“Izteiksmīgi teātra izrādes līdzekļi. B. Teātra izteiksmīgo līdzekļu uztveres specifika Skatuves izteiksmes līdzekļi

Režisora ​​uzdevums ir ne tik daudz atšifrēt dramaturga ieceri, bet būt līdzautoram šajā procesā. mākslinieciskā jaunrade. Režijas izteiksmīgie līdzekļi ir mizanscēna, atmosfēra un tempa ritms.

Mizanscēna (izvietošana uz skatuves) ir režijas elements, kas ietver domāšanu plastiskos tēlos. Mizanscēna ir skatuves telpas kompozicionālā organizācija. Tas noteikti nāk no režisora ​​idejas. Tās galvenā iezīme ir realitāte un dinamisms. Mizanska ir veidota ap notikumu; pirms notikuma mizanscēna ir viena, pēc - cita. Konstruējot centrālo, atslēgas mizanscēnu, režisors faktiski atklāj cīņas posmus un vienlaikus nodrošina, ka mizanscēna plastiski un gleznaini pauž izrādes ideju.

Masu mizanscēnās katra izpildītāja uzvedība ir pakārtota centrālais notikums un ir uzbūvēts tieši no viņa tādā formā, kas atbilst režisora ​​lēmumam. Masu mizanscēna veidojas no dažādu ainu mijas, to savstarpējās attiecības, ritmiskā kontrasta, krāsu gammas u.c. “Iespaidīgajā” režijā, kur mizanainas var būt dziļas un plakanas, veidotas vertikāli un horizontāli, apļos un spirālēs, simetriskas un asimetriskas, tās ir process, pāreja no vienas plastiskas formas uz otru. Tāpat kā tēlnieks, viņš virza vienu plastmasas formu citā. Kā tēlnieks, režisors uz skatuves veido cilvēku figūru kombinācijas, veido nepārtraukti mainīgu plastisko formu straumi, lai nodotu dzīvi visā tās plastisko izpausmju bagātībā.

Teātra izrādē ir jākoncentrē skatītāja uzmanība uz skatuves laukumu, skaitu, bet masu festivālā, tieši otrādi, jāmeklē pēc iespējas vairāk izkliedētu centru. Īpaši specifiska ir stadiona briļļu iestudēšana, kur to nepieciešams konstruēt, ņemot vērā skatus no četrām pusēm. Ekspresīvs rīcības risinājums sastāv no dažādu skatu punktu plastiskas kombinācijas plašā telpā, būtiski kļūst rotaļu laukumu izvietojums, gaisa izmantošanas iespēja utt ielu gājiens vai masu svinības laukumā, kur tiek ņemtas vērā visas izejas - ielas, ejas, piebraucamie ceļi utt. Tātad teātra izrādes figurālais un plastiskais risinājums ir viens no svarīgākajiem režijas uzdevumiem, bet mizanska ir viens no spēcīgākajiem režijas izteiksmes līdzekļiem. Režisora ​​galvenā uzmanība tiek pievērsta selektīvajai daļai, kurā aktieris tiek gaidīts kā viena no izklaides sastāvdaļām. Un, ja aktieris uz skatuves ir viens, tad tas vien dažkārt ir specifisks režisora ​​paņēmiens. Tādējādi no teātra izrādes aktiera tiek prasīts stiprināt žestu, saasināt to un palielināt plastisko izteiksmību.

Nākamais izteiksmīgais režijas līdzeklis ir kultūrpsiholoģiskā atmosfēra, tas ir, zīmju-simboliskā vide, kurā dzīvo aktiera tēls (skaņas, trokšņi, ritmi, apgaismojums, mēbeles, lietas utt.). Atmosfēra ir atkarīga no notikumu rakstura, no darbības vietas un laika, kas ir šo notikumu cēlonis un sekas.

Iestudējuma dizaina īpašais raksturs nozīmē arī dekorācijas un rekvizītu neparasto raksturu. Dekorācijas, piemēram, var būt stacionāras vai, gluži pretēji, kustīgas, montētas uz vieglajām automašīnām, motocikliem, dažāda veida kravas automašīnām utt. Skaņai un gaismai ir milzīga loma atmosfēras radīšanā, ar kuru var izteikt gandrīz jebkuru ideju. Protams, tiem ir nepieciešams inženiertehnisks risinājums, it īpaši, ja nepieciešams izveidot tā saukto klātbūtnes efektu.

Smalkums iegūst izteiksmīgu raksturu, izmantojot krāsas, kas nosaka asociativitāti vizuālā uztvere. Tas varētu būt balta krāsa kā tīrības, svaiguma, krāšņuma simbols, sarkans - kā pacilātības, aktivitātes, uguns stihijas vai zaļā zīme - kā jaunības, pavasara u.c. Īpaši svarīgi, lai iestudējuma dizainera izdomātā vispārējā stilistiskā faktūra būtu asociatīvā harmonijā ar režisora ​​valodu un autora koncepcijas iezīmēm. Pateicoties savām īpašībām - ārkārtējam spilgtumam, emocionalitātei, izteiksmīgumam - mūzika ir vairāku funkciju nesēja: pirmkārt, tā ir fons; tad šis ir patstāvīgi radīts tēls un, visbeidzot, šī ir iespēja piedalīties darbības konfliktā. Ja teātra izrādē mūzika spēlē palīglomu, tad teātra izrādē mūzika kļūst gandrīz par galveno izrādes sastāvdaļu, kas savieno visas epizodes.

Tādējādi izrādes dzīves atmosfēra ir atkarīga no vizuālā un mūzikas formas veidots saskaņā ar režisora ​​plānu, pats skats ir sintētisks dalībnieku – skatītāju darbības kultūrestētisks tēls, kas sastāv no dažādiem mākslas veidiem, kas ir izrādes specifiska iezīme.

Režisora ​​izrādes veidošanas metodei ir strukturāls raksturs, katras izrādes iestudējums ir visu izrādes daļu polifonija, nosacīta pēc būtības un beznosacījuma izteiksmē. Vēl viena teātra masu izrādes neatņemama iezīme ir nepieciešamība pēc akūtas tempa un ritma maiņas katrā epizodē un pašā darbībā kopumā.

Tāds izteiksmīgs režijas līdzeklis kā temps – ritms, absorbē ainu vai notikumu atkārtošanās ātrumu un biežumu laikā. Ņemot vērā, ka ritms var būt ārējs (fizisks) un iekšējs (psiholoģisks), ir skaidrs, ka mehāniskais ritms iedarbojas uz mūsu iekšējā dzīve, par mūsu jūtām un pieredzi.

“ritms” ir milzīgs spēks, kas nosaka darbības organizāciju, tas nav kaut kas abstrakts. Tas dziļi izriet no attēla būtības, kas saistīts ar tā vidi, kurā lieta dzimst, ir apzinātas, dziļas organizācijas rezultāts, kas ienes lietā mākslinieciskumu. Tāpat kā mizanscēna un atmosfēra, arī tempa ritms veicina autora ieceres realizāciju. Tāpēc viena no galvenajām režijas problēmām ir pareizā ritma atrašana, taču nepieciešams, lai tas loģiski iekļautos kopējā skata ritmā. Ritms ietver darbības attīstību ar pārtraukumiem un pakāpeniskumu ar lielu skaitu dinamisku notikumu, jums ir jāveic pieturas, kas ļauj raksturot varoņus un izprast notikumu nozīmi.

Jebkuras teātra izrādes tempo-ritmiskā modeļa iezīmes ir katras epizodes un izrādes ilgums; secīgu epizožu laika periodu ritmiskums un aritmija; epizožu kontrasts, kas balstīts uz režisora ​​lēmumu un izteiksmes līdzekļu izvēli; temps kā darbību skaits laika vienībā.

“Temo-ritma efektivitāte, tas ir, emocionāla noskaņojuma radīšana skatītājos aktīvai priekšnesuma uztverei, lielā mērā ir atkarīga no skates ilguma (ne vairāk kā 1,5 - 2 stundas), daudzveidības un intensitātes. notikumiem.” Ja režisors uzņem pareizo tempu-ritmu, tad skatītāja sajūtas un pārdzīvojumi rodas paši (K.S. Staņislavskis)

No visa iepriekš minētā izriet, ka mizanscēna, atmosfēra un tempo ritms, būdami izteiksmīgi režijas līdzekļi, savstarpēji veido viens otru un ir pilnībā atkarīgi viens no otra.

KRIMAS AUTONOMĀS REPUBLIKAS IZGLĪTĪBAS MINISTRIJA

KRIMAS VALSTS INŽENĒRIJAS UN PEDAGOĢISKĀ UNIVERSITĀTE

Psiholoģijas un pedagoģijas fakultāte

Pamatizglītības metožu nodaļa

Pārbaude

Pēc disciplīnas

Horeogrāfiskā, skatuves un ekrāna māksla ar mācību metodēm

Teātra mākslas izteiksmes līdzekļi

Studenti Mikulskite S.I.

Simferopole

2007.-2008.mācību gads gadā.

2. Teātra mākslas izteiksmes pamatlīdzekļi

Dekorācija

Teātra kostīms

Trokšņa dizains

Gaisma uz skatuves

Skatuves efekti

Literatūra

1. Dekoratīvās mākslas jēdziens kā teātra mākslas izteiksmes līdzeklis

Dekoratīvā māksla ir viens no nozīmīgākajiem izteiksmes līdzekļiem teātra mākslā, tā ir māksla veidot priekšnesuma vizuālo tēlu, izmantojot dekorācijas un kostīmus, gaismas un iestudējuma paņēmienus. Visi šie vizuālās mākslas ietekmes ir teātra izrādes organiskas sastāvdaļas, veicina tā satura atklāšanu un piešķir tai zināmu emocionālu skanējumu. Dekoratīvās mākslas attīstība ir cieši saistīta ar teātra un dramaturģijas attīstību.

Senākie tautas rituāli un spēles ietvēra dekoratīvās mākslas elementus (tērpus, maskas, dekoratīvos aizkari). Sengrieķu teātrī jau 5. gs. BC e., papildus skēnas ēkai, kas kalpoja par arhitektonisko fonu aktieru izrādēm, bija trīsdimensiju dekorācijas, bet pēc tam tika ieviestas gleznainas. Teātris pārņēma grieķu dekoratīvās mākslas principus Senā Roma, kur pirmo reizi tika izmantots aizkars.

Viduslaikos sākotnēji dekoratīvā fona lomu pildīja baznīcas interjers, kurā tika izspēlēta liturģiskā drāma. Jau šeit tiek pielietots viduslaiku teātrim raksturīgais vienlaicīgas dekorācijas pamatprincips, kad visas darbības ainas tiek rādītas vienlaicīgi. Šis princips tiek tālāk attīstīts viduslaiku teātra galvenajā žanrā - mistērija. Vislielākā uzmanība visu veidu mistēriju ainās tika pievērsta “paradīzes” dekorēšanai, kas attēlota ar zaļumiem, ziediem un augļiem izrotāta lapenes formā, un “elle” pūķa atveramās mutes formā. Kopā ar trīsdimensiju dekorācijām tika izmantoti arī gleznainie (zvaigžņotas debess attēls). Dizainā tika iesaistīti prasmīgi amatnieki - gleznotāji, grebēji, zeltītāji; pirmais teātris. Mašīnisti bija pulksteņmeistari. Senās miniatūras, gravējumi un zīmējumi sniedz priekšstatu par dažādiem noslēpumu iestudēšanas veidiem un paņēmieniem. Anglijā visizplatītākās kļuva izrādes konkursos, kas bija pārvietojama divstāvu kabīne, kas uzstādīta uz ratiņiem. Izrāde notika augšējā stāvā, un apakšējais stāvs kalpoja par vietu, kur aktieriem pārģērbās. Šī apļveida vai gredzenveida skatuves struktūra ļāva izmantot no seniem laikiem saglabātos amfiteātri, lai iestudētu noslēpumus. Trešais noslēpumu noformējuma veids bija tā sauktā paviljonu sistēma (16. gadsimta mistēriju izrādes Lucernā, Šveicē un Donauešingenā, Vācijā) - atvērto durvju dienas, kas izkaisītas pa apgabalu, kurā risinājās noslēpumainu epizožu darbība. Skolas teātrī 16.gs. Pirmo reizi darbības vietas ir izvietotas nevis pa vienu līniju, bet paralēli trim skatuves malām.

Teātra izrāžu kulta pamats Āzijā noveda pie dominēšanas vairāku gadsimtu laikā, kad konvencionālais skatuves dizains bija atsevišķas simboliskas detaļas, kas iezīmēja darbības vietu. Dekorācijas trūkumu kompensēja atsevišķos gadījumos dekoratīvā fona klātbūtne, tērpu bagātība un daudzveidība, grima maskas, kuru krāsai bija simboliska nozīme. Feodāli-aristokrātiskajā masku muzikālajā teātrī, kas attīstījās Japānā 14. gadsimtā, tika izveidots kanoniskais noformējuma veids: uz skatuves aizmugurējās sienas uz abstrakta zelta fona attēlota priede - simbols ilgmūžība; priekšā nosegtā tilta balustrādei, kas atrodas platformas dziļumā pa kreisi un paredzēta aktieru un mūziķu kāpšanai uz skatuves, tika izvietoti trīs mazu priedīšu attēli

Pulksten 15 - sākums. 16. gadsimti Itālijā parādās jauna veida teātra ēka un skatuve. Teātra iestudējumu veidošanā piedalījās lielākie mākslinieki un arhitekti - Leonardo da Vinči, Rafaels, A. Mantenja, F. Brunelleski uc Perspektīvās dekorācijas, kuru izgudrošana (ne vēlāk kā 1505. gadā) tiek piedēvēta Bramantei. Ferrārā mākslinieks Pellegrino da Udine, bet Romā - B. Peruci. Dekorācijas, kas attēlo skatu uz ielu, kas ieiet dziļumā, tika gleznotas uz audekliem, kas izstieptas pāri rāmjiem, un sastāvēja no fona un trīs sānu plāniem katrā skatuves pusē; Dažas ainavas daļas bija no koka (māju jumti, balkoni, balustrādes utt.). Nepieciešamais perspektīvas samazinājums tika panākts, strauji paceļot planšetdatoru. Vienlaicīgu dekorāciju vietā uz Renesanses skatuves atsevišķu žanru izrādēm tika reproducēta viena kopīga un nemainīga darbības aina. Lielākais itāļu teātra arhitekts un dekorators S. Serlio izstrādāja 3 veidu dekorācijas: tempļus, pilis, arkas - traģēdijām; pilsētas laukums ar privātmājām, veikaliem, viesnīcām - komēdijām; meža ainava - pastorāļiem.

Renesanses mākslinieki skatuvi un skatītāju zāli uzlūkoja kā vienotu veselumu. Tas izpaudās Olimpico teātra izveidē Vičencā, kas celts pēc A. Palladio projekta 1584. gadā; šajā ēkā V. Skamozi uzcēla lielisku pastāvīgu apdari, kas attēlo " ideāla pilsēta"un paredzēts traģēdiju iestudēšanai.

Teātra aristokrātizācija Itālijas renesanses krīzes laikā izraisīja ārējas izrādes pārsvaru teātra iestudējumos. S. Serlio reljefa apdare piekāpās gleznainai baroka stila apdarei. Galma operas un baleta izrāžu valdzinošais raksturs 16. un 17. gadsimta beigās. izraisīja teātra mehānismu plašu izmantošanu. Thetelarii izgudrojums - trīsstūrveida rotējošas prizmas, kas pārklātas ar gleznotu audeklu, ko piedēvēja māksliniekam Buontalenti, ļāva mainīt dekorācijas publikas priekšā. Šādu pārvietojamu, perspektīvu komplektu dizaina apraksts pieejams Itālijā strādājušā vācu arhitekta I.Furtenbaha darbos, kurš Vācijā ieviesa itāļu teātra tehnoloģiju, kā arī arhitekta N.Sabbatini savā darbā. traktāts “Par skatuvju un mašīnu būves mākslu” (1638). Perspektīvās glezniecības tehnikas uzlabojumi ļāvuši dekoratoriem radīt dziļuma iespaidu bez planšetdatora stāvas pacelšanās. Aktieri pilnībā izmantoja skatuves telpu. Sākumā. 17. gadsimts parādījās G. Aleoti izgudrotās aizkulišu dekorācijas. Tika ieviestas tehniskās ierīces lidojumiem, lūku sistēma, kā arī sānu portāla vairogi un portāla arka. Tas viss noveda pie kastes skatuves izveides.

Itāļu aizkulišu dekorāciju sistēma ir kļuvusi plaši izplatīta visās Eiropas valstīs. Visi R. 17. gadsimts Vīnes galma teātrī baroka aizkulišu dekorācijas ieviesa itāļu teātra arhitekts L. Burnačīni Francijā, slavenais itāļu teātra arhitekts, dekorators un šoferis G. Torelli operas galma iestudējumos atjautīgi pielietoja daudzsološu aizkulišu sasniegumus; un baleta veids. Spāņu teātris, kas izdzīvoja 16. gs. primitīva gadatirgus aina, asimilē itāļu sistēmu caur itāļu mākslu. K. Loti, kurš strādāja Spānijas galma teātrī (1631). Londonas pilsētas publiskajos teātros ilgu laiku tika saglabāta tradicionāla Šekspīra laikmeta skatuves zona, kas sadalīta augšējā, apakšējā un aizmugurējā skatuvē, ar prosceniju, kas iestiepjas skatītāju zālē, un retu dekoratīvo dizainu. Angļu teātra skatuve ļāva ātri mainīt darbības ainas to secībā. 1. ceturksnī Anglijā tika ieviesta perspektīvā itāļu tipa apdare. 17. gadsimts teātra arhitekts I. Džounss galma izrāžu iestudēšanā. Krievijā perspektīvas skatuves dekorācijas tika izmantotas 1672. gadā izrādēs cara Alekseja Mihailoviča galmā.

Klasicisma laikmetā dramatiskais kanons, kas prasīja vietas un laika vienotību, apstiprināja pastāvīgu un neaizvietojamu vidi, kurai nebija specifisku vēsturisku iezīmju (troņa zāle vai pils vestibils traģēdijai, pilsētas laukums vai telpa komēdijai). ). Visa dekoratīvo un inscenēšanas efektu dažādība koncentrējās 17. gadsimtā. operas un baleta žanrā, un dramatiskās izrādes izcēlās ar stingrību un taupīgu noformējumu. Teātros Francijā un Anglijā aristokrātisku skatītāju klātbūtne uz skatuves, kas atrodas proscēnija malās, ierobežoja izrāžu dekorācijas iespējas. Tālāka attīstība operas māksla noveda pie operas nama reformas. Simetrijas noraidīšana un leņķiskās perspektīvas ieviešana palīdzēja radīt ilūziju, izmantojot glezniecību. liels dziļums ainas. Dekorācijas dinamisms un emocionālā izteiksmība tika panākta ar chiaroscuro spēli, ritmisko daudzveidību arhitektūras motīvu attīstībā (bezgalīgas baroka zāļu anfilādes, kas rotātas ar apmetuma ornamentiem, ar atkārtotām kolonnu rindām, kāpnēm, arkām, statujām), ar ar kuras palīdzību radās iespaids par arhitektūras būvju varenību.

Ideoloģiskās cīņas saasināšanās apgaismības laikmetā izpaudās dažādu stilu cīņā un dekoratīvajā mākslā. Līdz ar baroka apdares iespaidīgā krāšņuma pastiprināšanos un feodāli-aristokrātiskajam virzienam raksturīgo rokoko stilā izpildīto dekorāciju parādīšanos šī perioda dekoratīvajā mākslā notika cīņa par teātra reformu, par atbrīvošanos no abstraktā. galma mākslas pompa, precīzākam vietas darbību nacionāli vēsturiskam aprakstam. Šajā cīņā izglītības teātris pievērsās senatnes varonīgajiem tēliem, kas izpaudās klasiskā stila dekorāciju veidošanā. Šis virziens guva īpašu attīstību Francijā dekoratoru G. Servandoni, G. Dumont, P.A. Bruneti, kurš uz skatuves atveidoja senās arhitektūras celtnes. 1759. gadā Voltērs panāca skatītāju izraidīšanu no skatuves, atbrīvojot papildu vietu dekorācijām. Itālijā pāreja no baroka uz klasicismu guva izpausmi G. Piranēzi daiļradē.

Intensīva teātra attīstība Krievijā 18. gadsimtā. noveda pie krievu dekoratīvās mākslas uzplaukuma, kas izmantoja visus mūsdienu teātra glezniecības sasniegumus. 40. gados 18. gadsimts Izrāžu noformēšanā bija iesaistīti nozīmīgākie ārvalstu mākslinieki - K. Bibiena, P. un F. Gradipi un citi, starp kuriem ievērojama vieta ir Bibienas talantīgajam sekotājam G. Valeriani. 2. puslaikā. 18. gadsimts Izcēlās talantīgi krievu dekoratori, no kuriem lielākā daļa bija dzimtcilvēki: I. Višņakovs, brāļi Volski, I. Firsovs, S. Kaļiņins, G. Muhins, K. Funtusovs un citi, kas strādāja galma un dzimtbūšanas teātros. Kopš 1792. gada izcilais teātra mākslinieks un arhitekts P. Gonzago strādāja Krievijā. Viņa daiļradē, ideoloģiski saistītajā ar apgaismības klasicismu, arhitektonisko formu nopietnība un harmonija, radot diženuma un monumentalitātes iespaidu, tika apvienota ar pilnīgu realitātes ilūziju.

18. gadsimta beigās. Eiropas teātrī saistībā ar buržuāziskās dramaturģijas attīstību parādījās paviljona komplekts (slēgta telpa ar trim sienām un griestiem). Feodālās ideoloģijas krīze 17. un 18. gadsimtā. atrada savu atspulgu Āzijas valstu dekoratīvajā mākslā, izraisot virkni jauninājumu. Japānā 18.gs. Kabuki teātriem tika celtas ēkas, kuru skatuvei bija proscenijs, kas spēcīgi izcēlās skatītāju acīs, un priekškars, kas kustējās horizontāli. No skatuves labās un kreisās puses līdz aizmugurējai sienai auditorija bija platformas (“hanamichi”, burtiski ziedu ceļš), uz kurām arī notika izrāde (labā platforma pēc tam tika atcelta; mūsu laikos Kabuki teātros tiek saglabāta tikai kreisā platforma). Kabuki teātros izmantoja trīsdimensiju ainavas (dārzus, māju fasādes utt.), īpaši raksturojot darbības vietu; 1758. gadā pirmo reizi tika izmantota rotējoša skatuve, kuras pagriezienus veica ar rokām. Viduslaiku tradīcijas tiek saglabātas daudzos teātros Ķīnā, Indijā, Indonēzijā un citās valstīs, kur gandrīz nav dekorācijas, un dekorēšana aprobežojas ar kostīmiem, maskām un grimu.

franču valoda buržuāziskā revolūcija 18. gadsimta beigas bija liela ietekme uz teātra mākslu. Drāmas tēmas paplašināšanās ir radījusi vairākas pārmaiņas dekoratīvajā mākslā. Melodrāmu un pantomīmu iestudējumos uz Parīzes “bulvāru teātru” skatuvēm īpaša uzmanība tika pievērsta noformējumam; teātra vadītāju augstā māksla ļāva demonstrēt dažādus efektus (kuģu vrakus, vulkānu izvirdumus, pērkona negaisa ainas utt.). To gadu dekoratīvajā mākslā plaši tika izmantoti tā sauktie praktiskie (tilpuma dizaina detaļas, kas attēlo klintis, tiltus, paugurus utt.). 1. ceturksnī 19. gadsimts Gleznas panorāmas, diorāmas vai neorāmas apvienojumā ar jauninājumiem skatuves apgaismojumā kļuva plaši izplatītas (20. gados teātros ieviesa gāzi). Plašu teātra noformējuma reformu programmu izvirzīja franču romantisms, kas izvirzīja uzdevumu vēsturiski specifisku darbības ainu raksturojumu. Romantiskie dramaturgi tieši piedalījās savu lugu tapšanā, sniedzot viņiem garas piezīmes un savas skices. Tika radītas izrādes ar sarežģītām dekorācijām un grezniem kostīmiem, cenšoties apvienot vietas un laika kolorītu precizitāti ar iespaidīgu skaistumu daudzcēlienu operu un drāmu iestudējumos par vēsturiskām tēmām. Pieaugošā inscenēšanas tehnikas sarežģītība izraisīja biežu aizkaru izmantošanu pārtraukumos starp izrādes cēlieniem. 1849. gadā uz Parīzes operas skatuves Meierbēra “Pravieša” iestudējumā pirmo reizi tika izmantoti elektriskie gaismas efekti.

Krievijā 30.-70. 19. gadsimts Liels romantiskā stila dekorators bija A. Rollers, izcils teātra mašīnu meistars. Viņa izstrādāto augsto inscenēšanas efektu tehniku ​​vēlāk izstrādāja tādi dekoratori kā K.F. Valts, A.F. Geltser et al. Jaunas tendences dekoratīvajā mākslā 2. pusē. 19. gadsimts tika izveidotas reālistiskās klasiskās krievu dramaturģijas un aktiermākslas iespaidā. Cīņu pret akadēmisko rutīnu uzsāka dekoratori M.A. Šiškovs un M.I. Bočarovs. 1867. gadā izrādē “Ivana Briesmīgā nāve” A.K. Tolstojam (Aleksandrijas teātris) Šiškovam pirmo reizi izdevās ar vēsturisku specifiku un precizitāti parādīt uz skatuves pirmsPetrīnas Rusas dzīvi. Atšķirībā no nedaudz sausās Šiškova arheoloģijas, Bočarovs savos ainavu dekorācijās ienesa patiesu, emocionālu Krievijas dabas izjūtu, ar savu radošumu paredzot īstu gleznotāju uznākšanu uz skatuves. Taču progresīvos valsts teātru dekoratoru meklējumus apgrūtināja izdaiļošana, skatuves skata idealizācija un šaurā mākslinieku specializācija, kas iedalīta “ainavās”, “arhitektūras”, “kostīmu” utt.; dramatiskajās izrādēs mūsdienu tēmas Parasti tika izmantoti saliekamie vai “standarta” tipiskie dekorējumi (“nabadzīga” vai “bagāta” istaba, “mežs”, “skats uz laukiem” utt.). 2. puslaikā. 19. gadsimts Tika izveidotas lielas dekoratīvās darbnīcas dažādu Eiropas teātru apkalpošanai (Filastra un K. Kambona, A. Rubo un F. Šaperona darbnīcas Francijā, Litkes-Meijera darbnīcas Vācijā u.c.). Šajā periodā plaši izplatījās apjomīgi, ceremoniāli, eklektiska stila dekori, kuros mākslu un radošo iztēli aizstāja rokdarbi. Par dekoratīvās mākslas attīstību 70.-80.gados. Būtisku ietekmi atstāja Meiningenas teātra darbība, kura tūres pa Eiropas valstīm liecināja par izrāžu režisora ​​lēmumu godīgumu, augsto iestudēšanas kultūru, dekorāciju, tērpu un aksesuāru vēsturisko precizitāti. Meiningieši katras izrādes noformējumam piešķīra individuālu izskatu, cenšoties pārkāpt paviljonu un ainavu dekorāciju standartus un Itālijas aizkulišu arku sistēmas tradīcijas. Viņi plaši izmantoja planšetdatoru topogrāfijas daudzveidību, aizpildot skatuves telpu ar dažādām arhitektoniskām formām, bagātīgi izmantoja praktiskus priekšmetus dažādu platformu, kāpņu, tilpuma kolonnu, akmeņu un pauguru veidā. Meiningenas iestudējumu vizuālajā pusē (kuru dizains

pārsvarā piederēja hercogam Džordžam II) nepārprotami ietekmējās no vācu vēsturiskās glezniecības skolas - P. Kornēliuss, V. Kaulbahs, K. Pilotijs. Tajā pašā laikā vēsturiskā precizitāte un ticamība, aksesuāru “autentiskums” brīžiem ieguva pašpietiekamu nozīmi meiningeniešu priekšnesumos.

E. Zola uzstājas 70. gadu beigās. ar abstraktu klasicisma, idealizētu romantisku un pašefektīvu apburošu dekorāciju kritiku. Viņš pieprasīja mūsdienu dzīves atainošanu uz skatuves, "precīzu sociālās vides atveidi" caur dekorācijām, ko viņš salīdzināja ar aprakstiem romānā. Simbolistiskais teātris, kas radās 90. gados Francijā, cīnījās pret reālistisku mākslu ar protesta saukļiem pret teātra rutīnu un naturālismu. Modernisma nometnes mākslinieki M. Deniss, P. Serusjē, A. Tulūza-Lotreka, E. Vuillards, E. Munks un citi apvienojās ap P. Forē mākslas teātri un Lunjē-Po Creativity Theatre; viņi veidoja vienkāršotas, stilizētas dekorācijas, kuru impresionistiskā tumsonība, uzsvērtais primitīvisms un simbolisms atveda teātrus no reālistiska dzīves attēlojuma.

Krievu kultūras spēcīgais uzplaukums notika 19. gadsimta pēdējā ceturksnī. teātris un dekoratīvā māksla. Krievijā 80.-90. Darbā teātrī iesaistījušies lielākie molbertu mākslinieki - V.D. Poļenovs, V.M. Vasņecovs un A.M. Vasņecovs, I.I. Levitāns, K.A. Korovins, V.A. Serovs, M.A. Vrubel. Kopš 1885. gada strādā Maskavas privātajā krievu operā S.I. Mamontovs, viņi ieveda ainavā kompozīcijas tehnikas mūsdienu reālistiskās gleznas apliecināja priekšnesuma holistiskas interpretācijas principu. Čaikovska, Rimska-Korsakova un Musorgska operu iestudējumos šie mākslinieki pauda Krievijas vēstures oriģinalitāti, Krievijas ainavas garīgo lirismu, pasaku tēlu šarmu un dzeju.

Skatuves iekārtojuma principu pakārtošana reālistiskā režijas prasībām pirmo reizi tika panākta 19. un 20. gadsimta beigās. Maskavas Mākslas teātra praksē. Tradicionālo aizkulišu, paviljonu un impērijas teātriem ierasto “saliekamo” dekorāciju vietā katrai MAT izrādei bija īpašs noformējums, kas atbilda režisora ​​vīzijai. Plānošanas iespēju paplašināšana (stāva plaknes apstrāde, neparastu dzīvojamo telpu rakursu rādīšana), vēlme radīt iespaidu par “iedzīvotu” vidi un darbības psiholoģiskā atmosfēra raksturo Maskavas Mākslas teātra dekoratīvo mākslu.

Mākslas teātra dekorators V.A. Simovs bija, pēc K.S. Staņislavskis, “jauna tipa skatuves mākslinieku pamatlicējs”, izceļas ar dzīves patiesības izjūtu un nesaraujami saista savu darbu ar režiju. Maskavas Mākslas teātra īstenotā reālistiskā dekoratīvās mākslas reforma atstāja milzīgu ietekmi uz pasaules teātra mākslu. Skatuves tehniskajā pārkārtošanā un dekoratīvās mākslas iespēju bagātināšanā nozīmīga loma bija rotējošās skatuves izmantošanai, ko pirmo reizi Eiropas teātrī izmantoja K. Lautenšlēgers Mocarta operas Dons iestudējuma laikā. Džovanni (1896, Residenz Theatre, Minhene).

1900. gados Savu darbību teātrī sāk grupas "Mākslas pasaule" mākslinieki - A.N. Benuā, L.S. Baksts, M.V. Dobužinskis, N.K. Rērihs, E.E. Lansere, I.Ya. Bilibins un citi. Šiem māksliniekiem raksturīgais retrospektīvisms un stilizācija ierobežoja viņu radošumu, taču spēlēja viņu augstā kultūra un meistarība, tieksme pēc izrādes kopējās mākslinieciskās koncepcijas integritātes. pozitīva loma operas un baleta dekorācijas mākslas reformā ne tikai Krievijā, bet arī ārzemēs. Krievu operas un baleta tūres, kas aizsākās Parīzē 1908. gadā un atkārtojās vairākus gadus, liecināja par augstu ainavu glezniecisko kultūru, mākslinieku spēju nodot dažādu laikmetu mākslas stilu un raksturu. Arī Benuā, Dobužinska, B.M. Kustodijeva, Rēriha darbība ir saistīta ar Maskavas Mākslas teātri, kur šiem māksliniekiem raksturīgais estētisms lielā mērā bija pakārtots K.S. reālistiskā virziena prasībām. Staņislavskis un V.I. Ņemirovičs-Dančenko. Lielākie Krievijas dekoratori K.A. Korovins un A.Ya. Golovins, kurš strādāja no sākuma. 20. gadsimts ķeizariskajos teātros ieviesa būtiskas izmaiņas oficiālās skatuves dekoratīvajā mākslā. Korovina plašais, brīvais rakstīšanas stils, skatuves tēliem raksturīgā dzīvās dabas izjūta, krāsu gammas integritāte, kas apvieno varoņu dekorācijas un tērpus, visspilgtāk atspoguļojās krievu operu un baletu noformējumā - “Sadko ”, “Zelta gailis”; C. Pugni u.c. “Mazais kuprītais zirgs” izceļ Golovina teatrālo glezniecību. Neskatoties uz to, ka virkne mākslinieka darbu ir modernisma iespaidā, viņa daiļrade ir balstīta uz lielu reālistisku prasmi, kas balstīta uz dziļu dzīves izpēti. Atšķirībā no Korovina, Golovins skicēs un dekorācijās vienmēr uzsvēris skatuves noformējuma teatralitāti, tā atsevišķās sastāvdaļas; viņš izmantoja ar ornamentiem rotātus portāla rāmjus, dažādus aplikācijas un apgleznotus aizkarus, prosceniju u.c. Golovins veidojis noformējumus vairākām izrādēm, past. V.E. Meierholds (tostarp Moljēra “Dons Žuans”, “Maskarāde”),

Antireālistisku kustību nostiprināšanās buržuāziskajā mākslā 19. gadsimta beigās un sākumā. 20. gadsimtā atteikšanās atklāt sociālās idejas negatīvi ietekmēja reālistiskas dekoratīvās mākslas attīstību Rietumos. Dekadentu kustību pārstāvji par mākslas pamatprincipu pasludināja “konvencionalitāti”. A. Appiah (Šveice) un G. Kreigs (Anglija) veica konsekventu cīņu pret reālismu. Izvirzot ideju par “filozofiskā teātra” izveidi, viņi attēloja “neredzamo” ideju pasauli ar abstraktu, mūžīgu dekorāciju (kubi, ekrāni, platformas, kāpnes utt.) un mainot gaismas viņi panāca monumentālu telpisko formu spēli. Kreiga paša režisora ​​un mākslinieka prakse aprobežojās ar dažiem iestudējumiem, taču viņa teorijas vēlāk ietekmēja vairāku teātra mākslinieku un režisoru darbu dažādās valstīs. Simbolistiskā teātra principi atspoguļojās poļu dramaturga, gleznotāja un teātra dizainera S. Vispjanska darbā, kurš tiecās izveidot monumentālu konvencionālu izrādi; tomēr tautas mākslas nacionālo formu realizācija dekorācijās un telpiskajos skatuves noformējumos atbrīvoja Vispjanska darbu no aukstās abstrakcijas un padarīja to reālāku. Minhenes mākslas teātra organizators G. Fukss kopā ar mākslinieku. F. Erlers izvirzīja projektu “reljefa skatuvei” (tas ir, skatuvei gandrīz bez dziļuma), kur aktieru figūras atrodas plaknē reljefa formā. Režisors M. Reinhards (Vācija) viņa vadītajos teātros izmantoja dažādas dizaina tehnikas: no rūpīgi izstrādātām, gandrīz iluzionistiskām, gleznainām un apjomīgām dekorācijām, kas saistītas ar rotējoša skatuves apļa izmantošanu, līdz vispārinātām konvencionālām stacionārām instalācijām, no vienkāršota stilizēta dizaina. “audumā” līdz grandiozām masu izrādēm cirka arēnā, kur arvien lielāks uzsvars tika likts uz tīri ārēju skatuves šovmeistaru. Kopā ar Reinhardu strādāja mākslinieki E. Šterns, E. Orliks, E. Munks, E. Šute, O. Mesels, tēlnieks M. Krūze un citi.

10. gadu beigās un 20. gados. 20. gadsimts Ekspresionisms, kas sākotnēji attīstījās Vācijā, bet plaši pārtvēra citu valstu mākslu, ieguva dominējošu nozīmi. Ekspresionisma tendences noveda pie pretrunu padziļināšanās dekoratīvajā mākslā, pie shematizācijas un atkāpšanās no reālisma. Izmantojot plakņu “nobīdes” un “nošķelumus”, neobjektīvas vai fragmentāras dekorācijas, asus gaismas un ēnu kontrastus, mākslinieki uz skatuves centās radīt subjektīvu redzējumu pasauli. Tajā pašā laikā dažām ekspresionisma izrādēm bija izteikta antiimpiālisma ievirze, un dekorācijas tajās ieguva akūtas sociālās groteskas iezīmes. Šī perioda dekoratīvo mākslu raksturo mākslinieku aizraušanās ar tehniskiem eksperimentiem, vēlme sagraut kastes skatuvi, atsegt skatuves laukumu, inscenēšanas tehnika. Formālistiskās kustības - konstruktīvisms, kubisms, futūrisms - virzīja dekoratīvo mākslu uz pašpietiekama tehnisma ceļa. Šo kustību mākslinieki, uz skatuves atveidojot “tīras” ģeometriskas formas, plaknes un apjomus, abstraktas mehānismu daļu kombinācijas, centās nodot mūsdienu industriālās pilsētas “dinamismu”, “tempu un ritmu” un centās radīt uz skatuves. ilūzija par īstu mašīnu darbu (G. Severini, F. Depero, E. Prampolini - Itālija; F. Leger - Francija u.c.).

Rietumeiropas un Amerikas dekoratīvajā mākslā ser. 20. gadsimts konkrētu nav mākslinieciskie virzieni un skolas: mākslinieki cenšas attīstīt plašu veidu, kas ļauj viņiem uzrunāt dažādi stili un metodes. Turklāt daudzos gadījumos mākslinieki, kas veido izrādi, ne tik daudz nodod lugas idejisko saturu, raksturu un specifiskās vēsturiskās iezīmes, bet gan cenšas uz tās audekla radīt patstāvīgu dekoratīvās mākslas darbu, kas ir "mākslinieka brīvās iztēles auglis." Līdz ar to patvaļa, dizaina abstraktums un pārrāvums ar realitāti daudzās izrādēs. Tam pretojas progresīvo režisoru prakse un mākslinieku radošums, kas cenšas saglabāt un attīstīt reālistisku dekoratīvo mākslu, balstoties uz klasiku, progresīvu mūsdienu dramaturģiju un tautas tradīcijām.

Kopš 10. gadiem 20. gadsimts molbertu mākslas meistari arvien vairāk tiek piesaistīti darbam teātrī, pieaug interese par dekoratīvo mākslu kā radošās mākslas veidu. mākslinieciskā darbība. Kopš 30. gadiem. Pieaug kvalificētu profesionālu teātra mākslinieku skaits ar labām iestudēšanas tehnikas zināšanām. Skatuves tehnoloģija ir bagātināta ar dažādiem 50. gadu tehniskajiem uzlabojumiem, tiek izmantotas luminiscējošas krāsas, foto un filmu projekcijas. 20. gadsimts Vislielākā nozīme ir ciklorāmas izmantošanai teātrī (attēlu vienlaicīga projicēšana no vairākām filmu projekcijas ierīcēm uz plata pusapaļa ekrāna), sarežģītu apgaismojuma efektu izstrāde utt.

30. gados radošajā praksē Padomju teātri tiek apstiprināti un attīstīti sociālistiskā reālisma principi. Dekoratīvās mākslas svarīgākie un noteicošie principi ir dzīves patiesības prasības, vēsturiskā specifika, spēja atspoguļot īstenības tipiskās iezīmes. Dekorācijas tilpuma telpisko principu, kas dominēja daudzās 20. gadu izrādēs, bagātina plašā glezniecības izmantošana.

2. Teātra mākslas izteiksmes pamatlīdzekļi:

Dekorācija (no latīņu valodas decoro — es dekorēju) ir skatuves dizains, kas atjauno materiālo vidi, kurā aktieris darbojas. Ainava "attēlo mākslinieciskais tēls darbības vieta un vienlaikus platforma, kas sniedz bagātīgas iespējas uz tās veikt skatuves darbību." Dekorācijas veidotas, izmantojot dažādus mūsdienu teātrī izmantotos izteiksmīgos līdzekļus - glezniecību, grafiku, arhitektūru, ainas plānošanas mākslu, īpaša dekorācijas faktūra, apgaismojums, skatuves tehnika, projekcijas, kino uc Pamata dekorēšanas sistēmas:

1) kustīgs šūpuļsiksna,

2) arkas pacelšana,

3) paviljons,

4) tilpuma

5) projekcija.

Katras dekorācijas sistēmas rašanos un attīstību un aizstāšanu ar citu noteica specifiskās dramaturģijas prasības, laikmeta vēsturei atbilstošā teātra estētika, kā arī zinātnes un tehnikas izaugsme.

Aizkulišu mobilā dekorēšana. Aizkulisēs - ainavu daļas, kas atrodas skatuves malās noteiktos attālumos viena pēc otras (no portāla dziļi uz skatuves) un paredzētas, lai aizvērtu aizkulišu telpu no skatītāja. Aizkari bija mīksti, eņģes vai stingri uz rāmjiem; dažreiz tiem bija izdomātas kontūras, kas attēloja arhitektūras profilu, koka stumbra kontūras, lapotni. Stingru ainu maiņa tika veikta, izmantojot īpašas skatuves mašīnas - rāmjus uz riteņiem, kas atradās (18. un 19. gadsimtā) katrā skatuves plānā paralēli rampai. Šie rāmji pārvietojās speciāli skatuves dēļā izgrieztās ejās pa sliedēm, kas noliktas gar pirmās tilpnes grīdu. Pirmajos pils teātros komplekts sastāvēja no fona, spārniem un griestu arkām, kuras tika paceltas un nolaistas vienlaikus ar spārnu maiņu. Drotningholmas galma teātrī un bijušā Prinča muižas teātrī līdz mūsdienām saglabājušās aizkulišu apdares sistēmas, kas uzrakstītas mākoņi, koku zari ar lapotnēm, abažūru daļas. N.B. Jusupovs Arhangeļskoje

Skatuves arkveida paceļamā dekorācija radusies Itālijā 17. gadsimtā. un kļuva plaši izplatīts publiskajos teātros ar augstām restēm. Šis dekorācijas veids ir arkas formā šūts audekls ar koku stumbriem, zariem ar lapotnēm un apgleznotām arhitektoniskām detaļām (gar malām un gar galotni) (ievērojot lineārās un gaisa perspektīvas likumus). Uz skatuves var tikt piekārtas līdz 75 no šīm aizkulišu arkām, kā fonu izmantojot krāsotu fonu vai horizontu. Aizkulišu arku apdares veids ir ažūra dekorēšana (rakstītas “meža” vai “arhitektūras” aizkulišu arkas, pielīmētas pie speciāliem sietiem vai aplikētas uz tills). Šobrīd aizkulišu arku dekorācijas galvenokārt tiek izmantotas operas un baleta iestudējumos.

Paviljona apdare pirmo reizi tika izmantota 1794. gadā. aktieris un režisors F.L. Smalcinātājs. Paviljona apdare attēlo slēgtu telpu un sastāv no karkasa sienām, kas pārklātas ar audeklu un krāsotas, lai atgādinātu tapetes, dēļus un flīzes. Sienas var būt “masīvas” vai ar laidumiem logiem un durvīm. Sienas ir savienotas viena ar otru, izmantojot metamās virves - pārlaidumus, un tiek piestiprinātas pie skatuves grīdas ar nogāzēm. Paviljona sienu platums mūsdienu teātrī ir ne vairāk kā 2,2 m (pretējā gadījumā, transportējot dekorācijas, siena neietilpst pa kravas vagona durvīm). Aiz paviljona apdares logiem un durvīm parasti tiek novietoti backsplass (piekaramās apdares daļas uz rāmjiem), uz kurām attēlots atbilstošs ainavas vai arhitektūras motīvs. Paviljona apdari sedz griesti, kas vairumā gadījumu ir piekārti no restēm.

Mūsdienu teātrī trīsdimensiju dekorācija pirmo reizi parādījās Meiningenas teātra izrādēs 1870. gadā. Šajā teātrī līdzās plakanajām sienām sāka izmantot trīsdimensiju daļas: taisnas un slīpas mašīnas - rampas, kāpnes un citas konstrukcijas, lai attēlotu terases, paugurus, cietokšņa sienas. Mašīnu dizaini parasti ir maskēti ar gleznotiem audekliem vai viltotiem reljefiem (akmeņiem, koku saknēm, zāle). Lai mainītu tilpuma dekorācijas daļas, tiek izmantotas ripojošās platformas uz rullīšiem (furki), atskaņotājs un cita veida skatuves tehnika. Tilpuma komplektācija ļāva režisoriem uz “salauzta” skatuves dēļa uzbūvēt mizanscēnas un rast daudzveidīgus konstruktīvus risinājumus, pateicoties kuriem neparasti paplašinājās teātra mākslas ekspresīvās iespējas.

Projekciju dekorēšana pirmo reizi tika izmantota 1908. gadā Ņujorkā. Tas ir balstīts uz krāsainu un melnbaltu attēlu projekciju (uz ekrāna), kas uzzīmētas uz caurspīdīgajām plāksnēm. Projekcija tiek veikta, izmantojot teātra projektorus. Ekrāns var būt fons, horizonts, sienas vai grīda. Ir projekcija uz priekšu (projektors atrodas ekrāna priekšā) un fona apgaismojuma projekcija (projektors atrodas aiz ekrāna). Projekcija var būt statiska (arhitektūras, ainavas un citi motīvi) un dinamiska (mākoņu kustība, lietus, sniegs). Mūsdienu teātrī, kurā ir jauni ekrāna materiāli un projekcijas iekārtas, plaši tiek izmantotas projekcijas dekorācijas. Izgatavošanas un darbības vienkāršība, attēlu maiņas vieglums un ātrums, izturība un spēja sasniegt augstas mākslinieciskās īpašības padara projekcijas dekorācijas par vienu no daudzsološajiem mūsdienu teātra dekorāciju veidiem.

2.2. Teātra kostīms

Teātra tērps (no itāļu kostīms, patiesībā pēc pasūtījuma) - apģērbi, apavi, cepures, rotaslietas un citi priekšmeti, ko aktieris izmanto, lai raksturotu viņa radīto skatuves tēlu. Nepieciešams kostīma papildinājums ir grims un frizūra. Tērps palīdz aktierim atrast tēla ārējo veidolu, atklāt skatuves tēla iekšējo pasauli, nosaka tās vides vēsturiskās, sociāli ekonomiskās un nacionālās īpatnības, kurā notiek darbība, un rada (kopā ar citām dizaina sastāvdaļām). ) izrādes vizuālo tēlu. Tērpa krāsai jābūt cieši saistītai ar kopējo priekšnesuma krāsu shēmu. Kostīms ir visa teātra mākslinieka radošuma joma, kas kostīmā iemieso milzīgu tēlu pasauli - akūti sociālu, satīrisku, grotesku, traģisku.

Tērpa veidošanas process no skices līdz skatuves iemiesojums sastāv no vairākiem posmiem:

1) materiālu izvēle, no kuriem tiks izgatavots uzvalks;

2) krāsošanas materiālu paraugu atlase;

3) līnijas meklēšana: patronu izgatavošana no citiem materiāliem un materiāla tetovēšana uz manekena (vai aktiera);

4) tērpa pārbaude uz skatuves dažādos apgaismojumos;

5) aktiera “iedzīvošana” tērpā.

Tērpa vēsture aizsākās primitīvā sabiedrībā. Spēlēs un rituālos, ar kuriem senais cilvēks reaģēja uz dažādiem savas dzīves notikumiem, liela nozīme bija frizūrai, grimam, rituālajiem tērpiem; viņos primitīvi cilvēki Viņi tajā ieliek daudz radošuma un unikālu garšu. Reizēm šie tērpi bija fantastiski, citreiz atgādināja dzīvniekus, putnus vai zvērus. Kopš seniem laikiem Austrumu klasiskajā teātrī ir bijuši tērpi. Ķīnā, Indijā, Japānā un citās valstīs kostīmiem ir konvencionāls, simbolisks raksturs. Tā, piemēram, ķīniešu teātrī tērpa dzeltenā krāsa nozīmē piederību ķeizariskajai ģimenei, ierēdņu un feodāļu lomu izpildītāji valkā melnus un zaļus tērpus; ķīniešu klasiskajā operā karogi aiz karotāja norāda viņa pulku skaitu, un melna šalle uz sejas simbolizē skatuves varoņa nāvi. Spilgtums, krāsu bagātība, materiālu krāšņums padara tērpu austrumu teātrī par vienu no galvenajām izrādes dekorācijām. Parasti tērpi tiek veidoti konkrētai izrādei, konkrētam aktierim; Ir arī tradicionālie tērpu komplekti, kurus izmanto visas trupas neatkarīgi no repertuāra. Kostīms Eiropas teātrī pirmo reizi parādījās Senā Grieķija; tas būtībā atkārtoja seno grieķu ikdienas tērpu, taču tajā tika ieviestas dažādas konvencionālas detaļas, kas palīdzēja skatītājam ne tikai saprast, bet arī labāk redzēt uz skatuves notiekošo (teātra struktūras bija milzīgas). Katram kostīmam bija īpaša krāsa (piemēram, karaļa kostīms bija purpursarkans vai safrāna dzeltens), aktieri valkāja maskas, kas bija skaidri redzamas no attāluma, un kurpes uz augstajiem statīviem - buskins. Feodālisma laikmetā teātra māksla turpināja dzīvot klejojošu histrionisku aktieru dzīvespriecīgās, aktuālās, asprātīgās izrādēs. Histrionu (tāpat kā krievu bufonu) kostīms bija tuvs mūsdienu pilsētas nabadzīgo kostīmam, taču rotāts ar spilgtiem ielāpiem un komiskām detaļām. No šajā laika posmā tapušajām reliģiskā teātra izrādēm vislielākos panākumus guva mistēriju luga, kuras izrādes bija īpaši greznas. Māmiņu gājiens dažādos kostīmos un grimā (fantastiski pasaku un mītu varoņi, visu veidu dzīvnieki), kas notika pirms mistērijas izrādes, izcēlās ar spilgtām krāsām. Galvenā prasība noslēpumainajam kostīmam ir bagātība un elegance (neatkarīgi no lomu spēlēja). Tērps izcēlās pēc vienošanās: svētie bija baltā tērpā, Kristum bija zeltīti mati, velni tērpās gleznainos fantastiskos tērpos. Paaugstinošu un alegorisku morāles drāmu izpildītāju tērpi bija daudz pieticīgāki. Dzīvīgākajā un progresīvākajā viduslaiku teātra žanrā - farsā, kas saturēja asu feodālās sabiedrības kritiku, parādījās mūsdienīgs kariķēts raksturīgs tērps un grims. Renesanses laikā commedia dell'arte aktieri izmantoja kostīmus, lai saviem varoņiem sniegtu asprātīgus, dažkārt trāpīgus, ļaunus raksturojumus: kostīms apkopoja tipiskās skolas zinātnieku un ļauno kalpu iezīmes. 2. puslaikā. 16. gadsimts spāņu un angļu teātros aktieri uzstājās modīgiem aristokrātu tērpiem pietuvinātos tērpos vai (ja loma to prasīja) klaunu tautas tērpos. Franču teātrī tērps sekoja viduslaiku farsa tradīcijām.

Reālistiskas tendences tērpu jomā parādījās Moljērā, kurš, iestudējot savas mūsdienu dzīvei veltītās lugas, izmantoja dažādu šķiru cilvēku modernus tērpus. Apgaismības laikmetā Anglijā aktieris D. Gariks centās atbrīvot tērpu no pretenciozitātes un bezjēdzīgas stilizācijas. Viņš iepazīstināja ar atveidojamajai lomai atbilstošu tērpu, palīdzot atklāt varoņa raksturu. Itālijā 18.gs. komiķis K. Goldoni, savās lugās pakāpeniski aizstājot tipiskās commedia dell'arte maskas ar attēliem īsti cilvēki, tajā pašā laikā saglabājot atbilstošus tērpus un grimu. Francijā Voltērs, aktrises Klēronas atbalstīts, uz skatuves tiecās pēc tērpa vēsturiskas un etnogrāfiskas precizitātes. Viņa vadīja cīņu pret kostīmu konvencijām traģiskās varones, pret viltojumiem, pūdera parūkām, dārgakmeņiem. Tērpu reformas jautājumu traģēdijā vēl tālāk virzīja franču aktieris A. Lequesne, kurš pārveidoja stilizēto “romiešu” tērpu, atteicās no tradicionālā tuneļa un uz skatuves pieņēma austrumu tērpu. Uzvalks Lekinam bija līdzeklis psiholoģiskās īpašības attēlu. Būtiska ietekme uz tērpa attīstību 2. pusgadā. 19. gadsimts Nodrošināts aktivitātes Vācijā. Meiningenas teātris, kura izrādes izcēlās ar augstu producēšanas kultūru un tērpu vēsturisko precizitāti. Tajā pašā laikā tērpa autentiskums meiningeniešu vidū ieguva pašpietiekamu nozīmi. E. Zola uz skatuves prasīja precīzu sociālās vides atveidi. Uz to centās agrīno gadu lielākās teātra figūras. 20. gadsimts - A. Antuāns (Francija), O. Brāms (Vācija), kuri aktīvi piedalījās izrāžu veidošanā, piesaistot lielākajiem māksliniekiem darbam savos teātros. Simbolistiskais teātris, kas radās 90. gados. Francijā ar protesta saukļiem pret teātra rutīnu un naturālismu viņš cīnījās pret reālistisku mākslu. Modernisma mākslinieki radīja vienkāršotas, stilizētas dekorācijas un kostīmus un attālināja teātri no reālistiska dzīves attēlojuma. Pirmo krievu kostīmu radīja bufoni. Viņu kostīms atkārtoja pilsētu zemāko slāņu un zemnieku apģērbu (kaftāni, krekli, parastās bikses, kurpes), un to rotāja daudzkrāsainas vērtnes, lupatas un spilgti izšūti cepures. Tajā, kas radās sākumā. 16. gadsimts Baznīcas teātrī jauniešu lomu izpildītāji bija tērpušies baltās drēbēs (galvās kroņi ar krustiem), haldiešus tēlojošie aktieri - īsos kaftānos un cepurēs. Konvencionālie tērpi tika izmantoti arī skolu teātra izrādēs; alegoriskajiem varoņiem bija savas emblēmas: Ticība parādījās ar krustu, Cerība - ar enkuru, Marss - ar zobenu. Karaļu tērpi tika papildināti ar nepieciešamajiem karaliskās cieņas atribūtiem. Ar tādu pašu principu tika izdalītas pirmā profesionālā teātra izrādes Krievijā 17. gadsimtā, kas dibinātas cara Alekseja Mihailoviča galmā, un Carevnas Natālijas Aleksejevnas un carienes Praskovjas Fedorovnas galma teātru izrādes. Klasicisma attīstība Krievijā 18. gadsimtā. ko pavada visu šī virziena konvenciju saglabāšana kostīmā. Aktieri uzstājās kostīmos, kuros bija sajaukts moderns kostīms ar seno tērpu elementiem (līdzīgi kā “romiešu” kostīms Rietumos, ģērbās greznos konvencionālos tērpos). Sākumā. 19. gadsimts modernās dzīves izrādēs tika izmantoti moderni moderni tērpi;

Tērpi laikmeta lugās joprojām bija tālu no vēsturiski precīziem.

Visi R. 19. gadsimts izrādēs Aleksandrijas teātris un Maly teātrī ir vēlme pēc vēsturiskas precizitātes kostīmā. Maskavas Mākslas teātris gadsimta beigās guva milzīgus panākumus šajā jomā. Lielie teātra reformatori Staņislavskis un Ņemirovičs-Dančenko kopā ar Maskavas Mākslas teātrī strādājošajiem māksliniekiem panāca precīzu tērpa atbilstību lugā attēlotajam laikmetam un videi, skatuves varoņa raksturam; Mākslas teātrī kostīmam bija liela nozīme skatuves tēla veidošanā. Vairākos Krievijas teātros agri. 20. gadsimts tērps pārvērtās par patiesi māksliniecisku darbu, paužot autora, režisora ​​un aktiera ieceres.

2.3 Trokšņa dizains

Trokšņa dizains ir apkārtējās dzīves skaņu reproducēšana uz skatuves. Kopā ar dekorācijām, rekvizītiem un apgaismojumu trokšņu dizains veido fonu, kas palīdz aktieriem un skatītājiem justies kā lugas darbībai atbilstošā vidē, rada pareizo noskaņu, ietekmē izrādes ritmu un tempu. Petardes, šāvieni, dzelzs palagu grabēšana, ieroču klauvēšana un zvanīšana aiz skatuves pavadīja izrādes jau 16.-18.gadsimtā. Skaņas aparatūras klātbūtne Krievijas teātru ēku aprīkojumā liecina, ka Krievijā trokšņu dizains tika izmantots jau vidū. 18. gadsimts

Mūsdienu trokšņu dizains atšķiras ar skaņu raksturu: dabas skaņas (vējš, lietus, pērkona negaiss, putni); rūpnieciskais troksnis (rūpnīca, celtniecība); transporta troksnis (rati, vilciens, lidmašīna); kaujas trokšņi (kavalērija, šāvieni, karaspēka kustības); sadzīves trokšņi (pulksteņi, stiklu šķindēšana, čīkstēšana). Trokšņa dizains var būt naturālistisks, reālistisks, romantisks, fantastisks, abstrakts-konvencionāls, grotesks – atkarībā no izpildījuma stila un lēmuma. Skaņu dizainu veic teātra skaņu dizainers vai producēšanas nodaļa. Izpildītāji parasti ir īpašas trokšņu komandas dalībnieki, kurā ir arī aktieri. Vienkāršus skaņu efektus var izpildīt skatuves meistari, rekvizītu meistari u.c. Modernā teātrī skaņas noformēšanai izmantotā tehnika sastāv no vairāk nekā 100 dažāda izmēra, sarežģītības un nolūka ierīcēm. Šīs ierīces ļauj sasniegt lielas telpas sajūtu; izmantojot skaņas perspektīvu, tiek radīta ilūzija par tuvojošos un attālinošu vilciena vai lidmašīnas troksni. Mūsdienu radiotehnoloģijas, īpaši stereofoniskās iekārtas, sniedz lieliskas iespējas paplašināt trokšņu dizaina māksliniecisko diapazonu un kvalitāti, vienlaikus organizatoriski un tehniski vienkāršojot šo izpildījuma daļu.

2.4 Gaismas uz skatuves

Gaisma uz skatuves ir viens no svarīgiem mākslinieciskajiem un producēšanas līdzekļiem. Gaisma palīdz atveidot darbības vietu un uzstādījumu, perspektīvu, radīt nepieciešamo noskaņu; Dažkārt mūsdienu izrādēs gaisma ir gandrīz vienīgais dekorācijas līdzeklis.

Dažādiem apdares veidiem nepieciešama atbilstoša apgaismojuma tehnika. Plakanām ainaviskām dekorācijām nepieciešams vispārējs vienots apgaismojums, ko rada vispārējās apgaismes ierīces (prožektori, rampas, pārnēsājamas ierīces). Izrādēm ar trīsdimensiju dekorācijām nepieciešams lokāls (prožektoru) apgaismojums, kas rada gaismas kontrastus, kas uzsver dizaina apjomu.

Izmantojot jaukta veida apdari, attiecīgi tiek izmantota jaukta apgaismojuma sistēma.

Teātra apgaismes ierīces tiek ražotas ar platiem, vidējiem un šauriem gaismas izkliedes leņķiem, pēdējos sauc par prožektoriem un izmanto atsevišķu skatuves zonu un tēlu apgaismošanai. Atkarībā no atrašanās vietas teātra skatuves gaismas iekārtas tiek iedalītas šādos galvenajos veidos:

1) Virsgaismas apgaismojuma iekārtas, kas ietver apgaismes ķermeņus (prožektorus, prožektorus), kas iekarināti virs skatuves spēles daļas vairākās rindās atbilstoši tās plāniem.

2) Horizontālās gaismas iekārtas, ko izmanto, lai apgaismotu teātra apvāršņus.

3) sānu apgaismojuma iekārtas, kas parasti ietver prožektoru tipa ierīces, kas uzstādītas portāla ainās un sānu apgaismojuma galerijās

4) Attālināta apgaismojuma iekārta, kas sastāv no prožektoriem, kas uzstādīti ārpus skatuves dažādās auditorijas daļās. Attālinātajā apgaismojumā ir arī rampa.

5) Pārnēsājamas gaismas iekārtas, kas sastāv no dažāda veida ierīcēm, kas uzstādītas uz skatuves katrai izrādes darbībai (atkarībā no prasībām).

6) Dažādas īpašas apgaismojuma un projekcijas ierīces. Arī teātrī bieži tiek izmantotas dažādas apgaismes ierīces. īpašs mērķis(dekoratīvās lustras, svečturi, lampas, sveces, laternas, ugunskuri, lāpas), izgatavotas pēc izrādes noformējošā mākslinieka skicēm.

Mākslinieciskiem nolūkiem (reālas dabas reproducēšana uz skatuves) tiek izmantota krāsaina skatuves apgaismojuma sistēma, kas sastāv no dažādu krāsu gaismas filtriem. Gaismas filtri var būt stikla vai plēves. Krāsu izmaiņas izrādes laikā tiek veiktas: a) pakāpeniski pārejot no apgaismes ierīcēm ar vienu krāsu filtru uz ierīcēm ar citām krāsām; b) vairāku vienlaicīgi strādājošu ierīču krāsu pievienošana; c) gaismas filtru maiņa apgaismes ķermeņos. Gaismas projekcijai ir liela nozīme izrādes noformējumā. Ar tās palīdzību tiek radīti dažādi dinamiski projekcijas efekti (mākoņi, viļņi, lietus, krītošs sniegs, uguns, sprādzieni, uzplaiksnījumi, lidojoši putni, lidmašīnas, buru kuģi) vai statiski attēli, kas aizvieto gleznainās dekorācijas detaļas (gaismas projekcijas dekorācijas) . Gaismas projekcijas izmantošana neparasti paplašina gaismas lomu izrādē un bagātina tās mākslinieciskās iespējas. Dažkārt tiek izmantota arī filmas projekcija. Gaisma var būt pilnvērtīga izrādes mākslinieciskā sastāvdaļa tikai tad, ja pār to ir elastīga centralizētas kontroles sistēma. Šim nolūkam visu skatuves apgaismes iekārtu barošana ir sadalīta līnijās, kas saistītas ar atsevišķām apgaismes ierīcēm vai aparātiem un atsevišķām uzstādīto gaismas filtru krāsām. Uz modernās skatuves ir līdz 200-300 rindām. Lai kontrolētu apgaismojumu, ir jāieslēdz, jāizslēdz un jāmaina gaismas plūsma gan katrā atsevišķā līnijā, gan jebkurā to kombinācijā. Šim nolūkam ir paredzēti gaismas vadības bloki, kas ir nepieciešams skatuves aprīkojuma elements. Lampu gaismas plūsma tiek regulēta, izmantojot autotransformatorus, tiratronus, magnētiskos pastiprinātājus vai pusvadītāju ierīces, kas maina strāvu vai spriegumu apgaismojuma ķēdē. Lai kontrolētu daudzas skatuves apgaismojuma shēmas, ir sarežģītas mehāniskas ierīces, ko parasti sauc par teātra vadības ierīcēm. Visizplatītākie ir elektriskie regulatori ar autotransformatoriem vai magnētiskajiem pastiprinātājiem. Pašlaik elektriskie daudzprogrammu regulatori kļūst plaši izplatīti; ar to palīdzību tiek panākta ārkārtēja elastība skatuves apgaismojuma kontrolē. Šādas sistēmas pamatprincips ir tāds, ka regulējošā instalācija pieļauj provizorisku gaismas kombināciju komplektu vairākām izrādes ainām vai mirkļiem ar to sekojošu reproducēšanu uz skatuves jebkurā secībā un tempā. Tas ir īpaši svarīgi, izgaismojot sarežģītas modernas vairāku ainu izrādes ar lielisku gaismas dinamiku un straujām izmaiņām.

2.5 Skatuves efekti

Skatuves efekti (no latīņu effectus - performance) - lidojumu, eju, plūdu, ugunsgrēku, sprādzienu ilūzijas, kas radītas ar īpašu ierīču un ierīču palīdzību. Skatuves efekti tika izmantoti jau antīkajā teātrī. Romas impērijas laikmetā mīmu priekšnesumos tika ieviesti individuāli skatuves efekti. Ietekme bija bagāta ar 14.-16. gadsimta reliģiskajām idejām. Piemēram, iestudējot mistērijas, īpaši “brīnumu meistari” bija atbildīgi par daudzu teātra efektu sakārtošanu. Galmā un publiskajos teātros 16.-17.gs. tika izveidots krāšņas izrādes veids ar dažādiem skatuves efektiem, kas balstīti uz teātra mehānismu izmantošanu. Šajās izrādēs priekšplānā izvirzījās šofera un dekoratora prasme, kas radīja visdažādākās apoteozes, lidojumus un pārvērtības. Šādas iespaidīgas izklaides tradīcijas vairākkārt tika augšāmceltas turpmāko gadsimtu teātra praksē.

Mūsdienu teātrī skatuves efektus iedala skaņas, gaismas (gaismas un filmas projekcija) un mehāniskajos. Ar skaņas (trokšņa) efektu palīdzību uz skatuves tiek atveidotas apkārtējās dzīves skaņas - dabas skaņas (vējš, lietus, pērkona negaiss, putnu dziesmas), industriālais troksnis (rūpnīca, būvlaukums u.c.), transporta troksnis (vilciens, lidmašīna), kaujas troksnis (kavalērijas kustība, šāvieni), sadzīves trokšņi (pulksteņi, stiklu šķindēšana, čīkstēšana).

Gaismas efekti ietver:

1) visa veida dabiskā apgaismojuma simulācijas (diena, rīts, nakts, apgaismojums, kas novērots dažādu dabas parādību laikā - saullēkts un saulrieta, skaidras un mākoņainas debesis, pērkona negaiss utt.);

2) ilūziju radīšana par lietusgāzi, kustīgiem mākoņiem, uguns liesmojošu blāzmu, krītošām lapām, plūstošu ūdeni utt.

Lai iegūtu pirmās grupas efektus, viņi parasti izmanto trīs krāsu apgaismojuma sistēmu - baltu, sarkanu, zilu, piešķirot gandrīz jebkuru tonalitāti ar visu nepieciešamās pārejas. Vēl bagātāks un elastīgāks krāsu palete(ar dažādu toņu niansēm) dod četru krāsu kombināciju (dzeltena, sarkana, zila, zaļa), kas atbilst baltās gaismas pamata spektrālajam sastāvam. 2. grupas apgaismojuma efektu iegūšanas metodes galvenokārt ir saistītas ar gaismas projekcijas izmantošanu. Pēc skatītāja saņemto iespaidu rakstura gaismas efekti tiek iedalīti stacionārajos (nekustīgajos) un dinamiskajos.

Stacionāro apgaismojuma efektu veidi

Zibens - tiek dota ar tūlītēju volta loka uzplaiksnījumu, ko rada manuāli vai automātiski. IN pēdējie gadi Augstas intensitātes elektroniskās foto zibspuldzes ir kļuvušas plaši izplatītas.

Zvaigznes - atdarinātas, izmantojot lielu skaitu lukturīšu spuldžu, iekrāsotas dažādas krāsas un ar dažādu mirdzuma intensitāti. Spuldzes un elektrības padeve tām ir uzmontētas uz melni krāsota sieta, kas ir piekārts uz mušiņstieņa stieņa.

Mēness - radīts, projicējot uz horizonta atbilstošu gaismas attēlu, kā arī izmantojot paceltu modeli, kas imitē mēnesi.

Zibens - fonā vai panorāmā tiek izgriezta šaura zigzaga sprauga. Pārklāts ar caurspīdīgu materiālu, maskēts kā vispārējs fons, šī sprauga tiek izgaismota no aizmugures īstajā brīdī, izmantojot jaudīgas lampas vai foto zibspuldzes, pēkšņs viegls zigzags sniedz vēlamo ilūziju. Zibens efektu var panākt arī izmantojot speciāli izgatavotu zibens modeli, kurā ir montēti atstarotāji un apgaismes ierīces.

Varavīksne - tiek radīta, projicējot šauru loka prožektora staru kūli, kas vispirms tiek izlaista caur optisko prizmu (kas sadala balto gaismu tās komponentu spektrālās krāsās), un pēc tam caur slaidu "masku" ar loka formas spraugu ( pēdējais nosaka paša projekcijas attēla raksturu).

Migla - tiek panākts, izmantojot lielu skaitu jaudīgu lampu lēcu laternu ar šaurām, spraugām līdzīgām sprauslām, kas pieguļ laternu izvadam un nodrošina plašu vēdekļveida plakanu gaismas sadalījumu. Vislielāko efektu, attēlojot ložņājošu miglu, var panākt, izlaižot karstu tvaiku caur ierīci, kas satur tā saukto sauso ledu.

Dinamiskā apgaismojuma efektu veidi

Ugunīgi sprādzieni, vulkāna izvirdums - tiek iegūti, izmantojot plānu ūdens kārtu, kas ir noslēgta starp divām paralēlām neliela šaura akvārija tipa trauka stikla sienām, kurā no augšas ar vienkāršu pipeti tiek izlaisti sarkanas vai melnas lakas pilieni. Smagie pilieni, kas krīt ūdenī, lēnām grimst apakšā, plaši izplatās uz visām pusēm, aizņemot arvien vairāk vietas un tiek projicēti uz ekrāna otrādi (t.i., no apakšas uz augšu), atveidojot vēlamās parādības būtību. Šo efektu ilūziju pastiprina labi izpildīts dekoratīvs fons (krātera attēls, degošas ēkas skelets, ieroču silueti utt.).

Viļņi - tiek veikti, izmantojot projekcijas ar īpašām ierīcēm (hromotropiem) vai dubultiem paralēliem slaidiem, vienlaikus virzoties pretējs draugs citā virzienā, tad uz augšu, tad uz leju. Piemērs visveiksmīgākajam viļņu sakārtojumam ar mehāniskiem līdzekļiem: nepieciešamais kloķvārpstu pāru skaits atrodas skatuves labajā un kreisajā pusē; Starp šahtu savienojošajiem stieņiem no vienas skatuves puses uz otru atrodas virves ar aplikācijas gleznainiem paneļiem, kas attēlo jūru. “Kad kloķvārpstas griežas, daži paneļi paceļas uz augšu, citi nolaižas, pārklājoties viens ar otru.

Snigšanu nodrošina tā sauktā “spoguļbumba”, kuras virsma ir izklāta ar maziem spoguļa gabaliņiem. Novirzot spēcīgu koncentrētu gaismas staru (kas izplūst no publikai paslēpta prožektora vai objektīva lampas) noteiktā leņķī uz šo daudzšķautņaino sfērisko virsmu un liekot tai griezties ap savu horizontālo asi, tiek radīts bezgalīgs skaits mazu atstarotu “zaķu”. iegūts, radot krītošu sniega pārslu iespaidu. Ja izrādes laikā “sniegs” uzkrīt aktierim uz pleciem vai klāj zemi, tas ir izgatavots no smalki sagrieztiem balta papīra gabaliņiem. Krītot no speciāliem maisiem (kas novietoti uz pārejas tiltiņiem), “sniegs” lēnām riņķo prožektoru gaismā, radot vēlamo efektu.

Vilciena kustība tiek veikta, izmantojot garus caurspīdīgus rāmjus ar atbilstošiem attēliem, kas pārvietojas horizontāli optiskā lukturīša objektīva priekšā. Lai elastīgāk kontrolētu gaismas projekcijas un novirzītu to uz vēlamo ainavas daļu, šarnīrveida ierīcēm aiz objektīva bieži tiek uzstādīts neliels kustīgs spogulis, kas atspoguļo laternas radīto attēlu.

Mehāniskie efekti ietver dažāda veida lidojumus, atteices, dzirnavas, karuseļus, kuģus, laivas. Lidojumu teātrī parasti sauc par dinamisku mākslinieka kustību (tā saucamie standarta lidojumi) vai rekvizītus virs skatuves dēļa.

Balstu lidojumi (gan horizontāli, gan pa diagonāli) tiek veikti, pārvietojot lidojuma ratiņus pa trošu sliežu ceļu, izmantojot auklas un troses, kas piesietas pie ratiņu gredzeniem. Starp pretējām darba galerijām virs skatuves spoguļa ir izstiepts horizontāls kabelis. Diagonāle ir nostiprināta starp pretējām un dažāda līmeņa darba galerijām. Veicot diagonālu lidojumu no augšas uz leju, tiek izmantota objekta gravitācijas radītā enerģija. Lidojums pa diagonāli no apakšas uz augšu visbiežāk tiek veikts pretsvara brīvā kritiena enerģijas dēļ. Kā pretsvari tiek izmantoti maisi ar smiltīm un gredzeni virzošajam kabelim. Somas svaram jābūt lielākam par balsta izstrādājuma un karietes svaru. Pretsvars ir piestiprināts pie troses, kura pretējais gals ir piestiprināts pie lidojuma karietes. Tiešraides lidojumi tiek veikti uz troses vai stacionāra trases, kā arī ar gumijas amortizatoru palīdzību. Lidojuma ierīce uz troses trases sastāv no horizontālas troses trases, kas izstieptas starp skatuves pretējām malām, lidojuma karietes, skriemeļa bloka un divām piedziņām (viena karietes pārvietošanai pa ceļu, otra mākslinieka pacelšanai un nolaišanai) . Veicot horizontālu lidojumu no vienas skatuves malas uz otru, lidojuma kariete ir iepriekš uzstādīta aizkulisēs. Pēc tam bloks ar lidojuma kabeli tiek nolaists uz leju. Izmantojot karabīnes, kabelis tiek piestiprināts pie īpašas lidojuma jostas, kas atrodas zem mākslinieka uzvalka. Pēc izrādes vadošā režisora ​​zīmes mākslinieks paceļas iestatītajā augstumā un pēc komandas “lido” uz pretējo pusi. Aizkulisēs viņš tiek nolaists līdz planšetdatoram un atbrīvots no kabeļa. Ar lidojuma ierīces palīdzību uz kabeļa trases, prasmīgi izmantojot abu piedziņu vienlaicīgu darbību un pareizo ātruma attiecību, ir iespējams veikt visdažādākos lidojumus plaknē paralēli portāla arkai - diagonālos lidojumus no apakšas. uz augšu vai no augšas uz leju, no vienas skatuves malas uz otru, no aizkulisēm līdz skatuves centram vai no skatuves uz aizkulisēm utt.

Lidojuma ierīce ar gumijas amortizatoru ir veidota pēc svārsta principa, šūpojoties un vienlaikus nolaižoties un paceļoties. Gumijas amortizators novērš raustīšanu un nodrošina vienmērīgu lidojuma trajektoriju. Šāda ierīce sastāv no diviem režģa blokiem, diviem novirzīšanas trumuļiem (uzstādīti zem režģa abās lidojuma troses pusēs), pretsvara un lidojuma troses. Viens šī kabeļa gals, kas piestiprināts pretsvara augšpusē, iet ap diviem režģa blokiem un caur novirzošām tvertnēm nokrīt līdz planšetdatora līmenim, kur tas tiek piestiprināts pie mākslinieka jostas. Pie pretsvara apakšas piesieta amortizējoša aukla 14mm diametrā, otrais gals piestiprināts pie skatuves dēļa metāla konstrukcijas. Lidojums tiek veikts, izmantojot divas virves (25-40 mm diametrā). Viens no tiem ir piesaistīts pretsvara apakšai un brīvi nokrīt uz planšetdatora; otrais, piesiets pie pretsvara augšdaļas, paceļas vertikāli, iet apkārt augšējam aizkulišu blokam un brīvi nolaižas uz planšetdatora. Lidojumam pa visu skatuvi (cauri lidojumam) režģa lidojuma bloks ir uzstādīts skatuves centrā, īsam lidojumam - tuvāk piedziņas ierīcei. Vizuāli lidojums, izmantojot ierīci ar gumijas amortizatoru, izskatās kā brīva, strauja planēšana. Skatītāja acu priekšā lidojums maina virzienu par 180, un vairāku lidojuma ierīču vienlaicīgas lietošanas gadījumā no vienas vai otras skatuves puses rodas iespaids par nebeidzamu pacelšanos un nosēšanos. Viens lidojums pa visu skatuvi atbilst citam lidojumam uz skatuves vidu un atpakaļ, lidojums uz augšu - lidojums uz leju, lidojums pa kreisi - lidojums pa labi.

Grims (franču grime, no senitāļu grimo — grumbuļains) ir māksla mainīt aktiera izskatu, it īpaši viņa seju, izmantojot grima krāsas (tā saukto grimu), plastmasas un matu uzlīmes, parūku. , frizūra un citas lietas atbilstoši spēlējamās lomas prasībām. Aktiera darbs pie grima ir cieši saistīts ar viņa darbu pie viņa tēla. Grims kā viens no aktiera tēla veidošanas līdzekļiem savā evolūcijā ir saistīts ar dramaturģijas attīstību un estētisko tendenču cīņu mākslā. Aplauzuma raksturs ir atkarīgs no mākslinieciskās iezīmes luga un tās tēli, sākot no aktiera koncepcijas, režisora ​​koncepcijas un izrādes stila.

Grima veidošanas procesā nozīme ir tērpam, kas ietekmē raksturu un krāsu shēma grims Grima izteiksmīgums lielā mērā ir atkarīgs no ainas apgaismojuma: jo spilgtāks tas ir, jo maigāks grims, un otrādi, vājam apgaismojumam nepieciešams skarbāks grims.

Grima uzklāšanas secība: vispirms seja tiek dekorēta ar dažām kostīma detaļām (cepure, šalle utt.), pēc tam tiek pielīmēts deguns un citas uzlīmes, tiek uzlikta parūka vai no paša veidota frizūra. tiek pielīmēti mati, bārda un ūsas, un tikai beigās grims tiek uzklāts ar krāsām. Grima māksla balstās uz aktiera izpēti par sejas uzbūvi, tās anatomiju, muskuļu, kroku, izspiedumu un ieplaku atrašanās vietu. Aktierim jāzina, kādas izmaiņas sejā notiek vecumdienās, kā arī jaunas sejas raksturīgās iezīmes un vispārējais tonis. Papildus ar vecumu saistītajiem grimiem teātrī, īpaši pēdējos gados, ir kļuvuši plaši izplatīti tā sauktie “nacionālie” grimi, ko izmanto izrādēs, kas veltītas Austrumu valstu (Āzijas, Āfrikas) tautu dzīvei, uc Lietojot šos aplauzumus, ir jāņem vērā sejas daļas forma un struktūra, kā arī noteiktas tautības pārstāvju horizontālie un vertikālie profili. Horizontālo profilu nosaka vaigu kaulu izvirzījumu asums, vertikālo - pēc žokļa izvirzījumiem. Būtiski svarīgas iezīmes nacionālajā grimā ir: deguna forma, lūpu biezums, acu krāsa, matu forma, krāsa un garums uz galvas, bārdas forma, ūsas un ādas krāsa. . Tajā pašā laikā šajos grimos ir jāņem vērā personāža individuālās īpašības: vecums, sociālais statuss, profesija, laikmets utt.

Svarīgākais aktiera un mākslinieka radošais avots katras lomas grima noteikšanā ir apkārtējās dzīves vērošana, studijas. tipiskas iezīmes cilvēku izskats, viņu saikne ar cilvēka raksturu un tipu, viņa iekšējais stāvoklis utt. Grima māksla prasa spēju apgūt grima tehniku, spēju izmantot kosmētikas krāsas, matu izstrādājumus (parūku, bārdu, ūsas), tilpuma līstes un uzlīmes. Grima krāsas ļauj izmantot glezniecības paņēmienus, lai mainītu aktiera seju. Kopējais tonis, ēnas, izcēlumi, kas rada ieplaku un izspiedumu iespaidu, triepieni, kas veido krokas uz sejas, mainot acu, uzacu, lūpu formu un raksturu, var piešķirt aktiera sejai pavisam citu raksturu. Frizūra un parūka, mainot tēla izskatu, nosaka viņa vēsturisko un sociālo piederību un ir svarīgas arī varoņa rakstura noteikšanai. Priekš spēcīgas pārmaiņas sejas formas, kuras nevar sasniegt ar krāsām vien, tiek izmantotas 3D līstes un uzlīmes. Sejas neaktīvo daļu nomaiņa tiek panākta ar lipīgu krāsainu adhezīvu plāksteru palīdzību. Vaigu, zoda un kakla biezināšanai tiek izmantotas uzlīmes no vates, trikotāžas, marles un miesas krāsas krepa.

Maska (no vēlīnā latīņu mascus, masca - maska) ir īpašs pārklājums ar kādu attēlu (seja, dzīvnieka purns, mitoloģiskas būtnes galva utt.), ko visbiežāk nēsā uz sejas. Maskas ir izgatavotas no papīra, papīrmašē un citiem materiāliem. Maskas aizsākās senatnē rituālos (saistītos ar darba procesiem, dzīvnieku kultu, apbedījumiem u.c.). Vēlāk maskas sāka izmantot teātrī kā aktiera grima elements. Kombinācijā ar teātra kostīmu maska ​​palīdz veidot skatuves tēlu. Senajā teātrī maska ​​tika savienota ar parūku un vilkta pāri galvai, veidojot kaut ko līdzīgu ķiverei ar caurumiem acīm un mutei. Lai paspilgtinātu aktiera balsi, ķiveres maska ​​no iekšpuses bija aprīkota ar metāla rezonatoriem. Ir tērpu maskas, kur maska ​​nav atdalāma no tērpa, un maskas, kas tiek turētas rokās vai uzliktas uz pirkstiem.

Literatūra

1. Barkovs V.S., Izrādes gaismu dizains, M., 1993. - 70 lpp.

2. Petrovs A.A., Teātra skatuves celtniecība, Sanktpēterburga, 1991. - 126 lpp.

3. Staņislavskis K.S., Mana dzīve mākslā, Darbi, 1. sēj., M., 1954. lpp. 113-125

a) Teksts . Teātra uzveduma pamats ir tekstu. Šī ir izrāde dramatiskam uzvedumam, baletā tas ir librets. Darbs pie izrādes sastāv no dramatiskā teksta pārnešanas uz skatuvi. Rezultātā literārais vārds kļūst par skatuves vārdu.

b) Skatuves telpa . Pirmais, ko skatītājs redz pēc priekškara atvēršanās (pacelšanās), ir skatuves telpa, kuras mājas Dekorācijas. Tie norāda darbības vietu, vēsturisko laiku un atspoguļo nacionālo krāsu. Ar telpisku konstrukciju palīdzību jūs pat varat nodot varoņu noskaņojumu (piemēram, varoņa ciešanu epizodē iegremdēt ainu tumsā vai pārklāt tās fonu ar melnu).

c) Skatuve un skatītāju zāle . Kopš seniem laikiem ir izveidotas divu veidu skatuves un skatītāju zāles: kastes skatuve un amfiteātra skatuve.Boksa skatuve nodrošina stāvus un stendus, un amfiteātra skatuvi no trim pusēm ieskauj skatītāji. Pašlaik pasaulē tiek izmantoti divi veidi.

d) Teātra ēka . Kopš seniem laikiem pilsētu centrālajos laukumos ir celti teātri. Arhitekti tiecās, lai ēkas būtu skaistas un piesaistītu uzmanību. Nākot uz teātri, skatītājs ir atrauts no ikdienas, it kā paceļoties pāri realitātei. Tāpēc nav nejaušība, ka priekšnamā bieži vien ved ar spoguļiem rotātas kāpnes.

e) Mūzika . Palīdz uzlabot dramatiskas izrādes emocionālo ietekmi mūzika. Dažkārt tas tiek atskaņots ne tikai darbības laikā, bet arī starpbrīžos, lai saglabātu skatītāju interesi.

f) Aktieris . Lugas galvenais varonis ir aktieris, kas rada dažādu tēlu māksliniecisku tēlu. Aktieru dialogs ir ne tikai vārdi, bet arī žestu, pozu, skatienu un mīmikas saruna. Aktiera un mākslinieka jēdzieni ir atšķirīgi. Aktieris ir amats, profesija. Vārds mākslinieks (angļu: art) norāda uz piederību nevis konkrētai profesijai, bet gan mākslai kopumā, tas uzsver amatniecības augsto kvalitāti. Mākslinieks ir mākslinieks neatkarīgi no tā, vai viņš spēlē teātrī vai darbojas citā jomā (kino).

g) Direktors . Lai darbība uz skatuves tiktu uztverta kā veselums, tā ir jāorganizē pārdomāti un konsekventi. Šos pienākumus veic direktors. Režisors ir teātra izrādes galvenais organizators un vadītājs. Sadarbojas ar mākslinieku (izrādes vizuālā tēla veidotāju), ar komponistu (izrādes emocionālās atmosfēras, tās muzikālā un skaņas risinājuma veidotāju), horeogrāfu (uzveduma plastiskās izteiksmes veidotāju) un citiem. Režisors ir režisors, skolotājs un aktiera skolotājs.

Atkarībā no atsevišķu skatuves izteiksmes līdzekļu priekšrocībām izšķir: teātra veidi

1. Drāmas teātris. Galvenais izteiksmes līdzeklis ir vārds (ne velti šo teātri dažkārt dēvē par sarunu teātri). Uz skatuves notiekošo notikumu nozīme, tēlu raksturi tiek atklāti ar vārdu palīdzību, kas veido tekstu (prozaisku vai poētisku).

2. Opera(parādījusies 16. – 17. gs. mijā Florencē). Operā teātra konvencijas ir īpaši izteiktas (dzīvē cilvēki nedzied, lai runātu par savām jūtām). Operā galvenais ir mūzika.

3. Baleta teātris (veidojies 16. gs. uz galma un tautas deju bāzes). Pats vārds “balets” cēlies no vēlīnā latīņu vārda ballare — dejot. Baletā varoņu notikumi un attiecības tiek izstāstītas caur kustībām un dejām, ko mākslinieki izpilda mūzikas pavadībā, kuras pamatā ir libretu (Itāliešu librets - operas literārs teksts vai scenārijs baletam un pantomīmai, kas nosaka saturu - darbību secību uz skatuves).

VIDĒJSteātru veidi.

4. Operete(parādījās Francijā 19. gs. otrajā pusē). Sižeti parasti ir komiski, ar runātu dialogu, kas mijas ar dziedāšanu un dejošanu. Dažkārt muzikālie numuri nav saistīti ar sižetu un ir interlūdi.

5. Muzikāls(parādījās 19. gs. beigās ASV). Šis ir skatuves darbs (gan komisks, gan dramatisks sižetā), kurā izmantotas formas popmāksla, drāmas teātris, balets un opera, ikdienas deja. Mūzikls ir māksla ikvienam. Sižeti parasti ir vienkārši, un melodijas bieži kļūst par hitiem.

6. Pantomīma. Senākais teātra izrāžu veids, kas radies senatnē (grieķu “pantOmimos” — viss, kas atveido ar imitāciju). Mūsdienu pantomīma ir izrādes bez vārdiem: tie ir vai nu īsi numuri, vai plaša skatuves darbība ar sižetu. Šāda veida teātra piekritēji uzskata, ka žests ir patiesāks un spilgtāks par vārdu.

7. Kabarē teātri(parādījās 19. gs. beigās visā Eiropā) ir teātra, skatuves un restorāna dziedāšanas apvienojums. pagrabs ir kā kaut kas neparasts, nedaudz aizliegts, pazemē. Kabarē priekšnesumi (īsi skiti, parodijas vai dziesmas) gan publikai, gan izpildītājiem asociējās ar īpašu pārdzīvojumu – neierobežotas brīvības sajūtu.

8. Leļļu teātris.Īpašs teātra izrādes veids. Eiropā tas parādījās senatnes periodā. Senajā Grieķijā un Romā tika izrādītas mājas izrādes. Izrādēs piedalās tikai lelles vai lelles ar leļļu aktieriem (aktieriem). Visizplatītākās lelles ir tās, kuras kontrolē ar diegiem, cimdiem un spieķiem.

Īpaša leļļu teātra forma ir leļļu un koka leļļu teātris.

9. Īpašs teātra veids Bērnu teātris. Viens no pirmajiem bērnu iestudējumiem bija Maskavas Mākslas teātra darbs. 1908. gadā Staņislavskis iestudēja pasaku lugu “Zilais putns”. Šis iestudējums noteica bērnu skatuves mākslas attīstības ceļu – šādam teātrim ir jābūt bērnam saprotamam, taču nekādā gadījumā ne primitīvam.

Varietātes teātris.

11. Miniatūru teātris ir mākslinieku kopiena, kas dod priekšroku mazām mākslas formām (monologs, dzejolis, skice). Teātra repertuāru veido nelielas viencēliena izrādes un komēdijas un satīras žanru teātra iestudējumi, kam raksturīgas groteskas un parodijas tendences.

12. Plastmasas teātris– teātris, kurā izmantoti izteiksmīgi drāmas, dejas, pantomīmas, cirka, estrādes un aktiera plastiskā mākslas līdzekļi. Izveidojās 30. gados. XX gadsimts. Tālāk šī teātra plastikā aktīvi tiek iekļauta deja, kas noteica jauna virziena rašanos Krievijā - dejas teātra vai. horeoplastiskais teātris.

Režisors risina izrādes radošās un tehniskās problēmas, režisē un veido skatuves pasauli. Direktors(no vācu valodas - vadīt) - tas, kurš vada, vada. Franču valodā tas ir mizanscēnas meistars.

Mizanaina(franču — iestudējums uz skatuves) ir aktieru atrašanās vieta uz skatuves katrā izrādes brīdī. Mizanainu mija lugas noteiktajā secībā rada skatuves darbību. Dažreiz tiek lietots cits termins - direktors Darbs pie izrādes ietver tulkošanu, literāra teksta transponēšanu īpaša valoda ainas. Režisors reproducē, t.i. izrādi ceļ uz skatuves ar aktieru, scenogrāfa, komponista u.c. palīdzību, kuru darbība un daiļrade ir pakārtota viņa režisora ​​plānam.

Staņislavskis Konstantīns Sergejevičs- krievu teātra režisors, aktieris un pedagogs, teātra reformators. Slavenās aktiermeistarības radītājs, kas jau 100 gadus ir ārkārtīgi populārs Krievijā un pasaulē.

1898. gadā viņš kopā ar Vladimiru Ivanoviču Ņemiroviču-Dančenko nodibināja Maskavas Mākslas teātri (MKhT), kas vēlāk tika pārdēvēts par Maskavas Mākslas akadēmisko teātri (MKhAT).

Galvenais iekšā aktiera skatuves ētika- mākslas doktrīna, kas paredzēta skatītāja izglītošanai un cildināšanai. Vispārējā ētikā ietilpst: pilsonība un aktiera patriotisms, humānisms, muižniecība un smags darbs. Ētika ir radošās disciplīnas doktrīna, tie ir mākslinieciski morāles standarti, saskaņā ar kuriem veidojas aktieris un bez kuriem nav iespējama kolektīvā jaunrade.

Slaveni teicieni K.S. Staņislavskis:

"ES neticu!"

“Mīli mākslu sevī, nevis sevi mākslā”

"Nav mazu lomu, ir mazi mākslinieki."

"Pirms ieejat teātrī, klepojiet un, ieejot tajā, neļaujiet spļaut visos stūros."

Grāmatas K.S. Staņislavskis:

Mana dzīve mākslā

Aktiera darbs pie sevis

Staņislavska sistēma- augstākais teātra kultūras sasniegums, kam bija milzīga ietekme uz pasaules skatuves mākslu. K.S. Staņislavska sistēmā “pieredzes mākslas” teorija un prakse atrada visaptverošu izpausmi.

Aktiera māksla ir skatuves tēla veidošanas māksla, skatuves radošuma veids. Tēla veidošanas materiāls ir aktiera dabiskie dati: runa, ķermenis, kustības, sejas izteiksmes, emocionalitāte, novērojums, iztēle, atmiņa utt.

Uzdevums Staņislavska sistēma ir normālas cilvēka labsajūtas un uzvedības meistarība, kas ļauj uz skatuves domāt, darboties un justies pēc tiem pašiem likumiem, pēc kuriem domā, rīkojas un jūtas katrs cilvēks reālajā dzīvē. Lai to panāktu, aktierim ir jāstrādā pie sava uzlabošanas iekšējais Un ārējā tehnoloģija.

Uzdevums iekšējais paņēmieni ir aktiera pašsajūtas apgūšana: uzmanība, muskuļu brīvība, ticība piedāvātajiem apstākļiem, fakta izvērtēšana, ritma izjūta, gatavība darboties, komunikācija.

Uzdevums ārējā paņēmieni: padarīt aktiera ķermeni elastīgu iekšējam impulsam, balss attīstība, plastiskā kultūra, ritma izjūta.

Pamata sadaļas Staņislavska sistēmas:

aktiera darbs pie sevis

aktiera darbs pie lomas

ētika(mācība par radošo disciplīnu)

IV. Apmaiņa II nodaļas ietvaros. Dzīvei nepieciešamās lietas un greznība

Literāro tekstu analīze kā runas izteiksmes līdzekļu apguves veids

Datoru apmācības režīmi

Teatralizācijas jēdziens, zīmes un līdzekļi

Vārds "teatralizēšana" cēlies no vārda "teātris". Teatralizēt kluba pasākums nozīmē to pielīdzināt teātra izrādei, kurā dažādu izteiksmīgo līdzekļu sintēzi pārstāv skatuves (verbālā) darbība, muzikālais noformējums, gaisma, troksnis, rekvizīti, rekvizīti, kostīmi, vizuālā noformējuma elementi, grims, dejas.

Tāda pati aina vērojama sarežģītos kluba pasākumos. Visi iepriekš minētie līdzekļi tiek izmantoti tematiskajos vakaros, izrādēs, izrādēs, teātra koncertos, literāros un muzikālos skaņdarbos, koncertos un izrādēs.

Kultūras un atpūtas pasākumu teātra formām ir vairākas zīmes.

1. Plaši izplatīta teātra izteiksmes izmantošana. Fakts ir tāds, ka tie paši izteiksmes līdzekļi (mūzika, vārds, dokuments, fakts) vienā gadījumā tiek izmantoti kā ilustrācija stāstam par izvēlētu tēmu (piemēram, mūzika izklausās kā ilustrācija pēc stāsta par komponista darbu lekcija, saruna), citā gadījumā tie darbojas kā vienādi posmi vienā ķēdē. Tas nozīmē, ka kluba pasākumā gan dokumentam, gan mākslinieciskajam attēlam ir vienāda nozīme.

2. Organiska dokumentālā un mākslas materiāls . Taču kluba pasākums, kas atbilst šiem diviem kritērijiem, vēl nevar tikt uzskatīts par pilnībā teatrālu, ja kāda tā daļa, epizode vai fragments tiek pakļauts “teatralizēšanai”. Piemēram, vakarā tiek teatralizēta tikai “viesu tikšanās” vai svētku koncerts, kurā izmantoti dažādu skatuves žanru numuri.

3. Teātra pasākuma galvenā iezīme ir dramaturģijas likumiem atbilstošs kompozicionālais risinājums . Kompozīcijas risinājuma elementi ir: - prologs, sižets, notikumu ķēde, no kurām viena ir kulminācija un beigas. Teātra notikuma kompozicionālajā struktūrā ir skaidri izstrādāta epizožu un fragmentu sistēma. Kluba pasākumā vienā vai otrā veidā konflikts ir, bet ne tik skaidri izteikts kā teātra izrādē. Piemēram, svētkos “Ardievas no ziemas” notiek konflikts - pavasara cīņa ar ziemu.

Tāpēc teātra kluba pasākuma sagatavošana un vadīšana ir:

- veidot to kompozicionāli, - panākt dokumentālā un figurālā materiāla organisku vienotību, - iemiesot to ar visiem nepieciešamajiem teātra izteiksmes līdzekļiem.

"Teatralizēšanas" līdzekļi.

1. Mūzika. Ar mūzikas darbiem vai to fragmentiem sastopamies svētkos, masu svētkos, karnevālos, skatēs un citās teātra programmās. Mūzika var būt ceļvedis laikā un telpā. Tas var radīt vēlamo emocionālo noskaņu gan pirms pasākuma, gan tā laikā, tam var būt neatkarīga nozīme vai kalpot kā fons skatuves darbībai.

2. Filma– spēlfilmas un dokumentālās filmas vai to fragmenti, daiļliteratūra, animācija, nopietna un komēdiska, profesionāla un amatieru – var izmantot kā izteiksmes līdzekli. Paņēmiens, kā klubu vakarā parādās uz skatuves no ekrāna tiem, par kuriem mēs runājam, ir plaši pazīstams.

3. Daiļliteratūra. Literāram darbam vai tā fragmentam ir liela nozīme skaņdarbā, un tas var būt prologs, sižets, sakarības starp epizodēm vai beigu daļa. Tas var būt gan poētisks, gan prozas materiāls.

4. Māksliniecisks vārds– nes galveno semantisko slodzi teātra izrādē. To var veikt viens lasītājs (vadītājs) vai grupa. Vienkāršākais piemērs ir dzejas vai prozas lasīšana mūzikas pavadībā. Lasīšanu var pavadīt ar pantomīmu, deju vai filmas fragmentiem.

5. Gleznotājs b ir nepieciešams jebkuras teātra izrādes elements, tas veicina pasākumā notiekošā (portreti, dekorācijas elementi - mājas, ielas, koki, cietuma kameras utt.) redzamību un autentiskumu. Glezniecība “strādā” efektīvi, ja tās eksponēšanu pavada labi izvēlēta mūzika vai mākslinieciski vārdi.

6. Pantomīma ir darbība bez vārdiem. To var papildināt ar mūziku, īpaši atlasītām skaņām, kas simbolizē, piemēram, sirdspukstus, kāda darba mehānisma ritmu u.c. Ar pantomīmas palīdzību var parādīt mierīgu jūru un tuvojošos vētru, vēju vai ziedošu ziedu. Viss atkarīgs no režisora ​​iztēles un izpildītāju meistarības. Pantomīmas dalībnieku tērpi ir stilizēti vai vienoti, taču tie var būt arī parasti teatrāli.

7. Dejot. Visu veidu dejas ir izplatītas klubu praksē. Dejas kā izteiksmes līdzekļa iespējas neaprobežojas tikai ar konkrētas idejas vai ar citiem līdzekļiem jau izteiktas idejas ilustrēšanu. Deja var kļūt par pilnvērtīgu visa teātra izrādes sižeta elementu.

8. Teātra māksla - savā veidā sintezē mūziku, deju, māksliniecisko izteiksmi, literāros darbus un pantomīmu. Kluba teātra izrādē tiek izmantota nevis visa izrāde, bet atsevišķi tās fragmenti. Tāpēc var runāt par mazām teātra formām – prozas vai poētisku darbu dramatizācijām, vai pat dokumentiem. Veiksmīgi tiek izmantotas izrādes ar lellēm, ēnu teātra tehnikas, operas izrāžu fragmenti, operetes. Galvenais, lai šis materiāls organiski iekļaujas notikuma kontekstā.

9. Mākslinieciskā un dokumentālā fotogrāfija. Veiksmīgi atrasta fotogrāfija teātra izrādes ietvaros var tikt eksponēta tik ilgi, cik to prasa teksts, mūzika vai darbība.

10. Popa un cirka māksla tiek izmantota kā emocionālas ietekmes līdzeklis. Scenārijs ietver smieklīgus ekscentriskus skaitļus, jokus, humoru, izklaidi, burvju trikus, komiskas dejas, reprīzes, kupletus un parodijas.

11. Spēle- ir arī līdzeklis, ar kuru tiek veidota teatrāla masu akcija. Šajā gadījumā spēle tiek aplūkota nevis no teātra notikuma būtības viedokļa (svētki, teātra sacensības), bet gan no tās organizēšanas viedokļa pedagoģiskā aspektā, īpaši, organizējot bērnu teātra pasākumus. Spēļu aktivitātes var būt daļa no brīvā laika vai darboties kā īpašs masu darba veids. Masu pasākumā spēle tiek izmantota kā efektīvs līdzeklis cilvēku iesaistīšanai masu teatrālā akcijā, ar savu izklaidi izraisot emocionālu pārdzīvojumu, radot nepieciešamo svētku noskaņu. Teātra spēles darbība var kļūt par aktīvu jebkura teātra notikuma sastāvdaļu un lielā mērā veicināt tā panākumus.

Tādējādi visas mākslas formas un žanri ir praktiski pielietojami teātra kultūras un atpūtas pasākumos.

Marija Aleksandrovna Kaliberova
"Izteiksmīgi teātra izrādes līdzekļi"

Raksturlielumi teātra spēles:

To satura literārais vai folkloriskais pamats;

Skatītāju pieejamība

Divas galvenās grupas teātra spēles:

Dramatizējumi

Režisors

Dramatizācijas spēlēs bērns, spēlējot lomu kā "mākslinieks", patstāvīgi izveido attēlu, izmantojot kompleksu līdzekļus verbāls un neverbāls izteiksmīgums.

Dramatizējumu veidi:

Spēles, kas atdarina dzīvnieku, cilvēku, literāru tēlu tēlus;

Uz teksta balstīti lomu spēles dialogi;

Darbu iestudēšana;

Izrādes, kuru pamatā ir viens vai vairāki darbi;

Improvizācijas spēles ar sižeta izspēlēšanu (vai vairāki stāsti) bez iepriekšējas sagatavošanās.

Režisora ​​spēlē "mākslinieki" ir rotaļlietas vai to aizstājēji, un bērns, organizē tādas aktivitātes kā"scenārists un režisors", vadības ierīces "mākslinieki". "balsošana" rakstzīmes un komentējot sižetu, viņš izmanto dažādus verbālās izteiksmes līdzekļi.

Režisoru spēļu veidi:

Darbvirsma;

Plakans;

Apjoms;

Lelle (bibabo, pirksts, lelles);

Publikācijas par šo tēmu:

Bērna attīstība teātra aktivitātēs“Teātris ir maģiska pasaule, tā sniedz skaistuma, morāles un ētikas mācības. Un jo bagātāki viņi ir, jo veiksmīgāka ir garīgās pasaules attīstība.

Magnētiskais galds izmantošanai teātra aktivitātēs gan skolotājam, gan bērnu patstāvīgajās aktivitātēs Mērķi un ieguvumi: Izveidot.

Seminārs par teātra aktivitātēm Meistarklase notiek teātra aktivitātes Grjakolova Irina Aleksandrovna Mērķis: Radošo spēju attīstīšanas pieredzes prezentācija.

GCD par teātra aktivitātēm vecākajā grupā. Tēma: “Teātris bērnu dzīvē”. Programmas saturs: - iesaistīt vecākus kopīgās aktivitātēs; - mudināt bērnus aktīvi piedalīties.

“Zajuškina būda” ir trokšņaina pasaka. Sastādījis MADOU d/s No 1 mūzikas direktors Art. Pavlovskaja, Krasnodaras apgabals Ševčenko Jekaterina.

Bērnu rotaļu aktivitātes palielināšanas veidi un līdzekļi Raksts par tēmu: Bērnu rotaļdarbības līmeņa paaugstināšanas veidi un līdzekļi Rotaļdarbības attīstībai ir nepieciešams, lai bērni...

Teātra darbības attīstība pirmsskolas izglītības iestādēs Mērķis: izraisīt interesi un vēlmi pēc teātra izrādes. Mērķi: 1. Bagātināt sakarīgas runas attīstību plāna formulēšanas procesā.

“Pirmkārt, bērnudārzam ir jānodrošina vairāk prieka lai atmiņas par viņu saistās ar domu par kaut ko spilgtu. N.K.