Ενδιαφέρουσες νεκρές φύσεις. Νεκρές φύσεις. Σχεδιάζουμε αυτό που έχουμε στο χέρι. Η Βρετανίδα Σεσίλ Κένεντι

Ας περάσουμε στο τελικό στάδιο αυτής της σειράς αναρτήσεων για το είδος της νεκρής φύσης. Θα είναι αφιερωμένο στο έργο Ρώσων καλλιτεχνών.

Ας ξεκινήσουμε με τον Φιοντόρ Πέτροβιτς Τολστόι (1783-1873). Γραφικά νεκρής φύσης από τον F.P. Ο Τολστόι, διάσημος Ρώσος γλύπτης, μετάλλιο, σχεδιαστής και ζωγράφος, είναι ίσως το πιο εξαιρετικό και πολύτιμο μέρος της δημιουργικής του κληρονομιάς, αν και ο ίδιος ο καλλιτέχνης είπε ότι δημιούργησε αυτά τα έργα «τον ελεύθερο χρόνο του από σοβαρές σπουδές».

Η κύρια ιδιότητα των σχεδίων νεκρής φύσης του Τολστόι είναι η απατηλή φύση τους. Ο καλλιτέχνης αντέγραψε προσεκτικά τη φύση. Προσπάθησε, με τα δικά του λόγια, «με αυστηρή σαφήνεια να μεταφέρει από τη ζωή στο χαρτί το αντιγραμμένο λουλούδι όπως είναι, με όλες τις παραμικρές λεπτομέρειες που ανήκουν σε αυτό το λουλούδι». Για να παραπλανήσει τον θεατή, ο Τολστόι χρησιμοποίησε ψευδαισθησιακές τεχνικές όπως η εικόνα με σταγόνες δροσιάς ή ημιδιαφανές χαρτί που καλύπτουν το σχέδιο και βοηθούν στην εξαπάτηση του βλέμματος.

Ο Ilya Efimofich Repin (1844-1930) επίσης πολλές φορές στράφηκε σε ένα τέτοιο μοτίβο νεκρής φύσης όπως τα λουλούδια. Τέτοια έργα περιλαμβάνουν τον πίνακα "Ανθοδέσμη του φθινοπώρου" (1892, Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα), όπου ο καλλιτέχνης απεικονίζει με την ίδια προσοχή φθινοπωρινό τοπίο, μια νεαρή γυναίκα που στέκεται με φόντο χρυσά δέντρα, και ένα λιτό μπουκέτο από κίτρινα και λευκά λουλούδια στα χέρια της.

Ι. Ρέπιν. Φθινοπωρινό μπουκέτο. Πορτρέτο της Βέρα Ρεπίνα. 1892, Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Η ιστορία του πίνακα "Μήλα και φύλλα" είναι κάπως ασυνήθιστη. Η νεκρή φύση, που συνδυάζει φρούτα και φύλλα, ανέβηκε για τον μαθητή του Repin, V.A. Serova. Η σύνθεση του θέματος άρεσε τόσο πολύ στον δάσκαλο που αποφάσισε να ζωγραφίσει ο ίδιος μια τέτοια νεκρή φύση. Τα λουλούδια και οι καρποί προσέλκυσαν πολλούς καλλιτέχνες, οι οποίοι τα προτιμούσαν μεταξύ άλλων, που έδειχναν πιο ποιητικά και όμορφα τον φυσικό κόσμο. Ακόμη και σε. Ο Kramskoy, ο οποίος περιφρονούσε αυτό το είδος, απέτισε φόρο τιμής στη νεκρή φύση, δημιουργώντας τον εντυπωσιακό πίνακα "Bouquet of Flowers. Phloxes» (1884, Γκαλερί Τρετιακόφ, Μόσχα).

Ο Βαλεντίν Αλεξάντροβιτς Σέροφ (1865-1911) είναι γνωστός στους περισσότερους από εμάς ως καλλιτέχνης που έδωσε προσοχή στη δουλειά του στο τοπίο, την προσωπογραφία και την ιστορική ζωγραφική. Ωστόσο, πρέπει να σημειωθεί ότι το θέμα στο έργο του έπαιζε πάντα σημαντικό ρόλο και συχνά κατείχε την ίδια ισότιμη θέση με άλλα στοιχεία της σύνθεσης. Λίγο πιο πάνω, ανέφερα ήδη το μαθητικό του έργο «Μήλα σε φύλλα», 1879, που ολοκληρώθηκε υπό τη διεύθυνση του Ρέπιν. Αν συγκρίνετε αυτό το έργο με ένα έργο που γράφτηκε για το ίδιο θέμα από τον Ρέπιν, μπορείτε να δείτε ότι η νεκρή φύση του Σερόφ μοιάζει περισσότερο με ετιντ από τη ζωγραφική του δασκάλου του. Ο αρχάριος καλλιτέχνης χρησιμοποίησε χαμηλή άποψη, έτσι το πρώτο και το δεύτερο σχέδιο συνδυάζονται και το φόντο μειώνεται.

Ο πίνακας "Κορίτσι με ροδάκινα", γνωστός σε όλους από την παιδική ηλικία, ξεπερνά το είδος πορτρέτου και δεν είναι τυχαίο ότι ονομάζεται "Κορίτσι με ροδάκινα" και όχι "Πορτρέτο της Βέρα Μαμόντοβα". Μπορούμε να δούμε ότι τα χαρακτηριστικά του πορτρέτου, του εσωτερικού και της νεκρής φύσης συνδυάζονται εδώ. Ο καλλιτέχνης δίνει την ίδια προσοχή στην εικόνα ενός κοριτσιού με μια ροζ μπλούζα και μερικά αλλά επιδέξια ομαδοποιημένα αντικείμενα. Τα ωχροκίτρινα ροδάκινα βρίσκονται σε ένα άσπρο τραπεζομάντιλο, Φύλλα σφενδάμουκαι ένα γυαλιστερό μαχαίρι. Άλλα πράγματα στο βάθος είναι επίσης ζωγραφισμένα με αγάπη: καρέκλες, ένα μεγάλο πορσελάνινο πιάτο που διακοσμεί τον τοίχο, ένα ειδώλιο ενός στρατιώτη, ένα κηροπήγιο στο περβάζι. Το φως του ήλιου που πέφτει από το παράθυρο και ρίχνει φωτεινές αντανακλάσεις σε αντικείμενα προσδίδει στην εικόνα μια ποιητική γοητεία.

Ο Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) έγραψε: «Και πάλι με χτυπάει, όχι, δεν το κάνει, αλλά ακούω αυτή την οικεία εθνική νότα που θέλω τόσο να πιάσω στον καμβά και στο στολίδι. Αυτή είναι η μουσική ενός ολόκληρου ανθρώπου, που δεν διαμελίζεται από τους περισπασμούς της τακτοποιημένης, διαφοροποιημένης και χλωμής Δύσης».

Στην Ακαδημία Τεχνών, ο αγαπημένος δάσκαλος του Vrubel ήταν ο Pavel Chistyakov, ο οποίος δίδαξε τον νεαρό ζωγράφο να «ζωγραφίζει με τη μορφή» και υποστήριξε ότι ογκομετρικές μορφέςΔεν πρέπει να δημιουργούνται σε χώρο με σκίαση και περιγράμματα, πρέπει να χτίζονται με γραμμές. Χάρη σε αυτόν, ο Vrubel έμαθε όχι μόνο να δείχνει τη φύση, αλλά να διεξάγει μια οικεία, σχεδόν στοργική συνομιλία μαζί της. Η υπέροχη νεκρή φύση του πλοιάρχου "Rose Hip" (1884) έγινε με αυτό το πνεύμα.

Με φόντο την εξαιρετική κουρτίνα με φυτικά μοτίβα, ο καλλιτέχνης τοποθέτησε ένα κομψό στρογγυλό βάζο ζωγραφισμένο με ανατολίτικα σχέδια. Το λεπτό λευκό λουλούδιτριανταφυλλιές, σκιασμένες από γαλαζοπράσινο ύφασμα, και τα φύλλα του φυτού σχεδόν συγχωνεύονται με τον αμυδρά αστραφτερό μαύρο λαιμό του αγγείου. Αυτή η σύνθεση είναι γεμάτη με ανέκφραστη γοητεία και φρεσκάδα, στην οποία ο θεατής απλά δεν μπορεί παρά να υποκύψει.

Ο Γ.Ν πέτυχε μεγάλη δεξιότητα στη δημιουργία «ψεύτικων» νεκρών φύσεων. Teplov και T. Ulyanov. Τις περισσότερες φορές απεικόνιζαν έναν τοίχο σανίδας στον οποίο σχεδιάζονταν κόμποι και φλέβες ξύλου. Διάφορα αντικείμενα ήταν κρεμασμένα στους τοίχους ή κρυμμένα πίσω από καρφωμένες κορδέλες: ψαλίδι, χτένες, γράμματα, βιβλία, τετράδια μουσικής. Ρολόγια, μελανοδοχεία, μπουκάλια, κηροπήγια, πιάτα και άλλα μικροαντικείμενα τοποθετούνται σε στενά ράφια. Φαίνεται ότι ένα τέτοιο σύνολο αντικειμένων είναι εντελώς τυχαίο, αλλά στην πραγματικότητα αυτό απέχει πολύ από την περίπτωση. Κοιτάζοντας τέτοιες νεκρές φύσεις, μπορεί κανείς να μαντέψει για τα ενδιαφέροντα των καλλιτεχνών που έπαιζαν μουσική, διάβαζαν και ενδιαφέρονταν για την τέχνη. Οι δάσκαλοι απεικόνιζαν με αγάπη και επιμέλεια πράγματα αγαπητά τους. Αυτοί οι πίνακες αγγίζουν την ειλικρίνεια και τον αυθορμητισμό της αντίληψης της φύσης.

Ο Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) αφιέρωσε επίσης μεγάλο μέρος του έργου του στο είδος της νεκρής φύσης. Στους χαρούμενους καμβάδες του μπορείτε να δείτε φωτεινά σατέν υφάσματα, αστραφτερά χάλκινα σαμοβάρια, τη λάμψη από πήλινα και πορσελάνη, κόκκινες φέτες καρπούζι, τσαμπιά σταφύλια, μήλα και νόστιμα cupcakes. Ένας από τους αξιόλογους πίνακές του είναι «Η σύζυγος του εμπόρου στο τσάι», 1918. Είναι αδύνατο να μην θαυμάσετε τη λαμπερή λαμπρότητα των αντικειμένων που φαίνονται στον καμβά. Ένα αστραφτερό σαμοβάρι, έντονο κόκκινο πολτό από καρπούζια, γυαλιστερά μήλα και διαφανή σταφύλια, ένα γυάλινο βάζο με μαρμελάδα, ένα επιχρυσωμένο μπολ ζάχαρης και ένα φλιτζάνι που στέκεται μπροστά στη γυναίκα του εμπόρου - όλα αυτά προσθέτουν μια εορταστική διάθεση στην εικόνα.

Στο είδος των νεκρών φύσεων, δόθηκε μεγάλη προσοχή στις λεγόμενες «νεκρές φύσεις τέχνασμα». Πολλές νεκρές φύσεις είναι «ψεύτικες», παρά το γεγονός ότι κύρια δραστηριότηταπαραπλανούσε τον θεατή, έχουν αναμφισβήτητα καλλιτεχνικά πλεονεκτήματα, ιδιαίτερα αισθητά στα μουσεία, όπου, κρεμασμένα στους τοίχους, τέτοιες συνθέσεις, φυσικά, δεν μπορούν να εξαπατήσουν το κοινό. Αλλά υπάρχουν εξαιρέσεις εδώ. Για παράδειγμα, η «Νεκρή φύση με βιβλία», που έγινε από τον Π.Γ. Ο Bogomolov, εισάγεται σε μια απατηλή «βιβλιοθήκη», και οι επισκέπτες δεν αντιλαμβάνονται αμέσως ότι είναι απλώς ένας πίνακας ζωγραφικής.

Πολύ καλό το “Still Life with a Parrot” (1737) του Γ.Ν. Teplova. Με τη βοήθεια καθαρών, ακριβών γραμμών που μετατρέπονται σε απαλά, λεία περιγράμματα, ελαφριές, διαφανείς σκιές και λεπτές χρωματικές αποχρώσεις, ο καλλιτέχνης δείχνει μια ποικιλία αντικειμένων κρεμασμένα σε έναν τοίχο σανίδας. Το ξύλο αποδίδεται αριστοτεχνικά, οι γαλαζωπές, ροζ, κιτρινωπές αποχρώσεις του βοηθούν να δημιουργηθεί μια σχεδόν πραγματική αίσθηση της φρέσκιας μυρωδιάς του φρεσκοπλανισμένου ξύλου.

Οι ρωσικές «ψευδείς» νεκρές φύσεις του 18ου αιώνα δείχνουν ότι οι καλλιτέχνες δεν είναι ακόμη αρκετά επιδέξιοι στη μεταφορά του χώρου και των τόμων. Είναι πιο σημαντικό για αυτούς να δείχνουν την υφή των αντικειμένων, σαν να μεταφέρονται σε καμβά από την πραγματικότητα. Σε αντίθεση με τις ολλανδικές νεκρές φύσεις, όπου τα πράγματα απορροφημένα από το φωτεινό περιβάλλον απεικονίζονται σε ενότητα με αυτό, στους πίνακες των Ρώσων δασκάλων, τα αντικείμενα ζωγραφισμένα πολύ προσεκτικά, ακόμη και σχολαστικά, ζουν σαν μόνα τους, ανεξάρτητα από τον περιβάλλοντα χώρο.

ΣΕ αρχές XIXαιώνα, σημαντικό ρόλο στην περαιτέρω ανάπτυξη της νεκρής φύσης έπαιξε η σχολή του Α.Γ. Βενετσιάνοφ, ο οποίος αντιτάχθηκε στην αυστηρή διάκριση των ειδών και προσπάθησε να διδάξει στους μαθητές του ένα ολιστικό όραμα της φύσης.

A.G. Venetsianov. Αλώνι, 1821-23

Το βενετσιάνικο σχολείο άνοιξε ένα νέο είδος για τη ρωσική τέχνη - εσωτερική διακόσμηση. Οι καλλιτέχνες έδειξαν διάφορα δωμάτια ενός αρχοντικού σπιτιού: σαλόνια, υπνοδωμάτια, γραφεία, κουζίνες, αίθουσες διδασκαλίας, δωμάτια υπηρετών κ.λπ. Σε αυτά τα έργα, μια σημαντική θέση δόθηκε στην απεικόνιση διαφόρων αντικειμένων, αν και η ίδια η νεκρή φύση δεν ενδιέφερε σχεδόν καθόλου τους εκπροσώπους του κύκλου του Βενετσιάνοφ (σε κάθε περίπτωση, πολύ λίγες νεκρές φύσεις φτιαγμένες από μαθητές του διάσημος ζωγράφος). Ωστόσο, ο Βενετσιάνοφ προέτρεψε τους μαθητές του να μελετήσουν προσεκτικά όχι μόνο τα πρόσωπα και τις φιγούρες των ανθρώπων, αλλά και τα πράγματα γύρω τους.

Ένα αντικείμενο στον πίνακα του Βενετσιάνοφ δεν είναι αξεσουάρ, είναι άρρηκτα συνδεδεμένο με τις υπόλοιπες λεπτομέρειες της εικόνας και είναι συχνά το κλειδί για την κατανόηση της εικόνας. Για παράδειγμα, μια παρόμοια λειτουργία εκτελείται από τα δρεπάνια στον πίνακα "The Reapers" (δεύτερο μισό της δεκαετίας του 1820, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη). Τα πράγματα στη βενετική τέχνη φαίνεται να εμπλέκονται στην αβίαστη και γαλήνια ζωή των χαρακτήρων.

Αν και ο Βενετσιάνοφ, κατά πάσα πιθανότητα, δεν ζωγράφισε ο ίδιος νεκρές φύσεις, συμπεριέλαβε αυτό το είδος στο διδακτικό του σύστημα. Ο καλλιτέχνης έγραψε: Τα άψυχα πράγματα δεν υπόκεινται σε αυτές τις διάφορες αλλαγές που είναι χαρακτηριστικές των έμψυχων αντικειμένων, στέκονται, κρατούν την προσοχή τους, ακίνητοι μπροστά σε έναν άπειρο καλλιτέχνη και του δίνουν χρόνο να εμβαθύνει με μεγαλύτερη ακρίβεια και σύνεση, να κοιτάξει τη σχέση ενός μέρους. σε άλλο, τόσο σε γραμμές όσο και σε φως και σκιά με το ίδιο το χρώμα, που εξαρτώνται από τον χώρο που καταλαμβάνουν τα αντικείμενα”.

Φυσικά, η νεκρή φύση έπαιξε μεγάλο ρόλο στο παιδαγωγικό σύστημα της Ακαδημίας Τεχνών τον 18ο αιώνα. XIX αιώνα x (στις τάξεις, οι μαθητές έκαναν αντίγραφα νεκρών φύσεων από Ολλανδούς δασκάλους), αλλά ήταν ο Βενετσιάνοφ, που ενθάρρυνε τους νέους καλλιτέχνες να στραφούν στη φύση, που εισήγαγε στο πρόγραμμα σπουδών του πρώτου έτους μια νεκρή φύση που αποτελείται από πράγματα όπως γύψινες φιγούρες, πιάτα, κηροπήγια, πολύχρωμες κορδέλες, φρούτα και λουλούδια. Ο Βενετσιάνοφ επέλεξε θέματα για εκπαιδευτικές νεκρές φύσεις, ώστε να είναι ενδιαφέροντα για αρχάριους ζωγράφους, κατανοητά στη μορφή και όμορφα στο χρώμα.

Στους πίνακες που δημιούργησαν οι ταλαντούχοι μαθητές του Βενετσιάνοφ, τα πράγματα μεταφέρονται αληθινά και φρέσκα. Αυτές είναι οι νεκρές φύσεις του K. Zelentsov, P.E. Κορνίλοφ. Στο έργο των Βενετών καλλιτεχνών υπάρχουν και έργα που δεν είναι νεκρές φύσεις στην ουσία τους, αλλά, παρόλα αυτά, ο ρόλος των πραγμάτων σε αυτές είναι τεράστιος. Μπορεί κανείς να ονομάσει, για παράδειγμα, τους πίνακες "Γραφείο στο Ostrovki" και "Reflection in the Mirror" του G.V. Κίσσες που φυλάσσονται στη συλλογή του Ρωσικού Μουσείου στην Αγία Πετρούπολη.

G.V. Καρακάξα. "Γραφείο στο Ostrovki." Fragment, 1844, Ρωσικό Μουσείο, Αγία Πετρούπολη

Οι νεκρές φύσεις σε αυτά τα έργα δεν εμφανίζονται ανεξάρτητα, αλλά ως μέρη του εσωτερικού μοναδικά διατεταγμένα από τον πλοίαρχο, που αντιστοιχούν στη γενική συνθετική και συναισθηματική δομή της εικόνας. Το κύριο στοιχείο σύνδεσης εδώ είναι το φως, που κινείται απαλά από το ένα αντικείμενο στο άλλο. Κοιτάζοντας τους καμβάδες, καταλαβαίνεις πόσο ενδιαφέρον ο κόσμοςένας καλλιτέχνης που απεικόνιζε με αγάπη κάθε αντικείμενο, κάθε μικρό πράγμα.

Η νεκρή φύση που παρουσιάζεται στο «Γραφείο στο Ostrovki», αν και κατέχει μια μικρή θέση στη συνολική σύνθεση, φαίνεται ασυνήθιστα σημαντική, τονίζεται λόγω του γεγονότος ότι ο συγγραφέας την περιφράχθηκε από τον υπόλοιπο χώρο με ψηλή πλάτη καναπέ, και κόψτε τον αριστερά και δεξιά με ένα πλαίσιο. Φαίνεται ότι ο Σορόκα παρασύρθηκε τόσο πολύ από τα αντικείμενα που κείτονταν στο τραπέζι που σχεδόν ξεχάστηκε τις άλλες λεπτομέρειες της εικόνας. Ο πλοίαρχος έγραψε προσεκτικά τα πάντα: φτερό χήνας, μολύβι, πυξίδα, μοιρογνωμόνιο, μαχαίρι, άβακας, φύλλα χαρτιού, κερί σε κηροπήγιο. Η οπτική γωνία από ψηλά σας επιτρέπει να βλέπετε όλα τα πράγματα, χωρίς κανένα από αυτά να εμποδίζει το άλλο. Χαρακτηριστικά όπως ένα κρανίο, ένα ρολόι, καθώς και σύμβολα της «γήινης ματαιοδοξίας» (ειδώλιο, χαρτιά, άβακας) επιτρέπουν σε ορισμένους ερευνητές να ταξινομήσουν τη νεκρή φύση ως τύπου vanitas, αν και μια τέτοια σύμπτωση είναι πολύ πιθανή. ο δουλοπάροικος καλλιτέχνης εκμεταλλεύτηκε αυτό που βρισκόταν στο τραπέζι ο ιδιοκτήτης του.

Ο διάσημος μάστερ των αντικειμένων συνθέσεων του πρώτου μισό του 19ου αιώνααιώνα υπήρχε ένας καλλιτέχνης I.F. Khrutsky, ο οποίος ζωγράφισε πολλούς όμορφους πίνακες στο πνεύμα των Ολλανδών νεκρή φύση XVIIαιώνας. Από τα καλύτερα έργα του είναι τα «Λουλούδια και φρούτα» (1836, Γκαλερί Τρετιακόφ, Μόσχα), «Πορτρέτο μιας γυναίκας με λουλούδια και φρούτα» (1838, Μουσείο τέχνηςΛευκορωσία, Μινσκ), «Νεκρή φύση» (1839, Μουσείο Ακαδημίας Τεχνών, Αγία Πετρούπολη).

Στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα στη Ρωσία, η «βοτανική νεκρή φύση», από την οποία μας ήρθε Δυτική Ευρώπη. Στη Γαλλία αυτή την εποχή, δημοσιεύτηκαν έργα βοτανολόγων. όμορφες εικονογραφήσεις. Ο καλλιτέχνης P.Zh έγινε πολύ διάσημος σε πολλές ευρωπαϊκές χώρες. Redoute, ο οποίος θεωρήθηκε «ο πιο διάσημος ζωγράφος λουλουδιών της εποχής του». Το «βοτανικό σχέδιο» ήταν ένα σημαντικό φαινόμενο όχι μόνο για την επιστήμη, αλλά και για την τέχνη και τον πολιτισμό. Τέτοια σχέδια παρουσιάστηκαν ως δώρα και διακοσμημένα άλμπουμ, τα οποία έτσι τα έφεραν στο ίδιο επίπεδο με άλλα έργα ζωγραφικής και γραφικών.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, ο Π.Α. έδωσε μεγάλη προσοχή στην απεικόνιση των αντικειμένων. Ο Φεντότοφ. Αν και στην πραγματικότητα δεν ζωγράφισε νεκρές φύσεις, ο κόσμος των πραγμάτων που δημιούργησε απολαμβάνει με την ομορφιά και την ειλικρίνειά του.

Τα αντικείμενα στα έργα του Fedotov είναι αδιαχώριστα από τις ζωές των ανθρώπων, παίρνουν άμεσο μέρος στα δραματικά γεγονότα που απεικονίζει ο καλλιτέχνης.

Κοιτάζοντας την εικόνα" Φρέσκος κύριος» («Πρωί μετά τη γιορτή», 1846), εκπλήσσεσαι με την αφθονία των αντικειμένων που ζωγράφισε προσεκτικά ο κύριος. Μια πραγματική νεκρή φύση, εκπληκτική με τον λακωνισμό της, παρουσιάζεται στον διάσημο πίνακα του Φεντότοφ "The Major's Matchmaking" (1848). Το ποτήρι μεταφέρεται απτά και ρεαλιστικά: ποτήρια κρασιού με ψηλά στελέχη, ένα μπουκάλι, μια καράφα. Το πιο λεπτό και διαφανές, φαίνεται να εκπέμπει ένα απαλό κρυστάλλινο ήχο.

Fedotov P.A. Ταγματάρχης το σπίρτο. 1848-1849. Γκαλερί Tretyakov

Ο Fedotov δεν διαχωρίζει τα αντικείμενα από το εσωτερικό, έτσι τα πράγματα εμφανίζονται όχι μόνο αυθεντικά, αλλά και με μια γραφική λεπτότητα. Κάθε συνηθισμένο ή όχι πολύ ελκυστικό αντικείμενο που παίρνει τη θέση του στον κοινό χώρο φαίνεται εκπληκτικό και όμορφο.

Αν και ο Fedotov δεν ζωγράφιζε νεκρές φύσεις, έδειξε αναμφισβήτητο ενδιαφέρον για αυτό το είδος. Το ένστικτό του του έλεγε πώς να τακτοποιήσει αυτό ή εκείνο το αντικείμενο, από ποια οπτική γωνία να το παρουσιάσει, ποια πράγματα θα έδειχναν δίπλα του όχι μόνο λογικά, αλλά και εκφραστικά.

Ο κόσμος των πραγμάτων, που βοηθά να δείξει την ανθρώπινη ζωή σε όλες τις εκφάνσεις της, προικίζει τα έργα του Fedotov με μια ιδιαίτερη μουσικότητα. Τέτοιοι είναι οι πίνακες «Άγκυρα, μια άλλη άγκυρα» (1851-1852), «Χήρα» (1852) και πολλοί άλλοι.

Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, το είδος της νεκρής φύσης ουσιαστικά έπαψε να ενδιαφέρει τους καλλιτέχνες, αν και πολλοί ζωγράφοι του είδους συμπεριέλαβαν πρόθυμα στοιχεία νεκρής φύσης στις συνθέσεις τους. Τα πράγματα αποκτούν μεγάλη σημασία στους πίνακες του V.G. Perova («Τσάι στο Mytishchi», 1862, Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα), L.I. Solomatkin («Δούλοι της πόλης», 1846, Κρατικό Ιστορικό Μουσείο, Μόσχα).

Οι νεκρές φύσεις παρουσιάζονται στο σκηνές του είδους A.L. Yushanova ("Seeing Off the Chief", 1864), M.K. Klodt («The Sick Musician», 1855), V.I. Jacobi (“The Pedlar”, 1858), A.I. Korzukhina («Πριν εξομολόγηση», 1877· «Στο μοναστήρι ξενοδοχείο», 1882), Κ.Ε. Μακόφσκι («Alekseich», 1882). Όλοι αυτοί οι πίνακες φυλάσσονται τώρα στη συλλογή της Πινακοθήκης Τρετιακόφ.

Κ.Ε. Μακόφσκι. «Alekseich», 1882, Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα

Στη δεκαετία 1870-1880, η καθημερινή ζωή παρέμεινε το κορυφαίο είδος στη ρωσική ζωγραφική, αν και το τοπίο και το πορτρέτο κατείχαν επίσης σημαντική θέση. Οι Περιπλανώμενοι, που προσπάθησαν να δείξουν την αλήθεια της ζωής στα έργα τους, έπαιξαν τεράστιο ρόλο στην περαιτέρω ανάπτυξη της ρωσικής τέχνης. Οι καλλιτέχνες άρχισαν να προσκολλώνται μεγάλης σημασίαςδουλεύοντας από τη ζωή και ως εκ τούτου στρέφονταν όλο και περισσότερο στο τοπίο και τη νεκρή φύση, αν και πολλοί από αυτούς θεωρούσαν ότι το τελευταίο ήταν χάσιμο χρόνου, ένα ανούσιο πάθος για τη φόρμα, χωρίς εσωτερικό περιεχόμενο. Έτσι, ο Ι.Ν. Ο Kramskoy ανέφερε τον διάσημο Γάλλο ζωγράφο, ο οποίος δεν παραμέλησε τις νεκρές φύσεις, σε επιστολή του προς τον V.M. Vasnetsov: "Ένας ταλαντούχος άνθρωπος δεν θα χάσει χρόνο για να απεικονίσει, ας πούμε, λεκάνες, ψάρια κ.λπ. Αυτό είναι καλό για ανθρώπους που έχουν ήδη τα πάντα, αλλά έχουμε πολλά να κάνουμε."

Ωστόσο, πολλοί Ρώσοι καλλιτέχνες που δεν ζωγράφιζαν νεκρές φύσεις τους θαύμασαν όταν κοιτούσαν τους πίνακες των δυτικών δασκάλων. Για παράδειγμα, ο V.D. Ο Πολένοφ, που βρισκόταν στη Γαλλία, έγραψε στον Ι.Ν. Kramskoy: «Κοιτάξτε πώς πάνε τα πράγματα εδώ, όπως το ρολόι, ο καθένας λειτουργεί με τον δικό του τρόπο, με τον καλύτερο τρόπο διάφορες κατευθύνσεις, αυτό που αρέσει σε οποιονδήποτε, και όλα αυτά εκτιμώνται και πληρώνονται. Για εμάς, το πιο σημαντικό είναι τι γίνεται, αλλά εδώ είναι πώς γίνεται. Για παράδειγμα, για μια χάλκινη λεκάνη με δύο ψάρια πληρώνουν είκοσι χιλιάδες φράγκα, και επιπλέον θεωρούν ότι αυτός ο χαλκουργός είναι ο πρώτος ζωγράφος και, ίσως, όχι χωρίς λόγο».

Έχοντας επισκεφθεί την έκθεση στο Παρίσι το 1883, ο V.I. Ο Σουρίκοφ θαύμαζε τοπία, νεκρές φύσεις και πίνακες λουλουδιών. Έγραψε: «Τα ψάρια του Gibert είναι καλά. Η γλίτσα του ψαριού αποδίδεται αριστοτεχνικά, πολύχρωμα, αναμειγνύοντας τόνο σε τόνο». Υπάρχει στην επιστολή του προς τον Π.Μ. Tretyakov και αυτά τα λόγια: «Και τα ψάρια του Gilbert είναι ένα τέτοιο θαύμα. Λοιπόν, μπορείτε πραγματικά να το πάρετε στα χέρια σας, είναι γραμμένο σε σημείο εξαπάτησης».

Τόσο ο Polenov όσο και ο Surikov θα μπορούσαν να γίνουν εξαιρετικοί δάσκαλοι της νεκρής φύσης, όπως αποδεικνύεται από τα αριστοτεχνικά ζωγραφισμένα αντικείμενα στις συνθέσεις τους ("Sick" του Polenov, "Menshikov in Berezov" του Surikov).