Introducción ................................................. .. ........................ 2.
Pintura rusa de la primera mitad del siglo XIX ........... 3
Pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX ........... 10
Conclusión ................................................... .............. .................... 25.
Lista de referencias............................................... . ........ 26.
Introducción
El comienzo del siglo XIX fue el momento del levantamiento cultural y espiritual en Rusia. En este caso, la transformación del tiempo anterior fue el apoyo principal para el desarrollo de la cultura rusa en la primera mitad del siglo XIX. La penetración de los elementos del capitalismo en la economía solo fortaleció la necesidad de personas competentes y educadas. Las ciudades se han convertido en los principales centros culturales. Con cada década, todas las nuevas y nuevas capas sociales han atraído a los procesos públicos. La cultura artística se desarrolló en el contexto de la creciente identidad nacional de los rusos y, por lo tanto, tenía un carácter nacional pronunciado. La influencia nacional en todo tipo de arte fue proporcionada por la Guerra Patriótica de 1812, acelerando repetidamente el crecimiento de la identidad nacional de los rusos, su consolidación. Al mismo tiempo, se produjo la internacionalización, el acercamiento con el pueblo ruso de otras naciones de Rusia. Pero las tendencias conservadoras en las políticas de los emperadores Alexander I y Nicholas interpreté el desarrollo de la cultura. El gobierno luchó activamente con las manifestaciones del mejor pensamiento público. Además, la preservación de la servidumbre no permitió la oportunidad de disfrutar de grandes logros culturales a toda la población, lo que desacelera el proceso de desarrollo de la cultura rusa.
El globo del mundo del mundo, la idea de su despertar espiritual, el impacto de las úlceras de los siervos de la Federación de Rusia es tales como los principales temas del arte visual del siglo XIX.
Pintura rusa de la primera mitad.XIX. siglo.
Para las artes visuales rusas, se caracterizaron el romanticismo y el realismo. Pero al mismo tiempo, el clasicismo fue un método oficialmente reconocido. La Academia de Artes se ha convertido en una institución conservadora y oblicua que impidió cualquier intento de mostrar la libertad en la creatividad. Exigió estrictamente seguir los cánones de clasicismo, alentó a escribir pinturas a bíblicas y escenas mitológicas. Los jóvenes artistas rusos talentosos no satisfacían el marco del Academismo. Por lo tanto, más a menudo se volvieron a un género retrato. Vamos a empezar a hablar de los Retractores de Vasily Andreevich Tropinin.
Vasily Andreevich Tropinin Nacido el 19 de marzo de 1776 en el pueblo de la provincia de Korpovove Novgorod (ahora el pueblo de Corpovo, el distrito de Choshovsky, la región de Novgorod) en la familia de Sierf, perteneciente al gráfico A. S. Minih. Posteriormente se transfirió a la cuenta Morka como dote. Alrededor de 1798 se envió a San Petersburgo a la capacitación de los estudiantes, sin embargo, tener un talento nacido y una tendencia a dibujar, en secreto comenzaron a estudiar en la Academia de Artes de San Petersburgo de S. Schukin. En 1804 fue retirado por su terrateniente, fue prescrito para ir a Ucrania, en Podolia, a la nueva finca del conde Markov. Hasta 1821 vivió principalmente en Ucrania, donde escribió mucho de la naturaleza, luego se trasladó a Moscú junto con la familia de las zanahorias. En 1823 a la edad de 47 años, el artista finalmente obtiene la libertad. En septiembre de 1823, representa al Consejo de las imágenes de la Academia de Artes de San Petersburgo "Laneby", "Mendigo, viejo" y "Retrato del artista E. O. Skodov" y recibe el título de artista designado. En 1824, para el "Retrato de K. A. LEBEREHTA", se le asigna el título de Académico. Desde 1833, la tropinina de forma pública se dedica a los estudiantes que abrieron en Moscú de una clase de arte público (posteriormente, la Escuela de Pintura, Drenuras y Arquitectura de Moscú). En 1843 es elegido. miembro honorario Sociedad de arte de Moscú. Tourinin ha creado más de tres mil retratos. Los primeros retratos de tropinina, escritos en el rango de colores restringidos (retratos familiares de los conteos de las zanahorias 1813 y 1815, ambos, en la galería de Tretyakov), todavía pertenecen a la tradición del siglo de la iluminación: el modelo es el incondicional. y centro estable de la imagen. Más tarde, el color de la pintura tropinina se está volviendo más intenso, los volúmenes suelen ser más claros y esculpulados, pero lo más importante: la sensación romántica de los elementos en movimiento de la vida, solo parte, cuyo fragmento parece ser un héroe retrato (" Bulakhov ", 1823;" Kg Ravich "1823; autorretrato, alrededor de 1824; Los tres están allí en el mismo lugar). Takov y como Pushkin en el famoso retrato de 1827 (Museo All-Ruso como Pushkin, Pushkin): Poeta, poniendo su mano en una pila de papel, sin importar cómo "Musey vacila", escucha el sueño creativo, el medio ambiente es invisible halo Antes de que el espectador aparezca la experiencia mágica y de la vida, no muy. hombre feliz. Vasily Tropinin a 47 años de edad estaba en el cautiverio de la fortaleza. Por lo tanto, probablemente tan fresco, tan espiritualizado en sus lienzos faciales. la gente común. Y los jóvenes infinitos y el encanto de su "encaje". La mayoría de las veces v.A. Tropinina aplicada a la imagen de las personas de la gente ("encaje", "Retrato de Hijo", etc.).
Orest Adamovich Kiprensky Nacido el 13 de marzo de 1782 en modo Nezhinskaya, conocido como un destacado maestro de arte visual ruso del romanticismo, un retrato maravilloso. La imagen "Dmitry Donskaya en el campo Kulikol" (1805) demostró un conocimiento confiado de los cánones de una imagen histórica académica. Pero más bien, el retrato se convierte en el área donde se revela su talento en lo más natural y de facilidad. El primer retrato pintoresco ("A. K. Schwalbe", 1804), escrito en la manera de Rembrandt, destaca por su sistema blanco y negro expresivo y dramático. A lo largo de los años, su habilidad está creciendo y se manifiesta en la creación de imágenes de características individuales únicas. La impresionante vitalidad está llena de tales imágenes como un retrato de un niño A. A. Chelischev (alrededor de 1810-11), imágenes emparejadas de los cónyuges F. V. y E. P. Rostopchinny (1809) y V. S. y D. N. podvovov (1814, toda la galería de Tretyakov). El artista supera cada vez más las posibilidades de color y los contrastes negros y negros, fondo de paisaje, detalles simbólicos ("E. S. Avedul", alrededor de 1822, allí). Incluso los grandes retratos frontales, el artista sabe cómo hacerlo liralmente, casi íntimamente relajado ("Retrato del Coronel de Vida-Gusar de Evgraph Davydova", 1809, Museo Ruso). Su retrato de una gloria poética joven, sheed. Pushkin es uno de los mejores para crear una imagen romántica. Cyproen Pushkin se ve solemne y romántico, en el halo de la fama poética. "Me adulan, Orest", suspiró Pushkin, mirando el lienzo terminado. Cyprosensky también fue un drenador virtuoso, creado (principalmente en un lápiz italiano y técnica pastel) muestras de habilidades gráficas, a menudo superiores a los retratos emocionales abiertos y emocionantes. Estos son los tipos de hogares ("Músico ciego", 1809, Museo Ruso; Kalmychka Bayaust, 1813, Galería de Tretyakov), y una famosa serie de retratos de lápices de los participantes en la Guerra Patriótica de 1812 (dibujos con la imagen E. I. Chapliclica, A. R. Tomilov, Pa Olenina, el mismo dibujo con el poeta Batyushkov et al.; 1813-15, Galería de Tretyakov y otras reuniones); El comienzo heroico aquí adquiere una sombra sincera. Una gran cantidad de bocetos y certificados de texto muestran que el artista es todo su período maduro para crear una gran (de acuerdo con sus propias palabras de la carta una Olenina de 1834), "espectacular, o, en ruso, a decir, una huelga y Pintura mágica ", donde en la forma alegórica, los resultados de la historia europea serían representados, así como el propósito de Rusia. "Lectores de periódicos en Nápoles" (1831, Galería de Tretyakov) - Salida solo un retrato de grupo, de hecho, existe una respuesta simbólica escondida a los eventos revolucionarios en Europa.
Sin embargo, los más ambiciosos de las pintorescas alegorías de Kiprensky permanecieron incumplidas, o desaparecieron (como la "Tumba anacreónica" completada en 1821). Si regresa a la biografía del artista, entonces es necesario decir que solo a principios de 1836, finalmente logró ganar tal cantidad que le permitió pagar con los prestamistas y el ejercicio hace mucho tiempo para casarse con Anna-Maria Falkychchi. Para hacer esto, tuvo que tomar el catolicismo en junio de 1836, y en julio se casó sin publicidad. No se sabe si ganó peor. Algunos contemporáneos recordaron que se peleó con una joven esposa y se apretó severamente, otros en silencio. De todos modos, su vida llegó a su fin: estaba frío, se enfermó con la inflamación de los pulmones y murió cuatro meses después de la boda. Unos meses después, apareció su hija, Cloteca de Chiprín, pero el rastro de ella perdió desesperadamente. Después de la muerte del pintor, las búsquedas románticas en la pintura rusa recibieron una continuación a gran escala en la obra de K. P. bryullov y A. A. A. ivanov.
Karl Pavlovich Brullov 12 (23) El 1799 de diciembre nació en San Petersburgo, en la familia de Académico, una Carver en un árbol y grabado Pavel Ivanovich Brullau (Brullau, 1760-1833). De 1809 a 1821, se dedicó a pintar en la Academia de Artes en San Petersburgo, fue el estudiante de Andrei Ivanovich Ivanov. Un estudiante brillante, recibió una medalla de oro en la clase de pintura histórica. Para 1820, pertenece su primer trabajo bien conocido "Narcissa". En el futuro, las misiones artísticas e ideológicas del pensamiento público ruso, la espera de cambios afectó las imágenes de K.P. Bryullova "Último día Pompeya" y a.a.A. Ivanova "El fenómeno de Cristo a la gente".
La prehistoria de la pintura "El último día Pompeya" es: Karl Brylov visitó en 1830 en las excavaciones de la antigua ciudad de Pompeya. Caminó por el antiguo puente, admiró los frescos, y en su imaginación, el Thor de la Trágica Noche de agosto de 79 g. mi. Cuando la ciudad estaba cubierta con cenizas calientes y un Pembasspie despertado por Vesuviya. Tres años después, la pintura "El último día Pompei" hizo un viaje triunfante de Italia a Rusia. El artista encontró pinturas increíbles para la imagen de la tragedia de la antigua ciudad, muriendo bajo Loyoy y las cenizas de un Vesubio estallado. La imagen está imbuida de altos ideales humanísticos. Muestra el coraje de las personas, su dedicación mostrada durante catástrofe terrible. Bryullov estaba en Italia en un viaje de negocios de la Academia de Artes. En esta institución educativa, la técnica de capacitación de pintura y dibujo estaba bien entregada. Sin embargo, la Academia se enfocó inequívocamente en un patrimonio antiguo y temas heroicos. Para la pintura académica, un paisaje decorativo, la teatralidad de la composición general fue característica. Escenas de la vida moderna, el paisaje ruso habitual fue considerado indigno de los pinceles del artista. El clasicismo en la pintura se llamaba Academismo. Bryullov se asoció con la Academia de toda su obra.
Karl Petrovich Bryullov tenía una poderosa imaginación, con un ojo creciente y una mano fiel, y sus creaciones vivos acordadas con los cánones del academia nacieron. Verdaderamente con Grace Pushkin, sabía cómo capturar el lienzo y la belleza del cuerpo humano desnudo, y la sacudida de un haz de sol en una hoja verde. Además de las imágenes anteriores de las obras maestras de la pintura rusa, su "jinete" de lienzo permanecerá para siempre ", Wirzavia", "Mañana italiana", "Italian el mediodía", numerosos desfile y retratos íntimos. Sin embargo, el artista siempre tiene grandes temas históricos, a la imagen de eventos significativos de la historia humana. Muchas de sus ideas a este respecto no fueron implementadas. Nunca dejé la idea de Bullov para crear un paño épico en la trama de la historia rusa. Comienza la pintura del "Siege of Pskov por las tropas del rey Stephen Batory". Se representa en ello mOMENTO DE CUMINACIÓN Asedio de 1581, cuando Pskov Warriors y. Los compañeros de la ciudad son arrojados al ataque a la descomposición de los polos en la ciudad y deséchelos para las paredes. Pero la imagen permaneció sin terminar, y la tarea de crear una pintura histórica verdaderamente nacional no fue realizada por el Bullylov, sino la próxima generación de artistas rusos. Nacido en un día con A.S. Pushkin, Bryullov lo sobrevivió durante 15 años. Los últimos años estaba enfermo. Desde el autoportista escrito en ese momento, un hombre rojizo nos está observando con características sutiles de la cara y una mirada tranquila y reflexiva. Brullov, a diferencia de Pushkin y su amigo, Glinka, no tenían un efecto tan significativo en la pintura rusa, ya que, en la literatura y la música, respectivamente. Sin embargo, la tendencia psicológica de los retratos de bala se puede rastrear de todos los maestros rusos de este género: de Kramsky y Perov a Serov y Vrubel.
Alexander Andreevich Ivanov - Pintor histórico, oficial de paisaje, retratista. Nacido el 16 de julio de 1806 en San Petersburgo. PADRE A. A. IVANOVA, ANDREI IVANOVICH, fue profesor en la Academia de Artes. Le dio a su hijo entrenamiento inicial en el dibujo y la pintura y tuvo un gran impacto en su mayor desarrollo. Los once años, Alexander entró en la Academia como un estudiante voluntario. Desde la edad temprana, descubrió los éxitos llamativos y su trabajo dio motivo para sospechar que los realizó con la ayuda de su padre. En 1824, Ivanov recibió una pequeña medalla de oro para la pintura "Priam preguntando a Aquiles. Al final del curso académico, el programa fue preguntado por el programa "Joseph, que se enfrenta a los sueños con él en la mazmorra de Khalodar y Vinollypia" (1827, MRM), que le trajo una gran medalla de oro. Sin embargo, en la interpretación del tema, las autoridades académicas vieron inesperadamente sugerencias políticas. La historia bíblica sobre el cruel Faraón egipcio, un exignación de personas, parecía un recordatorio de la violencia sobre los decembristas, ya que el artista retrató a José como si señalara la mano en bajorrelieves escultóricos con el escenario de la ejecución egipcia. "Es un poco de este negocio", recordé a Ivanov posteriormente. Para la ausencia de evidencia, se previó el episodio, pero el artista tuvo que hacer un nuevo trabajo, la imagen "Bellerofont va a la campaña contra la quimera" (1829, MRM). En 1830, Ivanov monta en Italia como jubilado de la sociedad para promover artistas. El estudio de los antiguos monumentos y pintura de grandes maestros se reflejó en su imagen "Apollo, Hyacinth and Kiparis" (1831-1834). Desde el principio de su estadía en el extranjero, Ivanov buscó encontrar un tema significativo. La idea de la encarnación artística de la leyenda del Evangelio que cuenta sobre la venida del Mesías, ya surgió a principios de la década de 1830. Pero no se consideró de inmediato preparado para la implementación de este plan y, como se acercó al tema, comenzó a la composición de dos-phi "el fenómeno de Cristo María Magdalina" (1835, MRM). A pesar de la convención clásica, el artista logró crear una imagen de vida de Magdalena, transmitir la complejidad y la sinceridad de sus sentimientos. La imagen fue enviada a Petersburg, tuvo un gran éxito y entregó al artista el título de Académico. En 1837, Ivanov comenzó su enorme web "el fenómeno de Cristo a la gente". Trabajar en él en los años subsiguientes trabajaron estrechamente con el trabajo en innumerables eTudes. Debe tenerse en cuenta que el plazo total para crear una imagen, veinte años, determina solo un período de tiempo entre el principio y el final de la realización del plan directamente en la lotte. Cumplimiento de la realización de otras obras, viajando en Italia, así como una enfermedad ocular, a veces durante mucho tiempo de Otril Ivanov de su ocupación principal. Entonces, a mediados de la década de 1840, desarrolló un boceto de la composición para una pintura monumental del Salvador Cristo en Moscú, ya que el final de la década de 1840, mucha fuerza le dio a las extensas series "bocetos bíblicos". Este último fue un nuevo logro sobresaliente en su trabajo. Capturado por la belleza poética y la sabiduría filosófica de las antiguas leyendas, Ivanov vio un reflejo de los pensamientos, sentimientos y actos de personas del pasado lejano y penetrante, con una gran fuerza artística encarnó sus ideas en acuarelas. A pesar del compromiso de "alto estilo" en el arte, Ivanov creó varias excelentes acuarelas en temas domésticos ("El novio eligiendo un anillo para la novia", aprox. 1839, Tiempo de tiempo; "Vacaciones de octubre", 1842, etc.). Durante el trabajo a largo plazo en su gran imagen, Ivanov no dejó de profundizar y repensar su intención. El profundo interés en la historia, la filosofía, las enseñanzas religiosas fue una característica distintiva del artista. Su amistad cercana con N. V. GOGOL, conocido en 1848 con A. I. Herzen y N. P. Ogarev, relaciones amistosas con D. M. Shchepkin, I. M. Sechenov. Estas personas sobresalientes satisfacen su sed de conocimiento. Durante los años 40, en el fondo de los eventos de la vida pública en Europa, la actitud de Ivanov ha cambiado a su trabajo. "Mi trabajo es una imagen grande, más y más cayendo en mis ojos. Lejos y nosotros. Viviendo en 1855, en el pensamiento de nuestra idea importante de mi foto, casi casi se pierde, y, por lo tanto, casi agarro El Espíritu para mejorar su ejecución ", escribió Ivanov en una de las letras. En la primavera de 1858, regresó a Rusia, donde pronto conoció a Chernyshevsky, lo apreciaba. La imagen "El fenómeno de Cristo a la gente" y las eTudes hacia ella estaban reservadas en los círculos oficiales. El artista vivió en San Petersburgo solo seis semanas y murió de cólera el 3 de julio de 1858.
En la primera mitad del siglo XIX. En la pintura rusa ingresa a la parcela doméstica.
Alexey Gavrilovich Venetsian (1780-1847), artista ruso, un representante del romanticismo, que uno de los primeros artistas rusos se convirtió en una parcela doméstica en las pinturas. Nacido en Moscú 7 (18) de febrero de 1780 en una familia mercantil. En su juventud sirvió como oficial. El arte estudiado de muchas maneras de forma independiente, copiando la imagen de la ermita. En 1807-1811 tomó las lecciones de pintura por v.l.l.borovikovsky. Escribí retratos, generalmente pequeños en el formato, marcados con una inspiración lírica sutil (MAVE.VETSIANOVA, la esposa del artista, el final de la década de 1820, el museo ruso, San Petersburgo; autorretrato, 1811, Galería de Tretyakovskaya, Moscú ). En 1819 abandonó la capital y desde entonces vivió en el pueblo de Safonkovo \u200b\u200b(provincia de Tver), inspirando los motivos del paisaje circundante y la vida rural. Ya en la imagen de la parcela de Khumno (1821-1823, el museo ruso), la vida rural parece una base inmutable para el estudio artístico de la naturaleza. Lo mejor de las pinturas de Venetianov de una manera inusual recogió la calidad de las pinturas en el estilo de clasicismo, que es esta naturaleza en un estado de armonía idealizada e iluminada; Por otro lado, obviamente toman el comienzo romántico, el encanto de los ideales no, y los simples sentimientos naturales contra el fondo de la naturaleza nativa y la vida. Entre las obras más famosas que representan la vida de los campesinos, "en tierra cultivable", "primavera" (la primera mitad de la década de 1820), "en la cosecha. Verano "(1820)," Mañana de los terratenientes "(1823)," Cowgirl para dormir "(1823-1824). Sus retratos campesinos "Zakharka" de la 1825, "campesinos con acianos" de 1839 aparecen fragmentos de la misma idilio natural-natural, clásico-romántico. Otros del talento de Venetsianov se abrieron en sus composiciones religiosas escritas para las iglesias locales, así como en las pinturas tardías, donde busca grandes imágenes de drama ("Comisión de Dering", 1839). Las nuevas búsquedas creativas se interrumpen por la muerte del artista: Venetsianov murió como resultado de un accidente en la aldea de Tverskoye de Poddubye 4 (16) de diciembre de 1847 de la lesión, lo tiró de una kibita cuando los caballos fueron traídos en invierno resbaladizo camino.
Sus tradiciones continuaron. Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852). Su lienzo es realista, lleno de contenido satírico, exponiendo la moral comercial, la vida y la moral de la parte superior de la sociedad en tales pinturas como "Major de Major", "Cavalier fresco" y otros. Comenzó su camino como un oficial-guardias. Luego hizo bocetos alegres y traviesos de la vida del ejército. En 1848, su imagen "Fresh Cavalier" se presentó en la exposición académica. Fue un ridículo audaz no solo sobre funcionarios contundentes, independientes, sino también sobre las tradiciones académicas. Los calls se mantuvieron durante mucho tiempo antes de la tela, y luego dijeron al autor del hemisfán: "Te felicito, me ganó". Comedia-personaje satírico y otras imágenes de Fedotov ("Desayuno del Aristócrata", "Mayor"). Las últimas imágenes son muy tristes ("Ancla, Ancla!", "Viuda"). Contemporáneos en comparación con P.A. Fedotov en pintura con N.V. Gogol en la literatura. El aburrido de las úlceras de los siervos de Rusia es el tema principal del trabajo de Pavel Andreevich Fedotov.
2 Pintura rusa de la segunda mitad.XIX. siglo.
La segunda mitad del siglo XIX estaba marcada por el florecimiento del arte visual ruso. Se convirtió en verdaderamente gran arte, fue imbuido de Pafos de la lucha de liberación de la gente, respondió a las solicitudes de la vida y fue la vida invasora activamente. En el arte visual, finalmente se estableció el realismo, el reflejo veraz y integral de la vida de las personas, el deseo de reconstruir esta vida sobre la base de la igualdad y la justicia. El tema central del arte fue la gente, no solo la oprimida y el sufrimiento, sino también a la gente, el creador de la historia, la gente, el luchador, el creador de todo lo mejor, que es en la vida.
La aprobación del realismo en el arte se celebró en una lucha persistente con la dirección oficial, cuyo representante fue el liderazgo de la Academia de Artes. La colaboración de la Academia se inspiró en sus ideas de discípulos que el arte de la vida anterior fue presentado solo por temas bíblicos y mitológicos para la creatividad de los artistas.
El 9 de noviembre de 1863, un gran grupo de graduados de la Academia de Artes se negó a escribir trabajos competitivos sobre el tema propuesto de la mitología escandinava y abandonaron la Academia. Ivan Kramskaya se encontraba en la cabeza del enjuague (1837-1887). Se unieron al artel y comenzaron a vivir una comuna. Después de siete años, se rompió, pero en este momento se originó la "asociación de exposiciones de arte móvil", la asociación profesional y comercial de artistas que estaban en posiciones ideológicas cercanas.
"Móvil" se unieron en su rechazo del "Academismo" con su mitología, paisajes decorativos y teatralidad pomposa. Querían representar una vida viva. Lugar destacado En su trabajo, las escenas de género (hogar) ocupadas. El campesinado fue utilizado por una simpatía especial de "Mobile". Mostraron su necesidad, sufrimiento, posición oprimida. En ese momento - los 60-70s. XIX V.- El lado ideológico del arte se valoró más alto que la estética. Quizás el mayor tributo de la ideología dio V.G. Monov, sobre él y irá más lejos.
Vasily Grigorievich PereOv Nacido en 1834 en Tobolsk en la familia de un abogado G.Krider. El PEROV fue considerado ilegítimo, ya que los padres fueron escuchados después de su nacimiento. Los años infantiles pasados \u200b\u200bparcialmente en Arzamas, donde estaba comprometido en la escuela a.v.Tepina. En 1853 entró en la Escuela de Pintura y Escultura de Moscú. Necesidades de material de prueba, cumplí con el apoyo del maestro e.ya.Vasiliev. Los maestros persas fueron M.I.Skhotti, A. N. Mokritsky, S.K. Zaryanko, un compañero de clase y un amigo - I.M.RYANISHNIKOV. Ya estoy en eso early Creativity El Perrov vino como un artista de enfoque socio-crítico. En 1858, una gran medalla de plata estuvo marcada por su imagen "La llegada de la Fundación por la consecuencia" (1857), luego recibió una pequeña medalla de oro para la pintura "Primera barbilla. El hijo de Damar, producido en registradores universitarios. "(1860, la ubicación es desconocida). Las primeras obras de PEROV tuvieron un gran éxito en las exposiciones. Quería escribir una "congestión rural en Pascua" a la competencia de graduación de PEROV, pero el boceto no fue aprobado. Continuando trabajando en esta parcela, PEROV preparó simultáneamente la pintura "Sermón en el pueblo" (1861). Su contenido crítico no fue tan directamente correcto, y el autor fue galardonado con una gran medalla de oro, así como el derecho al viaje de negocios extranjeros. En 1862, puso en la sociedad la promoción de artistas en San Petersburgo "Viajes rurales en Semana Santa" (1861), pero el lienzo fue retirado de la exposición con la prohibición de traicionar su fama. La confusión de los pastores de la iglesia, la oscuridad, la ignorancia y el desafío de las personas, el contenido de este trabajo, según el poder del elegido, que no se conoce igual en la pintura rusa anterior. En este momento, el lenguaje artístico de PEROV está exento de las chozas de los estudiantes, y podemos hablar sobre la novedad de sus agentes expresivos. Diferentes elementos de la imagen obedecieron el problema del reflejo realista de la situación de vida observada y profundamente significativa. En 1862, se completó la "fiesta de té en Mytishchi, cerca de Moscú", "una muestra más brillante de realismo crítico. Saliendo en el extranjero, el artista se estableció en París. Aquí se escriben "Paris Rags" (1864), "Sharganger" (1863), "Savoyar" (1864), "Vendedor de Songnikov". Sin embargo, "sin saber ni la gente ni su estilo de vida, ni carácter", pero el PEROV no se vio a trabajar en Francia y solicitó el permiso para regresar a su tierra natal. Recibió permiso para continuar el período del jubilado en Rusia y en 1864 llegó a Moscú. La creatividad de la primera mitad de la década de 1860 es diversa sobre los temas. Sigue concluyendo contenido social y acusatorio, también ha adquirido notas líricas obvias. Durante este período, se escribieron muchas obras sobresalientes del artista: "Alambres del muerto" ("campesino funerario", 1865), "Llegada a la llegada a una casa mercante", "Troika" (ambos 1866), "taladro" (1867 ), "Última CABAC" (1868). Maestro maduro del género doméstico y psicólogo profundo, el Perov actúa en algunos casos y como un sistema de paisaje sutil y como autor de retratos sobresalientes, A.N. Ostrovsky (1871), F.M.DOSTOEVSKY (1872) y otros. A principios de la década de 1860-1870, PEROV se convirtió en uno de los iniciadores y trabajadores activos de la asociación de exposiciones de arte móvil. Desde 1871 hasta el final de la vida, enseñó en la Escuela de Pintura y Derrado de Moscú. En la década de 1870, el género doméstico de PEROV adquirió una nueva dirección. Ahora el artista especialmente atrajo social y tipos psicológicos Personas ("Wanderer", 1870; "Pájaros", 1870; "Cazadores de Prival", 1871). En 1876, la imagen "Monastery Trapez", comenzó en la década de 1860, también se completó. Durante varios años, el artista trabajó en el camino histórico "Corte Pugachov" (1879). La contribución de PEROV al arte de la mitad del siglo XIX es extremadamente peso. En sus obras, las características del realismo crítico ruso de este poro aparecieron brillantemente.
Algunos paños de "Mobile", escritos desde la naturaleza o impresos por las escenas reales, enriquecieron nuestras ideas sobre la vida campesina. En la pintura de S. A. A. A. Korovin "en el mundo" que muestra la escaramuza entre los ricos y los pobres en la reunión rural. V. M. Maximov capturó rabia, lágrimas y la montaña de la partición familiar. La solemne festividad del trabajo campesino se refleja en la imagen G. G. Myasoyedov "Kosov".
Líder ideológico de la asociación de exposiciones móviles fue Ivan Nikolayevich Kramskaya (1837-1887) - Artista instructora y teórica del arte. Nació en la ciudad de Ostrogogsk Voronezh provincia en la familia de un pequeño funcionario. Desde la infancia, le gustaba el arte y la literatura. Al final de la Escuela del Condado (1850), se desempeñó como escriba, luego el retequero en el fotógrafo, con quien fue nominado en Rusia. En 1857, resultó ser en San Petersburgo, trabajó en el fotógrafo A. I. Emerner. En el otoño del mismo año, entré en la Academia de Artes, fue un estudiante A. T. Markov. Para la imagen "Moisés exuda agua del acantilado" (1863) recibió una pequeña medalla de oro. En los años de enseñanza, la joven académica avanzada se recupera a su alrededor. Dirigió la protesta de los graduados de la Academia, se negó a escribir pinturas ("programas") para un consejo dado, lejos de la trama de la vida. Los artistas salieron de la Academia Unida en San Petersburgo Artel. La atmósfera de asistencia mutua, cooperación y profundos intereses espirituales, están obligados en gran parte a Kramsky. . En este momento, el llamado del retrato Kramsky estaba completamente determinado. Luego, más a menudo recurrió a su técnica gráfica favorita (utilizando salsa, belil, lápiz italiano). Así que los famosos retratos de artistas a.i. Morozova (1868), i.i. Shishkin (1869), G. MEDOLDOV (1861), P.P. Chistolyakova (1861), N.A. Kosheleva (1866). Algunas obras similares se reproducen en esta edición. El carácter del pintoresco retrato, privado de los océanos, cuidadosamente en el dibujo y modelado negro y negro, pero el esquema de color restringido, también se desarrolla en Kramsky durante estos años. El lenguaje de arte correspondió a la imagen de un barniz demócrata, que era un héroe frecuente de los retratos del maestro. Estos son el "autorretrato" del artista (1867) y el "Retrato de la Agronoma Vyunnikova" (1868). En 1863-1868, Kramskaya enseñó en la Escuela de Dibujo de la Sociedad para la Promoción de Artistas. A finales de la década, el Artel perdió su unidad y su importancia social. Kramskaya salió de su composición (1870) y se convirtió en uno de los creadores de la asociación de exposiciones de arte móvil. En la primera exposición de la Asociación exhibió "Retrato de F.A. VASILIEV" y "Retrato de M.M. AntHORTHO". Un año después, se mostró la pintura "Cristo en el desierto", cuyo plan se lanzó durante varios años. Según Kramsky, "y los artistas anteriores, la Biblia, el Evangelio y la mitología sirven solo el pretexto por la expresión de pasiones y pensamientos completamente modernos". Él mismo, como Ge y Polenov, en la imagen de Cristo, expresó el ideal del hombre realizado por pensamientos espirituales altos que se preparan para el sacrificio propio. El artista volvió repetidamente al tema de Cristo. Sin embargo, relacionado con la lona grande "HOCHOT" (tiempo), sin embargo, sin terminar. Recogiendo para él el material, Kramskaya visitó Italia (1876). Viajó a Europa y en años subsiguientes. El área prevaleciente de los logros artísticos se mantuvo para el retrato de Kramsky. En la década de 1870, el comienzo de la década de 1880, se realizaron muchas de sus mejores obras, incluido el ciclo de retratos de personas sobresalientes de la era: L.N. TOLSTOY (1873, GTG), N.A. NEKRASOVA (1877 y 1877-1878, GTG), P.M. Tretyakova (1876, GTG), I.I. Shishkin (1880, Tiempo) y otros. También se crearon retratos colectivos de campesinos: "Half-propietario" (1874, GTG), "Mina Moiseev" (1882, GRM), "campesino con una brida" (1883, KRIR). En repetidas ocasiones, Kramskaya apeló a una forma de una imagen, en la que se contactaron dos géneros: retrato y hogar. Estos son "desconocidos" ("Stranger", 1883), "Rezazynaya Mountain" (1884, GTG; Opciones - Tiempo y Museo de Latv. SSR). A lo largo de la vida, el artista también tuvo que realizar numerosas órdenes de iglesias y retratos que sirvieron como fuente de ganancias para él. Kramskaya es una figura sobresaliente en la vida cultural de Rusia del 1860-1880S. El organizador del Artel de San Petersburgo, uno de los creadores de la unificación de los movimientos, un crítico artístico sutil, interesado apasionadamente en el destino del arte ruso, era un ideólogo de toda una generación de artistas realistas. Kramskaya luchó contra el llamado "arte puro". Pidió al artista a ser un hombre y un ciudadano, para lidiar con su trabajo por los altos ideales públicos.
"Móvil" hizo un descubrimiento auténtico en la pintura del paisaje.
Alexey Kondratievich SavraSov (1830-1897) Se las arregló para mostrar la belleza y el sutil lirismo de un simple paisaje ruso. En los primeros jóvenes, el futuro artista detecta habilidades sobresalientes para pintar. Contrariamente a los deseos del Padre, que soñó con adaptar al Hijo a "Asuntos Comerciales", el niño en 1844 ingresó a la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde estudió en la clase de Oficial de Paisaje Ki Rabus y quien se graduó de 1854. En el verano de 1854, SavraSov opera en el Golfo de Finlandia cerca de San Petersburgo, y en la Exposición de Otoño en la Academia de Artes muestra dos pinturas: "Vista en las cercanías de Oranienbaum" y "Costa del mar en las cercanías de Oranienbaum" , por lo que fue galardonado con el título de académico.
En 1857 se casó con S. K. Hertz, y en 1871, el Maestro crea una serie de sus mejores obras ("Monasterio de Pechersk cerca de Nizhny Novgorod", Nizhny Novgorod Art Museum; "Splits of Volga Bajo Yaroslavl", Museo Ruso), incluida la famosa foto " Graci voló "(Galería de Tretyakov), que se convirtió en el paisaje ruso más popular, una especie de símbolo pintoresco de Rusia. El trabajo de Etude en las "Gracidades" se fue en marzo, en p. Golitino (ahora Sussanino) del Condado de Buuy of the Kostroma. La nieve derretida, la primavera gri en los abedules, el cielo gris-azul, el cielo descolorido, las cabañas oscuras y una antigua iglesia en el fondo de las orejeras iluminadas, - todos tejidos en la imagen de un increíble encanto poético. La pintura es peculiar del efecto verdaderamente mágico del reconocimiento, "ya visto" (Deja-Vue, hablando del lenguaje de la psicología), y no solo en algún lugar cerca del Volga, donde se escribió el "Graci", sino casi en cualquier rincón. del país. Aquí, el "estado de ánimo" es un espacio contemplativo especial que combina una imagen con el espectador, finalmente se convierte en un componente completamente especial de la imagen; Esto no está arreglado por I. N. Kramskoy cuando escribe (en una carta a F. A. Vasilyev, 1871), tocando otros paisajes en la exposición: "Todos estos árboles, agua e incluso el aire, y el alma está solo en los" Gracches ". Invisiblemente visible "alma", la vida en el estado de ánimo y las cosas posteriores Savrasov: maravillosos paisajes de Moscú, combinando orgánicamente la simplicidad de los hogares del primer plano con el Dahlmi Global (Torre Sukhareva, 1872, el Museo Histórico, Moscú; "Vista del Moscú Kremlin, primavera ", 1873, Museo Ruso), Virtuoso para la transferencia de humedad e iluminación" Gorras "(1873, Galería de Tretyakov), Sentimental" Grave sobre el Volga "(1874, Museo Regional de Bellas Artes, Barnaul), Luz" Arco iris ". (1875, Museo Ruso), imagen melancólica "Paisaje de invierno. Inay "(1876-77, Museo Voronezh de Bellas Artes). A fines de la época, las habilidades de SavRasov se debilitan bruscamente. Escapes cayendo, que sufren alcoholismo, vive a expensas de las copias de sus mejores obras, principalmente con Graca. Los últimos años, el artista que pasó en necesidad y murió solo el 26 de septiembre (8 de octubre) de 1897 en Moscú, en el hospital para los pobres.
Fedor Aleksandrovich Vasilyev (1850-1873) Vivió una vida corta. Su creatividad, se rompió al principio, enriqueció la pintura doméstica cerca de los paisajes dinámicos y emocionantes. El artista fue especialmente exitoso en la naturaleza en la naturaleza: desde el sol hasta la lluvia, desde el embrague hasta el orificio. La existencia de la familia de una oficina de correos, estudiada en la Escuela de Dibujo de la Sociedad para la Promoción de Artes, así como en 1871 en la Academia de Artes; En 1866-67 trabajó bajo el liderazgo de I. I. Shishkin. El destacado talento de Vasilyeva se ha desarrollado temprano y poderosamente en las pinturas, un espectador impresionante con su drama psicológico. Una maravillosa "poesía en la naturalidad de la impresión" (según I. N. Kramsky, un amigo cercano de Vasilyeva, la imagen "Antes de la lluvia" (1869, la galería de Tretyakovskaya) fue imbuido de la propiedad fundamental de su creatividad. En 1870 viajó a lo largo de Volga junto con I. E. Repin, como resultado, apareció una imagen "View On the Volga. Las barcazas "(1870, museo ruso) y otras obras marcadas con la sutileza de los efectos de aire ligero, la habilidad de la transmisión del río y la humedad del aire. Pero no en efectos externos aquí. En las obras de Vasilyeva, la naturaleza, como si la respuesta al movimiento del alma humana, expresa una gama compleja de los sentimientos entre la desesperación, la esperanza y la tristeza tranquila. Las pinturas más famosas "descongeles" (1871) y "Meadow húmedo" (1872; ambos en la galería de Tretyakov), donde el interés permanente del artista del estado de la naturaleza transitional e incierto se implementa en la imagen de la percepción a través del melancólico. Mglu. Esta es una especie de sueños naturales sobre Rusia, con una comparación con los motivos de paisaje I. S. TURGENEV o A. A. A. FETA. El artista (a juzgar por su correspondencia con Kramsky) sueña con crear algunas obras sin precedentes, sobre paisajes simbólicos, revelaciones que podrían curar a la humanidad, cargadas por "diseños criminales". Pero sus días ya están considerados. Tuberculosis enferma, se mueve en 1871 en Yalta. Enfermedad de la roca, fusionando con impresiones de la naturaleza sur, que parece no festiva, sino en alienación, perturbadora, le da a su pintura aún mayor tensión dramática. Ansioso y sombrío, la red más significativa de este período es "en las montañas de Crimea" (1873, Galería Tretyakov). Adelgazamiento en la bruma, escrito en los melodiosos tonos grises marrónes, la carretera de montaña adquiere un extenso tinte aquí, como un camino sin esperanza a ninguna parte. La influencia del arte de Vasilyeva, reforzada por la tragedia de su muerte temprana, fue muy significativa. La tradición romántica, finalmente renovada de las ideas del paisaje como una vista decorativa, alcanzada en sus obras de significado espiritual especial, lo que prefiere el arte del simbolismo y el moderno, el paisaje del poro de Chekhov-Levitan.
Creatividad Viktor Mikhailovich Vasnetsova (1848-1926) está estrechamente relacionada con los cuentos populares rusos, las épicas, las parcelas que tomó como base de sus pinturas. Sobre él e ir más lejos.
Viktor Mikhailovich Vasnetsov Nacido el 15 de mayo de 1848 en el pueblo ruso del distrito de Lopyal Urzhum de la provincia de Vyatka (ahora la región de Kirov), en la familia del sacerdote ortodoxo que se originó desde el antiguo nombre Vyatka, Valnetsov. El artista se consideró a sí mismo Scyth. Estudió en la Escuela Espiritual (1858-1862), luego en el Seminario Espiritual de Vyatka. Prew Dibujo LECCIONES DE UN DIBUJO DEL PROFESOR DE GIMNASIO N. G. Chernyshev. Con la bendición del Padre, dejó un seminario del Penúltimo Curso y fue a San Petersburgo para la admisión a la Academia de Artes. Estudió pintura en San Petersburgo, primero en I. N. Kramsky en la Escuela de Dibujo de la Sociedad para la Promoción de las Artes (1867-1868), luego en la Academia de Artes (1868-1873). Durante los años de estudio, vino a Vyatka, se reunió con el artista de reforma polaco Elviro Andriolly, quien le pidió a la pintura con su hermano más joven Apollinarium. Al final de la Academia fue en el extranjero. Desde 1869 para expulsar nuestro trabajo, participando primero en las exposiciones de la Academia, luego, en las exposiciones del móvil. Miembro de la taza del mamut en Abramtsevo. En 1893, Vasnetsov se convierte en un miembro válido de la Academia de Artes. Después de 1905, estaba cerca de la unión del pueblo ruso, aunque no era su Miembro, participó en financiamiento y diseñando publicaciones monárquicas, incluidos los "libros de dolor ruso". En 1915, participó en el establecimiento de la Sociedad por el Renacimiento del RUS artístico, junto con muchos otros artistas de su tiempo. En el trabajo de Voznetsov, varios géneros están brillantemente representados, que se convirtieron en las etapas de una evolución muy interesante: de la descripción de la vida de la historia de hadas, desde la pintura de la máquina hasta el monumental, desde lo mundano de los móviles hasta el prototipo de los modernos. estilo. En una etapa temprana, las parcelas domésticas prevalecían en las obras de Vasnetsov, por ejemplo, en las imágenes "desde el apartamento en el apartamento" (1876), "Librería" (1876), "Balagans en París" (1877).
Más tarde, el principal histórico: "Vityaz en la encrucijada" (1882) se convierte en la dirección principal, "después de Igor Svyatoslavich con Polovtsy" (1880), "Alyonushka" (1881), "Ivan-Tsarevich en un lobo gris" (1889) , "Tsar Ivan Vasilyevich Grozny" (1897). A fines de la década de 1890, un tema religioso (trabajo en la catedral de Vladimir en Kiev y en el templo del domingo en San Petersburgo, dibujos acuarelas y originales generalmente preparatorios de pintura mural para la Catedral de San Vladimir) ocupados en su trabajo. Su mejor trabajo es "tres héroes". Antes de la audiencia, los héroes favoritos de los épicos epopeos rusos, los defensores de la tierra rusa y los nativos de numerosos enemigos. Después de 1917, Vasnetsov continuó trabajando en la gente. temas fabulosos, creando el lienzo "Lucha Dobryni Nikitich con la serpiente seminal de Gorynych" (1918); "Koschey Immortal" (1917-1926). Victor Vasnetsov murió el 23 de julio de 1926 en Moscú, enterrado en el cementerio introducido.
El cantante del bosque ruso, la épica latitud de la naturaleza rusa se convirtió. Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898). Ivan Shishkin nació el 13 de enero de 1832 en la ciudad de la provincia de Elabuga Vyatka. Tomó del antiguo apellido de Vyatka de Shishkina, fue el hijo del comerciante Ivan Vasilyevich Shishkin. A los doce años, se definió en los discípulos del 1er gimnasio Kazan, pero lo alcanzará hasta el quinto grado, lo dejó y entró en la Escuela de Pintura, Scary y Arquitectura de Moscú (1852-1856). Después de graduarse del curso de esta institución, desde 1857 continuó su educación en la Academia de Artes de San Petersburgo (1856-1865), donde fue listado por el estudiante del Profesor S. M. Vorobyov. No estoy satisfecho con las clases en las paredes de la Academia, pintó con diligencia y escribió eTudes de la naturaleza en las cercanías de San Petersburgo y en la isla de Valaam, gracias a la cual adquirió cada vez más con sus formas y la capacidad de precisión. Transmitirlo con un lápiz y un cepillo. Ya en el primer año de su estadía en la Academia, recibió dos pequeñas medallas de plata para un dibujo genial y se publicaron en las cercanías de San Petersburgo. En 1858, recibió una gran medalla de plata sobre la vista de Valaam, en 1859, una pequeña medalla de oro para el paisaje de los alrededores de San Petersburgo y, finalmente, en 1860, una gran medalla de oro para dos tipos de áreas de cacco, en Valaam.
Después de recibir este último premio, el derecho a viajar al extranjero como jubilado de la Academia, entró en 1861 en Munich, visitó los talleres de artistas famosos, los talleres de beneficios y Franz Adamov, que habían disfrutado de la gran popularidad de los Animalistas. Luego, en 1863, se mudó a Zurich, donde, bajo el liderazgo del profesor, la Colera, quien luego fue considerada uno de los mejores animales pictóricos, manejados y escribió el último de la naturaleza. En Zurich, lo intenté por primera vez grabar el "vodka zarista". Por lo tanto, hizo un recorrido a Ginebra para familiarizarse con las obras de DIDEO Y KALAM, y luego se mudaron a Düsseldorf y escribió allí por orden N. BYKOV "Vista en las cercanías de Düsseldorf", una imagen que, siendo enviada a St. Petersburgo, entregó al artista el título del académico. En el extranjero, además de pintar, se dedicó a muchos higos; Sus obras de esta manera fueron sorprendidas por los extranjeros, y algunos fueron colocados en el Museo Dusseldorf junto a los dibujos de Masters Europeos de primera clase.
Squiroving para la Patria, en 1866 regresó a San Petersburgo antes de la expiración de su retiro. Desde entonces, a menudo hizo viajes con un propósito artístico en Rusia, casi anualmente puso sus obras primero en la Academia. Después de que se haya establecido la Comienda de Exposiciones Móviles, en estas exposiciones produzcan imágenes con la pluma. Desde 1870, habiendo unido al círculo de Aquafortistas formados a San Petersburgo formado en San Petersburgo, comenzó nuevamente por el grabado del "vodka zarista", que ya no quedaba hasta el final de su vida, dedicándole a él casi tanto tiempo. como pintura. Todos estos trabajos cada año aumentaron la reputación de uno de los mejores pintores rusos del paisaje e inigualable, en su propio tipo, aquivista. El artista era dueño de la finca en el pueblo de Express (ahora - Distrito de Gatchina de la Región de Leningrad). En 1873, la Academia lo erigió al título de profesor para el taller "Forest Wilder" comprado por ella. Después de la entrada en vigor de la nueva Carta de la Academia, en 1892, se invitó a dirigir su taller de paisajes de capacitación, pero, en diversas circunstancias, realizó esta posición por un corto tiempo.
Entre los jugadores del paisaje ruso, Shishkin puede ser llamado con razón uno de los artistas más fuertes. En todas sus obras, es un increíble conocedor de formas de plantas, que los reproduce con una sutil comprensión tanto de la naturaleza general como de las características distintivas más pequeñas de ninguna raza de árboles, arbustos y hierbas. Si fue tomado por la imagen de un pino o bosque de abeto, pinos individuales y comió, al igual que su agregado, recibió su verdadera fisonomía, sin ningún adorno ni entendido, es el tipo y con aquellas partes que se explican y determinan el suelo y El clima, donde el artista les obligó a crecer. Ya sea que represente OABS o Birches, le tomaron las formas verdes en el follaje, las ramas, los troncos, las raíces y en todos los detalles. El terreno en sí está bajo los árboles: piedras, arena o arcilla, las irregularidades del suelo, agachadas por los helechos y otras hierbas del bosque, las hojas secas, una confianza, un pecho, etc., la especie de la realidad perfecta en las pinturas y dibujos.
Pero este realismo a menudo lo perjudicó con paisajes: en muchos de ellos, ella eclipsó un estado de ánimo común, les informó la naturaleza de no pinturas, no se concibió para iniciar en el auditor u otro sentimiento, sino aleatorio, aunque excelente eSudes. También se debe tener en cuenta que el Shishkina sucedió repetidamente que sucede casi con un pandeller particularmente fuerte: la ciencia de las formas se le dio en detrimento del color, que, sin ser un débil y no armónico, todavía no lo hace. Párese en el mismo nivel con un dibujo de taller. Por lo tanto, el talento de Shishkina a veces es mucho más brillante gracias a los dibujos y grabados de un color que en las obras en las que usó muchas pinturas.
Si hablamos de la biografía de Ivan Shishkin como artista, es necesario mencionar que en la década de 1870. El maestro está incluido en el curso de la madurez creativa incondicional, que las pinturas "Sosnovy Bor. Bosque mástil en la provincia de Vyatka "(1872) y" Rye "(1878; Ambos - Galería Tretyakov). Por lo general, evitando los estados de la naturaleza no sustentariales, el artista registra su florecimiento de su mejor verano, alcanzando una impresionante unidad tonal con precisión a expensas de una luz brillante, mediodía, de verano que determina toda la escala colorista. La imagen monumental-romántica de la naturaleza con una letra grande está invariablemente presente en las pinturas. Las tendencias nuevas, realistas, aparecen en la atención penetrante, con las que se emiten los signos de una tierra en particular, un rincón de un bosque o campo, un árbol en particular. Con una caza especial, el artista escribe la raza los tipos de roble y pinos más poderosos y fuertes, en la etapa de madurez, vejez y, finalmente, muerte en bursel. Obras clásicas de Shishkin, como "Rye" o "Entre el valle del piso ..." (la imagen lleva el nombre de AF Merzlyakov; 1883, Museo Kiev de arte ruso), "Forest Dali" (1884, Galería de Tretyakov) - Percibido como generalizado, imágenes épicas de Rusia. El artista es igualmente exitoso y dalvado, y "interiores" ("Pinos cubiertos por el Sol", 1886; "Mañana en bosque de pinos»Donde los osos están escritos por K. A. Savitsky, 1889; Ambos - en el mismo lugar). El valor independiente tiene sus dibujos y etedes, que son un diario detallado de la vida natural. Fruitamente trabajó también en el campo del grabado. Imprimiendo sus grabados paisajistas finamente matizados en diferentes estados, lo que los hace en forma de álbumes, el Shishkin activó poderosamente el interés en este tipo de arte. Murió sostenido en San Petersburgo 8 (20) de marzo de 1898, sentado detrás del caballete, trabajando en una nueva imagen. Un museo de la casa del artista se abre en Elabuga.
A. i.kyujji (1841 -1910) atrajo un pintoresco juego de luz y aire. La misteriosa luz de la luna en las nubes raras, los barridos rojos del amanecer en las paredes blancas de la choza ucraniana, los rayos de la mañana oblicuo, hechos a través de la niebla y jugando en los charcos en el camino Rasky, son estos y muchos otros descubrimientos pintorescos se capturan en sus lienzos
Archka Ivanovich Kindji. Nacido en Mariupol, en la familia de un pobre zapatero griego. Los primeros perdieron a sus padres y vivían en gran pobreza, Pace Gusey, sirvió en el contratista en la construcción de la iglesia, luego una trampa de bendición; El maestro griego aprendió en el maestro griego, luego asistió a una escuela de la ciudad durante algún tiempo.
Desde los primeros años, Quinji le gustaba pintar, pintado en cualquier material adecuado, en las paredes, cercas y restos de papel. Trabajó como reaciador de los fotógrafos en Mariupol, Odessa y San Petersburgo. Durante cinco años, desde 1860 hasta 1865, el arqueado de Queenji trabajó como un retouusoma en el estudio fotográfico de Isakovich en Taganrog. Queenji intentó abrir su propio estudio, pero sin éxito. Sin embargo, estaba en los discípulos de Aivazovsky, no se le permitió al lienzo, solo una pintura gorda. Después de eso, Ivanovich deja taganrog y hojas para San Petersburgo. Finalmente, crea una imagen general del Tártar Sacla en Crimea, que está expuesto a la exposición académica en 1868 como resultado de un Kinji con el tercer intento se convierte en el difamnutriano de la Academia. Para la pintura "Otoño Rasputle", en 1872 recibe el título de artista de clase. En 1873, Queenji expone en la sociedad para promover las artes la imagen "Snow", por lo que en 1874 en la exposición internacional en Londres recibe una medalla de bronce. En el mismo 1873, expone su foto en Viena "View of the Island of Valaam", en San Petersburgo - Lake Lake. En 1874, en la exposición de la asociación de exposiciones de arte móvil, Quinji expone un "pueblo olvidado", en 1875 - "estepas" y "tracto de Chumatsky", en 1876, la famosa "Noche ucraniana". En 1877, Queenji se convierte en miembro de la sociedad de la película; En 1878, expone "Forest" y "Tarde en Malororsia", que despertó la masa de disputas y creó muchos imitadores. En 1879, expone "norte", "Berezovaya Grove", "después de una tormenta"; En el mismo año, Queenji dejó la exposición de la asociación. En 1880, él organiza en la Sociedad para promover las artes una exposición de una de sus pinturas: "Noche en el Dnieper"; Esta exposición tuvo un gran éxito. En 1881, también en el modo "Solo", Queenji puso "Birch Grove", que tenía un éxito igualmente ruidoso, y en 1882 presentó "Dnipro por la mañana" junto con el "Birch Grove" y "por la noche en el Dnieper. ". Después de esta exposición, antes de su muerte, Queenji no mostró más pinturas, y antes de la década de 1900 no mostró a nadie. De 1894 a 1897, Queenji fue profesor del jefe de la Escuela Suprema de Arte en la Academia de Artes. En 1904, llevó a la Academia de 100.000 rublos a la Academia para emitir 24 primas anuales; En 1909, sacrificó 150,000 rublos a la sociedad artística de su nombre y su finca en Crimea, y la sociedad de promoción pública fue de 11,700 rublos para una prima en la pintura del paisaje.
Archka Ivanovich Kindji murió 11 (24) de julio de 1910 en San Petersburgo. Fue enterrado en el cementerio de Tikhvin de Alexander Nevsky Lavra.
A finales del siglo XIX. El efecto de los teléfonos móviles cayó. Nuevas direcciones aparecieron en las artes visuales. Retratos del cepillo V.A. Serov y paisajes I.I. Levitan fue consonante con la escuela francesa del impresionismo. Parte de los artistas combinó las tradiciones artísticas rusas con nuevas formas pictóricas (MA VRUBEL, B.M. KUSTODEV, IL. BILIBIN, etc.).
Sus vértices Paisaje ruso pintando siglo XIX. Alcanzó a un estudiante en el trabajo. SAVRASOVA ISAAC ILYICH LEZICAN (1860-1900). Levitan es un maestro de paisajes tranquilos y tranquilos. Un hombre es muy tímido, tímido y herido, sabía cómo descansar solo solo con la naturaleza, penetrando el estado de ánimo de un paisaje querido.
Un día llegó al Volga para escribir el sol, los extensiones aéreas y del río. Pero el sol no era, las infinitas nubes se arrastraban a través del cielo, no se detuvieron lluvias tristes. El artista estaba nervioso hasta que fue atraído a este clima y no encontró un encanto especial de las pinturas de los Sire-Lila del mal tiempo ruso. Desde entonces, la parte superior de Volga, las pluevas, el tapón, se ingresa firmemente en su trabajo. En esas regiones, creó su trabajo "lluvioso": "Después de la lluvia", "Día sombrío", "sobre la región eterna". También hubo paisajes tranquilosos por la noche: "Tarde en el Volga", "Tarde. Ples Golden "," Ridesing de la noche "," Morada tranquila ".
En los últimos años, Levitan llamó la atención al trabajo de los artistas impresionistas franceses (E. Manne, K. Monte, K. PISTARRO). Se dio cuenta de que él tenía mucho con ellos en común, que sus búsquedas creativas estaban en la misma dirección. Al igual que ellos, prefería trabajar en el taller, sino en el aire (en la abogada, como dicen los artistas). Como ellos, duró la paleta, conduciendo pinturas oscuras, terrenales. Como ellos, buscó capturar la flota de ser, pasando el movimiento de la luz y el aire. En esto, fueron más allá de él, pero casi disuelto en flujos de aire ligero. formas volumétricas (Casas, árboles). Él lo escapó.
"Las pinturas de Levitan requieren un vistoso lento, - escribió un gran conocedor de su trabajo K. G. POPIESTY." No aturdan el ojo. Son modestos y precisos, como las historias de Chekhov, pero cuanto más largas miran en ellos, el silencio de los posantes provinciales, los ríos familiares y los colonos se convierten en la milla.
En la segunda mitad del siglo XIX. Flealizado creativo de artistas I. E. Repin, V. I. Surikova y V. A. Serov.
Ilya Efimovich Repin (1844-1930) Nacido en Chuguev, en la familia del colono militar. Se las arregló para inscribirse en la Academia de Artes, donde su maestra se convirtió en P. P. Chistyakov, quien levantó toda la Playa de artistas famosos (V. I. Surikova, V. M. Vasnetsova, M.A.VRUBEL, V.A. SEROV). Mucho aprendido el repin, así como a Kramsky. En 1870, un joven artista viajó por el Volga. Numerosas etedes traídas del viaje, usó para la pintura "Burlaci en el Volga" (1872). Ella hizo una fuerte impresión al público. El autor designado de inmediato a las filas de los maestros más famosos. Criticando a los partidarios del "arte puro", escribió: "La vida circundante está demasiado preocupada, no da descanso, sí pregunta por el lienzo; La realidad es demasiado divulgante a los patrones de bordados con una conciencia tranquila ", brindarle buenas damas fieles". Repin se convirtió en la pancarta de las cabezas, su orgullo y su gloria.
Repin fue un artista muy versátil. I. E. Repin fue un maravilloso maestro en todos los géneros de pintura y en cada uno le dijo a su nueva palabra. El tema central de su creatividad es la vida de las personas en todas sus manifestaciones. Mostró a la gente en mano de obra, en la lucha, combatientes glorificados por la libertad de la gente. Sus pinceles pertenecen a una serie de género monumental cavado. El mejor trabajo de repin en los años 70 fue la pintura "Burlaki en el Volga". La imagen fue percibida como un evento de la vida artística de Rusia, se convirtió en un símbolo de una nueva dirección en las artes visuales. Repin escribió que "el juez es ahora un hombre, y por lo tanto es necesario reproducir sus intereses". Tal vez no menos impresión que "Burlaci" produce una "procesión de la provincia de Kursk". Cielo azul brillante, nubes de polvo de conducción, resplandor dorado de cruces y nubes, policía, personas simples y parripulantes: todo lo que se encuentra en esta web: grandeza, poder, desprecio y dolor de Rusia.
En muchas pinturas, el representante fue tocado por el sujeto revolucionario ("rechazo de la confesión", "no esperaba", "el arresto del propagandista"). Los revolucionarios en sus pinturas son simplemente retenidos y naturalmente, alienígenas a poses y gestos teatrales. En la imagen "Negarse de la confesión", condenada a muerte como si el deliberadamente escondiera sus manos en la manga. El artista claramente simpatizó con los héroes de sus pinturas.
Una serie de telas repúblicas están escritas en temas históricos ("Ivan the Terrible y su hijo Ivan", "Cossacks que componen una carta al sultán turco" y otros). Repin creó toda una galería de retratos de científicos (Pirogov, Sechenov), escritores (Tolstoy, Turgenev, Garshin), compositores (Glinka, Mussorgsky), artistas (Kramsky, Surikov). A principios del siglo XX. Recibió una orden a la imagen "Reunión solemne del Consejo de Estado". El artista logró no solo componer el lienzo, un número tan grande de los presentes, sino también para dar una característica psicológica a muchos de ellos. Entre ellos había figuras tan conocidas como S. Yu. Witte, K. P. Victoronianos, P. P. Semenov-Tian-Shansky. Malozameten en la imagen, pero Nicholas II era muy sutil.
Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) Nacido en Krasnoyarsk 12 (24) de enero de 1848 en la familia de un empleado de papelería, una salida del antiguo tipo de cossack. Las primeras lecciones de dibujo recibieron el maestro de la escuela de N.V. Grebnev. En 1868 fue a San Petersburgo, donde en 1869 ingresó a la Academia de Artes; Después de graduarse de la Academia en 1875, desde 1877 vivió en Moscú. Conduje constantemente a Siberia, visitó Don, Volga, en Crimea. En 1880-1890, Francia, Italia y varios de otros países europeos visitaron. Ya en sus años de estudiante, se manifestó como un maestro de imágenes históricas y asociativas ("Vista del monumento a Peter I en St. Petersburg", 1870). En 1876-1877 creó bocetos sobre el tema de cuatro catedrales universales para decorar al Cristo de Cristo el Salvador. Moverse artista joven En Moscú, las impresiones de la antigua arquitectura de la "primitiva" desempeñaron un papel importante en la formación de su primera obra maestra en una serie de pinturas en el tema histórico "Ejecución de la mañana Rutheskaya", completada en 1881 (Galería de Tretyakov). Elegir el tema del trágico resultado de la primera Rebuna 1698 de Streetsky: la ejecución de los rebeldes en la Plaza Roja bajo la supervisión personal de Peter I, Surikov, mostró esencialmente el gran conflicto de la Edad Media rusa y la nueva época rusa, de la cual Ninguna de las partes sale del ganador. Su regalo del destacado pintor-historiador Surikov confirmó en los lienzos "Menshikov en Berezov" (1883) y "Roding Morozova" (1887; ambas pinturas, también hay un tipo de complejo y, al mismo tiempo, impresionantes novelas visuales. Sobre la referencia siberiana de la vez poderosa Petrovsky se hundió, y sobre el urgente de los viejos creyentes. La colorida expresividad de los detalles se combina con la virtuosidad del director general. Todas estas tres imágenes no son inferiores a "Tomar una ciudad nevada" (1891, el Museo Ruso), dedicado a toda la vida popular moderna: el juego de pasajeros, representado como elementos divertidos y aún trituradores. Sus obras "Ejecución de la mañana Streletzka", "Menshikov en Berezov", "Boya Morozova", "Boya Morozova", "Conquest Siberia Yermak TimoeVich", "Stepan Razin", "Transition Suvorov a través de los Alpes", la cima de la pintura histórica rusa y mundial. La grandeza de los rusos, su belleza, voluntad inflexible, su destino difícil y difícil es que el artista inspiró. Surikov conocía bien y morales de épocas anteriores, sabía cómo dar características psicológicas brillantes. Además, era un colorista maravilloso (color maestro). Es suficiente recordar la deslumbrante nieve fresca y brillante en el "Buario de Morozova". Si vas al lienzo más cerca, la nieve parece estar "dispersa" en trazos azules, azules, rosas. Esta pintoresca bienvenida, cuando dos o tres frotis diferentes se fusionan y dan el color correcto, los impresionistas franceses fueron ampliamente utilizados. Vasily Surikov murió el 19 de marzo de 1916.
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911)El hijo del compositor, escribió paisajes, lienzo en temas históricos, trabajó como artista de teatro. Pero la gloria le trajo, sobre todo, retratos.
En 1887, Serov, de 22 años, descansó en Abramtsev, región de Moscú del pueblo de Metsenat S. I. Mamontov. Entre sus numerosos niños, el joven artista era su hombre, el participante de sus juegos ruidosos. Un día después de la cena en el comedor, dos - Serov y una mamont de 12 años, amada, fueron detenidos accidentalmente. Se sentaron en la mesa, en los que se dejaron los melocotones, y el amado se notó detrás de la conversación, ya que el artista comenzó a lanzar su retrato. El trabajo se estiró durante un mes, y el amado estaba enojado con que Anton (tan hogareño llamado Serov) lo hace sentarse en el comedor durante horas.
A principios de septiembre, se completó "Chica con melocotones". A pesar del pequeño tamaño, la imagen escrita en tonos rosados-dorados parecía muy "espaciosa". Tenía mucha luz y aire. La niña que se sentó en la mesa, ya que era por un minuto y quien detuvo su mirada al auditor, fue bloqueada con claridad y espiritualidad. Sí, y todo el lienzo fue una percepción sólida puramente infantil de la vida cotidiana, cuando la felicidad no es consciente de sí mismo, y por delante es toda una vida.
Los habitantes de la casa Abramtsevsky, por supuesto, entendieron que un milagro estaba sucediendo en sus ojos. Pero solo el tiempo da estimaciones finales. Puso la "chica con melocotones" en varios de los mejores trabajos de retratos en la pintura rusa y mundial.
Al año siguiente, Serov logró repetir su magia. Escribió un retrato de su hermana Mary Simonovich ("La niña iluminada por el sol"). El nombre se solucionó un poco inexacto: la niña se sienta en las sombras, y los rayos del sol de la mañana iluminaron el glade en el fondo. Pero en la imagen, todo está tan vertido, por lo que una, la mañana, el sol, el verano, la juventud y la belleza, para que el mejor nombre sea difícil de crear.
Serov se convirtió en un retrato de moda. Frente a él posa escritores famosos, artistas, artistas, emprendedores, aristócratas, incluso reyes. Aparentemente, no a nadie que escribiera, él tenía un alma. Algunos retratos grandes, con una técnica de ejecución de filigranas, resultó ser fría.
Durante varios años, Serov enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Era un maestro exigente. El oponente de las formas de pintura congelada, Serov, al mismo tiempo, creía que las búsquedas creativas deben basarse en la posesión sólida del equipo del dibujo y una letra pintoresca. Muchos maestros destacados se consideraron estudiantes de Serov: M. S. Sarian, KF. Juu, P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.
Muchas pinturas de Repin, Surikova, Levitan, Serov, "Mobile" cayeron en la reunión de Tretyakov. El Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), un representante del antiguo tipo mercantil de Moscú, era una persona inusual. Delgado y alto, con una barba volátil y una voz tranquila, se veía más al santo que en el comerciante. Recoge las imágenes de los artistas rusos comenzó desde 1856. El pasatiempo ha crecido en el caso principal de la vida. A principios de los 90. La reunión alcanzó el nivel del museo, absorbiendo casi todo el estado del colector. Más tarde, pasó a la propiedad de Moscú. La Galería de Tretyakov se ha convertido en un famoso museo de pintura, gráficos y esculturas rusas.
En 1898 en San Petersburgo, se abrió el Museo Ruso en San Petersburgo, en el Palacio Mikhailovsk (creación de K Rossi). Fue hecha por las obras de artistas rusos de la ermita, la Academia de Artes y algunos palacios imperiales. El descubrimiento de estos dos museos sería coronado con los logros de la pintura rusa del siglo XIX.
Conclusión
Desde el principio y hasta finales del siglo XIX, los pintores rusos en su mayoría querían transmitir sus pensamientos al espectador, alguien tenía que estar libre de los grilletes de clasicismo apoyados por la Academia de Artes, alguien, por el contrario, las parcelas mitológicas necesarias. . En cualquier caso, los artistas de Rusia del siglo XIX han tenido un impacto tremendo no solo en la audiencia de sus conciudadanos, muchas pinturas se han convertido en grandes lienzos que tienen un valor y peso increíbles en la cultura artística mundial. El papel de las películas en la vida de la pintura rusa, trajeron la libertad a este género de arte y lo liberaron de los estereotipos.
Siglo XIX: la gran época en el desarrollo de la pintura rusa.
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A principios del siglo XIX, ocurrió un rápido despegue en el desarrollo cultural de Rusia. Para el mejor comienzo de arte. Siglo XIX - Esta es la edad de oro en absoluto (como los contemporáneos ya lo llamaron y lo que es inmutable hasta el día de hoy). Fue en este momento que los artistas rusos, escultores y arquitectos llegaron a la más alta habilidad, lo que les permitió permanecer en una fila con los mejores maestros del arte europeo.
Al final del XVIII, el siglo XIX temprano, el clasicismo fue el estilo líder del arte visual ruso. Ocurre el término "clasicismo", como usted sabe, de la palabra latina "Classicus", es decir, "ejemplar". Para la perfecta muestra de clasicismo, el legado de las artes antiguas es un antiguo griego y antiguo romano. El tema principal del clasicismo es la celebración de los ideales morales, la primacía del público sobre personal ("deuda es superior").
La fortaleza del clasicismo en Rusia fue la Academia de Artes, que requirió obligatoria a los cánones rigurosos del clasicismo y alentó a la escritura de pinturas a parcelas históricas, bíblicas y mitológicas. No es por casualidad en la historia de la pintura rusa, el clasicismo a menudo se conoce como "academia".
El arte en Rusia siempre ha sido un estado de estado. La Academia distribuyó órdenes estatales, subsidios, jubilados aprobados. Por lo tanto, fueron precisamente los pintores, los académicos que siempre habían sido asignados, el lienzo fueron altamente apreciados y extruidos a nivel oficial y, como resultado, estaban bien pagados, y el género histórico, en el que trabajaban los academiales, se consideraron estar en el género más "alto".
Sin embargo, la mayoría de los artistas que trabajaron en un género tan respetado "alto" no han logrado alturas especiales. Se explica principalmente por el hecho de que los pintores históricos cumplidos, por regla general, las órdenes oficiales del gobierno, trabajaron dentro del canon, como resultado de lo cual la individualidad de los artistas a menudo iba al fondo, e incluso desapareció en absoluto.
Sin embargo, los creadores reales y en el marco ajustado del clasicismo manejaron no solo expresarse, sino también para implementar los ideales estéticos para esos años (sin mencionar el reflejo inspirador del Pathos Patrióticos de la Era, nacido de la victoria en la guerra patriótica. de 1812).
Uno de los talentosos pintores de ese tiempo fue Andrei Ivanovich Ivanov (1776-1848) - Padre del famoso Alexander Ivanova. Básicamente, dedicó sus creaciones a los héroes de la historia antigua de Rusia. Sus pinturas "La hazaña de los jóvenes kievannin en el asedio de Kiev Pechenegs en 968" y "El arte marcial del príncipe Mstislav Vladimirovich, removido de la quinasencia del Príncipe de Rededer" (Me pregunto qué terminó el artista en los días en que Moscú fue capturado por Napoleón).
Su único, Dmitry Ivanovich Ivanov (1782, después de 1810), también escribió las obras típicas de clasicismo: las figuras en sus pinturas se parecen a esculturas, la composición se ajusta geométricamente. Este es el lienzo "Marfa PosAadanny": la vida silvestre de Feodosiya Wordetsky da la espada Miroslav por la lucha por la independencia de Novgorod. Este es un producto brillante del alto clasicismo.
El histórico Canvas Vasily Kondratyevich Sazonova (1789-1870) "El primer encuentro Igor con Olga", que tenía un gran éxito a la vez, no se debe tener en cuenta. La imagen claramente rastrea el interés en los detalles cotidianos, los caracteres se descargan en una llave lírica.
Vasily Shebuyev. Adivinación. Auto retrato. 1805. Lienzo, aceite de 91.5 × 73.5 cm. Galería del estado de Tretyakov
Vasily Shebuyev. Feat Merchant Igolekin. 1839. Lienzo, aceite. 283.5 x 213 cm. Museo ruso estatal de Vasily Shebuev. Feat Merchant Igolekin. 1839. Lienzo, aceite. 283.5 x 213 cm. Museo del estado ruso
Los representantes más destacados del arte académico del comienzo del siglo XIX eran a.e.e. Egorov y v.k. Shebeyev, los maestros más magníficos del dibujo (de nuevo en un estilo puramente clásico).
Vasily Kuzmich (Kozmich) Shebeyev (1777-1855), los compañeros de Andrei Ivanov en sus estudios en la Academia de Artes, después de otro fin del final de la Academia, la imagen "Muerte de Hipólito", la parcela de la que tomó prestada de la tragedia de Rasin Fedra. Sus obras tempranas son muy dinámicas, pero el dinamismo muy pronto es inferior a algunas calmantes. Un brillante ejemplo de "calma" en la pintura de Scheboyev es sepia "Retorno del hijo pródigo". También v.k. Sebeyev se realizó varias composiciones sobre los temas de la historia rusa: "Elección al Reino de Mikhail Fedorovich Romanova," Prince Pozharsky "," Peter I en la batalla en Poltava "( la última fotoAy, no sobrevivió, solo la crítica entusiasta de lo contemporáneo al respecto: "... Talento y gran libertad del artista del artista experimentó ...").
En 1811 v.k. Shebeyev creó un boceto en el tema "La hazaña del comerciante Igolekin", y luego comenzó a trabajar en la imagen bajo el mismo título. Es característico que Shebeyev busque en detalle para transmitir el color del tiempo que los artistas del período anterior descuidado. Entonces, por ejemplo, los suecos en la imagen "La hazaña del comerciante de Igolekin" se visten con uniformes históricamente fieles.
Alexey Egorovich Egorov (1776-1851) aún en la Academia se hizo famoso como un dibujante de primera clase. Sus dibujos en temas antiguos se caracterizan por suavidad y lirio. A mejores dibujos El artista pertenece a la "Navidad John", "Susanna". Desde el último "apóstol Andrey Varozvannaya, especialmente asignado. El pintoresco lienzo más importante. Egorova - "Estudio del Salvador". Esta lona fue precedida por un gran trabajo de preparatoria: Muchas etedes y dibujos.
En retratos creados por el cepillo del maestro, su deseo de un estudio cercano de la naturaleza se expresó principalmente. Ya expresivo y poético, por ejemplo, "Retrato de un joven", escrito por petróleo.
Los méritos de Egorov son significativos y como profesor de la Academia de Artes. Egorov fue estricto con los estudiantes, pero justo, caballeros, pero exigentes. El objetivo es solo, el amor del amor del arte y enseñarles a este arte a los alumnos. No es sorprendente que muchos discípulos Egorov posteriormente se hubieran destacado pintores rusos sobresalientes. Es suficiente para nombrar un solo nombre - Karl Brullov. Y aunque Bryullov fue "Otra forma", pero tuvo una vida entera de los convenios del maestro y no olvidó sus lecciones.
Karl Pavlovich Bullelov (1799-1852) en 1822, después del final de la Academia (y se graduó de ella con una medalla de oro) fue a Italia con su hermano Alexander. (Por cierto, el verdadero apellido de los hermanos del hermano del hermano. Antes de salir a Italia, cambiaron el apellido de los antepasados, los inmigrantes de Francia, a la manera rusa). El hermano mayor de "Veliky Karla", Alexander, aunque no Así que "genial", pero dejó un rastro notable en el arte visual ruso. El florecimiento de su creatividad como artista (y además, también fue un arquitecto de primera clase) coincidió con el tiempo del apogeo del retrato de la acuarela rusa, que vino a reemplazar el retrato de lápiz y miniatura en el hueso. Es bastante típico para Alexander Bryullov Retrato de la esposa Pushkin Natalia Nikolaevna. Numerosas acuarelas A. Bryllov se cumplen más que Virtuoso, pero al colorear un poco frío.
Alexander Bryullov. Retrato de M. O. Smirnova. El comienzo de la década de 1830. Cartulina de Bristol, Acuarela, Lápiz, Belil, Barniz
21.5 x 17 cm (en la luz). Museo estatal A.S. Pushkin, Moscú
Alexander Bryullov. Retrato de A.D. BARATYAN. 1830s Papel, acuarela. 19.2 x 16 cm. Nizhny Novgorod State
museo de Arte
Volviendo a la obra de Karl Bryullov, notamos que es más característica distintiva - Coexistencia armoniosa y características de la escuela académica, y las características del romanticismo, y el deseo de la verdad histórica. Muchos contemporáneos (y descendientes) reprocharon a Bryullov por el hecho de que supuestamente caminó en un cierto compromiso. De hecho, no era un compromiso, y la visión artística: callels, y de lo contrario, no entendí mi camino en el arte.
Karl Bhorrylov, puedes decir, fantásticamente afortunado: aprendió la fama completa incluso durante su vida (y fue manejada y administrada no a todos los artistas rusos). El histórico lienzo "Último día Pompeya" fue un verdadero evento de la vida artística de esos años. Estimaciones de la creatividad de Bryullov, y sobre todo el mismo "Último día Pompeya", más de una vez y no cambiaron con el tiempo, desde las delicias tormentas hasta las sonrisas escépticas, e incluso la denegación completa. Pero que nadie (ni los contemporáneos o los descendientes) nunca causó ninguna duda, así que este es su verdadero talento. Es suficiente recordar al menos "jinete", la obra maestra indiscutible del pintor.
Karl Bromlov. Retrato de un escritor Nestor Vasilyevich Puppeteador. 1836. Lienzo, aceite 117 × 81.7 cm. Galería del estado de Tretyakov
Karl Brullov también fue un acuarelero virtuoso. Pero a diferencia de las obras de acuarelos "profesionales" (por ejemplo, PF Sokolov, que está abajo) en las acuarelas de Bryullov, siempre reconocible la mano de los maestros de las grandes formas. Los retratos de acuarela de Bryullov se pueden dividir en dos grupos. El primero es bocetos de acuarela Futuros retratos de petróleo (uno de ellos es un retrato de acuarela del basinista I.A.A. Krylova). Y el segundo grupo son los retratos de acuarela como tales.
En resumen, Brylov era un artista lo que se llama "de Dios". Por lo que cayó, ya sea lienzo histórico, retratos o acuarelas, todas sus obras, sin duda, se convirtieron en las obras de arte en el valor directo de estas palabras.
Sin embargo, con todos los talentos, virtuosismo y afortunamiento del BloVOV, muchos planes del artista permanecieron sin terminar. El artista, por ejemplo, siempre ha atraído una historia rusa. Durante muchos años, sacó la intención de la Web épica llamada "Osada Pskov por el Batatorio Polaco King Stefan en 1581". Si esta idea se hubiera encarnado en la vida, ahora podríamos haber podido hablar de una obra maestra verdaderamente nacional en el género histórico. Pero, ay, la foto no estaba escrita ...
Es igualmente pacífico y fructífero, como en las obras de Karl Bryullov, el clasicismo y el romanticismo se llevaron a cabo en el trabajo de otro maravilloso artista, así como un escultor, medalladera, grabador, dibujos de authueta y retratos en miniatura de Wax Fedor Petrovich Tolstoy ( 1783-1873). Estaba igualmente inspirado y las ruinas de la antigua Eldla, y las ramas lilas, y Canarias, y las noches lunares. (Amor por las noches lunares, por cierto, fue uno de los romanticismo más común. Los artistas del romance dieron un homenaje indispensable a la iluminación nocturna misteriosa: recuerda al menos MN Vorobyov y su "noche de otoño". Sí, y qué puede ser romántico que la luna. noche?)
Sin embargo, la intersección de "compromiso" del clasicismo y el romanticismo en el trabajo de K.P. Bryullov, f.p. Tolstoy no servía como ejemplo para otros artistas. Más bien, por el contrario, muchos pintores talentosos no reconocieron ningún compromiso: los requisitos del alto arte clásico, son igualmente directos al romanticismo.
El romanticismo (de Franz. Romantismo) es, como saben, la dirección artística en la cultura europea del fin de la XVIII, la primera mitad del siglo XIX. En el arte visual, el romanticismo se formó en la lucha contra el clasicismo académico oficial. Y las artes visuales rusas aquí no fueron excepciones. Se cree que es gracias al romanticismo, la pintura del paisaje ruso se liberó de los grilletes de clasicismo.
Sin embargo, se requieren algunas aclaraciones aquí.
En el arte, y aún más en el arte visual, no todo es tan simple y definitivamente, como a veces parece a la primera mirada. Grilletes, pero al mismo tiempo, una de las características más características del romanticismo ruso del comienzo del siglo XIX fue su estrecha relación con el clasicismo. Otra cosa es que el papel de la herencia clásica en el romanticismo es muy contradictorio. Por un lado, vemos que el romanticismo absorbió la ética y la estética del clasicismo (de otra manera, la fe en todo eso hermosa y noble, que se encuentra en el hombre) y "prestado" una alta profesionalidad del clasicismo. Por otro lado, el mismo clasicismo fue lanzado por las posibilidades de los artistas románticos.
Fedor Tolstoy. Distentamiento admira en el espejo. 1821 Papel, acuarela. Galería Estatal Tretyakov Tolstoy. Distentamiento admira en el espejo. 1821 Papel, acuarela. Galería del estado de Tretyakov
Fedor Tolstoy. Ramo de flores, mariposa y pájaro. 1820. Papel marrón, acuarela, belil. 49.8 x 39.1 cm
Museo del Estado Ruso
En la pintura del paisaje ruso, el romanticismo fue en su mayoría optimista, personaje ligero (en contraste, digamos, del romanticismo francés). Romanticismo ruso: elega, melancólica, contemplativa ... al mismo tiempo, no ignora la imagen objetiva del mundo. Por el contrario, en pintura paisajística romántica, la realidad dura es inusualmente visible. Puedes ir "desde lo contrario" y decir que la pintura realista rusa tenía un color romántico pronunciado.
Antes de principios del siglo XIX, la pintura del paisaje se limitó principalmente a la imagen de los campos y robustos, así como los pastores y pastores que observaban los rebaños de cabras y ovejas (por cierto, en la Academia de Artes, se llamaban tales pastorales. , sin la sombra del humor, "paisajes de ganado", después de todo, ella y la academia). Pero a principios del siglo XIX.
Poco a poco comienza a cambiar. Por ejemplo, el lienzo F.m. Matveyeva "La opinión de las campañas romanas" todavía está escrita en las tradiciones del clasicismo académico, pero ya en su "paisaje italiano" son claramente visibles de estados de ánimo completamente diferentes. También en más que Esto se refiere a los paisajes de a.a. Ivanova. También vale la pena señalar y paisajes n.g. Chernetskova. Aunque las obras de Chernetov no son poco frecuentes y relajadas, como obra de Ivanov, pero Chernetsov escribió solo la naturaleza rusa, mientras que Ivanov prefirió escribir la naturaleza italiana.
Pero no Ivanov, no Matveyev, no Chernetov y no otros artistas bastante digno cayeron el honor de la apertura de nuevas formas de desarrollar un paisaje doméstico. Llamamos plenamente a la pintura del paisaje ruso con un derecho completo de las semillas Fedorovich Shchedrin (1745-1804). El primero en el arte ruso reveló la auto-satisfacción de los motivos ordinarios en el paisaje habitual, fue el primer paisaje de la reconocida Academia, fue el primer profesor de pintura del paisaje, el primer jefe de la clase de paisaje especial. En resumen, Generin - El Fundador y Pionero.
El fundador del género del paisaje de la ciudad ruso es Fedor Yakovlevich Alekseev (1753 (4?) - 1824). A finales de XVIII, principios del siglo XIX, escribió puntos de vista de San Petersburgo y Moscú. En la década de 1810, el artista vuelve a apelar nuevamente en su trabajo a la imagen de un querido Petersburgo. Con el amor de trepidato, Lyrism inusual transfiere al artista Beauty Neva, Naberezhnye, palacios, edificios históricos ... Pintura tardía Fyodor Alekseeva está cerca de Pushkin Poestry. Durante estos años, el artista sale del clicismo frío y presenta principios de género al paisaje. "En la pintura de Alekseev, la bonita nota silenciosa se siente definitivamente, lo que, veinte años después, se convirtió en un signo típico de tiempo ..." - escribió Igor Grabar.
En las obras de Alekseev, este poro, el ruido de la ciudad es cada vez más escuchado. Todo el primer plan de sus lienzos ahora ocupa personas con sus asuntos y cuidado diarios. Ante los ojos del espectador, los días de semana de la ciudad ordinaria: apuro a los comerciantes y funcionarios en tus asuntos ... los pescadores están pescando ... transportes de transportistas ... Recuerde, como en los versículos de Pushkin: "El comerciante se levanta, hay un Temporizador de sudor ... El conductor está pasando a la bolsa de valores ... "Es decir, la mayor parte de la vida. De alguna manera, un especial, "Alekseevski", el sol brilla, "Alekseevski" es transparente para el aire ... estas son "Ver Terraplén del inglés Desde el lado de la isla de Vasilyevsky, "" Vista de la catedral de Kazán en San Petersburgo "," la vista de la flecha de la isla Vasilyevsky desde la fortaleza de Petropavlovsk ".
Y no sean engañados por la palabra "Ver" en los nombres de las pinturas. No "tipos" de edificios y conjuntos escribe al artista: en cada imagen, como en una gota de agua, se refleja todo Petersburg.
Junior Contemporánea G.R. Derzhavina y Senior Contemporáneos A.S. Pushkin, Alekseev elevó la imagen de la ciudad en el rango de arte completo,
y una idealización de la aparición de la capital rusa fue que el artista expresara su amor por la hermosa, cuya encarnación para Alekseeva fue brillante Petersburgo.
La etapa más grande en el desarrollo del paisaje ruso es la creatividad de Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791-1830). En sus primeros trabajos, Shchedrin desarrolló los mismos temas de la ciudad (e incluso por el paisaje Petersburg) como F.YA. Alekseev. Sin embargo, su pintura del período de San Petersburgo sigue más cerca de S.F. Shchedrine (que Silvestra Shchedrin representó el tío). Sylvester Shchedrin formuló su tarea clara y clara: creando un retrato de un terreno. El deseo de entregar la naturaleza de la naturaleza tanto como sea posible, eso es lo que era lo principal para él. Sus numerosas repeticiones y variaciones del mismo tema hablan sobre la perseverancia en el logro de los objetivos. Ocho veces (!) El artista repitió su foto "Nueva Roma. Castillo del Ángel Sagrado ", y cada uno nueva opción Era mejor que el anterior, enriquecido con nuevas observaciones sutiles. Puede tomar al azar cualquier imagen de Shchedrin, e inmediatamente se llevará a la diferencia en la diferencia de generrina de cualquier otro jugador del paisaje. En primer lugar, es, por supuesto, la imagen de las personas, en las imágenes de Shchedrin, no son estrellas ordinarias, no "población", sino imágenes bastante animadas: caras bronceadas, movimientos naturales ...
Las obras de Sylvester Shchredrin precedieron (y parcialmente y acompañadas) las actividades de los artistas de la llamada "segunda fila", que definición, sin embargo, no al menos no restanden de los significados de su creatividad en el proceso artístico y más No hablando de sus medios. Estos fueron pintores muy dotados, solo por una serie de causas subjetivas de objetivos subjetivas del nuevo tiempo, el nuevo tiempo se manifestó en su trabajo, no tan poderoso como en el trabajo de Sylvester Shchedrin. Sin embargo, estos artistas desempeñaron un papel progresivo en el desarrollo de la pintura del paisaje ruso, ya que prepararon su creatividad con el terreno para el nacimiento del "nuevo" art.
Llamaron a estos maestros por artistas-vopeyites. Aunque sería más correcto llamarlos por los viajeros. Algunos de ellos viajaron en Rusia (a.e.e. Martynov, T.a. Vasilyev), otros, en Grecia e Italia (N.F. Alferov, E.M. Korneev), el tercero participó en los pisos circulares (PN. Mikhailov), alguien visitó América (p.p. svignin). Pero lo principal no está en esto. Aunque arrastraron su inspiración al viajar. diferentes paises E incluso en continentes diferentes, todos estos artistas unieron el hecho de que sus creaciones eran, de hecho, eran una "visión", es decir, como si las observaciones de viaje, y nada más.
Sin embargo, no todos los artistas-Vopeymen estaban creando viajes. Había aquellos que estaban satisfechos con la imagen de San Petersburgo solo. (A principios de los años 20 del siglo XIX, hubo una serie muy regular de especies de la capital rusa). Al escribir sus pinturas "Petersburgo", los artistas-Viopiisianos no se establecieron ninguna otra tarea, excepto para describir concienzamente Petersburg. Uno de los maestros más destacados de este tipo de arte visual fue M.N. Vorobyov (1787-1855). Cuando estaba comenzando su camino creativo, ya estaba clasificado como artistas, "famoso por su Dios". Y cuando terminó el camino de la vida de Vorobyeva, fue llamado "famoso de los pintores rusos" e incluso comenzó a leer como "Padre de la pintura del paisaje ruso".
Sin embargo, todo fluye y todo cambia, y la generación subsiguiente de historiadores de arte no ha experimentado un discurso de este tipo a Vorobyev, y su creatividad fue mucho más apreciada, a saber: "Nuestra mejor visa".
Como la mayoría de los románticos del comienzo del siglo XIX, M.N. Vorobyov tuvo una tendencia a los efectos de arte externos, pero en los mejores paisajes alcanzó grandes alturas emocionales. En particular, esto se refiere a los tipos de noche Petersburgo. Aquí, Vorob'ev entró en los pasos del mismo Sylvester Shchedrin, quien en las obras de la década de 1820 cultivó el efecto romántico de la iluminación nocturna. Y de la escuela f.ya. Alekseeva Vorobyov hizo el amor por el paisaje urbano. En sus paisajes de Petersburgo, Vorobyev logró transmitir el genuino romance de la ciudad.
Igualmente importante para pintar ruso el valor de Vorobyov y como maestro. En la Academia de Artes, lideró la "Clase de Paisaje de Pintura y PERSPECTIVAS". Entre sus discípulos fue uno de los jugadores de talentosos paisajes m.m. Lebedev, quien por su, Aloy, creó brevemente una serie de excelentes obras. Paisajes Lebebedev, escritos en Italia (donde se fue como una academia retirada), como si continúe con la búsqueda de Sylvester Shchedrin. Más de todo lo que Lebededev le encantaba escribir los alrededores de Roma, con sus enormes parques y árboles de siglo. A veces, en las pinturas de Lebedev, hay una arquitectura, a veces aparecen figuras humanas, sin embargo, nunca adquieren ese significado que tenían en los paisajes de Generrina. Lebedev no estaba destinado a revelar completamente su talento, en 1837, el cólera tomó un pintor de 26 años en el mundo de los demás.
Además de los artistas mencionados, en las artes visuales rusas, había otro círculo de pintores románticos, quienes en su trabajo se centraron en el tema de la provincia rusa. Y si la pintura del paisaje ruso es S.f. Shchedrin, y el fundador del género del paisaje de la ciudad rusa es F.YA. Alekseev, el "Padre" del género doméstico ruso, sin lugar a dudas, puede ser considerado por Alexey Gavrilovich Venetsianova (1780-1847). Era a.m.g. Venetsianov terminó por el género del hogar en el rango de un tipo completo de pintura. Las mejores obras del artista ("Khumnno", "en tierra cultivable. Primavera", "campesinos con acianos" y otros) fueron creados en la década de 1820. Las parcelas de sus lienzos fueron extremadamente ordinarias: campesinos para limpiar remolachas, arado, cosecha, heno ... y el creativo credo del artista encontró su expresión. Creía que la tarea principal del pintor es "no hacer nada diferente, tan pronto como en la naturaleza ...", en otras palabras, "... sin impureza, los modales, independientemente del artista".
Alexey Venetsian. Kormilitsa con un niño. El comienzo de la década de 1830. Lienzo, aceite. 66.7 x 53 cm. Estado Tretyakovskaya
galería
Cuando una exposición de obras por a.g. tuvo lugar en San Petersburgo Venetianova, ella tenía un éxito impresionante. "Finalmente, esperamos a un artista que fue un maravilloso talento para su imagen de uno doméstico, representar los objetos de su entorno, cerca de su corazón y a nuestro ..." - escribió sobre esta exposición p.p. Svedin.
Sin embargo, las aspiraciones creativas de Venetetianov encontraron. soporte caliente exclusivamente al fin de la sociedad rusa. En los círculos oficiales, la creatividad de Venetsian se percibió "con precisión al contrario", se rechazó categóricamente. La Academia de Artes no ocultó su actitud negativa hacia el artista para retratar al mismo "hombre común".
Venetsianov estaba profundamente atado por tal actitud hacia su creatividad, pero en absoluto porque no tuvo la oportunidad de convertirse en una academia favorita. El Maestro consideró su deber de transferir el conocimiento y la experiencia con jóvenes artistas novatos. "Sin embargo, para recibir cualquier obligación en la Academia de Artes, estoy completamente negada para siempre ..." - Escribir venectson con tristeza.
El deseo de Venetetianov entrenar "miles de sed" se llevó a cabo solo cuando creó en su propios fondos Escuela de Arte. Y aquí no podía prevenir ninguna academia. En su escuela, instruyó a sus estudiantes mientras él mismo consideraba el derecho y correcto, negando decididamente el sistema académico, de acuerdo con
El artista, antes de comenzar a escribir de la naturaleza, fue tener largas horas y días para pasar en el taller de la Academia y aprender a escribir con los "originales". En la escuela de Venetsianova, en las primeras etapas de entrenamiento, el Maestro obligó a sus discípulos a escribir de la naturaleza. Por lo tanto, la Escuela de Venetsianova fue la primera institución educativa artística en Rusia, que se propuso el objetivo, el estudio de la vida real, y no las muestras antiguas. Muchos de los discípulos de Venetsianov, y hubo unas setenta personas, más tarde se convirtieron en artistas maravillosos, justificados plenamente a su maestra.
Uno de los primeros y más queridos estudiantes de Venetetianova fue A.V. Tyranov, comenzando como la mayor parte del "Venetiananov", desde las Escrituras de Interiores, los retratos en el interior, el género "campesino" se derrumbó. En los años juveniles de Tyanov participan en la iconografía. Su trabajo vio accidentalmente veneclensia y por la "capacidad de extraordinaria" se llevó a su escuela. En el espíritu veneciano, escrito "Dos campesinos detrás de las curros" ("Tkachki"), "autorretrato", así como el único en la obra del paisaje de Tiranhy "Opinión sobre el río TOSNA cerca del pueblo de Nikolsky", sorprendentemente armonioso, permeado luz de sol. Durante la vida de Tyanov recibió una gran fama. Según el testimonio de lo contemporáneo, en las exposiciones de este artista "cerca de sus pinturas fue una gran cantidad del público, que no fue posible pasar". Durante varios años, Tyranov fue el retrato más popular de San Petersburgo.
En el campo del retrato, otro estudiante Venetsianova - SK trabajó mucho Zarynko, quien más tarde se convirtió en un académico y un maestro de la Escuela de Pintura, Ware y Arquitectura de Moscú. Al igual que Tyanov, en la etapa temprana de su vida creativa, Zaryaznko prestó gran atención a un retrato de grupo en el interior. Un ejemplo es su imagen "Tipo de pasillo de la escuela de leyes que queja con grupos de maestros y alumnos". Un "retrato de f.p. Tolstoy "es como el siguiente paso de Zaryanko en el desarrollo de esos principios en los que se basó la Escuela de Venetianov, que proclamó que el arte debe pararse lo más cerca posible de la verdad de la vida.
El alumno de Venetsian fue G.V. Cuarenta (artista de cuarenta yónimos, el verdadero nombre de su Vasilyev), un artista serfado que se suicidó. Era un talento brillante y original. Los paisajes son simples, concisos y rosarios. Formación Soroki como artista era casi un rayo. La letra de Venetsianova se ha conservado, donde da una evaluación de las habilidades creativas. Venetsianov lo compara con otro alumno - Plakhov. Las flops, que se graduaron de la Academia de Artes y la pasantía en Berlín, fue el maestro ya establecido. Y aquí hay unos pocos meses de estudio, e incluso en las condiciones rústicas, cuarenta, según Venetsianov, el maestro cubierto de Plakhov. Esta estimación es la evidencia de enormes talentos naturales y no menos enorme Hardabrazando Soroki. El primer paño más grande de Soroki se convirtió en la pintura "Khumno", en la parcela y la composición, hace eco claramente la imagen de Venetetianov bajo el mismo nombre. Pero fueron y - las mismas diferencias explícitas. Venetsianov poetizó el trabajo campesino, su foto fue escrita desde el punto de vista de un "observador lateral". Cuarenta, a diferencia de su maestro, escribió la vida campesina, teniendo la actitud más directa hacia ella, y esto se refleja en la imagen de la realidad del autor (en particular, en los tonos oscuros de la tierra y el rally campesino). El camino creativo de Soroki no duró más de diez años. Solo se conoce de unos veinte de sus pinturas, y casi todos ellos tienen citas aproximadas. El mayor éxito de cuarenta logrado en la pintura del paisaje. Se consideran el mejor escenario de Soroki: "La vista en la finca de la provincia de Tambov de Spassky", "la vista de la presa en la finca de la provincia de Tambov de Spassky", "Vista del lago Moldino". Todos estos lienzos son inherentes al alcance épico en la imagen de la naturaleza. Y tales paisajes, como la "capilla en el parque" y "vistas en las islas", por el contrario, muy cadena y se estresan líricas.
Otro artista con talento serf, en el destino de los cuales Venetetianov jugó un papel importante, fue F.M. Eslavo. Venetsianov llamó la atención a las habilidades artísticas de Fyodor Mikhailov (estos son el nombre real y el apellido del artista) y lo compró desde la servidumbre. Sin tener hijos, Venetetian quería transferir su apellido a alguien de los discípulos. Otro intento Tomó a Fedor Mikhailov, sino también esta vez que no podía recibir la autorización de las instancias oficiales. Por lo tanto, Fyodor Mikhailov, habiendo ganado la libertad, no se convirtió en Venetetsian, pero eslavo. Pero Venetsianov logró alcanzar clases en la Academia de Artes como estudiante voluntario para el permiso eslavo. Slavyansky estudió en el profesor Varek y al mismo tiempo desde Venetianov. Entre las obras de Slavic, el "retrato de A.G. Venetianova "," anciana con un palo ". En la provincia de Tver, Slavyansky escribió un "tipo de patrimonio veneciano", y también escribió retratos de campesinos y campesinos. Pero (como desafortunadamente, a menudo está en el arte) en un alto nivel de habilidad y la creatividad de talento indudable de Slavyansky aún no ganó popularidad.
En la región del paisaje, el estudiante de Venetsianova N.S. era talentoso. Alas. "El invierno ruso" de Krylova es uno de los primeros "inviernos" en pintura rusa: una costa del río cubierta de nieve gris-azulada, a la vanguardia de un bosque oscuro, a la vanguardia de los árboles negros desnudos (por cierto, el El mismo río escribió y Av Tyanov).
L.K. Flovy: uno de los discípulos más talentosos de Venetetianova, logró en su foto "Taller de la Academia de Artes", que combina todas las características típicas de la Escuela Venecia: naturalidad, simplicidad, precisión en detalle. Sin embargo, los peinadores no son los únicos que lo practicaron. Un tipo similar de imagen (unir retratos y interiores) fue muy común en el entorno de los artistas de este círculo. Los miembros de la familia, o amigos, o los que, y otros se sientan, beben té, habla. Tal, por ejemplo, la imagen K.A. Zelentesva "Taller del artista P.V. Basina "(de las otras obras de Zelertsov es bastante interesante para las pinturas al óleo de Etudes:" Chico con una jarra "," Viejo "," joven campesino ", dibujo a lápiz" Venta de leche y un tiro ").
Otro maestro del Krug veneciano, E.F. Krendovsky, trabajó mucho en Ucrania. Una de las obras más famosas: "Plaza de la Ciudad Provincial". Los críticos señalaron "la minuciosidad de las características de todos los personajes similares a la descripción de la apariencia humana a los provinciales.
Cerca de la pintura "Venetetsiovents" (especialmente los interiores) i.t. Khrutsky. En sus lienzos, la misma atención a las salpicaduras de la vida, la situación. Asociado con el trabajo de Venetetsian y Trabajar P.E. Zabolotsky, en el que vemos toda la misma mezcla del género y retrato del hogar.
Por lo tanto, el significado de venetsian, "veneetsianovents", además de cerca de ellos en el espíritu de artistas, en primer lugar, es que comenzaron a escribir su realidad de que es, que es que la raíz se dispersa con los cánones estéticos de Arte académico. Por lo tanto, los vejetes y veetetsiánses llamaron la atención sobre el público, y otros artistas que en la vida cotidiana tenían ante sus ojos, pero aún no estaban sujetos a arte, en los temas domésticos, la vida privada. Por lo tanto, la pintura de Venetsianova y sus seguidores se hicieron informando el derecho de la ciudadanía en las artes visuales rusas.
Además de la escuela de Venetianov, existían otras escuelas de arte en Rusia a principios del siglo XIX. El más grande de ellos fue escuela de ArteFundado en 1802 por el artista A.V. Stupino en la ciudad provincial de Arzamas. Aquí, ningún progreso y ningún camino nuevo en el arte no tienen que hablar. A diferencia de la escuela de Venetianov, el sistema pedagógico de la escuela de Arzamas uno a uno coincidió con el académico. Sin embargo, y aquí la vida contribuyó con sus enmiendas y ajustes. Los amantes provinciales de la pintura ordenaron a los artistas, principalmente retratos, sus propios o miembros de sus familias, por lo que en la práctica de la escuela de Arzamas, el retrato ha sido más desarrollado, lo que, a su vez, contribuyó indirectamente al desarrollo de un retrato realista en pintura rusa.
A principios del siglo XIX, las formas de cámara del retrato, que cultivaron la singularidad y la individualidad, se disfrutaron de un tremendo éxito. mundo espiritual cada persona. Y el creador de este concepto de retrato fundamentalmente nuevo fue Orest Adamovich Cymensky (1782-1836).
Incluso hay una opinión que si todas las pinturas se pusieran en las escalas de la historia en una taza. pintores históricosY en los otros retratos del cepillo Kiprensky, este último habría convertido. No contaremos esta declaración. Solo observamos que si la brevedad se considera una hermana de talento, entonces el extremo es una hermana nativa de errores. Pero lo que sea, repetimos una vez más: Cyproen fue el creador de un concepto de retrato fundamentalmente nuevo.
En la Academia de Artes O.A. Cyprinsky estudió en la clase de pintura histórica. Y en la imagen "Dmitry Donskaya en el campo Kulikov" mostró con confianza el conocimiento de los cánones de una imagen histórica académica. Pero ya en este lienzo temprano, el significado moral de la imagen es algo retirado y su increíble emocionalidad pasa hacia el primer.
Pero no un género histórico, y el retrato desde el principio se convierte en la obra del Cipriano. A medida que un retractista de Cyprinsky comenzó con trabajo romántico - Retrato de a.k. Schwalbe, su padre adoptivo. El retrato fue escrito en unas pocas "manera rembrandt" (iluminación dramática y así sucesivamente). Mirando este trabajo, es imposible determinar exactamente cómo el círculo social pertenece a la persona. Toda la atención del artista se concentra en el mundo interno del personaje, cuyo reflejo es la aparición de retratados. En otras palabras, una persona a sí mismo se presenta hacia adelante, y no su profesión o perteneciente a una clase en particular.
Ejecutar un día en este camino - Interés en mundo interior Humano, Cyproen nunca se ha apagado de él. Para él, la principal en la creatividad se convierte en la creación de imágenes características individuales. Tales, en particular, "Retrato de A.A. Chelischeva ", imágenes emparejadas de cónyuges F.V. y por ejemplo Rostopchinny y otros. Incluso los retratos frontales de Chiprinen hacen líricos y relajados. Un ejemplo vívido de esto - "Retrato del Coronel View-Gusar E.V. DAVYDOVA ". Y posteriormente, en una serie de retratos de lápiz de participantes en la guerra de 1812, heroicos, aunque está en primer plano, pero tiene bastante "sombra sincera".
Los años que tuvieron lugar entre el final de la Academia y la Salida en el extranjero en 1816 eran muy fructíferos para el Cyprosensky. El carácter de los retratos escritos en este momento, romántico. El enfoque se ha centrado en el mundo de los sentimientos de las personas representadas. El mundo espiritual del hombre en los retratos de la luz de Cyprosle y es clara.
En 1810, el crepúsculo del retrato de lápiz viene en el trabajo del Cyprosken. Entre sus dibujos, puedes encontrar los bocetos de fugitivos y composiciones completas. En sus dibujos, el artista es aún más directo que en los retratos de petróleo, las características individuales del modelo transmiten.
Uno de los mejores retratos románticos de Cyproen es un retrato de A.S. Pushkin. El artista, transfiriendo fielmente la aparición del poeta, mientras que rechaza todo lo ordinario. Pushkin se representa con las manos dobladas en su pecho, se ve cuidadosamente a la distancia, pasando al espectador, una capa romántica cubre su traje moderno. Por un lado, es, sin duda, Pushkin, y, por otro lado, una imagen colectiva de una persona creativa.
Hay dos revocaciones de A.S. Pushkin sobre este retrato es poético y prosaico. La retroalimentación poética es bastante posible como un epígrafe de todo el trabajo del Cyproen, que se caracteriza por una combinación de similitud de retratos y idealización de carácter romántico:
"Al sí como en el espejo, veo, pero este espejo me admite ..."
La revisión de prosa fue más fácil y más corta (la esencia, sin embargo, permaneció igual). gran poeta Dijo el gran artista: "Te adula, Orest".
Un destacado retratista, contemporáneo del Cyprosensky, fue Alexander Grigorievich Varnak (1782-1843). Una característica distintiva de su creatividad es la transmisión correcta de la naturaleza. Esto se apresura inmediatamente a los ojos en tales, por ejemplo, las obras del artista, como el "retrato de un desconocido en la silla" o "autorretrato en los ancianos". Al dar homenaje al arte del artista, los contemporáneos evaluaron las obras de Varna tan altas como las creaciones del Cyprojo. Sin embargo, después, la creatividad de Varek recibió un lugar más modesto en las artes visuales rusas, en lugar de la obra del Cyprossky.
Y es correcto, ya que las obras de Varek son claramente inferiores a las obras maestras del Cyprojo y la profundidad del contenido, y en la riqueza del formulario.
A principios de siglo, la litografía aparece en Rusia (sello plano de la piedra) y despliega rápidamente el grabado de goma en el metal. La litografía estaba aficionada a la a.e antes mencionada. Martynov (1768-1826). Incluso tenía su propio taller litográfico. Martynov creó una serie litográfica "Tipos de San Petersburgo y sus alrededores". Las obras de esta serie pertenecen a los más altos logros del asistente.
Acerca de Andrei Efimovich Martynov le gustaría decir especialmente. Fue el representante más famoso de la familia talentosa (los artistas eran su hijo, y su hermano menor). Se graduó de la Academia de Artes por la clase de pintura del paisaje. Fue aprendido por S.f. Shchedrin. Juntos trabajaron en la creación de pintura mural del Palacio Pavlovsky. Con el tiempo, Martynov comenzó a dar gráficos preferidos. Esto fue facilitado por el hecho de que el artista viajó mucho, y durante estos viajes encontró nuevos temas para su trabajo. En 1804, Martynov "describió toda la región sur de Rusia y se quitó las vistas de todas las ciudades". Y en 1805, él, siendo el artista principal de la Embajada de Rusia, viajó desde Moscú a Urga - Mongolian Kochye en la estepa de Gobi. En este viaje, recogió el material más rico, que sirvió de base para sus ciclos gráficos.
el fin camino creativo También resultó ser muy productivo para el artista. En la década de 1820, Martynov había creado la mejor serie gráfica, que lo puso en uno de los lugares honorarios de la historia del arte ruso. Me gustaría observar el indiscutible campeonato de Martynov en la descripción de la vida silvestre rusa. A principios del siglo XIX, creó la magnífica lona "Vista siberiana del río Selenga" y "Baikal" (más tarde, I.I. Levitan continuó).
Uno de los retratos rusos más grandes del tiempo "romántico" fue Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857). Incluso la biografía de la tropinina correspondió a las leyes de la era romántica. Esta es la biografía del verdadero talento, que, gracias a su arduo trabajo, perseverancia y perseverancia, logró recurrir al éxito, al contrario de las circunstancias adversas de su vida. Y las circunstancias adversas acompañaron a la tropinina del mismo nacimiento, nació en una familia serf. Y esta circunstancia se dibujó detrás de él con un tren triste casi a través de toda su vida.
El SERF se le permitió asistir a la Academia de Artes, pero solo como "forasteros", es decir, estudiantes voluntarios. Tropinina pasó con éxito las clases de dibujo y entró en el taller de pintura de retratos. Según el testimonio de uno de los biógrafos, artista joven "La suavidad de su carácter y el amor constante por el arte pronto obtuvo una ubicación amistosa y respeto por el momento en el momento de los mejores discípulos de la Academia: Cyproshensky, Varek, Skotznikov ..." Tropinin estudió brillantemente y pronto recibió plata y oro. medallas
Ya en sus primeros trabajos, el artista se compromete a crear caracteres populares. Las imágenes de los campesinos, aunque eran conocidos en el siglo XVIII, pero llevaban un carácter puramente episódico, y aún más exótico. Solo a principios del siglo XIX, los temas campesinos se convierten en una dirección completa del arte visual ruso. Esto se debe, por supuesto, principalmente con las obras de Venetetsian y sus estudiantes. Pero se debe tener en cuenta que los "campesinos" de Tropininsky precedieron a los "campesinos" venetsian. Y si el mérito de Venetetianov es que descubrió la vida rusa y la naturaleza nacional rusa para el arte, entonces se pueden considerar los méritos de la tropinina que descubrió a la gente y la naturaleza de la Malorusia ("Italia rusa" para la audiencia, como lo llamaron sus contemporáneos. ).
Los rastros de trabajo activo en el tema ucraniano se encuentran no solo en la pintura, sino también en la tabla de tropinina. En sus acuarelas e imágenes de los años 1810 del siglo XIX hay mujeres en ropa ucraniana, y pastores, y pasteles. Los mejores bocetos: "Jacia", "El Juez Mundial" también están asociados con Ucrania.
Se puede decir que la tropinina es el fundador de toda la dirección en el arte ruso relacionado con el análisis. carácter popular. Todos sus "sirvientes", "Wanderers", "viejos soldados", en última instancia, en la segunda mitad del siglo XIX "Tragado" en el trabajo de las películas.
Al igual que los vejetes con veteetsianianos, Tropinin practicó ampliamente la "mezcla de géneros", que, por ese momento, la innovación indudable, es decir, creó un tipo especial de pinturas en las que el retrato está conectado orgánicamente al entorno doméstico (está escrito en Este estilista, por ejemplo, "encaje" y "siembra de oro"). Desde todos estos lienzos, sin excepción, indica la paz, la tranquilidad, la comodidad ... la tropinina nos recuerda el valor de cada minuto de nuestro vehículo. Tropinin escribió muchas fotos. Todos ellos son algo similares, todos vemos a las mujeres jóvenes detrás de la costura: intentos, bordados, atascos de oro. Y sus caras también son muy similares, y esto no es por casualidad, el artista demuestra su ideal femenino: una cara suave, ojos oscuros, una sonrisa amistosa ... Así, en las pinturas de una tropinina en todas partes hay un tipo en combinación. Con alguna acción, como regla, simple e inequívoca.
El más popular de las obras mencionadas anteriormente fue el lienzo de Licker: una niña dedicada a tejer de encaje, se retiró del trabajo y mira al espectador, lo que se convierte en un miembro involuntario de la trama, pero al mismo tiempo estando "más allá de la fotografía".
Para pintar tropinina es característica de la simplicidad límite. El artista creía que el retrato debería estar ocioso, simple y lo más cerca posible de la apariencia real de una persona.
La naturaleza de las citas de la tropinina era tal que en sus lienzos reflejaba su vida en poéticamente, y no críticamente. La actitud crítica a la realidad aparecerá más tarde, y no en la tropinina, sino en las pinturas de otros artistas. Mientras tanto, los gustos estéticos de la época coinciden con los gustos estéticos del artista. Incluso el trabajo en los estantes tropicales no se extiende, pero agradable y fácil. Tropinina atrajo imágenes de niños brillantes. Él retrató a los niños con pájaros, juguetes, instrumentos musicales. Todas estas obras son claramente deseadas por sentimentalismo.
Que preocupación retratos masculinosEntonces, la tropinina comprendió la realidad algo más realista que en los retratos de mujeres y niños. Tal es su "alfombra, apoyada en Knutovishche", "Viejo, murmullo de muleta", etc.
Se consideró que la tropinina era considerada (y considerada) el mejor retrato de su época. Y uno de sus mejores retratos es considerado (y considerado) el famoso retrato de A.S. Pushkin. Pushkin ordenó un retrato de tropinina para un regalo a su amigo Sobolevsky. En este retrato, el artista logró expresar más fuertemente su ideal espiritualmente. hombre libre. Pushkin se representa en un albornoz, la puerta de la camisa está descomprimida, la bufanda de la corbata es bastante casual. Con todo esto, el Pushkin de Tropininsky no está aterrizado, por el contrario, es majestuoso, incluso monumental, ya que dice una postura orgullosa, y su túnica de vestir de casa es casi como una antigua toga romana. Este retrato es bonito destino interesante. Hubo varias copias de él, y el original se perdió y se encontró solo muchos, muchos años después. Tropinina pidió renderizar retrato, ya que estaba muy dañado. Pero el artista se negó rotundamente, diciendo que "no se atreve a tocar las características, colocada de la naturaleza y más que una mano joven".
Se debe observar otro rasgo característico de las citas Ternininsky: el artista es siempre muy amable con sus modelos. Los retratos de un cepillo de tropinina son fácilmente reconocibles en las expresiones benevolentes de las personas peculiares de sus personajes. Sí, y la tropinina en la vida fue amable y amable. Tales fueron sus puntos de vista sobre el arte: después de todo, los retratos están escritos en el siglo, por qué demuestra en ellos las deficiencias de una persona cuando pueden mostrar sus ventajas. Tropinin dijo: "¿A quién le encanta mirar enojadas, caras nubladas en la vida? ¿Por qué transmitir el lienzo desagradable, que se mantendrá sin cambios, por qué producir una impresión difícil, para iniciar recuerdos severos al amar a esta persona? Deja que lo vean y recuerden en una feliz era de la vida ".
En dolor creatividad tardía Tropinin buscó la comprensión más profunda de la personalidad del hombre. Y al final de la vida, el artista se acercó de cerca al realismo crítico de la segunda mitad del siglo XIX. Pero esta parte de su creatividad está más allá del período en consideración.
Por primera vez décadas XIX. Aparece un retrato de acuarela. Y aquí, en primer lugar, se debe mencionar a Peter Fedorovich Sokolova (1791-1848) (1791-1848), quien nos dejó nuevamente uno de los mejores retratos de Pushkin, y además, y una amplia galería de las imágenes de Pushkin Contemporáneos . Fácil, Vuelo, Avoceso son las características características de la frotis de acuarela Salol.
A principios del siglo XIX, se desarrolló una educación de géneros como un álbum. Por supuesto, no se puede poner en un solo paso con alto arte, sino también ignorarlo sería injusto. Después de todo, esta es una parte integral de la cultura rusa de la época.
El gráfico del paisaje salió de la vida noble y, por lo tanto, pertenecía plenamente a la casa noble. Como ustedes saben, Pushkin pintó mucho a los álbumes de sus amigos. Y la cultura gráfica de los álbumes en aquellos días fue descrito por los contemporáneos de Pushkin.
De hecho, es, por supuesto, aficionado o, sin importar cómo decimos, el arte amateur. Pero al mismo tiempo, es necesario tener en cuenta que el horario de paisaje de ese tiempo se distinguió por un nivel muy alto de habilidad. Un rasgo característico de la cultura de la Edad de Oro, solo el "flujo" del campo profesional en ocupaciones amateurs de varias artes. A principios del siglo XIX, la capacidad de poseer un lápiz y un cepillo (al igual que el conocimiento idiomas extranjeros) Fue bastante natural para la persona educada. El hobby generalizado de la pintura y la imagen cae en los años veinte del siglo XIX, pero a mediados del siglo, los gráficos del álbum se debilitan y al final se desplaza.
A principios del siglo XIX, el llamado retrato familiar se generalizó. En este momento, aparecen muchos retratos infantiles y familiares. Todos ellos, con raras excepciones, tuvieron un valor puramente aplicado. De hecho, un retrato familiar en cierto sentido realizado (y anticipado) la función de las fotografías para la ausencia de tales. Por lo general, fue un lienzo simple, desconocido escrito por artistas provinciales. Pero estas imágenes son valiosas para nosotros no por sus méritos artísticos, que hay una o dos o dos y lo hicieron. En ellos encontramos valiosos detalles del hogar, gracias a los cuales podemos sentir el aroma de la era: tintas, cintas, piezas de disfraces, casas de tarjetas, huevos de Pascua ... Aunque los retratos familiares estaban generalizados, se han conservado muy bien antes de nuestro tiempo. . En la actualidad, el fenómeno del retrato familiar del comienzo del comienzo del siglo está mal estudiado, todavía está esperando a su investigador reflexivo y minucioso.
Así que vamos a resumir algunos resultados.
El desarrollo de la cultura es continuo. Desde el siglo, el "hilo de la carpeta" se extiende en el siglo, y cada nueva generación de creadores enciende y replica los logros de sus predecesores, se basa en el ya alcanzado y, saliendo, continúa. Esto es progreso.
El clasicismo que surge en la pintura rusa en el siglo XVIII aceptó arte antiguo para una muestra y comenzó a silenciarlo con diligencia. En Rusia, el clasicismo recibió el estado oficial de la "dirección estatal" en las artes visuales. La Academia de Artes Rusa construyó una forma clásica para el pedestal, lo que los convierte en una ley inmutable e sin cambios.
Pero a principios del siglo XIX, en los "días del excelente comienzo de Aleksandrov", se desarrolla una nueva dirección en el arte visual ruso: el romanticismo.
El romanticismo cubrió rápidamente todo. países europeos, colocando profundas raíces allí y dando abundantes gérmenes, que, sin embargo, no interfieren con el clasicismo para continuar desarrollando sus tendencias clásicas en parte porque el romanticismo no se rompió con las tradiciones del clasicismo con toda su innovación.
En el arte de Rusia. tendencias románticas La primera mitad del siglo XIX se implementó con éxito en todos los géneros sin excepción, pero sobre todo, en el género de retratos y en el género del paisaje. Los artistas rusos prefirieron las ruinas antiguas de la imagen de la naturaleza real con sus campos y bosques, ríos y lagos, ciudades y pueblos ... El paisaje se liberó gradualmente de los cánones de la pintura clásica. La naturaleza comenzó a entenderse no como algo decorativo, sino como un espacio habitable y el alcance de expresar sentidos personales del hombre. Este fue el comienzo de la dirección romántica en la pintura del paisaje ruso. Al mismo tiempo, debe considerarse especialmente una característica muy característica, que se caracterizó por el romanticismo ruso del comienzo del siglo XIX: la percepción romántica de la naturaleza no contradice el estudio constante de su aspecto concreto.
En el arte vertical, también detectamos el desarrollo activo de una variedad de formas de realidad. Una persona ya no se representa solo en una vena antigua, patrimonial o profesional. Porportados aparecen ante nosotros en la singularidad de su almacén mental, en la apariencia cotidiana, en un entorno ordinario ... En todo esto, el deseo de los artistas se acercan a la naturaleza, a una imagen más directa de la vida real. La vida no solo está coordinada, sino también a las profundidades remotas.
Por lo tanto, las características distintivas del arte pictórico ruso del primer tercio del siglo XIX pueden considerarse una combinación de los principios del clasicismo y el romanticismo (KP Bullelov, etc.), la formación de un género doméstico (AG Venetsian y otros) , el desarrollo de un retrato del género (V. A. Tropinin et al.), Una combinación de percepción romántica de la realidad con misiones realistas (O.A. KIPREENSKY y otros).
Y a mediados del siglo XIX, surge una nueva dirección en el realismo visual ruso.
En una de sus obras, Ai Herzen escribió sobre los pueblos rusos, "poderosos y no entregados", que "conservaron los magníficos rasgos, una mente viva y un amplio rampante de una naturaleza rica bajo la opresión del estado de la fortaleza y a la orden de Petrovsky. Para apelar en cien años con un gran fenómeno de Pushkin ". Por supuesto, no solo A. S. Pushkin significaba HERZEN. Pushkin se convirtió en un símbolo de su época, cuando ocurrió un rápido despegue en el desarrollo cultural de Rusia. El tiempo de Pushkin, el primer tercio del siglo XIX, no está en vano llamado "Edad de oro" de la cultura rusa.
El comienzo del XIXVEK - el tiempo de levantamiento cultural y espiritual en Rusia. Si en el desarrollo económico y sociopolítico, Rusia duró de avanzado. estados europeosEn los logros culturales, ella no solo entró en ellos, sino que a menudo se adelantó. El desarrollo de la cultura rusa en la primera mitad del siglo XIX se basó en la transformación del tiempo anterior. La penetración de los elementos de las relaciones capitalistas con la economía ha fortalecido la necesidad de personas competentes y educadas. Las ciudades se han convertido en los principales centros culturales. Las nuevas capas sociales se han introducido en procesos públicos. La cultura desarrollada contra el fondo de una creciente identidad nacional de los rusos y en relación con esto tenía un carácter nacional pronunciado. Un impacto significativo en la literatura, el teatro, la música, el arte visual fue proporcionado por la Guerra Patriótica de 1812, que aceleró el crecimiento de la identidad nacional de los rusos, su consolidación en un grado sin precedentes. Hubo un acercamiento con el pueblo ruso de otras naciones de Rusia. Sin embargo, las tendencias conservadoras en las políticas de los emperadores Alexander I y Nicholas interpreté el desarrollo de la cultura. El gobierno luchó activamente con las manifestaciones del mejor pensamiento público. El cierre no permitió la oportunidad de disfrutar de grandes logros culturales a toda la población.
La época de la liberación dio un fuerte impulso al desarrollo cultural de Rusia. Los cambios en la vida económica y política después de la caída de la servidumbre crearon nuevas condiciones para el desarrollo de la cultura. Retraer las relaciones de mercado Las capas más grandes del campesinado con toda la nitidez plantearon el tema de la educación popular primaria. Esto causó un primer aumento invisible en el número de escuelas rurales y urbanas. La industria, el transporte y el comercio mostraron más y más demanda de especialistas con educación media y superior. Se arriesgó significativamente las filas de la inteligencia. Sus solicitudes espirituales causaron el crecimiento de una publicación de libros, elevaron la circulación de periódicos y revistas. En la misma ola había el desarrollo del teatro, la pintura, otras artes. La cultura de Rusia La segunda mitad del XIX, a principios del siglo XX ha absorbido las tradiciones artísticas, los ideales estéticos y morales de la "Edad de Oro" del tiempo anterior. A principios de los siglos de los siglos XIX - XX en la vida espiritual de Europa y Rusia, hubo tendencias relacionadas con el cultivo mundial del hombre del siglo XX. Exigieron una nueva comprensión de lo social y problemas morales. Todo esto llevó a la búsqueda de nuevos métodos visuales y medios. En Rusia, había una especie de período histórico y artístico, que su contemporánea llamada "Edad de plata" de la cultura rusa.
El globo del mundo del mundo, la idea de su despertar espiritual, el impacto de las úlceras de los siervos de la Federación de Rusia es tales como los principales temas del arte visual del siglo XIX.
SOBRE Perros
1 Pintura rusa de la primera mitad. XIX. siglo.
Para las artes visuales rusas, se caracterizaron el romanticismo y el realismo. Sin embargo, el clasicismo fue un método oficialmente reconocido. La Academia de Artes se ha convertido en una institución conservadora y oblicua que impidió cualquier intento por la libertad de creatividad. Exigió estrictamente seguir los cánones de clasicismo, alentó a la escritura de pinturas sobre parcelas bíblicas y mitológicas. Los jóvenes artistas rusos talentosos no satisfacían el marco del Academismo. Por lo tanto, más a menudo se volvieron a un género retrato.
Cyprosa Orest Adamovich, artista ruso. Un destacado maestro de arte visual ruso del romanticismo, conocido como un retrato maravilloso. En la pintura "Dmitry Donskaya en el campo Kulikov" (1805, el museo ruso) demostró un conocimiento confiado de los cánones de una imagen histórica académica. Pero temprano de la región, donde se revela su talento en lo más natural y a gusto, el retrato se vuelve. Su primer retrato pintoresco ("A. K. Schwalbe", de 1804, y allá), escrito en la manera de Rembrandt, destaca por su luz expresiva y dramática en blanco y negro. A lo largo de los años, su habilidad, - para crear en la capacidad de crear principalmente las imágenes únicas de características individuales, seleccionando herramientas plásticas especiales para que esta característica sea rechazada, está creciendo. La impresionante vitalidad está llena: retrato de un niño A. A. Chelischev (alrededor de 1810-11), imágenes emparejadas de los cónyuges F. V. y E. P. Rostopchinny (1809) y V. S. y D. N. podvovkov (1814, toda la galería de Tretyakov). El artista supera cada vez más las posibilidades de color y los contrastes negros y negros, fondo de paisaje, detalles simbólicos ("E. S. Avedul", alrededor de 1822, allí). Incluso los grandes retratos frontales, el artista sabe cómo hacerlo liralmente, casi íntimamente relajado ("Retrato del Coronel de Vida-Gusar de Evgraph Davydova", 1809, Museo Ruso). Su retrato de una gloria poética joven, sheed. Pushkin es uno de los mejores para crear una imagen romántica. Cyproen Pushkin se ve solemne y romántico, en el halo de la fama poética. "Me adulan, Orest", suspiró Pushkin, mirando el lienzo terminado. Cyprosensky también fue un drenador virtuoso, creado (principalmente en un lápiz italiano y técnica pastel) muestras de habilidades gráficas, a menudo superiores a los retratos emocionales abiertos y emocionantes. Estos son ambos tipos de hogares ("Músico ciego", 1809, Museo Ruso; "Kalmychka Bayatausta", 1813, Galería de Tretyakov), y la famosa serie de retratos de lápices de los participantes. Guerra patriótica 1812 (dibujos con la imagen de E. I. Chapliclica, A. R. Tomilov, P. A. Olenina, el mismo dibujo con el poeta Batyushkov et al.; 1813-15, Galería de Tretyakov y otras reuniones); El comienzo heroico aquí adquiere una sombra sincera. Una gran cantidad de bocetos y certificados de texto muestran que el artista es todo su período maduro para crear una gran (de acuerdo con sus propias palabras de la carta una Olenina de 1834), "espectacular, o, en ruso, a decir, una huelga y Pintura mágica ", donde en la forma alegórica, los resultados de la historia europea serían representados, así como el propósito de Rusia. "Lectores de periódicos en Nápoles" (1831, Galería de Tretyakov) - Salida solo un retrato de grupo, de hecho, existe una respuesta simbólica escondida a los eventos revolucionarios en Europa. Sin embargo, los más ambiciosos de las pintorescas alegorías de Kiprensky permanecieron incumplidas, o desaparecieron (como la "Tumba anacreónica" completada en 1821). Sin embargo, estas búsquedas románticas obtuvieron una continuación a gran escala en la obra de K. P. Bryullov y A. A. A. ivanov.
Manera realista reflejó obras por v.A. Tropinina. Los primeros retratos de tropinina, escritos en el rango de colores restringidos (retratos familiares de los conteos de las zanahorias 1813 y 1815, ambos, en la galería de Tretyakov), todavía pertenecen a la tradición del siglo de la iluminación: el modelo es el incondicional. y centro estable de la imagen. Más tarde, la pintura de la tropinina de la pintura se vuelve más intensa, los volúmenes suelen ser más claros y esculpulados, pero lo más importante, el sentimiento puramente romántico de los elementos móviles de la vida, solo parte, cuyo fragmento parece ser un héroe retrato (Bulakhov , 1823; "Kg Ravich", 1823; autorretrato, alrededor de 1824; Los tres están allí en el mismo lugar). Takov y como Pushkin en el famoso retrato de 1827 (Museo All-Ruso como Pushkin, Pushkin): Poeta, poniendo su mano en una pila de papel, sin importar cómo "Musey vacila", escucha el sueño creativo, el medio ambiente es invisible halo También escribió un retrato de A.S. Pushkin. Antes de que el espectador aparezca la experiencia de vida de Magician, no una persona muy feliz. En el retrato del poeta de tropinina acogedor. Algún tipo de calidez especial de Staromoshkovsky y amonas de comodidad de las obras de tropinina. Hasta 47 años de edad estaba en la captura de la fortaleza. Por lo tanto, probablemente sea tan fresco, tan espiritualizado en sus lienzos de la cara de la gente común. Y los jóvenes infinitos y el encanto de su "encaje". La mayoría de las veces v.A. Tropinina aplicada a la imagen de las personas de la gente ("encaje", "Retrato de Hijo", etc.).
Búsqueda artística e ideológica de pensamiento público ruso, a la espera de cambios afectados las imágenes de k.p. Bryullova "Último día Pompeya" y a.a.A. Ivanova "El fenómeno de Cristo a la gente".
La gran creación del arte es la pintura "Último día Pompeya" Karl Pavlovich Bryullova (1799-1852). En 1830, un artista ruso Karl Pavlovich Bullelov visitó la excavación de la antigua ciudad de Pompeya. Caminó por el puente antiguo, los frescos admirados y en su imaginación se levantó. noche trágica Agosto 79 N. mi. Cuando la ciudad estaba cubierta con cenizas calientes y un Pembasspie despertado por Vesuviya. Tres años después, la pintura "El último día Pompei" hizo un viaje triunfante de Italia a Rusia. El artista encontró pinturas increíbles para la imagen de la tragedia. ciudad antiguaPerfabando bajo anteojo y las cenizas del vesubio arrojado. La imagen está imbuida de altos ideales humanísticos. Muestra el coraje de las personas, su dedicación, mostrada durante una terrible catástrofe. Bryullov estaba en Italia en un viaje de negocios de la Academia de Artes. En esta institución educativa, la técnica de capacitación de pintura y dibujo estaba bien entregada. Sin embargo, la Academia se enfocó inequívocamente en un patrimonio antiguo y temas heroicos. Para la pintura académica, se caracterizó un paisaje decorativo, la teatralidad de la composición general. Escenas de la vida moderna, el paisaje ruso habitual fue considerado indigno de los pinceles del artista. El clasicismo en la pintura se llamaba Academismo. Bryullov se asoció con la Academia de toda su obra.
La primera mitad del siglo XIX es una página brillante en la cultura de Rusia. Todas las direcciones son literatura, arquitectura, la pintura de esta era están marcadas por toda la constelación de nombres que trajeron la fama mundial al arte ruso.
La cultura desarrollada contra el fondo de una creciente identidad nacional de los rusos y en relación con esto tenía un carácter nacional pronunciado. Un impacto significativo en la literatura, el teatro, la música, el arte visual fue proporcionado por la Guerra Patriótica de 1812, que aceleró el crecimiento de la identidad nacional de los rusos, su consolidación en un grado sin precedentes.
Clasicismo
A principios del siglo XIX, el clasicismo desempeñó un papel importante en la pintura rusa.
Una de las obras conocidas de principios de siglo en el tema histórico: la imagen de Dmitry Ivanovich Ivanova (1782 - después de 1810) "Marfa Posadanny", escrita en 1808. El artista atrae a la historia. rusia antigua, período de lucha Princesa novgorod Con el creciente principado de Moscú.
La imagen muestra a Miroslav, quien está preparando la historia de los Novgorod para luchar contra Moscú, y se quita de la herdeña Feodosia de la espada de Ratmir. Miroslava llevó a la hija de la manada Feodosia, Marfa, dirigiéndose a la oposición novgorod. El estilo clásico es responsable tanto del carácter de la trama como el lenguaje artístico de la pintura.
Romanticismo
La novedad de las opiniones trajo romanticismo al arte ruso, el flujo europeo en curso a la vuelta de los siglos XVIII - XIX. Con la moda en las ruinas, los sacramentos de Frankmason, las novelas de caballeros y los romances están asociados con el desarrollo del romanticismo en la pintura rusa.
En Rusia, el romanticismo adquirió su peculiaridad: a principios de siglo tenía un color heroico, y durante los años de la reacción de Nikolaev, trágica. Al mismo tiempo, el romanticismo en Rusia siempre ha sido una forma de pensamiento artístico, cerca del espíritu de sentimientos revolucionarios y enviados.
Retratos de Kyrenovsky Oreste
Más brillante, el romanticismo se mostró en el arte retrato. Un retrato romántico aprueba la personalidad única de un mundo espiritual humano, se distingue por la franqueza de la expresión, la precisión y la nitidez de la característica fisonómica, la emocionalidad en vivo.
El retrato más significativo del primer tercio del siglo XIX. Fue Oest Adamovich Cymensky (1782-1836). Ya en 1804, creó una de las obras más interesantes: un retrato de un padrastro - Adam Schwalbe.
Se formó un tipo peculiar de un retrato de cámara en el trabajo del Cyprosken, con la sincera profundidad de la vida espiritual humana. La mayoría de los héroes de Kiprensky son portadores de la más alta amabilidad, altamente moral, comienzo humanista.
Alexey Gavrilovich Venetsian
Un maravilloso pintor, el creador de un peculiar flujo romántico nacional en pintura rusa fue Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847), el amado estudiante de Borovikovsky. Venetsianov creó un estilo único al conectarse en sus obras la tradición del Academismo Capital, el romanticismo ruso del comienzo del siglo XIX. e idealización de la vida campesina. Se convirtió en una fuente de género doméstico ruso.
Alexander Osipovich Orlovsky
Otro representante conocido de la pintura rusa de principios de siglo - Alexander Osipovich Orlovsky (1777-1832). En el trabajo de Orlovsky, así como el Cyproen, se pronunciaron las tendencias románticas. El artista estaba interesado en gratis, gente fuerte, características nacionales Varias naciones. En sus pinturas, el Orlovsky a veces representaba las escenas características y agudas. Amada la imagen romántica de un artista - hombre a caballo. Los jinetes y las escenas de caballos rodeados de paisajes emocionales están presentes en muchas de sus obras artísticas.
Vasily Andreevich Tropinin
El famoso artista ruso-retratista Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857) continuó su actividad creativa Más de medio siglo, la mayor parte de la vida, mientras que permanece siervo. Los mejores años de creatividad del artista coincidieron con el tiempo del apogeo del talento de Kiprensky. Ambos artistas estaban cerca de su deseo de simplicidad y facilidad de imagen humana. Sin embargo, los personajes de Tropinin son todos y más fáciles, lo que indica una investigación de la característica del artista de la época de las nuevas tendencias hacia la democratización del arte.
Hasta 47 años de edad estaba en la captura de la fortaleza. Por lo tanto, probablemente sea tan fresco, tan espiritualizado en sus lienzos de la cara de la gente común. Y los jóvenes infinitos y el encanto de su "encaje".
Uno de los retratos más famosos y realistas. Pushkin, es un retrato escrito por V. Tropinin en 1827
La ropa del poeta es muy simbólica: el artista lo describió en un abrigo de casa gratuito, hermanado en una camisa blanca con un collar elevado. Se une la imagen en la parte superior de una bufanda de seda de cuello y cabello ligeramente despeinado. ¡El verdadero Bayron ruso en una albornoz! No en vano tropical para la imagen de Pushkin, fue este atuendo: como ningún otro, transmite exactamente las características principales del carácter del poeta, su amor por la libertad y la libre formación.
El retrato muestra a Pushkin-poeta, y Pushkin-Man. Toda su postura habla de su energía irreprimible, puede parecer que en un momento, se levantará y se irá.
El artista pudo pasar por el retrato de la espiritualidad y el rico mundo interno de Alexander Sergeyevich, gracias a la cual la imagen resultante causa el entusiasmo y el amor de la audiencia.
Karl Pavlovich Brullov
Karl Pavlovich Brullov (1799-1852) fue uno de los más brillantes, y al mismo tiempo un artista contradictorio en ruso. pintando XIX. siglo. Bryullov tenía un talento brillante e independientemente de los pensamientos. A pesar de las tendencias del tiempo (el efecto del romanticismo), el artista no podía deshacerse completamente de los cánones clásicos. Tal vez es por eso que su trabajo es muy apreciado por el lejos de la Academia de Artes Advanced Petersburg: Él era su estudiante en su juventud, y luego se convirtió en un profesor bien merecido.
Búsqueda artística e ideológica de pensamiento público ruso, esperando el cambio reflejado en la pintura de K.P. Bryullov "Último día Pompeya".
En 1830, Bryullov visitó las excavaciones de la antigua ciudad de Pompeya. Caminó por el antiguo puente, admiró los frescos, y en su imaginación, el Thor de la Trágica Noche de agosto de 79 g. mi. Cuando la ciudad estaba cubierta con cenizas calientes y un Pembasspie despertado por Vesuviya. Tres años después, la pintura "El último día Pompei" hizo un viaje triunfante de Italia a Rusia.
Alexander Andreevich Ivanov
En la primera mitad del siglo XIX. Vivió y trabajó por el artista Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Dedicó toda su vida creativa a la idea del despertar espiritual de las personas, encarnarla en la pintura "el fenómeno de Cristo a la gente". Durante más de 20 años trabajó en esta foto, que invirtió todo el poder y el brillo de su talento. En el primer plano de su gran paño, la figura valerosa de Juan el Bautista, señalando a las personas en el Cristo que se acerca, se lanza a los ojos. Su figura se da en la distancia. Aún no ha venido, él va, definitivamente vendrá, dice el artista. Y alegremente, las caras y las almas se aclaran de aquellos que esperan al Salvador. En esta foto, mostró cómo I. E. Repin dijo más tarde, "las personas oprimidas, ansiosas por la libertad".
Pavel Andreevich Fedotov
Con el nombre, Pavel Andreevich Fedotova (1815-1852) se asocia con una etapa importante de la formación de la pintura realista rusa del siglo XIX. Fedotov tuvo observación aguda, percibió sensiblemente las deficiencias del sistema social. Poseer el talento de Satirik, el artista por primera vez en la pintura rusa dio un género social, una expresión crítica. En sus pinturas, el pintor mostró la vida de los ciudadanos: entre los personajes, sus obras eran comerciantes, oficiales, funcionarios, pobres. Fedotov gran importancia Entregó las observaciones de su vida, muchos bocetos de la naturaleza. A menudo, las acciones de sus pinturas se construyen sobre el conflicto, donde se administra las características sociales de las personas.
En el corazón del escenario de la pintura "mirando mayor", un matrimonio ordinario para el cálculo entre la hija del comerciante rico y el mayor-noble arruinado. En ese momento, tales transacciones fueron comunes: algunos buscaban obtener dinero, y los otros títulos en la sociedad, y solo una familia necesitaba para sobrevivir, la bancarrota era inevitable colapso.
En 1848, su imagen "Fresh Cavalier" se presentó en la exposición académica. La imagen muestra a un funcionario que se le otorgó por primera vez el primer premio para él, la orden, y ahora ya está en la cima de sus sueños, representándose, luego el gobernador.
Fue un ridículo audaz no solo sobre funcionarios contundentes, independientes, sino también sobre las tradiciones académicas. Albornoz sucio en el que se atreve. el personaje principal Fotos, muy recordó a Antichny ToGu. Los calls se pararon durante mucho tiempo antes de la tela, y luego dijeron al autor del semi-secado semi-seco: "Te felicito, me ganó".
A pesar de la diversidad de individualidades creativas y con la diferencia en tareas artísticas específicas, la tendencia general en la pintura rusa de la primera mitad del siglo XIX se redujo al enfoque de todos los géneros de arte a la vida. Esta tendencia se reflejó en la apelación de la mayoría de los artistas a las parcelas y problemas modernos, en la atención al mundo interno del hombre, a las experiencias del propio artista. Es por eso que el conocimiento de la obra de los maestros de la primera mitad del siglo XIX causa a la audiencia un sentimiento animado de la era, da una idea de los pensamientos y sentimientos de la sociedad rusa.
Pintura rusa de la primera mitad del siglo XIX.
Para las artes visuales rusas, se caracterizaron el romanticismo y el realismo. Sin embargo, el clasicismo fue un método oficialmente reconocido. La Academia de Artes se ha convertido en una institución conservadora y oblicua que impidió cualquier intento por la libertad de creatividad. Exigió estrictamente seguir los cánones de clasicismo, alentó a la escritura de pinturas sobre parcelas bíblicas y mitológicas. Los jóvenes artistas rusos talentosos no satisfacían el marco del Academismo. Por lo tanto, más a menudo se volvieron a un género retrato.
En pintura encarnada ideales románticos Las épocas del ascensor nacional. Habiendo rechazado estrictos, no retiros de los principios del clasicismo, los artistas descubrieron mucha pintura y la singularidad del mundo. Esto no solo se refleja en los géneros habituales, ya un retrato y el paisaje, sino que también dio un impulso al nacimiento de una pintura doméstica, que fue el foco de atención de los maestros de la segunda mitad del siglo. Mientras tanto, el campeonato permaneció detrás del género histórico. Sin embargo, fue el último refugio de clasicismo, y aquí para la "fachada" formalmente clasicista, ideas y temas románticos.
Romanticismo - (Franz. Romantismo), dirección ideológica y artística en la cultura espiritual europea y americana del final 18 - 1er piso. 19 siglos. Reflexionando la decepción en los resultados. Revolución Francesa A finales del siglo XVIII, en la ideología de la iluminación y el progreso público. El romanticismo contrastó el utilitarismo y la nivelación de la personalidad como extremidad a la libertad ilimitada y "infinito", sed de excelencia y actualizaciones, pathos de independencia personal y civil. El doloroso trastorno de la realidad ideal y social es la base de la visión del mundo romántica y el arte. Aprobación de la intrínsecidez de la vida espiritual y creativa de la persona, la imagen de las fuertes pasiones, la imagen de las fuertes pasiones, la naturaleza espiritualizada y curativa, en muchos románticos, los héroes de la protesta o la lucha son adyacentes a los motivos de "dolor mundial. "," Malvado mundial "," noche "del alma, tomando formas de ironía, grotesco poética de dogmirine. Interés en el pasado nacional (a menudo, su idealización), las tradiciones del folclore y la cultura de sus propios y otros pueblos, el deseo de crear una imagen universal del mundo (en primer lugar de la historia y la literatura), la idea de la La síntesis de las artes encontró una expresión en la ideología y la práctica del romanticismo.
En el arte visual, el romanticismo se manifestó más brillantemente en pintura y gráficos, menos claramente en escultura y arquitectura (por ejemplo, falso gótico). La mayoría de las escuelas nacionales de romanticismo en bellas artes desarrolladas en la lucha contra el clasicismo académico oficial.
En las profundidades de la cultura oficial-estatal, la capa intermedia de la cultura "Elite" que atiende a la clase dominante (aristocracia y la corte real) es notable y posee una susceptibilidad especial a las innovaciones extranjeras. Es suficiente recordar la pintura romántica de O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullova, A. Ivanov y otros artistas grandes del siglo XIX.
Cyprosa Orest Adamovich, artista ruso. Un destacado maestro de arte visual ruso del romanticismo, conocido como un retrato maravilloso. En la pintura "Dmitry Donskaya en el campo Kulikov" (1805, el museo ruso) demostró un conocimiento confiado de los cánones de una imagen histórica académica. Pero temprano de la región, donde se revela su talento en lo más natural y a gusto, el retrato se vuelve. Su primer retrato pintoresco ("A. K. Schwalbe", de 1804, y allá), escrito en la manera de Rembrandt, destaca por su luz expresiva y dramática en blanco y negro. A lo largo de los años, su habilidad, - para crear en la capacidad de crear principalmente las imágenes únicas de características individuales, seleccionando herramientas plásticas especiales para que esta característica sea rechazada, está creciendo. La impresionante vitalidad está llena: retrato de un niño A. A. Chelischev (alrededor de 1810-11), imágenes emparejadas de los cónyuges F. V. y E. P. Rostopchinny (1809) y V. S. y D. N. podvovkov (1814, toda la galería de Tretyakov). El artista supera cada vez más las posibilidades de color y los contrastes negros y negros, fondo de paisaje, detalles simbólicos ("E. S. Avedul", alrededor de 1822, allí). Incluso los grandes retratos frontales, el artista sabe cómo hacerlo liralmente, casi íntimamente relajado ("Retrato del Coronel de Vida-Gusar de Evgraph Davydova", 1809, Museo Ruso). Su retrato de una gloria poética joven y prolongada A. S. S. S. S. S. S. S. S. es uno de los mejores para crear una imagen romántica. Pushkin de Cyproen se ve solemnemente y ro-imperial, en el halo de la fama poética. "Me adulan, Orest", suspiró Pushkin, mirando el lienzo terminado. Cyprosensky también fue un drenador virtuoso, creado (principalmente en un lápiz italiano y técnica pastel) muestras de habilidades gráficas, a menudo superiores a los retratos emocionales abiertos y emocionantes. Estos son los tipos de hogares ("Músico ciego", 1809, Museo Ruso; Kalmychka Bayaust, 1813, Galería de Tretyakov), y una famosa serie de retratos de lápices de los participantes en la Guerra Patriótica de 1812 (dibujos con la imagen E. I. Chapliclica, A. R. Tomilov, Pa Olenina, el mismo dibujo con el poeta Batyushkov et al.; 1813-15, Galería de Tretyakov y otras reuniones); El comienzo heroico aquí adquiere una sombra sincera. Un gran número de bocetos y certificados de texto muestran que el artista es todo su período maduro para crear uno grande (de acuerdo con sus propias palabras de la carta, una olenina de 1834), "espectacular, o, en ruso, para decir, tímido y Pintura mágica ", donde en la forma alegórica, los resultados de la historia europea serían representados, así como el propósito de Rusia. "Lectores de periódicos en Nápoles" (1831, Galería de Tretyakov) - Salida solo un retrato de grupo, de hecho, existe una respuesta simbólica escondida a los eventos revolucionarios en Europa.
Sin embargo, los más ambiciosos de las pintorescas alegorías de Cyproen se mantuvieron incómodas, o desaparecieron (como la "Tumba anacreónica" completada en 1821). Sin embargo, estas búsquedas románticas obtuvieron una continuación a gran escala en la obra de K. P. Bryullov y A. A. A. ivanov.
Manera realista reflejó obras por v.A. Tropinina. Los primeros retratos de tropinina, escritos en el rango de colores restringidos (retratos familiares de los conteos de las zanahorias 1813 y 1815, ambos, en la galería de Tretyakov), todavía pertenecen a la tradición del siglo de la iluminación: el modelo es el incondicional. y centro estable de la imagen. Más tarde, la cologeris de la pintura de tropinina se está volviendo más intensiva, los volúmenes generalmente están cambiando de manera más clara y esculpida, pero lo más importante: la sensación puramente romántica de los elementos en movimiento de la vida, solo parte, cuyo fragmento parece ser un héroe retrato. ("Bulakhov", 1823; "Kg Ravich", 1823; autorretrato, alrededor de 1824; Los tres están allí en el mismo lugar). Takov y como Pushkin en el conocido retrato de 1827 (Museo All-Russian of As Pushkin, Pushkin): Poeta, poniendo su mano en una pila de papel, sin importar cómo "el Museo vacila", escucha el sueño creativo, El ambiente invisible halo. También escribió un retrato de A. S. Pushkin. Antes de que el espectador aparezca la experiencia de vida de Magician, no una persona muy feliz. En el retrato del poeta de tropinina acogedor. Algún tipo de calidez especial de Staromoshkovsky y amonas de comodidad de las obras de tropinina. Hasta 47 años de edad estaba en la captura de la fortaleza. Por lo tanto, probablemente sea tan fresco, tan espiritualizado en sus lienzos de la cara de la gente común. E infinitamente juventud y encanto de su "encaje". La mayoría de las veces, V. A. Tropinina unida a la imagen de las personas de la gente ("encaje", "Retrato de Hijo", etc.).
Búsqueda artística e ideológica de pensamiento público ruso, a la espera de cambios afectados las imágenes de k.p. Bryullov "Último día Pompeya" y A. A. A. ivanova "El fenómeno de Cristo a la gente".
La gran creación del arte es la pintura "Último día Pompeya" Karl Pavlovich Bryullova (1799-1852). En 1830, la HU-Devin rusa de Karl Pavlovich Brullov fue visitada en excavaciones de la antigua ciudad de Pompeya. Caminó por el antiguo puente, admiró los frescos, y en su imaginación, el Thor de la Trágica Noche de agosto de 79 g. mi. Cuando la ciudad estaba cubierta con cenizas calientes y un Pembasspie despertado por Vesuviya. Tres años después, la pintura "El último día Pompei" hizo un viaje triunfante de Italia a Rusia. El artista encontró pinturas increíbles para la imagen de la tragedia de la antigua ciudad, muriendo bajo Loyoy y las cenizas de un Vesubio estallado. La imagen está imbuida de altos ideales humanísticos. Muestra el coraje de las personas, su dedicación, mostrada durante una terrible catástrofe. Bryullov estaba en Italia en un viaje de negocios de la Academia de Artes. En esta institución educativa, la técnica de capacitación de pintura y dibujo estaba bien entregada. Sin embargo, la Academia se enfocó inequívocamente en un patrimonio antiguo y temas heroicos. Para la pintura académica, se caracterizó un paisaje decorativo, la teatralidad de la composición general. Escenas de la vida moderna, el paisaje ruso habitual fue considerado indigno de los pinceles del artista. El clasicismo en la pintura se llamaba Academismo. Bryullov se asoció con la Academia de toda su obra.
Poseía una imaginación poderosa, con un ojo creciente y una mano fiel, y sus creaciones en vivo acordadas con los cánones del academia nacieron. Verdaderamente con Grace Pushkin, sabía cómo capturar el lienzo y la belleza del cuerpo humano desnudo, y la sacudida de un haz de sol en una hoja verde. Las obras maestras no usadas de la pintura rusa siempre dejarán sus lienzos "jinete", "Wirzavia", "Mañana italiana", "mediodía italiano", numerosos retratos frontales e íntimos. Sin embargo, el artista siempre tiene grandes temas históricos, a la imagen de eventos significativos de la historia humana. Muchas de sus ideas a este respecto no fueron implementadas. Nunca dejé la idea de Bullov para crear un paño épico en la trama de la historia rusa. Comienza la pintura del "Siege of Pskov por las tropas del rey Stephen Batory". Representa el momento de la culminación del asedio de 1581, cuando Pskov Warriors y. Los ciudadanos de KI se dan al ataque a los polos que se rompieron en la ciudad y los descartaron por las paredes. Pero la imagen permaneció sin terminar, y la tarea de crear ingoing pinturas históricas nacionales no fue llevada a cabo por Bullylov, y la próxima generación de artistas rusos. Pushkin de un año, Bryullov lo sobrevivió durante 15 años. Los últimos años estaba enfermo. Desde el autoportista escrito en ese momento, un hombre rojizo nos está observando con características sutiles de la cara y una mirada tranquila y reflexiva.
En la primera mitad del siglo XIX. Vivió y trabajó por el artista Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Dedicó toda su vida creativa a la idea del despertar espiritual de las personas, encarnarla en la pintura "el fenómeno de Cristo a la gente". Durante más de 20 años trabajó en la imagen "El fenómeno de Cristo a la gente", en el que puso todo el poder y el brillo de su talento. En el primer plano de su gran paño, la figura valerosa de Juan el Bautista, señalando a las personas en el Cristo que se acerca, se lanza a los ojos. Su figura se da en la distancia. Aún no ha venido, él va, definitivamente vendrá, dice el artista. Y alegremente, las caras y las almas se aclaran de aquellos que esperan al Salvador. En esta foto, mostró cómo I. E. Repin dijo más tarde, "las personas oprimidas, ansiosas por la libertad".
En la primera mitad del siglo XIX. En la pintura rusa ingresa a la parcela doméstica.
Uno de los primeros en él abordó Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847). Dedicó su trabajo a la imagen de la vida de los campesinos. Muestra esta vida en una forma idealizada y adornada, dando homenaje a la moda y luego sentimentalismo. Sin embargo, las imágenes de Venetsianov "Khumno", "en la cosecha. Verano "," en tierra cultivable. Spring "," Mujer campesina con acianos "," Zakharka "," Mañana del Namer "muestra la belleza y la nobleza de los rusos ordinarios, sirvió como una declaración de la dignidad de una persona, independientemente de su estatus social.
Su tradición continuó Paul Andreevich Fedotov (1815-1852). Su lienzo es realista, lleno de contenido satírico, exponiendo la moral comercial, la vida y la moral de la parte superior de la sociedad ("Major" mayor "," Cavalier fresco ", etc.). Comenzó su camino del artista-Satirik, siendo un oficial-Guardsman. Luego hizo bocetos alegres y traviesos de la vida del ejército. En 1848, su imagen "Fresh Cavalier" se presentó en la exposición académica. Fue un ridículo audaz no solo sobre funcionarios contundentes, independientes, sino también sobre las tradiciones académicas. La túnica sucia, en la que se esquivó el personaje principal de la imagen, se recordó mucho por una torre antigua. Los calls se pararon durante mucho tiempo antes de la tela, y luego dijeron al autor del semi-secado semi-seco: "Te felicito, me ganó". Comedia-personaje satírico y otras imágenes de Fedotov ("Desayuno del Aristócrata", "Mayor"). Las últimas imágenes son muy tristes ("Ancla, Ancla!", "Viuda"). Los contemporáneos se comparan bastante por P. A. Fedotov en pintura con N. V. GOGOL en la literatura. El aburrido de las úlceras de los siervos de Rusia es el tema principal del trabajo de Pavel Andreevich Fedotov.
Pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX..
La segunda mitad del siglo XIX. Marcado por el florecimiento del arte visual ruso. Se convirtió en verdaderamente gran arte, fue imbuido de Pafos de la lucha de liberación de la gente, respondió a las solicitudes de la vida y fue la vida invasora activamente. En el arte visual, finalmente se estableció el realismo, el reflejo veraz y integral de la vida de las personas, el deseo de reconstruir esta vida sobre la base de la igualdad y la justicia.
El giro consciente de la nueva pintura rusa al realismo democrático, la nacionalidad, la modernidad se marcaron a fines de los años 50, junto con la situación revolucionaria en el país, con la inmunidad pública de la descarga de inteligencia, con la iluminación revolucionaria de Chernyshevsky, Dobrolyubov, Saltykov-shchedrin, con una poesía persistente NekRasov. En los "ensayos del período de Gogol" (en 1856), Chernyshevsky escribió: "Si la pintura está ahora en general en una posición bastante lamentable, entonces la razón de la razón de la alienación de este arte de las aspiraciones modernas". El mismo pensamiento fue traído en muchos artículos de la revista contemporánea.
El tema central del arte fue la gente, no solo la oprimida y el sufrimiento, sino también a la gente, el creador de la historia, la gente, el luchador, el creador de todo lo mejor, que es en la vida.
La aprobación del realismo en el arte tuvo lugar en una lucha persistente con el oficial a bordo, cuyo representante fue el liderazgo de la Academia de Artes. La colaboración de la Academia se inspiró en sus ideas de discípulos que el arte de la vida anterior fue presentado solo por temas bíblicos y mitológicos para la creatividad de los artistas.
Pero la pintura ya ha comenzado a unirse a las aspiraciones modernas, antes de todo en Moscú. La escuela de Moscú y por la décima estaca no usó los privilegios de la Academia de Artes de San Petersburgo, pero fue menos dependía de su dogma enraizado, la atmósfera estaba en ella más animada. Aunque los maestros en la escuela son en su mayoría academiales, pero los academiales son menores y fluctuantes, no suprimieron su autoridad como en la Academia de F. Bruni, el pilar de la vieja escuela, en su tiempo compitiendo con la imagen de Bruhlovy "Copper Zmiy" .
En 1862, el Consejo de la Academia de Artes de San Petersburgo decidió igualar todos los géneros a los derechos, cancelando la partida de la pintura histórica. Medalla de oro Ahora fueron otorgados independientemente del tema de la imagen, dadas solo sus ventajas. Sin embargo, la "libertad" en las paredes de la Academia ha sido durante mucho tiempo.
En 1863, los jóvenes artistas, los participantes de la competencia académica presentaban una petición "sobre el permiso para elegir libremente las parcelas de los que desearán, además del tema objetivo". El Consejo de la Academia respondió con negativa. Lo que sucedió después de la historia del arte ruso se llama "Bunt Catorce". Catorce estudiantes de la clase histórica no querían escribir pinturas en el tema propuesto de la mitología escandinava: "Pier en Valgaale" y presentó demostrativamente una petición, sobre la Academia. Una vez sin talleres y sin dinero, Buntari United en una especie de comuna, según el tipo de comunas descritas por Chernyshevsky en la novela "¿Qué hacer?", "A los artistas, a los que se dirigía el pintor Ivan Nikolayevich Kramskaya. Los Arteels tomaron órdenes para cumplir diversas obras de arte, vivían en la misma casa, se recogieron en una sala común para conversaciones, discutiendo imágenes, leyendo libros.
Después de siete años, Artel se rompió. En este momento, en los años 70, a la iniciativa del artista Grigory Grigorievich Myasedov, una unión surgió: la "asociación de inserciones móviles artísticas", una asociación profesional y comercial de artistas que estaban en posiciones ideológicas cercanas.
Las asociaciones de películas no son un ejemplo de muchos costos de asociaciones posteriores sin ninguna declaración y manifiestos. En su carta, solo se dijo que los miembros de la asociación deberían sus asuntos materiales, no dependían de este respecto de nadie, así como para organizar la exposición y exportarlos a diferentes ciudades ("Mover" en Rusia) para familiarizarse El país con arte ruso. Ambos de estos artículos fueron esenciales, alegando la independencia del arte de las autoridades y la voluntad de los artistas a una amplia comunicación con personas no solo en la capital. El papel principal en la creación de una asociación y el desarrollo de su estatuto era propiedad de Kramsky Myasoyedov, GE, de Petersburgers, y de Muscovites, Perov, Sanidishniki, SavRasov.
"Mobile" se unieron en su rechazo del "Academismo" por su mitología, paisajes decorativos y teatralidad pomposa. Querían representar una vida viva. El lugar líder en su trabajo fue ocupado por escenas de género (hogar). El campesinado fue utilizado por una simpatía especial de "Mobile". Mostraron su necesidad, sufrimiento, posición oprimida. En ese momento - en los 60-70. XIX V.- El lado ideológico del arte se valoró más alto que la estética. Sólo con el tiempo, los artistas recordaron la intrínsecidez de la pintura.
Quizás la mayor tributividad de las ideas dio a Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Basta con recordar estas imágenes como "la llegada de convertirse en consecuencia", "Pie de té en Mytishchi". Algunas obras de PEROV se penetran con una tragedia genuina ("Troika", "Viejos en la tumba del Hijo"). Los pinceles de pintura pertenecen a una serie de retratos de sus famosos contemporáneos (Ostrovsky, Turgenev, Dostoevsky).
Algunos paños de "Mobile", escritos desde la naturaleza o impresos por las escenas reales, enriquecieron nuestras ideas sobre la vida campesina. En la pintura de S. A. A. A. Korovin "Sobre la Paz", mostrando un sacudido sobre un enfoque rural entre los ricos y los pobres. V. M. Maksimov capturó rabia, lágrimas y montaña de la partición familiar. La solemne festividad del trabajo campesino se refleja en la imagen G. G. Myasoyedov "Kosov".
En el trabajo de Kramsky, la pintura de retratos ocupó el lugar principal. Escribió Goncerov, Saltykov-Shchedrin, NekRasov. Pertenece a uno de los mejores retratos de Lion Tolstoy. La mirada del escritor no abandona al espectador, con cualquier punto que miró al lienzo. Una de las obras más fuertes de Kramsky, la imagen "Cristo en el desierto".
La primera exposición de "Mobile" se abrió en 1871 demostró de manera convincente la existencia de una nueva dirección que se dobló sobre los años 60. Solo quedaban 46 exhibiciones (a diferencia de las exposiciones incómidas de la Academia), pero seleccionadas cuidadosamente, y aunque la exposición no estaba deliberadamente programada, el programa general no escrito fue evidentemente claro. Se presentaron todos los géneros: histórico, hogar, retrato de paisaje, y la audiencia podía juzgar lo que eran nuevos en "móvil" en ellos. No sólo suerte escultura (había una, y luego una pequeña escultura notable de F. Kamensky), pero este tipo de arte "no tenía suerte" durante mucho tiempo, en realidad toda la segunda mitad del siglo.
A principios de los años 90, entre los jóvenes artistas de la escuela de Moscú, era cierto, aquellos que merecidamente y seriamente continuaron con una tradición de movimiento civil: S. Ivanov con su ciclo de pinturas sobre los inmigrantes, S. Korovin - Autor de la pintura " En el mundo ", donde son interesantes y cuidadosamente reveladas, las colisiones dramáticas (realmente dramáticas!) De la aldea DoreForm. Pero no preguntaron el tono: la salida al avance del "World of Art" se acercaba, igualmente, y desde el movimiento y de la Academia. ¿Qué miró la Academia en ese momento? Sus exitudes rigorísticas artísticas fueron resistidas, ya no insistió en los estrictos requisitos de neoclasicismo, en la notoria jerarquía de géneros, al género doméstico era bastante tolerante, solo él prefería que era "hermoso", y no "Menitsky" ( Un ejemplo de obras no académicas "hermosas", escenas de la antigua vida popular, entonces S. Bakolovich). En la misa de sus productos no académicos, como lo fue en otros países, fue el salón burgués, su "belleza", una vulgaridad. Pero es imposible decir que ella no presenta talentos: Muy talentoso fue el G. Semiradsky mencionado anteriormente, a principios de V. Smirnov (que tuvo tiempo de crear una pintura impresionante "Muerte de Nero"); Es imposible revelar ciertas ventajas artísticas de la pintura por A. SVYUTSKY y V. KOTARBINSKO. Sobre estos artistas, considerando que sus portadores de "Ellinsky Spirit" respondieron con aprobación a su los últimos años Repin, impresionaron a Vrubel, así como a Aivazovsky, también el artista "académico". Por otro lado, nadie más como Semiradsky, durante la reorganización de la Academia, habló resueltamente a favor del género doméstico, lo que indica tanto en un ejemplo positivo en el Perov, Repin y V. Mayakovsky. Así que los puntos de reunión entre el "móvil" y la academia fueron suficientes, y esto fue entendido por el entonces vicepresidente de la Academia I. I. TOLSTOY, de la iniciativa de los cuales fueron llamados a enseñar "movimientos" líderes.
Pero lo principal que no permite no descontar el papel de la Academia de Artes, especialmente como una institución educativa, en la segunda mitad del siglo, es la simple circunstancia de que muchos artistas destacados salieron de sus paredes. Esto es Repin, Surikov, y Polenov, y Vasnetsov, y más tarde, Serov y Vrubel. Además, no repitieron la "benda de catorce" y, aparentemente, se beneficiaron de su aprendizaje.
Respeto por el dibujo, a la forma constructiva construida en el arte ruso. El enfoque general de la cultura rusa al realismo fue la razón de la popularidad del método de Chistyakov, "de una manera u otra, pintores rusos a Serov, Nesterov y Vrubel inclusive," leyes eternas inquebrantables de la forma "y llevaban" divorcios "o La subordinación del colorido elemento amorfo, sin importar cuánto color amara.
Entre los móviles invitados a la Academia, había dos jugadores de paisajes, Shishkin y Queenji. Justo en ese momento comenzó en el arte del paisaje de la hegemonía y como un género independiente, donde reinó Levitan, y como un elemento igual de pintura doméstica, histórica, en parte y retrato. Contrariamente a los pronósticos de Stasov, que cree que el papel del panorama disminuirá, ha aumentado en los años 90, más que nunca. Prevaleció el "paisaje del estado de ánimo" lírico, liderando su pedigrí de SavraSov y Polenov.
"Móvil" hizo un descubrimiento auténtico en la pintura del paisaje. Alexey Kondratievich SavraSov (1830-1897) logró mostrar la belleza y el delgado librismo de un simple paisaje ruso. Su foto "Graci Flew" (1871) obligó a muchos contemporáneos de una manera nueva de echar un vistazo a la naturaleza nativa.
Fyodor Aleksandrovich Vasilyev (1850-1873) ha vivido una vida corta. Su creatividad, se rompió al principio, enriqueció la pintura doméstica cerca de los paisajes dinámicos y emocionantes. El artista fue especialmente exitoso en la naturaleza en la naturaleza: desde el sol hasta la lluvia, desde el embrague hasta el orificio.
La cantante del bosque ruso, Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898) se convirtió en la latitud épica de la naturaleza rusa. Archka Ivanovich Kindji (1841-1910) atrajo un pintoresco juego de luz y aire. La misteriosa luz de la luna en las nubes raras, los barridos rojos del amanecer en las paredes blancas de la choza ucraniana, los rayos de la mañana oblicuo, hechos a través de la niebla y jugando en los charcos en el camino Rasky, son estos y muchos otros descubrimientos pintorescos se capturan en sus lienzos
Paisaje ruso La pintura del siglo XIX ha llegado al estudiante del estudiante Savrasova Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Levitan - El maestro de paisajes tranquilos y tranquilos Un hombre es muy tímido, tímido y herido, sabía cómo descansar solo solo con la naturaleza, penetrando el estado de ánimo de un paisaje querido.
Un día llegó al Volga para escribir el sol, los extensiones aéreas y del río. Pero el sol no era, las infinitas nubes se arrastraban a través del cielo, y las lluvias aburridas se detuvieron. El artista estaba nervioso hasta que fue atraído a este clima y no encontró un encanto especial de pinturas lilas del mal tiempo ruso. Desde entonces, la parte superior de Volga tiene una ciudad gastada de Ples firmemente entró en su trabajo. En esas regiones, creó su trabajo "lluvioso": "Después de la lluvia", "Día sombrío", "sobre la región eterna". También hubo paisajes tranquilosos por la noche: "Tarde en el Volga", "Tarde. Ples Golden "," Ridesing de la noche "," Morada tranquila ".
En los últimos años, Levitan llamó la atención al trabajo de los artistas impresionistas franceses (E. Manne, K. Monte, K. PISTARRO). Se dio cuenta de que él tenía mucho con ellos en común, que sus búsquedas creativas estaban en la misma dirección. Al igual que ellos, prefería trabajar en el taller, sino en el aire (en la abogada, como dicen los artistas). Como ellos, duró la paleta, conduciendo pinturas oscuras, terrenales. Como ellos, buscó capturar la flota de ser, pasando el movimiento de la luz y el aire. En esto, fueron más allá de él, pero casi se disolvieron en formas volumétricas de aire ligero (casas, árboles). Él lo escapó.
"Las pinturas de Levitan requieren un vistoso lento, - escribió un gran conocedor de su creatividad K. G. Powhovsky, no aturdan el ojo. Son modestos y precisos, como las historias de Chekhov, pero cuanto más largas miran en ellos, el silencio de los posantes provinciales, los ríos familiares y los colonos se convierten en la milla.
En la segunda mitad del siglo XIX. Hay un florecimiento creativo de I. E. Repin, V. I. Surikova y V. A. Serov.
Ilya Efimovich Repin (1844-1930) nació en la ciudad de Chuguev, en la familia del asentamiento militar. Se las arregló para inscribirse en la Academia de Artes, donde su maestra se convirtió en P. P. Chistyakov, quien levantó toda la Playa de artistas famosos (V. I. Surikova, V. M. Vasnetsova, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Mucho aprendido el repin, así como a Kramsky. En 1870, un joven artista viajó por el Volga. Numerosas etedes traídas del viaje, usó para la pintura "Burlaci en el Volga" (1872). Ella hizo una fuerte impresión al público. El autor designado de inmediato a las filas de los maestros más famosos.
Repin fue un artista muy versátil. Sus pinceles pertenecen a una serie de género de monuumen, bien cavado. Tal vez no menos impresión que "Burlaci" produce una "procesión de la provincia de Kursk". El cielo azul brillante, las nubes de polvo del sol impregnadas con el sol, el trastorno de oro de las cruces y los cierres, la policía, las personas simples y los arrancados, todo estaba equipado en esta web: grandeza, poder, deshacimiento y dolor de Rusia.
En muchas pinturas, el representante fue tocado por el sujeto revolucionario ("rechazo de la confesión", "no esperaba", "el arresto del propagandista"). Los revolucionarios en sus pinturas son simplemente retenidos y naturalmente, alienígenas a poses y gestos teatrales. En la imagen "Negarse de la confesión", condenada a muerte como si el deliberadamente escondiera sus manos en la manga. El artista claramente simpatizó con los héroes de sus pinturas.
Una serie de telas repúblicas están escritas en temas históricos ("Ivan the Terrible y su hijo Ivan", "Cossacks que componen una carta al sultán turco" y otros). Repin creó una galería completa de retratos. Escribió retratos: científicos (Pirogov y Sechenov), - escritores de Tolstoy, Turgenev y Garshin, - Compositores de Glinka y Mussorgsky, - Artistas de Kramsky y Surikov. A principios del siglo XX. Recibió una orden a la imagen "Reunión solemne del Consejo de Estado". El artista logró no solo componer el lienzo, un número tan grande de los presentes, sino también para dar una característica psicológica a muchos de ellos. Entre ellos había figuras tan famosas como S. yu. Witte, K. P. POBEDONOSSEV, P. P. Semenov Tian-Shansky. Malozameten en la imagen, pero Nicholas II era muy sutil.
Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) nació en Krasnoyarsk, en la familia Cossack. El florecimiento de su creatividad cae en los años 80, cuando creó las tres pinturas históricas más famosas: "Ejecución de la mañana Strelleskaya", "Menshikov en Berezov" y "Boar Morozov".
Surikov conocía bien y morales de épocas anteriores, sabía cómo dar características psicológicas brillantes. Además, era un colorista maravilloso (color maestro). Es suficiente recordar la deslumbrante nieve fresca y brillante en la pintura "Boar Morozova". Si vas al lienzo más cerca, la nieve parece estar "dispersa" en trazos azules, azules, rosas. Esta pintoresca bienvenida, cuando dos frotis diferentes se fusionan y dan el color correcto, los impresionistas franceses son ampliamente utilizados.
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), hijo del compositor, escribió paisajes, lienzo para temas históricos, trabajó como artista de teatro. Pero la gloria le trajo, sobre todo, retratos.
En 1887, Serov, de 22 años, descansó en Abramtsev, región de Moscú del pueblo de Metsenat S. I. Mamontov. Entre sus numerosos niños, el joven artista era su hombre, el participante de sus juegos ruidosos. Un día después de la cena en el comedor, dos - Serov y una mamont de 12 años, amada, fueron detenidos accidentalmente. Se sentaron en la mesa, en los que se dejaron los melocotones, y el amado se notó detrás de la conversación, ya que el artista comenzó a lanzar su retrato. El trabajo se estiró durante un mes, y el amado estaba enojado con que Anton (tan hogareño llamado Serov) lo hace sentarse en el comedor durante horas.
A principios de septiembre, se completó "Chica con melocotones". A pesar del pequeño tamaño, la imagen escrita en colores de oro rosados \u200b\u200bparecía muy "espacioso". Tenía mucha luz y aire. La niña que se sentó en la mesa, ya que era por un minuto y quien detuvo su mirada al auditor, fue bloqueada con claridad y espiritualidad. Sí, y todo el lienzo fue una percepción sólida puramente infantil de la vida cotidiana, cuando la felicidad no es consciente de sí mismo, y por delante es toda una vida.
Los habitantes de la casa Abramtsevsky, por supuesto, entendieron que un milagro estaba sucediendo en sus ojos. Pero solo el tiempo da estimaciones finales. Puso la "chica con melocotones" en varios de los mejores trabajos de retratos en la pintura rusa y mundial.
Al año siguiente, Serov logró repetir su magia. Escribió un retrato de su hermana Mary Simonovich ("La niña iluminada por el sol"). El nombre se solucionó un poco inexacto: la niña se sienta en las sombras, y los rayos del sol de la mañana iluminaron el glade en el fondo. Pero en la imagen, todo está tan vertido, por lo que una, la mañana, el sol, el verano, la juventud y la belleza, para que el mejor nombre sea difícil de crear.
Serov se convirtió en un retrato de moda. Escritores famosos, artistas, artistas, emprendedores, aristócratas, incluso reyes posados \u200b\u200bante él. Aparentemente, no a nadie que escribiera, él tenía un alma. Algunos retratos grandes, con una técnica de ejecución de filigranas, resultó ser fría.
Durante varios años, Serov enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Era un maestro exigente. El oponente de las formas de pintura congelada, Serov, al mismo tiempo, creía que las búsquedas creativas deben basarse en la posesión sólida del equipo del dibujo y una letra pintoresca. Muchos maestros destacados se consideraban estudiantes de Serov. Este es M. S. Sarian, K.F. Juu, P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.
Muchas pinturas de Repin, Surikova, Levitan, Serov, "Mobile" cayeron en la reunión de Tretyakov. El Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), un representante del antiguo tipo mercantil de Moscú, era una persona inusual. Delgado y alto, con una barba volátil y una voz tranquila, se veía más al santo que en el comerciante. Las imágenes recolectadas de los artistas rusos comenzaron de 1856. El pasatiempo ha crecido en el caso principal de la vida. A principios de los 90. Reunión del nivel de DOS-TIGLO del museo, absorbiendo casi todo el estado del colector. Más tarde, pasó a la propiedad de Moscú. La Galería de Tretyakov se ha convertido en un famoso museo de pintura, gráficos y esculturas rusas.
En 1898 en San Petersburgo, se abrió el Museo Ruso en San Petersburgo, en el Palacio Mikhailovsk (creación de K Rossi). Fue hecha por las obras de artistas rusos de la ermita, la Academia de Artes y algunos palacios imperiales. El descubrimiento de estos dos museos sería coronado con los logros de la pintura rusa del siglo XIX.