Σε αυτό το άρθρο θα δείτε την Αγία Πετρούπολη αστικόςπαρουσιάζονται σε γκαλερί τέχνης«Art-Breeze». Εδώ συγκεντρώνονται έργα διαφόρων συγγραφέων, τα οποία έγιναν σε διαφορετικά στυλκαι τεχνικές. Όλα αυτά τα έργα έχουν ένα κοινό χαρακτηριστικό - απεικονίζουν την Αγία Πετρούπολη, όπως την είδε ο καλλιτέχνης.
Αστικό τοπίο, ως είδος ζωγραφικής, διαμορφώθηκε αρκετά αργά, τον 18ο αιώνα. Τότε ήταν που οι πόλεις άρχισαν να αποκτούν τον σύγχρονο χαρακτήρα τους και ο αριθμός των κατοίκων των πόλεων άρχισε να αυξάνεται ραγδαία. Πριν από αυτό, μόνο λίγοι μεσαιωνικοί καλλιτέχνες απεικόνιζαν πόλεις στους καμβάδες τους. Αυτές οι εικόνες ήταν πολύ πρωτόγονες, δεν είχαν τοπογραφική ακρίβεια και χρησίμευαν για να υποδείξουν τη θέση των γεγονότων στα οποία ήταν αφιερωμένη η πλοκή της εικόνας. Προπάτορες αστικό τοπίοστη ζωγραφική μπορεί να ονομαστεί Ολλανδοί καλλιτέχνες 17ος αιώνας από τους Wermeer of Delft, J. Goyen και J. Ruisdael. Στα έργα τους μπορεί κανείς να βρει το τοπίο της πόλης όπως έχουμε συνηθίσει να το βλέπουμε στους σύγχρονους πίνακες.
Σύγχρονοι καλλιτέχνες που εκθέτουν τα δικά τους αστικά τοπία στην γκαλερί τέχνης Ar-Breeze της Αγίας Πετρούπολης απεικονίζουν την Αγία Πετρούπολη κυρίως ως μια ομιχλώδη παραθαλάσσια πόλη με πολυσύχναστη ζωή και υπέροχη αρχιτεκτονική. Οι περισσότεροι πίνακες δημιουργήθηκαν στο στυλ του ιμπρεσιονισμού και των κλασικών. Ο πλούτος των χρωμάτων και η ικανότητα να γεμίζεις τον καμβά με φως, που παρέχεται από την τεχνική της ιμπρεσιονιστικής ζωγραφικής, σου επιτρέπει να αντικατοπτρίζεις πλήρως το πνεύμα αυτής της πόλης στον Νέβα!
Ο Korovin Konstantin Alekseevich είναι ένας εξαιρετικός Ρώσος καλλιτέχνης, διακοσμητής, ένας από τους μεγαλύτερους Ρώσους καλλιτέχνες της αλλαγής του αιώνα (19-20). Korovin - master of plein air, συγγραφέας τοπίων, Είδος πινάκων ζωγραφικής, νεκρές φύσεις, πορτρέτα. Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στη Μόσχα. Σπούδασε στην Αγία Πετρούπολη και τη Μόσχα, με τους Savrasov και Polenov. Ο Konstantin Korovin ήταν μέλος της ένωσης: «Association of Mobile εκθέσεις τέχνης», «Ένωση Ρώσων Καλλιτεχνών» και «Κόσμος της Τέχνης». Θεωρείται ένας από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους του «ρωσικού ιμπρεσιονισμού».
Στο έργο του Korovin μπορεί κανείς να δει την επιθυμία να επιτευχθούν συνθετικές εικονογραφικές λύσεις μέσω διαμορφώσεων φωτός και σκιάς και αρμονίας τονικών σχέσεων. Πρόκειται για το «Northern Idyll» (1886), «Στο μπαλκόνι. Ισπανίδες Leonora and Ampara» (1888), «Hammerfest. Βόρειο Σέλας» (1895) και άλλοι. Και δίπλα σε πράγματα διαφορετικού προσανατολισμού "Korovin" - ένα πορτρέτο του σολίστ της ρωσικής ιδιωτικής όπερας T. S. Lyubatovich (2ο μισό της δεκαετίας του 1880), που προσελκύει με μια εξαιρετική χρωματική ιδέα, μια χαρούμενη εορταστική εικονιστική δομή ή ένα σκίτσο του αρχές της δεκαετίας του 1890 «Παρισινό καφέ», όπου για πρώτη φορά ο Korovin με τόση ψυχή μετέφερε το λεπτό γραφικό «άρωμα» του ίδιου του αέρα της γαλλικής πρωτεύουσας.
Ο πυρήνας της μεθόδου του Korovin είναι η ικανότητα να μεταμορφώνει το πιο συνηθισμένο και ακόμη και σαφώς μη ελκυστικό μοτίβο σε θέαμα υψηλής αισθητικής μέσα από το περιεχόμενο χρωμάτων που φαίνεται με ακρίβεια και σαν να αποτυπώνεται αμέσως.
Το Παρίσι στους πίνακες του Κοροβίν
Μια παραμονή στο Παρίσι κατά τη διάρκεια των προετοιμασιών για την Παγκόσμια Έκθεση - αυτή η παραμονή ήταν δευτερεύουσα και πολύ πιο ουσιαστική - άνοιξε τα μάτια του καλλιτέχνη στο σύγχρονο Γαλλική ζωγραφική. Μελετά τους ιμπρεσιονιστές, που είναι τόσο συντονισμένοι με τις φιλοδοξίες του, αλλά παραμένει ξένος σε όλα τα μετα-ιμπρεσιονιστικά κινήματα. Στη δεκαετία του 1900, ο Korovin δημιούργησε τη διάσημη σειρά του "Paris". Σε αντίθεση με τους ιμπρεσιονιστές, οι απόψεις του για το Παρίσι είναι ζωγραφισμένες πολύ πιο άμεσα και συναισθηματικά. Κυριαρχούνται από την επιθυμία του πλοιάρχου να «σπάσει τη γοητεία που περιέχεται αυτή τη στιγμή στο τοπίο» (σύμφωνα με τον μαθητή του Korovin B. Ioganson).
Ο καλλιτέχνης αναζητά τις πιο λεπτές μεταβατικές και απροσδόκητες καταστάσεις στη ζωή της πόλης - πρωί Παρίσι, Παρίσι το σούρουπο, βράδυ και νυχτερινή πόλη(«Παρίσι, πρωί», 1906· «Παρίσι το βράδυ», 1907· «Λυκόφως στο Παρίσι», 1911). Πρωινή ομίχλη και το τρέμουλο φως του ανατέλλοντος ηλίου, λιλά λυκόφως με το πράσινο των δέντρων που δεν έχει ακόμη ξεθωριάσει και τα φανάρια ήδη αναμμένα, βελούδινη πυκνότητα σκούρο μπλεο ουρανός και η φωτεινή, πυρετώδης διασπορά των φώτων του Παρισιού τη νύχτα... Ο Korovin σε αυτά τα μικρά πράγματα πετυχαίνει μια σχεδόν παραστατική αλήθεια της οπτικής εντύπωσης, κι όμως αυτό οδηγεί σε μια εκπληκτική πνευματικότητα, παρθένα εικόνα της πόλης. Χάρη στη μέθοδο της σύνθετης χρωματικής-τονικής λύσης, σε ένα μικρό σκίτσο πέτυχε τόσο ακραία εκφραστικότητα στο επίπεδο ενός μεγάλου τελειωμένου πίνακα όσο και την επίδραση της συναρπαστικής συναισθηματικής εμπλοκής του θεατή σε αυτό που είδε.
«Θέλω το μάτι του θεατή να απολαμβάνει επίσης αισθητικά, όπως το αυτί της ψυχής απολαμβάνει τη μουσική», είπε κάποτε ο Korovin.
Φωτογραφίες από πίνακες ζωγραφικής
Το Παρίσι στους πίνακες του Κοροβίν
Περαιτέρω ανάπτυξη Ευρωπαϊκή ζωγραφικήσυνδέονται με τον ιμπρεσιονισμό. Αυτός ο όρος γεννήθηκε τυχαία. Αφορμή στάθηκε ο τίτλος του τοπίου του C. Monet «Impression. Sunrise» (βλ. Παράρτημα Νο. 1, Εικ. 3) (από το γαλλικό εντύπωση - εντύπωση), που εμφανίστηκε στην έκθεση των Ιμπρεσιονιστών το 1874. Αυτή η πρώτη δημόσια παράσταση από μια ομάδα καλλιτεχνών, στην οποία συμμετείχαν οι C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro και άλλοι, χαιρετίστηκε από επίσημη αστική κριτική με αγενή χλεύη και διώξεις. Είναι αλήθεια ότι ήδη από τα τέλη της δεκαετίας του 1880, οι επίσημες τεχνικές της ζωγραφικής τους επιλέχθηκαν από εκπροσώπους της ακαδημαϊκής τέχνης, γεγονός που έδωσε στον Ντεγκά έναν λόγο να παρατηρήσει πικρά: «Μας πυροβόλησαν, αλλά ταυτόχρονα έψαξαν τις τσέπες μας».
Τώρα που οι έντονες συζητήσεις για τον ιμπρεσιονισμό ανήκουν στο παρελθόν, σχεδόν κανείς δεν θα τολμήσει να αμφισβητήσει ότι το κίνημα του ιμπρεσιονισμού ήταν ένα περαιτέρω βήμα στην ανάπτυξη της ευρωπαϊκής ρεαλιστικής ζωγραφικής. «Ο ιμπρεσιονισμός είναι, πρώτα απ 'όλα, η τέχνη της παρατήρησης της πραγματικότητας που έχει φτάσει σε πρωτοφανή επιτήδευση» (V.N. Prokofiev). Προσπαθώντας για μέγιστο αυθορμητισμό και ακρίβεια στη μετάδοση του ορατού κόσμου, άρχισαν να ζωγραφίζουν κυρίως στην ύπαιθρο και ανέβασαν τη σημασία των σκίτσων από τη ζωή, τα οποία σχεδόν αντικατέστησαν παραδοσιακού τύπουπίνακες που δημιουργήθηκαν προσεκτικά και αργά στο στούντιο.
Ξεκαθαρίζοντας με συνέπεια την παλέτα τους, οι ιμπρεσιονιστές απελευθέρωσαν τη ζωγραφική από γήινα και καφέ βερνίκια και χρώματα. Η συμβατική, «μουσειακή» μαυρίλα στους καμβάδες τους δίνει τη θέση της σε ένα απείρως ποικιλόμορφο παιχνίδι αντανακλαστικών και χρωματιστών σκιών. Έχουν διευρύνει αμέτρητα τις δυνατότητες εικαστικές τέχνες, ανακαλύπτοντας όχι μόνο τον κόσμο του ήλιου, του φωτός και του αέρα, αλλά και την ομορφιά της ομίχλης, την ανήσυχη ατμόσφαιρα της ζωής μεγάλη πόλη, μια διασπορά νυχτερινών φώτων και ο ρυθμός της συνεχούς κίνησης.
Λόγω της ίδιας της μεθόδου εργασίας στην ύπαιθρο, το τοπίο, συμπεριλαμβανομένου του τοπίου της πόλης που ανακάλυψαν, κατείχε μια πολύ σημαντική θέση στην τέχνη των ιμπρεσιονιστών. Ο βαθμός στον οποίο η παράδοση και η καινοτομία συγχωνεύτηκαν οργανικά στην τέχνη των ιμπρεσιονιστών αποδεικνύεται, πρώτα απ 'όλα, από το έργο του εξέχοντος ζωγράφου του 19ου αιώνα Εντουάρ Μανέ (1832-1883). Είναι αλήθεια ότι ο ίδιος δεν θεωρούσε τον εαυτό του εκπρόσωπο του ιμπρεσιονισμού και πάντα εξέθετε χωριστά, αλλά σε ιδεολογικούς και ιδεολογικούς όρους, ήταν αναμφίβολα και ο πρόδρομος και ο ιδεολογικός ηγέτης αυτού του κινήματος.
Στην αρχή της δημιουργικής του σταδιοδρομίας, ο Ε. Μανέ εξοστρακίστηκε (η γελοιοποίηση της κοινωνίας). Στα μάτια του αστικού κοινού και των κριτικών, η τέχνη του γίνεται συνώνυμη με το άσχημο και ο ίδιος ο καλλιτέχνης αποκαλείται «ένας τρελός που ζωγραφίζει μια εικόνα τρέμοντας σε παραλήρημα» (M. de Montifaud) (βλ. Παράρτημα Νο. 1, Εικ. 4). Μόνο τα πιο διορατικά μυαλά εκείνης της εποχής μπόρεσαν να εκτιμήσουν το ταλέντο του Μανέ. Ανάμεσά τους ήταν ο Charles Baudelaire και ο νεαρός E. Zola, ο οποίος δήλωσε ότι «ο Mr. Manet προορίζεται για μια θέση στο Λούβρο».
Ο ιμπρεσιονισμός έλαβε την πιο συνεπή, αλλά και εκτεταμένη έκφρασή του στο έργο του Κλοντ Μονέ (1840-1926). Το όνομά του συνδέεται συχνά με τέτοια επιτεύγματα αυτής της μεθόδου ζωγραφικής όπως η μεταφορά άπιαστων μεταβατικών καταστάσεων φωτισμού, η δόνηση φωτός και αέρα, η αλληλεπίδρασή τους στη διαδικασία συνεχών αλλαγών και μετασχηματισμών. «Αυτή, αναμφίβολα, ήταν μια μεγάλη νίκη για την τέχνη της σύγχρονης εποχής», γράφει ο V.N Prokofiev και προσθέτει: «Αλλά και η τελική της νίκη». Δεν είναι τυχαίο ότι ο Σεζάν, αν και όξυνε κάπως πολεμικά τη θέση του, αργότερα υποστήριξε ότι η τέχνη του Μονέ είναι «μόνο το μάτι».
Τα πρώτα έργα του Μονέ είναι αρκετά παραδοσιακά. Περιέχουν ακόμα ανθρώπινες φιγούρες, οι οποίες αργότερα μετατρέπονται όλο και περισσότερο σε προσωπικό και σταδιακά εξαφανίζονται από τους πίνακές του. Στη δεκαετία του 1870, το ιμπρεσιονιστικό ύφος του καλλιτέχνη τελικά διαμορφώθηκε και από εδώ και πέρα αφοσιώθηκε εξ ολοκλήρου στο τοπίο. Από τότε εργάζεται σχεδόν αποκλειστικά en plein air. Στο έργο του τελικά καθιερώνεται ο τύπος μεγάλη εικόνα- σκίτσο.
Ο Μονέ ήταν από τους πρώτους που δημιούργησε μια σειρά από πίνακες στους οποίους επαναλαμβάνεται το ίδιο μοτίβο διαφορετική ώραέτος και ημέρα, υπό διαφορετικές συνθήκες φωτισμού και καιρικές συνθήκες (βλ. Παράρτημα Νο. 1, Εικ. 5, 6). Δεν είναι όλοι ίσοι, αλλά οι καλύτεροι πίνακες αυτής της σειράς εκπλήσσουν με τη φρεσκάδα των χρωμάτων τους, την ένταση των χρωμάτων τους και την τέχνη των φωτιστικών τους εφέ.
ΣΕ όψιμη περίοδοςη δημιουργικότητα στους πίνακες του Μονέ, οι τάσεις του διακοσμητισμού και της επιπεδότητας εντάθηκαν. Η φωτεινότητα και η καθαρότητα των χρωμάτων μετατρέπονται στο αντίθετό τους, εμφανίζεται ένα είδος λευκότητας. Μιλώντας για την κατάχρηση του «ελαφρού τόνου» από τους αείμνηστους ιμπρεσιονιστές, που μετατρέπουν κάποια έργα σε αποχρωματισμένο καμβά, ο Ε. Ζολά έγραψε: «Και σήμερα δεν υπάρχει τίποτα άλλο από το plein air... μόνο τα σημεία παραμένουν: το πορτρέτο είναι μόνο ένα σημείο, το Οι φιγούρες είναι μόνο κηλίδες, μόνο κηλίδες.
Άλλοι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες ήταν επίσης κυρίως τοπιογράφοι. Το έργο τους συχνά παρέμενε αδικαιολόγητα στη σκιά δίπλα στην πραγματικά πολύχρωμη και εντυπωσιακή φιγούρα του Μονέ, αν και δεν ήταν κατώτεροι από αυτόν στην επαγρύπνηση της όρασης της φύσης και στις ζωγραφικές τους ικανότητες. Ανάμεσά τους θα πρέπει πρώτα να αναφερθούν τα ονόματα των Alfred Sisley (1839-1899) και Camille Pissarro (1831-1903). Τα έργα του Σίσλεϋ, Αγγλίδας στην καταγωγή, χαρακτηρίζονται από μια ιδιαίτερη εικαστική κομψότητα. Ένας λαμπρός δεξιοτέχνης του plein air, ήξερε πώς να μεταφέρει τον διάφανο αέρα του καθαρού χειμωνιάτικο πρωινό, μια ελαφριά ομίχλη ομίχλης που θερμαίνεται από τον ήλιο, σύννεφα που τρέχουν στον ουρανό μια μέρα με αέρα. Η γκάμα του διακρίνεται για τον πλούτο των αποχρώσεων και την πιστότητα των τόνων. Τα τοπία του καλλιτέχνη είναι πάντα εμποτισμένα με μια βαθιά διάθεση, που αντικατοπτρίζει την ουσιαστικά λυρική του αντίληψη για τη φύση (βλ. Παράρτημα Αρ. 1, Εικ. 7, 8, 9).
Ήταν πιο περίπλοκο δημιουργική διαδρομήΟ Pissarro, ο μόνος καλλιτέχνης που συμμετείχε και στις οκτώ εκθέσεις των ιμπρεσιονιστών, ο J. Rewald τον αποκάλεσε «πατριάρχη» αυτού του κινήματος. Ξεκινώντας με τοπία παρόμοια στη ζωγραφική με τους Barbizons, ο ίδιος, υπό την επίδραση του Manet και των νεαρών φίλων του, άρχισε να εργάζεται στο ύπαιθρο, ελαφρύνοντας σταδιακά την παλέτα. Σταδιακά αναπτύσσει τη δική του ιμπρεσιονιστική μέθοδο. Ήταν από τους πρώτους που εγκατέλειψε τη χρήση της μαύρης μπογιάς. Ο Pissarro ήταν πάντα κλίση σε μια αναλυτική προσέγγιση στη ζωγραφική, εξ ου και τα πειράματά του στην αποσύνθεση του χρώματος - "διχασμός" και "pointellism". Ωστόσο, σύντομα επιστρέφει στον ιμπρεσιονιστικό τρόπο με τον οποίο το δικό του καλύτερα έργα- υπέροχη σειρά τοπίων πόλεων του Παρισιού (βλ. Παράρτημα Νο. 1, Εικ. 10,11,12,13). Η σύνθεσή τους είναι πάντα στοχαστική και ισορροπημένη, η ζωγραφική τους εκλεπτυσμένη στο χρώμα και αριστοτεχνική στην τεχνική.
Στη Ρωσία, το αστικό τοπίο στον ιμπρεσιονισμό διαφωτίστηκε από τον Konstantin Korovin. «Το Παρίσι με σόκαρε... οι ιμπρεσιονιστές... σε αυτούς είδα για τι με επέπληξαν στη Μόσχα». Ο Κόροβιν (1861-1939), μαζί με τον φίλο του Βαλεντίν Σερόφ, ήταν τα κεντρικά πρόσωπα του ρωσικού ιμπρεσιονισμού. Κάτω από τη μεγάλη επιρροή του γαλλικού κινήματος δημιούργησε το δικό του δικο μου στυλ, που ανακάτευε τα βασικά στοιχεία Γαλλικός ιμπρεσιονισμόςμε τα πλούσια χρώματα της ρωσικής τέχνης εκείνης της περιόδου (βλ. Παράρτημα Αρ. 1, Εικ. 15).
18-19 αιώνες σηματοδότησε μια περίοδο ακμής ευρωπαϊκή τέχνη. Στη Γαλλία, ο αυτοκράτορας Ναπολέων Γ' διέταξε την ανοικοδόμηση του Παρισιού μετά από εχθροπραξίες κατά τη διάρκεια του Γαλλοπρωσικού πολέμου. Το Παρίσι έγινε γρήγορα η ίδια «λαμπερή πόλη» που βρισκόταν υπό τη Δεύτερη Αυτοκρατορία και ανακηρύχθηκε ξανά το κέντρο της ευρωπαϊκής τέχνης. Ως εκ τούτου, πολλοί ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες στράφηκαν στο θέμα της σύγχρονης πόλης στα έργα τους. Στα έργα τους, η σύγχρονη πόλη δεν είναι ένα τέρας, αλλά μια πατρίδα όπου ζουν άνθρωποι. Πολλά από τα έργα είναι εμποτισμένα με μια έντονη αίσθηση πατριωτισμού.
Αυτό φαίνεται ιδιαίτερα στους πίνακες του Κλοντ Μονέ. Δημιούργησε περισσότερους από 30 πίνακες με θέα στον καθεδρικό ναό της Ρουέν σε μεγάλη ποικιλία φωτισμού και ατμοσφαιρικών συνθηκών. Για παράδειγμα, το 1894 ο Μονέ ζωγράφισε δύο πίνακες - " Καθεδρικός ναός της Ρουέντο μεσημέρι» και «Καθεδρικός ναός της Ρουέν το βράδυ». Και οι δύο πίνακες απεικονίζουν το ίδιο θραύσμα του καθεδρικού ναού, αλλά σε διαφορετικούς τόνους - στους ζεστούς κιτρινοροζ τόνους του μεσημεριού και στις ψυχρές γαλαζωπές αποχρώσεις του φωτός του λυκόφωτος που πεθαίνει. Στους πίνακες, το πολύχρωμο σημείο διαλύει εντελώς τη γραμμή, ο καλλιτέχνης δεν μεταφέρει το υλικό βάρος της πέτρας, αλλά, σαν να λέγαμε, μια ελαφριά πολύχρωμη κουρτίνα.
Οι ιμπρεσιονιστές προσπάθησαν να κάνουν τον πίνακα να μοιάζει ανοιχτό παράθυρο, μέσα από το οποίο μπορεί κανείς να δει πραγματικό κόσμο. Συχνά επέλεγαν μια θέα από το παράθυρο στο δρόμο. Η περίφημη «Boulevard des Capucines» του C. Monet, ζωγραφισμένη το 1873 και παρουσιάστηκε στην πρώτη έκθεση ιμπρεσιονιστών το 1874, είναι ένα εξαιρετικό παράδειγμα αυτής της τεχνικής. Υπάρχει πολλή καινοτομία εδώ - η θέα ενός μεγάλου δρόμου της πόλης επιλέχθηκε ως κίνητρο για το τοπίο, αλλά ο καλλιτέχνης ενδιαφέρεται για την εμφάνισή του στο σύνολό του και όχι για τα αξιοθέατά του. Ολόκληρη η μάζα των ανθρώπων απεικονίζεται με συρόμενες πινελιές, με γενικευμένο τρόπο, στον οποίο είναι δύσκολο να διακρίνει κανείς μεμονωμένες φιγούρες.
Ο Μονέ μεταφέρει σε αυτό το έργο μια στιγμιαία, καθαρά οπτική εντύπωση του ελάχιστα αισθητού δονούμενου αέρα, των δρόμων, των ανθρώπων και των αμαξών που αναχωρούν που πηγαίνουν βαθύτερα στα βάθη. Καταστρέφει την ιδέα ενός επίπεδου καμβά, δημιουργώντας την ψευδαίσθηση του χώρου και γεμίζοντας τον με φως, αέρα και κίνηση. Ανθρώπινο μάτιορμά στο άπειρο, και δεν υπάρχει περιοριστικό σημείο όπου θα μπορούσε να σταματήσει.
Η υψηλή οπτική γωνία επιτρέπει στον καλλιτέχνη να εγκαταλείψει το προσκήνιο και μεταφέρει το λαμπρό φως του ήλιου σε αντίθεση με τις γαλαζωπό-μωβ σκιές των σπιτιών που βρίσκονται στο πεζοδρόμιο του δρόμου. Ο Μονέ δίνει στην ηλιόλουστη πλευρά πορτοκαλί, χρυσό-ζεστή, τη σκιά - βιολετί, αλλά μια ενιαία ομίχλη φωτός-αέρα δίνει σε ολόκληρο το τοπίο τονική αρμονία και τα περιγράμματα των σπιτιών και των δέντρων αναδύονται στον αέρα, διαποτισμένα από τις ακτίνες του ήλιου.
Το 1872, στη Χάβρη, ο Μονέ ζωγράφισε το «Impression. Sunrise» - άποψη του λιμανιού της Χάβρης, που παρουσιάστηκε αργότερα στην πρώτη έκθεση των Ιμπρεσιονιστών. Εδώ ο καλλιτέχνης, προφανώς, απελευθερώθηκε τελικά από τη γενικά αποδεκτή ιδέα του αντικειμένου της εικόνας ως ορισμένο όγκο και αφιερώθηκε εξ ολοκλήρου στη μετάδοση της στιγμιαίας κατάστασης της ατμόσφαιρας σε μπλε και ροζ-πορτοκαλί τόνους. Στην πραγματικότητα, όλα μοιάζουν να γίνονται άυλα: η προβλήτα της Χάβρης και τα πλοία συγχωνεύονται με τις ραβδώσεις στον ουρανό και την αντανάκλαση στο νερό, και οι σιλουέτες των ψαράδων και των σκαφών στο προσκήνιο είναι απλά σκοτεινά σημεία φτιαγμένα με μερικές έντονες πινελιές . Η απόρριψη των ακαδημαϊκών τεχνικών, η ζωγραφική στο ύπαιθρο και η επιλογή ασυνήθιστων θεμάτων αντιμετωπίστηκαν με εχθρότητα από τους κριτικούς της εποχής. Ο Louis Leroy, ο συγγραφέας ενός εξαγριωμένου άρθρου που δημοσιεύτηκε στο περιοδικό «Χαριβάρι», για πρώτη φορά, σε σχέση με τον συγκεκριμένο πίνακα, χρησιμοποίησε τον όρο «ιμπρεσιονισμός» ως ορισμό ενός νέου κινήματος στη ζωγραφική.
Ένα άλλο εξαιρετικό έργο αφιερωμένο στην πόλη ήταν ο πίνακας του Claude Monet «Gare Saint-Lazare». Ο Μονέ ζωγράφισε πάνω από δέκα πίνακες με βάση τον σιδηροδρομικό σταθμό Saint-Lazare, επτά από τους οποίους εκτέθηκαν στην 3η έκθεση ιμπρεσιονιστών το 1877.
Ο Μονέ νοίκιασε ένα μικροσκοπικό διαμέρισμα στην οδό Monsey, που βρίσκεται κοντά στο σταθμό. Στον καλλιτέχνη δόθηκε απόλυτη ελευθερία δράσης. Η κίνηση των τρένων σταμάτησε για λίγο, και έβλεπε καθαρά τις αποβάθρες, τους φούρνους των ατμομηχανών που κάπνιζαν, που γέμιζαν κάρβουνο - για να ξεχυθεί ο ατμός από τις καμινάδες. Ο Μονέ «εγκαταστάθηκε» σταθερά στο σταθμό, οι επιβάτες τον παρακολουθούσαν με σεβασμό και δέος.
Δεδομένου ότι η εμφάνιση του σταθμού άλλαζε συνεχώς, ο Μονέ έκανε μόνο σκίτσα στην τοποθεσία και με βάση αυτά στο στούντιο ζωγράφιζε τους ίδιους τους πίνακες. Στον καμβά βλέπουμε ένα μεγάλο σιδηροδρομικός σταθμός, καλυμμένο με κουβούκλιο που στηρίζεται σε σιδερένιες κολώνες. Υπάρχουν πλατφόρμες αριστερά και δεξιά: η μία γραμμή προορίζεται για τρένα προαστιακού, η άλλη για τρένα μεγάλων αποστάσεων. Η ιδιαίτερη ατμόσφαιρα μεταφέρεται μέσα από την αντίθεση του αμυδρού φωτισμού στο εσωτερικό του σταθμού και του λαμπερού, εκθαμβωτικού φωτισμού του δρόμου. Πλούσια καπνού και ατμού διάσπαρτα σε όλο τον καμβά ισορροπούν τις αντίθετες ρίγες φωτισμού. Καπνός διαρρέει παντού, λαμπερά σύννεφα στροβιλίζονται στις αχνές σιλουέτες των κτιρίων. Πυκνός ατμός φαίνεται να δίνει σχήμα στους ογκώδεις πύργους, καλύπτοντάς τους με ένα ελαφρύ πέπλο, σαν τον πιο λεπτό ιστό αράχνης. Η εικόνα είναι ζωγραφισμένη σε απαλούς σιωπηλούς τόνους με λεπτές μεταβάσεις σκιάς. Γρήγορες, ακριβείς πινελιές σε σχήμα κόμματος, χαρακτηριστικές της εποχής, γίνονται αντιληπτές ως μωσαϊκό στον θεατή ότι ο ατμός είτε διαχέεται είτε συμπυκνώνεται.
Ένας άλλος εκπρόσωπος των ιμπρεσιονιστών, ο C. Pissarro, όπως όλοι οι ιμπρεσιονιστές, λάτρευε να ζωγραφίζει την πόλη, η οποία τον συνεπήρε με την ατελείωτη κίνηση, τη ροή των ρευμάτων του αέρα και το παιχνίδι του φωτός. Το αντιλαμβανόταν ως έναν ζωντανό, ανήσυχο οργανισμό, ικανό να αλλάζει ανάλογα με την εποχή του χρόνου και τον βαθμό φωτισμού.
Τον χειμώνα και την άνοιξη του 1897, ο Pissarro εργάστηκε σε μια σειρά από πίνακες που ονομάζονταν "Boulevards of Paris". Αυτά τα έργα έφεραν φήμη στον καλλιτέχνη και τράβηξαν την προσοχή των κριτικών που συνέδεσαν το όνομά του με το κίνημα του διχασμού. Ο καλλιτέχνης έκανε σκίτσα για τη σειρά από το παράθυρο ενός δωματίου ξενοδοχείου στο Παρίσι και ολοκλήρωσε τις εργασίες στους πίνακες στο στούντιο του στο Eragny στα τέλη Απριλίου. Αυτή η σειρά είναι η μοναδική στο έργο του Pissarro στην οποία ο καλλιτέχνης προσπάθησε να αποτυπώσει με τη μέγιστη ακρίβεια διάφορες συνθήκες καιρού και ηλιακού φωτός. Για παράδειγμα, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε 30 πίνακες που απεικονίζουν τη λεωφόρο της Μονμάρτρης, βλέποντάς την από το ίδιο παράθυρο.
Στους πίνακες «Boulevard Montmartre in Paris», ο δάσκαλος C. Pissarro μετέφερε με μαεστρία τον πλούτο των ατμοσφαιρικών εφέ, την πολύχρωμη πολυπλοκότητα και τη λεπτότητα μιας συννεφιασμένης ημέρας. Η δυναμική της ζωής της πόλης, που τόσο πειστικά ενσαρκώνεται από το γρήγορο πινέλο του ζωγράφου, δημιουργεί μια εικόνα μιας σύγχρονης πόλης - όχι τελετουργική, όχι επίσημη, αλλά ενθουσιασμένη και ζωντανή. Το τοπίο της πόλης έγινε το κύριο είδος στο έργο αυτού του εξαιρετικού ιμπρεσιονιστή - του "τραγουδιστή του Παρισιού".
Η πρωτεύουσα της Γαλλίας κατέχει ξεχωριστή θέση στο έργο του Πισάρο. Ο καλλιτέχνης ζούσε συνεχώς έξω από την πόλη, αλλά το Παρίσι τον προσέλκυε επίμονα. Το Παρίσι τον αιχμαλωτίζει με την αδιάκοπη και καθολική κίνησή του - το περπάτημα των πεζών και το τρέξιμο των αμαξών, τη ροή των ρευμάτων αέρα και το παιχνίδι του φωτός. Η πόλη του Pissarro δεν είναι μια λίστα με αξιόλογα σπίτια που μπήκαν στο οπτικό πεδίο του καλλιτέχνη, αλλά ένας ζωντανός και ανήσυχος οργανισμός. Μαγεμένοι από αυτή τη ζωή, δεν συνειδητοποιούμε την κοινοτοπία των κτιρίων που συνθέτουν τη λεωφόρο της Μονμάρτρης. Ο καλλιτέχνης βρίσκει μια μοναδική γοητεία στην ταραχή των Grand Boulevards. Ο Πισάρο κατέλαβε τη λεωφόρο της Μονμάρτρης πρωί και μέρα, βράδυ και βράδυ, ηλιόλουστη και γκρίζα, κοιτάζοντάς την από το ίδιο παράθυρο. Ένα ξεκάθαρο και απλό μοτίβο ενός δρόμου που εκτείνεται σε απόσταση δημιουργεί μια σαφή συνθετική βάση που δεν αλλάζει από καμβά σε καμβά. Ο κύκλος των καμβάδων που ζωγραφίστηκαν την επόμενη χρονιά από τη βιτρίνα του ξενοδοχείου του Λούβρου κατασκευάστηκε εντελώς διαφορετικά. Σε μια επιστολή του προς τον γιο του ενώ εργαζόταν στον κύκλο, ο Πισάρο τόνισε τον διαφορετικό χαρακτήρα αυτού του χώρου από τις Λεωφόρους, δηλαδή την πλατεία του Γαλλικού Θεάτρου και τη γύρω περιοχή. Πράγματι, όλα εκεί ορμούν κατά μήκος του άξονα του δρόμου. Εδώ, η πλατεία, που χρησίμευε ως τελικός σταθμός πολλών δρομολογίων, διασταυρώνεται το πολύ. διάφορες κατευθύνσεις, και αντί για ένα ευρύ πανόραμα με άφθονο αέρα, τα μάτια μας παρουσιάζονται με έναν κλειστό χώρο στο προσκήνιο.
string(5796) "Highlighting the URBAN LANDSCAPE in ξεχωριστό είδοςσυνέβαλε το αρχιτεκτονικό τοπίο. Οι κύριοι αυτού του κινήματος, που αναπτύχθηκε υπό την επίδραση της θεωρίας της γραμμικής προοπτικής, είδαν τους κύρια δραστηριότηταστην κατασκευή μιας σύνθετης, προσεκτικά σχεδιασμένης σύνθεσης, λαμβάνοντας υπόψη μια, κύρια άποψη. Μεγάλη συνεισφορά στην ανάπτυξη αυτού του είδους είχε ο Ιταλοί καλλιτέχνες Renaissance - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Σχεδόν ταυτόχρονα με αρχιτεκτονικό τοπίοΑναπτύχθηκε επίσης μια άλλη κατεύθυνση - η απεικόνιση αστικών τοπίων. Γερμανοί, Ολλανδοί και Γάλλοι ζωγράφοι του 16ου-17ου αιώνα έφεραν από τα ταξίδια τους πολυάριθμα λευκώματα με σκίτσα από τη φύση. Στα μέσα του 17ου αιώνα, το CITY LANDSCAPE κατέλαβε σταθερά τη θέση του ως ανεξάρτητο είδος, και έγινε αγαπημένο θέμα των Ολλανδών καλλιτεχνών. Όταν απεικόνιζαν γωνιές του Άμστερνταμ, του Ντελφτ, του Χάρλεμ, οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να συνδυάσουν τη γεωμετρική σαφήνεια των αστικών κτιρίων με καθημερινά επεισόδια και τοπία. Πραγματική θέα στην πόλη μπορεί να βρεθεί σε σημαντικούς Ολλανδούς καλλιτέχνες του 17ου αιώνα όπως ο J. Goyen, ο J. Ruisdael, ο Vermeer του Ντελφτ. Ένα από τα πιο εντυπωσιακά και επιτυχημένα παραδείγματα CITY LANDSCAPE αυτής της περιόδου είναι το «View of the City of Delft» του Vermeer του Delft, ο οποίος επαίνεσε ποιητικά την εικόνα. ιδιαίτερη πατρίδα. Τον 18ο αιώνα διαμορφώθηκε ένας ιδιαίτερος τύπος είδους τοπίου, στενά συνδεδεμένος με το ΑΣΤΙΚΟ ΤΟΠΙΟ - veduta. Η Veduta, ανάλογα με τη φύση της αναπαραγωγής της αστικής περιοχής, χωρίστηκε σε πραγματική, ιδανική ή φανταστική. Στην πραγματική βεντούτα, ο καλλιτέχνης απεικόνιζε επιμελώς και σχολαστικά πραγματικά κτίρια σε ένα πραγματικό τοπίο, τα πραγματικά κτίρια απεικονίζονταν περιτριγυρισμένα από ένα φανταστικό τοπίο. Η ακμή αυτού του τύπου ζωγραφικής ήταν η βενετσιάνικη Veduta, και επικεφαλής της σχολής της Βενετσιάνικης Veduta ήταν ο καλλιτέχνης Antonio Canaletto. Κατά την εποχή του ρομαντισμού, οι καλλιτέχνες διατήρησαν το ενδιαφέρον τους για την απεικόνιση αρχαιολογικών μνημείων, αρχαιοτήτων και αρχαίων ναών. Στα μέσα του δέκατου ένατου αιώνα, οι τοπιογράφοι στράφηκαν στο σκηνές του είδους. ΤΟΠΙΑ ΠΟΛΗΣ που απεικονίζουν απόψεις του Λονδίνου εμφανίζονται σε χαρακτικά Γάλλος καλλιτέχνηςΓκουστάβ Ντορ. Ένας άλλος Γάλλος καλλιτέχνης, κύριος του CITY LANDSCAPES, ο Honore Daumier, ενδιαφέρθηκε επίσης για τη θέα της πόλης, αν και του Παρισιού. ΝΕΑ ΣΕΛΙΔΑστην ιστορία του ΑΣΤΙΚΟΥ ΤΟΠΙΟΥ ανακαλύφθηκαν από ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες. Την προσοχή τους τράβηξαν τα σχέδια των δρόμων σε διαφορετικές ώρες της ημέρας, οι σιδηροδρομικοί σταθμοί, οι σιλουέτες και τα περιγράμματα των κτιρίων. Η επιθυμία να μεταδοθεί ο ρυθμός της ζωής της πόλης, να αποτυπωθεί η συνεχώς μεταβαλλόμενη κατάσταση της ατμόσφαιρας και του φωτισμού οδήγησε τους ιμπρεσιονιστές στην ανακάλυψη νέων μέσων καλλιτεχνική έκφραση.
Στην ενότητα των ζωγραφικών έργων αφιερωμένη στο ΤΟΠΙΟ της ΠΟΛΗΣ, παρουσιάζονται αντικείμενα που απεικονίζουν διάφορες πόλεις, αρχιτεκτονικά μνημεία, δρόμους και αξιοθέατα. Σε αυτή την ενότητα θα βρείτε θέα στη Μόσχα, την Αγία Πετρούπολη, καθώς και τη Ρώμη και πολλές άλλες πόλεις. Σας προσφέρουμε να αγοράσετε αντικείμενα από την ενότητα CITY LANDSCAPE στο Κατάστημά μας με Αντίκες της Επιτροπής. Η ενότητα CITY LANDSCAPE ενημερώνεται συνεχώς, μείνετε συντονισμένοι για νέες αφίξεις. "
Το CITY LANDSCAPE είναι ένα είδος καλών τεχνών στο οποίο το κύριο θέμα είναι η εικόνα της πόλης, των δρόμων και των κτιρίων της. Αρχικά, το CITY LANDSCAPE δεν ήταν ένα ανεξάρτητο είδος οι μεσαιωνικοί καλλιτέχνες χρησιμοποιούσαν αστικά τοπία μόνο ως πλαίσιο για βιβλικές σκηνές. Το CITY LANDSCAPE αναθεωρήθηκε με νέο τρόπο από τους Παλαιούς Ολλανδούς δασκάλους, οι οποίοι αιχμαλώτισαν τον κόσμο γύρω τους με ιδιαίτερη φροντίδα και αγάπη.
Το αρχιτεκτονικό τοπίο συνέβαλε στον διαχωρισμό του ΑΣΤΙΚΟΥ ΤΟΠΙΟΥ σε ένα ξεχωριστό είδος. Οι κύριοι αυτού του κινήματος, που αναπτύχθηκε υπό την επίδραση της θεωρίας της γραμμικής προοπτικής, είδαν το κύριο καθήκον τους στην κατασκευή μιας σύνθετης, προσεκτικά σχεδιασμένης σύνθεσης, λαμβάνοντας υπόψη μια, κύρια άποψη. Οι Ιταλοί καλλιτέχνες της Αναγέννησης - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna - συνέβαλαν πολύ στην ανάπτυξη αυτού του είδους. Σχεδόν ταυτόχρονα με το αρχιτεκτονικό τοπίο, αναπτύχθηκε μια άλλη κατεύθυνση - η απεικόνιση αστικών τοπίων. Γερμανοί, Ολλανδοί και Γάλλοι ζωγράφοι του 16ου-17ου αιώνα έφεραν από τα ταξίδια τους πολυάριθμα λευκώματα με σκίτσα από τη φύση. Στα μέσα του 17ου αιώνα, το CITY LANDSCAPE κατέλαβε σταθερά τη θέση του ως ανεξάρτητο είδος, και έγινε αγαπημένο θέμα των Ολλανδών καλλιτεχνών. Όταν απεικόνιζαν γωνιές του Άμστερνταμ, του Ντελφτ, του Χάρλεμ, οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να συνδυάσουν τη γεωμετρική σαφήνεια των αστικών κτιρίων με καθημερινά επεισόδια και τοπία. Πραγματική θέα στην πόλη μπορεί να βρεθεί σε σημαντικούς Ολλανδούς καλλιτέχνες του 17ου αιώνα όπως ο J. Goyen, ο J. Ruisdael, ο Vermeer του Ντελφτ. Ένα από τα πιο εντυπωσιακά και επιτυχημένα παραδείγματα του CITY LANDSCAPE αυτής της περιόδου είναι το «View of the City of Delft» του Vermeer του Delft, ο οποίος δόξασε ποιητικά την εικόνα της πατρίδας του. Τον 18ο αιώνα διαμορφώθηκε ένας ιδιαίτερος τύπος είδους τοπίου, στενά συνδεδεμένος με το ΑΣΤΙΚΟ ΤΟΠΙΟ - veduta. Η Veduta, ανάλογα με τη φύση της αναπαραγωγής της αστικής περιοχής, χωρίστηκε σε πραγματική, ιδανική ή φανταστική. Στην πραγματική βεντούτα, ο καλλιτέχνης απεικόνιζε επιμελώς και σχολαστικά πραγματικά κτίρια σε ένα πραγματικό τοπίο, τα πραγματικά κτίρια απεικονίζονταν περιτριγυρισμένα από ένα φανταστικό τοπίο. Η ακμή αυτού του τύπου ζωγραφικής ήταν η βενετσιάνικη Veduta, και επικεφαλής της σχολής της Βενετσιάνικης Veduta ήταν ο καλλιτέχνης Antonio Canaletto. Κατά την εποχή του ρομαντισμού, οι καλλιτέχνες διατήρησαν το ενδιαφέρον τους για την απεικόνιση αρχαιολογικών μνημείων, αρχαιοτήτων και αρχαίων ναών. Στα μέσα του δέκατου ένατου αιώνα, οι τοπιογράφοι στράφηκαν στις σκηνές του είδους. ΠΟΛΗ SCAPES που απεικονίζουν θέα στο Λονδίνο βρίσκονται στα χαρακτικά του Γάλλου καλλιτέχνη Gustave Doré. Ένας άλλος Γάλλος καλλιτέχνης, κύριος του CITY LANDSCAPES, ο Honore Daumier, ενδιαφέρθηκε επίσης για τη θέα της πόλης, αν και του Παρισιού. Οι ιμπρεσιονιστές καλλιτέχνες άνοιξαν μια νέα σελίδα στην ιστορία του ΑΣΤΙΚΟΥ ΤΟΠΙΟΥ. Την προσοχή τους τράβηξαν τα σχέδια των δρόμων σε διαφορετικές ώρες της ημέρας, οι σιδηροδρομικοί σταθμοί, οι σιλουέτες και τα περιγράμματα των κτιρίων. Η επιθυμία να μεταδοθεί ο ρυθμός της ζωής της πόλης, να αποτυπωθεί η συνεχώς μεταβαλλόμενη κατάσταση της ατμόσφαιρας και του φωτισμού οδήγησε τους ιμπρεσιονιστές στην ανακάλυψη νέων μέσων καλλιτεχνικής έκφρασης.
Η ενότητα των πινάκων που είναι αφιερωμένη στο ΤΟΠΙΟ της ΠΟΛΗΣ παρουσιάζει αντικείμενα που απεικονίζουν διάφορες πόλεις, αρχιτεκτονικά μνημεία, δρόμους και ορόσημα. Σε αυτή την ενότητα θα βρείτε θέα στη Μόσχα, την Αγία Πετρούπολη, καθώς και τη Ρώμη και πολλές άλλες πόλεις. Σας προσφέρουμε να αγοράσετε αντικείμενα από την ενότητα CITY LANDSCAPE στο Κατάστημά μας με Αντίκες της Επιτροπής. Η ενότητα CITY LANDSCAPE ενημερώνεται συνεχώς, μείνετε συντονισμένοι για νέες αφίξεις.