Leonardo da Vinci "Madonna y el Niño" (Madonna Litta), 1490 - 1491, témpera sobre lienzo. 42x33cm, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

El cuadro fue ejecutado evidentemente en Milán, donde el artista se mudó en 1482. Es una de las obras cuya aparición marcó nueva fase en el arte del Renacimiento: una declaración de estilo Alto Renacimiento. Una bella mujer amamantando a un bebé aparece como personificación. amor de madre como el mayor valor humano.

La composición del cuadro es lacónica y equilibrada. Las figuras de María y el Niño Jesús están modeladas con los más finos claroscuros. Las aberturas de ventanas simétricas ofrecen infinitas paisaje de montaña, recordando la armonía y la grandeza del universo. La figura misma de la Virgen parece estar iluminada por una luz que proviene de algún lugar del frente. La mujer mira al niño con ternura y pensativa. El rostro de Madonna está representado de perfil, no hay sonrisa en sus labios, solo una cierta imagen de ella acecha en las esquinas.

El bebé mira distraídamente al espectador, sosteniendo mano derecha el pecho de la madre. En su mano izquierda el niño sostiene un jilguero.

Las vívidas imágenes de la obra se revelan en pequeños detalles que nos dicen mucho sobre la madre y el niño. Vemos al bebé y a la madre en el dramático momento del destete. La mujer lleva una camisa roja de cuello estrecho. Tiene ranuras especiales por las que es conveniente amamantar al bebé sin quitarle el vestido. Ambas incisiones fueron suturadas cuidadosamente (es decir, se tomó la decisión de destetar al niño del pecho). Pero el corte correcto se rompió apresuradamente: los puntos superiores y un trozo de hilo son claramente visibles. La madre, ante la insistencia del niño, cambió de opinión y pospuso este difícil momento.

El cuadro llegó en 1865 procedente de la colección milanesa del duque Antonio Litta, a cuyo nombre se asocia su título.
Dibujo preparatorio El cuadro del Hermitage se conserva en el Louvre.

Antes de entrar en el Hermitage en 1865, la “Madonna Litta” formaba parte de la colección familiar del duque Antoine Litta en Milán, de ahí su nombre. La conservación del cuadro era tan mala que hubo que trasladarlo inmediatamente de la madera al lienzo. Esta tecnología única, que permitió salvar el lienzo, fue inventada por el carpintero del Hermitage Sidorov, por lo que recibió una medalla de plata.

La controversia no amaina en torno a una de las imágenes pintorescas más bellas de la Madre de Dios y el Niño. La autoría de Leonardo está en duda, y aunque sus papeles contienen bocetos del cuadro, algunos lo consideran fruto del trabajo de los alumnos del maestro (al menos en lo que se refiere a vestimenta e interiorismo; aún así, son pocos los que negarían que el El rostro de la Madre de Dios pertenece al pincel de Leonardo). También se desconoce la fecha de su creación. Aunque la pintura suele atribuirse al período milanés de la vida de Da Vinci, también hay fechas posteriores, a la época en que Leonardo vivía en Roma; existen hipótesis al respecto. Vale la pena contar uno de ellos.

No hace mucho, más precisamente, en los años noventa del siglo pasado, el científico y arqueólogo eclesiástico ruso O. G. Ulyanov estudió los frescos de las catacumbas de Santa Priscila en Roma. Este lugar es conocido por fuentes antiguas como la “Dama de las Catacumbas” porque allí fueron enterrados 7 de los primeros papas, incluido el Papa mártir Marcelino y su sucesor el Papa Marcelo. Según los últimos datos arqueológicos, data del siglo II d.C.

Entre los frescos de las catacumbas hay una imagen de la Virgen María y el Niño, que aparentemente es, la imagen más antigua Nuestra Señora en la pintura mundial. Al científico ruso le llamó la atención su coincidencia con la composición de la “Madonna Litta”. Como Leonardo, el Niño que está amamantando se da vuelta y mira al espectador.

Las catacumbas, descubiertas por casualidad a finales del siglo XV, se convirtieron en el lugar de paseo favorito de los artistas y pensadores que vivían en Roma. Leonardo llegó a La ciudad eterna en 1513 y vivió allí durante tres años. Por supuesto, él, interesado en todo, especialmente en todo lo inusual, simplemente no pudo evitar bajar a las catacumbas, donde vio un antiguo fresco que lo impresionó tanto que lo repitió en su cuadro. Es decir, la creación de la “Madonna Litta” debe atribuirse al período comprendido entre 1513 y 1517. Sin embargo, lo interesante de esta hipótesis no es la nueva datación, sino la posibilidad misma de ese impulso espiritual que se transmitió desde el desconocido pintor del siglo II al genio del Renacimiento.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

madonna litta

1490-1491. Lienzo, témpera. 42 x 33. Museo Estatal del Hermitage. San Petersburgo

Trama

La pintura muestra a una mujer sosteniendo en sus brazosel bebé que está alimentandopecho. Fondo de la imagen -pared con dos arqueado ventanas, cuya luz incide sobre el espectador y oscurece la pared. Las ventanas ofrecen una vista del paisaje en tonos azules. La figura misma de la Virgen está iluminada.luz proveniente de algún lugar en frente. La mujer mira al niño con ternura y pensativa. El rostro de Madonna está representado de perfil, no hay sonrisa en sus labios, solo una cierta imagen de ella se esconde en las esquinas. El bebé mira distraídamente al espectador, sosteniendo el pecho de su madre con la mano derecha. En su mano izquierda el niño sostiene jilguero

Historia

La obra fue escrita para los gobernantes de Milán y luego transmitida a la familia.Litta, y durante varios siglos estuvo en su Colección privada. El título original del cuadro era “La Virgen y el Niño”. nombre moderno la pintura proviene del nombre de su dueño: el Conde Litt, dueño de la familia. galería de arte V Milán. En 1864 contactó con el Hermitage con una oferta para comprarlo junto con varias otras pinturas. EN 1865 junto con los otros tres cuadros. Madonna Litta fue adquirida por el Hermitage por 100 mil francos

Parte de composición:

El lema de la imagen: Lo más íntimo, lo más profundo, lo más amor verdadero- este es el amor de Madre.

Asociaciones: Cariño, amor, paz, ligereza, sueño, ternura, sencillez, madre, bondad.

Madre. No es ningún secreto que Leonardo se sintió atraído por este tema, y ​​los numerosos dibujos de Leonardo lo atestiguan. El tema de una mujer joven con un niño es su “elemento”. Representó a mujeres con rostros a veces serios, a veces sonrientes, en poses que expresaban ternura, con una mirada llena de sentimiento tembloroso y paz tranquila, y bebés adorables, ocupados en juegos y otras diversiones infantiles. Es difícil encontrar una adherencia absoluta a un patrón constante en la interpretación de la imagen de María por parte del maestro.

Leonardo elige situaciones puramente humanas; analizando en detalle los motivos psicológicos y fisiológicos que los acompañan, utilizando las más altas posibilidades expresivas en la trama de la Virgen y el Niño.

La llamada Litta Madonna, conservada de la misma manera que la Madonna Benois en el Hermitage de San Petersburgo, los historiadores del arte atribuyen los historiadores del arte al período milanés de la obra de Leonardo y, a pesar de la existencia del propio dibujo de Leonardo, indudablemente asociada con la pintura. , suele atribuirse a la escuela de maestría. Notemos la pose emotiva de María, las expresiones de ternura y placer al contemplar a su bebé mamando del pecho de su madre, al tiempo que vuelve su mirada hacia el espectador. La imagen se basa en el motivo tradicional de Madonna del latte (Mamífero).

Belleza plasmada en formas delicadas jóvenes vírgenes y los cuerpos regordetes de los bebés, no es solo un motivo pictórico para Leonardo: es la reflexión del maestro sobre la imagen de una madre, sobre su profundo amor por su hijo, que tradujo al lenguaje de la pintura.

La débil luz que entra por las ventanas apenas ilumina las figuras, pero oscurece la pared. En su contexto, estas figuras se modelan de forma especialmente clara gracias a la luz que llega desde algún lugar delante. La creación de combinaciones de iluminación que permitan enfatizar la volumetría y la realidad de lo representado con el suave juego de luces y sombras. juventud Leonardo trabajó.

Contra el fondo de una pared atravesada por dos ventanas, una mujer joven está sentada con un bebé en el regazo al que amamanta. Su rostro, tierno y algo oscuro, cautivador por su sorprendente y sutil belleza, está modelado con ese amor por la luz, el claroscuro casi esquivo, del que Leonardo era admirador y conocedor. En los labios de la madre juega una media sonrisa tierna y algo misteriosa, que a partir de ahora se vuelve obligatoria para la mayoría de las imágenes de artistas, volviéndose gradualmente más enfatizada y amarga.

El bebé, como en “Benois Madonna”, es algo grande, vuelve la mirada hacia el espectador, está dibujado de una manera inusualmente expresiva, y en su regordete cuerpo infantil el juego de claroscuros parece alcanzar su apogeo, los más delicados matices de luz. Parecen acariciar la piel sedosa, creando la impresión de su concreción casi táctil. A través de las ventanas se ve un paisaje montañoso azul y de ensueño, por el que entra la luz, revelando los horizontes lejanos de un mundo hermoso, pero apenas visible.

La tarea del artista fue mostrarnos la belleza, el amor y el cuidado de una madre por su hijo. Por supuesto, esto no se puede hacer sin armonía en la composición y armonía en los colores.

Y el autor domina magistralmente estas técnicas. Al analizar la imagen en puntos claros y oscuros, vemos que podemos distinguir 5 puntos claros principales. El rostro de una niña, la figura de un bebé, dos ventanas ubicadas en los bordes superiores del cuadro y una capa azul sobre la niña. Todas estas manchas crean movimiento dentro de la imagen, como si la Virgen y el Niño cobraran vida y tuvieran vida allí, vida más allá de la imagen, pero estas manchas también crean una especie de construcción, que recuerda a un triángulo invertido.

La estructura compositiva de la pintura se distingue por una claridad y perfección asombrosas, concisión y equilibrio. Basta prestar atención a cuán bellamente se combina la silueta extremadamente generalizada y al mismo tiempo viva de la figura de la Virgen con los contornos geométricamente estrictos de dos aberturas de ventanas ubicadas simétricamente, o cuán inconfundiblemente precisa, pero al mismo tiempo natural, su La cabeza se coloca en la partición entre estas ventanas.

Gracias a ello podemos distinguir dos figuras principales, las figuras de la Virgen y el Niño, así como dos secundarias, las ventanas del fondo. Las dos primeras figuras se cruzan bastante profundamente, lo que sin duda da una sensación de unidad, unidad de la imagen, inseparabilidad del todo. Con esto, el autor muestra cuán cercanas son las imágenes de madre e hijo. Parece que nada los separará. Otras dos imágenes, dos ventanas, no hacen más que confirmarlo, ya que parecen sostener la imagen de la madre por ambos lados, dándole aún más estabilidad y fiabilidad, lo que ayuda aún más en estas sensaciones además de los triángulos mencionados.

La suave escultura de su rostro se beneficia de la yuxtaposición contrastante con el cielo azul visible a través de las ventanas. El sentimiento de alegría de la maternidad en la pintura "Madonna Litta" se profundizó gracias al contenido de la imagen misma de María: en ella el tipo de belleza femenina leonardiana encontró su expresión madura. El rostro delgado y hermoso de la Virgen adquiere una espiritualidad especial gracias a sus ojos entrecerrados y una sutil sonrisa: parece que sonríe a sus sueños...

Artista: Leonardo da Vinci


Lienzo, témpera.
Tamaño: 42 × 33 cm

Breve historia de la creación.

Descripción y análisis

El Hermitage alberga dos obras de Leonardo que representan a la Madre de Dios: "Madonna Litta" y "Madonna Benois". Alguno críticos de arte y los historiadores del arte se inclinan a creer que estas dos famosas pinturas están estrechamente relacionadas. Hay varias opiniones sobre este tema. Según una teoría, escrita por el anciano. Investigador En el Hermitage Mikhail Anikin, "Madonna Benois" ilustra la naturaleza divina de Jesucristo, mientras que "Madonna Lita" debe verse como un reflejo de la esencia humana de Cristo. Esta combinación de dos obras maestras es una ilustración de la declaración de la Iglesia cristiana de que en Cristo los principios divinos y humanos están unidos. Como confirmación de esta versión se puede considerar la ausencia de halos, que simbolizan el principio divino, alrededor de las cabezas de María y del bebé en la “Madonna Litta”, mientras que están presentes en la “Madonna Benois”. Esta interpretación de la relación entre los dos cuadros también podría ser una prueba incondicional de la autoría de Leonardo, ya que los críticos de arte no tienen dudas de que la “Madonna Benois” fue su pincel.

Mención especial merece el paisaje, al que Leonardo siempre dedica en sus obras. papel especial. Y al comparar dos cuadros, también se puede considerar como una confirmación de su emparejamiento. Si en "Madonna Benois" el espectador disfruta de la pureza cristalina y la claridad del cielo, en "Madonna Litta" la artista representó un paisaje montañoso, que simboliza la belleza del mundo terrenal.

Teoría propuesta sobre la relación entre ambos. Pinturas famosas Leonardo no ha obtenido un reconocimiento unánime, pero en cualquier caso es interesante porque permite una mirada completamente nueva a grandes obras de arte conocidas desde hace mucho tiempo.

Descripción de la pintura "La Virgen y el Niño" de Leonardo da Vinci

Artista: Leonardo da Vinci
Título del cuadro: “Madonna Litta”
El cuadro fue pintado: 1490-1491.
Lienzo, témpera.
Tamaño: 42 × 33 cm

Esta pintura de Leonardo da Vinci es una de las obras cuya aparición marcó una nueva etapa en el arte del Renacimiento: el establecimiento del estilo Alto Renacimiento. La bella mujer representada en el lienzo alimentando a un bebé es la personificación del amor maternal como el mayor valor humano. La pintura lleva el nombre de su antiguo propietario, el duque Antoine Litta.

Breve historia de la creación.

Aún existe controversia en torno a una de las imágenes más bellas de la Madre de Dios y el Niño, tema principal que es autoría de Leonardo. Algunos historiadores del arte se inclinan a considerarlo fruto del trabajo de los alumnos del maestro (a excepción del rostro de la Madre de Dios, que pocos se atreven a negar que pertenece al pincel de Leonardo). También se desconoce con certeza la fecha de creación del cuadro. Según la versión oficial, se suele atribuir al período milanés de la vida de Da Vinci. Sin embargo, hay opiniones sobre fechas posteriores que se remontan al período de residencia de Leonardo en Roma.

Descripción y análisis

La pintura "La Virgen y el Niño" es una de las obras maestras más famosas de la colección del Hermitage y causa constante deleite y reverencia entre los espectadores. La composición de la imagen es equilibrada y lacónica. Las figuras de María y el Niño Jesús están modeladas con el más fino claroscuro. En las aberturas de las ventanas ubicadas simétricamente, se abre a la mirada del espectador un paisaje montañoso, como si recordara la armonía del universo entero. La llamada Madonna Litta es representada por el maestro como una mujer seria y reflexiva. Tiene el tipo de belleza favorito del artista: una frente alta y limpia, una nariz ligeramente alargada, una boca con las comisuras de los labios apenas levantadas (la famosa "sonrisa leonardiana") y cabello ligeramente rojizo. Esta imagen es el epítome de la perfección. mujer hermosa. Sin embargo, no es desapasionado. Sin embargo, todos los sentimientos experimentados por la mujer representada en la imagen son profundamente ocultos por el artista para no perturbar la clara armonía de su apariencia. Aparecen levemente sólo en la expresión de una tristeza oculta y en una media sonrisa deslizante y misteriosa. El bebé representado también parece triste y serio para su edad. El bebé de cabello dorado mira distraídamente al espectador, sosteniendo el pecho de su madre con su mano derecha. En su mano izquierda hay un pájaro jilguero, símbolo del alma cristiana. La figura de la Virgen está representada de tal manera que sus contornos son claramente visibles contra el fondo de la pared. La iluminación de la silueta femenina, contrariamente a la lógica habitual, no proviene de ventanas situadas simétricamente detrás, sino de algún lugar delante y hacia la izquierda, modelando suavemente rostros y cuerpos.

El significado principal de la obra, como en las obras anteriores del maestro, sigue siendo la humanidad y el respeto por los sentimientos genuinos y profundos. Una madre amamanta a su hijo, mirándolo con mirada pensativa y tierna. Bebé rebosante de salud energía vital, gira en sus brazos, moviendo sus piernas. Se parece a su madre con su tez oscura y su cabello dorado. La mujer admira al bebé, inmersa en sus pensamientos, concentrando en él todo el poder de sus sentimientos. El artista logró una expresividad excepcional en su representación de la Virgen y el Niño.

Sin embargo, si analizas cómo Leonardo logra esta expresividad, puedes ver que el maestro utiliza métodos de representación bastante generalizados y lacónicos. El rostro de la Virgen está de perfil. El espectador ve sólo un ojo, mientras que su pupila no está dibujada. Los labios tampoco se pueden llamar claramente sonrientes; sólo una sombra en la comisura de la boca insinúa una sonrisa. Al mismo tiempo, la misma inclinación de la cabeza, las sombras que se deslizan por el rostro, la mirada ligeramente adivinadora crean ese sentimiento único de espiritualidad que Leonardo amaba y supo retratar. Completando la etapa de búsqueda a largo plazo en el arte del Renacimiento, el artista, a partir de la encarnación exacta de lo visible, crea una imagen llena de poesía, en la que se descarta todo lo aleatorio y lo pequeño y se dejan aquellos rasgos que crean un Idea sublime y apasionante de una persona. Así, el maestro reúne los esfuerzos dispares de sus predecesores y contemporáneos y, significativamente por delante de ellos, plantea arte italiano a un nuevo nivel.

Una madre y un bebé recién nacido es uno de los temas más populares del arte.

Se le dio Atención especial tan popular como todos artistas famosos(Leonardo da Vinci y Rafael Santi), y poco conocidos por el gran público (Bartolomeo Murillo, di Marcovaldo y otros).

Virgen María de Marcovaldo

Coppo di Marcovaldo es considerado el fundador de la escuela de bellas artes de Siena. Su destino es bastante interesante, porque en mediados del XIII v. participó en una de las batallas del lado de los partidarios florentinos del Papa, como resultado de lo cual el artista fue capturado. Pero como tenía mucho talento, pudo “comprar” su libertad pintando una imagen muy bella y bastante realista de la Virgen con el Niño, que luego fue trasladada a la iglesia de Siena. Esta Virgen se llamaba "Madonna del Bordone".

Este cuadro presenta al espectador con la Virgen María sentada en un trono, levantando ligeramente una pierna para que al bebé le resulte más cómodo sentarse en sus brazos. Ella le sostiene la pierna conmovedoramente y él le tiende la mano. Ya tienen alguna interacción notable, que no se ha observado desde hace más primeras pinturas.

La cabeza de Virgo está rodeada por un halo apenas visible. Vale la pena destacar los ojos increíblemente expresivos de esta Madonna. Ella mira al espectador, como si mirara dentro de su alma. Su vestimenta es una simple capa negra, pero para hacerla más elegante, la artista pintó las cortinas en dorado. A los lados, a izquierda y derecha, hay ángeles representados en toda su altura (esta es una tradición florentina). Por lo general, estaban dibujados igual, pero si los miras de cerca, no son completamente idénticos entre sí: las diferencias están en sus caras.

Pasemos de los menos conocidos a los más populares y echemos un vistazo más de cerca a las pinturas más llamativas sobre este tema.

"Madonna Litta" de Leonardo da Vinci

Una de las Virgen con el Niño más representadas es el cuadro “Madonna Litta” del brillante Leonardo da Vinci. Ahora se puede ver entre las obras maestras conservadas en el Hermitage.

La protagonista de este lienzo es una mujer joven que sostiene a un bebé en brazos y lo amamanta. Como en todos ellos, destaca más respecto al fondo, donde el espectador puede observar ventanas en forma de arcos, por las que pasa una luminosa cielo azul con esponjosas nubes blancas. Vale la pena señalar que la Virgen y el Niño están dibujados con mucha claridad, sus rasgos parecen resaltados, como dibujados bajo el flash de una cámara, en comparación con el fondo algo borroso; esto también es características distintivas retratos de esa época.

La madre mira al niño con ternura. Algunas personas piensan que ella sonríe levemente (la “sonrisa de Leonardo”, popular en las pinturas del artista), pero en realidad, la Virgen está pensativa. El niño mira al espectador, sosteniendo en una de sus manos un pájaro: un pequeño jilguero.

Jilguero en el cuadro "Madonna Litta"

Hay diferentes versiones de por qué se representa al polluelo en este cuadro.

El pájaro como símbolo del sufrimiento futuro de Cristo, donde la cabeza roja del jilguero simboliza la sangre derramada por el Hijo de Dios. Según la leyenda, cuando conducían a Cristo al Gólgota, un jilguero se abalanzó sobre él, le arrancó una espina de la ceja y la sangre goteó sobre él.

El jilguero simboliza el alma que vuela después de la muerte: esta designación proviene del paganismo antiguo, pero también se conserva en la semiótica cristiana.

El Evangelio apócrifo de Tomás cuenta una historia ligeramente diferente: Jesús revivió a un jilguero muerto simplemente sosteniéndolo en sus manos, razón por la cual muchas pinturas representan a este polluelo con el bebé.

Vírgenes de Raphael Santi

Pero hay otra Virgen y el Niño no menos famosa. Rafael Santi fue quien lo escribió. O más bien, tiene bastantes pinturas con esa trama: esta es la conocida y guardada en el Hermitage "Madonna Conestabile", y la extraordinaria "Madonna con velo", que representa no solo a una madre y un niño, pero todos Sagrada Familia.

Rafael pintó el cuadro con el título "La Virgen y el Niño" en 1503. La mujer que lo representa es más sofisticada y, sin duda, más joven que la de Da Vinci. Evidentemente, el vínculo entre madre e hijo es más pronunciado. Se miran con tocando el amor y ligeramente pensativa, la madre sostiene al bebé por la espalda con la mano. Este ya no es el ansioso Virgo que se puede ver en las primeras pinturas del artista.

Juntos leen el libro “Libro de Horas” - símbolo de la autoridad de la iglesia - en el que se encuentran los textos de oraciones, salmos, servicios religiosos(anteriormente, por cierto, fue de este libro que aprendieron a leer). Según algunas fuentes, el Libro de Horas se abre en la página que corresponde a las nueve, que es la hora en que Jesús fue crucificado en la cruz.

Al fondo hay un paisaje lleno de humo con una iglesia y árboles. Por cierto, este paisaje también se puede llamar característica distintiva obras de Santi sobre el tema de la madre y el niño. Casi todas las pinturas de Rafael tienen un fondo paisajístico bastante detallado.

No tiene sentido determinar qué cuadro es mejor: Da Vinci o Rafael. La Virgen y el Niño luce original y única en cada uno de ellos.

No solo arte Me interesó el tema de la madre y el niño, por eso vale la pena considerar cómo se refleja en otros tipos.

Escultura de la Virgen y el Niño

La atención de cualquier conocedor del arte atrae la escultura "La Virgen y el Niño", cuyo autor es maestro famoso Miguel Ángel.

Según los clientes, esta obra maestra debía estar a una altura de unos nueve metros, para que el público pudiera mirarla como una deidad. Por cierto, es por ello que la mirada de la madre y el niño se dirige hacia abajo.

Hay evidencia de que el cardenal Piccolomini (el primer cliente) no estaba satisfecho con los bocetos, principalmente porque Jesús estaba desnudo, por lo que se rompió su contrato con Miguel Ángel. Y la escultura, por supuesto, encontró dueño. Se convirtió en De Mouscron, un comerciante de la ciudad de Brujas. Luego lo entregó a la Iglesia de Nuestra Señora, donde lo colocó en un nicho oscuro que contrastaba maravillosamente con el color blanco mármol de la escultura misma.

En este momento Para protegerlo, las autoridades de la ciudad lo colocaron detrás de un cristal a prueba de balas.

"Madonna Doni" de Miguel Ángel

Además de ser un excelente escultor, Miguel Ángel también fue maravilloso artista. Aunque no lo consideró ningún logro y no estaba nada orgulloso de su talento.

Las imágenes que dibuja asombran al espectador por su increíble plasticidad, parece que incluso al dibujar “esculpe” figuras, dándoles volumen; Además, el cuadro representa a toda la Sagrada Familia, algo poco común en cuadros de este tipo. Por supuesto, en el pleno sentido de la palabra, Miguel Ángel es un escultor, no un artista. La Virgen y el Niño, sin embargo, es simplemente una obra maestra.

Entonces, resumamos. Si hablamos de la pintura famosa, que representa a la Virgen María, entonces esta es la obra maestra de Leonardo da Vinci "La Virgen y el Niño". Si una persona está interesada en otros tipos de arte, entonces el más llamativo y memorable es sin duda la obra de Miguel Ángel.

El Hermitage alberga dos obras de Leonardo da Vinci: la Litta Madonna y la Benois Madonna. Hoy veremos más de cerca la historia de la creación. MADONNA LITTA..

Numerosos dibujos de Leonardo atestiguan lo atraído que se sentía por el tema de una hermosa joven madre con su hijo. Representó a mujeres con rostros a veces serios, a veces sonrientes, en poses que expresaban ternura, con una mirada llena de sentimiento tembloroso y paz tranquila, y bebés adorables, ocupados en juegos y otras diversiones infantiles. Es difícil encontrar una adherencia absoluta a un patrón constante en la interpretación de la imagen de María por parte del maestro.

madonna litta

leonardo da vincimadonna litta , 1490-1491 Ermita Lienzo. 42×33cm

El título original del cuadro era “La Virgen y el Niño”.

Antes de entrar en el Hermitage en 1865, la “Madonna Litta” formaba parte de la colección familiar del duque Antoine Litta en Milán, de ahí su nombre. La conservación del cuadro era tan mala que hubo que trasladarlo inmediatamente de la madera al lienzo. Esta tecnología única, que permitió salvar el lienzo, fue inventada por el carpintero del Hermitage Sidorov, por lo que recibió una medalla de plata.

En 1864 El duque de Litta apeló a Ermita con una oferta para venderlo junto con varias otras pinturas. EN 1865 junto con los otros tres cuadros “Madonna Litta” fue adquirido por el Hermitage por 100 mil francos

El dibujo preparatorio del cuadro del Hermitage se conserva en el Louvre.

DESCRIPCIÓN DE LA IMAGEN.

La madre amamanta al niño, fijando en él una mirada pensativa y tierna; un niño, lleno de salud y energía inconsciente, se mueve en los brazos de su madre, gira y mueve las piernas. Se parece a su madre: la misma tez oscura, con las mismas franjas doradas.

Ella lo admira, inmersa en sus pensamientos, concentrando todo el poder de sus sentimientos en el niño. Incluso una mirada superficial capta en “Madonna Litta” precisamente esta plenitud de sentimientos y ese estado de ánimo concentrado. Pero si nos damos cuenta de cómo logra Leonardo esta expresividad, nos convenceremos de que el artista de la etapa madura del Renacimiento utiliza un método de representación muy generalizado y muy lacónico.

El rostro de la Virgen está vuelto hacia el espectador de perfil; sólo vemos un ojo, ni siquiera su pupila está dibujada; los labios no se pueden llamar sonrientes, solo la sombra en la comisura de la boca parece insinuar una sonrisa lista para aparecer, y al mismo tiempo, la misma inclinación de la cabeza, las sombras que se deslizan por el rostro, la mirada adivinadora crean esa impresión de espiritualidad que tanto amaba Leonardo y supo evocar.

Imágenes vívidas de la obra. se revela en pequeños detalles que nos dicen mucho sobre madre e hijo. Vemos al bebé y a la madre en el dramático momento del destete. La mujer viste de rojo. camisa de cuello ancho . Tiene aberturas especiales a través de las cuales es conveniente, sin quitarse el vestido, amamantar al bebe . Ambas incisiones fueron suturadas cuidadosamente (es decir, se tomó la decisión de destetar al niño del pecho). Pero el corte correcto se rompió apresuradamente: los puntos superiores y un trozo de hilo son claramente visibles. La madre, ante la insistencia del niño, cambió de opinión y pospuso este difícil momento.

La débil luz que entra por las ventanas apenas ilumina las figuras, pero oscurece la pared. En su contexto, estas figuras se modelan de forma especialmente clara gracias a la luz que llega desde algún lugar delante. Leonardo trabajó duro y duro desde muy joven para crear combinaciones de iluminación que permitieran enfatizar con el suave juego de luces y sombras el volumen y la realidad de lo representado.

Ermita de la Virgen Litta.

Hay otra versión SOBRE LOS ÚLTIMOS DUEÑOS DEL CUADRO.

El conde Giulio Renato Litta remonta su ascendencia a los gobernantes de Milán, los Visconti. Bajo Pablo 1 fue representante permanente de la Orden de Malta en San Petersburgo. Se enamoró y se casó con la condesa Ekaterina Vasilievna Skavronskaya, de soltera Engelgart, la querida sobrina del príncipe Potemkin.