textura musical (lat. factura - dispositivo , estructura) - método de presentación, estructura del tejido musical, estructura musical.

Históricamente en la música ha habido tres tipos principales de textura:

Polifonía (lat. polifonía del griego πολυφωνία - polifonía) - polifonía melódica, que consiste en el sonido simultáneo de sonidos relativamente independientes líneas melódicas. La textura polifónica se desarrolló en la Edad Media. Hay tres tipos principales de polifonía: contrastante, imitativa (canon, motete, invención, fuga), subvocal (o heterofonía variante, característica de la polifonía popular).

homofonía o textura homofónica-armónica A Tiene su origen en la polifonía. El musicólogo nacional Asafiev lo llamó “la lava enfriada de la polifonía gótica”. En el marco de la homofonía, se distingue entre textura cordal (coral protestante) y textura homofónico-armónica, que consta de varias capas (por ejemplo, melodía y acompañamiento).

Una de las formas de dinamizar y colorear una textura homofónico-armónica es figuración armónica – presentación secuencial en lugar de simultánea de sonidos de acordes. Existen bastantes variedades de figuración armónica. Éstos son algunos de ellos:

1) presentación arpegiada de acordes (J. S. Bach. Preludio en do mayor, HTC, volumen I)

2) acompañamiento tipo vals (F. Schubert. Waltz op.77, No. 2)

3) Bajos albertianos, que llevan el nombre del compositor italiano Domenico Alberti (1710-1740) en la Sonata en do mayor, K.545 de W. Mozart

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Apuntes sobre teoría musical elemental. Contenido
Textura en la música(de lat. factura - dispositivo, estructura, procesamiento, almacenamiento) – método de presentación, almacenamiento musical, estructura del tejido musical.

Históricamente tres tipos de textura:

existe tres tipos principales de polifonía : contrastante, imitativo (canon, motete, invención, fuga), heterofonía (característica de la polifonía popular).

3. Textura homofónica-armónica Tiene su origen en la polifonía. El musicólogo nacional Asafiev lo llamó “la lava enfriada de la polifonía gótica”. En realidad existen texturas cordales (coral protestante) y homofónico-armónicas, que se dividen en varias capas (por ejemplo, melodía y acompañamiento).

15 de mayo

La teoría musical es rica en términos interesantes. En cada época, aparecieron nuevos medios para mejorar e individualizar la música, que fueron influenciados por los compositores, el personal intérprete y el público. Muchos géneros y subgéneros, estilos y temáticas. Para evitar confusiones, existe una clasificación de las composiciones musicales por textura.

Conjunto musical y artístico estable.

Para comprender más teoría, es necesario recordar o estudiar el concepto mismo de composición musical. Este término caracteriza la integridad de la obra, su encarnación específica. Distingue una “obra” completa de aquellas creadas en el proceso creativo del pueblo, o improvisaciones (por ejemplo, en el jazz).

Una composición siempre tiene un creador específico. El compositor que ofrece estructura de sonido, registra el trabajo por escrito. Las notaciones se hacen usando notación musical o signos que lo acompañen. La autoría, desde el siglo XIV, se indica preferentemente en cada composición creada si se conoce al creador.

La composición es estable, como una obra terminada y claramente definida. Tonalidad, tamaño, ritmo: todo es constante y no tolera cambios significativos. Naturalmente, cada pieza requiere ciertos aspectos de interpretación. Aquí es donde entra en juego la textura.

Concepto de textura

La industria de la música se está desarrollando, surgen nuevos cánones y nuevas tendencias que influyen en el estilo, la forma y el carácter de la composición. Entonces, la textura en la música es la presentación del material al oyente en un diseño determinado, que reflejará la realidad descrita por los sonidos. La textura es el vínculo principal entre la idea del autor y la percepción que otras personas tienen de ella.

La palabra es de origen latino y significa "diseño", "estructura", "procesamiento". La textura en la música es una definición visual. Se puede establecer una analogía con la creación de un producto textil: el tejido musical también requiere procesamiento para volverse holístico y completo.

¿Por qué se necesitan las diferentes opciones?

Cada obra tiene una temática y un enfoque específico. Dado que aquí el trabajo se centra exclusivamente en la percepción, es necesario transmitir emociones y situaciones con la mayor precisión posible. En términos generales, dé una imagen clara.

Por ejemplo, un compositor escribe una canción de cuna. Hay una melodía y un acompañamiento, pero podrían usarse fácilmente en una canción militar o en una composición de danza. Necesitamos darles un color de calma, de silencio, de ligereza. Por lo tanto, no se utilizarán golpes entrecortados, se priorizarán el legato y los sonidos más bajos. Sin chirridos ni movimientos bruscos.

Cualquier emoción puede representarse mediante una herramienta. Las flautas silbantes representarán mejor la ligereza y la alegría, los violonchelos pesados ​​pueden mostrar tristeza y luto, los timbales y las campanas agregarán una sensación épica. La textura en la música es producto de la imaginación del autor.

Clasificación básica de facturas.

La división más básica, los dos tipos principales de textura en la música, se caracterizan por el número de voces utilizadas.

¿No existe una tercera opción?

A diferencia de muchos términos en los que sólo hay dos extremos, aquí también hay una textura heterofónica. Esta es una especie de "modernización" de la presentación monódica, cuando se le pueden agregar técnicas polifónicas para obtener un sonido más interesante. El canto al unísono se complica ocasionalmente con un patrón de dos voces; la melodía va acompañada de ritmo. Resulta que esta es una opción intermedia.

Tipos de textura polifónica

1. La textura coral implica guiar todas las voces según un patrón rítmico. Es decir, la melodía se mueve a lo largo de duraciones iguales, sin dividirse en verticales armónicas complejas;
2. Los cánones mensurales, o polifonía complementaria, se definen por una pequeña estratificación de voces que son temáticamente similares pero que se mueven de forma independiente. Es decir, solo se indica la dirección del movimiento de la melodía, en la que las duraciones se pueden dividir en varias, y el ritmo de una voz no depende de la otra.
3. La textura multicolor crea texturas inusuales y combina lo incongruente. No se hizo popular hasta principios del siglo XX.
4. La textura de la polifonía lineal se basa en varias voces que no se corresponden en ritmo y armonía. La melodía se basa en el movimiento secuencial de sonidos de diferentes alturas.
5. Polifonía de capas: duplicaciones polifónicas complejas que crean disonancias.
6. “Textura puntillista desmaterializada, que puede describirse más fácilmente como “incompleta”. La línea principal no se transmite en forma de motivo, sino en sonidos abruptos con una gran dispersión. Es decir, entre largas pausas hay brillantes destellos de sonido.
7. La textura de pesadez polifónica es completamente opuesta a la anterior. Presenta un sonido orquestal con mucho cuerpo.
8. El efecto aleatorio es un elemento de azar. La composición se basa en el método del "lote", donde las combinaciones de notas se encuentran dispersas en el pentagrama. A menudo, los autores escriben solo los puntos de referencia principales desde los cuales comenzará el intérprete, y luego queda a su discreción.
9. La textura de los efectos sonoros desvía la atención hacia transiciones de tonos, colores o consonancias. El brillo del sonido se transmite mediante ruido y cambios de timbre. Se crean efectos sonoros y coloridos.

Armonización

La combinación de “textura y almacén” es indivisible. Este aspecto es la armonía. Implica muchos tipos de textura, pero también se divide en dos principales:

Tipos de texturas armónicas

1. Tipo acordeo-figurativo: los sonidos del acorde se reproducen alternativamente.
2. Tipo rítmico: repetición repetida de un acorde o consonancia.
3. Duplicaciones: en la octava, en la quinta y otros intervalos que crean un movimiento suave de voces entre sí.
4. Diferentes tipos de texturas melódicas basadas en dar movimiento a las voces. Por ejemplo, sonidos auxiliares o adicionales en acordes que complican la composición.

Pero ésta es la clasificación más general, cuyos puntos individuales rara vez se encuentran de forma aislada. Es decir, la música se diluye con técnicas separadas, rasgos estilísticos, tomado de diferentes tipos de texturas. Cada época se caracteriza por diferentes supuestos rasgos.

Comenzando el camino hacia la diversidad

La historia del desarrollo de la textura en la música es la interpretación, la armonía, la orquestación y, lo más importante, la composición. Algunos compositores han tenido una gran influencia en la variedad de texturas de las obras.

En el siglo XVII las recepciones y los almacenes eran bastante sencillos y muy lógicos. Se utilizó una mezcla de texturas armónicas y polifónicas: polifonía con varios diseños. Los pasajes y arpegios eran populares. El acompañamiento arpegiado creó el ambiente perfecto, sin abrumar el oído con la profundidad de los acordes pesados. La textura del acompañamiento en este caso complementó idealmente el tema principal y no requirió el uso de otros medios. Este método fue utilizado activamente por I.S. Bach, por ejemplo, en las Variaciones Goldberg. Aquí se destacaron otros compositores de la época romántica: Georges Bizet, Giuseppe Verdi,

Mozart utilizaba a menudo la variedad de arpegio de “figuración” y sonaba activa, alegre y aguda. Es conveniente porque transmite claramente armonías y crea un cierto ritmo sin saltos. La música del romántico austriaco se caracteriza por ser ligera, alegre y relajada precisamente por su textura. Se utilizó figuración tanto quebrada como recta.

Transición al estilo brillante.

A medida que se introdujeron innovaciones y se expandió la imaginación de los autores de las obras, en el siglo XIX había al menos tres veces más tipos de textura. Desde diferentes tipos Detalles mezclados, adoptados y combinados, aparecieron arreglos musicales completamente nuevos. La estructura armónica se volvió mucho más suave y melódica, y la expresividad no se transmitía por el conjunto de sonidos en sí, sino por su orden y disposición.

Un ejemplo sorprendente es F. Liszt, quien utilizó presentaciones de texturas mixtas en obras de teatro, por ejemplo, "Nubes grises", y en los ciclos completos "Los años de andanzas" y "Armonías poéticas y religiosas". El tono de los acordes pasó a un segundo plano y apareció un timbre de textura, que se hizo popular entre Mussorgsky.

Por otra parte, cabe destacar la música de Chopin, que utilizó texturas de piano. Entre sus técnicas favoritas estaban la técnica de la octava y la ejecución fluida de escalas. En sus valses ("Vals brillante", Vals en la menor) difundió figuraciones armónicas, descompuestas en largas filas de sonidos. Estas obras requieren una técnica de alto rendimiento, pero son fáciles de escuchar y comprender. En la parte lateral de la Primera balada para piano, el compositor introdujo plenamente una estructura polifónica en la armonía.

Periodo de innovación

El siglo XX en el arte marcó una transición de las formas tradicionales a otras completamente nuevas y atípicas. Por tanto, esta época se caracteriza por un alejamiento de la textura armónica y polifónica. Se vuelve desconectado, dividido en capas. Una amplia gama de dinámicas y timbres se vuelve común en las obras de los artistas de vanguardia K. Stockhausen, L. Berio y P. Boulez. A menudo se encuentran elementos aleatorios controlados, es decir, texturas improvisadas. Está limitado únicamente por límites de ritmo y altura. Este movimiento fue supervisado por V. Lutoslawski.

La formación de formas jugó un papel importante, porque en una textura desgarrada y dispersa es importante mantener una estructura coherente de la composición. Aunque sea poco visible, el dibujo crea una imagen. Cómo determinar el tipo de textura en la música. nueva era- una pregunta abierta para los historiadores del arte, ya que hay demasiadas interacciones e intercambios de técnicas.

Emociones, emociones, emociones...

Todo lo anterior lleva al hecho de que el tipo de textura que hay en la música está directamente determinado por las emociones y la respuesta deseada del oyente. A estados mentales transferencia, se utilizan diferentes registros:

• bajo, transmitiendo sonidos terribles y poderosos, reflejando misterio o luto (oscuridad, noche, pasos pesados, ruidos de locomotora, rugido de tropas);
• medio, cercano a la voz humana, sintonizando con la calma y cierta lentitud (narrativas, rutina, descanso y reflexión);
• agudo, motivador y brillante, dependiendo del instrumento puede ser tanto alegre como tenso (gritos y chillidos, trinos de pájaros, cascabeles, movimientos inquietos);

Gracias a esta distribución, la música puede crear un ambiente calmante, levantar el ánimo o hacer que a uno se le erice el pelo de la cabeza por el miedo. Y la solución de textura depende directamente de la utilizada en tema principal registro.

Es por eso varios tipos El procesamiento "tejido" de la composición ayuda a las personas a imbuirse de las experiencias del compositor, a dibujar en sus cabezas imágenes del mundo tal como era a los ojos de los autores de las obras. Siente la ligereza mientras disfrutas de la música de Chopin, la combatividad en las obras de Beethoven o la dinámica de los movimientos en Rimsky-Korsakov. La textura en la música es un comunicador a través de épocas y diferencias de percepción.

Textura

(Latín factura - fabricación, procesamiento, estructura, de facio - hago, llevo a cabo, formo; alemán Faktur, Satz - almacén, Satzweise, Schreibweise - forma de escribir; francés facture, estructura, conformación - dispositivo, adición; inglés facture, textura, estructura, acumulación; EN en un sentido amplio- uno de los lados de las musas. forma, está incluida en el concepto estético y filosófico de la música. formas en unidad con todos los medios de expresión; de una manera más estrecha y usará. sentido: el diseño específico de la música. telas, música presentación.
El término "F." se revela en relación con el concepto de “almacén de música”. Monódico. el almacén asume sólo una “dimensión horizontal” sin ninguna relación vertical. En estrictamente unísono monódico. muestras (canto gregoriano, canto Znamenny) de una sola cabeza. música tela y f. son idénticos. Rico monódico. F. distingue, por ejemplo, la música oriental. pueblos que no conocían la polifonía: en uzbeko. y Taj. El canto makome es duplicado por el instrumento. conjunto con la participación de percusionistas interpretando usul. Monódico. composición y f. se transforman fácilmente en un fenómeno intermedio entre la monodia y la polifonía, en una presentación heterofónica, donde el canto al unísono se vuelve más complejo durante el proceso de interpretación. opciones melódicas y de textura.
La esencia de la polifonía. almacén - correlación al mismo tiempo. sonido melodioso Las líneas son relativamente independientes. cuyo desarrollo (más o menos independiente de las consonancias que surgen verticalmente) constituye la lógica de las musas. formas. En polifónico música Los tejidos vocales tienden a ser funcionalmente iguales, pero también pueden ser multifuncionales. Entre las calidades se encuentran la polifónica. F. criaturas. Lo que importa es la densidad y la rarefacción (“viscosidad” y “transparencia”), que están reguladas por el número de polifónicos. voces (los maestros de un estilo estricto escribieron voluntariamente para 8-12 voces, manteniendo un tipo de f. sin un cambio brusco en la sonoridad; sin embargo, en las misas era costumbre resaltar la polifonía exuberante con luces ligeras de dos o tres voces , por ejemplo, Crucifixus en las misas de Palestrina). Palestrina sólo esboza, pero en la escritura libre se utilizan mucho las técnicas polifónicas. condensación, condensación (especialmente al final de la obra) con la ayuda de aumento y disminución, stretta (fuga en do mayor del primer volumen del clave bien temperado de Bach), combinaciones de diferentes temas (coda al final de la sinfonía de Taneyev en do menor).

El siguiente ejemplo se caracteriza por un engrosamiento de la textura debido al rápido pulso de las introducciones y la expansión de la textura del primer (trigésimo segundo) y segundo (acordes) elementos del tema:
J. S. Bach. Fuga en re mayor del volumen 1 de El clave bien temperado (compases 23-27).

Para polifónico F. se caracteriza por la unidad de patrón, la ausencia de fuertes contrastes en la sonoridad y un número constante de voces. Una de las propiedades notables de la polifónica. P. - fluidez; polifonía. F. se distingue por la actualización constante, la ausencia de repeticiones literales manteniendo un tema temático completo. unidad. Definición de valor para polifónico. F. tiene un ritmo y temático proporción de votos. Con duraciones iguales en todas las voces, aparece un ritmo coral. Este ritmo no es idéntico al acorde-armónico, ya que aquí el movimiento está determinado por el desarrollo de elementos melódicos. líneas en cada una de las voces, en lugar de relaciones armoniosas funcionales. verticales, por ejemplo:
El caso contrario es polifónico. F., basado en el ritmo completo del compás. independencia de voces, como en los cánones mensurales (ver ejemplo en Art. Canon, columna 692); el tipo más común de polifónico complementario. F. se determina temáticamente. y rítmico similares a ellos mismos. voces (en imitaciones, cánones, fugas, etc.). Polifónico F. no excluye la rítmica aguda. Estratificación y proporción desigual de voces: voces contrapuntísticas que se mueven en duraciones relativamente pequeñas forman el fondo del cantus firmus dominante (en misas y motetes de los siglos XV-XVI, en los arreglos corales para órgano de Bach). En la música de épocas posteriores (siglos XIX y XX), se desarrolla la polifonía multitemática, creando una composición inusualmente pintoresca (por ejemplo, el entretejido texturizado de los leitmotifs del fuego, el destino y el sueño de Brünnhilde al final de la ópera "Walkyrie" de Wagner ). Entre los nuevos fenómenos de la música del siglo XX. Cabe señalar: F. polifonía lineal (movimiento de voces no correlacionadas armónica y rítmicamente, ver “Sinfonías de cámara” de Milhaud); P., asociado con duplicaciones disonantes complejas de polifónicos. voces y transformación en polifonía de capas (a menudo en las obras de O. Messiaen); puntillista "desmaterializado". F. en op. A. Webern y su polígono opuesto. La severidad del orco. contrapunto de A. Berg y A. Schoenberg; polifónico F. aleatorio (en W. Lutoslawski) y sonorístico. efectos (por K. Penderecki).

O. Messiaen. Epouvante (Canon Rítmico. Ejemplo nº 50 de su libro “Técnica de mi lenguaje musical”).
Muy a menudo el término "F." aplicado a la música armónica. depósito En la inconmensurable variedad de tipos de armoniosos. La primera y más sencilla es su división en homofónico-armónico y propiamente cordal (este último se considera un caso especial de homofónico-armónico). El acorde F. es monorrítmico: todas las voces se presentan con sonidos de la misma duración (el comienzo de la obertura fantástica “Romeo y Julieta” de Tchaikovsky). En homofónico-armónico F. los dibujos de la melodía, el bajo y las voces complementarias están claramente separados (el comienzo del nocturno de Chopin en do menor). Se distinguen los siguientes tipos básicos: tipos de presentación armoniosos. consonancias (Tyulin, 1976, capítulos 3, 4): a) armoniosas. figuración del tipo acorde-figurativo, que representa una u otra forma de presentación alternativa de sonidos de acordes (preludio en do mayor del primer volumen del Clave bien temperado de Bach); b) rítmico. figuración: repetición de un sonido o acorde (poema en re mayor op. 32 No. 2 de Scriabin); c) descomposición duplicaciones, p.e. por octava en orc. presentación (minueto de la sinfonía sol-moll de Mozart) o doblaje largo en tercera, sexta, etc., formando un “movimiento de cinta” (“Momento musical” op. 16 No. 3 de Rachmaninov); d) varios tipos de melodías. figuraciones, cuya esencia es introducir melodía. movimiento en armonioso voces: complicación de la figuración de acordes mediante pasajes y auxiliares. sonidos (estudio de Chopin op. 10 No. 12), melodización (presentación coral y orca del tema principal al comienzo de la cuarta escena “Sadko” de Rimsky-Korsakov) y polifonización de voces (introducción a “Lohengrin” de Wagner) , melódico-rítmico "renacimiento" org. punto (cuarto cuadro "Sadko", número 151). La sistematización dada de tipos de armónicos. F. es el más común. En la música existen muchas técnicas de textura específicas, cuya apariencia y métodos de uso están determinados estilísticamente. las normas de este musical-histórico épocas; por lo tanto, la historia de f. es inseparable de la historia de la armonía, la orquestación (más ampliamente, el instrumentalismo) y la interpretación.
Armónico almacén y f. se originan en la polifonía; por ejemplo, Palestrina, que percibió perfectamente la belleza de la sobriedad, pudo utilizar la figuración de acordes emergentes a lo largo de muchos compases con la ayuda de complejos polifónicos (cánones) y el coro mismo. significa (cruzar, duplicar), admirar la armonía, como un joyero con una piedra (Kyrie de la Misa del Papa Marcello, compases 9-11, 12-15 - contrapunto quíntuple). Durante mucho tiempo en instr. pinchar. compositores del siglo 17 dependencia del coro El estilo de escritura estricta era obvio (por ejemplo, en el trabajo organizativo de J. Sweelink), y los compositores se contentaban con técnicas y diseños relativamente simples de armónicos mixtos. y polifónico F. (por ejemplo, G. Frescobaldi). El papel expresivo de F. se potencia en la producción. 2do piso siglo 17 (en particular, comparaciones espacio-texturales de solo y tutti en la obra de A. Corelli). La música de J. S. Bach está marcada por el más alto desarrollo de F. (chacona en re-moll para violín solo, “Variaciones Goldberg”, “Conciertos de Brandeburgo”), y en algunas op. (“Fantasía cromática y fuga”; Fantasía en sol mayor para órgano, BWV 572) Bach hace descubrimientos texturales que luego fueron ampliamente utilizados por los románticos. La música de los clásicos vieneses se caracteriza por la claridad de la armonía y, en consecuencia, la claridad de los patrones texturizados. Los compositores utilizaron medios texturales relativamente simples y se basaron en formas generales movimientos (por ejemplo, figuras como un pasaje o arpegio), que no entraban en conflicto con la actitud hacia F. como un elemento temáticamente significativo (ver, por ejemplo, el medio en la cuarta variación del primer movimiento de la sonata n. ° 11 A -dur Mozart, K.-V 331); en la presentación y desarrollo de temas de las sonatas de Allegri, el desarrollo motívico ocurre en paralelo con el desarrollo textural (por ejemplo, en las partes principal y de conexión del primer movimiento de la sonata n.° 1 de Beethoven). En la música del siglo XIX, principalmente entre los compositores románticos, hay una excepción. variedad de tipos de F.: a veces exuberantes y de múltiples capas, a veces hogareños, a veces fantásticamente caprichosos; fuerte textura y estilo Las diferencias surgen incluso en la obra de un maestro (cf. la diversa y poderosa sonata en f. en h-moll para piano y el dibujo impresionistamente exquisito de la pieza en f. "Nubes grises" de Liszt). Una de las tendencias musicales más importantes del siglo XIX. - individualización de patrones texturizados: el interés por lo extraordinario y único, característico del arte del romanticismo, hizo natural rechazar las figuras estándar en F. Se encontraron formas especiales de resaltar una melodía en varias octavas (Liszt); Los músicos encontraron oportunidades para actualizar el fresco principalmente en la melodización de armónicos amplios. figuraciones (incluso en tales forma inusual como en el final de FP. La sonata en si menor de Chopin), que a veces llegaba a ser casi polifónica. presentación (el tema de la parte lateral en la exposición de la 1ª balada de f. Chopin). La diversidad textural mantuvo el interés del oyente por el wok. e instr. ciclos de miniaturas, estimuló hasta cierto punto la composición de música en géneros que dependen directamente de F.: estudios, variaciones, rapsodias. Por otro lado, hubo polifonización de F. en general (el final de la sonata para violín de Frank) y armónicos. figuraciones en particular (canon de 8 capítulos en la introducción a Das Rheingold de Wagner). Rusia. Los músicos descubrieron una fuente de nuevas sonoridades en las técnicas texturales orientales. música (ver, en particular, "Islamey" de Balakirev). Algunos de los más importantes. logros del siglo XIX en el campo de F. - fortaleciendo su riqueza motívica, temática. concentración (R. Wagner, J. Brahms): en algún op. de hecho, no hay un solo bar que no sea temático. material (por ejemplo, sinfonía en do menor, quinteto de Taneyev, óperas tardías de Rimsky-Korsakov). El punto extremo en el desarrollo de la f individualizada fue el surgimiento de P.-armonía y F.-timbre. La esencia de este fenómeno es esa cuando se define. condiciones, la armonía, por así decirlo, se convierte en f., la expresividad está determinada no tanto por la composición sonora como por la disposición pintoresca: la correlación de los "pisos" del acorde entre sí, con los registros del piano, con la orquesta tiene prioridad. en grupos; Lo más importante no es el tono, sino el contenido textural del acorde, es decir, cómo se toca. Ejemplos de armonía F. se encuentran en el op. M. P. Mussorgsky (por ejemplo, "Reloj con campanillas" del segundo acto de la ópera "Boris Godunov"). Pero, en general, este fenómeno es más típico de la música del siglo XX: la armonía F se encuentra a menudo en la producción. A. N. Scriabin (comienzo de la repetición del primer movimiento de la cuarta sonata para piano; culminación de la séptima sonata para piano; último acorde del poema para piano “A la llama”), C. Debussy, S. V. Rachmaninov. En otros casos, la fusión de f. y la armonía determina el timbre (fn. obra "Scarbo" de Ravel), que se manifiesta especialmente claramente en el orco. la técnica de “combinar figuras similares”, cuando el sonido surge de la combinación de rítmicos. variaciones de una figura texturizada (una técnica conocida desde hace mucho tiempo, pero que recibió un brillante desarrollo en las partituras de I. F. Stravinsky; ver el comienzo del ballet "Petrushka").
En el arte del siglo XX. Conviven diferentes métodos de actualización de f. Se observan las tendencias más generales: fortalecimiento del papel de f. F., por el predominio de la polifonía en la música del siglo XX. (en particular, como restauración de pinturas de épocas pasadas en obras de dirección neoclásica); una mayor individualización de las técnicas de textura (la composición se "compone" esencialmente para cada nueva obra, así como se crea una forma y armonía individuales para ellas); apertura - en relación con nuevos armoniosos. normas: duplicaciones disonantes (3 estudios de Scriabin op. 65), el contraste de un f. particularmente complejo y "sofisticadamente simple" (primera parte del quinto fp. Concierto de Prokofiev), dibujos de improvisación. tipo (núm. 24 “Horizontal y vertical” del “Cuaderno polifónico” de Shchedrin); combinación de textura original características de nacional. Música con los últimos armónicos. y orco. tecnología por el Prof. arte (“Danzas sinfónicas” de colores brillantes del compositor moldavo P. Rivilis y otras obras); tematización continua de f. c) en particular, en obras seriadas y seriadas), conduciendo a la identidad del tematismo y f.
Ocurrencia en nueva musica siglo 20 Una composición no tradicional, no relacionada ni con lo armónico ni con lo polifónico, determina las variedades correspondientes de f.: el siguiente fragmento de la producción. muestra la fragmentación e incoherencia del f característico de esta música: estratificación del registro (independencia), dinámica. y articulación. diferenciación:

P. Boulez. Sonata para piano n.º 1, inicio del 1.er movimiento.
El significado de F. en el arte de la música. la vanguardia es llevada a su nivel lógico. límite cuando F. se convierte en casi el único (en varias obras de K. Penderecki) o unidades. el propósito de la obra del compositor (el sexteto vocal "Stimmungen" de Stockhausen es una variación de textura y timbre de una tríada en si mayor). La improvisación de F. en tonos o ritmos determinados. dentro - básico técnica de aleatoria controlada (op. W. Lutoslawski); El área de la Física comprende una cantidad incalculable de sonorísticas. inventos (colección de técnicas sonoras - “Fantasía colorista” para f. Slonimsky). Hacia una música electrónica y concreta creada sin tradición. instrumentos y medios de ejecución, el concepto de f es aparentemente inaplicable.
F. dispone de medios. capacidades formativas (Mazel, Zuckerman, 1967, pp. 331-342). La conexión entre f. y la forma se expresa en el hecho de que mantener un determinado dibujo de f promueve la unidad de la construcción, mientras que cambiarlo promueve el desmembramiento. F. ha servido durante mucho tiempo como la herramienta transformadora más importante del sector. Formas variacionales ostinato y neostaina, que revelan en algunos casos una gran dinámica. posibilidades (“Bolero” de Ravel). F. es capaz de cambiar decisivamente la apariencia y esencia de las musas. imagen (realización del leitmotiv de la 1ª parte, en el desarrollo y código de la 2ª parte del 4º fp. sonata de Scriabin); Los cambios de textura se utilizan a menudo en repeticiones de formas tripartitas (el segundo movimiento de la sonata n.º 16 de Beethoven; el nocturno de Chopin en do-moll op. 48), en la interpretación de un estribillo en un rondó (el final de la sonata n.º 25 de Beethoven). ). Es significativo el papel formativo de f. en el desarrollo de las formas de sonata (especialmente obras orquestales), en las que los límites de las secciones están determinados por un cambio en el método de procesamiento y, en consecuencia, la temática. material. Cambiar F. se convierte en uno de los principales. Medios de división de la forma en obras del siglo XX. ("Pacific 231" de Honegger). En algunas obras nuevas, F. resulta decisivo para la construcción de la forma (por ejemplo, en las llamadas formas repetidas, basadas en el rendimiento variable de una construcción).
Los tipos de F. a menudo se asocian con una definición. Géneros (por ejemplo, música de baile), que es la base para combinar en la producción. diferente características del género, dando a la música una polisemia artísticamente eficaz (ejemplos de este tipo en la música de Chopin son expresivos: por ejemplo, el Preludio n.º 20 en do-moll, una mezcla de características de un coral, una marcha fúnebre y una pasacalles). F. conserva los signos de una determinada música histórica o individual. estilo (y, por asociación, época): llamado. El acompañamiento de guitarra hace posible que S.I. Taneyev cree una estilización sutil del ruso temprano. elegías en el romance “Cuando, girando, las hojas de otoño”; G. Berlioz en el tercer movimiento de la sinfonía "Romeo y Julia" para crear un nacional e historico el color reproduce hábilmente el sonido de un madrigal a capella del siglo XVI; R. Schumann escribe música auténtica en Carnaval. Retratos de F. Chopin y N. Paganini. F. es la principal fuente de música. figuratividad, especialmente convincente en aquellos casos en los que se representa a una persona. movimiento. Con la ayuda de F. se logra al mismo tiempo claridad visual de la música (introducción a “Das Rheingold” de Wagner). lleno de misterio y belleza ("Alabanza al desierto" de "El cuento de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia" de Rimsky-Korsakov) y, a veces, de una inquietud asombrosa ("el corazón late en éxtasis" en el romance de M. I. Glinka " Recuerdo un momento maravilloso”).
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Con toda la variedad de texturas, es posible identificar y sistematizar formas típicas de presentación en base a uno u otro principio específico. Estas formas se denominan almacenes musicales. Es necesario distinguir entre cuatro tipos principales: monódicos, polifónicos, cordales y homofónicos. Tal o cual almacén puede mantenerse durante toda la obra o durante la mayor parte de ella, o puede realizarse esporádicamente, sustituyéndose por otro almacén. En la música instrumental suele haber una combinación diferentes maneras presentación, formando almacenes mixtos o factura libre. La estructura monódica es un movimiento melódico de una sola voz (al unísono o con duplicación de octavas) sin acompañamiento. A este respecto son típicas las canciones populares monofónicas. La estructura polifónica es una polifonía en la que las voces tienen generalmente el mismo valor expresivo. Cada voz está individualizada en un grado u otro y forma un patrón melódico independiente. Esta independencia no significa libertad total, sino que está indirectamente sujeta a la consistencia armónica del sonido. La estructura de los acordes se caracteriza por una combinación tan armónica de sonidos que forman los acordes como un todo monolítico. Esta solidez se crea principalmente por la homogeneidad rítmica de todas las voces. La voz homofónica se caracteriza por una combinación de una voz solista y un acompañamiento. Así, a diferencia de otros almacenes, se basa en una estructura de dos planos. Originado en la música folclórica, en el canto con acompañamiento instrumental, el almacén homofónico pasó a la música secular cotidiana de la Edad Media en su en forma sencilla. Naturalmente, no encontró su lugar en la música religiosa de esa época, que cultivaba la polifonía polifónica coral. Existe una estructura homofónico-armónica (en su forma más simple, el acompañamiento es una armonía claramente expresada). Arriba hablamos de los almacenes musicales en su forma característica. Pero muy a menudo se produce una combinación e interpenetración de diferentes métodos de presentación, lo que da lugar a almacenes complicados y mixtos. Por ejemplo, estructura mixta acorde-polifónica, homofónica-acorde, homofónica-polifónica.

Renacimiento

Renacimiento, o Renacimiento, es un período en la historia de la cultura que abarca aproximadamente los siglos XIV-XVI. Este período recibió su nombre en relación con el resurgimiento del interés por el arte antiguo, que se convirtió en un ideal para las figuras culturales de los tiempos modernos. Compositores y teóricos de la música - J. Tinktoris.,

J. Tsarlino y otros - estudiaron tratados musicales griegos antiguos; en las obras de Josquin Despres, comparado con Miguel Ángel, según sus contemporáneos, “revivió la perfección perdida de la música de los antiguos griegos”: apareció a finales del siglo XVI y principios del XVII. la ópera se guiaba por las leyes del drama antiguo.

El desarrollo de la cultura renacentista está asociado con el surgimiento de todos los aspectos de la sociedad. Nació una nueva cosmovisión: el humanismo (del latín "humanos" - "humano"). La emancipación de las fuerzas creativas condujo al rápido desarrollo de la ciencia, el comercio, la artesanía y en la economía tomaron forma nuevas relaciones capitalistas. La invención de la imprenta contribuyó a la difusión de la educación. Excelente descubrimientos geográficos y el sistema heliocéntrico del mundo de N. Copérnico cambió las ideas sobre la Tierra y el Universo.

Alcanzó una prosperidad sin precedentes bellas artes, arquitectura, literatura. La nueva actitud se reflejó en la música y transformó su apariencia. Poco a poco se aleja de las normas del canon medieval, el estilo se individualiza y aparece por primera vez el concepto mismo de "compositor". La textura de las obras cambia, el número de voces aumenta a cuatro, seis o más (por ejemplo, el canon de 36 voces atribuido al mayor representante escuela holandesa J. Okegem). En armonía, dominan las consonantes, el uso de disonancias está estrictamente limitado por reglas especiales. mayor y escalas menores y un sistema de reloj de ritmos característico de la música posterior.

Todos estos nuevos medios fueron utilizados por los compositores para transmitir la estructura especial de sentimientos del hombre del Renacimiento: sublime, armoniosa, tranquila y majestuosa.

En la era del Renacimiento (Renacimiento), la música profesional pierde su carácter de arte puramente eclesiástico y está influenciada por la música folclórica, imbuida de una nueva cosmovisión humanista. El arte de la polifonía vocal y vocal-instrumental alcanza un alto nivel en la obra de los representantes del "Ars nova" ("Arte Nuevo") en Italia y Francia del siglo XIV, en las nuevas escuelas polifónicas: la inglesa (siglos XV), Holandés (siglos XV--XVI), romano, veneciano, francés, alemán, polaco, checo, etc. (siglo XVI).

Aparecer varios generos arte musical secular: frottola y villanella en Italia, villancico en España, balada en Inglaterra, madrigal, que se originó en Italia (L. Marenzio, J. Arkadelt, Gesualdo da Venosa), pero se generalizó, canción polifónica francesa (C. Janequin, K. Lejeune). El Renacimiento termina con la aparición de nuevos géneros musicales: canción solista, cantata, oratorio y ópera, que contribuyeron al establecimiento gradual de un estilo homofónico.

Traducido del italiano, la palabra "toccata" significa "tocar", "soplar". Durante el Renacimiento, así se llamaba a la fanfarria festiva de instrumentos de viento y timbales; en el siglo 17 - presentaciones tipo fanfarria de óperas y ballets.

Una toccata es también una pieza virtuosa para laúd, clave y órgano. Inicialmente, la toccata para instrumentos de teclado se compuso como una introducción (preludio) a una obra coral, como un motete, y era un género de música religiosa, y luego se convirtió en un género de concierto independiente de música secular. Los compositores la incluyen en una suite y la convierten en la parte inicial de un ciclo polifónico (tocata y fuga en re menor para órgano de J. S. Bach).

Tocata y fuga en re menor para órgano de J. S. Bach

La toccata se caracteriza por una textura que refleja el estilo de tocar con los dedos y el teclado, es decir, tocar con acordes, pasajes, figuraciones melódicas y armónicas. Secciones de acordes y pasajes se alternan con secciones polifónicas imitativas. En las toccatas de Bach, la belleza de la forma y un virtuosismo sin precedentes se combinaban con la profundidad y la importancia del contenido.

En los siglos XIX-XX. La toccata se desarrolló como una pieza virtuosa independiente de un plan de estudio (toccatas para piano de R. Schumann, C. Czerny, C. Debussy, M. Ravel, S. S. Prokofiev, A. I. Khachaturian). La toccata como parte del ciclo se encuentra en el quinto concierto para piano de Prokofiev, en la suite Pulcinella de I. F. Stravinsky.

Música del Renacimiento.

La estética musical del Renacimiento fue desarrollada por compositores y teóricos con tanta intensidad como en otras formas de arte. Después de todo, así como Giovanni Boccaccio creía que Dante, con su obra, contribuía al regreso de las musas y daba vida a la poesía muerta, así como Giorgio Vasari hablaba del resurgimiento de las artes, así Josepho Zarlino escribió en su tratado “Establecimientos de la Armonía” (1588):

“Sin embargo, ya sea por culpa del tiempo insidioso o por negligencia humana, la gente comenzó a dar poco valor no sólo a la música, sino también a otras ciencias y, exaltada a las mayores alturas, cayó a lo más bajo; recibió honores inauditos, comenzó a ser considerada patética, insignificante y tan poco reverenciada que incluso las personas cultas apenas la reconocían y no querían darle lo que le correspondía”.

A principios de los siglos XIII y XIV se publicó en París el tratado "Música" del maestro de música John de Groheo, en el que revisó críticamente las ideas medievales sobre la música. Escribió: “Quienes tienden a contar cuentos de hadas decían que la música fue inventada por las musas que vivían cerca del agua. Otros decían que fue inventada por los santos y los profetas, pero Boecio, un hombre importante y noble, tiene opiniones diferentes. Él en su libro dice que el comienzo de la música fue descubierto por Pitágoras. La gente cantaba desde el principio, ya que la música era innata en ellos, como afirman Platón y Boecio, pero los fundamentos del canto y la música fueron desconocidos hasta la época de Pitágoras. ..."

Sin embargo, John de Groheo no está de acuerdo con la división de la música en tres tipos de Boecio y sus seguidores: música del mundo, música humana, música instrumental, porque la armonía provocada por el movimiento cuerpos celestes, nadie escuchó siquiera el canto de los ángeles; En general, “no es competencia de un músico interpretar cantos angelicales, a menos que sea teólogo o profeta”.

"Entonces, digamos que la música que está de moda entre los parisinos se puede reducir aparentemente a tres secciones principales. Una sección es la música simple o civil (civilis), que también llamamos folk; la otra es la música compleja (compuesta - composita ), o correcta (estudiada - regularis), o canónica, que se llama mensural, y la tercera sección, que se deriva de las dos anteriores y en la que ambas se combinan en algo mejor, es música de iglesia, destinada a alabar al creador. ".

John de Grogeo estaba adelantado a su tiempo y no tenía seguidores. La música, como la poesía y la pintura, adquirió nuevas cualidades sólo en el siglo XV y especialmente en el XVI, lo que fue acompañado por la aparición de cada vez más tratados de música nuevos.

Glarean (1488 - 1563), autor del ensayo sobre música "El hombre de las doce cuerdas" (1547), nació en Suiza, estudió en la Universidad de Colonia en la facultad de arte. El Maestro en Artes Liberales se dedica a la enseñanza de poesía, música, matemáticas, griego y latín en Basilea, lo que habla de los intereses apremiantes de la época. Aquí se hizo amigo de Erasmo de Rotterdam.

Glarean aborda la música, en particular la música religiosa, como los artistas que continuaron pintando cuadros y frescos en las iglesias, es decir, la música, como la pintura, debe, más allá de la didáctica y la reflexión religiosa, ante todo dar placer, ser la “madre de placer."

Glarean fundamenta las ventajas de la música monódica frente a la polifonía, mientras habla de dos tipos de músicos: fonos y sinfonistas: los primeros tienen una inclinación natural a componer una melodía, los segundos, a desarrollar una melodía para dos, tres o más voces.

Glarean, además de desarrollar la teoría de la música, también considera la historia de la música, su desarrollo, como resulta, en el marco del Renacimiento, ignorando por completo la música de la Edad Media. Fundamenta la idea de la unidad de la música y la poesía, la interpretación instrumental y el texto. En el desarrollo de la teoría musical, Glarean legitimó, con el uso de doce tonos, los modos eólico y jónico, fundamentando así teóricamente los conceptos de mayor y menor.

Glarean no se limita a desarrollar la teoría musical, sino que considera la creatividad compositores contemporáneos Josquin Depres, Obrecht, Pierre de la Rue. Habla de Josquin Despres con amor y deleite, como Vasari de Miguel Ángel.

Gioseffo Zarlino (1517 - 1590), cuya declaración ya conocemos, con 20 años ingresó en la orden franciscana en Venecia con su conciertos de musica y el florecimiento de la pintura, que despertó su vocación de músico, compositor y teórico de la música. En 1565 dirigió la capilla de St. Marca. Se cree que en la composición "Establecimiento de la armonía", Zarlino expresó en forma clásica los principios básicos de la estética musical del Renacimiento.

Zarlino, que hablaba del declive de la música, por supuesto, en la Edad Media, se basa en la estética antigua para desarrollar su doctrina sobre la naturaleza. armonía musical. “En qué medida la música fue glorificada y venerada como sagrada, se evidencia claramente en los escritos de los filósofos y especialmente de los pitagóricos, ya que creían que el mundo fue creado de acuerdo con leyes musicales, que el movimiento de las esferas es la causa de la armonía y que nuestra El alma está construida según las mismas leyes, se despierta con canciones y sonidos, y estos parecen tener un efecto vivificante en sus propiedades".

Zarlino se inclina a considerar la música como la principal entre las artes liberales, así como Leonardo da Vinci exaltó la pintura. pero es un hobby ciertos tipos El arte no debe confundirnos, porque estamos hablando de la armonía como una categoría estética integral.

“Y si el alma del mundo (como algunos piensan) es armonía, ¿no puede nuestra alma ser la causa de toda armonía en nosotros y nuestro cuerpo no puede unirse con el alma en armonía, especialmente cuando Dios creó al hombre a semejanza del mundo mayor, llamado cosmos por los griegos, es decir, ornamento o adornado, y cuando creó una apariencia de un volumen menor, en contraste con lo llamado mikrokosmos, es decir pequeño mundo? Está claro que tal suposición no carece de fundamento".

En Tsarlino, la teología cristiana se convierte en una estética antigua. La idea de la unidad del micro y macrocosmos da lugar a otra idea en él: sobre la proporcionalidad de la armonía objetiva del mundo y la armonía subjetiva inherente al alma humana. Destacando la música como principal arte liberal, Zarlino habla de la unidad de la música y la poesía, la unidad de la música y el texto, la melodía y la palabra. A esto se suma la “historia”, que anticipa o justifica el origen de la ópera. Y si hay danza, como sucederá en París, veremos nacer el ballet.

Se cree que fue Zarlino quien dio las características estéticas de mayor y menor, definiendo la tríada mayor como alegre y brillante, y la tríada menor, como triste y melancólica. También define el contrapunto como “un todo armónico que contiene varios cambios en sonidos o voces cantadas en un cierto patrón de correlación y con una cierta medida de tiempo, o que es una combinación artificial de diferentes sonidos llevados a consistencia”.

Josephfo Zarlino, al igual que Tiziano, con quien estuvo asociado, ganó gran fama y fue elegido miembro de la Academia de la Fama de Venecia. La estética aclara el estado de cosas de la música durante el Renacimiento. Fundador escuela veneciana La música fue Adrian Willaert (entre 1480/90 - 1568), holandés de nacimiento. Tsarlino estudió música con él. La música veneciana, como la pintura, se distinguía por una rica paleta sonora, que pronto adquirió rasgos barrocos.

Además de la escuela veneciana, las más importantes e influyentes fueron la romana y la florentina. El director de la escuela romana fue Giovanni Palestrina (1525 - 1594).

La comunidad de poetas, científicos humanistas, músicos y melómanos de Florencia se llama Camerata. Fue dirigido por Vincenzo Galilei (1533 - 1591). Pensando en la unidad de la música y la poesía, y al mismo tiempo con el teatro, con la acción en escena, los integrantes de la Camerata crearon nuevo genero- ópera.

Se considera que las primeras óperas son “Dafne” de J. Peri (1597) y “Eurídice” basada en textos de Rinuccini (1600). Aquí se hizo una transición de un estilo polifónico a uno homofónico. Aquí se representaron por primera vez el oratorio y la cantata.

La música de los Países Bajos de los siglos XV-XVI es rica en los nombres de grandes compositores, entre ellos Josquin Despres (1440-1524), sobre quien escribió Zarlino y que sirvió en la corte francesa, donde se desarrolló la escuela franco-flamenca. Se cree que el mayor logro de los músicos holandeses fue la misa coral a capella, correspondiente al auge de las catedrales góticas.

El arte del órgano se está desarrollando en Alemania. En Francia se crearon capillas en la corte y se organizaron festivales musicales. En 1581, Enrique III estableció el cargo de "Intendente Jefe de Música" en la corte. El primer "intendente jefe de música" fue el violinista italiano Baltazarini de Belgioso, que puso en escena el "ballet cómico de la reina", un espectáculo en el que por primera vez la música y la danza se presentaban como acción escénica. Así surgió el ballet de corte.

Clément Janequin (c. 1475 - c. 1560), eminente compositor Renacimiento francés, es uno de los creadores del género de canciones polifónicas. Son obras a 4-5 voces, como canciones de fantasía. La canción polifónica profana, la chanson, se generalizó fuera de Francia.

Durante el Renacimiento, el desarrollo generalizado musica instrumental. entre los principales instrumentos musicales llaman al laúd, arpa, flauta, oboe, trompeta, órganos de varios tipos (positivos, portátiles), variedades de clavecín; El violín era un instrumento popular, pero con el desarrollo de nuevos instrumentos de cuerda como la viola, el violín se convirtió en uno de los principales instrumentos musicales.

Si la mentalidad de una nueva era despierta primero en la poesía y se desarrolla brillantemente en la arquitectura y la pintura, entonces la música, empezando por las canciones populares, impregna todas las esferas de la vida. Incluso la música religiosa se percibe ahora en mayor medida, al igual que las pinturas de los artistas en temas bíblicos, no como algo sagrado, sino como algo que trae alegría y placer, que los compositores, músicos y coros mismos se preocupaban.

En una palabra, como en la poesía, en la pintura, en la arquitectura, se produjo un punto de inflexión en el desarrollo de la música, con el desarrollo de la estética y la teoría musical, con la creación de nuevos géneros, especialmente formas artísticas sintéticas, como la ópera y El ballet, que debería percibirse como renacentista, se transmitió durante siglos. La música del Renacimiento suena en la arquitectura como una armonía de las partes y del todo, inscrita en la naturaleza, tanto en los interiores de los palacios como en las pinturas, en las que siempre vemos una actuación, un episodio detenido, cuando las voces callan, y todos los personajes escucharon la melodía desvaída, que nosotros como si pudiéramos escuchar...

Espacio de sombreado

1. El rápido movimiento de la textura figurativa en el romance "Spring Waters" de S. Rachmaninov.
2. El espacio de la textura en el fragmento “Mañana en la montaña” de la ópera “Carmen” de J. Bizet.

Material musical:

1. S. Rachmaninov, poemas de F. Tyutchev. "Aguas de manantial" (escuchando);
2. J. Bizet. "Mañana en las montañas". Intermedio del Acto III de la ópera “Carmen” (escuchando)

Descripción de actividades:

1. Comprender el significado de los fondos. expresión artística(texturas) en la creación de una obra musical (teniendo en cuenta los criterios presentados en el libro de texto).
2. Hable sobre el brillo de las imágenes en la música.
3. Interpretar creativamente el contenido y la forma de obras musicales en actividades visuales.

Se sabe que la textura es literalmente "producción", "procesamiento" (latín), y en música, el tejido musical de una obra, su "vestimenta" sonora. Si en una obra la voz principal es la melodía y las otras voces son el acompañamiento, los acordes de armonía, entonces esta textura se llama homofónica-armónica. La homofonía (del griego Homos - uno y teléfono - sonido, voz) es un tipo de polifonía con división de voces en principal y acompañante.

Tiene muchas variedades. Los principales:

1. Melodía con acompañamiento de acordes;
2. Textura de acordes; es una secuencia de acordes en la que la voz superior representa la melodía;
3. Textura al unísono; la melodía se presenta de forma monofónica o al unísono (lat. un sonido).

Otro tipo importante es la textura polifónica, que significa "polifónica". Cada voz de textura polifónica es una melodía independiente. La textura polifónica se asocia principalmente con la música polifónica. Las invenciones a dos y tres voces de J. S. Bach están escritas en textura polifónica.

Conceptos como “imitación” y “fuga”, mencionados anteriormente, se refieren a la música polifónica. La combinación de textura homofónico-armónica y polifónica se puede encontrar en diversas obras.

Así, la textura es una forma de presentar el material musical: melodía, acordes, figuraciones, ecos, etc. En el proceso de composición de una determinada obra, el compositor combina estos medios. expresividad musical, procesos: al fin y al cabo, factura, como ya hemos dicho, está procesando. La textura está indisolublemente ligada al género de una obra musical, su carácter y estilo.

Pasemos al romance de S. Rachmaninov: "Spring Waters". Escrito con las palabras de F. Tyutchev, no solo transmite la imagen del poema, sino que también le aporta nueva rapidez y dinámica.

La nieve todavía es blanca en los campos,
Y en primavera las aguas son ruidosas.
Corren y despiertan la orilla adormecida,
Corren, brillan y gritan...
Dicen por todas partes:
“¡Se acerca la primavera, se acerca la primavera!
Somos mensajeros de la joven primavera,
¡Ella nos envió adelante!
¡Se acerca la primavera, se acerca la primavera!
Y días de mayo tranquilos y cálidos
Danza redonda, rubicunda y brillante
La multitud la sigue alegremente.

Una alegre premonición de una primavera inminente impregna literalmente el romance. La tonalidad de mi bemol mayor suena especialmente luminosa y soleada. El movimiento de la textura musical es veloz, hirviente, cubriendo un espacio enorme, como una poderosa y alegre corriente de aguas de manantial, rompiendo todas las barreras. No hay nada más opuesto en sentimiento y estado de ánimo al reciente letargo del invierno con su frío silencio y su valentía.

En “Spring Waters” hay un sentimiento brillante, abierto y entusiasta que cautiva a los oyentes desde los primeros compases.

La música del romance parece haber sido construida deliberadamente de tal manera que se evite todo lo tranquilizador y adormecedor. Los finales de casi todas las frases melódicas son ascendentes; contienen incluso más exclamaciones que el poema.

También es importante señalar que el acompañamiento de piano en esta obra no es solo un acompañamiento, sino un participante independiente en la acción, ¡a veces superando incluso a la voz solista en su poder de expresividad y visualización!

El amor de la tierra y la belleza del año,
¡La primavera es fragante para nosotros! –
La naturaleza da un festín a la creación,
¡La fiesta despide a los hijos!..
Espíritu de vida, fuerza y ​​libertad.
¡Nos levanta y nos envuelve! ..
Y la alegría se derramó en mi alma,
Como una reseña del triunfo de la naturaleza,
¡Qué voz tan vivificante de Dios! ..

Estas líneas de otro poema de F. Tyutchev, "Primavera", suenan como el epígrafe de un romance, quizás el más alegre y jubiloso de la historia de las letras vocales rusas.

La textura juega un papel muy importante en aquellas obras donde es necesario transmitir la idea de espacio musical.

Un ejemplo es el intermedio del tercer acto de la ópera “Carmen” de J. Bizet, llamada “Mañana en la montaña”.

El nombre mismo determina la naturaleza de la música, pintando una imagen brillante y expresiva del paisaje montañoso de la mañana.

Al escuchar este fragmento, vemos literalmente cómo los primeros rayos del sol naciente tocan suavemente los altos picos de las montañas, cómo gradualmente caen más y más y en el momento de la culminación parecen llenar todo el vasto espacio montañoso con su resplandor deslumbrante. .

La melodía inicial se da en un registro alto. Su sonido en relación al acompañamiento es un rango de tres octavas. Cada pasaje posterior de la melodía se desarrolla en una línea descendente: las voces se acercan, la dinámica aumenta y se produce el clímax.

Entonces, vemos que la textura capta todo lo relacionado con la expresividad del sonido musical. Una voz solitaria o un coro poderoso, el rápido movimiento del agua o un espacio montañoso interminable: todo esto da origen a su propio tejido musical, esta "cubierta estampada" de textura, siempre nueva, única, profundamente original.

Preguntas y tareas:

1. ¿Qué sentimientos se expresan en el romance "Spring Waters" de S. Rachmaninov? ¿Cómo se expresan estos sentimientos en la presentación textural de la obra?
2. ¿Qué crea la impresión de espacio musical en el intermedio musical “Mañana en la montaña” de J. Bizet?
3. Recuerde qué géneros musicales utilizan un espacio textural de un rango significativo. ¿Con qué está conectado esto?

Presentación

Incluido:
1. Presentación, ppsx;
2. Sonidos de la música:
Bizet. Mañana en las montañas. Intermedio orquestal, mp3;
Rajmáninov. Aguas de manantial en España D. Hvorostovsky, mp3;
3. Artículo adjunto, docx.