει στον πλήρη θρίαμβο του ολλανδικού λαού έναντι των Ισπανών που τους καταπίεσαν. Από αυτή την εποχή, καθένας από τους δύο κλάδους της ολλανδικής τέχνης αρχίζει να κινείται χωριστά, αν και μερικές φορές τυχαίνει να έρχονται σε πολύ στενή επαφή μεταξύ τους.
Η ολλανδική ζωγραφική παίρνει αμέσως έναν πρωτότυπο, εντελώς εθνικό χαρακτήρα και γρήγορα φτάνει σε μια φωτεινή και άφθονη ανθοφορία. Τα αίτια αυτού του φαινομένου, του οποίου δύσκολα συναντάμε σε όλη την ιστορία της τέχνης, βρίσκονται σε τοπογραφικές, θρησκευτικές, πολιτικές και κοινωνικές συνθήκες.
Σε αυτή τη «χαμηλή χώρα» (hol land), που αποτελείται από βάλτους, νησιά και χερσονήσους, που συνεχώς παρασύρεται από τη θάλασσα και απειλείται από τις επιδρομές της, ο πληθυσμός, μόλις πέταξε τον ξένο ζυγό, έπρεπε να δημιουργήσει τα πάντα εκ νέου, ξεκινώντας από τις φυσικές συνθήκες του εδάφους και τελειώνοντας με ηθικές και πνευματικές συνθήκες, γιατί τα πάντα καταστράφηκαν από τον προηγούμενο αγώνα για ανεξαρτησία. Χάρη στην επιχείρησή τους, την πρακτική λογική και την επίμονη δουλειά τους, οι Ολλανδοί κατάφεραν να μετατρέψουν τους βάλτους σε καρποφόρα χωράφια και πολυτελή βοσκοτόπια, να κατακτήσουν τεράστιες εκτάσεις γης από τη θάλασσα, να αποκτήσουν υλική ευημερία και εξωτερική πολιτική σημασία. Η επίτευξη αυτών των αποτελεσμάτων διευκολύνθηκε σε μεγάλο βαθμό από την ομοσπονδιακή-δημοκρατική μορφή διακυβέρνησης που καθιερώθηκε στη χώρα και τη σοφά εφαρμοσμένη αρχή της ελευθερίας της σκέψης και των θρησκευτικών πεποιθήσεων.
Σαν από θαύμα, παντού, σε όλους τους τομείς της ανθρώπινης εργασίας, η φλογερή δραστηριότητα άρχισε ξαφνικά να βράζει σε ένα νέο, πρωτότυπο, καθαρά λαϊκό πνεύμα, μεταξύ άλλων και στον χώρο της τέχνης. Από τους κλάδους του τελευταίου, στο έδαφος της Ολλανδίας, στάθηκε τυχερός κυρίως σε έναν - τη ζωγραφική, που εδώ, στα έργα πολλών περισσότερο ή λιγότερο ταλαντούχων καλλιτεχνών που εμφανίστηκαν σχεδόν ταυτόχρονα, πήρε μια πολύ ευέλικτη κατεύθυνση και ταυτόχρονα χρόνο εντελώς διαφορετικό από την κατεύθυνση της τέχνης σε άλλες χώρες. Το κύριο χαρακτηριστικό που χαρακτηρίζει αυτούς τους καλλιτέχνες είναι η αγάπη τους για τη φύση, η επιθυμία να την αναπαράγουν με όλη της την απλότητα και αλήθεια, χωρίς τον παραμικρό εξωραϊσμό, χωρίς να την υποτάσσουν κάτω από οποιεσδήποτε συνθήκες προκαθορισμένου ιδεώδους. Η δεύτερη χαρακτηριστική ιδιότητα του Goll. Οι ζωγράφοι αποτελούνται από μια λεπτή αίσθηση του χρώματος και την κατανόηση του τι ισχυρή, μαγευτική εντύπωση μπορεί να κάνει, εκτός από το περιεχόμενο της εικόνας, μόνο από την πιστή και ισχυρή μετάδοση πολύχρωμων σχέσεων που καθορίζονται στη φύση από τη δράση του φωτός ακτίνες, εγγύτητα ή εύρος αποστάσεων.
Μεταξύ των καλύτερων εκπροσώπων της ολλανδικής ζωγραφικής, αυτή η αίσθηση του χρώματος και του φωτός και της σκιάς αναπτύσσεται σε τέτοιο βαθμό που το φως, με τις αμέτρητες και ποικίλες αποχρώσεις του, παίζει στην εικόνα, θα έλεγε κανείς, τον ρόλο του κύριου ήρωα και προσδίδει υψηλή ενδιαφέρον για την πιο ασήμαντη πλοκή, τις πιο άκομψες μορφές και εικόνες. Τότε θα πρέπει να σημειωθεί ότι οι περισσότεροι Goll. Οι καλλιτέχνες δεν κάνουν μακροχρόνιες αναζητήσεις υλικού για τη δημιουργικότητά τους, αλλά αρκούνται σε ό,τι βρίσκουν γύρω τους, στη γηγενή τους φύση και στη ζωή των ανθρώπων τους. Τυπικά χαρακτηριστικά διακεκριμένων συμπατριωτών, τα πρόσωπα των απλών Ολλανδών και Ολλανδίδων, η θορυβώδης διασκέδαση των κοινών γιορτών, οι γιορτές των χωρικών, οι σκηνές της αγροτικής ζωής ή η οικεία ζωή των κατοίκων της πόλης, οι ντόπιοι αμμόλοφοι, οι πόλντερ και οι απέραντες πεδιάδες που διασχίζονται από κανάλια, τα κοπάδια που βόσκουν σε πλούσια λιβάδια, καλύβες, φωλιασμένες στην άκρη δάσους οξιάς ή βελανιδιάς, χωριά στις όχθες ποταμών, λιμνών και άλση, πόλεις με τα καθαρά σπίτια τους, κινητή γέφυρες και ψηλά κωδωνοστάσια εκκλησιών και δημαρχείων, λιμάνια γεμάτα πλοία, ουρανός γεμάτος ασημί ή χρυσαφί ατμοί - όλα αυτά, κάτω από το πινέλο των Ολλανδών δασκάλων εμποτισμένα με αγάπη για την πατρίδα και την εθνική υπερηφάνεια, μετατρέπονται σε πίνακες γεμάτους αέρα, φως και ελκυστικότητα.
Ακόμη και σε εκείνες τις περιπτώσεις που κάποιοι από αυτούς τους δασκάλους καταφεύγουν στη Βίβλο, την αρχαία ιστορία και τη μυθολογία για θέματα, ακόμη και τότε, χωρίς να ανησυχούν για τη διατήρηση της αρχαιολογικής πιστότητας, μεταφέρουν τη δράση στο περιβάλλον των Ολλανδών, περιβάλλοντάς το με ολλανδικό σκηνικό. Είναι αλήθεια ότι δίπλα στο κατάμεστο πλήθος τέτοιων πατριωτών καλλιτεχνών υπάρχει μια φάλαγγα άλλων ζωγράφων που αναζητούν έμπνευση έξω από τα σύνορα της πατρίδας τους, στην κλασική χώρα της τέχνης, την Ιταλία. όμως στα έργα τους υπάρχουν και χαρακτηριστικά που εκθέτουν την εθνικότητα τους.
Τέλος, ως χαρακτηριστικό των Ολλανδών ζωγράφων, μπορεί κανείς να επισημάνει την απάρνηση τους από τις καλλιτεχνικές παραδόσεις. Θα ήταν μάταιο να αναζητήσουμε μεταξύ τους μια αυστηρή συνέχεια γνωστών αισθητικών αρχών και τεχνικών κανόνων, όχι μόνο με την έννοια του ακαδημαϊκού στυλ, αλλά και με την έννοια της αφομοίωσης από τους μαθητές του χαρακτήρα των δασκάλων τους: η εξαίρεση, ίσως, μόνο των μαθητών του Ρέμπραντ, που λίγο πολύ ακολούθησαν τα χνάρια του ιδιοφυούς μέντορά τους, σχεδόν όλοι οι ζωγράφοι στην Ολλανδία, μόλις πέρασαν τα φοιτητικά τους χρόνια, και μερικές φορές ακόμη και σε αυτά τα χρόνια, άρχισαν να εργάζονται σε τον δικό τους τρόπο, ανάλογα με το πού τους οδήγησε η ατομική τους κλίση και τι τους δίδαξε η άμεση παρατήρηση της φύσης.
Επομένως, οι Ολλανδοί καλλιτέχνες δεν μπορούν να χωριστούν σε σχολεία, όπως κάνουμε με τους καλλιτέχνες της Ιταλίας ή της Ισπανίας. είναι δύσκολο ακόμη και να σχηματιστούν αυστηρά καθορισμένες ομάδες από αυτές, και η ίδια η έκφραση «ολλανδική σχολή ζωγραφικής», που έχει τεθεί σε γενική χρήση, πρέπει να ληφθεί μόνο υπό όρους, όπως υποδηλώνει μια συλλογή φυλετικών δασκάλων, αλλά όχι μια πραγματικό σχολείο. Εν τω μεταξύ, σε όλες τις κύριες πόλεις της Ολλανδίας υπήρχαν οργανωμένοι σύλλογοι καλλιτεχνών, οι οποίοι, όπως φαίνεται, θα έπρεπε να έχουν επηρεάσει την επικοινωνία των δραστηριοτήτων τους προς μια γενική κατεύθυνση. Ωστόσο, τέτοιες εταιρείες, που φέρουν το όνομα των συντεχνιών του Αγ. Ο Λουκάς, αν συνέβαλε σε αυτό, το έκανε σε πολύ μέτριο βαθμό. Δεν ήταν ακαδημίες, θεματοφύλακες γνωστών καλλιτεχνικών παραδόσεων, αλλά ελεύθερες εταιρείες, παρόμοιες με άλλες βιοτεχνικές και βιομηχανικές συντεχνίες, που δεν διαφέρουν πολύ από αυτές ως προς τη δομή και στόχευαν στην αμοιβαία υποστήριξη των μελών τους, την προστασία των δικαιωμάτων τους, τη φροντίδα. για τα γηρατειά τους, φροντίζουν για τη μοίρα των χήρων και των ορφανών τους.
Κάθε ντόπιος ζωγράφος που πληρούσε τις προϋποθέσεις των ηθικών προσόντων γινόταν δεκτός στη συντεχνία μετά από προκαταρκτική επιβεβαίωση των ικανοτήτων και των γνώσεών του ή με βάση τη φήμη που είχε ήδη αποκτήσει. οι επισκέπτες καλλιτέχνες έγιναν δεκτοί στη συντεχνία ως προσωρινά μέλη για τη διάρκεια της παραμονής τους σε μια δεδομένη πόλη. Όσοι ανήκουν στη συντεχνία συναντήθηκαν για να συζητήσουν, υπό την προεδρία των κοσμητόρων, τις κοινές τους υποθέσεις ή για την αμοιβαία ανταλλαγή σκέψεων. αλλά σε αυτές τις συναντήσεις δεν υπήρχε τίποτα που να μοιάζει με το κήρυγμα μιας ορισμένης καλλιτεχνικής κατεύθυνσης και που θα έτεινε να περιορίσει την πρωτοτυπία οποιουδήποτε από τα μέλη.
Τα υποδεικνυόμενα χαρακτηριστικά της ολλανδικής ζωγραφικής είναι αισθητά ακόμη και στις πρώτες μέρες της - σε μια εποχή που αναπτύχθηκε αδιαχώριστα από τη φλαμανδική σχολή. Η αποστολή της, όπως και της τελευταίας, ήταν τότε κυρίως να διακοσμεί εκκλησίες με θρησκευτικές αγιογραφίες, παλάτια, δημαρχεία και αρχοντικά σπίτια με πορτρέτα κυβερνητικών αξιωματούχων και αριστοκρατών. Δυστυχώς, τα έργα των πρωτόγονων Ολλανδών ζωγράφων έχουν φτάσει σε εμάς μόνο σε πολύ περιορισμένες ποσότητες, καθώς τα περισσότερα από αυτά χάθηκαν κατά τη διάρκεια εκείνης της ταραγμένης εποχής, όταν η Μεταρρύθμιση κατέστρεψε τις καθολικές εκκλησίες, κατήργησε μοναστήρια και μοναστήρια και υποκίνησε τους «θραυστές εικόνων» (καταιγίδες) να καταστρέψουν το ζωγράφισε και σμίλεψε ιερές εικόνες και η λαϊκή εξέγερση κατέστρεψε παντού τα πορτρέτα των μισητών τυράννων. Ξέρουμε πολλούς από τους καλλιτέχνες που προηγήθηκαν της επανάστασης μόνο ονομαστικά. Μπορούμε να κρίνουμε τους άλλους μόνο από ένα ή δύο δείγματα της δουλειάς τους. Έτσι, για τον παλαιότερο από τους Ολλανδούς ζωγράφους, τον Albert van Ouwater, δεν υπάρχουν θετικά στοιχεία, εκτός από την πληροφορία ότι ήταν σύγχρονος των van Eycks και εργάστηκε στο Χάρλεμ. Δεν υπάρχουν αξιόπιστοι πίνακές του. Ο μαθητής του Gertjen van Sint-Jan είναι γνωστός μόνο από δύο πίνακες ενός τρίπτυχου («St. Sepulchre» και «Legend of the Bones of St. John»), που έγραψε για τον Καθεδρικό Ναό του Χάρλεμ, που φυλάσσεται στην Πινακοθήκη της Βιέννης. Η ομίχλη που μας σκεπάζει στην αρχική εποχή της σχολής G. αρχίζει να διαλύεται με την εμφάνιση στη σκηνή του Dirk Bouts, με το παρατσούκλι Stuerboat († 1475), με καταγωγή από το Haarlem, αλλά που εργαζόταν στο Leuven και γι' αυτό πολλοί θεωρείται ότι είναι μέρος του φλαμανδικού σχολείου (τα καλύτερα έργα του είναι δύο πίνακες «Η λανθασμένη δίκη του αυτοκράτορα Όθωνα», βρίσκονται στο Μουσείο των Βρυξελλών), καθώς και ο Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), του οποίου η κύρια αξία είναι ότι ήταν ο δάσκαλος του ο περίφημος Λουκάς του Λέιντεν (1494-1533). Αυτός ο τελευταίος, ένας πολυπράγμων, εργατικός και εξαιρετικά ταλαντούχος καλλιτέχνης, ήξερε πώς, όπως κανείς πριν από αυτόν, να αναπαράγει με ακρίβεια όλα όσα του τράβηξαν την προσοχή, και ως εκ τούτου μπορεί να θεωρηθεί ο πραγματικός πατέρας του ολλανδικού είδους, αν και έπρεπε να ζωγραφίζει κυρίως θρησκευτικά πίνακες ζωγραφικής και πορτρέτα. Στα έργα του σύγχρονου του Jan Mostaert (περίπου 1470-1556), η επιθυμία για νατουραλισμό συνδυάζεται με ένα άγγιγμα της γοτθικής παράδοσης, τη ζεστασιά του θρησκευτικού συναισθήματος με την ανησυχία για την εξωτερική κομψότητα.
Εκτός από αυτούς τους εξαιρετικούς δασκάλους, αξίζει να αναφερθούν οι ακόλουθοι για την αρχική εποχή της ολλανδικής τέχνης: Hieronymus van Aken, με το παρατσούκλι Hieronymus de Bosch (περ. 1462-1516), ο οποίος έθεσε τα θεμέλια για τη σατιρική καθημερινή ζωγραφική με το περίπλοκο, περίπλοκο και μερικές φορές εξαιρετικά περίεργες συνθέσεις. Jan Mundain († 1520), διάσημος στο Χάρλεμ για τις απεικονίσεις του διαβολισμού και της βαβούρας. Peter Aertsen († 1516), με το παρατσούκλι "Long Peter" (Lange Pier) για το ψηλό του ανάστημα, David Ioris (1501-56), ένας επιδέξιος ζωγράφος γυαλιού, που παρασύρθηκε από την οργή των Αναβαπτιστών και φανταζόταν τον εαυτό του ως τον προφήτη David και τον γιο του Ο Θεός, ο Jacob Swarts (1469 ? - 1535;), ο Jacob Cornelissen (1480; - αργότερα 1533) και ο γιος του Dirk Jacobs (δύο πίνακες του τελευταίου, που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού, βρίσκονται στο Ερμιτάζ).
Περίπου το μισό του 16ου πίνακα. μεταξύ των Ολλανδών ζωγράφων υπάρχει η επιθυμία να απαλλαγούν από τις ελλείψεις της εγχώριας τέχνης - τη γοτθική γωνιότητα και την ξηρότητά της - μελετώντας Ιταλούς καλλιτέχνες της Αναγέννησης και συνδυάζοντας τον τρόπο τους με τις καλύτερες παραδόσεις της δικής τους σχολής. Αυτή η επιθυμία είναι ήδη ορατή στα έργα του προαναφερθέντος Mostert. αλλά ο κύριος διαδότης του νέου κινήματος πρέπει να θεωρηθεί ο Jan Schorel (1495-1562), ο οποίος έζησε για μεγάλο χρονικό διάστημα στην Ιταλία και αργότερα ίδρυσε ένα σχολείο στην Ουτρέχτη, από το οποίο προήλθαν αρκετοί καλλιτέχνες μολυσμένοι με την επιθυμία να γίνουν Ολλανδοί Ραφαήλ. και ο Μιχαήλ Άγγελος. Στα βήματά του, ο Maarten van Van, με το παρατσούκλι Gemskerk (1498-1574), ο Henryk Goltzius (1558-1616), ο Peter Montford, παρατσούκλι. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Ο Χάρλεμ (1562-1638) και άλλοι που ανήκαν στην επόμενη περίοδο της ιταλικής σχολής, όπως, για παράδειγμα, ο Αβραάμ Μπλόμαερτ (1564-1651), ο Τζέραρντ Γκόνθορστ (1592-1662), ξεπέρασαν τις Άλπεις για να εμποτιστούν με τις τελειότητες. των φωτιστών της ιταλικής ζωγραφικής, αλλά έπεσαν, ως επί το πλείστον, υπό την επίδραση εκπροσώπων της παρακμής αυτού του πίνακα που άρχιζε εκείνη την εποχή, επέστρεψαν στην πατρίδα τους ως μανιεριστές, φανταζόμενοι ότι όλη η ουσία της τέχνης βρίσκεται σε την υπερβολή των μυών, στην επιτηδειότητα των γωνιών και την απελπισία των συμβατικών χρωμάτων.
Ωστόσο, η γοητεία με τους Ιταλούς, που συχνά επεκτεινόταν στα άκρα στη μεταβατική εποχή της ολλανδικής ζωγραφικής, έφερε ένα είδος πλεονεκτήματος, καθώς έφερε σε αυτόν τον πίνακα καλύτερο, πιο μαθημένο σχέδιο και την ικανότητα να διαχειρίζεται τη σύνθεση πιο ελεύθερα και τολμηρά. Μαζί με την παλιά ολλανδική παράδοση και την απεριόριστη αγάπη για τη φύση, ο Ιταλισμός έγινε ένα από τα στοιχεία από τα οποία διαμορφώθηκε η πρωτότυπη, ιδιαίτερα ανεπτυγμένη τέχνη της ακμάζουσας εποχής. Η έναρξη αυτής της εποχής, όπως έχουμε ήδη πει, θα πρέπει να χρονολογηθεί στις αρχές του 17ου αιώνα, όταν η Ολλανδία, έχοντας κερδίσει την ανεξαρτησία, άρχισε να ζει μια νέα ζωή. Η δραματική μετατροπή μιας καταπιεσμένης και φτωχής χώρας μόλις χθες σε μια πολιτικά σημαντική, άνετη και πλούσια ένωση κρατών συνοδεύτηκε από μια εξίσου δραματική επανάσταση στην τέχνη της.
Από όλες τις πλευρές, σχεδόν ταυτόχρονα, αναδύονται σε αμέτρητους αριθμούς υπέροχοι καλλιτέχνες, καλούμενοι να δραστηριοποιηθούν από την άνοδο του εθνικού πνεύματος και την ανάγκη για το έργο τους που έχει αναπτυχθεί στην κοινωνία. Στα αρχικά καλλιτεχνικά κέντρα, το Χάρλεμ και το Λάιντεν, προστίθενται νέα - Ντελφτ, Ουτρέχτη, Ντόρτρεχτ, Χάγη, Άμστερνταμ κ.λπ. Παντού τα παλιά καθήκοντα της ζωγραφικής αναπτύσσονται με νέο τρόπο υπό την επίδραση των μεταβαλλόμενων απαιτήσεων και απόψεων , και τους νέους κλάδους της, οι απαρχές των οποίων ήταν ελάχιστα αισθητές την προηγούμενη περίοδο.
Η Μεταρρύθμιση έδιωξε τους θρησκευτικούς πίνακες από τις εκκλησίες. δεν χρειαζόταν να διακοσμηθούν τα παλάτια και οι ευγενείς αίθουσες με εικόνες αρχαίων θεών και ηρώων, και επομένως η ιστορική ζωγραφική, που ικανοποιούσε τα γούστα της πλούσιας αστικής τάξης, απέρριψε τον ιδεαλισμό και στράφηκε σε μια ακριβή αναπαραγωγή της πραγματικότητας: άρχισε να ερμηνεύει γεγονότα του μακρού παρελθόντος όπως τα γεγονότα της εποχής που έλαβαν χώρα στην Ολλανδία, και κυρίως έλαβαν προσωπογραφία, διαιωνίζοντας σε αυτήν τα χαρακτηριστικά των ανθρώπων εκείνης της εποχής, είτε σε μονόμορφες μορφές είτε σε εκτενείς, πολυμορφικές συνθέσεις που απεικονίζουν κοινωνίες τουφεκιού (schutterstuke), οι οποίες έπαιξε τόσο εξέχοντα ρόλο στον αγώνα για την απελευθέρωση της χώρας - οι διαχειριστές των φιλανθρωπικών της ιδρυμάτων (regentenstuke), οι εργοδηγοί των καταστημάτων και τα μέλη διαφόρων εταιρειών.
Αν αποφασίσαμε να μιλήσουμε για όλους τους ταλαντούχους πορτραίτες της ακμάζουσας εποχής της ολλανδικής τέχνης, τότε και μόνο η λίστα των ονομάτων τους με ένδειξη των καλύτερων έργων τους θα χρειαζόταν πολλές γραμμές. Ως εκ τούτου, περιοριζόμαστε να αναφέρουμε μόνο εκείνους τους καλλιτέχνες που ξεχωρίζουν ιδιαίτερα από τη γενική τάξη. Αυτοί είναι οι: Michiel Miervelt (1567-1641), ο μαθητής του Paulus Morelse (1571-1638), ο Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572; - 1657), οι προκάτοχοι των τριών μεγαλύτερων προσωπογράφων της Ολλανδίας - των μάγος του chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), ενός ασύγκριτου σχεδιαστή που είχε μια καταπληκτική τέχνη να μοντελοποιεί φιγούρες στο φως, αλλά κάπως ψυχρό χαρακτήρα και χρώμα, Bartholomew van der Gelst (1611 ή 1612-70) και εντυπωσιακό με τη φούγκα του πινέλου του Frans Gols the Elder (1581-1666). Από αυτά, το όνομα του Ρέμπραντ λάμπει ιδιαίτερα έντονα στην ιστορία, στην αρχή εκτιμήθηκε πολύ από τους συγχρόνους του, στη συνέχεια ξεχάστηκε από αυτούς, εκτιμήθηκε ελάχιστα από τους μεταγενέστερους και μόνο τον τρέχοντα αιώνα ανυψώθηκε, με κάθε δικαιοσύνη, στο επίπεδο του κόσμου. ιδιοφυία.
Στη χαρακτηριστική του καλλιτεχνική προσωπικότητα, όλες οι καλύτερες ιδιότητες της ολλανδικής ζωγραφικής συγκεντρώνονται, σαν να εστιάζονται, και η επιρροή του αντικατοπτρίστηκε σε όλους τους τύπους - σε πορτρέτα, ιστορικούς πίνακες, καθημερινές σκηνές και τοπία. Οι πιο διάσημοι μεταξύ των μαθητών και οπαδών του Ρέμπραντ ήταν οι: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 ή 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (περίπου 1620-54), Salomon and Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († αργότερα 1645), Gerard Dou (1613-75) και Samuel van Googstraten (1626-78). Εκτός από αυτούς τους καλλιτέχνες, για να συμπληρωθεί ο κατάλογος των καλύτερων προσωπογράφων και ιστορικών ζωγράφων της υπό εξέταση περιόδου, θα πρέπει να ονομάσουμε τον Jan Lievens (1607-30), τον συμμαθητή του Ρέμπραντ του P. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72). ) και ο Pieter Nazon (1612-91), εργαζόμενοι, προφανώς, υπό την επιρροή του V. d Gelsta, ο μιμητής των Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan and Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) και Nicholas de Gelta-Stokade (1614-). Η οικιακή ζωγραφική, τα πρώτα πειράματα της οποίας εμφανίστηκαν στο παλιό ολλανδικό σχολείο, βρέθηκε τον 17ο αιώνα. ιδιαίτερα γόνιμο έδαφος στην προτεσταντική, ελεύθερη, αστική, αυτάρεσκη Ολλανδία.
Μικρές εικόνες, που αντιπροσώπευαν άτεχνα τα έθιμα και τη ζωή διαφορετικών τάξεων της τοπικής κοινωνίας, φαίνονταν σε αρκετούς ανθρώπους πιο διασκεδαστικές από μεγάλα έργα σοβαρής ζωγραφικής και, μαζί με τοπία, πιο βολικές για τη διακόσμηση φιλόξενων ιδιωτικών κατοικιών. Μια ολόκληρη ορδή καλλιτεχνών ικανοποιεί τη ζήτηση τέτοιων εικόνων, χωρίς να σκέφτεται πολύ την επιλογή των θεμάτων για αυτές, αλλά αναπαράγει συνειδητά όλα όσα συναντά κανείς στην πραγματικότητα, δείχνοντας ταυτόχρονα αγάπη για την οικογένειά τους, στη συνέχεια καλοσυνάτο χιούμορ, με ακρίβεια χαρακτηρίζοντας τις απεικονιζόμενες θέσεις και πρόσωπα και εξευγενισμένο στην κυριαρχία της τεχνολογίας. Ενώ κάποιοι ασχολούνται με τη ζωή των απλών ανθρώπων, σκηνές αγροτικής ευτυχίας και λύπης, ποτό σε ταβέρνες και ταβέρνες, συγκεντρώσεις μπροστά σε πανδοχεία στην άκρη του δρόμου, αγροτικές διακοπές, παιχνίδια και πατινάζ στους πάγους παγωμένων ποταμών και καναλιών κ.λπ., άλλοι παίρνουν το περιεχόμενο για τα έργα τους από έναν πιο κομψό κύκλο - ζωγραφίζουν χαριτωμένες κυρίες στο οικείο τους περιβάλλον, την ερωτοτροπία των δανδή κυρίων, τις νοικοκυρές που δίνουν εντολές στις υπηρέτριές τους, τις ασκήσεις κομμωτηρίου στη μουσική και το τραγούδι, το γλέντι της χρυσής νεότητας σε σπίτια αναψυχής κ.λπ. Στη μεγάλη σειρά των καλλιτεχνών της πρώτης κατηγορίας διαπρέπουν οι Adrian και Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 ή 1606-38), Jan Stan (περίπου 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, με το παρατσούκλι Bambocchio στην Ιταλία (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, με το παρατσούκλι Sorg (1621-82), Claes Molenaar (πρώην 1630-76), Jan Minse-Molenar (περίπου 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) και μερικοί. κ.λπ. Από τον εξίσου σημαντικό αριθμό ζωγράφων που αναπαρήγαγαν τη ζωή της μεσαίας και ανώτερης, γενικά επαρκούς, τάξης, οι Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Γκογκ (1630-66), Κάσπαρ Νέτσερ (1639-84), Γαλλία γ. Miris the Elder (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer of Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony and Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) κ.λπ. Η κατηγορία των ζωγράφων του είδους περιλαμβάνει καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν σκηνές στρατιωτικής ζωής, αδράνεια στρατιωτών σε φρουρά , χώροι κατασκήνωσης, αψιμαχίες ιππικού και ολόκληρες μάχες, άλογα γυμναστικής, καθώς και σκηνές κυνηγιού γερακιών και κυνηγόσκυλων παρόμοιες με σκηνές μάχης. Ο κύριος εκπρόσωπος αυτού του κλάδου της ζωγραφικής είναι ο διάσημος και εξαιρετικά παραγωγικός Philips Wouwerman (1619-68). Εκτός από αυτόν, ο αδερφός της αυτού του δασκάλου, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), τον οποίο σύντομα θα συναντήσουμε ανάμεσα στους τοπιογράφους, τους προαναφερθέντες Παλαμήδη, Jacob Leduc (1600 - αργότερα 1660), Henrik. Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), κ.λπ. Για πολλούς από αυτούς τους καλλιτέχνες, το τοπίο παίζει εξίσου σημαντικό ρόλο με τις ανθρώπινες φιγούρες. αλλά παράλληλα με αυτούς εργάζεται και μια μάζα ζωγράφων που το θέτουν ως κύριο ή αποκλειστικό έργο τους.
Γενικά, οι Ολλανδοί έχουν το αναφαίρετο δικαίωμα να είναι περήφανοι που η πατρίδα τους είναι η γενέτειρα όχι μόνο του νεότερου είδους, αλλά και του τοπίου με την έννοια που γίνεται κατανοητό σήμερα. Μάλιστα, σε άλλες χώρες, π.χ. στην Ιταλία και τη Γαλλία, η τέχνη δεν ενδιαφέρθηκε καθόλου για την άψυχη φύση, δεν βρήκε σε αυτήν ούτε μια μοναδική ζωή ούτε ιδιαίτερη ομορφιά: ο ζωγράφος εισήγαγε το τοπίο στους πίνακές του μόνο ως παράπλευρο στοιχείο, ως διακόσμηση, μεταξύ των οποίων επεισόδια ανθρώπινου δράματος ή Η κωμωδία παίζεται, και ως εκ τούτου την υποβάλλει σε συνθήκες σκηνής, επινοώντας γραφικές γραμμές και σημεία που της ωφελούν, αλλά χωρίς να αντιγράφει τη φύση, χωρίς να έχει διαποτιστεί από την εντύπωση που εμπνέει.
Με τον ίδιο τρόπο «συνέθεσε» τη φύση σε εκείνες τις σπάνιες περιπτώσεις που προσπάθησε να ζωγραφίσει έναν καθαρά τοπιογράφο. Οι Ολλανδοί ήταν οι πρώτοι που κατάλαβαν ότι ακόμα και στην άψυχη φύση όλα αναπνέουν ζωή, όλα είναι ελκυστικά, όλα είναι ικανά να προκαλούν σκέψη και να συναρπάζουν την κίνηση της καρδιάς. Και αυτό ήταν απολύτως φυσικό, γιατί οι Ολλανδοί, ας πούμε έτσι, δημιούργησαν τη φύση γύρω τους με τα χέρια τους, τη θησαύρισαν και τη θαύμασαν, όπως ο πατέρας θησαυρίζει και θαυμάζει το δικό του πνευματικό τέκνο. Επιπλέον, αυτή η φύση, παρά τη σεμνότητα των μορφών και των χρωμάτων της, παρείχε στους χρωματιστές όπως οι Ολλανδοί άφθονο υλικό για την ανάπτυξη μοτίβων φωτισμού και εναέριας προοπτικής λόγω των κλιματικών συνθηκών της χώρας - τον κορεσμένο με ατμό αέρα της, μαλακώνοντας τα περιγράμματα του αντικείμενα, που παράγουν μια διαβάθμιση τόνων σε διαφορετικά σχέδια και καλύπτουν την απόσταση με μια ομίχλη αργυρής ή χρυσής ομίχλης, καθώς και τη μεταβλητότητα της εμφάνισης των περιοχών που καθορίζονται από την εποχή του χρόνου, την ώρα της ημέρας και τις καιρικές συνθήκες.
Από τους τοπιογράφους της περιόδου της ανθοφορίας, οι Ολλανδοί. σχολεία που ήταν διερμηνείς της εγχώριας φύσης τους είναι ιδιαίτερα σεβαστά: Jan V. Goyen (1595-1656), ο οποίος μαζί με τον Esaias van de Velde (περ. 1590-1630) και τον Pieter Moleyn the Elder. (1595-1661), που θεωρείται ο ιδρυτής του Γκολ. τοπίο; τότε αυτός ο μαθητής του μεταπτυχιακού, ο Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (περ. 1600 - αργότερα 1679), λάτρης των εφέ του καλύτερου φωτισμού Τέχνη. d Nair (1603-77), ποιητικό Jacob v. Ruisdael (1628 ή 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) και Cornelis Dekker († 1678).
Μεταξύ των Ολλανδών υπήρχαν και πολλοί τοπιογράφοι που ξεκίνησαν ταξίδια και αναπαρήγαγαν μοτίβα ξένης φύσης, κάτι που όμως δεν τους εμπόδισε να διατηρήσουν έναν εθνικό χαρακτήρα στη ζωγραφική τους. Albert V. Ο Έβερντινγκεν (1621-75) απεικόνισε απόψεις της Νορβηγίας. Jan Both (1610-52), Dirk v. Μπέργκεν († αργότερα 1690) και Γιαν Λίνγκελμπαχ (1623-74) - Ιταλία; Ian V. δ. Δήμαρχος ο νεότερος (1656-1705), Χέρμαν Σάφτλεβεν (1610-85) και Γιαν Γκρίφιρ (1656-1720) - Ρέινα. Jan Hackart (1629-99;) - Γερμανία και Ελβετία. Ο Cornelis Pulenenburg (1586-1667) και μια ομάδα οπαδών του ζωγράφισαν τοπία εμπνευσμένα από την ιταλική φύση, με ερείπια αρχαίων κτιρίων, νύμφες που κολυμπούν και σκηνές μιας φανταστικής Αρκαδίας. Σε μια ειδική κατηγορία μπορούμε να ξεχωρίσουμε μάστορες που στους πίνακές τους συνδύασαν τοπία με εικόνες ζώων, δίνοντας προτίμηση είτε στο πρώτο είτε στο δεύτερο ή αντιμετωπίζοντας και τα δύο μέρη με την ίδια προσοχή. Ο πιο διάσημος από αυτούς τους ζωγράφους του αγροτικού ειδυλλίου είναι ο Paulus Potter (1625-54). Εκτός από αυτόν, εδώ θα πρέπει να συμπεριληφθεί και ο Άντριαν. d Velde (1635 ή 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) και πολυάριθμοι καλλιτέχνες που στράφηκαν για θέματα κατά προτίμηση ή αποκλειστικά στην Ιταλία, όπως: Willem Romain († αργότερα 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616;-77) Frederic de Moucheron (1633 ή 1634 -86) κ.λπ. Στενά συνδεδεμένη με τη ζωγραφική τοπίου είναι η ζωγραφική των αρχιτεκτονικών απόψεων, την οποία οι Ολλανδοί καλλιτέχνες άρχισαν να ασχολούνται ως ανεξάρτητος κλάδος τέχνης μόλις στα μισά του 17ου αιώνα.
Μερικοί από εκείνους που από τότε εργάστηκαν σε αυτόν τον τομέα ήταν περίπλοκοι στην απεικόνιση των δρόμων και των πλατειών της πόλης με τα κτίριά τους. αυτοί είναι, μεταξύ άλλων, λιγότερο σημαντικοί, οι Johannes Bärestraten (1622-66), Job and Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d Heyden (1647-1712) και Jacob v. χωριό Γιούλφτ (1627-88). Άλλοι, μεταξύ των οποίων οι πιο εξέχοντες είναι οι Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Ο Delen (1605-71), ο Emmanuel de Witte (1616 ή 1617-92), ζωγράφισαν εσωτερικές όψεις εκκλησιών και παλατιών. Η θάλασσα ήταν τόσο σημαντική στη ζωή της Ολλανδίας που η τέχνη της δεν μπορούσε να την αντιμετωπίσει παρά μόνο με τη μεγαλύτερη προσοχή. Πολλοί από τους καλλιτέχνες του που ασχολήθηκαν με το τοπίο, το είδος, ακόμα και με πορτρέτα, ξεφεύγοντας από τα συνηθισμένα τους θέματα για λίγο, έγιναν ναυτικοί ζωγράφοι και αν αποφασίσαμε να απαριθμήσουμε όλους τους ζωγράφους της ολλανδικής σχολής που απεικόνιζαν μια ήρεμη ή φουρτουνιασμένη θάλασσα, τα πλοία λικνίζονται πάνω του, σωριασμένα λιμενικά πλοία, ναυμαχίες κ.λπ., τότε θα είχαμε μια πολύ μεγάλη λίστα που θα περιλαμβάνει τα ονόματα του Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdal, A. Cuyp και άλλοι που έχουν ήδη αναφερθεί στις προηγούμενες γραμμές. Περιοριζόμενοι στο να επισημάνουμε εκείνους για τους οποίους η ζωγραφική θαλάσσιων ειδών ήταν ειδικότητα, πρέπει να ονομάσουμε τον Willem v. de Velde the Elder (1611 ή 1612-93), ο διάσημος γιος του V. v. de Velde ο νεότερος (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) και Julius Parcellis († αργότερα 1634).
Τέλος, η ρεαλιστική κατεύθυνση της ολλανδικής σχολής ήταν ο λόγος που διαμορφώθηκε και αναπτύχθηκε σε αυτήν ένα είδος ζωγραφικής, που σε άλλα σχολεία μέχρι τότε δεν είχε καλλιεργηθεί ως ιδιαίτερος, ανεξάρτητος κλάδος, δηλαδή ζωγραφική λουλουδιών, φρούτων, λαχανικών, ζωντανά πλάσματα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη κ.λπ. - με μια λέξη, αυτό που σήμερα αποκαλείται συνήθως «νεκρή φύση» (nature morte, Stilleben). Στην περιοχή αυτή μεταξύ των Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες της ακμής ήταν ο Jan-Davids de Gem (1606-83), ο γιος του Cornelis (1631-95), ο Abraham Mignon (1640-79), ο Melchior de Gondecoeter (1636-95), η Maria Osterwijk (1630). -93) , Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - αργότερα 1678), Willem Kalf (1621 ή 1622-93) και Jan Waenix (1640-1719).
Η λαμπρή περίοδος της ολλανδικής ζωγραφικής δεν κράτησε πολύ - μόνο έναν αιώνα. Από τις αρχές του 18ου αιώνα. Η παρακμή του έρχεται, όχι επειδή οι ακτές του Zuiderzee παύουν να παράγουν έμφυτα ταλέντα, αλλά επειδή Στην κοινωνία, η εθνική αυτοσυνειδησία εξασθενεί ολοένα και περισσότερο, το εθνικό πνεύμα εξατμίζεται και τα γαλλικά γούστα και απόψεις της πομπώδους εποχής του Λουδοβίκου 14ου κυριαρχούν. Στην τέχνη, αυτή η πολιτιστική στροφή εκφράζεται με τη λήθη εκ μέρους των καλλιτεχνών εκείνων των βασικών αρχών από τις οποίες εξαρτιόταν η πρωτοτυπία των ζωγράφων των προηγούμενων γενεών και η έφεση στις αισθητικές αρχές που προέρχονται από μια γειτονική χώρα.
Αντί για άμεση σχέση με τη φύση, η αγάπη για αυτό που είναι εγγενές και η ειλικρίνεια, η κυριαρχία των προκατασκευασμένων θεωριών, η σύμβαση και η μίμηση των Poussin, Lebrun, Cl. Λορέν και άλλοι διαφωτιστές της γαλλικής σχολής. Ο κύριος διαπραγματευτής αυτής της θλιβερής τάσης ήταν ο Φλαμανδός Gerard de Leresse (1641-1711), που εγκαταστάθηκε στο Άμστερνταμ, ένας ικανότατος καλλιτέχνης και μορφωμένος στην εποχή του, που άσκησε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του και στους άμεσους απογόνους του, τόσο με το ψεύτικό του ήθος. -ιστορικοί πίνακες και έργα της δικής του πένας, μεταξύ των οποίων ένα, το The Painter's Great Book ('t groot schilderboec), λειτούργησε ως κώδικας για νέους καλλιτέχνες για πενήντα χρόνια. Στην παρακμή της σχολής συνέβαλε και ο περίφημος Αδριανός. de Werff (1659-1722), του οποίου ο κομψός πίνακας με ψυχρές φιγούρες, σαν σκαλισμένος από ελεφαντόδοντο, με ένα θαμπό, ανίσχυρο χρώμα, φαινόταν κάποτε το ύψος της τελειότητας. Μεταξύ των οπαδών αυτού του καλλιτέχνη ο Henryk v. απόλαυσε τη φήμη ως ιστορικοί ζωγράφοι. Limborg (1680-1758) και Philip V.-Dyck (1669-1729), με το παρατσούκλι "Little V.-Dyck".
Από τους άλλους ζωγράφους της εν λόγω εποχής, προικισμένους με αναμφισβήτητο ταλέντο, αλλά μολυσμένους με το πνεύμα των καιρών, πρέπει να σημειωθεί ο Willem and France v. Miris the Younger (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) και Carel de Maur (1656-173). Λίγη λάμψη έδωσε στο ετοιμοθάνατο σχολείο ο Cornelis Troost (1697-1750), κυρίως σκιτσογράφος, με το παρατσούκλι Dutch. Ο Γκόγκαρθ, ο πορτραίτης Jan Quincgard (1688-1772), ο διακοσμητικός και ιστορικός ζωγράφος Jacob de Wit (1695-1754) και οι ζωγράφοι της νεκρής φύσης Jan V. Geysum (1682-1749) και Rachel Reisch (1664-1750).
Η ξένη επιρροή επιβάρυνε την ολλανδική ζωγραφική μέχρι τη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα, έχοντας καταφέρει να αντικατοπτρίσει σε αυτήν λίγο πολύ τις αλλαγές που επέφερε η τέχνη στη Γαλλία, ξεκινώντας από την κατασκευή περουκών της εποχής του Βασιλιά Ήλιου και τελειώνοντας με τον ψευδοκλασικισμό του Δαβίδ. Όταν το ύφος των τελευταίων απαρχαιώθηκε και παντού στη Δυτική Ευρώπη, αντί της γοητείας με τους αρχαίους Έλληνες και Ρωμαίους, γεννήθηκε μια ρομαντική επιθυμία, κατακτώντας τόσο την ποίηση όσο και τις παραστατικές τέχνες, οι Ολλανδοί, όπως και άλλοι
μ λαών, έστρεψαν το βλέμμα τους στην αρχαιότητα τους, άρα και στο ένδοξο παρελθόν της ζωγραφικής τους.
Η επιθυμία να του δώσει ξανά τη λάμψη με την οποία έλαμψε τον 17ο αιώνα άρχισε να εμπνέει τους νεότερους καλλιτέχνες και τους επέστρεψε στις αρχές των αρχαίων εθνικών δασκάλων - σε μια αυστηρή παρατήρηση της φύσης και μια έξυπνη, ειλικρινή στάση απέναντι στα καθήκοντα του χέρι. Ταυτόχρονα, δεν προσπάθησαν να εξαλειφθούν εντελώς από την ξένη επιρροή, αλλά όταν πήγαν για σπουδές στο Παρίσι ή στο Ντίσελντορφ και σε άλλα καλλιτεχνικά κέντρα στη Γερμανία, έμαθαν μόνο μια γνωριμία με τις επιτυχίες της σύγχρονης τεχνολογίας.
Χάρη σε όλα αυτά, το αναβιωμένο ολλανδικό σχολείο έλαβε και πάλι μια πρωτότυπη, ελκυστική φυσιογνωμία και κινείται σήμερα στο μονοπάτι που οδηγεί σε περαιτέρω πρόοδο. Μπορεί εύκολα να αντιπαραβάλει πολλές από τις νεότερες φιγούρες της με τους καλύτερους ζωγράφους του 19ου αιώνα σε άλλες χώρες. Η ιστορική ζωγραφική με τη στενή έννοια της λέξης καλλιεργείται σε αυτήν, όπως παλιά, πολύ μέτρια και δεν έχει εξαιρετικούς εκπροσώπους. Αλλά όσον αφορά το ιστορικό είδος, ο Holland μπορεί να υπερηφανεύεται για αρκετούς σημαντικούς πρόσφατους δασκάλους, όπως: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (γεν. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (γεν. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) και τον εξαιρετικά ταλαντούχο Lawrence Alma-Tadema (γεν. 1836), που εγκατέλειψε στην Αγγλία. Το καθημερινό είδος, που περιλαμβανόταν επίσης στον κύκλο δραστηριότητας αυτών των καλλιτεχνών (με εξαίρεση τον Alma-Tadema), μπορεί να επισημανθεί ένας αριθμός εξαιρετικών ζωγράφων, με επικεφαλής τον Joseph Israels (γεν. 1824) και τον Christoffel Bisschop (β. 1828)· Εκτός από αυτούς, οι Michiel Verseg (1756-1843), ο Elhanon Vervaer (γ. 1826), η Teresa Schwarze (γ. 1852) και ο Valli Mus (γ. 1857) είναι άξιοι να ονομαστούν.
Ο νεότερος ολλανδικός πίνακας είναι ιδιαίτερα πλούσιος σε τοπιογράφους που έχουν εργαστεί και εργάζονται με διάφορους τρόπους, άλλοτε με προσεκτική ολοκλήρωση, άλλοτε με την ευρεία τεχνική των ιμπρεσιονιστών, αλλά πιστούς και ποιητικούς ερμηνευτές της ιθαγενούς φύσης τους. Σε αυτούς περιλαμβάνονται οι Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (γ. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (γ. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (γ. 1837), Lodewijk Apol (γ. 1850) και πολλοί άλλοι. κλπ. Άμεσοι κληρονόμοι του Ya. Εμφανίστηκαν οι D. Heyden και E. de Witte ζωγράφοι υποσχόμενων απόψεων, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gowe (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), κ.λπ. Από τους νεότερους ναυτικούς ζωγράφους της Ολλανδίας, οι Η παλάμη ανήκει στο Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (γ. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) και Henrik Mesdag (γ. 1831). Τέλος, ο Wouters Verschoor (1812-74) και ο Johann Gas (γεν. 1832) επέδειξαν μεγάλη δεξιοτεχνία στη ζωγραφική των ζώων.
Νυμφεύομαι. Van Eyden u. van der Willigen, «Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw» (4 τόμοι, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2ος και 3ος τόμος, 1882-1883); Waagen, «Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen» (1862); Bode, «Studien zur Geschichte der holländischen Malerei» (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, «Les maîtres d’autrefois. Belgique, Hollande» (1876); A. Bredius, «Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam» (1890); P. P. Semenov, «Σχέδια για την ιστορία της ολλανδικής ζωγραφικής με βάση τα δείγματά της που βρίσκονται στην Αγία Πετρούπολη». (ειδικό συμπλήρωμα στο περιοδικό «Vestn. Fine Arts», 1885-90).
Ολλανδία. 17ος αιώνας Η χώρα γνωρίζει πρωτοφανή ευημερία. Η λεγόμενη «Χρυσή Εποχή». Στα τέλη του 16ου αιώνα, αρκετές επαρχίες της χώρας πέτυχαν την ανεξαρτησία τους από την Ισπανία.
Τώρα οι προτεσταντικές Κάτω Χώρες έχουν ακολουθήσει τον δικό τους δρόμο. Και η καθολική Φλάνδρα (σημερινό Βέλγιο) υπό την πτέρυγα της Ισπανίας είναι δική της.
Στην ανεξάρτητη Ολλανδία, σχεδόν κανείς δεν χρειαζόταν θρησκευτική ζωγραφική. Η Προτεσταντική Εκκλησία δεν ενέκρινε την πολυτελή διακόσμηση. Αλλά αυτή η περίσταση «έπαιξε στα χέρια» της κοσμικής ζωγραφικής.
Κυριολεκτικά κάθε κάτοικος της νέας χώρας ξύπνησε μια αγάπη για αυτό το είδος τέχνης. Οι Ολλανδοί ήθελαν να δουν τη δική τους ζωή στους πίνακες. Και οι καλλιτέχνες πρόθυμα τους συνάντησαν στα μισά του δρόμου.
Ποτέ πριν δεν είχε απεικονιστεί τόσο πολύ η περιρρέουσα πραγματικότητα. Απλοί άνθρωποι, συνηθισμένα δωμάτια και το πιο συνηθισμένο πρωινό ενός κατοίκου της πόλης.
Ο ρεαλισμός άνθισε. Μέχρι τον 20ο αιώνα θα είναι άξιος ανταγωνιστής του ακαδημαϊσμού με τις νύμφες και τις Ελληνίδες θεές.
Αυτοί οι καλλιτέχνες ονομάζονται «μικροί» Ολλανδοί. Γιατί; Οι πίνακες ήταν μικροί σε μέγεθος, γιατί δημιουργήθηκαν για μικρά σπίτια. Έτσι, σχεδόν όλοι οι πίνακες του Jan Vermeer δεν έχουν ύψος μεγαλύτερο από μισό μέτρο.
Αλλά η άλλη εκδοχή μου αρέσει περισσότερο. Στην Ολλανδία τον 17ο αιώνα έζησε και δούλεψε ένας μεγάλος δάσκαλος, ο «μεγάλος» Ολλανδός. Και όλοι οι άλλοι ήταν «μικροί» σε σύγκριση με αυτόν.
Μιλάμε φυσικά για τον Ρέμπραντ. Ας ξεκινήσουμε με αυτόν.
1. Ρέμπραντ (1606-1669)
Ρέμπραντ. Αυτοπροσωπογραφία σε ηλικία 63 ετών. 1669 Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνο
Ο Ρέμπραντ βίωσε ένα ευρύ φάσμα συναισθημάτων κατά τη διάρκεια της ζωής του. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο υπάρχει τόσο πολύ κέφι και θάρρος στην πρώιμη δουλειά του. Και υπάρχουν τόσα σύνθετα συναισθήματα - στα μεταγενέστερα.
Εδώ είναι νέος και ανέμελος στον πίνακα «Ο Άσωτος Υιός στην Ταβέρνα». Στα γόνατα είναι η αγαπημένη του σύζυγος Saskia. Είναι δημοφιλής καλλιτέχνης. Οι παραγγελίες πέφτουν βροχή.
Ρέμπραντ. Ο Άσωτος Υιός σε Ταβέρνα. 1635 Old Masters Gallery, Δρέσδη
Όλα αυτά όμως θα εξαφανιστούν σε περίπου 10 χρόνια. Η Saskia θα πεθάνει από την κατανάλωση. Η δημοτικότητα θα εξαφανιστεί σαν καπνός. Ένα μεγάλο σπίτι με μοναδική συλλογή θα αφαιρεθεί για χρέη.
Θα εμφανιστεί όμως ο ίδιος Ρέμπραντ που θα μείνει για αιώνες. Τα γυμνά συναισθήματα των ηρώων. Οι βαθύτερες σκέψεις τους.
2. Φρανς Χαλς (1583-1666)
Φρανς Χαλς. Αυτοπροσωπογραφία. 1650 Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη
Ο Φρανς Χαλς είναι ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους πορτρέτων όλων των εποχών. Ως εκ τούτου, θα τον κατατάξω επίσης ως «μεγάλο» Ολλανδό.
Στην Ολλανδία εκείνη την εποχή ήταν συνηθισμένο να παραγγέλνουν ομαδικά πορτρέτα. Έτσι εμφανίστηκαν πολλά παρόμοια έργα που απεικονίζουν ανθρώπους να συνεργάζονται: σκοπευτές μιας συντεχνίας, γιατροί μιας πόλης, διευθυντές οίκου ευγηρίας.
Σε αυτό το είδος, ο Χαλς ξεχωρίζει περισσότερο. Εξάλλου, τα περισσότερα από αυτά τα πορτρέτα έμοιαζαν με μια τράπουλα. Οι άνθρωποι κάθονται στο τραπέζι με την ίδια έκφραση του προσώπου και απλώς παρακολουθούν. Ήταν διαφορετικά για τον Χαλς.
Δείτε το ομαδικό του πορτρέτο «Arrows of the Guild of St. Γεώργιος."
Φρανς Χαλς. Βέλη της Συντεχνίας του Αγ. Γεώργιος. 1627 Μουσείο Φρανς Χαλς, Χάρλεμ, Ολλανδία
Εδώ δεν θα βρείτε ούτε μία επανάληψη σε πόζα ή έκφραση προσώπου. Ταυτόχρονα, εδώ δεν υπάρχει χάος. Υπάρχουν πολλοί χαρακτήρες, αλλά κανείς δεν φαίνεται περιττός. Χάρη στην εκπληκτικά σωστή διάταξη των μορφών.
Και ακόμη και σε ένα μόνο πορτρέτο, ο Χαλς ήταν ανώτερος από πολλούς καλλιτέχνες. Τα μοτίβα του είναι φυσικά. Άνθρωποι από την υψηλή κοινωνία στους πίνακές του στερούνται επινοημένης μεγαλοπρέπειας και τα μοντέλα από τα κατώτερα στρώματα δεν φαίνονται ταπεινωμένα.
Και οι χαρακτήρες του είναι επίσης πολύ συναισθηματικοί: χαμογελούν, γελούν και χειρονομούν. Όπως, για παράδειγμα, αυτός ο «Τσιγγάνος» με πονηρό βλέμμα.
Φρανς Χαλς. Αθίγγανος. 1625-1630
Ο Χαλς, όπως και ο Ρέμπραντ, τελείωσε τη ζωή του στη φτώχεια. Για τον ίδιο λόγο. Ο ρεαλισμός του ήταν αντίθετος με τα γούστα των πελατών του. Που ήθελαν να στολιστεί η εμφάνισή τους. Ο Χαλς δεν δέχτηκε την καθαρή κολακεία και έτσι υπέγραψε τη δική του πρόταση - "Λήθη".
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerard Terborch. Αυτοπροσωπογραφία. 1668 Βασιλική Πινακοθήκη Mauritshuis, Χάγη, Ολλανδία
Ο Terborkh ήταν κύριος του καθημερινού είδους. Πλούσιοι και όχι και τόσο πλούσιοι μπιφτέκι μιλούν χαλαρά, κυρίες διαβάζουν γράμματα και ένας προξενητής παρακολουθεί την ερωτοτροπία. Δύο ή τρεις φιγούρες σε κοντινή απόσταση.
Ήταν αυτός ο δάσκαλος που ανέπτυξε τους κανόνες του καθημερινού είδους. Το οποίο αργότερα θα δανείστηκαν οι Jan Vermeer, Pieter de Hooch και πολλοί άλλοι «μικροί» Ολλανδοί.
Gerard Terborch. Ένα ποτήρι λεμονάδα. δεκαετία του 1660. Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ, Αγία Πετρούπολη
Το «A Glass of Lemonade» είναι ένα από τα διάσημα έργα του Terborch. Δείχνει ένα άλλο πλεονέκτημα του καλλιτέχνη. Απίστευτα ρεαλιστική εικόνα του υφάσματος φορέματος.
Ο Terborch έχει επίσης ασυνήθιστα έργα. Κάτι που λέει πολλά για την επιθυμία του να υπερβεί τις απαιτήσεις των πελατών.
Το «The Grinder» του δείχνει τη ζωή των φτωχότερων ανθρώπων στην Ολλανδία. Έχουμε συνηθίσει να βλέπουμε άνετες αυλές και καθαρά δωμάτια στους πίνακες των «μικρών» Ολλανδών. Αλλά ο Terborch τόλμησε να δείξει την αντιαισθητική Holland.
Gerard Terborch. Τραπεζίτης. 1653-1655 Κρατικά Μουσεία του Βερολίνου
Όπως καταλαβαίνετε, μια τέτοια δουλειά δεν ήταν σε ζήτηση. Και είναι ένα σπάνιο φαινόμενο ακόμη και μεταξύ του Terborch.
4. Γιαν Βερμέερ (1632-1675)
Γιαν Βερμέερ. Εργαστήρι καλλιτέχνη. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη
Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα πώς έμοιαζε ο Jan Vermeer. Είναι προφανές μόνο ότι στον πίνακα "The Artist's Workshop" απεικόνισε τον εαυτό του. Η αλήθεια από πίσω.
Είναι λοιπόν έκπληξη το γεγονός ότι πρόσφατα έγινε γνωστό ένα νέο γεγονός από τη ζωή του πλοιάρχου. Συνδέεται με το αριστούργημα του «Delft Street».
Γιαν Βερμέερ. Οδός Ντελφτ. 1657 Rijksmuseum στο Άμστερνταμ
Αποδείχθηκε ότι ο Βερμέερ πέρασε τα παιδικά του χρόνια σε αυτόν τον δρόμο. Το σπίτι που απεικονίζεται ανήκε στη θεία του. Εκεί μεγάλωσε τα πέντε παιδιά της. Ίσως κάθεται στο κατώφλι και ράβει ενώ τα δύο παιδιά της παίζουν στο πεζοδρόμιο. Ο ίδιος ο Βερμέερ έμενε στο απέναντι σπίτι.
Πιο συχνά όμως απεικόνιζε το εσωτερικό αυτών των σπιτιών και τους κατοίκους τους. Φαίνεται ότι οι πλοκές των πινάκων είναι πολύ απλές. Εδώ είναι μια όμορφη κυρία, μια πλούσια κάτοικος της πόλης, που ελέγχει τη λειτουργία της ζυγαριάς της.
Γιαν Βερμέερ. Γυναίκα με κλίμακες. 1662-1663 Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον
Γιατί ο Βερμέερ ξεχώρισε ανάμεσα σε χιλιάδες άλλους «μικρούς» Ολλανδούς;
Ήταν ένας αξεπέραστος δάσκαλος του φωτός. Στον πίνακα «Γυναίκα με ζυγαριά» το φως τυλίγει απαλά το πρόσωπο, τα υφάσματα και τους τοίχους της ηρωίδας. Δίνοντας στην εικόνα μια άγνωστη πνευματικότητα.
Και οι συνθέσεις των πινάκων του Βερμέερ επαληθεύονται προσεκτικά. Δεν θα βρείτε ούτε μια περιττή λεπτομέρεια. Αρκεί να αφαιρέσετε ένα από αυτά, η εικόνα θα "καταρρεύσει" και η μαγεία θα φύγει.
Όλα αυτά δεν ήταν εύκολα για τον Βερμέερ. Τέτοια εκπληκτική ποιότητα απαιτούσε επίπονη δουλειά. Μόνο 2-3 πίνακες το χρόνο. Ως αποτέλεσμα, η αδυναμία σίτισης της οικογένειας. Ο Βερμέερ εργάστηκε επίσης ως έμπορος έργων τέχνης, πουλώντας έργα άλλων καλλιτεχνών.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Pieter de Hooch. Αυτοπροσωπογραφία. 1648-1649 Rijksmuseum, Άμστερνταμ
Ο Χοχ συχνά συγκρίνεται με τον Βερμέερ. Δούλευαν ταυτόχρονα, υπήρξε μάλιστα περίοδος στην ίδια πόλη. Και σε ένα είδος - καθημερινό. Στο Hoch βλέπουμε επίσης μία ή δύο φιγούρες σε φιλόξενες ολλανδικές αυλές ή δωμάτια.
Οι ανοιχτές πόρτες και τα παράθυρα κάνουν τον χώρο των πινάκων του πολυεπίπεδο και διασκεδαστικό. Και οι φιγούρες ταιριάζουν σε αυτόν τον χώρο πολύ αρμονικά. Όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του «Υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή».
Pieter de Hooch. Μια υπηρέτρια με ένα κορίτσι στην αυλή. 1658 Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου
Μέχρι τον 20ο αιώνα, ο Χοχ εκτιμήθηκε ιδιαίτερα. Λίγοι όμως παρατήρησαν τα μικρά έργα του ανταγωνιστή του Βερμέερ.
Αλλά στον 20ο αιώνα όλα άλλαξαν. Η δόξα του Χοχ έσβησε. Ωστόσο, είναι δύσκολο να μην αναγνωρίσουμε τα επιτεύγματά του στη ζωγραφική. Λίγοι άνθρωποι θα μπορούσαν να συνδυάσουν τόσο καλά το περιβάλλον και τους ανθρώπους.
Pieter de Hooch. Παίκτες καρτών σε ένα ηλιόλουστο δωμάτιο. 1658 Βασιλική Συλλογή Τέχνης, Λονδίνο
Λάβετε υπόψη ότι σε ένα λιτό σπίτι στον καμβά "Card Players" υπάρχει ένας πίνακας που κρέμεται σε ένα ακριβό πλαίσιο.
Αυτό δείχνει για άλλη μια φορά πόσο δημοφιλής ήταν η ζωγραφική στους απλούς Ολλανδούς. Πίνακες ζωγραφικής διακοσμούσαν κάθε σπίτι: το σπίτι ενός πλούσιου κτηνοτρόφου, ενός σεμνού κατοίκου της πόλης, ακόμη και ενός αγρότη.
6. Jan Steen (1626-1679)
Γιαν Στεν. Αυτοπροσωπογραφία με λαούτο. δεκαετία του 1670 Μουσείο Thyssen-Bornemisza, Μαδρίτη
Ο Jan Steen είναι ίσως ο πιο χαρούμενος «μικρός» Ολλανδός. Αλλά αγαπώντας την ηθική διδασκαλία. Συχνά απεικόνιζε ταβέρνες ή φτωχικά σπίτια στα οποία υπήρχε η κακία.
Οι κύριοι χαρακτήρες του είναι γλεντζέδες και κυρίες της εύκολης αρετής. Ήθελε να διασκεδάσει τον θεατή, αλλά τον προειδοποιούσε λανθασμένα για μια φαύλο ζωή.
Γιαν Στεν. Είναι ένα χάος. 1663 Kunsthistorisches Museum, Βιέννη
Ο Sten έχει και πιο αθόρυβα έργα. Όπως, για παράδειγμα, η «Πρωινή τουαλέτα». Αλλά και εδώ ο καλλιτέχνης εκπλήσσει τον θεατή με πολύ αποκαλυπτικές λεπτομέρειες. Υπάρχουν ίχνη από ελαστικό κάλτσας, και όχι ένα άδειο δοχείο θαλάμου. Και κατά κάποιο τρόπο δεν είναι καθόλου κατάλληλο για τον σκύλο να είναι ξαπλωμένος ακριβώς στο μαξιλάρι.
Γιαν Στεν. Πρωινή τουαλέτα. 1661-1665 Rijksmuseum, Άμστερνταμ
Όμως, παρά την επιπολαιότητα, οι χρωματικοί συνδυασμοί του Sten είναι πολύ επαγγελματικοί. Σε αυτό ήταν ανώτερος από πολλούς «μικρούς Ολλανδούς». Δείτε πόσο τέλεια ταιριάζει η κόκκινη κάλτσα με το μπλε σακάκι και το έντονο μπεζ χαλί.
7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)
Πορτρέτο του Ruisdael. Λιθογραφία από βιβλίο του 19ου αιώνα.