El papel del arte en la vida moderna. ¿Por qué es necesario el arte? ¿Qué es el verdadero arte? El papel y la importancia del arte en la vida humana. Introducir a los niños al arte.

03.11.2019

El arte es un reflejo de la creatividad, una forma de captar y reproducir pensamientos, fantasías y realidad, que requiere una habilidad especial. El arte ocupa una de las posiciones de liderazgo en la vida humana. Esta es una de las principales formas de expresarse; moldea el mundo interior de una persona, sus valores espirituales y llena la vida. Pueden describir y expresar sus emociones, sentimientos, fomentar la acción y el desarrollo.

El arte es el alma de la humanidad, que se originó desde la antigüedad, cuando la gente se expresaba en arte rupestre. Casi todas las personas conocen la belleza desde la infancia. obras clasicas Tchaikovsky, Mozart, Bach, pinturas de los insuperables Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, autores de obras literarias, así como monumentos arquitectónicos y escultóricos. El arte contiene sentimientos que una persona intenta transmitir al mundo.

Psicología del arte

A varias direcciones Las actividades de las que se ocupa la psicología también incluyen el arte. La psicología del arte examina cómo la creación y percepción de las obras afecta la vida humana. Explora los motivos que motivan la creatividad, el proceso en sí, las habilidades del autor, sus sentimientos y vivencias al momento de crear la obra. Los creadores trasladaron los problemas de su vida a la música, las obras, el lienzo y se equipararon con los personajes que crearon. En el arte se forma la personalidad del propio autor, que puede ser rastreada por la psicología. También estudia y analiza cómo el impacto de determinadas obras produce diferentes impresiones en las personas y evoca diferentes emociones.

La “Psicología del Arte” de Vygotskiy con su trabajo hizo una enorme contribución al desarrollo de esta ciencia. Caracterizó la teoría del arte y dio lugar a una nueva dirección en este ámbito.

Tipos y funciones del arte.

Hay tres tipos de arte:

espacial: pintura, arquitectura, escultura, gráfica;
temporal: obras literarias, música
espacio-temporal: danza, cine, arte televisivo, circo.

Cada tipo incluye muchas subespecies, así como géneros. Una de las funciones del arte es transmitir información, emociones y sentimientos que pueden afectar el estado de ánimo. También se puede utilizar en fines medicinales, la arteterapia es bastante común. A menudo, los psicólogos, basándose en los dibujos de un paciente, pueden sacar ciertas conclusiones sobre su salud mental y emocional, porque el dibujo transmite una visión interior del mundo.

El hombre es el tema principal de casi todas las creaciones. En el arte de cualquier época se crean imágenes perfectas de la personalidad. Desde la antigüedad se han cantado y representado hazañas heroicas. proporciones perfectas cuerpos, se crean esculturas perfectas.

El arte es una de las etapas importantes de la evolución humana; participa en la formación de la opinión pública y de los diferentes puntos de vista. Nos persigue implacablemente toda nuestra vida, en él encontramos nuevos conocimientos, placer, respuestas a preguntas importantes que nos interesan. Suele estar en sintonía con nuestros pensamientos. De toda la diversidad que ofrece el arte, una persona encuentra a su gusto lo que le resulta más cercano y comprensible.

La música tiene una gran influencia en una persona. Ella es capaz de pacificar y excitar los sentimientos de una persona, sumergirse en sus pensamientos, aliviar el estrés y la tensión. La música afecta las emociones, te hace llorar o alegrarte. Escuchando música clásica puede aumentar las capacidades mentales o curar a una persona de ciertas dolencias y aumentar la producción de leche en las madres lactantes.

El hombre queda impreso en el arte a lo largo de los siglos. La gente muere, pero el arte permanece, pasa a través de los años y los siglos, les cuenta a las generaciones futuras sobre visiones del mundo pasadas, las transporta al mundo en el que se creó la obra, les ayuda a sentir la atmósfera de esa época y las tradiciones. Cada época introduce sus propios cambios en el arte, aporta algo nuevo, lo complementa. Una persona debe querer aceptar el arte para que tenga un efecto beneficioso en él y le transmita el verdadero significado de su propósito.

Fue modificada por última vez: 20 de abril de 2019 por Elena Pogodaeva

Introducción 3
1. La esencia del arte y su lugar en la vida humana y la sociedad 4
2. El surgimiento del arte y su necesidad para el ser humano 8
3. El papel del arte en el desarrollo de la sociedad y la vida humana 13
Conclusión 24
Referencias 25

Introducción

La gente entra en contacto con el arte todos los días. Y, por regla general, no en los museos. Desde el nacimiento y durante toda la vida, las personas están inmersas en el arte.
La construcción de un hotel, una estación de tren, una tienda, el interior de un apartamento, la ropa y las joyas pueden ser obras de arte. Pero puede que no lo sean. No todas las pinturas, estatuas, canciones o porcelanas se consideran obras maestras. No existe una receta que explique exactamente qué se debe combinar y en qué proporciones para hacer una obra de arte. Sin embargo, puedes desarrollar tu capacidad de sentir y apreciar la belleza, lo que a menudo llamamos gusto.
¿Qué es el arte? ¿Por qué tiene tal poder mágico sobre una persona? ¿Por qué la gente viaja miles de kilómetros para ver con sus propios ojos las grandes obras del arte mundial: palacios, mosaicos, pinturas? ¿Por qué los artistas crean sus creaciones, aunque parezca que nadie las necesita? ¿Por qué están dispuestos a arriesgar su bienestar para hacer realidad su visión?
A menudo se considera que el arte es una fuente de placer. De siglo en siglo, millones de personas disfrutan de las imágenes de hermosos cuerpos humanos en las pinturas de Rafael. Pero la imagen de Cristo, crucificado y sufriendo, no está destinada al placer y, sin embargo, este tema es común a miles de pintores a lo largo de muchos siglos...
Se suele decir que el arte refleja la vida. Por supuesto, esto es en gran medida cierto: a menudo la precisión y el reconocimiento de lo que el artista representa es sorprendente. Pero es poco probable que un simple reflejo de la vida, su copia, despierte tanto interés por el arte y admiración por él.
En este ensayo consideraremos el lugar y el papel del arte en la vida humana.

1. La esencia del arte y su lugar en la vida y la sociedad humanas.

La palabra "arte" en ruso y en muchos otros idiomas se usa en dos sentidos: en sentido estricto (una forma específica de exploración práctico-espiritual del mundo) y en sentido amplio, como el nivel más alto de habilidad. habilidad, independientemente de en qué esfera de la vida social se manifiesten (el arte del generalato, la habilidad de un cirujano, un zapatero, etc.) (2, p. 9).
En este ensayo nos interesa el análisis del arte precisamente en el primer sentido estricto de la palabra, aunque ambos sentidos están históricamente conectados.
El arte, como forma independiente de conciencia social y como rama de la producción espiritual, surgió de la producción material y inicialmente se entretejió en ella como un momento estético y puramente utilitario. El hombre, enfatizó A.M. Gorky, es un artista por naturaleza y se esfuerza por llevar la belleza a todas partes de una forma u otra (1, p. 92). Actividad estetica una persona se manifiesta constantemente en su trabajo, en la vida cotidiana, en vida pública, y no sólo en el arte. Hay una asimilación estética del mundo por parte del hombre social.
El arte cumple una serie de funciones sociales.
En primer lugar, esta es su función cognitiva. Las obras de arte son una valiosa fuente de información sobre complejos procesos sociales, a veces sobre aquellos cuya esencia y dinámica la ciencia capta mucho más difícil y tardíamente (por ejemplo, giros y puntos de inflexión en la conciencia pública).
Por supuesto, no todo el mundo que nos rodea está interesado en el arte, y si lo está, en diversos grados, y el propio acercamiento del arte al objeto de su conocimiento, la perspectiva de su visión es muy específica en comparación con otros. formas de conciencia social. El objeto general del conocimiento en el arte siempre ha sido y sigue siendo el hombre. Por eso el arte en general y, en particular, la ficción se llaman estudios humanos, libro de texto de la vida, etc. Esto enfatiza otra función importante del arte: la educativa, es decir, su capacidad de tener un impacto indeleble en el desarrollo ideológico y moral de una persona, su superación personal o, por el contrario, su caída.
Y, sin embargo, las funciones cognitivas y educativas no son específicas del arte: estas funciones también las desempeñan todas las demás formas de conciencia social. La función específica del arte, que lo convierte en arte en el verdadero sentido de la palabra, es su función estética. Al percibir y comprender una obra de arte, no solo asimilamos su contenido (como el contenido de la física, la biología, las matemáticas), pasamos este contenido a través de nuestro corazón, nuestras emociones, le damos a las imágenes sensualmente específicas creadas por el artista una valoración estética como bello o feo, sublime o vil, trágico o cómico. El arte moldea en nosotros la capacidad misma de dar tales valoraciones estéticas, de distinguir lo verdaderamente bello y sublime de todo tipo de sucedáneos.
Lo cognitivo, lo educativo y lo estético en el arte se fusionan. Gracias al momento estético disfrutamos del contenido de una obra de arte, y es en el proceso de disfrute que somos iluminados y educados. En este sentido, a veces se habla de la función hedonista del arte (del griego “hedone” - placer).
Muchos siglos en socio-filosófico y literatura estetica Continúa el debate sobre la relación entre la belleza en el arte y la realidad. En este caso se revelan dos posiciones principales. Según uno de ellos (en Rusia, N.G. Chernyshevsky partió de ello en su disertación "Sobre las relaciones estéticas del arte con la realidad") lo bello en la vida es siempre y en todos los aspectos superior a lo bello en el arte (1, p. 94 ). En este caso, el arte aparece como una copia de personajes y objetos típicos de la realidad misma y un sustituto de la realidad. Evidentemente, es preferible un concepto alternativo (Hegel, A.I. Herzen, etc.): lo bello en el arte es superior a lo bello en la vida, porque el artista ve con mayor nitidez, más lejos, más profundamente, siente con más fuerza y más colorido que sus futuros espectadores. , lectores, oyentes, y por eso puede encenderlos, inspirarlos, enderezarlos con su arte. De lo contrario, en función de sustituto o incluso de duplicado, la sociedad no necesitaría el arte (4, p. 156).
Cada forma de conciencia social refleja la realidad objetiva de una manera específica e inherente.
Un resultado específico de una reflexión teórica del mundo es un concepto científico. Representa una abstracción: en nombre de la comprensión de la esencia profunda de un objeto, abstraemos no sólo de su percepción directamente sensorial, sino también de muchas características deducibles lógicamente, si no son de suma importancia. Otra cosa es el resultado de un reflejo estético de la realidad. Se trata de una imagen sensorial concreta y artística, en la que se combina un cierto grado de abstracción (tipificación) con la preservación de características sensoriales concretas, individuales y a menudo únicas del objeto reflejado.
Hegel escribió que “las imágenes y los signos sensoriales aparecen en el arte no sólo por sí mismos y su manifestación inmediata, sino para satisfacer de esta forma los intereses espirituales más elevados, ya que tienen la capacidad de despertar y tocar todas las profundidades de la conciencia y provocar su respuesta en espíritu" (4, p. 157). Al revelar la especificidad del pensamiento artístico en comparación con otras formas de conciencia social, esta definición, en total conformidad con el paradigma principal del sistema filosófico hegeliano, lleva a la conclusión sobre la imagen artística como expresión de una idea abstracta en un sentido sensorial concreto. forma. En realidad, la imagen artística no captura la idea abstracta en sí, sino su portador concreto, dotado de características individuales que hacen que la imagen sea viva e impresionante, no reducible a las imágenes del mismo orden que ya conocemos. Recordemos, por ejemplo, a los Artamonov en M. Gorky y a los Forsyte en D. Galsworthy (5).
Así, a diferencia del concepto científico, la imagen artística revela lo general en el individuo. Al mostrar al individuo, el artista revela lo que en él es típico, es decir, lo más característico de todo el tipo de fenómenos sociales o naturales representados.
El individuo en una imagen artística no sólo se intercala con lo general, sino que lo "revitaliza". Es el individuo en una auténtica obra de arte el que crece hasta convertirse en el concepto de tipo, de imagen. Y cuanto más vívidamente y con mayor precisión se notan los pequeños detalles individuales y específicos, más amplia es la imagen, más generalización contiene. La imagen del Caballero avaro de Pushkin no es sólo una imagen específica de un anciano codicioso, sino también una exposición de la codicia y la crueldad en sí. En la escultura de Rodin "El Pensador" el espectador ve algo más que una imagen concreta recreada por el autor.
En relación con la fusión de lo racional y lo concreto-sensual en la imagen y el impacto emocional del arte que de ello se deriva, la forma artística adquiere un significado especial. En el arte, como en todas las esferas del mundo que nos rodea, la forma depende del contenido, está subordinada a él y le sirve. Sin embargo, es necesario subrayar esta posición bien conocida, teniendo en cuenta la tesis de los representantes de la estética formalista y del arte formalista acerca de la obra de arte como una “forma pura”, un “juego de formas” autosuficiente, etc. Al mismo tiempo, la comprensión científica del arte siempre ha sido ajena a una actitud nihilista hacia la forma, e incluso a cualquier menosprecio de su papel activo en el sistema de la imagen artística y de la obra de arte en su conjunto. Es imposible imaginar una obra de arte cuyo contenido no se exprese en forma artística.
En diferentes tipos de arte, el artista tiene diferentes medios para expresar el contenido. En pintura, escultura, gráfica: esto es color, línea, claroscuro; en - música - ritmo, armonía; en literatura - la palabra, etc. Todos estos medios de representación constituyen elementos de la forma artística, con la ayuda de los cuales el artista encarna su concepto ideológico y artístico. Una forma de arte es una formación muy compleja, cuyos elementos están naturalmente interconectados. En un cuadro de Rafael, en un drama de Shakespeare, en una sinfonía de Tchaikovsky, en una novela de Hemingway, no se puede cambiar arbitrariamente la estructura de la trama, los personajes, el diálogo, la composición, no se puede encontrar otra solución a la armonía, al color, al ritmo; para no violar la integridad de toda la obra.

2. El surgimiento del arte y su necesidad para el ser humano.

El arte como área especial de la actividad humana, con sus propias tareas independientes, cualidades especiales, atendidas por artistas profesionales, sólo se hizo posible sobre la base de la división del trabajo. La creación de las artes y las ciencias: todo esto sólo fue posible con la ayuda de una división mejorada del trabajo, que se basó en una gran división del trabajo entre las masas que se dedican al trabajo físico simple y los pocos privilegiados que dirigen el trabajo. en el comercio, los asuntos gubernamentales y, más tarde, también en la ciencia y el arte. La forma más simple y completamente espontánea de esta división del trabajo fue la esclavitud” (2, p. 13).
Pero dado que la actividad artística es una forma única de conocimiento y trabajo creativo, sus orígenes son mucho más antiguos, ya que las personas trabajaban y en el proceso de este trabajo aprendieron sobre el mundo que los rodeaba mucho antes de la división de la sociedad en clases. Los descubrimientos arqueológicos de los últimos cien años han revelado numerosas obras de arte. hombre primitivo, cuya edad se estima en decenas de miles de años. Éstas son pinturas rupestres; figuritas de piedra y hueso; imágenes y motivos ornamentales tallados en trozos de asta de ciervo o en losas de piedra. Se han encontrado en Europa, Asia y África; se trata de obras que aparecieron mucho antes de que pudiera surgir una idea consciente de creatividad artística. Muchos de ellos, que reproducen principalmente figuras de animales (ciervos, bisontes, caballos salvajes, mamuts), son tan vitales, tan expresivos y fieles a la naturaleza que no sólo son preciosos monumentos históricos, sino que también conservan su poder artístico hasta el día de hoy (2, pág.14).
El carácter material y objetivo de las obras de arte determina condiciones particularmente favorables para los investigadores de los orígenes de las bellas artes en comparación con los historiadores que estudian los orígenes de otros tipos de artes. Si las etapas iniciales de la épica, la música y la danza deben juzgarse principalmente por datos indirectos y por analogía con la creatividad de las tribus modernas en las primeras etapas del desarrollo social (la analogía es muy relativa, en la que sólo se puede confiar con gran cautela), ), luego la infancia de la pintura, la escultura y la gráfica nos confronta con nuestros propios ojos.
No coincide con la infancia de la sociedad humana, es decir, las épocas más antiguas de su formación. Según la ciencia moderna, el proceso de humanización de los ancestros simiescos del hombre comenzó incluso antes de la primera glaciación del Cuaternario y, por tanto, la “edad” de la humanidad es de aproximadamente un millón de años. Los primeros vestigios de arte primitivo se remontan al Paleolítico superior, que comenzó aproximadamente varias decenas de milenios antes de Cristo. mi. Esta fue una época de relativa madurez del sistema comunal primitivo: el hombre de esta época, en su constitución física, no era diferente del hombre moderno, ya hablaba y sabía fabricar herramientas bastante complejas con piedra, hueso y cuerno. Dirigió una caza colectiva de animales grandes utilizando lanzas y dardos. Los clanes se unieron en tribus y surgió el matriarcado.
Debieron pasar más de 900 mil años entre los primeros humanos y los humanos tipo moderno antes de que la mano y el cerebro estuvieran maduros para creatividad artística.
Mientras tanto, la fabricación de herramientas de piedra primitivas se remonta a épocas mucho más antiguas del Paleolítico Inferior y Medio. Sinanthropus (cuyos restos fueron encontrados cerca de Beijing) ya había alcanzado un nivel bastante alto en la fabricación de herramientas de piedra y sabía utilizar el fuego. Las personas del último tipo neandertal procesaron las herramientas con más cuidado, adaptándolas a propósitos especiales. Sólo gracias a esta "escuela", que duró muchos milenios, se desarrolló la necesaria flexibilidad de la mano, la fidelidad del ojo y la capacidad de generalizar lo visible, resaltando en él los rasgos más significativos y característicos, es decir, todas esas cualidades que aparecían en los maravillosos dibujos de la cueva de Altamira. Si una persona no hubiera ejercitado y refinado su mano, procesando para obtener alimentos un material tan difícil de procesar como la piedra, no habría podido aprender a dibujar: sin dominar la creación de formas utilitarias, habría No habría podido crear una forma artística. Si muchas, muchas generaciones no hubieran concentrado su capacidad de pensamiento en capturar a la bestia, la principal fuente de vida del hombre primitivo, no se les habría ocurrido representar a esta bestia.
Entonces, en primer lugar, “el trabajo es más antiguo que el arte” y, en segundo lugar, el arte debe su surgimiento al trabajo. Pero ¿qué provocó el paso de la producción de herramientas exclusivamente útiles y prácticamente necesarias a la producción, junto con ellas, de imágenes “inútiles”? Fue esta cuestión la que más debatió y confundió a los científicos burgueses que intentaron a toda costa aplicar la tesis de Immanuel Kant sobre la “falta de propósito”, el “desinterés” y el “valor inherente” de la actitud estética hacia el mundo al arte primitivo.
Quienes escribieron sobre el arte primitivo, K. Bücher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Breuil, W. Gausenstein y otros, argumentaron que gente primitiva comprometidos en el “arte por el arte”, que el estímulo primero y determinante para la creatividad artística era el deseo humano innato de jugar (2, p. 15).
Las teorías del "juego" en sus diversas variedades se basaron en la estética de Kant y Schiller, según la cual la característica principal de la experiencia estética y artística es precisamente el deseo de un "juego libre con las apariencias", libre de cualquier objetivo práctico, de lógica. y evaluación moral.
“El impulso estético creativo”, escribió Schiller, “construye imperceptiblemente, en medio del terrible reino de las fuerzas y en medio del sagrado reino de las leyes, un tercer y alegre reino del juego y de la apariencia, en el que aleja del hombre. las cadenas de todas las relaciones y lo libera de todo lo que se llama coerción tanto en el sentido físico como en el moral” (2, p. 16).
Schiller aplicó este principio básico de su estética a la cuestión del surgimiento del arte (mucho antes de los descubrimientos de auténticos monumentos de la creatividad paleolítica), creyendo que el “alegre reino del juego” se estaba erigiendo ya en los albores de la sociedad humana: “ ... ahora los antiguos alemanes buscan pieles de animales más brillantes, cuernos más magníficos, vasijas más elegantes, y los caledonios buscan las conchas más hermosas para sus festividades. Pero, satisfecho con el hecho de que se ha introducido un excedente de estética en lo necesario, el impulso libre de jugar finalmente rompe por completo con los grilletes de la necesidad, y la belleza misma se convierte en el objeto de las aspiraciones humanas. Él mismo se adorna. El placer gratuito se cuenta entre sus necesidades, y lo inútil pronto se convierte en la mejor parte de su alegría”. Sin embargo, este punto de vista es refutado por los hechos.
No se puede negar que los colores, las líneas, así como los sonidos y los olores afectan al cuerpo humano, algunos de forma irritante y repulsiva, otros, por el contrario, fortaleciendo y favoreciendo su correcto y activo funcionamiento. Esto de una forma u otra lo tiene en cuenta una persona en su actividad artística, pero de ninguna manera constituye su base. Los motivos que obligaron al hombre del Paleolítico a dibujar y tallar figuras de animales en las paredes de las cuevas, por supuesto, no tienen nada que ver con impulsos instintivos: este es un acto creativo consciente y decidido de una criatura que hace mucho tiempo rompió las cadenas de los ciegos. instinto y se ha embarcado en el camino de dominar las fuerzas de la naturaleza y, en consecuencia, de comprender estas fuerzas.
Un hombre dibuja un animal: con ello sintetiza sus observaciones del mismo; reproduce cada vez con mayor confianza su figura, sus hábitos, sus movimientos y sus diversos estados. Formula sus conocimientos en este dibujo y los consolida. Al mismo tiempo, aprende a generalizar: una imagen de un ciervo transmite características observadas en varios ciervos. Esto en sí mismo da un enorme impulso al desarrollo del pensamiento. Es difícil sobreestimar el papel progresivo de la creatividad artística en el cambio de la conciencia humana y su relación con la naturaleza. Este último ya no le resulta tan oscuro ni tan encriptado; poco a poco, siempre al tacto, lo estudia.
Así, las bellas artes primitivas son al mismo tiempo embriones de la ciencia o, más precisamente, del conocimiento primitivo. Está claro que en esa etapa infantil y primitiva del desarrollo social, estas formas de conocimiento aún no podían ser analizadas, como lo fueron en épocas posteriores; Al principio actuaron juntos. Esto todavía no era arte en en su totalidad Este concepto no era conocimiento en el sentido propio de la palabra, sino algo en lo que los elementos primarios de ambos estaban inseparablemente combinados (3, p. 72).
En este sentido, resulta comprensible por qué el arte primitivo prestó tanta atención a la bestia y relativamente poca al hombre. Su objetivo principal es comprender la naturaleza externa. En una época en la que los animales ya han aprendido a representar de manera notablemente realista y vívida, las figuras humanas casi siempre se representan de una manera muy primitiva y simplemente inepta, con la excepción de algunas raras excepciones, como los relieves de Lossel. En el arte paleolítico aún no existe ese interés primario por el mundo de las relaciones humanas que distingue al arte, que delimitaba su ámbito del de la ciencia. De los monumentos del arte primitivo (al menos de las bellas artes) es difícil aprender algo sobre la vida de una comunidad tribal más allá de su caza y los rituales mágicos relacionados; El lugar más importante lo ocupa el objeto de la caza: la bestia. Fue su estudio el de mayor interés práctico, ya que era la principal fuente de existencia, y el enfoque utilitario-cognitivo de la pintura y la escultura se reflejó en el hecho de que representaban principalmente animales y especies cuya extracción era especialmente importante y al mismo tiempo difícil y peligroso, por lo que exige un estudio especialmente cuidadoso. Rara vez se representaban pájaros y plantas.
Al dibujar la figura de un animal, una persona, en cierto sentido, realmente "dominaba" al animal, ya que lo conocía, y el conocimiento es la fuente del dominio sobre la naturaleza. La necesidad vital del conocimiento figurativo fue la razón del surgimiento del arte. Pero nuestro antepasado entendió este “dominio” en un sentido literal y realizó rituales mágicos en torno al dibujo que realizó para asegurar el éxito de la caza. Repensó fantásticamente los verdaderos motivos racionales de sus acciones. Es cierto que es muy probable que la creatividad visual no siempre haya tenido un propósito ritual; aquí, obviamente, también intervinieron otros motivos, que ya se mencionaron anteriormente: la necesidad de intercambio de información, etc. Pero, en cualquier caso, no se puede negar que la mayoría de las pinturas y esculturas también tenían propósitos mágicos.
La gente empezó a dedicarse al arte mucho antes de que tuvieran un concepto de arte y mucho antes de que pudieran comprender su significado real, sus beneficios reales.
Dominar la capacidad de retratar. mundo visible, la gente tampoco se daba cuenta del verdadero significado social de esta habilidad. Sucedió algo similar al desarrollo posterior de las ciencias, que también se fueron liberando gradualmente del cautiverio de ideas fantásticas e ingenuas: los alquimistas medievales buscaron la "piedra filosofal" y dedicaron años de intenso trabajo a ello. Nunca encontraron la piedra filosofal, pero adquirieron una valiosa experiencia en el estudio de las propiedades de los metales, ácidos, sales, etc., que prepararon el camino para el posterior desarrollo de la química.
Al decir que el arte primitivo era una de las formas originales de conocimiento, el estudio del mundo circundante, no debemos suponer que, por tanto, no tenía nada de estético en el sentido propio de la palabra. Lo estético no es algo completamente opuesto a lo útil.
El contenido del arte primitivo es pobre, sus horizontes están cerrados, su integridad misma descansa en el subdesarrollo de la conciencia social. Sólo se podría lograr un mayor progreso del arte a costa de perder esta integridad inicial, que ya vemos en las últimas etapas de la formación comunal primitiva. En comparación con el arte del Paleolítico superior, marcan un cierto declive de la actividad artística, pero este declive es sólo relativo. Al esquematizar una imagen, el artista primitivo aprende a generalizar y abstraer los conceptos de línea recta o curva, círculo, etc., y adquiere las habilidades de construcción consciente y distribución racional de los elementos del dibujo en un plano. Sin estas habilidades acumuladas latentemente, la transición a esas nuevas valores artísticos, que se crean en el arte de las antiguas sociedades esclavistas. Podemos decir que durante el período del arte primitivo finalmente se formaron los conceptos de ritmo y composición. Así, la creatividad artística del sistema tribal muestra claramente la necesidad del arte en la vida humana.

3. El papel del arte en el desarrollo de la sociedad y la vida humana

Ha habido y hay mucho debate sobre el papel del arte en el desarrollo de la sociedad y en la vida de un individuo; los historiadores del arte proponen una variedad de conceptos, pero el nivel de cultura artística de masas en la Federación de Rusia ha disminuido; más bajo que, quizás, el de cualquier país civilizado.
Probablemente seamos el único estado donde el arte y la música han sido eliminados de la educación general. Incluso el avance de la humanitarización prevé el papel “residual” de las artes sin cambios. Desafortunadamente, el principio científico ha dominado durante mucho tiempo y de forma indivisible en la educación. En todas partes, en todos los documentos pedagógicos, se habla únicamente de dominar el método científico de cognición, dominar los conocimientos y habilidades científicos y formar una cosmovisión científica. Y así ocurre en todos los documentos, desde los más tradicionales hasta los más innovadores. Además, incluso en el análisis del arte, no sólo en la escuela secundaria, sino también en la educación superior, enfoque científico(6, pág. 12).
El mal ha echado raíces; una visión distorsionada de la ausencia de una relación seria desarrollo artístico, en primer lugar, con la moralidad del hombre y de la sociedad, y en segundo lugar, con el desarrollo mismo del pensamiento humano.
Sin embargo, el pensamiento humano es inicialmente bilateral: consta del lado racional-lógico y emocional-imaginativo en partes iguales. La base de la actividad científica y la base de la actividad artística humana son diferentes formas de pensamiento que provocaron su desarrollo, objetos de conocimiento completamente diferentes y la consiguiente necesidad de formas fundamentalmente diferentes de transferencia de experiencia. Estas posiciones, que naturalmente se derivan de la fórmula “el arte no es ciencia”, pueden suscitar dudas y rechazo. Y se basarán en una actitud cotidiana completamente no científica, sino trivial, hacia las artes; entendiendo su papel sólo como una esfera de recreación, entretenimiento creativo, placer estético y no una esfera de conocimiento científica especial e igual que no puede ser reemplazada por nada más.
Existe una idea generalizada de que el pensamiento emocional-figurativo, que históricamente floreció antes, es más primitivo que racional, algo no del todo humano, mitad animal. Hoy en día, el rechazo de este camino del conocimiento por considerarlo insuficientemente desarrollado e “insuficientemente científico” se basa en tal idea errónea, y se olvida que se ha ido desarrollando y mejorando desde el surgimiento de la humanidad (6, p. 13).
No existe un pensamiento humano que consista únicamente en una conciencia teórica, lógica y racional. Este tipo de pensamiento es inventado. En el pensamiento participa toda una persona, con todos sus sentimientos, sensaciones, etc. "irracionales". Y, al desarrollar el pensamiento, es necesario formarlo de manera integral. De hecho, en el desarrollo de la humanidad han surgido dos sistemas de conocimiento más importantes del mundo. Pensamos en su interacción constante, lo queramos o no. Así sucedió históricamente.
Si comparamos estos dos lados del pensamiento en un diagrama, obtenemos lo siguiente:

Formas de pensamiento Ámbito de actividad y resultado del trabajo Asunto del conocimiento (qué se aprende) Formas de dominar la experiencia (cómo se aprende) Resultados de dominar la experiencia
Actividad científica racional-lógica. Resultado - concepto Objeto real (sujeto) Estudio del contenido del Conocimiento. Comprender los patrones de los procesos naturales y sociales.
Actividad artística emocional-imaginativa. El resultado es una imagen artística Actitud hacia un objeto (sujeto) Experiencia de contenido (vida) Criterios emocionales y valorativos de la actividad vital, expresados en incentivos para acciones, deseos y aspiraciones.

La tabla muestra que en estas dos filas todo es diferente: tanto el tema del conocimiento como las formas y resultados de su desarrollo. Por supuesto, las áreas de actividad indicadas aquí son aquellas en las que estas formas se manifiestan más claramente. En todos los ámbitos de trabajo “trabajan” juntos, incluidos el científico, el industrial y el artístico.
La actividad científica (y el conocimiento) desarrolla la esfera del pensamiento teórico más activamente que cualquier otra.
Pero la actividad artística también prioriza el desarrollo de su propia esfera de pensamiento. Es más probable que el científico sea capaz de explotarlo y utilizarlo para ayudarse a sí mismo (6, p. 14).
Al estudiar cualquier planta: sus flores, frutos u hojas, un científico ruso o mexicano está interesado en datos completamente objetivos: su género y especie, forma, peso, composición química, sistema de desarrollo, aquello que no depende del observador. Cuanto más precisos e independientes del estudiante sean los datos de observación y las conclusiones, más valiosos serán y más científicos. Pero la observación artística y sus resultados son fundamentalmente diferentes. No pueden ni deben ser objetivos en absoluto. Definitivamente son personales, míos. El resultado es mi actitud personal hacia esta planta, flor, hoja: ¿me causan placer, ternura, tristeza, amargura, sorpresa? Por supuesto, toda la humanidad mira este objeto a través de mí, pero también mi pueblo, mi historia. Construyen los caminos de mi percepción. Percibiré una ramita de abedul de manera diferente que un mexicano. Fuera de mí no hay percepción artística; esto no puede tener lugar. Las emociones no pueden ser extrapersonales.
Por eso es imposible transmitir la experiencia del pensamiento emocional-imaginativo a las nuevas generaciones a través del conocimiento teórico (como lo hemos intentado persistentemente hasta ahora). Es inútil simplemente estudiar esta experiencia. Con un “estudio” así, por ejemplo, los sentimientos morales, como los sentimientos de ternura, de odio, de amor, se transforman en reglas morales, en leyes sociales que nada tienen que ver con los sentimientos: seamos sinceros: todas las leyes morales de la vida. la sociedad, si no son experimentados por el individuo, no están contenidos en sentimientos, sino sólo en conocimiento; no sólo no son duraderos, sino que a menudo son objeto de manipulación antimoral;
L.N. Tolstoi dijo correctamente que el arte no convence a nadie, simplemente contagia ideas. Y los “infectados” ya no pueden vivir de otra manera. La conciencia de participación, semejanza y empatía es el poder del pensamiento humano. La tecnocratización global es desastrosa. El psicólogo Zinchenko escribió muy acertadamente sobre esto: “Para el pensamiento tecnocrático no existen categorías de moralidad, conciencia, experiencia humana y dignidad”. Dicho con dureza, pero exacto.
B.M. Nemensky aclara por qué: el pensamiento tecnocrático es siempre la primacía de los medios sobre el significado (6, p. 16). Porque el significado de la vida humana es precisamente la mejora humana de las relaciones humanas con el mundo, la armonización de estas relaciones. Dada la integridad de las dos formas de conocimiento, el científico proporciona los medios para la armonización, mientras que el artístico incluye la introducción de estos medios en el sistema de acciones y determina la formación de los deseos humanos como incentivos para la acción. Cuando se distorsionan los criterios emocionales y valorativos, el conocimiento se dirige hacia fines antihumanos.
Con la opresión y el subdesarrollo de la esfera emocional-imaginativa, se produce el desequilibrio actual en nuestra sociedad: la primacía de los medios, la confusión de los objetivos. Y esto es peligroso, porque lo queramos o no, lo entendamos o no, son nuestros sentimientos los que determinan los “primeros movimientos del alma”, los que determinan los deseos. Y los deseos, incluso contrarios a las creencias, dan forma a las acciones.
Dos formas de conocimiento surgieron precisamente porque hay dos objetos o sujetos de conocimiento. Y el objeto (sujeto) de cognición para la esfera del pensamiento emocional-imaginativo no es la realidad de la vida misma, sino nuestra actitud humana emocional y personal hacia ella. En este caso (forma científica) se conoce el objeto, en otro (artístico) se conoce el hilo de la conexión de valor emocional entre el objeto y el sujeto: la relación del sujeto con el objeto (sujeto). Y aquí está la raíz de todo el problema.
Y luego el hilo de la comprensión de la actividad de la esfera emocional-imaginativa del pensamiento se extiende hacia aquellos tipos de trabajo donde esta forma se manifiesta más, el arte. El arte es multifuncional, pero su papel principal en la vida de la sociedad es precisamente este: análisis, formulación, consolidación en forma figurativa y transferencia a las próximas generaciones de la experiencia de las relaciones emocionales y valorativas con ciertos fenómenos de conexión entre las personas y con la naturaleza. Naturalmente, como en la forma científica, hay una lucha de ideas y tendencias en relación con los fenómenos de la vida. No sólo viven y luchan ideas útiles, sino también perjudiciales para la sociedad. Y la sociedad selecciona y consolida intuitivamente a partir de ellos lo que necesita hoy para la prosperidad o el declive.
¿No es hora de buscar vías de desarrollo armonioso, pero no entre las generaciones mayores, lo cual ya es demasiado tarde, sino entre la generación que llega a la vida? Sólo hay que darse cuenta de que no estamos ofreciendo un flujo de desarrollo en lugar de otro. Es necesario lograr la armonía en el desarrollo del pensamiento. Pero para ello debemos aceptar como objetivo la dualidad de nuestro pensamiento: la presencia de un pensamiento racional-lógico y emocional-imaginativo, la presencia de diferentes círculos de conocimiento correspondientes a ellos: el objeto real y la relación del sujeto al objeto. Y si aceptas estos dos lados, entonces es fácil aceptar dos formas de dominar la experiencia: estudiar el contenido de la experiencia y vivir, experimentar el contenido. Aquí, precisamente aquí, se sientan las bases de la didáctica artística; no se da nada más (6, p. 17).
Sin embargo, con un análisis cuidadoso, se pueden discernir los diferentes roles de las tres formas de pensamiento plástico-artístico en el comportamiento y la comunicación de las personas.
Decoración. Sólo los ciudadanos romanos nacidos libres tenían derecho a vestir vestimenta. Ya en el siglo XIII se emitieron decretos especiales sobre la vestimenta en Europa. La mayoría de ellos definieron reglas estrictas sobre qué clase podía usar qué disfraces. Por ejemplo, en Colonia en el siglo XV. Los jueces y los médicos tenían que vestirse de rojo, los abogados, de morado, y los demás expertos, de negro. Durante mucho tiempo, en Europa sólo una persona libre podía llevar sombrero. En Rusia bajo Isabel, las personas sin rango no tenían derecho a usar seda o terciopelo. En la Alemania medieval, a los siervos se les prohibía usar botas bajo pena de muerte: este era un privilegio exclusivo de los nobles. Y en Sudán existe la costumbre de pasar un alambre de latón por el labio inferior. Esto significa que la persona está casada. Su peinado también habla de ello. Y hoy, a la hora de elegir tal o cual tipo de ropa o su corte, una persona que se clasifica como una determinada grupo social, los utiliza como símbolos sociales que sirven como regulador de las relaciones entre las personas. La cuestión de adornarse, las armas, la ropa, el hogar no era evento de entretenimiento desde la formación de la sociedad humana. A través de la decoración, una persona se distinguía del entorno de las personas, indicando su lugar en él (héroe, líder, aristócrata, novia, etc.) y presentándose a una determinada comunidad de personas (guerrero, miembro de la tribu, miembro de una casta o hombre de negocios, hippie, etcétera). A pesar del uso más multifacético de la decoración, su papel fundamental sigue siendo el mismo hoy en día: un signo de inclusión y aislamiento; cartel de mensaje aprobando la ubicación esta persona, un grupo determinado de personas en el entorno de las relaciones humanas: aquí es donde se encuentra la base de la existencia de la decoración como fenómeno estético (6, p. 18).
El hecho de que las masas rusas sean analfabetas en este ámbito genera muchas confusiones sociales y colapsos morales personales. Los expertos señalan con razón que la sociedad aún no ha desarrollado un sistema sistemático para enseñar el lenguaje del arte decorativo. Cada uno pasa por la escuela del lenguaje de dicha comunicación de forma totalmente independiente y espontánea.
La línea constructiva del pensamiento artístico y plástico cumple una función diferente. función social y responde a otra necesidad. Se puede rastrear el papel de esta línea de pensamiento en el arte donde se revela más claramente y actúa abiertamente como líder. La construcción de cualquier objeto está directamente relacionada con la comunicación humana, pero se diferencia de la decoración. La arquitectura (como el diseño) expresa más plenamente esta línea de pensamiento artístico. Construye casas, pueblos y ciudades con sus calles, parques, fábricas, teatros, clubes, y no sólo para la comodidad de la vida cotidiana. El templo egipcio, por su diseño, expresaba ciertas relaciones humanas. El templo gótico y la propia ciudad medieval, su diseño y el carácter de las casas son completamente diferentes. Fortaleza, castillo de un señor feudal y finca noble del siglo XIII. fueron una respuesta a diferentes relaciones sociales y económicas y moldearon el entorno de comunicación de las personas de diferentes maneras. No en vano se llama a la arquitectura la crónica en piedra de la humanidad; desde ella podemos estudiar la naturaleza cambiante de las relaciones humanas.
Hoy en día no es difícil sentir la influencia de las formas arquitectónicas en nuestras vidas. Por ejemplo, cuánto cambió la destrucción de los patios de Moscú en el desarrollo de los juegos infantiles. Hasta ahora no se han encontrado formas orgánicas de autoorganización del entorno infantil en estos enormes edificios indivisos. Y las relaciones entre adultos y vecinos se construyen de manera diferente, o mejor dicho, casi no se construyen en absoluto. Por cierto, aquí hay algo en qué pensar. ¿Hasta qué punto nuestra arquitectura cotidiana expresa verdaderamente el tipo de relaciones humanas que deseamos? Necesitamos un entorno para la comunicación, para crear conexiones humanas fuertes. Ahora los vecinos, incluso en el mismo piso, pueden no conocerse en absoluto y no tener ninguna relación. Y la arquitectura contribuye a ello de todas las formas posibles; no existe un entorno propicio para la comunicación. Ni siquiera en las facultades de humanidades de la Universidad Estatal de Moscú hay lugar para sentarse y hablar. Sólo hay salas de conferencias y salas para reuniones públicas. No existe un entorno planificado donde un individuo pueda comunicarse con otro, discutir, hablar, pensar. Aunque, quizás, en épocas anteriores de la historia de nuestra sociedad esto no era necesario. Y fuera de la arquitectura, y a pesar de ella, es extremadamente difícil crear condiciones para la comunicación. Así, además de la estrecha función utilitaria (proteger contra el frío, la lluvia y proporcionar condiciones para el trabajo), la arquitectura desempeña un importante papel social y “espiritual”. Papel "utilitario" en la formación de las relaciones humanas. Cumple la función de un elemento constructivo del pensamiento artístico: forma un entorno real que determina el carácter, el estilo de vida y las relaciones en la sociedad. Al hacer esto, ella, por así decirlo, establece parámetros y marca hitos para un determinado ideal estético y moral, creando para ello un entorno de desarrollo. La formación de un ideal estético comienza con la construcción de sus fundamentos y propiedades fundamentales. La esfera constructiva cumple su finalidad a través de todas las artes.
La base visual del pensamiento plástico-artístico se manifiesta en todas las artes, pero se convierte en la línea principal en las bellas artes propiamente dichas y, de manera aún más aguda, en las artes de caballete: en pintura, gráfica, escultura. ¿Para qué necesidades de la sociedad se desarrollaron estas formas de pensamiento? Las capacidades de estas formas, en nuestra opinión, son las más sutiles y complejas. Se basan en gran medida en la investigación y en algunos aspectos son similares a las actividades científicas. Aquí analizamos todos los aspectos de la vida real. Pero el análisis es emocional y figurativo, y no de las leyes objetivas de la naturaleza y la sociedad, sino de la naturaleza personal, relaciones emocionales el hombre con todo su entorno: la naturaleza y la sociedad. Es a través de la personalidad de cada uno de nosotros que nuestra humanidad -nuestros puntos en común- sólo puede manifestarse. Una sociedad sin individuos es un rebaño. Entonces, si en ciencia la conclusión es: “Lo sé, lo entiendo”, entonces aquí: “Amo, odio”, “Disfruto esto, me repugna”. Estos son los criterios emocionales y valorativos de una persona.
La forma pictórica de pensamiento amplía las capacidades de los sistemas figurativos, llenándolos con la sangre viva de la realidad. Aquí el pensamiento se produce en imágenes reales visibles (y no sólo en una imagen de la realidad). Es pensar en imágenes reales lo que permite analizar todos los aspectos más complejos y sutiles de la realidad, realizarlos, construir una actitud hacia ellos, comparar de manera variable y sensual (a menudo intuitivamente) sus ideales morales y estéticos con ellos y consolidar esta actitud. en imágenes artísticas. Fijalo y pásalo a otras personas.
Es por ello que las bellas artes son una poderosa y sutil escuela de cultura emocional y su crónica. Es este lado del pensamiento artístico el que hace posible que las bellas artes planteen y resuelvan los problemas espirituales más complejos de la sociedad.
Los elementos del pensamiento artístico, como tres corazones, tres motores del proceso artístico, participan en la configuración del carácter de la sociedad humana y, a su manera, influyen en sus formas, métodos y desarrollo.
Las cambiantes tareas del arte en las diferentes etapas de la formación del ideal moral y estético de cada época se manifiestan en la pulsación de estas tres tendencias. El ascenso y caída de cada uno de ellos es una respuesta a los cambios en las demandas de la sociedad por el arte como herramienta que le ayude no sólo a formar el ideal moral y estético de la época, sino también a establecerlo en la vida cotidiana. Desde la práctica, pasando por su desarrollo espiritual, emocional, moral y estético, hasta llegar a la práctica cotidiana de la vida, este es el camino para realizar estos fundamentos. Y cada base (esfera) tiene su propia, única e insustituible función, generada por la especificidad, la naturaleza de sus capacidades.
El arte aparece en su verdadero significado como una de las formas más importantes de autoconciencia y autoorganización del colectivo humano, como manifestación de una forma de pensamiento insustituible desarrollada a lo largo de millones de años de existencia humana, sin la cual la sociedad humana no podría existir en absoluto.

Conclusión

En este trabajo, examinamos el papel del arte en la vida de la sociedad y de cada persona, y nos centramos en las características específicas de una de las formas de manifestación del pensamiento emocional-imaginativo: la esfera de actividad plástico-artística.
Este no es sólo un problema teórico. La renuencia existente a ver la realidad de estas formas de pensamiento da como resultado la formación de una inteligencia unilateral. Ha habido una fetichización mundial del camino lógico-racional del conocimiento.
El profesor del MIT J. Weizenbaum escribe sobre este peligro: “Desde el punto de vista del sentido común, la ciencia se ha convertido en la única forma legítima de conocimiento... la atribución por el sentido común de certeza al conocimiento científico, una atribución que ahora se ha convertido en una El dogma de la cordura, debido a su práctica casi universal, ha privado de hecho de poderes de legitimidad a todas las demás formas de conocimiento". Nuestros científicos también expresaron estos pensamientos. Baste recordar al filósofo E. Ilyenkov. Pero la sociedad no los escucha en absoluto.
Las tradiciones de cultura emocional y de valores se pierden, no se desarrollan ni se transmiten de los antepasados. Y son ellos quienes constituyen la cultura de la actitud hacia el mundo, que se encuentra en la base de toda vida humana, la base de la acción humana.

Referencias

1. Apresyan R. Estética. – M.: Gardariki, 2003.
2. historia general letras En 9 volúmenes. Arte primitivo. – M., 1967.
3. Loktev A. Teoría del arte. – M.: Vlados, 2003.
4. Ilyenkov E. Obras. – M.: Logotipos, 2000.
5. Arte. – M.: Avanta+, 2003.
6. Nemensky B.M. La cognición emocional-imaginativa en el desarrollo humano / En el libro. Arte contemporáneo: desarrollo o crisis. – M.: Conocimiento, 1991. P. 12-22.

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Yulia Gorbunova

Trabajo de investigación sobre el tema "El papel del arte en la vida humana".

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Avance:

Introducción
parte principal

2.1.El concepto de arte.

2.2.Tipos de arte

2.3.Funciones del arte

2.4.El papel del arte en la vida humana

2.5.La vida es corta, el arte es eterno.

Conclusión
Literatura

1. Introducción.

Elegí trabajar en el tema “El papel del arte en la vida humana” porque quería profundizar y generalizar mis conocimientos sobre el arte. Me interesaba ampliar mis horizontes y descubrir qué funciones cumple el arte, cuál es el papel del arte en la vida de una persona, para poder hablar más sobre esto desde el punto de vista de una persona conocedora.

Considero relevante el tema de trabajo elegido, ya que ciertos aspectos del tema no han sido estudiados en su totalidad y la investigación realizada tiene como objetivo cerrar esta brecha. Ella me anima a demostrar capacidades intelectuales, cualidades morales y comunicativas;

Antes de empezar a trabajar, realicé una encuesta entre los estudiantes de nuestra escuela. Haciéndoles algunas preguntas para identificar su actitud hacia el arte. Se obtuvieron los siguientes resultados.

Total de personas encuestadas.

¿Qué papel crees que juega el arte en vida moderna¿persona?

Mayor que %

No %

Ayuda a vivir %

¿Qué nos enseña el arte y qué nos enseña en absoluto?

Belleza %

Entendiendo la vida %

Haciendo lo correcto %

Amplía horizontes %

no enseña nada

¿Qué tipos de arte conoces?

Teatro %

Película %

Música %

Cuadro %

Arquitectura %

Escultura %

Otros tipos de arte %

¿Qué tipo de arte practicas o te apasiona?

Apasionado %

% no apasionado

¿Ha habido momentos en los que el arte ha jugado un papel en tu vida?

Sí %

No %

La encuesta mostró que el trabajo ayudará a la gente a comprender la importancia del arte y, creo, atraerá a muchos, si no a dedicarse al arte, sí despertará el interés por el problema.

Mi trabajo también tiene un significado práctico, porque los materiales se pueden utilizar para preparar un ensayo sobre literatura, para presentaciones orales en clases de bellas artes, arte y arte, y en el futuro para preparar exámenes.

Objetivo trabajo: demostrar importancia varios tipos arte en la vida humana;mostrar cómo el arte influye en la formación de la cultura espiritual de la personalidad de una persona; despertar el interés de las personas por el mundo del arte.

Tareas - revelar la esencia del arte, considerar la relación entre el hombre y el arte en la sociedad, considerar las principales funciones del arte en la sociedad, su significado y papel para una persona.

Cuestiones problemáticas: ¿Cómo expresa el arte los sentimientos humanos y el mundo que nos rodea?

¿Por qué dicen “la vida es corta, pero el arte es eterno”?

¿Qué es el arte? ¿Cuándo, cómo y por qué surgió el arte?

¿Qué papel juega el arte en la vida de una persona y en mi vida?

Resultado esperado

Después de familiarizarse con mi trabajo, se espera un mayor nivel de desarrollo de una actitud emocional y basada en valores hacia el mundo, los fenómenos de la vida y el arte; comprender el lugar y el papel del arte en la vida de las personas.

2. parte principal

2.1.El concepto de arte

“¡El arte da alas y te lleva muy, muy lejos!” -
el escritor dijoChéjov A.P.

Qué lindo sería si alguien creara un dispositivo que mostrara el grado de influencia del arte en una persona, en la sociedad en su conjunto e incluso en la naturaleza. ¿Cómo afectan la pintura, la música, la literatura, el teatro, el cine a la salud humana y a la calidad de vida? ¿Es posible medir y predecir tal impacto? Por supuesto, la cultura en su conjunto, como combinación de ciencia, arte y educación, es capaz de influir beneficiosamente tanto en el individuo como en la sociedad en su conjunto a la hora de elegir la dirección y las prioridades correctas en la vida.

El arte es una comprensión creativa del mundo que nos rodea por parte de una persona talentosa. Los frutos de esta comprensión pertenecen no sólo a sus creadores, sino a toda la humanidad que vive en el planeta Tierra.

Las hermosas creaciones de los antiguos escultores y arquitectos griegos, los maestros florentinos del mosaico, Rafael y Miguel Ángel... Dante, Petrarca, Mozart, Bach, Tchaikovsky son inmortales. Te deja sin aliento cuando intentas captar con la mente todo lo creado por genios, preservado y continuado por sus descendientes y seguidores.

En la sociedad primitivacreatividad primitivanace con una vistaHomo sapienscomo una forma de actividad humana para resolver problemas prácticos. Originario de la épocaPaleolítico medio, arte primitivoalcanzó su punto máximo hace unos 40 mil años y fue un producto social de la sociedad, que encarna una nueva etapa en el desarrollo de la realidad. obras antiguas Arte como un collar de conchas encontrado en Sudáfrica se remonta al 75º milenio antes de Cristo. mi. y más. En la Edad de Piedra, el arte estaba representado por rituales primitivos, música, danzas, todo tipo de adornos corporales, geoglifos - imágenes en el suelo, dendrógrafos - imágenes en la corteza de los árboles, imágenes en pieles de animales, pintura rupestre, pinturas rupestres,petroglifos y escultura.

El surgimiento del arte está asociado conjuegos, rituales Y rituales, incluidos los causadosmitológicamente- mágicorepresentaciones.

Hoy en día, la palabra "arte" se utiliza a menudo en su significado original y muy amplio. Se trata de cualquier habilidad para la realización de cualquier tarea que requiera algún tipo de perfección de sus resultados. En el sentido más estricto de la palabra, se trata de creatividad "según las leyes de la belleza". Obras de creatividad artística, así como obras. artes aplicadas, son creados según las “leyes de la belleza”. Una obra de arte, como todos los demás tipos de conciencia social, es siempre una unidad del objeto conocido en ella y del sujeto que conoce este objeto.

En la sociedad primitiva, anterior a las clases, el arte como variedad especial de conciencia social aún no existía de forma independiente. Estaba entonces en unidad con la mitología, la magia, la religión, con las leyendas sobre vidas pasadas, con las ideas geográficas primitivas, con las exigencias morales.

Y luego el arte se destacó entre ellos como una variedad especial y específica. Se ha convertido en una de las formas de desarrollo de la conciencia social. varios pueblos. Así es como se debe ver.

Así, el arte es un tipo de conciencia de la sociedad; es contenido artístico, no científico. L. Tolstoi, por ejemplo, definió el arte como un medio para intercambiar sentimientos, oponiéndolo a la ciencia como un medio para intercambiar pensamientos.

El arte a menudo se compara con un espejo reflectante, que refleja la realidad a través de los pensamientos y sentimientos del creador. A través de él, este espejo refleja aquellos fenómenos de la vida que atrajeron la atención del artista y lo emocionaron.

Aquí se puede discernir con razón una de las características específicas más importantes del arte como tipo de actividad humana.

Cualquier producto del trabajo, ya sea una herramienta, una herramienta, una máquina o un medio de sustento de vida, se crea para alguna necesidad especial. Incluso productos de la producción espiritual, como la investigación científica, pueden seguir siendo accesibles e importantes para un grupo reducido de especialistas, sin perder nada de su importancia social.

Pero una obra de arte sólo puede ser reconocida como tal si su contenido es universal, “de interés general”. El artista está llamado a expresar algo que es igualmente importante tanto para el conductor como para el científico, que es aplicable a su vida no sólo en la medida de la especificidad de su profesión, sino también en la medida de su implicación en la vida de las personas, su capacidad de ser humanos, de ser individuos.

2.2. tipos de arte

Dependiendo de los medios materiales con los que se construyen las obras de arte, surgen objetivamente tres grupos de tipos de arte: 1) espacial o plástico (pintura, escultura, gráfica, fotografía artística, arquitectura, artesanía y diseño), es decir, aquellos que despliegan sus imágenes en el espacio; 2) temporales (verbales y musicales), es decir aquellas en las que las imágenes se construyen en el tiempo y no en el espacio real; 3) espacio-temporal (danza; actuación y todo lo que se basa en ella; sintético - teatro, cine, televisión, variedades y circo, etc.), es decir aquellos cuyas imágenes tienen a la vez extensión y duración, fisicalidad y dinamismo. Cada tipo de arte se caracteriza directamente por el modo de existencia material de sus obras y el tipo de signos figurativos utilizados. Dentro de estos límites, todos sus tipos tienen variedades, determinadas por las características de un material particular y la resultante originalidad del lenguaje artístico.

Así, las variedades del arte verbal son la creatividad oral y la literatura escrita; tipos de música: vocal y diferentes tipos música instrumental; variedades de artes escénicas: dramáticas, musicales, títeres, teatro de sombras, así como escenario y circo; variedades de danza: danza cotidiana, clásica, acrobática, gimnástica, danza sobre hielo, etc.

Por otro lado, cada tipo de arte tiene divisiones genéricas y de género. Los criterios para estas divisiones se definen de manera diferente, pero la presencia misma de tipos de literatura como la épica, la poesía lírica, el drama, tipos de bellas artes como el caballete, la monumental-decorativa, la miniatura, géneros de pintura como el retrato, el paisaje, la fotografía. la vida es obvia...

Así, el arte, tomado en su conjunto, es un sistema históricamente establecido de varios métodos específicos de exploración artística del mundo,

cada uno de los cuales tiene características que son comunes a todos y únicas individualmente.

2.3. Funciones del arte

El arte tiene similitudes y diferencias con otras formas de conciencia social. Al igual que la ciencia, refleja objetivamente la realidad y conoce sus aspectos importantes y esenciales. Pero a diferencia de la ciencia, que domina el mundo mediante el pensamiento teórico abstracto, el arte comprende el mundo a través del pensamiento imaginativo. La realidad aparece en el arte de manera integral, en la riqueza de sus manifestaciones sensoriales.

A diferencia de la ciencia, la conciencia artística no se propone dar información especial sobre ramas privadas de la práctica social e identificar sus patrones, como físicos, económicos, etc. El tema del arte es todo lo que resulta interesante para una persona en la vida.

Aquellos objetivos que el autor o creador se fija intencionada y conscientemente mientras trabaja en una obra tienen una dirección. Podría ser algún tipo de propósito político, un comentario sobre el estatus social, la creación de un determinado estado de ánimo o emoción, un efecto psicológico, una ilustración de algo, la promoción de un producto (en el caso de la publicidad) o simplemente la transmisión de algo. algún tipo de mensaje.

Medios de comunicación.En su forma más simple, el arte es un medio de comunicación. Como la mayoría de las otras formas de comunicación, conlleva la intención de transmitir información a la audiencia. Por ejemplo, la ilustración científica también es una forma de arte que existe para transmitir información. Otro ejemplo de este tipo es mapas geograficos. Sin embargo, el contenido del mensaje no es necesariamente científico. El arte le permite transmitir no solo información objetiva, sino también emociones, estados de ánimo y sentimientos.
El arte como entretenimiento. El propósito del arte puede ser crear un estado de ánimo o una emoción que ayude a uno a relajarse o divertirse. Muy a menudo, se crean dibujos animados o videojuegos con este mismo propósito.
Vanguardia, arte para el cambio político.Uno de los objetivos definitorios del arte de principios del siglo XX fue crear obras que provocaran cambios políticos. Las direcciones que han surgido para este propósito son:dadaísmo, surrealismo, ruso constructivismo, expresionismo abstracto- denominados colectivamentevanguardia.
Arte para psicoterapia.Los psicólogos y psicoterapeutas pueden utilizar el arte con fines terapéuticos. Para diagnosticar el estado de personalidad y el estado emocional se utiliza una técnica especial basada en el análisis de los dibujos del paciente. En este caso, el objetivo final no es el diagnóstico, sino la salud mental.
Arte de protesta social, derrocamiento del orden existente y/o anarquía.Como forma de protesta, el arte puede no tener ningún propósito político específico, sino que puede limitarse a la crítica del régimen existente o algún aspecto del mismo.

2.4. El papel del arte en la vida humana.

Todos los tipos de artes sirven a la más grande de las artes: el arte de vivir en la tierra.
Bertolt Brecht

Ahora es imposible imaginar que nuestrovidano estaría acompañado de arte,creación. Dónde y cuándo vivesHumano, incluso en los albores de su desarrollo, trató de comprender el mundo que lo rodeaba, lo que significa que se esforzó por comprender y transmitir de manera figurada e inteligible el conocimiento adquirido a las generaciones futuras. Así aparecieron las pinturas murales en las cuevas, antiguos asentamientos humanos. Y esto nace no sólo del deseo de proteger a los descendientes de los errores ya cometidos por los antepasados, sino también de transmitir la belleza y la armonía del mundo, la admiración por las creaciones perfectas de la naturaleza.

La humanidad no marcó el tiempo, avanzó progresivamente y fue más alto, y también se desarrolló el arte, acompañando al hombre en todas las etapas de este largo y doloroso camino. Si miras el Renacimiento, admiras las alturas que alcanzaron artistas, poetas, músicos y arquitectos. Las inmortales creaciones de Rafael y Leonardo da Vinci todavía fascinan por su perfección y su profunda conciencia del papel del hombre en el mundo, donde está destinado a recorrer su breve pero hermoso y a veces trágico camino.

El arte es una de las etapas más importantes de la evolución humana. El arte ayuda a una persona a mirar el mundo con diferentes puntos visión. Con cada época, con cada siglo, el hombre la mejora cada vez más. En todo momento, el arte ha ayudado a las personas a desarrollar sus habilidades y mejorar el pensamiento abstracto. A lo largo de los siglos, el hombre ha intentado cada vez más cambiar el arte, mejorarlo y profundizar sus conocimientos. El arte es el gran misterio del mundo, en el que se esconden los secretos de la historia de nuestras vidas. El arte es nuestra historia. A veces es posible encontrar respuestas a preguntas que ni siquiera los manuscritos más antiguos pueden responder.
Hoy en día, una persona ya no puede imaginar la vida sin una novela leída, sin una nueva película, sin un estreno en el cine, sin un éxito de moda y sin un amado. grupo de musica, sin exposiciones de arte... En el arte, una persona encuentra nuevos conocimientos y respuestas a la vida. cuestiones importantes, y paz del bullicio diario, y placer. Una verdadera obra de arte siempre está en sintonía con los pensamientos de los lectores, espectadores y oyentes. Una novela puede hablar de una época histórica lejana, de personas que parecen tener una forma y un estilo de vida completamente diferentes, pero los sentimientos que estuvieron imbuidos de las personas en todo momento son comprensibles para el lector actual, en consonancia con él, si la novela Fue escrito por un verdadero maestro. Dejemos que Romeo y Julieta vivieran en Verona en la antigüedad. No es el momento ni el lugar de la acción lo que determina mi percepción del gran amor y la verdadera amistad descritos por el brillante Shakespeare.

Rusia no se ha convertido en una provincia lejana del arte. Incluso en los albores de su aparición, declaró en voz alta y audaz su derecho a estar junto a los más grandes creadores de Europa: "El cuento de la campaña de Igor", iconos y pinturas de Andrei Rublev y Teófano el Griego, las catedrales de Vladimir, Kiev. y Moscú. No solo estamos orgullosos de las asombrosas proporciones de la Iglesia de la Intercesión en Nerl y de la Catedral de la Intercesión de Moscú, más conocida como la Catedral de San Basilio, sino que también honramos sagradamente los nombres de sus creadores.

No sólo las creaciones antiguas atraen nuestra atención. Constantemente nos encontramos con obras de arte en la vida cotidiana. Visitar museos y salas de exposiciones, queremos unirnos a eso mundo maravilloso, accesible al principio sólo a los genios, y luego a otros, aprendemos a comprender, ver y absorber la belleza que ya se ha convertido en parte de nuestra vida ordinaria.

Las imágenes, la música, el teatro, los libros, las películas dan a la persona una alegría y satisfacción incomparables, le hacen simpatizar. Elimina todo esto de tu vida. hombre civilizado, y se convertirá, si no en un animal, en un robot o en un zombi. Las riquezas del arte son inagotables. Es imposible visitar todos los museos del mundo, no se pueden escuchar todas las sinfonías, sonatas, óperas, no se pueden revisar todas las obras maestras de la arquitectura, no se pueden releer todas las novelas, poemas, poemas. Y no tiene sentido. Los sabelotodo en realidad resultan ser personas superficiales. De toda la diversidad, una persona elige para su alma lo que está más cerca de él, lo que da base a su mente y sus sentimientos.

Las posibilidades del arte son multifacéticas. El arte forma cualidades intelectuales y morales, estimula la creatividad y promueve una socialización exitosa. En la antigua Grecia, las bellas artes se consideraban un medio eficaz para influir en una persona. En las galerías se exhibieron esculturas que personificaban nobles cualidades humanas (“Misericordia”, “Justicia”, etc.). Se creía que, al contemplar hermosas esculturas, una persona absorbe todo lo mejor que reflejan. Lo mismo se aplica a las pinturas de grandes maestros.

Un grupo de investigadores dirigido por la profesora Marina de Tommaso de la Universidad de Bari, Italia, ha descubierto que las bellas pinturas pueden reducir el dolor, escribe hoy el Daily Telegraph. Los científicos esperan que los nuevos resultados convenzan a los hospitales de tener más cuidado en la decoración de las habitaciones en las que se aloja a los pacientes.

En el estudio, se pidió a un grupo de personas, compuesto por hombres y mujeres, que observaran 300 pinturas de maestros como Leonardo da Vinci y Sandro Botticelli, y también seleccionaran entre ellas 20 pinturas que les pareciera más bellas y más feas. . En el siguiente paso, a los sujetos se les mostraron estas imágenes o no se les mostró nada, dejando libre una gran pared negra para las imágenes, y al mismo tiempo golpearon a los participantes con un breve pulso láser, comparable en fuerza a tocar una sartén caliente. . Se descubrió que cuando las personas miran imágenes que les gustan, el dolor se siente tres veces menos intenso que cuando se ven obligadas a mirar imágenes feas o una pared negra.

No sólo los niños, sino también a menudo los adultos son incapaces de hacer frente a sus emociones. Vivimos según las reglas, forzándonos con constantes “Necesitamos, necesitamos, necesitamos…”, olvidándonos de nuestros deseos. Debido a esto, surge el descontento interno, que una persona, al ser un ser social, trata de guardarse para sí mismo. Como resultado, el cuerpo sufre, porque un estado emocional negativo a menudo conduce a diversas enfermedades. En este caso, la creatividad ayuda a aliviar el estrés emocional, armonizar el mundo interior y lograr un entendimiento mutuo con los demás. Por supuesto, esto puede ser no solo dibujo, sino también aplicaciones, bordados, fotografías, modelado a partir de cerillas, prosa, poesía y mucho más, de una forma u otra relacionado con el arte.

La pregunta es cómo la literatura afecta a una persona, su comportamiento y su psique, qué mecanismos conducen a experiencias únicas y, como consecuencia, a cambios en las características personales de una persona al leer. obra literaria, ocupó la mente de muchos científicos e investigadores desde la antigüedad hasta la actualidad. La ficción, al brindar conocimiento de la realidad, amplía los horizontes mentales de los lectores de todas las edades, brinda una experiencia emocional que va más allá de lo que una persona podría adquirir en su vida, forma el gusto artístico y brinda placer estético, que ocupa un lugar en la vida de hombre moderno. gran lugar y es una de sus necesidades. Pero lo más importante es la función principal. ficción- esta es la formación en las personas de sentimientos profundos y duraderos que las alientan a pensar detenidamente, determinar su visión del mundo y dirigir su comportamiento. personalidad.

La literatura es para las personas una escuela de sentimientos y conocimiento de la realidad y forma una idea de las acciones ideales de las personas, de la belleza del mundo y de las relaciones. La Palabra es un gran misterio. Su poder mágico radica en la capacidad de evocar imágenes vívidas y transportar al lector a otro mundo. Sin la literatura, nunca hubiéramos sabido que alguna vez vivió en el mundo una persona maravillosa y un escritor Víctor Hugo o, por ejemplo, Alexander Sergeevich Pushkin. No sabríamos nada sobre la época en que vivieron. Gracias a la literatura nos educamos más y conocemos la historia de nuestros antepasados.

La influencia de la música en una persona es grande. Una persona oye el sonido no sólo con los oídos; escucha el sonido desde cada poro de su cuerpo. El sonido impregna todo su ser y, según cierta influencia, ralentiza o acelera el ritmo de la circulación sanguínea; excita el sistema nervioso o lo calma; despierta más en una persona pasiones fuertes o lo pacifica, brindándole paz. Se produce un cierto efecto según el sonido. Por lo tanto, el conocimiento del sonido puede brindarle a una persona una herramienta mágica para administrar, sintonizar, controlar y utilizar la vida, así como para ayudar a otras personas con el mayor beneficio.No es ningún secreto que el arte puede curar.

Isoterapia, danzaterapia, tratamiento musical: estas ya son verdades comunes.

El creador de la farmacología musical, el científico Robert Shofler, prescribe escuchar todas las sinfonías de Tchaikovsky, "El rey del bosque" de Schubert y la oda "A la alegría" de Beethoven con fines terapéuticos. Afirma que estas obras promueven una recuperación acelerada. Y los investigadores de la Universidad de California demostraron experimentalmente que después de escuchar la música de Mozart durante 10 minutos, las pruebas mostraron un aumento en el coeficiente intelectual de los estudiantes de 8 a 9 unidades.

Pero no todo el arte cura.

Por ejemplo: la música rock provoca la liberación de hormonas del estrés, que borran cierta información del cerebro, provocando agresión o depresión. El psicólogo ruso D. Azarov señala que existe una combinación especial de notas, las llamó música asesina. Después de escuchar esas frases musicales varias veces, una persona desarrolla un estado de ánimo y pensamientos sombríos.

El repique de campanas mata rápidamente:

bacterias tifoideas
virus.

La música clásica (Mozart, etc.) promueve:

calma general
aumento de la secreción de leche (en un 20%) en madres lactantes.

 Los sonidos rítmicos de algunos intérpretes, por su efecto directo sobre el cerebro, contribuyen a:

liberación de hormonas del estrés
deterioro de la memoria
debilitamiento (después de 1-2 años) del estado general (especialmente al escuchar música con auriculares).

Los mantras, o sonidos meditativos “om”, “aum”, etc., tienen una naturaleza vibratoria.
Las vibraciones contribuyen inicialmente a la activación de determinados órganos y estructuras cerebrales. Al mismo tiempo, se liberan muchas hormonas diferentes en la sangre. (Esto probablemente ayude a realizar trabajos monótonos con menor consumo de energía).

Los sonidos vibrantes causan

placer - para algunas personas, para otras - los mismos sonidos causan
respuesta al estrés con liberación de hormonas y un fuerte aumento del metabolismo oxidativo.

contribuye a un fuerte aumento de la presión arterial,
a menudo provoca espasmos cardíacos.

En las fuentes literarias de la antigüedad encontramos muchos ejemplos de la influencia deliberada de la música en el estado mental de las personas. Plutarco dice que los ataques de furia de Alejandro Magno generalmente se apaciguaban tocando la lira. El poderoso Aquiles, según Homero, intentó, tocando la lira, enfriar su “famosa” ira, con la que comienza la acción de la Ilíada.

Existía la opinión de que la música salva a las personas de una muerte inminente por picaduras de serpientes venenosas y escorpiones. La música fue ampliamente recomendada como antídoto en estos casos por uno de los médicos más famosos. Antigua Roma Galeno. Nirkus, compañero de Alejandro Magno en sus campañas, después de visitar la India, dijo que en este país, donde abundan las serpientes venenosas, el canto se considera el único remedio para sus picaduras. ¿Cómo podemos explicar el efecto milagroso de la música? Las investigaciones de nuestro tiempo han demostrado que la música en tales casos no actúa como un antídoto, sino como un medio para eliminar el trauma mental: ayuda a la víctima a reprimir el sentimiento de horror; Este es sólo un ejemplo de cómo la salud e incluso la vida de una persona dependen en gran medida de su estado de ánimo. Pero este ejemplo individual nos permite juzgar cuán importante es el papel del sistema nervioso en el cuerpo. Hay que tenerlo en cuenta a la hora de explicar el mecanismo del impacto del arte en la salud de las personas.

Aún más sorprendente es el efecto de la música sobre las emociones. La influencia de la música en las emociones se conoce desde la antigüedad. La música se utilizaba con fines medicinales y en la guerra. La música actúa como un medio para distraerse de los pensamientos que perturban a una persona y como un medio para calmar e incluso curar. La música juega un gran papel como medio para combatir el exceso de trabajo. La música puede marcar un cierto ritmo antes de comenzar a trabajar o crear el ambiente para un descanso profundo durante un descanso.

El arte hace que el mundo de las personas sea más bello, vivo y vibrante. Por ejemplo, la pintura: ¿cuánto ha llegado a nuestro tiempo? pinturas antiguas, mediante el cual se puede determinar cómo vivía la gente hace dos, tres, cuatro o más siglos. Ahora hay muchas pinturas escritas por nuestros contemporáneos, y sea lo que sea: abstracción, realismo, naturaleza muerta o paisaje, la pintura es hermoso arte, con la ayuda del cual una persona aprendió a ver el mundo brillante y colorido.
La arquitectura es otra de las formas de arte más importantes. Hay una gran cantidad de hermosos monumentos repartidos por todo el mundo, y no solo se les llama "monumentos", sino que contienen los mayores secretos de la historia y su memoria. A veces, los científicos de todo el mundo no pueden resolver estos misterios.
Por supuesto, para percibir la belleza del arte de la ópera, por ejemplo, es necesario conocer sus características, comprender el lenguaje de la música y la voz, con la ayuda del cual el compositor y los cantantes transmiten todos los matices de la vida y los sentimientos y Influir en los pensamientos y emociones de los oyentes. La percepción de la poesía y las bellas artes también requiere cierta preparación y una comprensión adecuada. Incluso una historia interesante no cautivará al lector si no ha desarrollado la técnica de la lectura expresiva, si dedica toda su energía a componer palabras a partir de sonidos hablados y no experimenta su influencia artística y estética.

El efecto del arte en una persona puede ser duradero o duradero. Esto enfatiza las grandes oportunidades que tiene el uso del arte para obtener un efecto duradero y duradero, usándolo con fines educativos, así como para la mejora y prevención de la salud general. El arte no actúa sobre ninguna capacidad y fuerza humana, ya sea emoción o intelecto, sino sobre la persona en su conjunto. Forma, a veces inconscientemente, el sistema mismo de actitudes humanas.

La genialidad artística del famoso cartel de D. Moore “¿Te has apuntado como voluntario?”, tan difundido durante la Segunda Guerra Mundial, radica en el hecho de que apela a la conciencia humana a través de todas las capacidades espirituales del hombre. Aquellos. El poder del arte radica en apelar a la conciencia humana y despertar sus capacidades espirituales. Y en esta ocasión podemos citar las célebres palabras de Pushkin:

Quema los corazones de las personas con el verbo.

Creo que este es el verdadero propósito del arte.

2.5.La vida es corta, el arte es eterno.

El arte es eterno y hermoso porque trae belleza y bondad al mundo.

Una persona tiene requisitos muy estrictos y el arte debe reflejar estos requisitos. Los artistas del clasicismo admiraban los ejemplos clásicos. Creían que lo eterno es inmutable; por eso es necesario aprender de los autores griegos y romanos. Los caballeros, reyes y duques suelen convertirse en héroes. Estaban convencidos de que la belleza en el arte es creada por la verdad; por lo tanto, un escritor debe imitar la naturaleza y representar la vida de manera creíble. Aparecen cánones rígidos de la teoría del clasicismo. El experto en arte Boileau escribe: “Lo increíble no puede conmoverte, deja que la verdad siempre parezca creíble”. Los escritores del clasicismo abordaron la vida desde la posición de la razón; no confiaban en los sentimientos, considerándolos cambiantes y engañosos. Preciso, razonable, veraz y hermoso. "Necesitas pensar en un pensamiento y solo entonces escribir".

El arte nunca pasa de moda. En el libro del filósofo académico I.T. Frolov escribió: “La razón de esto es la originalidad única de las obras de arte, su carácter profundamente individualizado, determinado en última instancia por su constante atractivo para el hombre. La unidad única del hombre y el mundo en una obra de arte, la “realidad humana”. El famoso físico danés Niels Bohr escribió: “La razón por la que el arte puede enriquecernos es su capacidad de recordarnos armonías que están más allá del alcance del análisis sistemático”. El arte a menudo resalta problemas universales y "eternos": qué es el bien y el mal, la libertad, la dignidad humana. Las condiciones cambiantes de cada época nos obligan a resolver estos problemas de nuevo.

El arte tiene muchas caras, es eterno, pero, lamentablemente, no puede influir en las personas sin su voluntad, esfuerzo mental y cierto trabajo de pensamiento. Una persona debe querer aprender a ver y comprender la belleza, entonces el arte tendrá un efecto beneficioso para él y para la sociedad en su conjunto. Probablemente esto suceda en el futuro. Mientras tanto, los creadores talentosos no deben olvidar que sus obras tienen el poder de influir en millones de personas, y esto puede ser beneficioso o perjudicial.

Déjame darte un ejemplo sencillo. Por ejemplo, un artista pintó un cuadro. La imagen muestra escenas negativas de asesinato, hay sangre y suciedad por todas partes, se utilizan los tonos más caóticos y ásperos, en resumen, toda la imagen tiene un efecto deprimente en el espectador, provocando emociones negativas en una persona. La energía que emana de la imagen es extremadamente deprimente. Hasta aquí la relación completa entre el pensamiento del artista y la creación física de la pintura y, en consecuencia, el espectador o espectadores que la miran... E imaginemos miles, decenas de miles de pinturas deprimentes. Lo mismo puede decirse de nuestro cine. ¿Qué dibujos animados ven nuestros niños, por no hablar de las películas para adultos? Y, en general, ahora ni siquiera existe la prohibición de "menores de 16 años" como en los años 70. “Negativismo” total... ¡Imagínese cuánta energía negativa hay en el país, en el mundo, en toda la Tierra!... ¡Lo mismo puede decirse de todos los tipos de nuestro arte!
“Los pensamientos combinados con acciones conducen al cambio. Si son nobles, liberan, salvan y promueven el florecimiento. enriquecer. Si son viles, esclavizan, empobrecen, debilitan y destruyen. Si la propaganda de la violencia, el culto al poder y el mal llegan a nuestras pantallas, moriremos después de los desventurados héroes de estas películas de acción de un día.

El verdadero arte debe ser bello, tener un comienzo bueno y humano con tradiciones centenarias.

3. Conclusión.

El arte juega un papel vital en nuestras vidas, ayudando a las generaciones futuras a crecer moralmente. Cada generación hace su aporte al desarrollo de la humanidad, enriqueciéndola culturalmente. Sin el arte difícilmente podríamos mirar el mundo desde diferentes puntos de vista, de otra manera, mirar más allá de lo común, sentir con un poco más de intensidad. El arte, como el hombre, tiene muchas venas, vasos sanguíneos y órganos pequeños.

Pasiones, aspiraciones, sueños, imágenes, miedos -todo lo que cada persona vive- adquiere encreatividadcolor y fuerza especiales.

Es imposible que todos sean creadores, pero está en nuestro poder intentar penetrar en la esencia de la creación de un genio, acercarnos a la comprensión de lo bello. Y cuanto más a menudo nos convirtamos en contempladores de pinturas, obras maestras arquitectónicas y oyentes de música hermosa, mejor para nosotros y quienes nos rodean.

El arte nos ayuda a dominar la ciencia y a profundizar poco a poco nuestro conocimiento. Y como se mencionó anteriormente, es una parte crítica del desarrollo humano:

Forma la capacidad de una persona para percibir, sentir, comprender y apreciar correctamente la belleza en realidad circundante y arte,

Forma habilidades en el uso de los medios del arte para comprender la vida de las personas y la naturaleza misma;

Desarrolla una profunda comprensión de la belleza de la naturaleza y el mundo circundante. la capacidad de cuidar esta belleza;

Proporciona a las personas conocimientos y también inculca habilidades en el campo de las artes accesibles: música, pintura, teatro, palabra artística, arquitectura;

Desarrolla creatividad, habilidades y habilidades para sentir y crear belleza en la vida circundante, en el hogar, en la vida cotidiana;

Desarrolla una comprensión de la belleza en las relaciones humanas, el deseo y la capacidad de llevar la belleza a la vida cotidiana.

Entonces, el arte influye en nuestra vida desde todos los lados, la hace diversa y brillante, vivaz e interesante, rica, ayudando a la persona a comprender cada vez mejor su propósito en este mundo.Nuestro mundo terrenal está tejido de perfección e imperfección. Y depende sólo de la persona misma cómo hará su futuro, qué leerá, qué escuchará, cómo hablar.

“El mejor medio para cultivar los sentimientos en general, para despertar sentimientos de belleza y para desarrollar la imaginación creativa es el arte mismo”, señaló el científico y psicólogo N.E. Rumyantseva.

4. Literatura

1. Nazarenko-Krivosheina E.P. ¿Eres hermoso, hombre? - M.: Como. Guardia, 1987.

2. Nezhnov G.G. Arte en nuestras vidas - M., “Conocimiento”, 1975.

3. Pospelov G.N. Arte y estética - M.: Arte, 1984.

8. Solntsev N.V. Patrimonio y tiempo. M., 1996.

9. Para la elaboración de este trabajo se utilizaron materiales de sitios de Internet.

1. La finalidad del art.

La cuestión de qué papel desempeña el arte en la vida humana es tan antigua como los primeros intentos de comprenderla teóricamente. Es cierto, como señala Stolovich L.N. , en los albores del pensamiento estético, a veces expresado en forma mitológica, de hecho, no había duda. Después de todo, nuestro antepasado lejano estaba seguro de que perforar la imagen de un bisonte con una flecha real o dibujada significaba garantizar una caza exitosa, y realizar una danza de guerra significaba seguramente derrotar a los enemigos. Surge la pregunta: ¿qué dudas podrían haber sobre la eficacia práctica del arte, si estuviera orgánicamente entretejido en la vida práctica de las personas, fuera inseparable del oficio que creó el mundo de los objetos y cosas necesarios para la existencia de las personas, estuviera asociado? ¿Con rituales mágicos, gracias a los cuales la gente buscaba influir en el medio ambiente? ¿Es de extrañar que creyeran que Orfeo, a quien mitología griega antigua se le atribuye la invención de la música y la versificación; podía doblar ramas de árboles con su canto, mover piedras y domesticar animales salvajes.

El mundo de las imágenes artísticas, según los pensadores y artistas antiguos, “imitado” de la vida, se convirtió en una parte integral vida verdadera persona. Eurípides, por ejemplo, escribió:

No, no dejaré, Musas, vuestro altar...

No hay verdadera vida sin arte...

¿Pero cómo afecta a una persona? mundo asombroso¿arte?

La estética antigua ya buscaba dar respuestas a esta pregunta, pero no eran inequívocas. Platón, que sólo reconoció aquellas obras de arte que fortalecen principios morales Estado aristocrático, enfatizó la unidad de la eficacia estética del arte y su significado moral.

Según Aristóteles, la capacidad del arte para ejercer una influencia moral y estética en una persona se basa en la “imitación” de la realidad, moldeando la naturaleza misma de sus sentimientos: “El hábito de experimentar pena o alegría al percibir algo que imita la realidad lleva al hecho de que comenzamos a experimentar los mismos sentimientos cuando nos enfrentamos a la realidad”.

La historia de la cultura artística ha registrado muchos casos en los que la percepción del arte sirvió como un impulso directo para la realización de determinadas acciones, para cambiar la forma de vida. Después de leer novelas de caballerías, el pobre hidalgo Kehana se convirtió en Don Quijote de La Mancha y partió sobre el flaco Rocinante para hacer valer la justicia en el mundo. Desde entonces, la imagen de Don Quijote se ha convertido en un nombre muy conocido y ha servido como ejemplo a seguir en la vida real.

Así, vemos que los orígenes del arte están en la realidad, pero una obra de arte representa un mundo especial que presupone una percepción diferente a la percepción de la realidad de la vida. Si el espectador, confundiendo el arte con la realidad, intenta hacer justicia tratando físicamente con el actor que interpreta al villano, dispara a la pantalla de cine o corre hacia la película con un cuchillo, amenaza al novelista, preocupándose por el destino del héroe de la película. novela, entonces todos estos son síntomas evidentes de patología mental en general o, al menos, patologías de la percepción artística.

El arte no actúa sobre ninguna capacidad y fuerza humana, ya sea emoción o intelecto, sino sobre la persona en su conjunto. Forma, a veces inconscientemente, el sistema mismo de actitudes humanas, cuya acción se manifestará tarde o temprano y a menudo de forma impredecible, y no persigue simplemente el objetivo de inducir a una persona a una u otra acción específica.

La genialidad artística del famoso cartel de D. Moore “¿Te has apuntado como voluntario?”, tan difundido durante la Segunda Guerra Mundial, reside en que no se limita a una tarea pragmática momentánea, sino que apela a la conciencia humana a través de todas las capacidades espirituales del hombre. Aquellos. El poder del arte radica en apelar a la conciencia humana y despertar sus capacidades espirituales. Y en esta ocasión podemos citar las célebres palabras de Pushkin:

Creo que este es el verdadero propósito del arte.

El arte nunca pasa de moda. En el libro del filósofo académico I.T. Las "Perspectivas del hombre" de Frolov contienen discusiones sobre por qué el arte no se vuelve obsoleto. Así, en particular, señala: “La razón de esto es la originalidad única de las obras de arte, su carácter profundamente individualizado, determinado en última instancia por su constante atractivo para el hombre. La unidad única del hombre y el mundo en una obra de arte, la “realidad humana” que ella conoce, distingue profundamente al arte de la ciencia no sólo por los medios utilizados, sino también por su objeto mismo, siempre correlacionado con la personalidad del artista. , su visión subjetiva del mundo, mientras la ciencia se esfuerza por emerger más allá de estos límites, se precipita hacia lo “suprahumano”, guiada por el principio de objetividad. Por tanto, la ciencia busca una estricta falta de ambigüedad en la percepción del conocimiento por parte del hombre, encuentra para ello el medio adecuado, su propio lenguaje, mientras que las obras de arte no tienen tal falta de ambigüedad: su percepción, refractada a través del mundo subjetivo del hombre, da lugar a toda una gama de matices y tonos profundamente individuales que hacen que esta percepción sea inusualmente diversa, aunque subordinada a una determinada dirección, a un tema general”.

Éste es precisamente el secreto del extraordinario impacto del arte en una persona, su mundo moral, su estilo de vida y su comportamiento. Al recurrir al arte, una persona va más allá de los límites de la certeza racional. El arte revela lo misterioso, lo inaccesible conocimiento científico. Por eso una persona necesita el arte como parte orgánica de lo que hay dentro de sí mismo y en el mundo que aprende y disfruta.

El famoso físico danés Niels Bohr escribió: “La razón por la que el arte puede enriquecernos es su capacidad de recordarnos armonías que están más allá del alcance del análisis sistemático”. El arte a menudo resalta problemas universales y "eternos": qué es el bien y el mal, la libertad, la dignidad humana. Las condiciones cambiantes de cada época nos obligan a resolver estos problemas de nuevo.

2. El concepto de arte.

La palabra "arte" se utiliza a menudo en su significado original y muy amplio. Se trata de cualquier sofisticación, cualquier habilidad, dominio en la realización de cualquier tarea que requiera algún tipo de perfección de sus resultados. En el sentido más estricto de la palabra, se trata de creatividad "según las leyes de la belleza". Las obras de creatividad artística, al igual que las obras de arte aplicado, se crean de acuerdo con las "leyes de la belleza". Las obras de todo tipo de creatividad artística contienen en su contenido una conciencia general de la vida que existe fuera de estas obras, y esta es principalmente la vida humana, social, nacional-histórica. Si el contenido de las obras de arte contiene una conciencia generalizadora nacional-histórico

vida, entonces en ella, por tanto, es necesario distinguir entre el reflejo de algunos rasgos generales y esenciales de la vida misma y la conciencia del artista que los generaliza. Una obra de arte, como todos los demás tipos de conciencia social, es siempre una unidad del objeto conocido en ella y del sujeto que conoce este objeto. El "mundo interior" cognoscible y reproducido por el artista lírico, incluso si es su propio "mundo interior", sigue siendo siempre el objeto de su cognición: cognición activa, que incluye una selección de los rasgos esenciales de este " mundo interior

"y su comprensión y evaluación.

Esto significa que la esencia de la creatividad lírica radica en el hecho de que, en general, es consciente de las características principales de las experiencias humanas, ya sea en su propio estado temporal y desarrollo, o en su orientación al mundo exterior, por ejemplo, a un fenómeno natural. , como en la poesía paisajística. La epopeya, la pantomima, la pintura, la escultura tienen enormes diferencias entre sí, derivadas de las características de los medios y métodos de reproducción de la vida en cada una de ellas. Y sin embargo todo arte, en todos ellos se reconocen los rasgos esenciales de la vida histórico-nacional en sus manifestaciones externas.

En la sociedad primitiva, anterior a las clases, el arte como variedad especial de conciencia social aún no existía de forma independiente. Estaba entonces en una unidad indiferenciada e indiferenciada con otros aspectos de la conciencia sincrética y la creatividad que la expresa: con la mitología, la magia, la religión, con las leyendas sobre la vida tribal pasada, con las ideas geográficas primitivas, con las exigencias morales.

Y luego el arte en el sentido propio de la palabra se dividió en otros aspectos de la conciencia social, destacándose entre ellos como una variedad especial y específica. Se ha convertido en una de las formas de desarrollo de la conciencia social de varios pueblos. Así debe verse en sus cambios posteriores.

Por tanto, el arte es una variedad especial y significativa de la conciencia de la sociedad; es un contenido artístico, no científico o filosófico. L. Tolstoi, por ejemplo, definió el arte como un medio para intercambiar sentimientos, oponiéndolo a la ciencia como un medio para intercambiar pensamientos.

A menudo se compara el arte con un espejo reflectante. Esto no es seguro. Sería más exacto decir, como señaló Nezhnov, autor del folleto "El arte en nuestra vida": el arte es un espejo especial con una estructura única e inimitable, un espejo que refleja la realidad a través de los pensamientos y sentimientos del artista. . A través del artista, este espejo refleja aquellos fenómenos de la vida que atrajeron la atención del artista y lo emocionaron.

3. Socialización artística del individuo y formación del gusto estético.