Podstawy aktorstwa
Niestety, w większości przypadków widzowi obserwującemu aktora jego praca zawsze wydaje się prosta, a fakt, że ma za sobą żmudną i ciężką pracę, jest specjalnie wymyślonym kłamstwem, mającym na celu usprawiedliwienie wysokich honorariów wysoko płatnych i znani aktorzy. I tylko nieliczni rozumieją, że każdy aktor ma swoje sekrety aktorskie, które doprowadziły go do Olimpu.
Oto tylko 5 sekretów aktorstwa:
1. Dobry aktor to inny aktor
Widząc prawdziwego aktora, stajemy się jego „ofiarą”. Tu i teraz potrafi wywołać łzy w oczach lub uśmiech na ustach. Potrafi sprawić, że uwierzymy w cud, wczujemy się, nienawidzimy, opłakujemy, czekamy na jego kolejne pojawienie się na scenie lub na ekranie. Można śmiało powiedzieć, że widza urzeka wszechstronność ulubionego aktora, jego umiejętność głębokiego zanurzenia się w roli, ożywienia swojej postaci i sprawienia, że widz zapomina o otaczającej go rzeczywistości.
Te elementy są częścią tajemnic aktorstwa. Co więcej, rozwój głosu, nauka głośnego i długiego mówienia nie jest taka łatwa. Wymaga to regularnych szkoleń i lekcji u profesjonalnych nauczycieli aktorstwa, a nawet lekcji śpiewu. Nawet krzyki na scenie należy wykonywać według własnych zasad, tak aby nie złamać głosu. Różne ćwiczenia są również przydatne do ustalenia i rozwinięcia prawidłowego oddychania.
3. Umiejętność improwizacji i rozwinięta wyobraźnia
Pomagają ci wyjść z każdej sytuacji śpiewająco. Na scenie wszystko może się zdarzyć: wers wyślizguje się z głowy, spadają spodnie lub psuje się sceneria. Poczucie humoru czy umiejętność dostosowania się do każdej sytuacji niezgodnej ze scenariuszem to także jedna z tajemnic aktorstwa.
Nie bój się publiczności
Nie bać się widza, odważnie wychodzić do widza, nie dać się oszołomić przed kamerą – tego aktorzy uczą się latami, grając kilka ról i czytając niejedną książkę.
5. Charyzma
Jest to cecha, czy też, można by rzec, stan umysłu, który pozwala aktorowi „złapać” reżysera castingu, reżysera i widza. Nie musisz być przystojny, szczupły i muskularny, blond niebieskie oczy lub brunetka o pistacjowych oczach. Trzeba emanować potężną energią, umieć korzystnie zaprezentować swoje atuty, co niewątpliwie jest ważny sekret umiejętności aktorskie.
Widz może się zakochać bezgranicznie różni bohaterowie(z bliznami czy bez, z włosami czy łysymi, z brutalnym spojrzeniem czy niepoprawnymi romantykami), ale nigdy nie uwierzy w fałsz, przeciętność i niepewność „aktora”. Aktor brzmi dumnie i żeby go tak nazwać, trzeba uczyć się aktorstwa i całym sercem kochać ten zawód.
Znaczenie i specyfika treningu aktorskiego
Trening aktorski to strojenie poszczególnych strun instrumentu aktorskiego, indywidualne przejawy psychofizyczne, takie jak percepcja wzrokowa, słuchowa, dotykowa i inne, wizje wewnętrzne oraz pamięć różnych wrażeń i uczuć; ich analiza; ich przejawy w twórczej wyobraźni i fantazji, w uwadze scenicznej, w rozwoju umiejętności i zdolności świadomego wykorzystania w akcji scenicznej tych jej ułamkowych elementów, które pojawiają się mimowolnie w działaniu życiowym i nie wymagają wolicjonalnego wysiłku.
Przygotowanie psychofizyczne jest jednym z niezbędnych etapów istnienia aktora.
A w teatrze nieprofesjonalnym, na scenie amatorskiej czy szkoleniowej, rozgrzewka psychofizyczna pełni dokładnie taką samą rolę, jak w teatrze zawodowym. Być może jedyną różnicą jest to, że aktor amator na tym etapie szkolenia widzi na początku coś, powiedzmy, nie do końca obowiązkowego, coś, co sztucznie opóźnia bezpośrednie zanurzenie się w żywiole zabawy, fantazji i gry aktorskiej.
Strojenie aktora można i należy przeprowadzać z przyjemnością, jak wiele osób myśli, z uśmiechem, po prostu przechodząc od zadania do zadania, jak zwykliśmy mawiać, nie zapominając przy tym o precyzyjnych i drobnych uwagach oraz wyjaśnianiu korzyści i konieczności najlepiej jak potrafimy, jak każdy wie, takie czy inne ćwiczenie dla prof. wzrost. I nie trzeba nawet mówić, że jeśli młody aktor rozumie sens zadania, wie, co może osiągnąć także na treningu, to lepiej i szybciej zrozumie potrzebę rozgrzewki. U Stanisławskiego łączą się trudności praktyki i teorii.
Niewiele osób wie, że stanowisko o prymacie działania fizycznego pozwala mu także trafnie zbudować system pozwalający uczniom opanować sztukę doświadczania: praktyce towarzyszy teoria, a teoria w ogóle wzmacnia praktykę, a wszystko to połączone z szkolenie, jak wiele osób myśli, ze szczegółowym rozwojem indywidualnych zdolności i umiejętności. Należy zauważyć, że mechanizm twórczości jest związany z przykazaniami Stanisławskiego.
Jedynym sposobem na poznanie siebie jest ścieżka działania, aktywne działanie na swoją naturę i interakcja z nią środowisko. Jest rzeczą oczywistą, że tylko na tej ścieżce człowiek może naprawdę, delikatnie mówiąc, rozpoznać siebie - działając w życiu i oceniając swoje działania.
Trening aktorski powinien na ogół rozpoczynać się od części, które tworzą poczucie dobrego samopoczucia i przejawiają się w działaniu. Niewiele osób wie, że pierwszymi, najprostszymi jej elementami są uczucia i spostrzeżenia, które odbieramy z narządów emocji, stale połączonych z otaczającym nas światem. Nie ulega wątpliwości, że pierwszym celem treningu jest rozwój narządów emocjonalnych i doskonalenie urządzeń percepcyjnych.
Nie ma „czystych” uczuć – są tylko na przykład wizualne lub tylko słuchowe. Każdy wie, że uczucia są ostatecznie zawarte w percepcji różne kombinacje, z dominacją jednego lub drugiego, a u osoby wszyscy są „przywiązani” do drugiego, jak wszyscy wierzą, systemu sygnalizacyjnego, do słowa wypowiedzianego lub błysniętego w myślach. Choć może to wydawać się dziwne, drugim celem szkolenia jest poprawa pamięci figuratywnej oraz opanowanie urządzeń myślenia i mowy.
Postrzegając otaczający nas świat, działając w nim, człowiek pozostaje w ciągłej współpracy ze światem i ludźmi. Wszyscy wiedzą, że opanowanie mechanizmu działania życiowego jest trzecim zadaniem szkolenia.
I wszyscy się łączą główne zadanie- zrób to sam!
Oprócz treningu samoobserwacji Stanisławski może rozważyć jeszcze dwa rodzaje treningu, zjednoczone pod tytułem „toaleta aktorska”. Wszyscy wiedzą, że zgodnie z planem Stanisławskiego codziennie trenuje się właściwości wewnętrzne, psychiczne i fizyczne, które pomagają kreatywności aktora.
Kształcenie aktorskie powinno zatem niejako doprowadzić aparat twórczy ucznia do wymagań. proces twórczy. I nie trzeba nawet mówić, że trening poprawia więc plastyczność układ nerwowy i pomaga w końcu udoskonalić, uelastycznić i chwytliwy instrument psychofizyczny aktora, ujawnić wszystkie jego naturalne zdolności i poddać je systematycznemu przetwarzaniu, zwiększyć skuteczność wszystkich odpowiednich istniejących zdolności, tłumić i po prostu eliminować niepotrzebne, a w do końca, dorobić brakujące. Jak to możliwe, to są jego główne zadania.
Wraz z rozwojem wyobraźni spostrzeżenia wzrokowe i, że tak powiem, właściwy trening rozpoczyna się w „Pracy aktora nad sobą”.
Fizjologiczna natura percepcji - odruchy warunkowe. Należy pamiętać, że jednorodne uczucia, kumulujące się, stanowią podstawę do ich powstania. Nie ma „czystych” uczuć. I rzeczywiście, wchodząc w interakcję z otoczeniem, człowiek akceptuje rzeczywistość na wiele sposobów - wrażenia dźwiękowe kojarzone są ze słuchowymi itp. Należy zauważyć, że dokładne eksperymenty potwierdziły, że organizm działa jak jednokanałowy system informacyjny, który przy każdym chwili może zareagować tylko na jedno z dotykających go podrażnień.
Jasne jest, jakie znaczenie ma odruch śladu w działaniu życiowym i jak zasadnicze znaczenie ma w końcu rozwijanie pamięci percepcji, podstawy jej szybkiego i, jak wszyscy wiedzą, przypadkowego odrodzenia, jeśli chcemy, aby akcja sceniczna podążała za praw życia i aby odruchy śladowe przyczyniały się do odtwarzania prawdziwych ludzkich emocji.
Poszerzą się zdolności sensoryczne aktora, poszerzy się także zakres jego zdolności umysłowych i zmysłowych.
Sam rozwój indywidualnych umiejętności sensorycznych, że tak powiem, może nie przynieść żadnego efektu poza lokalnym: na przykład wzrośnie zdolność rozróżniania dotyku lub poprawi się pamięć percepcji słuchowych. Bardzo chciałbym podkreślić, że ogólnym efektem jest poszerzenie ogólnej sfery zdolności sensorycznych i umysłowych: po prostu rodząca się, szybka myśl, po prostu powstające emocje, które powinny stać się możliwe do opanowania, szybkie i naturalne przechodzenie od tego, co ty i ja. powiedzmy pierwsze uczucia do kolejnych, kolorowych wizji wewnętrznych – efekt ten pojawi się tylko w tym przypadku, jeśli ćwiczenia treningowe ostatecznie spełnią następujące warunki:
Jeśli w ogóle każdy z nich ma określony cel fizyczny, nie licząc głównego, twórczego;
Jeżeli nauczyciel, monitorując realizację celu twórczego, ostatecznie będzie kontrolował cel fizyczny wykonywanego przez ucznia ćwiczenia;
Jeśli zakres celów fizycznych jest dość szeroki.
Stawiając sobie za każdym razem zadanie działania, podobnie jak za pierwszym razem, aktor musi przyczynić się do własnej twórczej natury, dlatego należy włączyć mechanizm spustowy organicznego działania za pomocą pamięci percepcji, myśli, wewnętrznych wizji i innych pokus i ponagla - aby twórcza natura stworzyła nową, syntetyzowaną wersję działania zgodnie z prawami, jak większość działań w życiu. Jest rzeczą oczywistą, że mimowolne - przez przypadek!
Aktor musi wyciągnąć następujące wnioski z tego, co powiedział:
· Ogólnie rzecz biorąc, konieczne jest nauczenie się kontrolowania kontrolera mięśni.
· Należy nauczyć się kontrolować przepływ wewnętrznych wizji, myśli, naprzemienność obrazów zmysłowych, przypadkowe przełączanie z jednego rozróżnienia zmysłowego na drugie.
· Trzeba w końcu nauczyć się opanowywać ciągłość logicznie rozwijającego się działania.
Ogólnie rzecz biorąc, zdolność naszego ciała do rejestrowania sekwencji i ciągłości uchwyconych epizodów życia musi zostać wykorzystana do wytworzenia umiejętności twórczych, logiki i spójności ciągłego ilustrowanego paska podtekstu. Wyobraź sobie, że temu celowi służą na treningu ćwiczenia typu „film dnia”.
Opanowanie, jak powszechnie wiadomo, czynności życiowych w szkoleniu aktorskim, obejmuje także opanowanie środków działania werbalnego. Jest rzeczą oczywistą, że żądamy ciągłości działania w ogóle, to znaczy ciągłości wszystkich części, z których się ono składa. I nie ma potrzeby nawet mówić o tym, jakie dokładnie części działania mentalnego.
Przyjmijmy, że każde działanie mentalne (w tym monolog wewnętrzny) istnieje w splocie 3 elementów:
Ø mowa mentalna,
Sh wstążka wizji,
Sh mikromowa.
Każda osoba może po prostu „podsłuchać” i „szpiegować” siebie to, tamto i trzecie.
Alternatywny rząd mentalne słowa a wyrażenia wypowiedziane do siebie po cichu będą nazywane mową mentalną. Nie jest tajemnicą, że myśli w formie łańcucha stale powstających wizji, gdy słowa nie są stale realizowane, są taśmą wizji.
Trzecia odmiana jest bardziej złożona. Nie jest tajemnicą, że nie jest to tylko połączenie części mowy mentalnej i wizji. Wydaje się, że jest to nagranie skrócone i pośpieszne, przeplatane materiałami filmowymi; skrócony konspekt sensoryczny, w którym jedno słowo zastępuje całą frazę, jeden odruch śladowy przywołuje cały kompleks określonego, fizycznego stanu zdrowia, a jeden obraz wizualny także niesie ze sobą kilkanaście skojarzeń. Oczywiście wszyscy doskonale wiemy, że ponieważ podstawą jest tu system werbalny, ten rodzaj działania umysłowego nazywamy mikromową. Każdy wie, że nie trzeba wspominać, że żadne z wymienionych zjawisk nie istnieje czysta forma. Bez wątpienia warto dodać, że każda myśl jest konglomeratem tych trzech składowych z dominacją pierwszego, drugiego lub trzeciego.
Owocność interakcji partnerów podczas komunikacji i zewnętrzna ekspresja dialogu w dużej mierze zależą od tego, jak myśli i mowa partnerów są niejako nasycone wizjami.
Wniosek ten inspiruje nas do skierowania naszej najpoważniejszej uwagi na trening wewnętrznych wizji.
Stanisławski domagał się, aby dla każdej roli powstał ciągły film z wewnętrznymi wizjami, ilustrującymi podtekst roli. Należy podkreślić, że umiejętność arbitralnego wywoływania wizji wewnętrznych (znowu i po raz setny!), umiejętność przechodzenia z jednej wizji na drugą – można i trzeba ćwiczyć!
Trenując zdolność mózgu do wywoływania i zatrzymywania wewnętrznych wizji, aktor nie tylko doskonali mechanizmy pamięci wzrokowej, ale także rozwija plastyczność układu nerwowego. Jest rzeczą oczywistą, że zdolność kontrolowania pojawiających się wewnętrznych wizji zwiększa zatem wrażliwość sensoryczną danej osoby.
Stanowisko Stanisławskiego w tym fragmencie pracy „Praca aktora nad sobą” jest jasne: działanie na partnera i postrzeganie tego działania przez innego partnera jest takim aktem, który wymaga aktywnego, świadomego wprowadzenia własnych emocji i wizji w drugiego, a dla partnera - aktywne postrzeganie tego, co w związku z tym jest przekazywane.
To właśnie na tej właściwości pamięci: rozwijaniu w czasie akcji i związanego z nią stanu emocjonalnego – opiera się możliwość żywego odtworzenia zmysłowego fragmentu roli, jeśli utwór został wcześniej przygotowany przez logikę i sekwencję przeszłych działań i wspierane jest, jak wielu ludzi sądzi, wizją figuratywną i mową mentalną.
Zatem głównym wymogiem przejawu zwiększonej sugestywności i autohipnozy jest zmniejszenie pozytywnego tonu kory. Każdy wie, że to, co można zrobić podczas komunikacji scenicznej, to wzmocnienie funkcji tej pierwszej system sygnalizacji? Można tego dokonać poprzez chęć zobaczenia na ekranie wewnętrznego widzenia wszystkiego, co zostanie powiedziane partnerowi lub, że tak powiem, co partner komunikuje.
Wreszcie, konkretność wizji odgrywa w tym procesie zasadniczą rolę.
Wizje ożywiają słowo. Byłoby źle, gdybyśmy nie zauważyli, że jest to druga strona samego procesu, w którym słowo ożywia wizje.
Nierozerwalne połączenie jest podstawowym prawem komunikacji życiowej. I rzeczywiście, do wzmocnienia komunikacji scenicznej i w ogóle wszystkich, jak wszyscy wiedzą, figuratywnych „prądów komunikacji wewnętrznej” Stanisławskiego, „stworzenia taśmy wizji ilustrujących podtekst”, „percepcji promieniowania i promieni” przydały się Stanisławskiemu.
I w ten sposób można wyciągnąć następujące wnioski.
Jak mówili i będą powtarzać praktycznie wszyscy reżyserzy, aktorzy, nauczyciele teatru: „Aktorstwa nie można uczyć, można tylko najlepszy scenariusz, naucz niektórych umiejętności aktorskich - reszta jest od Boga.
I tu pojawia się problem: umiejętność kształtuje się niejako poprzez jej ciągłe powtarzanie, jeśli nie codziennie, to przynajmniej co drugi dzień. Wyobraźcie sobie jeden fakt: zajęcia aktorskie muszą odbywać się raz w tygodniu. Nie jest tajemnicą, że jednak trzeba w końcu zauważyć, że nawet w takiej sytuacji da się ostatecznie osiągnąć określone rezultaty.
Podczas nauki w studiu, czy jak to się mówi, w szkole aktorskiej, studenci przechodzą „mistrzostwo aktora” ogromna ilość tematy:
Ш praca w szkoleniu aktorskim;
Ш praca „Jestem w proponowanych okolicznościach”;
Ш obserwacje: przedmiotu, zwierzęcia, dziecka, osoby;
Ш pracować z wyimaginowanym przedmiotem;
Ш pracować nad rolą;
Pracujemy nad obrazem itp.
Co przyczynia się, jak mawialiśmy, do organicznego odczuwania w okolicznościach scenicznych.
Aktorstwo jest ciekawe i potrzebne nie tylko tym, którzy swoje życie związali z teatrem czy kinem. Ma i jest całkowicie praktyczne zastosowanie. Na przykład umiejętność mówienia i wygłaszania przemówień, a następnie oratorium, doskonale uzupełnia aktorstwo. Wtedy efekt mowy mówionej będzie inny.
Takie umiejętności są przydatne podczas dyrygowania negocjacje biznesowe, pomagają w najlepszy możliwy sposób wyrazić swoje emocje.
Ogólnie rzecz biorąc, umiejętność aktorstwa jest całkiem przydatna w życiu codziennym. Uczy panowania nad emocjami, ekspresji i umiejętnego dostosowywania swojego zachowania do konkretnej sytuacji.
Jak uczyć się aktorstwa
Aby wiedzieć, jak zostać aktorem, musisz zrozumieć, czym jest aktorstwo. Według ogólnie przyjętej definicji, taką umiejętnością jest praca twórcza, która polega na tworzeniu obrazów. Chodzi o role.
W ten sposób aktor ulega przemianie, jego działania odzwierciedlają działania osoby, zgodnie z jej rolą.
Istnieje wiele szkół aktorskich i technik szkoleniowych. Wszystkie mają prawo istnieć, gdyż powstały w oparciu o wieloletnie doświadczenie i wiedzę teoretyczną.
Czym jest reinkarnacja
Należy zaznaczyć, że to właśnie transformacja jest centralnym elementem wszelkich działań aktora. Zachowuje się więc jak swój własny charakter. Emocje, mimika, wszelkie ruchy aktora muszą wyrażać istotę jego roli. Widzowie patrzą na aktora, ale postrzegają go jako swoją postać. Dlatego aktor musi przekazać całą gamę swoich doświadczeń i emocji.
Istnieją dwa podstawowe kierunki. Są niezbędne, aby nauczyć się być aktorem. To praca nad twoją rolą i nad tobą.
- Praca nad sobą polega na maksymalnej koncentracji i napięciu zdolności umysłowych aktora oraz cech silnej woli. Wykorzystuje całą swoją wyobraźnię, poczucie sprawiedliwości, doprowadza intensywność emocjonalną do najwyższych granic.
- Praca nad rolą wyraża się w stopieniu się z postacią. Stają się od siebie nierozłączni. Osobowość aktora nieuchronnie wpływa na postać; w jakiś sposób nadaje jej własne cechy. Jednocześnie postać lub rola wyraża się poprzez aktora. To, co się dzieje, to oddzielenie roli od prawdziwa osoba To po prostu niemożliwe.
Jednym z najbardziej znanych i uznanych na całym świecie systemów nauczania aktorstwa jest system Stanisławskiego. Uważał, że na proces twórczy aktora składają się cztery rodzaje elementów:
- aktywne skupienie i koncentracja;
- ciało nie powinno być napięte. Wymagana operacja plastyczna;
- prawidłową ocenę okoliczności, w jakich znajduje się aktor. Musi wierzyć w to, co robi i postrzegać swoją rolę jako rzeczywistość;
- gotowość do aktywnego działania.
Szkolenia takiego nie można ukończyć w jednym lub dwóch zajęciach. Wymagany jest cykl zajęć i szkoleń. W tym przypadku. Osoba zdobędzie podstawową wiedzę i umiejętności aktorskie. Ale trzeba je rozwijać, stale pracując nad sobą. Chociaż jest to dość ekscytujący proces i nie powoduje zmęczenia.
Szkolenie klasyczne składa się z następujących lekcji:
- Studium słynnego systemu Stanisławskiego. Lekcja ta stanowi wprowadzenie do podstaw systemu, jego elementów i zasad. Dzięki zdobytej wiedzy będziesz w stanie zrozumieć, jak prawidłowo pracować nad sobą i na co musisz zwrócić uwagę. Zrozumienie tych rzeczy pomoże Ci właściwie zorganizować codzienną pracę nad sobą. Zatem znajomość podstaw da Ci możliwość samodzielnej pracy i nauki aktorstwa „w domu”;
- Cechy zawodowe, które należy posiadać dobry aktor. Pomoże to również zorganizować pracę nad sobą. Walory są podkreślane w oparciu o szkoły aktorskie Meyerholda, Czechowa, Stanisławskiego. Za ich pomocą będzie można rozwijać uwagę, pamięć i sztukę mówienia. To wszystko są elementy transformacji. Każdy aktor ich potrzebuje;
- Zdolność do życia postacią. Przyzwyczajenie się do roli jest niezwykle ważne. To jest klucz do sukcesu transformacji. Aktor musi zacząć myśleć jak jego bohater, żyć swoimi doświadczeniami i przemyśleniami. W związku z tym potrzebne są określone mimika, gesty i emocje. Dzięki tę lekcję Będzie można zrozumieć procesy powstawania i manifestacji emocji. W ten sposób można opanować sztukę ich formowania i wyrażania. Przecież, żeby naprawdę wyrazić złość, radość czy smutek, trzeba doświadczyć tych uczuć w ramach roli;
- Przemówienie. Umiejętności mówienia scenicznego znacznie różnią się od umiejętności oratorskich lub umiejętności przekonywania za pomocą logiki. Dzięki tej lekcji możesz zrozumieć, jak poprawnie mówić i jak pracować nad swoją mową w przyszłości podczas samodzielnej nauki.
zapewnią istniejące kursy i szkolenia online ogólny pomysł o podstawach tej umiejętności. Nauczą człowieka rozumieć istotę działania, zasady, według których następuje transformacja i jak tę transformację osiągnąć.
Mając taką wiedzę warto kontynuować niezależne studia. I każdego dnia powinieneś ciężko pracować nad sobą.
Podczas szkolenia uczestnik kursu otrzyma nie tylko wiedzę teoretyczną z podstaw aktorstwa, ale także zdobędzie umiejętności praktyczne. Będą musiały być nadal rozwijane w domu.
Ponadto uczeń pozna podstawowe techniki, które pomogą rozwinąć umiejętność. Na przykład umiejętność parodii można nazwać początkiem aktorstwa. W ten sposób nabywa się cały szereg przydatnych umiejętności.
Przecież parodia to nie wybryki i demonstracja przesadnych właściwości przedmiotu imitacji. Jest to złożony proces rozpoczynający się od obserwacji. Jest to głębokie zrozumienie i odczucie obiektu. W końcu każda osoba lub zwierzę ma unikalne ruchy, właściwe tylko im. I to drobne ruchy odróżniają obiekt od masy podobnych. Konieczne jest również rozwinięcie mimiki i ruchomości mięśni twarzy. Dlatego musisz go nasycić, stać się takim jak on. Wtedy parodia okaże się wiarygodna i elegancka.
Bycie artystą nie jest łatwym zadaniem. Prawdą jest, że mówią, że najważniejszy jest dar, ale wiedza to także potęga. Ucz się aktorstwa umiejętność odpowiedni nie tylko dla tych, którzy chcą grać w filmach, ale także w życiu. Zajęcia wyzwolą Cię i nauczą pewnego zachowania w każdej sytuacji. Można uczyć się aktorstwa całe życie i ciągle odkrywać coś nowego.
Będziesz potrzebować
- Wyobraźnia, odwaga, chłodna mowa, wiedza o reinkarnacji
Instrukcje
1. Czytaj książki. Możesz samodzielnie zgłębiać podstawy aktorstwa. Aby to zrobić, kup książki o aktorstwie. umiejętność. Uczniom szkół teatralnych polecamy lekturę Stanisławskiego i Michaiła Czechowa. Książki nauczą Cię słuchać swoich uczuć, rozwiną wyobraźnię i dadzą szereg przydatnych rekomendacji. Obejrzyj filmy, zobacz grę aktorów, pomyśl, jak byś zagrał tę rolę. Oczywiście artysta nie ma praktyki bez praktyki, ale książki i filmy nie są złą pomocą dydaktyczną.
2. Niezależna transformacja. Po przestudiowaniu teorii przejdź do praktyki. Wybieraj monologi, bajki, wiersze i ćwicz przed lustrem, kamerą wideo i przyjaciółmi. Ćwicz różne obrazy, ustawienia, intonacje. Eksperyment. Jeśli nagrywasz siebie, masz wspaniałą okazję do obejrzenia swojego występu i pracy nad swoimi błędami. Jeśli odegrasz skecz przed znajomymi, oznacza to, że pozbędziesz się strachu przed wystąpieniami publicznymi.
3. Specjaliści. Jeśli trudno Ci zrozumieć istotę, zapisz się na kursy sceniczne lub studia sceniczne. Certyfikowani eksperci będą tam z Tobą współpracować, bywały w tej sprawie. Oprócz programu czytania będziesz szkolony w zakresie mowy, ruchów scenicznych, sztuk plastycznych i śpiewu. Generalnie podchodzą do aktorstwa ze wszystkich stron. Na kursy może zapisać się każdy. Wystarczy przygotować program lektur i opłacić zajęcia. Studia sceniczne różnią się od kursów tym dodatkowo proces edukacyjny możesz wziąć udział w zabawie z kolegami z klasy. Zatem od razu zajmij się aktorstwem.
4. Ewolucje. Naucz się wreszcie aktorstwa umiejętność dozwolone w murach szkół specjalistycznych. I miłe, połącz z odpowiednim, a jednocześnie zdobądź dyplom wykształcenie wyższe. Aby to zrobić, przygotuj program niezbędne dokumenty i idź na przesłuchanie.
Obecnie aktorstwo we wszystkich jego formach i rodzajach przeżywa gwałtowny rozkwit i popularyzację. Każdego dnia na ekranach kin pojawiają się tysiące filmów, z których większość zachwyca pomysłami i kunsztem bohaterów. Ponadto w każdym mieście znajdują się teatry, domki dla lalek i inne miejsca użyteczności publicznej, w których codziennie pokazywane są także rozmaite spektakle, sztuki teatralne, komedie, a każdy ma możliwość obejrzenia profesjonalnego występu obsady.
Znaczenie tej sfery życia nie podlega dyskusji. Dlatego tysiące młodych chłopców i dziewcząt od dzieciństwa marzy o zostaniu gwiazdami, aby zdobyć wyżyny tej sfery i zyskać miliony fanów na całym świecie. Jednak same chęci okazują się niestety katastrofalnie niewystarczające. Dostanie się do szkoły zawodowej wymaga wiele wysiłku, a jeszcze więcej wysiłku, aby załapać się na wszystkie lekcje w locie. Oczywiście w Archangielsku są naprawdę przyzwoite kursy aktorskie http://arhangelsk.videoforme.ru/actors_school/actor-full/artist, ale poza tym samorozwój powinien zająć większość szkolenia początkującego. Najlepsze gwiazdy światowego kina twierdzą, że kiedyś otrzymywały od kogokolwiek tylko 50% swojej wiedzy instytucja edukacyjna. Cała reszta to niekończąca się praca nad sobą!
Od czego powinien zacząć nowicjusz?
Wśród młodych i zdolnych adeptów tej sztuki ćwiczenia aktorskie cieszą się dużym zainteresowaniem. Warto sprawdzić, dlaczego tak się dzieje i czy zasługują na uwagę.
Jak już wspomniano, ważny jest samorozwój przyszłych gwiazd. W tym celu wymyślono ogromną liczbę ćwiczeń, które pomagają nie tylko poznać wszystkie zawiłości tej dziedziny, ale także w pełni odkryć w sobie to bardzo profesjonalne. Takie techniki istnieją w różne typy i kombinacje. Niektóre z nich pomagają rozwijać mimikę, inne pomagają rozwijać mowę, inne pomagają uczyć, jak szybko przekształcić się w inną postać i tak dalej. Wśród milionów takich technik warto wyróżnić kilka podstawowych, które pomogą Ci pokazać się w całej okazałości.
Podstawowe ćwiczenia aktorskie
I tak podchodząc do szczegółowej analizy każdego ćwiczenia, warto stwierdzić, że wśród ich ogromnej liczby trudno wybrać to najlepsze. Wepchnąć się w tym przypadku musisz przeanalizować co najmniej jedną opcję, aby trenować różne aspekty.
Ćwicz jeden. Trening pamięci
Rozpoczynając ćwiczenia rozwijające umiejętności aktorskie, trzeba najpierw zacząć ćwiczyć pamięć. W końcu nie jest tajemnicą, że każdy aktor, czy to początkujący amator, czy znany specjalista, musi codziennie uczyć się ogromnej liczby słów i wersów.
Aby wytrenować swój mózg, najlepsi naukowcy na świecie opracowali technologię, która pozwala zapamiętać wiele informacji. Nazwa tej technologii to mnemonika i polega na tym, że trzeba zapamiętywać nie „surowe” słowa i frazy, ale kojarzyć je z obrazami, obrazami i tak dalej.
Samo ćwiczenie wygląda następująco. Twoim zadaniem jest zapisanie niezbędnych słów lub zwrotów, których chciałbyś się dzisiaj nauczyć. Następnie przeczytaj je na głos kilka razy i spróbuj wymyślić dla każdego indywidualne skojarzenie. Nie komplikuj sobie życia, po prostu wyobraź sobie jasny obraz w swojej głowie i tak dalej ze wszystkimi zwrotami i zwrotami.
W rezultacie otrzymasz coś w rodzaju wyimaginowanej taśmy filmowej, na której sekwencyjnie prezentowany jest cały materiał, którego potrzebowałeś do nauki.
Ćwiczenie drugie. Trening wyobraźni
Kontynuując ciekawe ćwiczenia aktorskie, warto przejść do treningu własnej wyobraźni. Naukowcy udowadniają, że ludzka wyobraźnia nie ma granic, dlatego widzimy sny, z których część może wydawać się kompletną bzdurą.
Ta część przygotowania odgrywa ważną rolę, ponieważ tylko przeszkolona osoba będzie w stanie jak najdokładniej odegrać niezbędną rolę i wyprodukować niezapomniane przeżycie na widzów i współpracowników.
Samo ćwiczenie jest banalne. Idąc ulicą, trzeba zwracać uwagę na obcych i wygląd i maniery, przedstaw je pozycja życiowa, zawód, stan cywilny. To bardziej przypomina trenowanie jakichś psychicznych cytatów, ale uwierz mi, to ćwiczenie Będzie to bardzo pomocne dla każdego nowicjusza!
Ćwiczenie nr 3. Rozwijanie wyobraźni
„Bieganie” po Internecie z prośbą: „Ćwiczenia aktorskie dla początkujących”, zwróć uwagę na ćwiczenia rozwijające wyobraźnię. W końcu jest to ważny aspekt w karierze każdego aktora.
Jak możesz rozwijać swoją wyobraźnię? Wszystko jest banalnie proste. Umieść przed sobą dowolny przedmiot (krzesło, zabawkę, element garderoby lub coś innego) i spróbuj, korzystając ze swojej wyobraźni, powiedzieć, z czego i w jaki sposób ten przedmiot jest wykonany. Uwierzcie mi, takie podejście do gamingu tylko zwiększa szanse na lepszy efekt!
Ćwiczenie czwarte. Rozwijanie mimiki twarzy
A teraz dochodzimy do bardzo ważnej części samorozwoju dla początkującego profesjonalisty. Każdy to wie trudne zadanie profesjonalizm to jak najbardziej prawdziwy przekaz emocji. I często zdarza się, że trzeba przed kamerą ukazać silną złość lub płacz, podczas gdy za kulisami wszyscy żartują i dobrze się bawią.
Aby wykonać to ćwiczenie, zapisz na kartce papieru określoną liczbę niezbędnych emocji, które chcesz dzisiaj wzmocnić. A następnie po kolei naśladuj każdego z nich przed lustrem. Po zakończeniu ćwiczenia poproś też bliską Ci osobę o ocenę Twoich umiejętności. Pokaż mu wyuczone emocje i wysłuchaj jego krytyki.
Ćwiczenie nr 5. Mowa jest najważniejsza!
A teraz, po wymienieniu czterech głównych ćwiczeń mających na celu wszechstronny rozwój, należy przejść do najważniejszego „ wizytówka„profesjonalny. W końcu większość ról odgrywają ludzie z poprawną mową i umiejętnością prawidłowego wyrażania swoich myśli.
Aby osiągnąć ten cel, wszystkie metody będą dobre. Czytaj dużo różnorodna literatura, łamańce językowe, specjalne słowa i tak dalej. Ponadto naucz się poprawnie robić pauzy między słowami, gdy następuje zmiana idei tekstu, jego zawieszenie itp. Konieczne jest również ustawienie efektu wykrzyknika i pytania tak poprawnie, jak to możliwe, aby brzmiał i wyglądał żywotnie i bez fanatyzmu.
Aby zostać utalentowanym aktorem, trzeba włożyć ogromny wysiłek i czas. Ale każda droga na szczyt chwały zaczyna się od samorozwoju, dlatego warto najpierw zacząć od siebie. W tym celu istnieje wiele ćwiczeń mających na celu trenowanie wszystkich aspektów aktora i jego umiejętności.
„Podstawy aktorstwa”
Wstęp
System K.S. Stanisławski jako podstawa wychowania aktora i reżysera
Praca aktora nad rolą
Praca reżysera nad spektaklem
Etyka teatru
Wniosek
Lista wykorzystanych źródeł
Wstęp
Aby początkujący aktorzy i reżyserzy poznali podstawy sztuki scenicznej, muszą przestudiować system Konstantina Stanisławskiego. Został zaprojektowany jako praktyczny przewodnik, który rozwiązuje problem świadomego panowania nad podświadomymi procesami twórczymi i bada sposób przekształcenia aktora w obraz. Wieloletnia praca Stanisławskiego jako aktora i reżysera skłoniła go do napisania książki „Moje życie w sztuce”. Napisał także książkę „Praca aktora nad sobą” i zamierzał wydać książki „Praca aktora nad rolą” i „Praca reżysera nad sztuką”, ale nie miał czasu, ale możemy je przestudiować tematy ze szkiców opublikowanych w dziełach zebranych.
Jego system opiera się na zasadach i metodach prawdziwego działania. W swoich książkach opiera się na faktach, które pomagają odkryć najważniejsze temat kreatywny i wdrożyć to. Jego twórczość wzbogacona jest pomysłami i wyrazistością artystycznego wyrazu.
Stanisławski rygorystycznie podchodzi do wszystkiego, co dotyczy teatru. Jest niezwykle samokrytyczny i nieprzekupny. Każdy błąd jest lekcją, a każde zwycięstwo krokiem w stronę poprawy.
Również w archiwach Stanisławskiego można znaleźć prace z zakresu etyki teatralnej. Przywiązywał dużą wagę do moralnego charakteru aktora. Ale już w „Moim życiu w sztuce” sporo uwagi poświęcił zagadnieniom etycznym.
Pod silnym, nieodpartym wpływem kreatywne pomysły Stanisławski rozwija nowoczesną sztukę teatralną.
System K.S. Stanisławskiego jako podstawa wychowania aktora i reżysera
System Stanisławskiego ma znaczenie podstawy zawodowe sztuki performatywne. Powstał jako uogólnienie doświadczeń twórczych i pedagogicznych Stanisławskiego, jego teatralnych poprzedników i współczesnych. Odkrycia Stanisławskiego, który odkrył najważniejsze prawa działania, zakorzenione w samej naturze człowieka, zrewolucjonizowały świat sztuki teatralne I pedagogika teatralna. Główna zasada Systemy Stanisławskiego są prawdą życia. Nauczyciel szkoły teatralnej musi nauczyć się odróżniać prawdę sceniczną od kłamstwa; w tym celu należy porównać przedstawienie dowolnego z nich zadanie twórcze z prawdą o samym życiu. To droga do prawdziwej, żywej teatralności.
Aby wszystko z życia nie zostało wciągnięte na scenę, konieczna jest selekcja. Selekcję ułatwia druga zasada Stanisławskiego – superzadanie. To nie jest sam pomysł, tylko cel, dla którego ten pomysł jest wdrażany. Są to aspiracje autora, aby swoją twórczością uczestniczyć w walce o coś nowego. Doktryna superzadania jest nie tylko wymogiem ze strony aktora twórczości ideologicznej, ale także wymogiem jego działalności ideologicznej. Mając na uwadze ostateczny cel, artysta nie popełnia błędów ani w doborze materiału, ani w wyborze techniki i środki wyrazu.
Trzecia zasada systemu Stanisławskiego to zasada uznająca działanie za sprawcę przeżyć scenicznych i główny materiał w sztuce aktorskiej. To ważna zasada praktycznej części systemu – sposobu pracy nad rolą. Wszystkie instrukcje metodologiczne i technologiczne Stanisławskiego mają na celu przebudzenie naturalnej ludzkiej natury aktora dla organicznej kreatywności zgodnie z superzadaniem. W pracy aktora nie powinno być nic sztucznego, nic mechanicznego, wszystko powinno spełniać wymóg organiczności – to czwarta zasada Stanisławskiego.
Ostatnim etapem procesu twórczego w sztuce aktorskiej, z punktu widzenia Stanisławskiego, jest stworzenie obrazu scenicznego poprzez organiczną twórczą przemianę aktora w postać. Zasada reinkarnacji jest decydującą zasadą systemu. Ale sztuka aktorska jest sprawą drugorzędną – występem. Aktor w swojej twórczości opiera się na innej sztuce - sztuce dramaturga. A w twórczości dramaturga obrazy są już dane, choć w formę literacką. Jeśli odpowiednio ubrany i umalowany aktor w ogóle kompetentnie odczyta swoją rolę, to na pewno obraz artystyczny. Twórcą takiego obrazu nie jest aktor; jego twórcą był i pozostaje dramatopisarz. Widz nie widzi jednak na scenie dramatopisarza, lecz aktora i odbiera wrażenia z jego występu. Jeśli aktor nie przyciąga widzów swoim wizerunkiem, ale swoim urokiem osobistym lub wyglądem, jest to sztuka fałszywa. Stanisławski był przeciwny narcyzmowi i pokazowi siebie. Aktor powinien kochać nie siebie w obrazie, nauczał Stanisławski, ale obraz w sobie.
Stanisławski przywiązywał dużą wagę do zewnętrznego charakteru i sztuki przemiany aktora. Zasada transformacji obejmuje szereg technik twórczości scenicznej. Aktor stawia się w proponowanych okolicznościach i pracuje nad rolą od siebie. Stać się innym, pozostając sobą, to formuła nauczania Stanisławskiego. Nie można ani na chwilę zatracić się na scenie i oderwać tworzonego obrazu od własnej organicznej natury, bo materiałem do tworzenia obrazu jest właśnie to, co żywe. osobowość człowieka samego aktora. Stanisławski podkreśla, że aktor w procesie pracy nad rolą, kumulując wewnętrzne i zewnętrzne walory obrazu, stopniowo odmieniając się i całkowicie przekształcając w obraz, nieustannie sprawdza siebie – czy pozostaje sobą, czy nie. Ze swoich działań, uczuć, myśli, ze swojego ciała i głosu aktor musi stworzyć dany mu obraz, „pochodzić od niego samego” - takie jest prawdziwe znaczenie formuły Stanisławskiego.
Praca aktora nad rolą
Praca nad rolą składa się z czterech dużych okresów: poznania, doświadczenia, ucieleśnienia i wpływu. Poznanie jest okresem przygotowawczym. Zaczyna się od pierwszego zapoznania się z rolą. Wiedzieć znaczy czuć. Jednak pierwsze wrażenie również może być mylne. Zło błędne opinie przeszkadzać w dalszej pracy aktora. Dlatego należy zwrócić uwagę szczególną uwagę czytam sztukę po raz pierwszy i jestem w dobrym nastroju stan umysłu i nie słuchaj opinii innych ludzi, dopóki Twoja własna nie stanie się silniejsza.
Drugim momentem dużego okresu przygotowawczego poznania jest proces analizy. To kontynuacja poznawania roli. To poznanie całości poprzez jej studiowanie poszczególne części. Wynikiem analizy artystycznej jest sensacja. W sztuce tworzy uczucie, a nie umysł; należy do uczucia główną rolę i inicjatywa. Analiza artystyczna jest przede wszystkim analizą uczucia wywołanego przez samo uczucie.
Twórczymi celami analizy poznawczej są:
1) w badaniu dzieła;
2) w poszukiwaniu duchowego i innego materiału twórczego zawartego w grze i samej roli;
3) w poszukiwaniu tego samego materiału w samym artyście (samoanaliza);
4) w przygotowaniu gruntu w duszy na pojawienie się uczucia twórczego, zarówno świadomego, jak i nieświadomego;
5) w poszukiwaniu twórczych bodźców dających przebłyski twórczej pasji i ożywiających te fragmenty spektaklu, które nie ożyły podczas pierwszego czytania.
Środkami analizy poznawczej są zachwyt i fascynacja. Nadświadomie pojmują to, co niedostępne dla wzroku, słuchu, świadomości i najbardziej wyrafinowanego pojmowania sztuki. Ten najlepszy środek poszukiwanie w sobie bodźców twórczych.
Proces analizy poznawczej opiera się na przedstawieniu obecności faktów, ich kolejności i powiązania. Wszystkie fakty reprezentują wygląd sztuki.
Trzeci punkt to proces tworzenia i ożywiania okoliczności zewnętrznych. Animacja realizowana jest poprzez wyobraźnię artystyczną. Artysta wyobraża sobie dom, wnętrze ze spektaklu lub tamtych czasów, ludzi i niejako obserwuje – bierze w nim bierną rolę.
Czwarty punkt to proces tworzenia i ożywiania okoliczności wewnętrznych. Dokonuje się to przy aktywnym udziale twórczego uczucia. Teraz artysta poznaje tę rolę poprzez własne odczucia, z autentycznym uczuciem. W żargonie aktorskim proces ten nazywa się „ja jestem”, co oznacza, że artysta zaczyna „być”, „istnieć” w życiu spektaklu.
Jeśli artysta ma technicznie twórcze poczucie dobrego samopoczucia, stan istnienia „ja jestem”, poczucie wyimaginowanego obiektu, komunikację i zdolność do autentycznego działania w przypadku jego spotkania, może tworzyć i animować okoliczności zewnętrzne i wewnętrzne życia ludzki duch.
Okres poznania kończy się tzw. powtórzeniem – oceną faktów i wydarzeń spektaklu. Aktor powinien tu poruszyć jedynie samą sztukę, jej prawdziwe fakty. Ocena faktów polega na poznaniu okoliczności życie wewnętrzne sztuk, pomaga odnaleźć ich sens, istotę duchową i stopień ich doniosłości. Ocena faktów oznacza odkrycie tajemnicy osobistego życia duchowego portretowanej osoby, ukrytej pod faktami i tekstem sztuki. Problem w tym, że jeśli artysta nie doceni lub przeceni fakty, naruszy wiarę w ich autentyczność.
Drugi okres twórczy- okres doświadczeń jest okresem twórczym. To jest główny, główny okres twórczości. Twórczy proces doświadczania jest organiczny, oparty na prawach duchowych i charakter fizyczny człowieka, na autentycznych uczuciach i pięknie. Akcja sceniczna to ruch od duszy do ciała, od wnętrza do zewnętrza, od doświadczenia do ucieleśnienia; jest to chęć wykonania superzadania w ramach kompleksowego działania. Zewnętrzne działanie na scenie nie jest duchowe, nieusprawiedliwione, nie jest spowodowane działaniem wewnętrznym, jest jedynie zabawą dla oczu i uszu, ale nie przenika duszy, nie ma żadnego znaczenia dla życia ducha ludzkiego. Sceniczna jest tylko twórczość oparta na działaniu wewnętrznym.
Środkiem pobudzania pasji twórczej jest zadanie twórcze. Jest motorem kreatywności, ponieważ jest przynętą uczuć artysty. Zadania takie pojawiają się albo świadomie, to znaczy są wskazywane przez nasz umysł, albo rodzą się nieświadomie, same, intuicyjnie, emocjonalnie, to znaczy są podpowiadane żywe uczucie i twórczą wolę artysty. Zadania tworzone intuicyjnie, nieświadomie, są następnie oceniane i rejestrowane przez świadomość. Oprócz zadań świadomych i nieświadomych istnieją zadania mechaniczne i motoryczne. Przecież z biegiem czasu i częstym powtarzaniem cały proces wchłania się tak mocno, że zamienia się w nieświadomy, mechaniczny nawyk. Te mentalne i fizyczne nawyki motoryczne wydają nam się proste i naturalne, wykonują się same.