sobre el rendimiento
La ópera La Bohème de Giacomo Puccini es una de sus mejores obras. Hubo un tiempo en que esta creación no fue aceptada por los críticos, además, se predijo que tendría una fama de corta duración. Sin embargo, la ópera ha pasado a través de los siglos y ahora se representa con éxito en los principales teatros del mundo. Cualquiera que decida comprar entradas para la ópera “La Bohème” en el Teatro Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko, representada por Alexander Titel, podrá comprobar la genialidad de la obra de Puccini.
El libreto de La Bohème fue escrito según novela del mismo nombre Henri Murger, pero en la producción la historia no se cuenta directamente, sino como un recuerdo de algo que se fue para siempre. En general, en su esencia historia Se encuentra la historia de los habitantes de una de las zonas más pobres de París: los bohemios, como se llamaba entonces a los estudiantes y a los pobres sin trabajo. A lo largo de toda la obra, dos parejas de jóvenes solucionan su relación entre sí. El final de la historia es triste: la muerte de una de las heroínas, Mimi, sobre cuyo cuerpo solloza su amado Rudolf.
Sin exagerar, podemos decir que la ópera "La Boheme" en el Teatro Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko, para la cual nuestra agencia de entradas ofrece comprar entradas, es una verdadera perla y decoración del repertorio del teatro. Tiene todo lo que deleita al espectador moderno: música perfecta, una trama conmovedora y una actuación excelente. Puede solicitarnos entradas para esta ópera online o por teléfono.
La duración de la actuación es de 2 horas 20 minutos (con un intermedio).
Compositor Giacomo Puccini
Libreto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa
Director musical y director de escena Wolf Gorelick
Director de orquesta Félix Korobov
Director de escena Alexander Titel
Diseñador de producción Yuri Ustinov
La diseñadora de vestuario Irina Akimova
Diseñador de iluminación Ildar Bederdinov
Género Ópera
Número de actos 4
Idioma de ejecución: italiano
Título original La Boheme
Duración 2 horas 20 minutos (un intermedio)
Fecha de estreno 07/01/1996
Límite de edad 12+
La actuación es galardonada con el Premio Nacional Ruso. Premio de Teatro "Máscara Dorada"1997 en 2 nominaciones (" mejor trabajo director"; "mejor papel femenino" - Olga Guryakova).
Precio de la entrada: de 1500 a 4000 rublos.
Director de orquesta - Félix Korobov
Rudolf - Chingis Ayusheev, Nazhmiddin Mavlyanov, Artem Safronov
Mimi - Khibla Gerzmava, Elena Guseva, Natalya Petrozhitskaya
Marsella - Dmitry Zuev, Ilya Pavlov, Alexey Shishlyaev
Musetta - Irina Vashchenko, María Pakhar
Schaunard - Andrey Baturkin, Dmitry Stepanovich
Collen - Denis Makarov, Roman Ulybin, Dmitry Ulyanov
Benoit / Alcindor - Vladimir Sistov, Dmitry Stepanovich
Parpignol - Thomas Baum, Vyacheslav Voinarovsky
La acción se desarrolla en el frío ático del pobre artista Marcel. Debido a sus manos congeladas, el creador no puede terminar su cuadro “Cruzando el Mar Rojo”. Su amigo, el escritor Rudolf, mira con envidia las chimeneas humeantes de los tejados de las casas parisinas. Para escapar del frío, los chicos deciden encender la chimenea con al menos algo. La elección es entre el cuadro de Marcel y el primer acto de la obra de Rudolf, que sacrifica en aras de la salvación. La calidez deseada entra en la habitación.
La aparición del tercer amigo va acompañada de ataques cómicos sobre la fragilidad del drama de Rudolf, porque el fuego consumió la obra demasiado rápido. El músico lo pone sobre la mesa. delicias gourmet: queso, vino, puros y leña. Los camaradas no saben de dónde sacó tanta riqueza el pobre Schaunard. El tipo dice que cumplió las instrucciones de un inglés: tocar el violín hasta matar a un loro molesto, lo cual hizo con facilidad.
La diversión se estropea con la llegada del dueño de la casa, Benoit, que decidió una vez más recordarle la deuda por el alquiler de un apartamento. La empresa invita al propietario a probar la comida, apaciguándolo así. Hablar de amores pronto obliga al propietario a relajarse y, avergonzado, a salir del apartamento riendo. Los chicos dividen el dinero disponible en partes iguales y van a su café favorito.
Allí conocen a la encantadora Mimi, quien les pide que la ayuden a encender su vela. Las luces se apagan y Rudolph y Mimi se quedan solos en cuarto oscuro. Las conversaciones francas sobre el amor generan sentimientos ardientes en sus corazones. Salen de la habitación cogidos del brazo.
Al llegar al mercado navideño, todos compran regalos para ellos y sus seres queridos: Schaunard, un cuerno, Colin, una pila de libros, Rudolf, una gorra para Mimi. Sólo Marcel no gasta dinero, añorando su ex amante Gaita. La compañía va a un café, donde conocen a Musetta, acompañada por el rico pretendiente Alcindor. Entre antiguos amantes El fuego de la pasión vuelve a arder, y después de que el molesto Alcindor se va, Musetta, Marcel y toda la compañía huyen del café, dejando facturas impagas al chico abandonado.
Acto II
Llega la mañana y Mimi acude a Marcel para pedirle consejo. Ella confiesa su amor por Rudolf y comparte sus temores sobre su inminente separación. Marcel convence de que lo mejor sería que se separaran, ya que ambos no están preparados para relación seria. Entra Rudolph, Mimi se esconde. rodolfo habla la verdadera razón separándose de Mimi - ella enfermedad incurable. Mimi, incapaz de contener la tos, se delata. Pero los recuerdos de vida juntos no abandona a la pareja y deciden posponer la separación hasta la primavera.
Acto III
Pasan varios meses. Marcel y su amigo Rudolf vuelven a estar solos en el ático. Ambos anhelan su antigua felicidad. Marcel mira el retrato de Musetta y Rudolf mira la gorra de Mimi. Llegan Colin y Schaunard y ponen pan duro y arenque en la mesa.
En medio de la diversión, aparece Musetta y da la triste noticia: Mimi está muriendo. Deseando en último tiempo Mimi apenas llega al ático para ver a su amante. Cada uno de los presentes intenta hacer al menos algo para aliviar la difícil situación de Mimi. Marcel vende aretes destinados a Musetta, y la propia Musetta corre por su manguito, haciéndolo pasar por un regalo de Rudolf. Mimi se queda dormida con una sonrisa en el rostro. Marcel dice que el médico está por llegar, pero la niña se está muriendo...
– actuación debut Vladislav Shuvalov, que encontró la producción de Puccini irremediablemente festiva.
Al final de la temporada 242, el Teatro Bolshoi presentó la ópera de Puccini “ Bohemia” al leer la composición internacional de directores y artistas. La anterior producción del Bolshoi, de 1996, dirigida por el austriaco Federik Mirditta y dirigida por el eslovaco Peter Feranec, tuvo más de 110 funciones (la última tuvo lugar un año antes del nuevo estreno). La presencia de la ópera en el repertorio del Bolshoi ha sido una historia rutinaria desde la primera producción de La Bohème en 1911. Pero incluso las historias que funcionan con éxito deberían actualizarse de vez en cuando. De hecho, resultó que la producción anterior era esencialmente poco diferente de la actual, con la excepción de una escenografía más estética y hecho historico que el director, el conductor y los cantantes de la nueva edición de La Bohème son jóvenes. Debido a su edad, se debería haber esperado que estuvieran más atentos al material.
Los directores de La Bohème interpretan a menudo el tono del público bohemio como una atmósfera de sentimentalismo demostrativo y diversión tonta, como si tuvieran miedo de desviarse del estereotipo. Mientras tanto, teatro moderno ofrece diferentes lecturas. Klaus Guth el año pasado en París ópera nacional volcó radicalmente la galería figurativa de “La Bohemes”: una pobre compañía artística, impulsada por el desorden de la vida principios del XIX siglo en un ático frío, Gut lo encerró literalmente en una cápsula astronave, arando las frías extensiones del universo. Se visitaron cosmonautas solitarios, ya sea por una sensación intensificada de que se acercaba el fin o por falta de oxígeno. visiones artísticas una vida pasada o nunca existente.
foto: Servicio de prensa del Teatro Bolshoi
El pasado y el futuro están igualmente distantes de sus contemporáneos, por lo que las ideas de los tradicionalistas sobre los bohemios del siglo pasado resultan no menos utópicas que las de Guth. Incluso debido a ilusiones demasiado sentimentales sobre las vacaciones de la juventud despreocupada. Al mismo tiempo, inicialmente, en los bocetos de imágenes de Bohemia, Balzac y Hugo, como se sabe, tenían más realista. Henri Murget, el autor de "Escenas de la vida de Bohemia", con énfasis en su propia biografía, describió una trama sobre un nuevo estrato de la sociedad nunca antes escuchado y no encontrado en ningún otro lugar, cuya libertad de creatividad y relaciones era temida en los círculos decentes. , y al mismo tiempo admirarlos. La vecina Mimi, que se enamoró del poeta Rudolf, se basó en la amante de Murger, según la leyenda, que fue abandonada de manera muy innoble para morir sola. libretista Luigi Illica era conocido como frondeur, participó en la organización de revistas radicales y se batió en duelo, segundo libretista Giuseppe Giacosa sirvió como amortiguador en los enfrentamientos entre las naturalezas irascibles de Puccini e Illica.
espíritu rebelde personalidades creativas quedó reducida a las reglas del juego del género, y pocos se atrevieron posteriormente a modernizar la ópera inmensamente romántica para todos los tiempos. Sin atreverse a acercar los personajes de los personajes a algo más vivo e imperfecto, los directores invariablemente dirigieron sus esfuerzos a conmover al público: con una comedia poco exigente y un romance esquemático en el primer acto, un carnaval sin límites en el segundo, melaza lírica con una tristeza. terminando en el último. Jean-Roman Vesperini, el director de producción de la nueva La Bohème, que tiene cierta experiencia en producciones dramáticas y de ópera en Francia, no trabaja por primera vez en Rusia. Fue asistente de Peter Stein en “Aida”, que tuvo una brillante actuación en , y en la leyenda dramática de Berlioz “La condenación de Fausto”, representada por Stein en el Teatro Bolshoi hace dos años. Probablemente, durante este tiempo Vesperini se formó una opinión sobre el público ruso y las expectativas del cliente. En repetidas ocasiones expresó la tarea de estetizar la ópera de Puccini al estilo de la película musical "", lo que de por sí suena algo extraño saliendo de su boca. director de ópera, aunque honestamente.
La apuesta estética es tan oportunista como poco errónea: en Rusia todavía aman todo lo que brilla con un pretexto de glamour, a pesar de que desde su lanzamiento mejor película La "" caligrafía australiana de Luhrmann está, si no irremediablemente, ciertamente anticuada. Además, el diseño glamuroso contradice la esencia de la imagen de la bohemia: círculos de artistas sin dinero y trabajadores del arte generalmente marginales por el arte, cercanos sólo a personajes glamurosos. alto grado Arrogancia en la representación de la capacidad artística. Es mucho más importante que el vertiginoso estilo del posmodernista australiano requiera de sus seguidores, en primer lugar, un impecable sentido del ritmo de edición y el perfeccionismo en la creación de detalles, lo que en el camino elegido de la estetización frenada puede resultar no ser una bendición para el director, pero un tropiezo.
Según la tradición, La Bohème se desarrolla en tres escenarios: un ático con una amplia ventana, una calle del Barrio Latino y el puesto de avanzada D'Enfer. Escenografía bruno de lavenera- el componente más atractivo de la producción. El ático está representado por una estructura de tres pisos, que ocupa sólo un tercio del escenario, y cumple la función de un espacio limitado en el que los bohemios -poeta, pintor, filósofo y músico- se apiñan difícil pero alegremente. El resto del escenario, a derecha e izquierda de la “sección del ático”, está cubierto por un telón. Sobre la cortina se proyecta una imagen de tejados con chimeneas y chimeneas. Los cantantes ingresaron al primer acto, estando en el segundo nivel de la estantería, donde se encontraba una mesa y el famoso fogón, al que se recurría las primeras libaciones de los artistas helados en Nochebuena. Las actuaciones de los cantantes en las alturas permitieron una mejor visibilidad de lo que sucedía desde la galería y las gradas, pero complicaron el contacto entre los artistas y la orquesta. Las manos del director estadounidense Evan Rogers seguían volando sobre el foso de la orquesta. Por cierto, los cantantes sólo llegaron una vez al tercer piso de su propio ático.
foto: Servicio de prensa del Teatro Bolshoi
El paso del primer al segundo acto no requirió la habitual pausa para cambiar de escenario. La estructura del ático se movió efectivamente en diferentes direcciones, revelando la codiciada amplitud del espacio escénico, del que el espectador ya se había aburrido. La alegría de la víspera de Navidad en la obra simplemente fue reemplazada por el solemne bullicio del Barrio Latino: cincuenta extras, juerguistas ociosos, subieron al escenario del Bolshoi. El fondo estaba decorado con tiras de LED cruzadas al azar, dando lugar a un caprichoso figura geométrica, como si viniera accidentalmente de los tiempos futuros del "arte no figurativo". A lo lejos se veían las aspas integrales del molino Moulin Rouge.
Los trajes de los extras y coristas, confeccionados según patrones de ropa de épocas desconocidas y en colores llamativos (lila, verde claro, lila, cereza, turquesa, limón) evocaban una sensación persistente de una mascarada demasiado entusiasta o de una fiesta infantil. matinée. La aparición del vendedor de juguetes Parpignol con un traje escarlata abrasador (tenor Marat Gali en bicicleta), ungido por un coro de voces infantiles, así como la actuación de una “dama con un perro”. Museta ( Damiana Mizzi) apareció acompañado caniche blanco, perfectamente entrenado, y sin duda le dio al artista una cuota de cariño del público. Entre las imágenes atrevidas que cabría esperar de una producción joven (pero que son escasas), recuerdo a un guardia que se quita los pantalones militares, dejando al descubierto un tutú de ballet debajo.
Si el segundo acto se presentó al estilo de un espectáculo de variedades, en el que el café Momus estaba elegantemente decorado con un arco de bombillas, que obviamente recordaba la iluminación de un escenario de cabaret, entonces el tercer acto, según el principio de dramatismo. El contraste profesado por Vesperini, se decidió en sentido contrario. El escenario del puesto avanzado D'Enfer en las afueras de París consistía en situado bajo ángulo agudo tres secciones: un tramo de escaleras, una valla hecha de varillas y una pared de ladrillos. En la abertura de la pared había una antigua lámpara y desde arriba rayos de luz difusa y dispersa se derramaban sobre todo el decorado, como un boceto melancólico en el espíritu de los impresionistas.
La diversidad estilística del diseño estuvo respaldada por colores constantemente brillantes. voces masculinas Segundo elenco de la ópera. Tenor Davide Giusti(por cierto, ya interpretó el papel de Rudolf para Himmelman-Currentzis) y barítono Aluda Todua explotaron sin piedad el lado lírico de sus personajes de modo que el dramatismo del final era difícil de creer. La solución vino nuevamente desde el campo de la escenografía. En el episodio final de la muerte de Mimi, la estructura del ático se desconectó, lo que reforzó el triste significado del momento: todos los personajes vivos quedaron de un lado de la estructura abierta, y del otro, la cama con Mimi, quien murió sola. flotó hacia la eternidad.
foto: Servicio de prensa del Teatro Bolshoi
Al margen hubo reproches para la orquesta, que no pudo seguir el ritmo de una interpretación claramente emotiva. Evan Rogerster- un joven y sonriente director de orquesta vestido de negro, que también trabajó con Peter Stein y que ya había puesto en escena dos La Bohèmes. El propio Rogerster admitió que buscaba una analogía sólida con la violenta emocionalidad de los personajes, aunque sería más razonable suponer que la orquesta limitó y dirigió con confianza a los cantantes, incluidos María Mudryak, que puso todo su temperamento en el papel de Mimi y saboreó jugosamente las evidentes e imaginarias desgracias de su heroína.
La producción, que evocaba un ambiente festivo y un encanto inaccesiblemente monótono, provocó la impresión esperada favorable del público. El carácter clásico de la ópera sobre vagabundos pintorescos y bellezas tísicas, en la que la tragedia ligeramente caricaturizada convive con la sublimidad frontal, volvió a mantenerse firme. El éxito del repertorio se ha producido y probablemente se mantendrá dentro de las ideas tradicionales sobre “La Bohème” durante otros 20 años.
foto: Servicio de prensa del Teatro Bolshoi
Teatro Bolshoi de Rusia Este año decidí cerrar mi temporada con un estreno de ópera.
Y este estreno resultó ser más grande que él mismo. Parecería un fracaso aislado de una actuación individual, pero en él se acumulan claramente todos los puntos problemáticos de la política de la actual dirección del teatro. Y no se delineaban claramente las perspectivas más halagüeñas.
Entonces, "La Bohéme".
Apenas tuvieron tiempo de sacar del cartel la producción anterior (por cierto, aunque sigue literalmente el libreto, es bastante agradable estéticamente), cuando inmediatamente se presentó la nueva. Después de todo, una de las óperas más reconocibles y, sobre todo, más taquilleras del mundo.
La producción fue dirigida por Jean-Roman Vesperini. Un joven director, ayer asistente de Peter Stein. Trabajó con él en varios proyectos en Rusia, incluido “Aida” en el Teatro Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko. Y aparentemente se asimiló demasiado profundamente al paisaje cultural ruso.
Como director independiente, Vesperini estaba completamente indefenso.
Mientras lo veía, parecía que lo único que lo motivaba en la producción era evitar cualquier comparación con Stein. Y, sin duda, decidió pedir prestado todo a los demás. Sello sobre sello, cliché sobre cliché... todo ha sido visto mil veces, hace tiempo que envejeció y murió de muerte natural.
El resultado final fue simplemente un enorme pastel de bodas de mal gusto, hecho de banalidades y la ausencia de cualquier individualidad expresada.
La dirección aquí es escultural.
Directamente del siglo pasado. Todos los estereotipos por los que a menudo se ridiculiza el género de la ópera se reúnen y se llevan al absurdo. Para transmitir las emociones más simples (un ataque de tos o una sorpresa), los solistas se congelan repentinamente, como antes de un derrame cerebral, abren los ojos con todas sus fuerzas, baten tímidamente las pestañas y dramáticamente, con un gesto amplio, se agarran el pecho con las manos. manos. De lo contrario, todos suben al escenario, se vuelven hacia el público y cantan. Todo. Y así 2 horas y media con un intermedio.
En algún momento, surge la sensación de que la única tarea actoral que el director asignó a los intérpretes era subir al escenario, mirar brevemente a los compañeros, volverse hacia el público y cantar lo más fuerte que puedas, cuanto más fuerte, mejor. Preferiblemente olvidándose por completo de los matices. Y para crear al menos una apariencia de acción, el director ordenó a los solistas caminar intensamente por el escenario — de derecha a izquierda, de arriba a abajo, aquí y allá — e invariablemente justificar este paseo diciendo que, con una mirada reflexiva Mira, sintieron absolutamente todos los objetos que encontraron en el camino. Sólo ocasionalmente se les da a los artistas la oportunidad de recordar la existencia de los demás.
Suena gracioso, pero nunca antes había visto una producción en la que los personajes agarraran, tocaran y frotaran los accesorios y decoraciones a su alrededor con tanta intensidad y entusiasmo. En serio, si decides ver esta producción, no lo pospongas por mucho tiempo, existe un grave riesgo de que el brillo de estreno que el escenógrafo Bruno de Lavener aportó a esta función se borre muy rápidamente.
El resultado es un libro de texto, literal, directo y, como resultado, boquiabierto por su vacío "Bohemia": áticos, restaurantes, chimeneas, jóvenes pobres infelices. profesiones creativas y burgueses ricos, gordos y caricaturizadamente estúpidos.
No parece decir que haya sucedido algo muy terrible.
Muchos teatros de ópera del mundo (entre los que se destaca especialmente la famosa Metropolitan Opera) a veces presentan anualmente más de un estreno con una dirección tan "vacía"... Pero aquí surge la cuestión de la conveniencia y la planificación artística.
En primer lugar, “La Boheme” es una de las más frecuentes óperas representadas en el mundo durante las últimas décadas. Si alguien ha estado al menos una vez en la ópera, probablemente haya estado en La Bohème. Y la literalidad está simplemente contraindicada para ella. El público simplemente se aburre cuando se puede predecir con precisión de antemano no solo lo que sucederá a continuación, sino también cómo se verá.
En segundo lugar, los teatros del mundo presentan este tipo de producciones con un objetivo transparente y calculado: se invita a estrellas de fama mundial a interpretar papeles solistas. A menudo muy diferentes. Y se requiere una dirección minimalista y punteada para que el artista visitante pueda asumir rápidamente el papel sin dolores de cabeza innecesarios y llevar sus logros personales al escenario. Y a menudo esto resulta bien, ya que, por regla general, todos los grandes nombres del mundo tienen un talento artístico claramente desarrollado. No sólo cantan, sino que también son capaces de transmitir su canto de forma espectacular al espectador. De lo contrario, no serían tales estrellas. Todos los solistas aquí son jóvenes. Algunos tienen más perspectivas, otros menos, algunos ya se han consolidado, otros apenas están comenzando, pero en general no hay novedades todavía. Y cumplen obedientemente todas las tareas del director. Con diligencia y sin cuestionamientos.
Y esta es la principal decepción e insulto de este “estreno”.
El hecho es que la ópera en sí tiene un libreto muy animado y extremadamente ingenioso. Puccini hizo todo lo posible para plasmar esta historia en su melodrama favorito, casi con fuerza exprimiendo una lágrima, pero, afortunadamente, el material original no sucumbió por completo a él. Y quizás en esta circunstancia resida el secreto de tanta popularidad masiva, facilidad y accesibilidad para el espectador de “La Boheme”.
De hecho, todos los diálogos y giros argumentales de esta ópera están organizados con el espíritu de una buena comedia en serie. Una comedia de situación sobre la vida de los jóvenes. Sobre el primer encuentro con el amor, los celos y la muerte. Pero antes que nada... sobre una amistad fuerte, pase lo que pase. Sobre cómo ser amigo no solo de la bella, sino también de lado oscuro persona. Sobre la capacidad de perdonar las debilidades de un amigo cercano y estar presente en los momentos difíciles. Incluso en escena final La muerte de Mimi en primer plano no es su famosa aria moribunda, sino cómo los amigos de Rudolf no encuentran la fuerza para contarle la trágica noticia a su amigo. Mientras examina confusamente a cada uno de ellos uno por uno y les hace la pregunta: “¿Por qué me miras así?”, internamente ya comprende “por qué”.
La juventud, primera prueba de fuertes sentimientos y fuertes sobresaltos, es precisamente lo que hace que esta ópera sea vivaz e interesante. Y muchas veces, incluso cuando en los papeles principales cantan superestrellas con voces extraordinarias y la puesta en escena está a cargo de un director eminente, todo fracasa por falta del entusiasmo juvenil , ese fuego tan sagrado que quema un buen drama.
Pero aquí está todo el equipo de la obra — el director, los solistas, el director — muchachos muy jóvenes. Y se supone que simplemente deben encenderlo, encender una chispa de la que brotará una llama. Y toman e instalan un dinosaurio así en 2018. También con esfuerzo mal disimulado. Y en lugar de ver cómo los jóvenes talentos crean el futuro con audacia y audacia, se ve cómo intentan habitar el pasado y se asfixian en las nubes de polvo levantadas.
Por supuesto, algunos artistas intentan no perder su ligereza juvenil. Esto es especialmente exitoso en el conjunto masculino (en diferentes composiciones, Zilikhovsky y Todua aparecen en el papel de Marcel. Realmente creo en el primero; lo escuché muchas veces, siempre trató de evitar banalidades. El segundo hoy se convirtió en el papel secundario en el principal personaje). En el caso de las mujeres todo es mucho más modesto. Estaba en el segundo elenco y por primera vez me sorprendí pensando que nunca en mi vida había esperado tanto a que Mimi finalmente muriera. Se rumorea que en el primero no todo va mejor. Tengo miedo de imaginar y definitivamente no quiero comprobarlo.
Pero el principal rehén de este “estreno” fue el director Evan Roger.
Es por eso que realmente lo siento. A pesar de cierta aspereza y también de un uso sólido de banalidades (aparentemente se trata de una bacteria muy contagiosa), logró agitar a la orquesta del Teatro Bolshoi, que, lamentablemente, últimamente conocida por el esnobismo y el exagerado sentido de importancia personal de muchos de sus músicos, razón por la cual, independientemente del director y el material interpretado, la orquesta del teatro interpreta constantemente un tema determinado. Sospecho que el secreto de tal éxito es el encanto natural y la sonrisa contagiosa y afable de Roger. Como resultado, es el único en esta actuación que conserva su juventud y aporta al menos algo de frescura, por lo que incluso las técnicas más trilladas se perciben más bien como una ingenuidad juvenil, lo que le sienta muy bien a esta ópera.
Sin embargo, supongamos que todo esto no es significativo y no merece una insatisfacción tan detallada. Al final, los fracasos ocurren en todos los teatros. Todo el mundo tiene derecho a fracasar y fallar.
Pero aquí la historia ya no se trata de una sola representación, sino del clima que reina en todo el teatro.
No hace mucho, el Bolshoi era uno de los teatros de ópera más importantes y prometedores del mundo. Personas de todo el mundo acudían en masa para ver Ruslan y Lyudmila de Chernyakov. Surgieron agencias especializadas para brindar turismo cultural al público de ópera con el único fin de asistir al estreno de la ópera en el teatro.
Ahora el teatro demuestra que se dirige a un público informal, alejado del género operístico, que continúa la peregrinación detrás de la lámpara de araña. Y si hay invitados extranjeros, también han cambiado mucho. Ahora llegan autobuses de turistas chinos al Bolshoi.
Y ahora, concluyendo con tal estreno otra temporada sin vida de ópera, el teatro parece firmar su renuncia voluntaria al título de teatro mundial, aceptando el estatus de teatro provincial. Admitir abiertamente que incluso en este estado el Bolshoi ya no es un teatro de ópera y ballet. Ahora sólo ballet. E incluso eso, con muy raras y agradables excepciones, en su mayoría clásicas. E idealmente, resucitar los clásicos del período soviético, para que los funcionarios tengan un lugar donde pasear por la nomenklatura de las delegaciones extranjeras.
Es muy doloroso sentir este renacimiento. Las paredes son las mismas que en la reciente “Rodelinda”, “Billy Budd”, “Eugene Onegin”, “Carmen” de Pountney... Pero no queda nada más que las paredes. Ahora existe una cámara tan balsámica.
Pero incluso aislada de un teatro específico, la “nueva” La Bohème mostró una característica mucho más amplia e interesante.
EN últimas décadas Entre los aficionados a la ópera surgieron intensos debates sobre las producciones con una visión e interpretación distinta del director de los argumentos de la ópera. Y, por regla general, el grado de indignación de los opositores del llamado "director" siempre estuvo marcado por la frase despectiva "Iré y escucharé con los ojos cerrados".
Y así nació una producción separada para tales conservadores, casi la quintaesencia de sus ideales. Un libro de texto recopilado diligente y escrupulosamente sobre cómo dirigir el “gesto amplio”.
Pero la gran mayoría de los espectadores en la sala ahora cierran los ojos. Por aburrimiento.
Incluso los espectadores ocasionales, que milagrosamente no estaban familiarizados con la trama de La Bohème, comenzaron a susurrar en voz baja cómo iban las cosas en el trabajo y con los amigos. O todos se rieron de los mismos estereotipos sobre la ópera, donde el héroe canta durante 10 minutos seguidos. lengua extranjera mientras muere.
Al mismo tiempo, se escucharon aplausos no después de la exitosa interpretación de las arias, sino precisamente después de una fuerte. Muchos de los que acudieron por primera vez a la ópera estaban seguros de que así debía ser. Y satisfechos con tal reconocimiento, con la coincidencia de sus ideas con la realidad, al menos de alguna manera se libraron del aburrimiento mediante la actividad física — aplaudiendo.
Incluso en el aplauso final (¡y este es el último espectáculo de la temporada!) la ovación más fuerte no fue para los artistas principales, sino para el perro del circo (no preguntes, acéptalo, hay un perro de circo en la obra). . Sólo el director logró acercarse a este éxito.
Después de la actuación, me demoré mientras salía del salón. Miré específicamente hacia afuera, pero no vi a nadie con la cara manchada de lágrimas o al menos con los ojos ligeramente húmedos y pensativos. ¡Y esto es en “Bohemia”! Quizás, por supuesto, estaba buscando en el lugar equivocado, pero normalmente se encuentra a personas así en Puccini sin mucha dificultad. Es solo que todo en esta actuación no es real. En absoluto. Como en cualquier reconstrucción histórica, todo lo que está sucediendo es falso y payaso, hace tiempo que perdió su significado y olvidó su esencia misma. Y esos sentimientos no evocan en nadie. Incluso aquellos que “cortan cebollas” por primera vez con Puccini.
Y hay una moraleja interesante en este fenómeno: no todo lo que personalmente considera correcto y agradable es el futuro.
Hoy en día, el género de la ópera ha ido mucho más allá del amargo debate sobre “director” y “director de orquesta”. El primero pronto cumplirá 100 años. El segundo es un recurso natural en general. Y cuanto más activamente corramos contra el movimiento de la escalera mecánica, más rápido nos encontraremos hasta el final.
De todo corazón, sinceramente, deseo que el Teatro Bolshoi entienda esto, deje de intentar complacer a todos y corrija radicalmente su rumbo. No coquetear con el público local, atrayéndolo con entradas asequibles basadas en cupones y controles de pasaportes en la entrada, sino desarrollar el paisaje y nivel musical en el país. Alguien, pero el Teatro Bolshoi tiene todos los recursos para ello.
Próximamente, por ejemplo, contaré una bella e instructiva historia sobre cómo el teatro de nuestro país, mucho más modesto en recursos, gracias al buen gusto y a una razonable planificación de gestión, ya está llevando a cabo tranquilamente un importante proyecto que determinará nuestra futuro cultural en los años venideros.
Mientras tanto, el próximo estreno de ópera en el Bolshoi, que no es muy posible analizar porque simplemente no hay nada a qué aferrarse, demuestra un sistema ya establecido. Un sistema de lo que sucede cuando la dirección de un teatro hace concesiones con demasiada facilidad. Estos compromisos descienden en la jerarquía. Y como resultado, toda la atmósfera queda envenenada.
En este sentido, como mejor advertencia sobre lo destructivo de coquetear con compromisos para el arte, me gustaría desear a los artistas y a la dirección de nuestros otros teatros que vean la “nueva” “La Bohème” del Bolshoi. Y, en primer lugar, por supuesto, a Sergei Vasilievich Zhenovach. Se pueden evitar muchos errores. Muchas cosas se vuelven obvias. En lugar de mil palabras.
PD.
Al regresar completamente alterado, puse la grabación de “La Bohème”, que me habían recomendado mucho desde hacía mucho tiempo. buena gente. Recientemente admitió que nunca se había topado con una “La Boheme” que no fuera terrible. No me impactó ni una sola producción. No es que no rugiera, sino que simplemente no experimentó más emociones que irritación. Y ya pensé que en el estreno de “Big” el problema era más conmigo y mi protesta por exprimir las lágrimas del público con métodos baratos.
Pero encendí la grabación. Y nunca había parpadeado tan raramente en La Bohème. Una obra maestra absoluta. Mejor producción, que se conoce hoy. La música escuchada más de 100 veces suena completamente diferente. Y la interpretación cantada es absolutamente brillante. ¡Sí, esa “Bohemia” existe! ¡La esperamos durante mucho tiempo y la encontraron!
Paciencia... ganaré fuerzas y me aseguraré de compartir mi hallazgo. Mientras tanto...
El amor, el amor, por desgracia, no sustituirá a la leña...