- Renesanses mūzika
Mākslas un zinātnes atdzimšana XIV-XVI gs. bija lielu pārmaiņu laikmets, kas iezīmēja pāreju no viduslaiku dzīvesveida uz modernitāti. Īpašu nozīmi šajā periodā ieguva mūzikas komponēšana un atskaņošana. Humānisti, kas pētīja Grieķijas un Romas senās kultūras, pasludināja mūzikas komponēšanu par lietderīgu un cēlu nodarbi. Tika uzskatīts, ka katram bērnam jāiemācās dziedāt un apgūt mūzikas instrumentu spēli. Šī iemesla dēļ ievērojamas ģimenes uzņēma mūziķus savās mājās, lai sniegtu nodarbības saviem bērniem un izklaidētu viesus.
Renesanses mūzikas estētiku komponisti un teorētiķi attīstīja tikpat intensīvi kā citus mākslas veidus. Galu galā, tāpat kā Džovanni Bokačo uzskatīja, ka Dante ar savu darbu veicināja mūzu atgriešanos un iedvesa dzīvību mirušajai dzejai, tāpat kā Džordžo Vasari runāja par mākslas atdzimšanu, tā Džozefo Zarlino rakstīja savā traktātā “Iestādes. Harmony” (1588):
“Tomēr, vai tas ir mānīga laika vai cilvēka nolaidības dēļ, cilvēki sāka maz vērtēt ne tikai mūziku, bet arī citas zinātnes. Un pacelta līdz lielākajiem augstumiem, viņa nokrita līdz galēji zemam; un pēc tam, kad viņai tika piešķirts nedzirdēts gods, viņi sāka viņu uzskatīt par nožēlojamu, nenozīmīgu un tik maz cienītu, ka pat izglītoti cilvēki viņu tik tikko atpazina un negribēja viņai atdot.
13.-14.gadsimta mijā Parīzē tika izdots mūzikas meistara Džona de Groē traktāts “Mūzika”, kurā viņš kritiski pārskatīja viduslaiku priekšstatus par mūziku. Viņš rakstīja: “Tie, kas sliecas stāstīt pasakas, teica, ka mūziku izgudroja mūzas, kas dzīvoja pie ūdens. Citi teica, ka to izgudroja svētie un pravieši. Taču Boēcijs, nozīmīgs un cēls cilvēks, turas citādos uzskatos... Viņš savā grāmatā stāsta, ka mūzikas aizsākumu atklājis Pitagors. Cilvēki dziedāja it kā jau no paša sākuma, jo mūzika viņiem bija iedzimta pēc būtības, kā apgalvo Platons un Boēcijs, bet dziedāšanas un mūzikas pamati nebija zināmi līdz Pitagora laikiem...”
Tomēr Džons de Groheo nepiekrīt mūzikas iedalījumam trīs Boetija un viņa sekotāju veidos: pasaules mūzika, cilvēku mūzika, instrumentālā mūzika, jo kustību radītā harmonija. debess ķermeņi, neviens pat nedzirdēja eņģeļu dziedāšanu; Kopumā “mūziķa uzdevums nav interpretēt eņģeļu dziedāšanu, ja vien viņš nav teologs vai pravietis”.
“Tātad teiksim, ka mūzikas strāvu parīziešu vidū acīmredzot var samazināt līdz trim galvenajām daļām. Viena sadaļa ir vienkārša jeb civilā (civilis) mūzika, ko saucam arī par folku; otrs ir sarežģīta mūzika (sacerēta - composita), vai pareiza (apgūta - regularis), vai kanoniskā, ko sauc par mensurālu. Un trešā sadaļa, kas izriet no abām iepriekšminētajām un kurā tie abi apvienoti kaut kā labākā, ir baznīcas mūzika, kas paredzēta, lai slavētu radītāju."
Džons de Grohe apsteidza savu laiku un viņam nebija sekotāju. Mūzika, tāpat kā dzeja un glezniecība, jaunas kvalitātes ieguva tikai 15. un īpaši 16. gadsimtā, ko pavadīja arvien jaunu mūzikas traktātu parādīšanās.
Glereans (1488 - 1563), esejas par mūziku “Divpadsmit stīgu cilvēks” (1547) autors, dzimis Šveicē, studējis Ķelnes universitātes mākslas fakultātē. Brīvo mākslu maģistrs Bāzelē nodarbojas ar dzejas, mūzikas, matemātikas, grieķu un latīņu valodas mācīšanu, kas runā par laikmeta aktuālajām interesēm. Šeit viņš sadraudzējās ar Roterdamas Erasmu.
Mūzikai, it īpaši baznīcas mūzikai, Glereans pieiet līdzīgi kā mākslinieki, kuri turpināja gleznot gleznas un freskas baznīcās, proti, mūzikai, tāpat kā glezniecībai, ārpus reliģiskās didaktikas un refleksijas pirmām kārtām jāsniedz bauda, jābūt “mātei prieks.”
Glereans pamato monodiskās mūzikas priekšrocības pret polifoniju, savukārt viņš runā par divu veidu mūziķiem: fonosiem un simfonistiem: pirmajiem ir dabiska tieksme komponēt melodiju, otrajiem - izstrādāt melodiju divām, trim vai vairākām balsīm.
Glereans līdzās mūzikas teorijas attīstīšanai aplūko arī mūzikas vēsturi, tās attīstību, kā izrādās, renesanses ietvaros, pilnībā ignorējot viduslaiku mūziku. Viņš pamato ideju par mūzikas un dzejas, instrumentālā izpildījuma un teksta vienotību. Mūzikas teorijas attīstībā Glereans, izmantojot divpadsmit toņus, leģitimizēja Eolijas un Jonijas režīmus, tādējādi teorētiski pamatojot mažora un minora jēdzienus.
Glereans neaprobežojas tikai ar mūzikas teorijas attīstību, bet apskata mūsdienu komponistu Žoskīna Desprē, Obrehta, Pjēra de la Rū daiļradi. Viņš ar mīlestību un sajūsmu runā par Žoskīnu Desprē, tāpat kā Vasari par Mikelandželo.
Gioseffo Zarlino (1517 - 1590), ar kura teikto mēs jau pazīstami, 20 gadus pievienojās franciskāņu ordenim Venēcijā ar tā muzikālajiem koncertiem un glezniecības uzplaukumu, kas pamodināja viņa aicinājumu kā mūziķim, komponistam un mūzikas teorētiķim. 1565. gadā viņš vadīja kapelu Sv. Zīmols. Tiek uzskatīts, ka esejā “Saskaņas nodibināšana” Zarlino pamatprincipus izteica klasiskā formā. mūzikas estētika Renesanse.
Zarlino, kurš runāja par mūzikas norietu, protams, viduslaikos, attīstot savu mācību par mūzikas harmonijas būtību, paļaujas uz seno estētiku. “Cik daudz mūzika tika slavēta un cienīta kā svēta, skaidri liecina filozofu un it īpaši pitagoriešu raksti, jo viņi uzskatīja, ka pasaule ir radīta saskaņā ar mūzikas likumiem, ka sfēru kustība ir harmonijas cēlonis un ka mūsu dvēsele tiek veidota saskaņā ar tiem pašiem likumiem, mostas no dziesmām un skaņām, un šķiet, ka tām ir dzīvības spēks uz tās īpašībām.
Zarlino sliecas uzskatīt mūziku par galveno brīvo mākslu vidū, jo Leonardo da Vinči paaugstināja glezniecību. Bet šī aizraušanās ar noteiktiem mākslas veidiem nedrīkst mūs mulsināt, jo mēs runājam par harmoniju kā visaptverošu estētisku kategoriju.
"Un, ja pasaules dvēsele (kā daži domā) ir harmonija, vai mūsu dvēsele nevar būt visas harmonijas cēlonis mūsos un mūsu ķermenis nevar būt harmonijā savienots ar dvēseli, it īpaši, kad Dievs radīja cilvēku pēc līdzības. lielāka pasaule, ko grieķi sauca par kosmosu, tas ir, rotājumu vai rotājumu, un, kad viņš radīja mazāka tilpuma izskatu, atšķirībā no tā, ko sauc par mikrokosmosu, tas ir mazā pasaule? Ir skaidrs, ka šāds pieņēmums nav bez pamata.
Pie Tsarlino Kristīgā teoloģija pārvēršas antīkā estētikā. Ideja par mikro- un makrokosmosa vienotību viņā rada citu ideju - par pasaules objektīvās harmonijas un cilvēka dvēselei raksturīgās subjektīvās harmonijas samērīgumu. Izceļot mūziku kā galveno brīvo mākslu, Zarlino runā par mūzikas un dzejas vienotību, mūzikas un teksta, melodijas un vārdu vienotību. Tam tiek pievienota "vēsture", kas paredz vai attaisno operas izcelsmi. Un, ja būs deja, kā tas notiks Parīzē, mēs redzēsim baleta dzimšanu.
Tiek uzskatīts, ka tieši Zarlino piešķīra mažora un minora estētiskās īpašības, definējot lielo triādi kā priecīgu un gaišu, bet minoro kā skumju un melanholisku. Viņš arī definē kontrapunktu kā "harmonisku veselumu, kas satur dažādas izmaiņas skaņās vai dziedāšanas balsīs noteiktā korelācijas modelī un ar noteiktu laika mēru, vai arī to, ka tā ir dažādu skaņu mākslīga kombinācija, kas ir saskaņota."
Džozeffo Zarlino, tāpat kā Ticiāns, ar kuru viņš bija saistīts, ieguva plašu slavu un tika ievēlēts par Venēcijas slavas akadēmijas locekli. Estētika noskaidro situāciju mūzikā renesanses laikā. Dibinātājs Venēcijas skola mūzika bija Adrian Willaert (starp 1480/90 - 1568), holandiešu pēc dzimšanas. Tsarlino kopā ar viņu mācījās mūziku. Venēcijas mūzika, tāpat kā glezniecība, izcēlās ar bagātīgu skaņu paleti, kas drīz vien ieguva baroka iezīmes.
Līdzās Venēcijas skolai lielākā un ietekmīgākā bija romiešu un florenciešu skola. Romas skolas vadītājs bija Džovanni Palestrīna (1525 - 1594).
Dzejnieku, zinātnieku humānisma zinātnieku, mūziķu un mūzikas mīļotāju kopienu Florencē sauc par Camerata. To vadīja Vincenco Galilejs (1533 - 1591). Domājot par mūzikas un dzejas vienotību un vienlaikus ar teātri, ar darbību uz skatuves, Camerata dalībnieki radīja jaunu žanru - operu.
Par pirmajām operām tiek uzskatītas J. Peri “Dafne” (1597) un “Euridike” pēc Rinučīni tekstiem (1600). Šeit tika veikta pāreja no polifoniskā stila uz homofonisko. Šeit pirmo reizi tika atskaņota oratorija un kantāte.
15. - 16. gadsimta Nīderlandes mūzika ir bagāta ar izcilu komponistu vārdiem, tostarp Žoskinu Desprē (1440 - 1524), par kuru rakstīja Zarlino un kurš kalpoja franču galmā, kur attīstījās franču-flāmu skola. Tiek uzskatīts, ka augstākais nīderlandiešu mūziķu sasniegums bija kora mesa a capella, kas atbilst gotisko katedrāļu augšupejošajam virzienam.
Vācijā attīstās ērģeļmāksla. Francijā galmā tika izveidotas kapelas un rīkoti muzikāli festivāli. 1581. gadā Henrijs III galmā iedibināja "galvenā mūzikas intendanta" amatu. Pirmais "mūzikas galvenais intendants" bija itāļu vijolnieks Baltazarini de Belgioso, kurš iestudēja "Karalienes komēdiju baletu" - izrādi, kurā mūzika un deja pirmo reizi tika pasniegta kā skatuves darbība. Tā radās galma balets.
Viens no daudzbalsīgo dziesmu žanra radītājiem ir izcilais franču renesanses laika komponists Klements Žanekēns (ap 1475. g. - ap 1560.). Tie ir 4-5 balsu darbi, piemēram, fantāzijas dziesmas. Laicīgā polifoniskā dziesma - šansons - kļuva plaši izplatīta ārpus Francijas.
Renesanses laikā instrumentālā mūzika attīstījās plaši. Starp galvenajiem mūzikas instrumentiem ir lauta, arfa, flauta, oboja, trompete, dažāda veida ērģeles (pozitīvās, pārnēsājamās), klavesīna šķirnes; vijole bija tautas instruments, taču ar jaunu stīgu attīstību loka instrumenti Tāpat kā vijole, arī vijole kļūst par vienu no vadošajiem mūzikas instrumentiem.
Ja jaunā laikmeta mentalitāte vispirms atmostas dzejā un saņem spožu attīstību arhitektūrā un glezniecībā, tad mūzika, sākot no plkst. tautasdziesma, caurstrāvo visas dzīves jomas. Pat baznīcas mūzika tagad tiek uztverta lielākā mērā kā mākslinieku gleznas par Bībeles tēmām, nevis kā kaut kas sakrāls, bet gan tas, kas sagādā prieku un baudu, par ko rūpējās paši komponisti, mūziķi un kori.
Vārdu sakot, tāpat kā dzejā, glezniecībā, arhitektūrā notika pavērsiens mūzikas attīstībā, attīstoties mūzikas estētikai un teorijai, radot jaunus žanrus, īpaši sintētiskos mākslas veidus, piemēram, operas un balets, kas jāuztver kā renesanse, pārraidīts gadsimtiem ilgi. Renesanses mūzika arhitektūrā skan kā daļu un veseluma harmonija, ierakstīta gan dabā, gan piļu interjeros, gan gleznās, kurās vienmēr redzam kādu performanci, apturētu epizodi, kad balsis apklusa, un varoņi visi klausījās izbalējušajā melodijā, kuru mēs it kā es varētu dzirdēt...
- Mūzikas instrumenti
Ilgu laiku viola skaņa tika uzskatīta par mūzikas izsmalcinātības paraugu. Altu saimē ir trīs galvenie veidi. Viola da gamba ir liels instruments, ko izpildītājs novieto vertikāli un spiež no sāniem ar kājām (itāļu vārds gamba nozīmē “ceļgals”). Divas citas šķirnes - viola da braccio (no itāļu braccio - "apakšdelms") un viol d'amour (franču viole d'amour - "mīlestības alts") bija orientētas horizontāli, un spēlējot tās tika piespiestas pie pleca. Viola da gamba skaņas diapazonā ir tuvu čellam, viola da braccio ir tuvu vijolei, un viol d'amour ir tuvu altam.
Starp renesanses noplūktajiem instrumentiem galveno vietu ieņem lauta (poļu lutnia, no arābu “alud” - “koks”). Eiropā tas no Tuvajiem Austrumiem nonāca 14. gadsimta beigās, un 16. gadsimta sākumā šim instrumentam bija milzīgs repertuārs; Vispirms tika dziedātas dziesmas lautas pavadījumā. Lautai ir īss korpuss; augšējā daļa ir plakana, un apakšējā daļa atgādina puslodi. Plašajam kaklam ir piestiprināts kakls, kas sadalīts ar spraugām, un instrumenta galva ir noliekta atpakaļ gandrīz taisnā leņķī. Ja vēlaties, lautas izskatā var redzēt līdzību ar bļodu. Divpadsmit stīgas ir sagrupētas pa pāriem, un skaņa tiek radīta gan ar pirkstiem, gan ar speciālu plāksni – mediatoru.
15.-16.gadsimtā radās dažāda veida klaviatūras. Galvenie šādu instrumentu veidi - klavesīns, klavihords, cimbols, virginelis - tika aktīvi izmantoti Renesanses mūzikā, taču to īstā uzplaukums iestājās vēlāk.
- Populāri instrumenti
Tolaik daudziem ļoti patika spēlēt blokflautas, flautas un mežragu. Sarežģītākā mūzika tika rakstīta jaunradītajam klavesīnam, virginel (angļu klavesīns, ko raksturo mazs izmērs) un ērģelēm. Tajā pašā laikā mūziķi neaizmirsa sacerēt vienkāršāku mūziku, kurai nebija nepieciešamas augstas izpildītājspējas. Tajā pašā laikā muzikālajā rakstniecībā notika izmaiņas: smagos koka apdrukas blokus nomainīja itālieša Ottaviano Petruči izgudrotie metāla tipi. Publicētie mūzikas darbi ātri izpārdoti, visi vairāk cilvēku sāka iesaistīties mūzikā.
16. gadsimtā parādījās jauni mūzikas instrumenti. Vispopulārākās bija tās, kuras mūzikas cienītājiem bija viegli un vienkārši atskaņot, neprasot nekādas īpašas prasmes.
Visizplatītākie bija alti un ar tiem saistīti plūktie ziedi. Alts bija vijoles priekštecis, un to bija viegli spēlēt, pateicoties spraugām (koka sloksnēm pāri kaklam), kas palīdzēja trāpīt pareizās notis. Alta skaņa bija klusa, bet mazās zālēs tā skanēja labi. Viņi dziedāja, kā tagad ar ģitāru, cita, sagrauzta plukšanas instrumenta - lautas - pavadījumā.
Tolaik daudziem ļoti patika spēlēt blokflautas, flautas un mežragu. Sarežģītākā mūzika tika rakstīta jaunradītajam klavesīnam, virginel (angļu klavesīns, ko raksturo mazs izmērs) un ērģelēm. Tajā pašā laikā mūziķi neaizmirsa sacerēt vienkāršāku mūziku, kurai nebija nepieciešamas augstas izpildītājspējas. Tajā pašā laikā muzikālajā rakstniecībā notika izmaiņas: smagos koka apdrukas blokus nomainīja itālieša Ottaviano Petruči izgudrotie metāla tipi. Publicētie mūzikas darbi ātri izpārdoti, un arvien vairāk cilvēku sāka iesaistīties mūzikā.
- Īss laikmeta apraksts pa valstīm
Nīderlande ir vēsturisks reģions Eiropas ziemeļrietumos, kas ietver mūsdienu Beļģijas, Holandes, Luksemburgas un Francijas ziemeļaustrumu teritorijas. Līdz 15. gadsimtam Nīderlande ir sasniegusi augstu ekonomikas un kultūras līmeni un kļuvusi par pārtikušu Eiropas valsti.
Tieši šeit radās holandiešu polifoniskā skola - viena no lielākajām parādībām renesanses mūzikā. Mākslas attīstībai 15. gadsimtā saziņa starp mūziķiem no dažādās valstīs, radošo skolu savstarpējā ietekme. Holandiešu skola pārņēma Itālijas, Francijas, Anglijas un Nīderlandes tradīcijas.
Tās izcilākie pārstāvji: Gijoms Dufē (1400-1474) (Dufay) (apmēram 1400.g. - 1474.11.27., Kambrai), franču-flāmu komponists, viens no holandiešu skolas dibinātājiem. Polifoniskās tradīcijas pamatus holandiešu mūzikā lika Gijoms Dufejs (aptuveni 1400. - 1474.). Viņš dzimis Kambrai pilsētā Flandrijā (provincē Nīderlandes dienvidos) un jau no agras bērnības dziedāja baznīcas korī. Tajā pašā laikā topošais mūziķis apmeklēja privātās kompozīcijas nodarbības. Jaunībā Dufejs devās uz Itāliju, kur uzrakstīja savus pirmos skaņdarbus - balādes un motetes. 1428.-1437.gadā viņš kalpoja kā dziedātājs Romas pāvesta kapelā; Tajos pašos gados viņš devās uz Itāliju un Franciju. 1437. gadā komponists tika ordinēts. Savojas hercoga galmā (1437-1439) viņš komponēja mūziku ceremonijām un svētkiem. Dufejs izbaudīja lielu muižnieku cieņu – viņa cienītāju vidū bija, piemēram, Mediči pāris (Itālijas pilsētas Florences valdnieki). [Strādājis Itālijā un Francijā. 1428-37 bija pāvesta kapelu dziedātājs Romā un citās Itālijas pilsētās, bet 1437-44 kalpoja pie Savojas hercoga. Kopš 1445. gada kanoniķis un muzikālo darbību vadītājs Kambrai katedrālē. Sakrālās (3, 4 balsu mesas, motetes), kā arī laicīgās (3, 4 balsu franču šansonu) meistars, Itāļu dziesmas, balādes, rondo) žanri, kas saistīti ar tautas polifoniju un renesanses humānisma kultūru. Dānijas mākslai, kas absorbēja Eiropas mūzikas mākslas sasniegumus, bija liela ietekme uz Eiropas polifoniskās mūzikas tālāko attīstību. Viņš bija arī nošu rakstīšanas reformators (D. tiek uzskatīts par nošu ieviešanu ar baltām galvām). Pilni D. darbi tika publicēti Romā (6 sēj., 1951-66).] Dufejs bija pirmais komponistu vidū, kurš sāka komponēt mesu kā neatņemamu mūzikas skaņdarbu. Lai radītu baznīcas mūziku, ir vajadzīgs neparasts talants: spēja izteikt abstraktus, nemateriālus jēdzienus ar konkrētiem, materiāliem līdzekļiem. Grūtības ir tādas, ka šāds skaņdarbs, no vienas puses, neatstāj klausītāju vienaldzīgu, no otras puses, nenovērš uzmanību no dievkalpojuma un palīdz dziļāk koncentrēties uz lūgšanu. Daudzas Dufeja masas ir iedvesmotas, pilnas ar iekšējo dzīvi; šķiet, ka tie uz brīdi palīdz pacelt Dievišķās atklāsmes plīvuru.
Bieži vien, veidojot mesu, Dufejs paņēma kādu labi zināmu melodiju, kurai pievienoja savu. Šādi aizguvumi ir raksturīgi renesansei. Tika uzskatīts, ka ļoti svarīgi, lai mesa būtu balstīta uz pazīstamu melodiju, ko pielūdzēji varētu viegli atpazīt pat polifoniskā darbā. Bieži tika izmantots gregoriskā dziedājuma fragments; Nebija izslēgti arī laicīgie darbi.
Papildus baznīcas mūzikai Dufejs komponēja motetes, kuru pamatā bija laicīgi teksti. Tajās viņš izmantoja arī sarežģītu polifonisko tehniku.
Žokvins Desprē (1440-1521). 15. gadsimta otrās puses holandiešu polifoniskās skolas pārstāvis. Bija Joskins Desprē (ap 1440-1521 vai 1524), kuram bija liela ietekme uz nākamās paaudzes komponistu daiļradi. Jaunībā viņš kalpoja par baznīcas kormeistaru Kambrajā; paņēma mūzikas nodarbības pie Okegem. Divdesmit gadu vecumā jaunais mūziķis ieradās Itālijā, dziedāja Milānā pie Sforcas hercogiem (vēlāk šeit kalpoja izcilais itāļu mākslinieks Leonardo da Vinči) un Romas pāvesta kapelā. Itālijā Desprē, iespējams, sāka komponēt mūziku. Pašā 16. gadsimta sākumā. gadā viņš pārcēlās uz Parīzi. Līdz tam laikam Desprē jau bija slavens, un Francijas karalis Luijs XII viņu uzaicināja galma mūziķa amatā. No 1503. gada Desprē atkal apmetās uz dzīvi Itālijā, Ferāras pilsētā, hercoga d'Este galmā, daudz komponēja, un viņa mūzika ātri vien guva atzinību visplašākajās aprindās: to iemīļoja gan muižniecība, gan muižniecība. parastie ļaudis Komponists radīja ne tikai baznīcas darbus, bet arī laicīgos, jo īpaši viņš pievērsās itāļu tautasdziesmas žanram - frottola (itāļu frottola, no frotta - “pūlis”), kam raksturīgs dejas ritms un. ātrs temps ieviesa baznīcas mūzikā laicīgo darbu iezīmes: svaiga, dzīvespriecīga intonācija lauza dzīvesprieku un dzīves pilnības sajūtu. bet tas ir viņa darbu popularitātes noslēpums.
Johanness Okegems (1430-1495), Jēkabs Obrehts (1450-1505). Gijoma Dufeja jaunākie laikabiedri bija Johanness (Žans) Okeghems (apmēram 1425-1497) un Jēkabs Obrehts. Tāpat kā Dufejs, arī Okegems bija no Flandrijas. Viņš visu mūžu smagi strādāja; Papildus mūzikas komponēšanai viņš bija kapelas vadītājs. Komponists radīja piecpadsmit mesas, trīspadsmit motetes un vairāk nekā divdesmit šansonus. Okegema darbus raksturo stingrība, koncentrēšanās un ilgstoša vienmērīgu melodisku līniju attīstība. Viņš lielu uzmanību pievērsa polifoniskajai tehnikai, tiecoties, lai visas masas daļas tiktu uztvertas kā vienots veselums. Komponista daiļrades stils ir manāms arī viņa dziesmās - tajās gandrīz nav laicīgā viegluma, raksturā tās vairāk atgādina motetes, dažkārt arī masu fragmentus. Johanness Okegems tika cienīts gan dzimtenē, gan ārzemēs (viņš tika iecelts par Francijas karaļa padomnieku). Jēkabs Obrehts bija kormeistars dažādu Nīderlandes pilsētu katedrālēs, vadīja kapelas; Viņš vairākus gadus kalpoja Hercoga d'Este galmā Ferrārā (Itālija). Viņš ir divdesmit piecu mesu, divdesmit motešu, trīsdesmit šansonu autors, izmantojot savu priekšgājēju sasniegumus Polifoniskā tradīcija Viņa mūzika ir kontrastu pilna, drosmīga pat tad, kad komponists pievēršas tradicionālajiem baznīcas žanriem.
Orlando Lasso radošuma daudzpusība un dziļums. Nīderlandes renesanses mūzikas vēsturi noslēdz Orlando Laso (īstajā vārdā Rolands de Laso, ap 1532-1594) daiļradi, ko viņa laikabiedri dēvēja par “Beļģijas Orfeju” un “Mūzikas princi”. Lasso dzimis Monsā (Flandrija). Kopš bērnības viņš dziedāja baznīcas korī, brīnišķīgi draudzes locekļi ar savu brīnišķīgo balsi. Itālijas pilsētas Mantujas hercogs Gonzaga nejauši izdzirdēja jauno dziedātāju un uzaicināja viņu uz savu kapelu. Pēc Mantujas Lasso īslaicīgi strādāja Neapolē un pēc tam pārcēlās uz Romu - tur viņš saņēma vienas katedrāles kapelas direktora amatu. Divdesmit piecu gadu vecumā Lasso jau bija pazīstams kā komponists, un viņa darbi bija pieprasīti mūzikas izdevēju vidū. 1555. gadā tika izdots pirmais darbu krājums, kurā bija motetes, madrigāli un šansoni. Lasso pētīja visu labāko, ko radījuši viņa priekšgājēji (nīderlandiešu, franču, vācu un itāļu komponisti), un izmantoja viņu pieredzi savā darbā. Būdams neparasts cilvēks, Laso centās pārvarēt baznīcas mūzikas abstrakto raksturu un piešķirt tai individualitāti. Šim nolūkam komponists dažkārt izmantoja žanriskus un sadzīves motīvus (tautas dziesmu, deju tēmas), tādējādi apvienojot baznīcas un laicīgās tradīcijas. Laso apvienoja polifoniskās tehnikas sarežģītību ar lielu emocionalitāti. Īpaši veiksmīgs viņam bija madrigāli, kuru teksti atklāja varoņu garīgo stāvokli, piemēram, “Sv. Pētera asaras” (1593) pēc itāļu dzejnieka Luidži Tranzilo dzejoļiem. Komponists bieži rakstīja lielam skaitam balsis (no piecām līdz septiņām), tāpēc viņa darbus ir grūti izpildīt.
Kopš 1556. gada Orlando Lasso dzīvoja Minhenē (Vācijā), kur vadīja kapelu. Dzīves beigās viņa autoritāte mūzikas un mākslas aprindās bija ļoti augsta, un viņa slava izplatījās visā Eiropā. Nīderlandes polifoniskajai skolai bija liela ietekme uz Eiropas mūzikas kultūras attīstību. Holandiešu komponistu izstrādātie polifonijas principi kļuva universāli, un daudzas mākslinieciskas tehnikas savā daiļradē izmantoja komponisti jau 20. gadsimtā.
Francija.
Francijai 15.-16. gadsimts kļuva par svarīgu pārmaiņu laikmetu: Simtgadu karš(1337-1453) ar Angliju, līdz 15. gadsimta beigām. tika pabeigta valsts apvienošanās; 16. gadsimtā valstī notika reliģiskie kari starp katoļiem un protestantiem. Spēcīgā stāvoklī ar absolūtā monarhija Palielinājās galma svētku un tautas svētku loma. Tas veicināja mākslas attīstību, jo īpaši mūziku, kas pavadīja šādus notikumus. Palielinājās vokālo un instrumentālo ansambļu (kapelu un konsortu) skaits, kas sastāvēja no ievērojama skaita izpildītāju. Militāro kampaņu laikā Itālijā franči iepazinās ar Itālijas kultūras sasniegumiem. Viņi dziļi izjuta un pieņēma itāļu renesanses idejas – humānismu, tieksmi pēc harmonijas ar apkārtējo pasauli, pēc dzīves baudīšanas.
Ja Itālijā muzikālā renesanse galvenokārt bija saistīta ar mesu, tad franču komponisti kopā ar baznīcas mūziku īpašu uzmanību veltīta laicīgajai daudzbalsīgajai dziesmai – šansonam. Interese par to Francijā radās 16. gadsimta pirmajā pusē, kad tika izdots Klementa Janekena (ap 1485-1558) muzikālo lugu krājums. Šis komponists tiek uzskatīts par vienu no žanra radītājiem.
Klēmenta Dženekena (1475-1560) nozīmīgākie kora programmas darbi. Bērnībā Janequin dziedāja baznīcas korī savā dzimtajā pilsētā Šatelero (Centrālā Francija). Pēc tam, kā iesaka mūzikas vēsturnieki, viņš mācījās pie holandiešu meistara Joskīna Desprē vai pie kāda komponista no viņa loka. Pēc priesterības saņemšanas Janequin strādāja par reģentu (kora vadītāju) un ērģelnieku; pēc tam viņu uzaicināja kalpot Gīza hercogs. 1555. gadā mūziķis kļuva par Karaliskās kapelas dziedātāju, bet 1556.-1557. - karaļa galma komponists. Klements Janekens radīja divsimt astoņdesmit šansonus (publicēts no 1530. līdz 1572. gadam); rakstīja baznīcas mūziku – mesas, motetes, psalmus. Viņa dziesmām bieži bija tēlains raksturs. Klausītāja prāta acu priekšā paiet kauju attēli ("Marinjāno kauja", "Rentas kauja", "Mecas kauja"), medību ainas ("Medības"), dabas attēli ("Putnu dziesma", "Lakstīgala"). ", "Cīrulis"), ikdienas ainas ("Sieviešu tērzēšana"). Ar pārsteidzošu skaidrību komponistam šansonā “Parīzes saucieni” izdevās nodot Parīzes ikdienas atmosfēru: viņš tekstā ieviesa pārdevēju izsaucienus (“Piens!” - “Pīrāgi!” - “Artišoki!” - "Zivis!" - "Sērkociņi!" - "Baloži") - "Vecas kurpes!" - "Vīns!"). Janequin gandrīz neizmantoja garas un gludas tēmas atsevišķām balsīm un sarežģītām polifoniskām metodēm, dodot priekšroku sarakstam, atkārtojumiem un onomatopoēijai.
Vēl viens franču mūzikas virziens ir saistīts ar visas Eiropas reformācijas kustību.
Dievkalpojumos franču protestanti (hugenoti) atteicās no latīņu valodas un polifonijas. Garīgā mūzika ir ieguvusi atvērtāku, demokrātiskāku raksturu. Viens no spilgtākajiem šīs mūzikas tradīcijas pārstāvjiem bija Klods Gudimels (no 1514. līdz 1520.-1572. gadam), psalmu autors uz Bībeles tekstiem un protestantu korāliem.
Šansons. Viens no galvenajiem franču renesanses mūzikas žanriem ir šansons (franču šansons - “dziesma”). Tās pirmsākumi meklējami tautas mākslā (atskaņoti episku pasaku pantiņi tika mūzikā), viduslaiku trubadūru un trouvēru mākslā. Satura un noskaņas ziņā šansons varēja būt ļoti daudzveidīgs - bija gan mīlas dziesmas, gan ikdienas dziesmas, gan humoristiskas dziesmas, gan satīriskas dziesmas utt. Komponisti kā tekstus ņēma tautas dzejoļus un mūsdienu dzeju.
Itālija.
Līdz ar renesanses iestāšanos Itālijā izplatījās ikdienas mūzika, kas skan uz dažādiem instrumentiem; radās mūzikas mīļotāju aprindas. Profesionālajā jomā izveidojās divas spēcīgākās skolas: romiešu un venēciešu.
Madrigals. Renesanses laikā pieauga laicīgo žanru loma. XIV gadsimtā. madrigāls parādījās itāļu mūzikā (no senlat. matricale - “dziesma dzimtajā valodā”). Tā veidojusies uz tautas (ganu)dziesmu pamata. Madrigals bija dziesmas divām vai trīs balsīm, bieži vien bez instrumentālā pavadījuma. Tie tika sarakstīti uz mūsdienu itāļu dzejnieku dzejoļiem, kuros tika runāts par mīlestību; Bija dziesmas par sadzīviskām un mitoloģiskām tēmām.
15. gadsimtā komponisti gandrīz nepievērsās šim žanram; interese par to atdzima tikai 16. gadsimtā. 16. gadsimta madrigālam raksturīga iezīme ir mūzikas un dzejas ciešā saikne. Mūzika elastīgi sekoja tekstam un atspoguļoja poētiskajā avotā aprakstītos notikumus. Laika gaitā izveidojās unikāli melodiski simboli, kas apzīmē maigas nopūtas, asaras u.c. Dažu komponistu darbos simbolika bija filozofiska, piemēram, Gesualdo di Venosa madrigālā “I Am Dying, Unfortunate” (1611).
Žanrs uzplauka 16.-17.gadsimta mijā. Reizēm vienlaikus ar dziesmas izpildījumu tika izspēlēts arī tās sižets. Madrigāls kļuva par pamatu madrigāla komēdijai (kora skaņdarbs pēc komēdijas lugas teksta), kas sagatavoja operas izskatu.
Romiešu polifoniskā skola. Džovanni de Palestrīna (1525-1594). Romas skolas vadītājs bija Džovanni Pjerluidži da Palestrīna, viens no izcilākajiem Renesanses laikmeta komponistiem. Viņš dzimis Itālijas pilsētā Palestrīnā, no kuras viņš saņēma savu uzvārdu. Kopš bērnības Palestrīna dziedāja baznīcas korī, un, sasniedzot pilngadību, tika uzaicināts uz diriģenta (kora vadītāja) amatu Sv. Pētera bazilikā Romā; vēlāk viņš kalpoja Siksta kapelā (pāvesta galma kapelā).
Roma, katolicisma centrs, piesaistīja daudzus vadošos mūziķus. IN dažādi laikiŠeit strādāja holandiešu polifonisti Gijoms Dufejs un Žoskīns Desprē. Viņu izstrādātā kompozīcijas tehnika dažkārt apgrūtināja dievkalpojuma teksta uztveri: tas pazuda aiz izsmalcinātas balsu savijuma un vārdi patiesībā nebija dzirdami. Tāpēc baznīcas iestādes bija piesardzīgas pret šādiem darbiem un iestājās par monofonijas atgriešanos, pamatojoties uz gregoriskajiem dziedājumiem. Jautājums par polifonijas pieļaujamību baznīcas mūzikā tika apspriests pat Katoļu baznīcas Tridentas koncilā (1545-1563). Tuvumā pāvestam Palestrīna pārliecināja Baznīcas vadītājus par iespēju radīt darbus, kuros kompozīcijas tehnika netraucēs teksta izpratni. Kā pierādījumu viņš komponēja "Pāvesta Marčello mesu" (1555), kurā apvienota sarežģīta daudzbalsība ar katra vārda skaidru un izteiksmīgu skanējumu. Tādējādi mūziķis “izglāba” profesionālo polifonisko mūziku no baznīcas varas vajāšanas. 1577. gadā komponists tika uzaicināts apspriest gradualas – katoļu baznīcas sakrālo himnu krājuma – reformu. 80. gados Palestrīna pieņēma svētos pasūtījumus un 1584. gadā kļuva par Mūzikas meistaru biedrības biedru, mūziķu apvienību, kas atskaitījās tieši pāvestam.
Palestrīnas darbs ir piesātināts ar spilgtu pasaules uzskatu. Viņa radītie darbi pārsteidza viņa laikabiedrus gan ar augstāko meistarību, gan kvantitāti (vairāk nekā simts mesas, trīssimt motešu, simts madrigālu). Mūzikas sarežģītība nekad nav bijusi šķērslis tās uztverei. Komponists prata atrast vidusceļu starp savu skaņdarbu izsmalcinātību un to pieejamību klausītājam. Palestrīna savu galveno radošo uzdevumu uzskatīja par pilnīgas attīstīšanu lielisks darbs. Katra balss viņa dziedājumos attīstās neatkarīgi, bet tajā pašā laikā veido vienotu veselumu ar pārējām, un bieži vien balsis veido uzkrītošas akordu kombinācijas. Bieži vien šķiet, ka augstākās balss melodija peld pāri pārējām, iezīmējot polifonijas “kupolu”; Visas balsis izceļas ar gludumu un attīstību.
Nākamā mūziķu paaudze Džovanni da Palestrīnas mākslu uzskatīja par priekšzīmīgu un klasisku. No viņa darbiem mācījās daudzi izcili 19.-8.gadsimta komponisti.
Vēl viens renesanses mūzikas virziens ir saistīts ar Venēcijas skolas komponistu daiļradi, kuras dibinātājs bija Adrians Vilarts (apmēram 1485-1562). Viņa audzēkņi bija ērģelnieks un komponists Andrea Gabrieli (no 1500. līdz 1520. gadam - pēc 1586. gada), komponists Kipriāns de Pope (1515 vai 1516-1565) un citi mūziķi. Kamēr Palestrīnas darbiem raksturīga skaidrība un stingra atturība, Vilaerts un viņa sekotāji attīstīja sulīgu kora stilu. Lai panāktu telpisko skaņu un tembru spēli, viņi skaņdarbos izmantoja vairākus korus, kas atradās dažādās tempļa vietās. Sarunu izmantošana starp koriem ļāva piepildīt baznīcas telpu ar vēl nebijušiem efektiem. Šī pieeja atspoguļoja laikmeta humānistiskos ideālus kopumā - ar savu jautrību, brīvību un pašu venēciešu mākslas tradīciju - ar tieksmi pēc visa gaišā un neparastā. Venēcijas meistaru darbos arī mūzikas valoda kļuva sarežģītāka: tā bija piepildīta ar drosmīgām akordu kombinācijām un negaidītām harmonijām.
Ievērojama renesanses figūra bija Karlo Gesualdo di Venosa (apmēram 1560-1613), Venosas pilsētas princis, viens no lielākajiem laicīgās madrigāla meistariem. Viņš ieguva slavu kā filantrops, lautas spēlētājs un komponists. Princis Gesualdo draudzējās ar itāļu dzejnieku Torquato Tasso; Ir palikušas interesantas vēstules, kurās abi mākslinieki apspriež literatūras, mūzikas un tēlotājmākslas jautājumus. Gesualdo di Venosa mūzikā mūzikā daudzus Tasso dzejoļus – tā radās vairāki ļoti mākslinieciski madrigāli. Kā vēlīnās renesanses pārstāvis komponists attīstījās jauns tips madrigals, kur jūtas bija pirmajā vietā - vētrainas un neparedzamas. Tāpēc viņa darbiem raksturīgas skaļuma izmaiņas, nopūtām un pat šņukstām līdzīga intonācija, asi skanīgi akordi un kontrastējošas tempu izmaiņas. Šie paņēmieni piešķīra Gesualdo mūzikai izteiksmīgu, nedaudz dīvainu raksturu, tā pārsteidza un vienlaikus piesaistīja viņa laikabiedrus. Gesualdo di Venosa mantojums sastāv no septiņām polifonisko madrigālu kolekcijām; Starp garīgajiem darbiem - "Svētās himnas". Viņa mūzika arī šodien neatstāj klausītāju vienaldzīgu.
Instrumentālās mūzikas žanru un formu attīstība. Instrumentālo mūziku iezīmē arī jaunu žanru rašanās, īpaši instrumentālais koncerts. Vijole, klavesīns un ērģeles pamazām pārtapa par solo instrumentiem. Viņiem rakstītā mūzika sniedza iespēju demonstrēt ne tikai komponista, bet arī izpildītāja talantu. Pāri visam tika novērtēta virtuozitāte (spēja tikt galā ar tehniskām grūtībām), kas daudziem mūziķiem pamazām kļuva par pašmērķi un māksliniecisku vērtību. 17.-18.gadsimta komponisti parasti ne tikai komponēja mūziku, bet arī meistarīgi spēlēja instrumentus un nodarbojās ar mācību aktivitātēm. Mākslinieka pašsajūta lielā mērā bija atkarīga no konkrētā klienta. Parasti katrs nopietns mūziķis centās iegūt vietu vai nu monarha vai bagāta aristokrāta galmā (daudziem muižniecības pārstāvjiem bija savi orķestri vai operas nami), vai templī. Turklāt lielākā daļa komponistu viegli apvienoja baznīcas mūziku ar kalpošanu laicīgajam patronam.
Anglija.
Anglijas kultūras dzīve renesanses laikā bija cieši saistīta ar reformāciju. 16. gadsimtā valstī izplatījās protestantisms. Katoļu baznīca zaudēja savu dominējošo stāvokli, anglikāņu baznīca kļuva par valsts baznīcu, kas atteicās atzīt dažas katolicisma dogmas (pamatnoteikumi); Lielākā daļa klosteru beidza pastāvēt. Šie notikumi ietekmēja angļu kultūru, tostarp mūziku. Mūzikas nodaļas tika atvērtas Oksfordas un Kembridžas universitātēs. Dižciltīgos salonos tika spēlēti taustiņinstrumenti: virginel (klavesīna veids), pārnēsājamās (mazās) ērģeles uc Spilgtākais tā laika mūzikas kultūras pārstāvis bija nošu izdevējs, ērģelnieks un komponists Viljams Bērds (1543 vai 1544-1623). Birds kļuva par angļu madrigāla dibinātāju. Viņa darbi izceļas ar vienkāršību (viņš izvairījās no sarežģītiem polifonijas paņēmieniem), formas oriģinalitāti, kas seko tekstam, un harmonisku brīvību. Visi mūzikas līdzekļi ir paredzēti, lai apliecinātu dzīves skaistumu un prieku, pretstatā viduslaiku bardzībai un atturībai. Komponistam madrigāla žanrā bija daudz sekotāju.
Putns radīja arī garīgus darbus (mesi, psalmus) un instrumentālo mūziku. Savos skaņdarbos virginālam viņš izmantoja tautas dziesmu un deju motīvus.
Komponists ļoti vēlējās, lai viņa rakstītā mūzika "priecīgi nestu vismaz nedaudz maiguma, relaksācijas un izklaides", kā Viljams Bērds rakstīja priekšvārdā vienai no savām mūzikas kolekcijām.
utt.............
, madrigāls, jaunava, alts, volts, pavana, galliards, Florences kamera, Gesualdo di Venosa, Džeikopo Peri
Prezentācija nodarbībai
Atpakaļ Uz priekšu
Uzmanību! Slaidu priekšskatījumi ir paredzēti tikai informatīviem nolūkiem, un tie var neatspoguļot visas prezentācijas funkcijas. Ja jūs interesē šis darbs, lūdzu, lejupielādējiet pilno versiju.
Nodarbība tiek vadīta 5. klases skolēniem muzikālās literatūras apguves 2. kursā.
Nodarbības mērķis: izglītība estētiskā kultūra skolēni, saskaroties ar mūziku Renesanse.
Nodarbības mērķi:
- Sniegt priekšstatu par mūzikas un muzicēšanas lomu renesanses cilvēku dzīvē;
- Iepazīšanās ar mūzikas instrumentiem, žanriem, renesanses laika komponistiem;
- Ievads Eiropas renesanses mūzikas darbos;
- Dzirdes mūzikas analīzes pamatprasmju attīstīšana;
- Attīstīt izpratni par attiecībām dažādi veidi māksla;
- Mākslas darbu emocionālās uztveres audzināšana;
- Skolēnu domāšanas un runas attīstība;
- Paplašinot savu redzesloku.
Nodarbības veids: nodarbība par jaunas tēmas apgūšanu.
Nodarbības aprīkojums: multimediju prezentācija, dators.
Muzikālais materiāls:
- W. Bird's skaņdarbs jaunavīgajai "Voltai";
- F. da Milano “Fantasia” Nr.6 lautai;
- Kadrs no filmas "Elizabete": Karaliene dejo voltu (video);
- I. Alberti “Pavane un galliard” (video);
- angļu tautasdziesma "Greensleeves";
- J.P. Palestrina "Pāvesta Marčello mise", daļa no "Agnus Dei";
- O. Laso “Atbalss”;
- G. di Venosa madrigals “Moro, lasso, al mio duolo”;
- J. Peri Aina no operas “Euridike”.
Nodarbības progress
I. Organizatoriskais moments
II. Zināšanu atjaunināšana
Pēdējā nodarbībā runājām par renesanses kultūru un glezniecību.
– Kā vēl sauc šo laikmetu (franču valodā “Renesanse”)?
– Kādus gadsimtus aptver renesanse? Kādu laikmetu tas aizstāja?
– No kurienes cēlies šis laikmeta nosaukums? Ko viņi gribēja "atdzīvināt"?
– Kurā valstī Renesanse sākās agrāk nekā citās?
- Kuru Itālijas pilsēta sauc par "Renesanses šūpuli"? Kāpēc?
– Kādi izcili mākslinieki dzīvoja Florencē? Atcerieties viņu darbu.
– Ar ko viņu darinājumi atšķiras no viduslaiku mākslas?
III. Jaunas tēmas apgūšana
Šodien mēs atkal dodamies uz renesansi. Uzzināsim, kāda bija mūzika šajā laikā. Iepazīsimies ar renesanses mūzikas instrumentiem, ieraudzīsim tos un sadzirdēsim to autentisko skanējumu. Mums ir arī tikšanās ar izcili komponisti Renesanse un to šedevri.
IV. Darbs ar prezentāciju
1. slaids. Sākumlapa.
2. slaids. Mūsu nodarbības tēma ir “Renesanses mūzika”. Laika posms: XIV–XVI gs.
3. slaids. Nodarbības epigrāfs. Kā jūs saprotat šos vārdus?
... Uz zemes nav nevienas dzīvas radības
Tik skarbs, foršs, ellīgi ļauns,
Tā ka nevarēju pat vienu stundu
Tajā mūzika rada revolūciju.
(Viljams Šekspīrs)
4. slaids. Renesanses laikā mākslas loma kultūras dzīvi sabiedrību. Mākslinieciskā izglītība tiek atzīta par svarīgu cēla cilvēka attīstības aspektu, labas audzināšanas nosacījumu.
Baznīcas kontrole pār sabiedrību ir vājināta, mūziķi saņem lielāku brīvību. Autora personība un radošā individualitāte arvien vairāk izpaužas viņa rakstos. Renesanses laikā pati koncepcija " komponists».
Tas kļuva ļoti svarīgi mūzikas attīstībai mūzikas drukāšanas izgudrojums 15. gadsimta beigās. 1501. gadā itāļu izdevējs Ottaviano Petrucci izdeva pirmo kolekciju mājas mūzikas atskaņošanai. Jauni darbi tika publicēti un izplatīti ļoti ātri. Tagad ikviens pilsētnieks ar vidējiem ienākumiem varēja iegādāties nošu nošu. Līdz ar to pilsētas muzicēšana sāk strauji attīstīties, sasniedzot arvien vairāk cilvēku.
5. slaids. Mūzikas instrumenti Renesanse. Pūtēji, stīgas, klaviatūras.
6. slaids. Laute- vismīļākais renesanses instruments. Attiecas uz stīgu plūktiem instrumentiem. Sākumā lautu spēlēja ar plektru, bet 15. gadsimtā viņi sāka spēlēt ar pirkstiem.
7. slaids. Tās ķermenis izskatās kā uz pusēm pārgriezts bumbieris. Lautai ir īss kakls ar rievām, saliekts taisnā leņķī.
8. slaids. Lauta nāca no Arābu instruments sauc par Al-ud (arābu valodā "koks"). 8. gadsimtā ouds ienāca Eiropā no Ziemeļāfrika arābu iekarošanas laikā Spānijā un iesakņojās daudzu spāņu muižnieku galmā. Laika gaitā eiropieši oudam pievienoja fretus (dalījumus uz grifa) un nosauca to par “lauta”.
9. slaids. Lautu spēlēja gan vīrieši, gan sievietes.
10. slaids. Lauta bija kompakta, viegla, un to varēja visur ņemt līdzi.
11. slaids. Lautas mūzika tika ierakstīta nevis ar notīm, bet ar tabulatūras palīdzību. Paskaties: lautas tablatūra sastāv no 6 rindām, kas norāda stīgas. Cipari norāda frets, ilgums ir augšpusē.
12. slaids. Loka stīgu instrumenti. Ja lautu spēlēja dažādu šķiru cilvēki, tad violu dzimtas instrumentu varēja atļauties tikai ļoti bagāts cilvēks. Altas bija dārgas, tās bija izgatavotas no dārgakmeņiem un dekorētas ar elegantu dizainu un rotaslietām. Violas bija dažādi izmēri. Šajā gleznā eņģeļi spēlē populārākos vijoļu veidus – da gamba un da braccia.
13. slaids. Viola itāļu valodā - "violeta". Alta skaņa bija ļoti patīkama: maiga, maiga un klusa.
14., 15. slaidi. Nosaukums viola da braccia ir tulkots no itāļu valodas kā “roka, plecs”. Tā sauca mazās vijoles, kuras spēlēšanas laikā tika turētas pie pleca.
16. slaids. Viola da gamba - “pēda”. Tas bija liela izmēra un spēlējot bija jātur starp ceļiem vai jānovieto uz augšstilba. Šos vijoļus parasti spēlēja vīrieši.
17. slaids. Vai esat ievērojuši, kam klasiskajiem instrumentiem ir ļoti līdzīgas vijoles? Vijolēm, čelliem. Salīdzināsim viola da gamba ar čellu.
Violu skaņas dzirdēsim nedaudz vēlāk.
18. slaids.Virdžels. Taisnstūrveida tastatūras instruments, parasti bez kājām. Pēc iekārtas principa tas bija viens no klavieru priekštečiem. Bet skaņas kvalitātes ziņā tas bija tuvāk arfai un lautai. Viņa tembrs izcēlās ar maigumu un maigumu.
19. slaids. Kurš zina, ko nozīmē angļu vārds? jaunava? Jaunava, meitene. Uzminiet, kāpēc šo instrumentu sauca par "meiteņu"? Visbiežāk jaunavu spēlēja jaunas cēlu izcelsmes meitenes. Zināms, ka pat Anglijas karaliene Elizabete I ļoti iecienījusi jaunava un to labi spēlējusi.
20. slaids. Viljams Birds- lielākais angļu komponists, Elizabetes laika ērģelniece un klavesīniste. Dzimis 1543. gadā, miris 1623. gadā. Darbojis par galma ērģelnieku. Viņš komponēja daudzus sakrālus darbus, madrigālus un skaņdarbus virginālam.
Klausīsimies: W. Bird gabals jaunavai "Voltai"
21.-24. slaids. Renesanses mākslinieki savās gleznās bieži attēloja eņģeļus, kuri spēlē mūziku. Kāpēc? Ko tas nozīmē? Kāpēc eņģeļiem ir vajadzīga mūzika? Kā ar cilvēkiem?
25. slaids. Skaties ko liels uzņēmums mūziķi. Ko viņi spēlē? Kā viņi jūtas? Vai viņiem ir labi kopā? Vai V. Šekspīra vārdi atbilst šim attēlam? Kāds ir atslēgas vārds šajos pantos? Vienotība, vienošanās.
Klausieties, cik draudzīgas ir stīgas
Viņi iesaistās formācijā un dod savu balsi, -
It kā māte, tēvs un mazs zēns
Viņi dzied laimīgā vienotībā.
Stīgu saskaņa koncertā mums stāsta,
Ka vientuļais ceļš ir kā nāve.
26. slaids. Instrumentālie žanri Renesanse tika iedalīta 3 veidos: vokālo darbu transkripcijas, improvizācijas rakstura virtuozas lugas (ricercar, prelūdija, fantāzija), deju lugas (pavane, galliard, volta, moresca, saltarella).
27. slaids. Frančesko da Milāno- slavenais 16. gadsimta itāļu lutenists un komponists, kuru viņa laikabiedri sauca par "Dievišķo". Viņam pieder daudzi lautas skaņdarbi, kas apvienoti trīs kolekcijās.
Klausīsimies: F. da Milano “Fantāzija” lautai
28. slaids. Renesanses dejas. Renesanses laikā mainījās pati attieksme pret deju. No grēcīgas, necienīgas nodarbes deja pārtop par obligātu aksesuāru. sabiedriskā dzīve un kļūst par vienu no visnepieciešamākajām cēla cilvēka prasmēm. Balles ir stingri nostiprinājušās Eiropas aristokrātijas dzīvē. Kādas dejas bija modē?
29. slaids. Volta– 16. gadsimta itāļu izcelsmes populārā deja. Nosaukums volta cēlies no itāļu vārda voltare, kas nozīmē "pagrieziens". Volta temps ir ātrs, izmērs ir trīs sitieni. Galvenā dejas kustība: kungs strauji paceļ augstu un pagriež gaisā dejojošo dāmu ar viņu. Turklāt šī kustība ir jāveic skaidri un graciozi. Un tikai apmācīti vīrieši varēja tikt galā ar šo deju.
Apskatīsim: videofilmas “Elizabete” fragments
30. slaids. Pavana– svinīgi lēnā deja spāņu izcelsmes. Pavanas nosaukums cēlies no latīņu valodas pavo — pāvs. Pavana izmērs ir divsitienu, temps lēns. Viņi to dejoja, lai demonstrētu citiem savu varenību un grezno tērpu. Tauta un buržuāzija šo deju nedeva.
31. slaids.Galjards(no itāļu valodas - jautrs, dzīvespriecīgs) - aktīva deja. Galliarda raksturs saglabā atmiņu par dejas tautas izcelsmi. Viņai raksturīga lēkšana un pēkšņas kustības.
Pavane un galliard bieži tika izpildīti viens pēc otra, veidojot sava veida svītu.
Tagad redzēsiet senās mūzikas ansambļa “Hesperion XXI” koncerta fragmentu. Tās vadītājs ir Žordi Savals- spāņu čellists, azartisks un diriģents, viens no autoritatīvākajiem mūziķiem mūsdienās, kurš autentiski izpilda seno mūziku (kā tā skanēja tās tapšanas brīdī).
32. slaids. Skatieties: I. Alberti "Pavane un galliard".
Izpilda senās mūzikas ansamblis “Hespèrion XXI”, vad. J. Savals.
33. slaids. Vokālie žanri Renesanse tika sadalīta baznīcas un laicīgajā. Ko nozīmē “laicīgais”? Baznīcā bija mise un motete. Ārpus baznīcas - caccia, balata, frottola, villanelle, šansons, madrigāls.
34. slaids. Baznīcas dziedāšana sasniedz savas attīstības virsotni. Šis ir “stingrās rakstības” polifonijas laiks.
Renesanses laika izcilākais komponists-polifonists bija itālis Džovanni Pjerluidži da. Palestrīna. Savu segvārdu - Palestrīna - viņš saņēma no pilsētas nosaukuma, kurā viņš dzimis. Viņš strādāja Vatikānā, augstu turējās muzikālās pozīcijas zem pāvesta troņa.
Masa – mūzikas skaņdarbs, kas sastāv no lūgšanām latīņu valodā, dzirdamas dievkalpojumu laikā katoļu baznīcā.
Klausīsimies: J.P. da Palestrina "Pāvesta Marčello mise", daļa no "Agnus Dei"
35. slaids. Laicīgās dziesmas. angļu valoda balāde "Zaļās piedurknes"- šodien ļoti populārs. Šīs dziesmas vārdi tiek attiecināti uz angļu karali Henriju VIII. Šos pantus viņš adresēja savai mīļotajai Annei Boleinai, kura vēlāk kļuva par viņa otro sievu. Vai jūs zināt, par ko ir šī dziesma?
36. slaids. Dziesmas “Green Sleeves” vārdus tulkojis S.Ya.
Klausīsimies: Angļu balāde "Greensleeves"
37. slaids. Orlando Lasso- viens no izcilākajiem Nīderlandes polifoniskās skolas pārstāvjiem. Dzimis Beļģijā, dzīvojis Itālijā, Anglijā un Francijā. Pēdējos 37 dzīves gadus, kad viņa vārds jau bija zināms visā Eiropā, viņš vadīja Minhenes galma kapelu. Viņš radīja vairāk nekā 2000 vokālu gan reliģisku, gan laicīgu darbu.
38. slaids.Šansons “Echo” tika rakstīts diviem četrbalsīgiem koriem. Pirmais koris uzdod jautājumus, otrais koris viņam atbild kā atbalss.
Klausīsimies: O. Laso šansons “Atbalss”
39. slaids. Madrigals(no itāļu vārda madre - “māte”) - dziesma dzimtajā, mātes valodā. Madrigal ir polifoniska (4 vai 5 balsīm) dziesma ar lirisku saturu un cildenu raksturu. Šī ziedu laiki vokālais žanrs nāk 16. gadsimtā.
40. slaids.Gesualdo di Venosa – Itāļu komponists XVI gadsimts, viens no lielākajiem laicīgās madrigāla meistariem. Viņš bija noslēpumaina persona. Bagāts princis, Venosas pilsētas valdnieks. Pieķēris savu skaisto sievu krāpjam, Gesualdo greizsirdības lēkmē atņēma viņai dzīvību. Periodiski viņš krita melanholijā un slēpās no visiem savā pilī. Viņš nomira 47 gadu vecumā apmākušā prātā...
Savas dzīves laikā viņš izdeva 6 piecu balsu madrigālu kolekcijas. G. di Venosa stila iezīme ir viņa laikam unikālās mūzikas piesātinājums ar hromatismu un krāsainiem disonējošu akordu pretstatiem. Tātad Gesualdo iztulkoja savu briesmīgo sirdssāpes un sirdsapziņas sāpes.
Viņa laikabiedri nesaprata viņa mūziku, viņi to uzskatīja par briesmīgu un skarbu. 20. gadsimta mūziķi viņu augstu novērtēja, par G. di Venozu uzņemta filma, rakstītas grāmatas, viņam komponists A. Šnitke veltījis operu “Gesualdo”.
41. slaids. Madrigals “Moro, lasso, al mio duolo” ir viens no jaunākajiem G. di Venoza darbiem. Viņam pieder gan mūzika, gan dziesmu teksti:
Ak! Es mirstu no skumjām
Tas, kurš solīja laimi
Viņš mani nogalina ar savu spēku!
Ak, ļaunais bēdu viesulis!
Tas, kurš solīja dzīvību
Nāve man deva.
Klausīsimies: G. di Venosa “Moro, lasso, al mio duolo”
42. slaids. 16. gadsimta beigās radās Florencē Florences kamera- mūziķu un dzejnieku loks, kas vēlējās atdzīvināt Senās Grieķijas traģēdija ar viņai raksturīgo īpašo teksta izrunas veidu (kaut kas starp runu un dziedāšanu).
43. slaids. Operas dzimšana.Šo eksperimentu rezultātā radās opera. 1600. gada 6. oktobrī Florencē pirmizrādi piedzīvoja pirmā opera, kas saglabājusies līdz mūsdienām, Euridike. Tās autors ir komponists un dziedātājs Jacopo Peri.
Klausīsimies: J. Peri Aina no operas “Euridike”
V. Nodarbības kopsavilkums
– Ko jaunu šodien uzzinājāt par renesansi?
– Kura instrumenta skanējums jums patika? Kā?
– Kuras? mūsdienīgi instrumenti Vai lautas, alts un jaunava ir līdzīgas?
– Ko cilvēki dziedāja renesanses laikā? Kur? Kā?
– Kāpēc renesanses mākslinieki tik bieži attēloja mūziķus?
– Kāda mūzika, kas šodien skanēja klasē, jums patika un palika atmiņā?
VI. Mājas darbs (pēc izvēles):
- Dziediet dziesmu “Zaļās piedurknes” no notīm, kas vēlas tai izvēlēties pavadījumu;
- Atrodiet renesanses mākslinieku muzikālās gleznas un runājiet par tām.
Renesanses mūzikas kultūrā var identificēt vairākas novatoriskas iezīmes.
Pirmkārt, laicīgās mākslas straujā attīstība, kas izpaužas daudzu laicīgo dziesmu un deju žanru plašā izplatībā. Tie ir itāļu valodafrottola (“tautas dziesmas, no vārdi frottola - pūlis), villanelles (“ciema dziesmas”),Caccia , canzone (burtiski - dziesmas) un madrigāli, spāņuVillancico (no villas - ciems), franču šansona dziesmas, vācuMeloja , angļu valoda balādes un citi. Visi šie žanri, slavinot būtības prieku, interesē iekšējā pasaule cilvēki, kas tiecās pēc dzīves patiesības, tieši atspoguļoja tīri renesanses pasaules uzskatu. Viņu izteiksmes līdzekļiem raksturīgs plaši izplatīts tautas mūzikas intonāciju un ritmu lietojums.
Laicīgās līnijas kulminācija renesanses mākslā -madrigāls . Žanra nosaukums nozīmē “dziesma mātes (tas ir, itāļu) valodā”. Tas uzsver atšķirību starp madrigālu un sakrālo mūziku, kas tiek izpildīta latīņu valodā. Žanra attīstība notika no vienkāršas vienbalsīgas ganu dziesmas līdz 5-6 balsu vokāli instrumentālam skaņdarbam ar izsmalcinātu lirisku tekstu. Starp dzejniekiem, kuri pievērsās madrigāla žanram, ir Petrarka, Bokačo, Tasso. Ievērojami madrigāla meistari bija komponisti A. Vilarts, J. Arkadelts, Palestrīna, O. Laso, L. Marencio, K. Gesualdo, K. Monteverdi. Izcelsme ir Itālijā, madrigāls ātri izplatījās citos rietumos Eiropas valstis.
Franču daudzbalsīgo dziesmu šķirne tiek sauktašansons . No madrigāla tas atšķiras ar lielāku tuvumu reālajai, ikdienas dzīvei, tas ir, žanrisko raksturu. Starp šansona radītājiem -Klements Žanekens , viens no slavenākajiem franču komponisti Renesanse.
Otrkārt, kora daudzbalsības augstākais uzplaukums, kas kļuva par vadošo mūzikas stils laikmets. Majestātiski un skanīgi, tas lieliski saskanēja ar dievkalpojuma svinīgumu. Tajā pašā laikā polifoniskā daudzbalsība bija dominējošais izteiksmes veids ne tikai garīgajos, bet arī laicīgajos žanros.
Kora polifonijas attīstība bija saistīta, pirmkārt, ar Nīderlandes (franču-flāmu) skolas komponistu daiļradi: Gijoms Dufejs, Johanness Okegems, Džeikobs Obrehts, Žokvins Desprē, Orlando Laso.
Orlando Laso (apmēram 1532-1594) strādāja daudzās Eiropas valstīs. Viņa talants, patiesi fenomenāls, valdzināja un iepriecināja visus. Orlando Lasso plašajā radošumā ir pārstāvēts ikviens mūzikas žanri Renesanse (ar laicīgās mūzikas pārsvaru pār sakrālo). Viņa populārākie darbi ir “Echo”, kas rakstīts itāļu ikdienas dziesmas žanrā. Darba pamatā ir krāsains divu koru pretstatījums, radot atbalss efektu. Tās teksts pieder pašam komponistam.
Kopā ar lielāko pārstāvi Orlando Lasso Augstā renesanse mūzikā bija itālisPalestrīna (pilns vārds Džovanni Pjērlui da Palestrīna, aptuveni 1525-1594). Lielāko daļu Palestrīnas dzīves pavadīja Romā, kur viņš pastāvīgi bija saistīts ar darbu baznīcā, jo īpaši viņš vadīja Sv. Petra. Viņa mūzikas lielāko daļu veido sakrālie darbi, galvenokārt mesas (to ir vairāk nekā simts, starp kurām izceļas slavenā “Pāvesta Marčello mese”) un motetes. Taču Palestrīna labprāt komponēja arī laicīgo mūziku – madrigālus, kanzonetas. Palestrīnas darbi korim a sarrellakļuva par klasisku renesanses polifonijas piemēru.
Polifonisko komponistu darbam bija vadošā loma galvenā renesanses mūzikas žanra attīstībā -masu . Mesas žanrs radies viduslaikosXIV- XVIgadsimtiem tā strauji transformējas, pārejot no atsevišķās, atšķirīgās daļās pasniegtiem paraugiem uz harmoniskas cikliskas formas darbiem.
Atkarībā no baznīcas kalendārs mesas mūzikā dažas daļas tika izlaistas un citas daļas tika ievietotas. Obligātās daļas, kas pastāvīgi atrodas dievkalpojums baznīcā, pieci. INes Un V - « Kyrieeleison» (“Kungs apžēlojies”) un« AgnussDei» (« Dieva Jērs") - tika izteikts lūgums pēc piedošanas un piedošanas. InII Un IV - « Gloria"("Glory") un " Sanctus» (« Svētais") - slavēšana un pateicība. Centrālajā daļā "Credo» (« Es ticu"), izklāsta kristīgās doktrīnas pamatprincipus.
Treškārt, pieaugošā instrumentālās mūzikas loma (ar izteiktu vokālo žanru pārsvaru). Ja Eiropas viduslaikos profesionālu instrumentālismu tikpat kā nepazina, tad renesansē daudzi darbi tika radīti lautai (tolaik izplatītākais mūzikas instruments), ērģelēm, altam, vihuelai, virginālajai un garenflautai. Viņi joprojām seko vokālajiem modeļiem, taču viņu interese par instrumentālo spēli jau ir noteikta.
Ceturtkārt, renesanses laikā aktīvi veidojās nacionālās mūzikas skolas (holandiešu polifonisti, angļu virginālisti, spāņu vihuelisti un citi), kuru jaunrades pamatā bija savas valsts folklora.
Visbeidzot, mūzikas teorija ir virzījusies tālu uz priekšu, liekot uz priekšu vesela sērija brīnišķīgi teorētiķi. Šī ir franču valodaFilips de Vitrijs , traktāta autors Arsnova» (« Jaunā māksla”, kur sniegts jaunā polifoniskā stila teorētiskais pamatojums); itāļu valodaDžozeffo Zarlino , viens no harmonijas zinātnes radītājiem; ŠveicesGlarean , melodijas doktrīnas pamatlicējs.
Renesanse jeb Renesanse ir periods Rietumeiropas un Centrāleiropas kultūras vēsturē, kas aptver aptuveni XIV-XVI gs. Šis periods savu nosaukumu ieguva saistībā ar intereses atdzimšanu par seno mākslu, kas kļuva par ideālu mūsdienu kultūras darbiniekiem. Komponisti un mūzikas teorētiķi - J. Tinktoris, G. Carlino un citi - pētīja sengrieķu mūzikas traktātus; ar Mikelandželo salīdzinātā Žoskīna Desprē darbos, pēc laikabiedru domām, “atdzima sengrieķu mūzikas zudušā pilnība”: kas parādījās 16. gadsimta beigās un 17. gadsimta sākumā. opera vadījās pēc antīkās dramaturģijas likumiem.
Mūzikas teorijas nodarbības. No 16. gadsimta gravējuma.
J. P. Palestrīna.
Renesanses kultūras attīstība ir saistīta ar visu sabiedrības aspektu pieaugumu. Dzimis jauns pasaules uzskats - humānisms (no latīņu humanus - “humāns”). Radošo spēku emancipācija izraisīja strauju zinātnes, tirdzniecības, amatniecības attīstību, un ekonomikā veidojās jaunas, kapitālistiskas attiecības. Poligrāfijas izgudrojums veicināja izglītības izplatību. Lieliski ģeogrāfiskie atklājumi un N. Kopernika pasaules heliocentriskā sistēma mainīja priekšstatus par Zemi un Visumu.
Sasniedza nepieredzētu labklājību tēlotājmāksla, arhitektūra, literatūra. Jaunā attieksme atspoguļojās mūzikā un pārveidoja tās izskatu. Viņa pamazām novirzās no viduslaiku kanona normām, stils tiek individualizēts, un pirmo reizi parādās pats jēdziens “komponists”. Mainās darbu faktūra, balsu skaits palielinās līdz četrām, sešām vai vairāk (piemēram, lielākajam pārstāvim piedēvēts 36 balsu kanons Holandiešu skola J. Okegem). Harmonijā dominē līdzskaņu līdzskaņas, kas ir stingri ierobežotas ar īpašiem noteikumiem (sk. Līdzskaņa un disonanse). Veidojas vēlākai mūzikai raksturīgā mažora un minora skalas un pulksteņa ritma sistēma.
Visus šos jaunos līdzekļus komponisti izmantoja, lai nodotu renesanses cilvēka īpašo jūtu struktūru - cildenu, harmonisku, mierīgu un majestātisku. Saikne starp tekstu un mūziku kļūst ciešāka, mūzika sāk nodot noskaņojumu vai, kā toreiz teica, ir teksta atsevišķu vārdu afekti, piemēram, “dzīve”, “nāve”, “mīlestība” utt bieži ilustrēts ar īpašiem mūzikas līdzekļiem.
Renesanses mūzika attīstījās divos virzienos – baznīcas un laicīgā. Baznīcas mūzikas galvenie žanri ir mesa un motete - daudzbalsīgi daudzbalsīgi darbi korim, bez pavadījuma vai instrumentālā ansambļa pavadījumā (sk. Kormūzika, Polifonija). Starp instrumentiem priekšroka tika dota ērģelēm.
Laicīgās mūzikas attīstību veicināja amatieru muzicēšanas izaugsme. Mūzika skanēja visur: uz ielām, pilsoņu namos, dižciltīgo muižnieku pilīs. Pirmie koncertu virtuozi izpildītāji parādījās uz lautas, klavesīna, ērģelēm, altu un dažāda veida garenflautas. Daudzbalsīgās dziesmās (Madrigals Itālijā, šansons Francijā) komponisti runāja par mīlestību un visu, kas dzīvē notiek. Lūk, dažu dziesmu nosaukumi: “Stirku medības”, “Atbalss”, “Marinjāno kauja”.
XV-XVI gadsimtā. Pieaug dejas mākslas nozīme, parādās daudzi traktāti un praktiskas horeogrāfijas rokasgrāmatas, deju mūzikas kolekcijas, kas ietver populārās dejas tā laika - bass dance, branle, pavane, galliard.
Renesanses laikā veidojās nacionālās mūzikas skolas. Lielākā no tām ir holandiešu (franču-flāmu) polifoniskā skola. Tās pārstāvji ir G. Dufay, C. Janequin, J. Okegem, J. Obrecht, Josquin Depres, O. Lasso. Citas nacionālās skolas ir itāļu (J.P. Palestrina), spāņu (T.L. de Victoria), angļu (W. Bird) un vācu (L. Senfl).
Jautājums par Renesanses muzikālo pusi ir diezgan sarežģīts. Tā laika mūzikā ir grūtāk identificēt jaunus, principiāli atšķirīgus elementus un virzienus, salīdzinot ar viduslaikiem, nekā citās mākslas jomās - glezniecībā, tēlniecībā, arhitektūrā, mākslinieciskajā amatniecībā u.c. Fakts ir tāds, ka mūzika gan viduslaikos, gan renesanses laikā saglabāja savu daudzveidīgo raksturu. Bija skaidrs sadalījums starp baznīcas garīgo mūziku un laicīgām kompozīcijām, dziesmām un dejām. Tomēr renesanses mūzikai ir savs oriģināls raksturs, lai gan tas ir cieši saistīts ar iepriekšējiem sasniegumiem.
Muzikālā kultūra Renesanse
Renesanses mūzikas iezīme, kas ietver 15.-16.gadsimta mūzikas laikmetu, ir dažādu nacionālo skolu apvienojums, kam vienlaikus bija kopīgs attīstības virziens. Speciālisti identificē pirmos noskaņu laikmetam raksturīgos elementus itāļu mūzikas stilā. Turklāt renesanses dzimtenē " jauna mūzika"sāka parādīties 14. gadsimta beigās. Renesanses stila iezīmes visspilgtāk izpaudās holandiešu valodā mūzikas skola, sākot no 15. gadsimta vidus. Holandiešu mūzikas iezīme bija pastiprināta uzmanība vokālajiem skaņdarbiem ar atbilstošu instrumentālo pavadījumu. Turklāt vokāli polifoniskie skaņdarbi bija raksturīgi gan holandiešu skolas baznīcas mūzikai, gan tās laicīgajai virzībai.
Tātad jau 16. gadsimtā tas izplatījās Francijā, Vācijā un Anglijā. Turklāt tika izpildīti vokāli laicīgi skaņdarbi holandiešu stilā dažādās valodās: piemēram, mūzikas vēsturnieki šajās dziesmās saskata tradicionālā franču šansona izcelsmi. Visai Eiropas renesanses mūzikai raksturīgi divi šķietami daudzvirzienu virzieni. Viens no tiem noveda pie skaidras skaņdarbu individualizācijas: laicīgajos darbos arvien vairāk redzama autora izcelsme, parādās personiskāki konkrētā komponista teksti, pārdzīvojumi un emocijas.
Vēl viena tendence atspoguļojās arvien pieaugošā mūzikas teorijas sistematizācijā. Gan baznīcas, gan laicīgie darbi kļuva arvien sarežģītāki, pilnveidojās un attīstījās mūzikas daudzbalsība. Pirmkārt, baznīcas mūzikā tika sastādīti skaidri veidošanās noteikumi, harmoniku sekvences, balss vadība un tamlīdzīgi.
Renesanses teorētiķi vai komponisti?
Ar šo sarežģīto mūzikas attīstības raksturu Renesanses laikā ir saistīts fakts, ka šobrīd notiek diskusijas par to, vai tā laika vadošās mūzikas figūras būtu jāuzskata par komponistiem, teorētiķiem vai zinātniekiem. Toreiz nebija skaidras “darbu dalīšanas”, tāpēc mūziķi apvienojās dažādas funkcijas. Tādējādi šveicietis Glareans, kurš dzīvoja un strādāja 16. gadsimta pirmajā pusē, bija vairāk teorētiķis. Viņš sniedza nozīmīgu ieguldījumu mūzikas teorija, radot pamatu tādu jēdzienu kā liela un minora ieviešanai. Tajā pašā laikā viņš uzskatīja mūziku par baudas avotu, tas ir, viņš iestājās par tās laicīgo būtību, faktiski noraidot mūzikas attīstību viduslaiku reliģiskajā aspektā. Turklāt Glereans mūziku redzēja tikai nesaraujamā saistībā ar dzeju, tāpēc liela uzmanība veltīta dziesmu žanriem.
Itālis Josephfo Zarlino, kura radošā darbība norisinājās otrajā ceturksnī - 16. gadsimta beigās, lielā mērā attīstīja un papildināja iepriekš aprakstītās teorētiskās norises. Jo īpaši viņš vispirms ierosināja saistīt jau formulētos jēdzienus majors un minors ar cilvēka emocionālo noskaņojumu, saistot minoru ar melanholiju un skumjām, bet mažoru ar prieku un cildenas jūtas. Turklāt Zarlino turpināja seno mūzikas interpretācijas tradīciju: viņam mūzika bija taustāma tās harmonijas izpausme, kurā vajadzētu pastāvēt Visumam. Līdz ar to mūzika, viņaprāt, bija augstākā izpausme radošais ģēnijs un vissvarīgākā no mākslām.
No kurienes radās renesanses mūzika?
Teorija ir teorija, bet praksē mūzika nav iedomājama bez mūzikas instrumentiem – protams, ar viņu palīdzību tā tika iedzīvināta muzikālā māksla Renesanse. Galvenais instruments, kas no iepriekšējā, viduslaiku mūzikas perioda “migrēja” uz renesansi, bija ērģeles. Šis taustiņinstruments-pūšaminstruments tika aktīvi izmantots baznīcas mūzikā, un, ņemot vērā sakrālo skaņdarbu nozīmīgāko vietu renesanses mūzikā, ērģeļu nozīme saglabājās. Lai gan kopumā šī instrumenta “īpatnējais svars” varbūt ir samazinājies — līderpozīcijas izvirzījušies locīti un plūktie stīgu instrumenti. Tomēr ērģeles iezīmēja sākumu atsevišķam taustiņinstrumentu virzienam, kam bija augstāks un laicīgāks skanējums. Visizplatītākais no tiem bija klavesīns.
Loka stīgu instrumentiem ir izveidojusies vesela atsevišķa saime – alti. Violes bija instrumenti, kas pēc formas un funkcijas bija līdzīgi mūsdienu vijoles instrumentiem (vijole, alts, čells). Visticamāk, starp vijoliem un vijoļu ģimeni ir ģimenes saites, bet vijoliem ir raksturīgās iezīmes. Viņiem ir daudz izteiktāka individuālā “balss”, kurai ir samtains nokrāsa. Violām ir vienāds skaits galveno un rezonējošo stīgu, tāpēc tās ir ļoti smalkas un grūti noskaņojamas. Tāpēc vijoļi gandrīz vienmēr ir solo instruments, to harmonisku pielietojumu orķestrī var panākt reti.
Kas attiecas uz pluktiem stīgu instrumentiem, tad galveno vietu starp tiem Renesanses laikā ieņēma lauta, kas Eiropā parādījās ap 15. gadsimtu. Lautai bija austrumu izcelsme un tai bija specifiska uzbūve. Instruments, no kura skaņas varēja radīt gan ar pirkstiem, gan ar speciālas plāksnes palīdzību (analogs mūsdienu mediatoram), ļoti ātri iemantoja popularitāti Vecajā pasaulē.
Aleksandrs Babitskis