L'image artistique d'une œuvre musicale dans une chorale est créée et révélée à travers le chant et les paroles. Par conséquent, le principal les pré-requis techniques la sonorité chorale est, d'une part, la précision de l'intonation aiguë du son par chaque chanteur dans une partie distincte et chaque partie dans le son choral global ; deuxièmement, l'unité du timbre et l'équilibre dynamique des voix individuelles au sein de chaque partie et de toutes les parties de l'ensemble choral général ; troisièmement, une prononciation claire des mots.
Mais harmonieuse, intonativement pure, équilibrée en force, unifiée en timbre, la sonorité chorale n'est qu'une condition préalable à la création d'une image artistique qui transmet le contenu de l'œuvre. Ainsi, avant de commencer l'apprentissage d'une chanson, l'animateur doit, en analysant l'œuvre, comprendre son contenu et les moyens par lesquels il est révélé par le compositeur. Grâce à la familiarisation avec le texte littéraire, vous pouvez comprendre le thème et l'idée de l'œuvre et son caractère : soit héroïque, soit lyrique, soit comique, etc. Selon la nature générale de la chanson, le tempo, la dynamique , la coloration du timbre du son et la nature du mouvement de la mélodie sont déterminés , la mise en valeur artistique et sémantique des phrases.
Après une telle analyse de l'œuvre, un plan d'exécution est établi, auquel est subordonné tout travail vocal et choral ultérieur. L'animateur identifie les difficultés de maîtrise de la pièce, expose les moyens de les surmonter, élabore certains exercices et établit un plan de répétition détaillé.
Travailler avec une chorale sur une nouvelle chanson commence généralement par un apprentissage approximatif - mémoriser la mélodie, construire des intervalles, des consonances, pratiquer le côté rythmique de l'œuvre et la diction.
Au fur et à mesure que le manager maîtrise les éléments techniques, il commence à accorder davantage d’attention à la finition artistique de l’œuvre. Vient le moment où les notes nues commencent à acquérir une chair artistique.
Nous donnons à titre d'exemple une analyse artistique et un plan d'interprétation pour travailler avec le chœur sur la chanson « Polyushko Kolkhoznoe », paroles et air de G. Savitsky, arrangement pour composition féminine chorale folklorique I. Ivanova. (La chanson est imprimée dans ce numéro de la collection à la page 13).
Le texte littéraire de la chanson révèle l’image d’un vaste et vaste champ de ferme collective.
Oh, tu es ma chérie,
Ferme collective polelyuska,
Tu es mon large
Tu es ma liberté.
Le seigle est épais en vagues,
Le vent balance.
Pôle chaque année
Il est célèbre pour sa récolte.
Oh, tu es ma chérie,
Ferme collective polelyuska,
Tu es mon large.
Tu es ma liberté.
Le poème se distingue par son laconisme extraordinaire et en même temps l'expressivité de l'image. Malgré le fait qu'il ne se compose que de trois quatrains et que le troisième est une répétition littérale du premier, l'image du « poteau de ferme collective » ressort de manière proéminente et forte. Quelle grande et large signification thématique l'auteur donne aux mots « pôle agricole collectif » ! Il y a en eux un sous-texte profond. Ce « pôle pôle » contient toute la vie. personne qui travaille, la vie est nouvelle, heureuse, comme un « poteau », large et libre.
Cette signification interne, ou idée, du poème est déjà esquissée dans le premier quatrain, où l'image majestueuse du « pôle pôle » commence à se révéler à travers un appel profondément émotionnel et plein d'amour : « Oh, tu es mon pôle. »
Si dans le premier quatrain l'image du « pôle de ferme collective » se révèle sous un caractère lyrique-épique, alors dans le deuxième quatrain le son héroïque de l'image apparaît, qui acquiert un contenu de plus en plus dynamique. Ainsi, le début énergique du deuxième quatrain -
Le seigle est épais en vagues,
Le vent balance.
traduit le mouvement rapide et la dynamique du développement de l’image du « polepole des fermes collectives ». Elle n’est plus seulement « vaste et expansive », mais aussi « célèbre pour sa récolte ». Ici, le sous-texte du poème est révélé davantage. La mer ondulante de seigle est le fruit d'un travail créatif homme soviétique- le créateur de toutes les bénédictions terrestres. Ainsi, dans le troisième quatrain, qui est une répétition littérale du premier, l'appel au « pôle pôle » résonne avec une vigueur renouvelée : non plus comme une méditation, mais comme un hymne à sa fécondité, comme un hymne à l'œuvre créatrice de Homme soviétique.
Ainsi, l'image du « pôle de ferme collective » dans le poème se révèle dans un développement dynamique allant de la majesté lyrique-épique à un son héroïque puissant. La technique du cadrage confère au poème une intégrité thématique et ouvre en même temps un espace à la créativité du compositeur et de l'auteur de l'arrangement choral.
Analyser la musique de la chanson " Ferme collective Polyushko", il est facile de constater que sur le plan intonatif, il transmet très précisément, à la manière d'une chanson populaire, le caractère de l'image littéraire. La mélodie de la chanson est large, mélodieuse et, grâce à son organisation métro-rythmique variée, crée une atmosphère d'excitation émotionnelle et de mouvement interne. Chaque couplet de la chanson, véhiculant l'ambiance du quatrain correspondant, est en quelque sorte une certaine étape dans le développement de l'image musicale de la chanson.
La musique du premier couplet contient un appel doux et affectueux à la « polelyuska du kolkhoze ». Mais en même temps, il ne s'agit pas d'une conversation au sens littéral, mais plutôt d'une réflexion profonde, où le « pôle ferme collective » et le sort d'une personne, toute sa vie se confondent en un seul concept. C'est de là que vient l'ambiance déterminante du premier couplet : douceur, sincérité et signification.
Le tempo est lent, le mouvement de la mélodie est fluide, le ton général est pianissimo (très calme).
Tous les éléments expression artistique(mélodie, rythme métro, texture, phrasé) sont en mouvement constant, comme pour révéler de plus en plus de nouveaux aspects de l'image, grâce auxquels l'œuvre devient un matériau fertile pour la performance artistique.
Le premier verset, comme les vers suivants, se compose de quatre phrases, chacune ayant son propre pic dynamique. Les sons qui suivent le pic sont exécutés avec une sonorité accrue, et les sons qui suivent le pic sont exécutés avec un affaiblissement. Ainsi, le pic est souligné de manière dynamique et organise les sons précédents et suivants autour de lui. Dans la chanson analysée, le début de chaque phrase correspond au premier temps de la deuxième mesure. Mais les phrases n’ont pas de sens équivalent. Dans ce cas, la phrase principale et supérieure est la troisième. Une montée d'émotion s'y monte, la mélodie élargit la tessiture, le mouvement interne s'accélère en réduisant le nombre de mesures dans la deuxième phrase, la texture est saturée : la première chanteuse chante, dans la deuxième phrase une seconde la rejoint, et dans la troisième phrase, un chœur polyphonique retentit. Dans la quatrième phrase, au contraire, un affaiblissement de la tension émotionnelle se fait déjà sentir, elle sonne dynamiquement plus faible que la troisième, son schéma rythmique change, la tessiture est raccourcie et la texture est simplifiée : les quatre voix sont remplacées par l'unisson.
Cette différenciation des phrases selon leur signification artistique s'appelle le phrasing. (Exemple n° 1) Si le ton général du vers est pianissimo, alors au sommet des phrases, le son peut s'intensifier quelque peu, atteindre le piano, et à la fin de la phrase revenir au ton d'origine.
La troisième phrase (celle du haut) sonne un peu plus fort que toutes les autres (au piano).
Le développement de l'image musicale dans les deuxième et troisième couplets suit le chemin de la croissance dynamique - du piano au forte, de la complexité texturale, du développement variable des voix, des changements de timbre, de la nature du mouvement de la mélodie et de la prononciation des mots. Tous ces changements suivent le principe de l’injection – augmentation et expansion progressives et continues. Pour confirmer ce qui a été dit, considérons le plan dynamique et les changements de texture de la chanson.
Forfait dynamique
Le premier couplet est pianissimo.
Le deuxième couplet est piano.
Le troisième couplet va de mezzo forte à fortissimo.
Les changements de dynamique sont étroitement liés à la complication texturale : le premier couplet est chanté par un chanteur, le deuxième par deux et le troisième couplet est commencé par l'ensemble du chœur. Ici, nous constatons non seulement une augmentation du nombre de chanteurs, mais aussi une augmentation du nombre de parties vocales, ainsi qu'une variation dans la ligne mélodique du chanteur lui-même. (Exemple n°2)
La chanson atteint son apogée dans le dernier couplet avec les mots : « Tu es mon large, tu es mon large ». Tous les éléments de l’expression artistique atteignent ici leur plus haut niveau. Ici, le son le plus fort du chœur, la nature du mouvement de la mélodie (contrairement aux couplets précédents, ne se distingue plus par le développement doux et calme du son, mais par la prononciation ample, lumineuse et accrocheuse du son et mot, basé sur une combinaison d'accent et de longueur maximale des sons), la texture atteint son développement maximum (5 voix, échos), enfin, la mélodie s'élève jusqu'à son point culminant, soulignant le point culminant émotionnel et la fin de la chanson entière. (Exemple n°3)
Donc, en conséquence analyse artistique le réalisateur a compris le contenu de la chanson et les moyens par lesquels le compositeur le révèle. Mais les travaux préliminaires aux travaux ne se limitent pas à cela.
Chaque type d'art a sa propre technique, c'est-à-dire un ensemble de certaines compétences nécessaires pour créer une image artistique. V. l'art choral est la structure, l'ensemble, la diction, les compétences vocales - la respiration, la production sonore et la résonance. Il est donc clair que la prochaine étape du travail préliminaire du réalisateur consiste à analyser l’œuvre du point de vue de ses difficultés techniques.
Regardons les principaux points du travail sur la structure du chœur.
Chanter sans accompagnement impose des exigences particulièrement élevées aux interprètes en termes d'intonation des intervalles et des accords. Très développé ligne mélodique les chansons remplies d'intervalles larges présentent de grandes difficultés pour l'intonation intermittente. Il faut faire attention aux segments mélodiques que le chœur peut chanter faux : aux sons du deuxième rapport
à une séquence de sons de même hauteur, qui provoquent souvent une diminution de l'intonation et nécessitent donc de « remonter » la hauteur de chaque son suivant, à l'intonation des demi-tons.
Pour obtenir un son intonationnellement pur, le chef de chœur doit connaître les schémas d'intonation des différents degrés de majeur et gamme mineure conformément à leur signification modale.
Intonation de la gamme majeure.
Le son de la première étape (le ton principal) est entonné de manière constante. Les sons des deuxième, troisième, cinquième, sixième et septième pas sont entonnés par le désir de s'améliorer. Les sons des troisième et septième degrés (le tiers de la triade tonique et le ton d'introduction) sont entonnés avec une envie de montée particulièrement forte. Le son du quatrième étage est intoné avec une tendance à diminuer.
Il convient de noter que dans les chansons russes, cela apparaît souvent gamme majeure avec un septième étage réduit. Dans ce cas, elle entonne avec une envie de s'abaisser.
L'exemple n° 5 montre la nature de l'intonation des différents degrés de la gamme majeure. Les flèches pointant vers le haut indiquent que le son doit être entonné avec une tendance à monter, une flèche horizontale indique une intonation stable et une flèche pointant vers le bas indique une intonation avec une tendance à descendre.
Intonation de la gamme mineure (naturelle).
Les sons des premier, deuxième et quatrième degrés sont intonés avec une volonté d'augmenter.
Sons des troisième, sixième et septième degrés - avec une tendance à diminuer.
En mineur harmonique et mélodique, le son du septième degré est intoné avec une forte tendance à la montée. En mineur mélodique, le son du sixième degré est également entonné avec une tendance à augmenter.
L'exemple n° 6 montre la nature de l'intonation des sons de la gamme « si bémol mineur », dans laquelle la chanson « Polyushko Kolkhoznoye » a été écrite.
Intonation précise dans une large mesure dépend de la respiration chantante. Une respiration lente avec fuite d'air provoque une diminution du son ; une respiration surmenée avec trop de pression d'air entraîne au contraire une force et une intonation accrue. Le développement lent du son (avec approche) provoque également une imprécision de l'intonation. Une position basse, provoquant un surmenage du larynx, entraîne une diminution de l'intonation du son, et le même résultat est provoqué par le chevauchement du son dans le registre supérieur (dans les voix folkloriques, cela se produit dans les chansons calmes). Avec une utilisation insuffisante des résonateurs thoraciques, l'intonation change vers le haut.
La « position haute » du son a un effet particulièrement bénéfique sur l'intonation, dont l'essence est de diriger le son vers les résonateurs supérieurs et de soulager les tensions dans le larynx. Une position élevée doit être atteinte dans n’importe quel registre.
Lorsqu'on travaille sur cette chanson, il faut particulièrement en tenir compte lorsqu'on s'entraîne avec des seconds altos, qui chantent dans un registre très grave. Les exercices vocaux, chanter des phrases individuelles avec la bouche fermée ou sur les syllabes « li » et « le » sont d'une grande utilité pour développer des sons de position élevée.
Ainsi, le chant intonatoirement pur dans une chorale dépend en grande partie du niveau de tout le travail vocal, qui doit être réalisé dans le sens du développement de diverses compétences en chant et de la correction de certains défauts de la voix des chanteurs (son pressé, forçage, tremblement, teinte nasale , etc. ).
La compétence vocale la plus importante est une respiration correcte et soutenue. » On dit souvent qu'un chanteur qui maîtrise la respiration chantée chante « avec un soutien » ou avec un « son soutenu. La respiration assistée se caractérise par le fait que tout l'air lorsqu'il chante s'en va ». complètement à la formation du son sans fuite et est consommé de manière douce et économique. Dans ce cas, le soi-disant « son soutenu » apparaît. Il a beaucoup de richesse, de densité, d'élasticité, tandis que le son non soutenu, au contraire, est sourd. lâche, faible, avec un siphon, ce qui indique une fuite d'air inutile. De plus grandes économies d'air sont possibles et, par conséquent, chanter de grandes structures musicales en une seule respiration nécessite des changements fréquents de respiration et conduit à une pause dans la phrase musicale. .
Pour obtenir un son soutenu, il est nécessaire de maintenir un « réglage d'inspiration », c'est-à-dire que lorsqu'il chante, le chanteur ne doit pas laisser sa poitrine s'abaisser et se rétrécir. Après avoir inspiré de l'air, vous devez retenir votre souffle pendant un moment, puis commencer la production sonore. Ce moment de « retard » semble alerter tout l’appareil chantant. Vous devez respirer facilement et naturellement, sans tension excessive, presque comme avec une respiration normale. discours familier. Le chanteur doit aspirer autant d’air qu’il en a besoin pour accomplir une tâche précise. Le volume d'air inhalé dépend de la taille de la phrase musicale et du registre dans lequel elle sonne, ainsi que de la force du son. Chanter dans un registre aigu nécessite plus d’air. Inhaler trop d’air entraîne des sons tendus et une intonation imprécise. La durée de l'inspiration dépend du tempo du morceau et doit être égale à la durée d'un battement de la mesure. Pour l’interprétation continue de longues structures musicales, voire de la pièce entière, on utilise ce qu’on appelle la « respiration en chaîne ». Son essence réside dans le fait que les choristes renouvellent alternativement leur respiration. L'exemple n°7 montre la partie chorale du deuxième couplet, qui est interprétée sur « la respiration en chaîne ».
Chaque chanteur individuellement ne peut pas chanter tout ce segment sans renouveler son souffle, mais dans le chœur, du fait que les chanteurs renouvellent alternativement leur souffle, cette phrase semble indifférenciée. Le souffle chantant normal d'un chanteur s'assèche au tournant des quatrième et cinquième mesures, mais il n'est pas recommandé même à un chanteur de respirer à cet endroit. Lorsqu'on pratique la « respiration en chaîne », il est préférable de respirer non pas à la jonction de deux structures musicales, mais avant ou après un certain temps. Il faut se déconnecter du chant et y rentrer imperceptiblement, prendre des respirations courtes et principalement au milieu d'un mot ou sur un son soutenu. (Exemple n°7).
L'importance de la nature de l'expiration doit être soulignée une fois de plus. Il doit être économique et uniforme sur toute sa longueur. Seule une telle expiration peut créer un chant doux et élastique. Ne laissez pas tout l’air s’épuiser lors de l’expiration. Il est nocif de chanter avec une réserve d'air très épuisée.
Dans le chant, le processus respiratoire est étroitement lié au moment de la génération du son, ou de l'attaque. Il existe trois types d'attaques : dures, haletantes et douces. Lors d'une attaque violente, les ligaments se ferment avant que l'air ne soit fourni. Ensuite, le flux d'air avec une légère force ouvre les ligaments. Le résultat est un son aigu.
Une attaque aspirée est l’opposé d’une attaque solide. Avec lui, l'apparition du son est précédée d'une expiration silencieuse, après quoi les ligaments se ferment calmement. Dans ce cas, la voyelle « A » semble prendre le caractère sonore de « xx-a », mais la consonne « x » ne doit pas être entendue.
Avec une attaque douce, la fermeture des ligaments commence simultanément au début du son.
Une attaque ferme dans le chant est rare (dans les exclamations sonores, dans le développement fort du son après une pause).
Les exercices fortement attaqués sont d’un grand bénéfice ; ils cultivent la sensation d’un son « appuyé » et sont un moyen de lutter contre la lenteur de la production sonore qui provoque une « sape ». De tels exercices (exemple n°8) doivent être chantés à un tempo lent sur la voyelle « A »
La base du chant est une attaque douce. Aspiré - utilisé pour une sonorité silencieuse et très silencieuse.
Avec des chanteurs à la voix aiguë, il est utile de s'entraîner à chanter des petits campagnols ou des sections d'une phrase musicale d'un morceau en cours d'apprentissage pour les voyelles « I », « E », « E », « Yu » ou les syllabes « LA », "LE", "LE", " BJ".
L'image artistique de l'art vocal apparaît dans l'unité de la musique et des mots. Non seulement la qualité de la transmission du texte littéraire d'une chanson à l'auditeur, mais aussi l'ensemble du processus de chant dépendent de la façon dont les mots sont prononcés ou de la diction. Comme vous le savez, un mot est constitué d'une unité de voyelles et de consonnes. Une condition indispensable pour une diction correcte lors du chant est le son des voyelles le plus long possible et une prononciation courte et active des consonnes, basée sur une interaction claire de la langue, des lèvres, des dents et du palais avec une expiration régulière et en aucun cas saccadée. Il est utile de pratiquer la clarté de la prononciation des consonnes sur des sons faibles en les doublant. Dans le même temps, afin de fixer toute l'attention sur les consonnes, il est utile de laisser tomber chaque syllabe brièvement, mais pas brusquement, en calculant mentalement la durée des notes soutenues. (Exemple n°9)
Les combinaisons de plusieurs consonnes (pays), d'une consonne au début d'un mot (rencontrer, ne pas rencontrer) et d'une consonne à la fin d'un mot (couleur, pas tsve) sont particulièrement difficiles à prononcer.
Pour maintenir la plus grande continuité du son de la mélodie, les consonnes à la fin d'une syllabe doivent être combinées avec la syllabe suivante.
"U-ro-zha-e-ms l a-v i-tsya."
Une diction claire est généralement assimilée à une prononciation claire des consonnes, en oubliant que les voyelles jouent également un rôle énorme dans la prononciation des mots et dans la cohésion globale du son choral.
Les voyelles sont des sons purs sans aucun mélange de bruit. Certains d'entre eux semblent brillants, ouverts - "A", d'autres sont fermés - "O", "U", d'autres - "fermer" - "I". Le degré de tension, ou d'éclat, des voyelles est différent ; il dépend de la position de la bouche et de la place de la voyelle dans le mot (les voyelles accentuées sonnent plus tendues et plus brillantes que les voyelles non accentuées).
En chantant, pour créer une ligne vocale uniforme, toutes les voyelles sont en quelque sorte neutralisées, c'est-à-dire que la ligne nette entre elles est effacée. Cela se produit en maintenant à peu près la même position de la bouche pour toutes les voyelles. On sait qu'une même voyelle dans différentes positions de la bouche acquiert des qualités sonores différentes : avec la bouche grande ouverte, elle sonne ouverte, brillante, avec la bouche entrouverte - couverte, doucement, en chantant avec les commissures des lèvres écartées (sur un sourire) - cela semble léger, facile, "proche". Par conséquent, il est tout à fait compréhensible que dans le son d'une phrase individuelle ou d'une œuvre entière, marquée par une certaine humeur, toutes les voyelles sonnent sur le même ton émotionnel, avec la même position prédominante de la bouche. Une manière unifiée de former les voyelles dans un chœur devient cruciale, car elle constitue la base de l'unité du timbre des voix. Pour développer une résonance unifiée des voyelles, il est utile de chanter une séquence de sons de même hauteur sur les syllabes MI-ME-MA-MO-MU (la consonne « M » est utilisée pour adoucir l'attaque. Exemple n°10 ). Dans ce cas, vous devez vous assurer que toutes les voyelles sont interprétées avec le même degré d'ouverture buccale.
Afin d'éviter de « conduire » en chantant les voyelles « A », « O », « U », « E », « I » après toute autre voyelle ou la même voyelle, notamment à la jonction de deux mots, il faut pour étirer la première voyelle le plus longtemps possible et passer instantanément à la seconde, en attaquant le son un peu plus fort. Par exemple : « …Polyushko est célèbre pour sa récolte. »
Nous avons déjà dit plus haut qu'une voyelle accentuée semble plus forte et plus brillante qu'une voyelle non accentuée. Mais parfois, dans les chansons folkloriques, le rythme fort du rythme ne coïncide pas avec l'accentuation du mot. Dans ces cas, il est nécessaire d'exécuter la voyelle qui sonne sur le battement fort de la mesure de manière moins visible que la voyelle sur laquelle l'accent est mis sur les mots (Exemple 11)
On voit ici que dans le mot « My », la voyelle non accentuée « O » correspond à un battement relativement fort et donc, en se détachant, va déformer le mot. Pour éviter que cela ne se produise, la syllabe « MO » doit être chantée un peu plus doucement que la voyelle « Yo ».
Le travail sur les voyelles dans un chœur folklorique devient particulièrement grande importanceà propos de la vision erronée de certains musiciens du timbre de la voix populaire. Ils croient que le chant folklorique se caractérise uniquement par un son ouvert et blanc. Une mauvaise compréhension de la base vocale du chant folklorique conduit à une mauvaise orientation de ce merveilleux genre d'art choral. La richesse des genres de la chanson folklorique russe, des chœurs calmes et doux, des chansons poignantes aux vastes toiles de chansons lyriques chantées et de chansons printanières bruyantes, ne parle-t-elle pas de sa plus large gamme émotionnelle ?! Comment peux-tu chanter toutes ces chansons avec un seul son ?! Il est tout à fait clair que le son d'un chœur folklorique, comme de tout autre chœur, dépend du contenu de la chanson, de son ton émotionnel.
La base de tout art musical collectif, y compris le chœur, est l'unité et une certaine coordination des actions de tous les membres du groupe. Tous les éléments de la sonorité chorale : structure, diction, force, timbre, vitesse de déplacement, etc. n'existent que sous une forme collective et d'ensemble. Le travail sur l’ensemble imprègne donc toutes les étapes du travail choral.
Nous avons déjà parlé de la manière uniforme dont se forment les voyelles et les consonnes. Nous allons maintenant nous intéresser à l'ensemble rythmique et dynamique. Dans «Polyushka the Collective Farm», chaque voix a son propre motif rythmique indépendant. Lorsqu'il est exécuté en même temps, il existe un risque de briser l'ensemble rythmique. Pour éviter cela, il est nécessaire de cultiver chez les chanteurs le sens de la pulsation de la mélodie. À cette fin, il est bon d'utiliser des passages musicaux chantés à haute voix en divisant chaque noire, demi-note et entière en croches composantes (exemple N2 12).
Grâce à cet exercice, le chœur maintiendra avec précision des durées complexes et passera aux sons suivants dans le temps. Habituellement, sur des sons de longue durée, les chanteurs perdent la sensation précise du mouvement et passent aux sons suivants tard ou en avance.
Un ensemble dynamique dans un chœur repose sur l'équilibre de la force des voix d'une partie et sur une certaine cohérence entre les parties : soit la partie supérieure, menant la voix principale, sonne plus fort que les autres parties, puis la partie médiane ou inférieure. la voix vient au premier plan, puis toutes les parties sonnent avec la même force. Ainsi, dans la chanson «Polyushko Kolkhoznoe», la voix supérieure semble d'abord plus forte, puis les changements mélodiques des différentes voix commencent à être soulignés de manière dynamique et, au point culminant de la chanson, toutes les voix sonnent avec la même force.
La plupart des chansons folkloriques russes sont interprétées par des chanteurs principaux. Dans ces cas-là, l’ensemble entre le chanteur principal et le chœur est très important, car il reprend tout le caractère de l’interprétation de la chanson du chanteur principal. Ceci doit être pris en compte lors de l’apprentissage de cette chanson. La base d'un bon ensemble dans un chœur est la sélection correcte des voix et leur égalité quantitative dans chaque partie. Le résultat est un ensemble naturel. Mais parfois, les voix qui composent un accord ont des conditions de tessiture différentes. Dans ce cas, l'équilibre sonore est obtenu artificiellement, grâce à une répartition particulière de la force sonore entre les voix : la voix secondaire, écrite dans un registre aigu, doit sonner plus doucement, et la voix principale, écrite dans un registre grave, doit sonner plus doucement. être exécuté plus fort. Si toutes les voix dans une situation donnée sont interprétées avec la même force, alors la voix secondaire étouffera la voix principale et, bien sûr, il n'y aura pas d'ensemble.
Pour créer un ensemble artistiquement complet, il est nécessaire que chaque chanteur non seulement chante avec précision son rôle, mais aussi, en écoutant ses voisins du rôle, se confonde avec eux. De plus, il doit écouter la voix principale et mesurer avec elle la force de sa voix.
Chœur folklorique du nord de la Russie – l’âme de la région de la mer Blanche
Les Pomors d'Arkhangelsk sont les descendants des anciens Novgorodiens qui se sont installés dans cette région dans les temps anciens. Leur art est encore préservé dans son originalité. Cette particularité monde de l'art avec ses propres lois et concepts de beauté. En même temps, dans les chants et les danses du Nord, l'humour, l'enthousiasme et le tempérament intérieur caractéristiques des Pomors se manifestent clairement. L'art de la chanson nordique est spécial, il se distingue par la rigueur du style, la pureté chaste et la retenue, tout cela est combiné avec un début épique courageux et volontaire.
Le Chœur du Nord est à juste titre appelé la perle de la culture russe. Au cours de ses 85 années d'existence, elle n'a jamais changé son rôle. Chaque représentation est un univers artistique particulier et une performance dynamique et lumineuse : grandes productions intrigues, compositions vocales et chorégraphiques, images de vacances folkloriques. Toutes les nuances sonores de la nature nordique sont entendues dans la polyphonie chantée du chœur : le discours pensif de la taïga, la douce chasteté des rivières, la profondeur résonnante de l'océan et le tremblement transparent des nuits blanches.
Antonina Yakovlevna KOLOTILOVA - fondatrice et directrice artistique du Chœur folklorique académique d'État de la Russie du Nord (1926 - 1960), Artiste du peuple de la RSFSR, Artiste émérite de la RSFSR, lauréate du Prix d'État de l'URSS
« Celui qui n’aime pas sa chanson natale n’aime pas son peuple ! »(A. Ya. Kolotilova)
Antonina Yakovlevna Kolotilova (Sherstkova) est née en 1890 dans le village de Zhilino, non loin de l'ancienne ville de Veliky Ustyug.
En 1909, Kolotilova est diplômée avec distinction du gymnase féminin Veliky Ustyug et est allée enseigner dans une école rurale du village de Pelyaginets, district de Nikolsky, province de Vologda. C'est dans ce village qu'Antonina Kolotilova a commencé à s'intéresser professionnellement au folklore. Elle a toujours observé avec intérêt les rituels du Nord, écouté des chansons, appris à se lamenter et à se magnifier, et a appris la manière de bouger des filles et des femmes dans les danses en rond, les quadrilles et les arcs.
Kolotilova, née et élevée dans le nord de la Russie, l'aimait profondément mère patrie, notamment l'étendue des prairies inondées au moment de la floraison des graminées.
En 1914, Antonina Yakovlevna se marie et s'installe à Nikolsk. Là, elle travaille comme enseignante dans une école publique et continue de collectionner et d'enregistrer des chansons, des contes et des chansons locales. Le talent artistique inné a aidé la jeune fille à maîtriser facilement la culture et le style de performance.
Après 5 ans, les Kolotilov ont déménagé à Veliky Ustyug. C'est dans cette ancienne ville du nord de la Russie que commence l'histoire Chœur du Nord. Ici, Antonina Yakovlevna organise un ensemble de femmes amateurs qui se produisent dans des clubs et, un peu plus tard, dans une station de radio ouverte dans la ville. Il faut dire que les premiers membres de l’équipe étaient pour la plupart des femmes au foyer. Ils venaient facilement dans son appartement, organisaient des séances de chant en groupe et étudiaient les chansons qui les intéressaient. Les auditeurs ont apprécié les concerts des jeunes choristes et les émissions radiophoniques ont rendu le groupe très populaire. Le chœur amateur de Kolotilova comptait à cette époque environ 15 personnes.
« Antonina Yakovlevna méritait pleinement l'amour du peuple et sa gloire, car elle a consacré toute sa force et ses pensées, l'énergie inépuisable et la passion de son âme au chant folklorique et à la chorale qu'elle a créée... Si cette femme merveilleuse n'avait pas été dans le monde, il n'y aurait pas eu notre chorale folklorique du nord de la Russie !(Nina Konstantinovna Meshko)
Naissance du Chœur du Nord
En 1922, à Moscou, dans un studio d'enregistrement, Antonina Yakovlevna rencontre Mitrofan Pyatnitsky. C'est cette rencontre qui est devenue importante pour Kolotilova. La connaissance du travail du chœur de Pyatnitsky a incité à la création de son propre chœur folklorique de chants du Nord. Le 8 mars 1926, un petit groupe amateur se produit pour la première fois à la Maison des travailleurs de l'éducation. Ce jour est devenu l'anniversaire du Chœur folklorique de Russie du Nord.
Au début, la chorale était ethnographique, mais ensuite les conditions de la vie scénique ont nécessité une restructuration organisationnelle et créative : un groupe de danse et des accordéonistes sont apparus. En 1952, la chorale est organisée groupe d'orchestre grâce aux efforts du compositeur V.A. Laptev.
L'équipe n'était alors composée que de 12 chanteurs. Les costumes étaient les tenues des mères et des grands-mères - de véritables robes d'été et chemisiers paysans. Les premiers accordéonistes furent les frères Tryapitsyn Boris et Dmitry, ainsi que le frère cadet d'Antonina Yakovlevna, Valery Sherstkov. Les rôles étaient appris lors des répétitions grâce à la voix du directeur artistique. Antonina Yakovlevna a non seulement montré comment chanter, mais aussi comment bouger, s'incliner et se comporter correctement sur scène.
La chorale nouvellement créée a toujours été chaleureusement accueillie dans les entreprises de la ville, en les établissements d'enseignement, villages environnants. Le statut de groupe amateur n'a pas empêché Kolotilova de travailler sérieusement, de traiter la chanson du nord avec soin et de reproduire fidèlement la manière de son interprétation ! Elle n'a jamais modifié ces exigences à l'avenir. Au cours des premières années, la chorale interprétait principalement des chansons folkloriques anciennes, que les chanteurs - d'anciennes paysannes, habitants indigènes du Nord - connaissaient depuis leur enfance, possédaient non seulement des compétences d'interprétation, mais aussi un style d'improvisation folklorique. Pas étonnant que le Chœur du Nord de longues annéesétait considéré comme le plus fiable sur le plan ethnographique, cohérent dans sa ligne créative, préservant les traditions de la chanson nordique, et les chanteurs de chœur se distinguaient toujours par leur capacité à pénétrer dans la profondeur de l'image musicale et à l'incarner dans une beauté unique.
En 1931, Kolotilova organisa une chorale à Arkhangelsk à plus grande échelle, tant en nombre de participants qu'en volume du répertoire. Les programmes de concerts comprennent des chants de Pinega et de Poméranie du Nord, une variété de danses et scènes de tous les jours. Kolotilova collecte elle-même le matériel musical le plus riche lors de voyages dans diverses régions de la région d'Arkhangelsk. Parallèlement, des costumes ont été achetés pour les membres de la chorale.
En 1935, lors d'un voyage en Poméranie, Antonina Yakovlevna rencontre Marfa Semionovna Kryukova, une célèbre conteuse. Kolotilova a veillé à ce que Kryukova participe au premier festival radiophonique de toute l'Union (1936). Par la suite, Marfa Kryukova s'est rendue à Moscou avec le Chœur du Nord, où, avec Antonina Yakovlevna, elle a travaillé sur les premiers contes.
En plus des épopées, les programmes de la chorale comprenaient toujours des chants de bouffons joyeux, dansants et comiques, issus de l'art des musiciens bouffons errants, et des chants lyriques interminables, que les chanteurs interprétaient d'une manière touchante et émouvante.
Pendant la guerre, le groupe donne de nombreux concerts. Nous nous déplacions dans des véhicules chauffés, vivions au jour le jour, ne dormions pas suffisamment et fuyions les bombardements. Nous sommes allés dans la flotte du Nord, à Mourmansk, dans l'Arctique, sur le front carélo-finlandais et dans l'Oural. En 1944, nous partons en Extrême-Orient pour six mois.
Antonina Kolotilova : « J’aime mon Nord natal et je lui chante des chansons ! »
Jusqu'en 1960, Antonina Yakovlevna reste la directrice artistique du groupe. Toutes les années de travail de Kolotilova ont été remplies d'un travail infatigable et acharné et d'une passion créative, d'un désir sincère de préserver et de transmettre aux contemporains la profondeur de l'originalité et de la beauté. art folklorique Région du Nord, en recherche constante de nouvelles formes scéniques et de nouveaux moyens d'interprétation. La vie de Kolotilova a été un véritable exploit créatif et les traditions qu’elle a instaurées sont vivantes dans l’équipe.
Source : Résidents éminents de Vologda : notices biographiques/
Éd. Conseil "Encyclopédie de Vologda".
VSPU, maison d'édition "Rus", 2005. - 568 p. - ISBN5-87822-271-X
En 1960, Antonina Yakovlevna Kolotilova, artiste du peuple de la RSFSR et lauréate du Prix d'État, a confié la direction du groupe à une diplômée du Conservatoire d'État Tchaïkovski de Moscou, une enseignante et chef de chœur expérimentée, Nina Konstantinovna Meshko. La nouvelle période de la vie de l'équipe est marquée par la croissance du professionnalisme et de la culture scénique.
Nina Konstantinovna Meshko - Artiste du peuple de l'URSS, lauréate du Prix d'État de la RSFSR du nom de Glinka, directrice artistique de la chorale folklorique du Nord de 1960 à 2008, académicien de l'AIU, professeur du département de l'Académie russe de musique. Gnessines
« Les gens s’appuient sur leur culture traditionnelle et indigène !(Nina Mechko)
Nina Meshko est née en 1917 dans le village de Malakhovo, district de Rzhevsky, région de Tver, dans une famille d'enseignants où ils aimaient les chansons. Ma mère, Alexandra Vasilievna, avait une voix merveilleuse et mon père, Konstantin Ivanovich, non seulement dirigeait la chorale de l'école, mais aimait aussi chanter dans l'église locale.
Extrait des mémoires de N.K. Mieszko : « Je ne me souviens pas quel âge j'avais, peut-être même moins d'un an... J'étais enveloppé dans une écharpe duveteuse et quelqu'un me tenait dans ses bras. Dans la cuisine, les gens étaient assis autour d’une grande table en bois et tout le monde chantait. Et en même temps, j’ai éprouvé un bonheur complètement inexplicable… »La petite Nina a maîtrisé le piano de manière indépendante et a étudié théorie élémentaire musique, solfège. Et elle était tellement captivée par le monde de la musique qu’elle a décidé : seulement de la musique et rien d’autre ! Et donc, sans aucun doute, Nina Meshko entre École de musique nommé d'après la Révolution d'Octobre, et après avoir obtenu son diplôme au Conservatoire de Moscou à la faculté de direction d'orchestre et de chorale. C'est là que Nina Konstantinovna a entendu pour la première fois le Chœur du Nord. Il lui a fait une très forte impression.
Et puis Nina Meshko s'est vu proposer de créer une chorale folklorique de la région de Moscou. C'est après ce travail que Nina Konstantinovna a finalement décidé : uniquement du chant folklorique et rien de plus.
Extrait des mémoires de N.K. Mieszko : « Une sorte d'obsession a littéralement fait irruption en moi pour faire revivre la culture folklorique du chant. Parce qu'elle était la plus grande ! C'est une telle compétence ! Les archives en parlent, surtout celles du nord.Après le Chœur de Moscou, Nina Meshko a travaillé avec le Chœur de chansons folkloriques russes de la Radio All-Union, puis une invitation a suivi pour diriger le Chœur du Nord. Le Nord l'a conquise et l'a fait tomber amoureuse de lui.
Extrait des mémoires de N.K. Mieszko : "Les gens qui maîtrisent parfaitement la culture du chant, qui ont une voix belle, flexible et libre, peuvent interpréter une chanson comme ils le font dans le Nord."Pendant près de 50 ans, Nina Konstantinovna Meshko a dirigé le Chœur folklorique académique de Russie du Nord, connu non seulement en Russie, mais aussi bien au-delà de ses frontières. Elle a repris ce relais de son professeur Antonina Kolotilova. Sous la direction de Nina Meshko, la chorale est devenue lauréate de divers compétitions internationales. Meshko était le fondateur de l'école de chant folklorique Gnessin. L'école Mieszko a formé toute une galaxie de professeurs, de chefs de chœur et d'interprètes de chants folkloriques. Parmi eux figurent Tatiana Petrova, Nadezhda Babkina, Lyudmila Ryumina, Natalya Boriskova, Mikhail Firsov et bien d'autres. Lyudmila Zykina la considérait comme son professeur. Mieszko a développé sa propre méthode chorale, qui est désormais utilisée par ses nombreux élèves.
Extrait des mémoires de N.K. Mieszko : « L'art du chant est une chronique de la vie de tout le peuple russe. Elle est unique, exceptionnellement riche, tout comme la langue russe est d'une richesse inégalée. Et puis il est vivant, se développe continuellement, se renouvelle, renaît de ses cendres... Les gens s'appuient sur leur culture traditionnelle et indigène.
ConfessionN. MeshkoPardonne-moi, pardonne-moi, Seigneur,
Pour ce que je ne pouvais pas faire
Et dans l'agitation des soucis de la journée
Je n’ai pas eu le temps de rembourser mes dettes.
Je n'ai pas eu le temps de donner
Un regard pour quelqu'un, une caresse pour quelqu'un,
Certains n'ont pas soulagé la douleur,
Je n’ai pas raconté l’histoire aux autres.
Devant les proches à une heure douloureuse
Je ne me suis pas repenti
Et plus d'une fois dans le sac d'un mendiant
Elle n'a pas fait l'aumône.
Des amis aimants, souvent
Je m'offense involontairement,
Et voyant les chagrins des autres,
Je fuis la souffrance.
Je m'élance goulûment vers le ciel,
Mais le fardeau des soucis me ramène au sol.
Je veux te donner un morceau de pain -
Et je l'oublie sur la table.
Je sais tout ce que je devrais
Mais elle n'a pas rempli l'alliance...
Veux-tu me pardonner, Seigneur,
Pour tout, pour tout, pour tout pour ça ?
Irina Lyskova,
Attachée de presse du Chœur du Nord
L'originalité du répertoire et l'attention portée à la richesse chantée de la région
Groupe dirigeant de l'équipe - chœur de femmes captive l'auditeur par son timbre unique, la beauté des chants originaux et la pureté du son des voix féminines a cappella. Le chœur maintient la continuité de la tradition du chant. Le Northern Choir, qui se distingue par sa haute culture du chant et son identité unique, maintient systématiquement les traditions et la priorité d'une haute spiritualité dans ses performances.
Les costumes du Chœur Nord méritent une attention particulière. Créés par des costumiers professionnels, à partir des meilleurs échantillons des collections des musées d'Arkhangelsk, Moscou et Saint-Pétersbourg, ils représentent image collective russe costume national les nordistes. Pendant le concert, les artistes changent de costume à plusieurs reprises - apparaissant devant le public dans des costumes festifs, quotidiens ou stylisés créés spécifiquement pour les numéros de concert.
L'ensemble se compose de trois groupes - chorale, danse et orchestre russe instruments folkloriques. En 1952, un groupe orchestral a été organisé au sein du chœur grâce aux efforts du compositeur V.A. Laptev. Le son des instruments folkloriques russes de l'orchestre est d'une sincérité et d'une chaleur étonnantes. L'originalité du répertoire et l'attention portée à la richesse chantée de la région, la modernité et le haut niveau d'interprétation apportent au chœur un succès bien mérité !
L'attention du spectateur est constamment attirée sur la scène : des bouffons joyeux alternent avec des chansons lyriques persistantes, des quadrilles gais remplacent des danses rondes calmes, des chants a cappella alternent avec des œuvres musicales.
Le Chœur du Nord accorde une attention particulière à l'éducation de son auditeur, de son téléspectateur, c'est pourquoi nombre de ses programmes sont dédiés aux enfants, adolescents et publics étudiants. La chorale poursuit activement son activités de concerts en Russie et à l'étranger.
En 1957, l'équipe devient lauréate du Festival de la jeunesse et des étudiants de Moscou. Cet événement ouvre la voie au chœur à l'étranger. Une nouvelle étape dans les activités de la chorale a commencé ; pour être reconnu à l’étranger, la chorale doit être spéciale.
Depuis 1959, le chœur s'est rendu en Pologne, en Bulgarie, en France, en Allemagne, en Italie, en Chine, en Inde, en Afghanistan, au Japon, en Tunisie et aux États-Unis. L'équipe s'est rendue à plusieurs reprises en Finlande pour donner des concerts et s'est rendue en Suède et en Norvège. Préparation du programme « Arctic Rhapsody » avec l'ensemble de danse folklorique « Rimpparemmi » en Finlande (Rovaniemi). Il a travaillé en 2004 et 2007 à Damas (Syrie), où se sont déroulées les Journées de la Russie au centre russo-syrien. En 2005, l'équipe a été invitée par l'association des musées de la ville de Varde (Norvège) pour célébrer l'anniversaire de la ville. À l'automne 2005, l'équipe participe au festival de la culture et du cinéma russes à Nice. « Les recoins les plus intimes de l'âme française ont été touchés par les artistes - les nordistes de Russie, recevant une puissante réponse émotionnelle, le public n'a pas lâché les artistes pendant longtemps, applaudissant les larmes aux yeux. C’est un triomphe de l’art populaire national russe ! – c’est ainsi que les médias français ont évalué les prestations du chœur. En 2007, le Chœur du Nord a été officiellement invité par le ministère de la Culture de Syrie, le bureau de représentation du Roszarubezhcenter en République arabe syrienne et la Russie. centre culturelà Damas pour la fête folklorique de Bosra.
Le Chœur du Nord participe régulièrement à de grands événements en Russie. Ainsi, au printemps 2004, le groupe a participé au Festival de Pâques à Moscou, en 2005, avec l'artiste émérite de Russie, l'étudiant N.K. Meshko T. Petrova et National orchestre académique instruments folkloriques de Russie nommés d'après N.P. Osipova a participé à la célébration du 250e anniversaire de l'Université d'État de Moscou.
Le Chœur du Nord combine avec succès la musique originale de compositeurs modernes avec des mélodies folkloriques traditionnelles, obtenant ainsi une vérité scénique et une saveur nordique dans la performance des artistes. Le répertoire du chœur comprend des chansons basées sur des poèmes de : Sergei Yesenin, Olga Fokina, Larisa Vasilyeva, Alexander Prokofiev, Viktor Bokov, les poètes d'Arkhangelsk Dmitry Ushakov et Nikolai Zhuravlev, Oleg Dumansky.
Prix et titres de la chorale du Nord
Au cours de sa vie créative de 85 ans, l'équipe a reçu des titres et des récompenses prestigieux.
1940
L'équipe a reçu le statut d'équipe professionnelle d'État.
1944
1er prix au Concours choral panrusse (Moscou)
1957
Lauréat et Grande Médaille d'Or du VIe Festival Mondial de la Jeunesse et des Etudiants (Moscou).
Lauréat et diplôme de 1er degré (secondaire) du deuxième Festival pansyndical de théâtres musicaux, d'ensembles et de chorales (Moscou).
1967
Diplôme de la Revue pansyndicale des groupes artistiques professionnels.
1971
Lauréat du VIe International fête folklorique en Tunisie.
1975
Lauréat et diplôme du 1er degré au Concours panrusse des chorales folkloriques professionnelles russes.
1976
Par arrêté du ministre de la Culture, il a reçu le titre « Académique ».
1977
Lauréat et médaille d'or du Festival de l'amitié germano-soviétique de Magdebourg.
Lauréat du concours du groupe artistique russe.
1999
Lauréat du IVe festival « Printemps populaire » et du 1er festival panrusse de la culture nationale.
année 2001
Lauréat du Festival International de Folklore de Saint-Ghislain (Belgique).
2002
Lauréat du Festival International de Folklore de Rovaniemi (Finlande).
Lauréat du Festival panrusse des cultures nationales de Moscou.
2003
Lauréat du Festival russe des cultures nationales (Saint-Pétersbourg).
Lauréat du Congrès et Festival des Cultures Nationales des Peuples de Russie (Nijni Novgorod).
2007
Lauréat du festival d'art populaire de Bosra (République arabe syrienne).
2010
Lauréat du Ier Festival panrusse de chant populaire « Origines éternelles » (Moscou).
2011
Le 8 mars, le programme de concerts « Northern Choir for All Seasons » a célébré le 85e anniversaire du Northern Choir.
Le Chœur du Nord a reçu le statut d'« Objet particulièrement précieux du patrimoine culturel de la région d'Arkhangelsk ».
Lauréat du Festival International de Noël en Italie. Dans le cadre du concours, l'équipe a reçu deux diplômes d'or dans les nominations « Folklore scénique » et « Chant sacré ».
année 2012
Lauréat du festival des chorales professionnelles « Slavic Round Dance » (Ryazan).
Organisateur du IIe Festival panrusse à la mémoire de l'Artiste du peuple de l'URSS, directrice artistique du groupe Nina Konstantinovna Meshko.
Chefs du Chœur du Nord
Directeur de choeur : Natalia GeorgievnaAsadchik.
Directeur artistique: Artiste émérite de Russie, professeur à l'Académie de musique Gnessine Svetlana Konopyanovna Ignatieva.
Chef d'orchestre : Artiste émérite de Russie Alexandre Mikhaïlovitch Kachaev.
Chorégraphe en chef : Artiste émérite de Russie Alexander Petrovich Selivanov.
Des arafans au sol, des kokoshniks et de l'art de la chanson. Chœurs folkloriques russes portant le titre « académique » - en guise de reconnaissance du plus haut niveau de performance scénique. En savoir plus sur le parcours des « populistes » sur grande scène- Natalia Letnikova.
Chœur des cosaques du Kouban
200 ans d'histoire. Les chants des Cosaques sont soit une marche à cheval, soit une sortie à pied vers « Marusya, un, deux, trois... » avec un vaillant sifflet. 1811 est l’année de création du premier groupe choral en Russie. Un monument historique vivant qui a porté l'histoire du Kouban et les traditions chantées de l'armée cosaque à travers les siècles. A l'origine se trouvaient l'éducateur spirituel du Kouban, l'archiprêtre Kirill Rossinsky et le régent Grigory Grechinsky. Depuis le milieu du XIXe siècle, le groupe a non seulement participé à des services divins, mais a également donné des concerts laïques dans l'esprit d'hommes libres cosaques téméraires et, selon Yesenin, de « joyeuse mélancolie ».
Chœur nommé d'après Mitrofan Piatnitski
Une équipe qui se qualifie fièrement de « paysanne » depuis maintenant un siècle. Et même si des artistes professionnels se produisent aujourd'hui sur scène, et non de simples paysans russes bruyants de Riazan, de Voronej et d'autres provinces, la chorale présente des chansons folkloriques dans une harmonie et une beauté étonnantes. Chaque représentation suscite l’admiration, comme il y a cent ans. Le premier concert du chœur paysan a eu lieu dans la salle de la Noble Assemblée. Le public, dont Rachmaninov, Chaliapine et Bounine, a quitté la représentation sous le choc.
Chœur folklorique du Nord
Une simple enseignante rurale, Antonina Kolotilova, vivait à Veliky Ustyug. Elle rassemblait des amateurs de chansons folkloriques pour l'artisanat. Un soir de février, ils cousèrent du linge pour orphelinat: « La lumière douce et uniforme tombant de la lampe éclair créait un confort particulier. Et devant la fenêtre le mauvais temps de février faisait rage, le vent sifflait dans la cheminée, faisait trembler les planches du toit, jetait des flocons de neige sur la fenêtre. Ce décalage entre la chaleur d'une pièce douillette et le hurlement d'un blizzard de neige a rendu mon âme un peu triste. Et tout à coup, une chanson commença à retentir, triste, interminable... » C'est ainsi que sonne le chant du Nord - 90 ans. Déjà depuis la scène.
Chœur folklorique de Riazan nommé d'après Evgeniy Popov
Les chansons de Yesenin. Dans la patrie du chanteur principal de la terre russe, ses poèmes sont chantés. Mélodique, perçant, excitant. Où bouleau blanc- soit un arbre, soit une fille, figée sur la haute rive de l'Oka. Et le peuplier est certainement « argenté et brillant ». La chorale a été créée sur la base de l'ensemble folklorique rural du village de Bolshaya Zhuravinka, qui se produit depuis 1932. La chorale de Riazan a eu de la chance. Le chef du groupe, Evgeny Popov, a lui-même écrit la musique des poèmes d'un compatriote doté d'un sens étonnant de la beauté. Ils chantent ces chansons comme s'ils parlaient de leur vie. Chaleureux et doux.
Chœur folklorique sibérien
Chœur, ballet, orchestre, studio pour enfants. Le chœur sibérien est multiple et au diapason du vent glacial. Le programme du concert « Yamshchitsky Tale » est basé sur du matériel musical, chant et chorégraphique de la région sibérienne, comme de nombreux sketches scéniques du groupe. La créativité des Sibériens a été observée dans 50 pays à travers le monde, de l'Allemagne et de la Belgique à la Mongolie et à la Corée. Ce dont ils vivent, c’est ce qu’ils chantent. D’abord en Sibérie, puis dans tout le pays. Qu’est-il arrivé à la chanson « Le pain est la tête de tout » de Nikolaï Koudrine, interprétée pour la première fois par le Chœur sibérien.
Chœur folklorique russe de Voronej nommé d'après Konstantin Massalinov
Des chansons en première ligne en ces jours difficiles où, semble-t-il, il n'y a pas du tout de temps pour la créativité. La chorale de Voronej est apparue dans le village ouvrier d'Anna au plus fort du Grand Guerre patriotique- en 1943. Les premiers à entendre les chansons du nouveau groupe furent dans les unités militaires. Le premier grand concert - les larmes aux yeux - a eu lieu à Voronej, libérée des Allemands. Le répertoire comprend des chansons lyriques et des chansons connues et appréciées en Russie. Y compris grâce à la soliste la plus célèbre du chœur de Voronej - Maria Mordasova.
Chœur folklorique de la Volga nommé d'après Piotr Miloslavov
« Un vent de steppe parcourt la scène du Théâtre du Châtelet et nous apporte le parfum des chants et des danses originales. »- écrivait le journal français L'Umanité en 1958. La ville de Samara a fait découvrir aux Français le patrimoine musical de la région de la Volga. L'interprète est le Volga Folk Choir, créé par décision du gouvernement de la RSFSR en 1952 par Piotr Miloslavov. Une vie tranquille et émouvante sur les rives de la grande Volga et sur scène. Ekaterina Shavrina a commencé sa carrière créative au sein de l'équipe. La chanson « Snow White Cherry » a été interprétée pour la première fois par le Volga Choir.
Chœur folklorique d'Omsk
Ours avec une balalaïka. L'emblème de la célèbre équipe est bien connu en Russie et à l'étranger. « Amour et fierté de la terre sibérienne », comme les critiques ont surnommé le groupe lors d'un de leurs voyages à l'étranger. « Le Chœur folklorique d'Omsk ne peut pas seulement être qualifié de restaurateur et de gardien de chansons folkloriques anciennes. Il est lui-même l’incarnation vivante de l’art populaire de nos jours. »- a écrit le britannique The Daily Telegraph. Le répertoire est basé sur des chansons sibériennes enregistrées par la fondatrice du groupe, Elena Kalugina, il y a un demi-siècle et des images lumineuses de la vie. Par exemple, la suite « Winter Siberian Fun ».
Chœur folklorique de l'Oural
Performances sur les fronts et dans les hôpitaux. L'Oural a non seulement fourni au pays du métal, mais a également remonté le moral avec des danses éclair et des danses en rond, le matériau folklorique le plus riche du pays de l'Oural. La Philharmonie de Sverdlovsk réunissait des groupes amateurs des villages environnants d'Izmodenovo, Pokrovskoye, Katarach et Laya. « Notre genre est vivant », - disent-ils dans l'équipe aujourd'hui. Et ils envisagent de sauver cette vie Tâche principale. Comme le fameux « Sept » de l’Oural. « Drobushki » et « barabushki » sont sur scène depuis 70 ans. Pas une danse, mais une danse. Désireux et audacieux.
Chœur folklorique d'Orenbourg
Écharpe en duvet faisant partie d'un costume de scène. Dentelle moelleuse entrelacée avec chansons folkloriques et dans une danse en rond - dans le cadre de la vie des cosaques d'Orenbourg. L'équipe a été créée en 1958 pour préserver la culture et les rituels uniques qui existent « aux confins de la vaste Rus', le long des rives de l'Oural ». Chaque représentation est comme une représentation. Ils n'interprètent pas seulement les chansons composées par le peuple. Même aux danses base littéraire. «Quand les cosaques crient» est une composition chorégraphique basée sur une histoire de Mikhaïl Cholokhov tirée de la vie des habitants du village. Cependant, chaque chanson ou danse a sa propre histoire.
L'histoire de l'équipe remonte au 2 mars 1911, lorsque petite scène Le premier concert du chœur paysan sous la direction de Mitrofan Efimovich Pyatnitsky a eu lieu lors de la noble réunion. Le programme du premier concert comprenait 27 chansons des régions russes de Voronej, Riazan et Smolensk. Sergueï Rachmaninov, Fiodor Chaliapine et Ivan Bounine ont été choqués par l'art du chant intact et inspiré des paysans et ont fait l'éloge des chanteurs et musiciens paysans. Cette évaluation a grandement contribué à la formation de l'équipe en tant qu'unité créative de la scène russe de ces années-là. Jusqu'en 1917, l'équipe était « amateur ». Après la Révolution d'Octobre, les activités de la chorale furent soutenues par le gouvernement soviétique. Tous les participants déménagent à Moscou pour la résidence permanente. Et depuis le début des années 20, la chorale mène de nombreuses activités de concerts non seulement à Moscou mais dans tout le pays.
Dès le début des années 30, le collectif était dirigé comme directeur musical par l'Artiste du peuple de l'URSS, lauréat du Prix d'État V. G. Zakharov, dont les chansons originales « Et qui le connaît », « Le long du village », « La beauté russe » glorifiaient le Chœur Piatnitski dans tout le pays.
À la fin des années 30, des groupes d'orchestre et de danse ont été créés dans la chorale, dirigés par l'Artiste du peuple de la Fédération de Russie V.V. Khvatov et l'Artiste du peuple de l'URSS, lauréat du Prix d'État, le professeur T.A. Ustinova. Cela a permis d'élargir considérablement les moyens scéniques d'expression, et cette base structurelle a été préservée jusqu'à ce jour et de nombreux groupes d'État ont été créés à cette image.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, le Chœur M.E. Pyatnitsky a mené de nombreuses activités de concert dans le cadre des brigades de concert de première ligne. Et la chanson « Oh, fogs » de V.G. Zakharova est devenue l'hymne du mouvement partisan. Le 9 mai 1945, la chorale était l'un des principaux groupes des festivités grande victoireà Moscou. De plus, il a été l'une des premières équipes chargées de représenter le pays à l'étranger. Au cours des décennies suivantes, le Chœur M.E. Pyatnitsky a mené d'énormes activités de tournées et de concerts. Il a présenté son art aux quatre coins du pays et a visité plus de 40 pays à travers le monde. L'équipe a créé des chefs-d'œuvre de l'art populaire mondial.
Une page importante de l'histoire du groupe est l'œuvre de l'Artiste du peuple de l'URSS, lauréat du Prix d'État, le compositeur V.S. Levashov. Les chansons de V.S. Levashov "Prends ton pardessus - rentrons à la maison", "Ma chère région de Moscou" - et aujourd'hui elles sont une décoration de la scène du chant moderne.
Des longs métrages et des documentaires ont été créés sur la chorale nommée d'après M.E. Pyatnitsky, tels que « Singing Russia », « Russian Fantasy », « All Life in Dance », « You, My Russia », des livres ont été publiés sur la chorale nommée d'après M.E. Pyatnitsky « Chœur folklorique russe nommé d'après M.E. Pyatnitsky », « Souvenirs de V.G. Zakharov », « Russes ». Danses folkloriques" ; un grand nombre de collections musicales « Du répertoire du chœur nommé d'après M.E. Pyatnitsky », des publications de journaux et de magazines et de nombreux disques ont été publiés.
Chœur moderne nommé d'après M.E. Pyatnitsky est un organisme créatif complexe, composé de groupes choraux, orchestraux et de ballet dotés d'un appareil artistique et administratif.
Source - http://www.pyatnitsky.ru/action/page/id/1194/?sub=kolektiv