Conversaciones con Stanislavsky
(conversación número 2)
Del editor
La sección “El trabajo de un actor sobre sí mismo” está dedicada a mejores trabajos referente a este tema. Decidimos comenzar presentando las actividades de K.S. Stanislavsky con el Estudio de Ópera Teatro Bolshói. Los encuentros del gran maestro y director de teatro con los alumnos de estudio tuvieron lugar en 1918-1920 y fueron grabados por uno de los mejores alumnos de K.S. – Concordia Antarova (“Dos vidas”). Nos parece que en estas conversaciones se presenta maravillosamente la ética teatral de K.S., cuyo conocimiento es especialmente importante para los aspirantes a actores y directores.
"Más simple, más ligero, más alto, más divertido". Éstas son las primeras palabras que deberían flotar sobre todo teatro: un templo del arte, si los teatros lo fueran. Sólo el amor por el arte, todo lo elevado y bello que vive en cada persona; sólo esto, todo el que entra al teatro debe traerlo y derramarlo como un balde. agua limpia, mil de los cuales hoy lavarán la suciedad de todo el edificio, si ayer estaba contaminado por las pasiones e intrigas de la gente.
Una de las preocupaciones iniciales de quienes crean un estudio o teatro debe ser la atención al ambiente que se respira en el mismo. Debemos asegurarnos de que ningún miedo se introduzca en el estudio y reine en los corazones de sus empleados o estudiantes, para que allí la belleza una y cautive. Si no hay idea de unidad en la belleza, no hay verdadero teatro, y ese teatro no es necesario. Si no existe una comprensión elemental de uno mismo y de todo el complejo de sus poderes como servidores alegres de la patria, entonces ese teatro tampoco es necesario: no será una de las unidades creativas entre todas las fuerzas creativas del país. De aquí podemos entender lo importante que es la selección del personal teatral, siempre el punto más débil y difícil del negocio teatral. Cuando la elección se hace según el patrocinio, y no según los talentos y personajes, cuando son aceptados en el estudio basándose en conocidos y recomendaciones, esto no solo reduce la dignidad del teatro, la representación o el ensayo, sino que también les introduce aburrimiento. y la creatividad misma estará compuesta en estos casos a partir de sustitutos, y no del amor verdadero que arde en aquellos que vinieron a aprender.
Las reglas del teatro, donde los ensayos se realizan con varios elencos a la vez, pero algunos de los presentes actúan, trabajan con ellos y el resto se sienta, sin participar en las tareas que se analizan, sin unirse internamente en el trabajo creativo, pero llenar el ambiente de envidia y crítica, son imposibles en el estudio, donde todos son iguales en el trabajo creativo. En el estudio, todos saben que hoy o mañana les llegará el turno de todos modos y comprenden que, mientras observan el trabajo de sus compañeros, deben vivir la tarea que tienen entre manos con toda su atención creativa. Plantear un caso en el que no hay respeto por la persona, el actor subordinado, donde no hay cortesía, crea una atmósfera de degeneración. El caos de la rudeza, que se permite elevar el brillo, no conducirá a esa atmósfera de alegría y ligereza, donde sólo puede crecer una alta cultura del espíritu y del pensamiento. Sólo en un ambiente sencillo y palabra fácil puede resultar como un reflejo pleno de aquellas pasiones, cuya nobleza y valor debe reflejar el teatro.
Esas horas que un actor pasa en el teatro durante los ensayos deberían crear en él una persona de pleno derecho: un creador de arte, ese luchador por la belleza y el amor, capaz de derramar en los corazones de sus oyentes todo el significado de las palabras y los sonidos. Si después del ensayo los oídos de los artistas no crecieron en sus mejores sentimientos y pensamientos, si su percepción fue en pequeña escala: “mientras ensayaba, todo me cautivó y mi corazón estaba claro”, pero se fueron y Volvió a caer en el cabotismo y la vulgaridad: “Soy actor, soy una persona”, lo que quiere decir que hubo poco amor y fuego verdadero entre quienes encabezaron el ensayo.
La cuestión no está en absoluto en los actores ni en los trucos, sino en el comienzo de todo en la creatividad: en enseñar al artista a mirar dentro de sí mismo para comprender el valor de la palabra, enseñándole a desarrollar su atención e introspectivamente. atraerlo a las propiedades orgánicas del rol, a la naturaleza de los sentimientos humanos, y a no juzgar desde fuera los efectos de determinadas acciones, creyendo que se puede aprender a interpretar tal o cual sentimiento. El corazón vivo de un artista humano vivo debe incorporarse a la cadena de acciones internas y externas que siempre corren paralelas en la vida; es necesario ayudarlo, a través de una serie de dispositivos, a liberar su cuerpo y su mundo interior de toda restricción para que pueda reflejar la vida de la obra que representa; es necesario llevarlo a tal poder de atención que lo condicional y externo no le impidan comprender la naturaleza orgánica de las pasiones humanas.
Éstas son las tareas del estudio, este es el camino por el que cada uno puede y debe desarrollar la veta que lleva dentro y convertirla en una fuerza que actúe como belleza. Pero todos pueden lograr este desarrollo si aman el arte. En el arte sólo se puede cautivar y amar, no hay órdenes en él.
A
. Antarova
Conversaciones con Stanislavsky
(conversación número 5)
Toda persona que quiera convertirse en artista debe responder tres preguntas:
1. ¿Qué quiere decir con la palabra "arte"?
Si en él sólo se ve a sí mismo, en una posición privilegiada con respecto a las personas que caminan a su lado, si en este pensamiento sobre el arte no busca revelar lo que le preocupa por dentro, como las fuerzas apenas conscientes de la creatividad que vagan en la oscuridad, pero inquietándolo, sino que simplemente quiere hacer brillar su personalidad; Si los prejuicios pequeñoburgueses despiertan en él el deseo de superar los obstáculos con la voluntad sólo para abrir el camino externo a la vida como una figura notable y visible, tal acercamiento al arte es la muerte tanto de la persona misma como del arte.
2. ¿Por qué una persona que ha elegido cualquier arte (drama, ópera, ballet, teatro de cámara, pintura o arte con lápiz) ingresa a la rama artística de la humanidad y qué idea quiere y debe aportar a esta rama del arte?
Si no se ha dado cuenta de cuánto sufrimiento, lucha y desilusión le espera, si sólo ve un puente de arcoíris que le lleva con inspiración al otro lado de la tierra y a la vida donde viven los sueños, el estudio debe decepcionarlo.
El estudio debe saber desde los primeros pasos que sólo el trabajo, hasta el final no sólo de la “carrera” externa, sino también del trabajo hasta la muerte, será el camino que elija para sí mismo; El trabajo debe ser la fuente de energía que, en una serie de tareas apasionantes, el estudio debe llenar el cerebro, el corazón y los nervios del estudiante.
3. ¿Existe en el corazón de una persona que va al teatro tal cantidad de amor insaciable por el arte que podría superar todos los obstáculos que inevitablemente se le presentan?
El estudio, en un ejemplo vivo de la influencia de sus líderes, debe mostrar cómo la corriente de amor insaciable por el arte en el corazón de una persona debe verterse en el trabajo del día. Y este trabajo creativo puede y debe arder como un fuego. Sólo cuando el aceite que enciende el fuego sea el amor humano, sólo entonces se podrá esperar superar todos los obstáculos que se interponen en el camino de la creatividad y alcanzar el objetivo: el arte puro, libre de convenciones, creado por fuerzas creativas puras desarrolladas en el interior. uno mismo. Sólo entonces se puede encontrar la flexibilidad de la voluntad del actor, una combinación libre de una comprensión profunda de la base -la esencia del papel- y su acción de principio a fin, cuando el amor por el arte ha superado la vanidad personal, la auto-autoconfianza. estima y orgullo. Cuando la comprensión de la armonía vive en la mente y el corazón vida escénica, sólo entonces – en la acción desligada del “yo” – se puede presentar la verdad de las pasiones en las circunstancias propuestas.
Pero que todas las grandes fuerzas de la vida protejan cada estudio del aburrimiento y la pedantería. Todo murió entonces; entonces es mejor dispersar el estudio, los profesores y los miembros del estudio, y destruir todo el mecanismo. Esto es sólo la corrupción de fuerzas jóvenes, conciencias siempre distorsionadas. En el arte sólo se puede cautivar. Es, repito, un fuego de amor inextinguible. Los profesores que se quejan de estar cansados no son profesores, son máquinas que trabajan por dinero. Quien ha cumplido diez horas de clases diarias y no ha logrado quemar en ellas su amor, sino sólo su voluntad y su cuerpo, es un simple técnico, pero nunca será un maestro, un maestro de jóvenes. El amor es sagrado porque su fuego nunca suplica, por muchos corazones que encienda. Si el maestro derramó su creatividad y amor, no se dio cuenta de las horas de trabajo y todos sus alumnos no las notaron. Si un maestro atendía las necesidades de la vida cotidiana, sus alumnos se aburrían, se cansaban y vegetaban junto con él. Y el arte en ellos, eterno, inherente a todos y viviendo en todos como amor, no penetró por las ventanas polvorientas de las convenciones de la época, sino que permaneció ardiendo en el corazón.
Cada hora, cada minuto de la unidad de maestro y alumno debe ser sólo una conciencia voladora, un movimiento eterno al ritmo del entorno.
El sentimiento - pensamiento - palabra, como imagen espiritual del pensamiento, debe ser siempre una manifestación de la veracidad, la ley de la capacidad de transmitir los hechos tal como los vio una persona. La verdad y el amor son dos caminos que introducen el ritmo de toda la vida del arte.
Los fanáticos del surrealismo y simplemente aquellos que aprecian el tiempo libre agradable no pueden perderse la obra "La vida loca de Salvador Dalí", que se proyectará en San Petersburgo en febrero. “VD” habló con el intérprete papel principal Sergei Yankovsky sobre la producción, el gran artista y arte contemporáneo.
— Una obra de teatro sobre un gran pintor, en mi opinión, requiere una escenografía extraordinaria...
— Inicialmente queríamos hacer una producción con una solución visual interesante, por eso la decoración de la obra apela a las obras de nuestro personaje principal. De vez en cuando aparecen imágenes en el escenario, pero no como ilustraciones. Los personajes de las pinturas cobran vida y comienzan a interactuar con el personaje principal e influir en él.
— ¿Qué personajes de los cuadros de Dalí aparecen en la obra?
- Su primer maestro fue Ramon Pichot, Paul Eluard, Hitler, Lenin, La encajera de Vermeer, el Dr. Freud e incluso Elefante.
— ¿Qué fue más importante e interesante para usted al trabajar en la obra: las obras de Salvador Dalí o su destino?
“Me parece que está tan interconectado que uno es inseparable del otro. En el proceso de escribir la obra, me interesó algo más: la creación total de mitos, que se extendía a todas las áreas de su vida. Sus libros son una mezcla explosiva de ficción y literatura autobiográfica. A menudo, cuando describe un evento que tuvo lugar, de repente te das cuenta de que es ficción, nunca sucedió y no pudo haber sucedido. Por ejemplo, Dalí recuerda que cuando era niño veía en el teatro ilusiones ópticas su maestra, Rusia y una niña que, según escribe, era Gala. Esto, por supuesto, es hermoso, pero creo que en ese momento no había oído hablar de Rusia.
— Cuando estaba escribiendo la obra, ¿estuvo tentado de añadir otro episodio, supuestamente de la biografía de Salvador Dalí?
— No, en primer lugar, la tarea era eliminar todo lo innecesario y no caer en el surrealismo en el escenario. Un intento de llevar el surrealismo a los escenarios forma pura A menudo termina cuando el espectador no tiene idea de lo que está sucediendo. En mi opinión, es importante poder contar una historia con claridad.
- ¿Entiendes tú mismo dónde está la verdad y dónde está la imaginación del artista?
— Se conocen hechos que eran absolutamente ciertos. Por ejemplo, cuando le trajeron una factura en un restaurante, cuando extendió un cheque, firmó su autógrafo, sabiendo que ese cheque nunca sería cobrado, porque tenía la firma del propio Salvador Dalí, o de eventos más significativos, por ejemplo, su primer encuentro con Gala. Estos hechos se encuentran en diferentes libros y resulta obvio que esto sucedió. Se convirtieron en la base de la actuación.
— Dalí fue un innovador en la pintura. ¿Querías aportar algo innovador al lenguaje teatral de la producción?
— Quiero esconderme en algún lugar de la innovación moderna. Cualquier lenguaje, teatral o literario, implica ante todo una conversación entre una persona y otra. El autor está con el espectador. Esta conversación supone que una persona transmitirá cierta información a la otra. Casi todo el arte contemporáneo no se esfuerza por ser comprensible para el espectador medio. Artistas contemporáneos A menudo colocan tratados explicativos completos junto a sus “obras”. Al leer estos tratados, uno se sorprende de que no tengan nada que ver con la obra en sí... Esta innovación se ha extendido por todas las formas de arte, incluido el teatro. Como espectador, no entiendo de qué están hablando. Por lo tanto, los objetivos son realizar una actuación innovadora, en sentido moderno¡No tenía esta palabra, no la tengo y nunca la tendré! La tarea del arte es transmitir pensamientos, estados de ánimo, emociones y, sobre todo, emociones positivas.
— Emociones positivas? Rara vez se encuentran en el teatro moderno...
- Esto es cierto. Me gusta cuando el teatro es una fiesta para el espectador. Y vemos estas vacaciones ahora solo en ballet clasico donde suena música clásica donde todo es hermoso. ¿Por qué estas vacaciones no están disponibles? teatro dramático?! Básicamente, todo está envuelto en una especie de oscuridad. Todo es lúgubre, todo es negro o, en mejor escenario, gris. Todo está mal, o incluso peor. Noté que en las exposiciones de arte contemporáneo -por ejemplo, en las exposiciones que se presentaron en la bienal Manifesta 10 o en Erarta- no hay belleza, no hay ningún componente que haya sido valorado en todo momento. mirar pinturas modernas- ¡Todo es feo! Aunque algún crítico lo reconozca como un genio, sigue siendo feo. El espectador no quiere sumergirse en la oscuridad, en todo lo negro, aterrador, lúgubre y, además, sucio. Si una persona tiene al menos un poco de confianza en sí misma, entonces es bastante natural que se esfuerce por recibir emociones agradables, una carga positiva y disfrutar de la belleza. Stanislavsky dijo, y siempre repetimos lo que dijo: “Más simple, más fácil, más alto, más divertido”. Estas son las primeras palabras que deberían flotar sobre cada teatro..."
— En su opinión, el teatro debería ser un día festivo. ¿Significa esto que la obra debería carecer de líneas dramáticas y que el público no empatizará con los personajes?
- Por supuesto que no significa eso. En nuestra actuación, el público definitivamente sentirá empatía e incluso podrá llorar al final, especialmente las chicas. Por vacaciones me refiero a subir espíritu humano. Vista película interesante, una obra de teatro o leer un libro nos inspira, nos sentimos elevados. No se puede decir lo mismo del arte contemporáneo: después de verlo uno quiere encontrar cuerda, jabón y una farola. Realmente amo las películas de Franco Zeffirelli. Tomemos el más famoso, "Romeo y Julieta", todo lo que sucede allí lo percibimos como historia sublime sobre el increíble poder del amor, y no sobre cómo murieron todos. No sobre cómo Julieta se apuñaló con un cuchillo, cubrió todo con sangre, y él bebió veneno y se retorció en el suelo cerca de su tumba. Después de ver esta película te preguntas: “¿Está en mí?”, “¿Puedo amar así?” Te sientes elevado, empiezas a buscarlo en la vida cotidiana, aprecia a las personas que están cerca. ¡Estas son unas verdaderas vacaciones!
12 de septiembre de 2013 año en el centro de prensa de Irkutsk teatro academico tuvo lugar mesa redonda llamado “El teatro es una fuerza que protege a la persona del vacío moral y de la soledad social”, que abrió una serie de debates entre la comunidad teatral, unida dirección general- teatro y modernidad.
Festival dramaturgia moderna No es la primera vez que Vampilov reúne a filólogos, escritores, periodistas, estudiosos de la literatura y el teatro para responder preguntas sobre la naturaleza y la influencia del teatro en la sociedad, la relevancia de su función educativa hoy, su misión, las relaciones con el público y El público teatral existente, sus expectativas, preferencias. La reunión de 2013 se puede considerar una continuación de las ya tradicionales conversaciones festivas.
Elena Streltsova, crítica de teatro, candidata de historia del arte:
"Trabajo el teatro esta en marcha o para la destrucción, y aquí sólo cabe el pragmatismo: sólo material, sólo dinero, sólo beneficio, de ahí la vida constante de una empresa, que desde dentro destruye en gran medida el carácter conjunto del teatro. Por otro lado, lo que ahora está devaluado es el lado espiritual del teatro. Todas las palabras que hoy son profanadas: educación, misión, que incluso son imposibles de pronunciar con entonación normal, todo el mundo empieza a burlarse, a ser irónico...
Ahora todos repiten programa ideal teatro, que vio Stanislavsky. Cuatro palabras: “más simple, más ligero, más alto, más divertido”. Y está claro que es más divertido y más fácil, eso es todo, pero más simple y más alto es difícil, olvidado, calumniado. Aquí no puede haber reconciliación, puede ser una u otra, no hay una tercera opción. O te paras en un lado, el del cinismo y el pragmatismo, o te paras en la escalera que lleva hacia arriba. Es mucho más complicado. Y quizás ahora no sea el momento para esto, pero debemos resistir, salir de alguna manera”.
La crítica de teatro Vera Maksimova, presentadora de la Mesa Redonda:
“Curiosamente, también quería poner esta frase en discusión. La incorporación misma, e incluso un pequeño derecho a la creatividad, proporciona una felicidad tan grande. Verá, el énfasis está en "más fácil y más divertido". La facilidad, por supuesto, es una cualidad indispensable del genio. No existe un genio pesado y sudoroso. Vakhtangov fue fácil, dijo Nemirovich. ¿De qué trataron las actuaciones? Sobre la vida y la muerte. Fue un error que nosotros durante muchos años Turandot midió a Vakhtangov. "Turandot" fue la única actuación absolutamente divertida, incluso en "La boda" hubo una plaga, y en Chéjov la plaga le pareció, y dudó sólo con una tema principal- la relación entre la vida y la muerte. Era un tolstoyano. No sé qué tan cristiano era, si creía en la inmortalidad. Actuaciones sombrías, representaciones filosóficas, el género favorito: las tragedias y, al mismo tiempo, completamente ligeras en sus fantasías, ligeras en sus composiciones, construcción, ligeras en el actor. Apreciaba mucho la belleza. Lo que hoy no se recuerda en absoluto es la cuestión de la belleza, el impacto de la belleza y la función educativa de la belleza. Aquí está Vakhtangov para usted. Entonces, lo que es más preciado para mí en estos cuatro es "superior".
También en el formato de Mesa Redonda se plantearon otras cuestiones, como la relación entre teatro y religión, si hoy existe una lucha entre los teatros estacionarios (teatros de repertorio) y el nuevo teatro, qué enseña, qué mueve a una persona a nuevo teatro, qué afecta, cuál es la misión de sus líderes.
Foto: Anatoli Byzov
INSTITUTO ESTATAL DE ARTE Y CULTURA DE TYUMEN
Departamento de Dirección y interino
S.P.Kutmin
Breve diccionario términos teatrales
para estudiantes de especialización en dirección
Editorial
Instituto Estatal de Arte y Cultura de Tyumen
BBK 85,33 i 2
Kutmin, S.P.
Un breve diccionario de términos teatrales para estudiantes de especialización en dirección / Kutmin S.P.; Caf.dir. y actuar. dominio - Tyumen, 2003. - 57 p.
El diccionario cubre términos especiales teatral, arte pop. Estas son las palabras que los directores y directores de teatro utilizan más que otros durante los ensayos. vacaciones masivas, los escuchamos constantemente en el trabajo de una obra de teatro, en una actuación, en el trabajo de un actor en un papel. El diccionario está destinado a estudiantes y profesores de secundaria y superior. instituciones educativas artes y cultura.
Revisor: Zhabrovets, M.V. Ph.D., Profesor Asociado, Jefe. Departamento de Dirección y Actuación
© Kutmin S.P., 2003
© Instituto Estatal de Arte y Cultura de Tyumen, 2003
Prefacio
Este diccionario tiene como objetivo dar sólo una explicación breve y básica de los términos que se encuentran a menudo en el proceso de aprender a dirigir, mientras se trabaja en una obra de teatro, actuación o papel. El arte es un campo de actividad extremadamente difícil de sistematizar, generalizar, teorizar, así como de definiciones y formulaciones precisas. Cada término tiene muchas interpretaciones. Y cada interpretación no es del todo precisa y exhaustiva. Hay tantos directores creativos y tantas opiniones sobre la terminología profesional. Después de todo, cualquier posición teórica se deriva de una experiencia práctica creativa específica, y la creatividad es siempre individual y única. Incluso K.S. Stanislavsky hay una evolución constante en la comprensión de tal o cual término. En el proceso de búsqueda vital y creativa, se modificó, aclaró y complementó la terminología de conceptos. Formulaciones de K.S. Stanislavsky fue comprendido y desarrollado creativamente en las obras de sus estudiantes y seguidores: M. Knebel, M. Chekhov, V. Meyerhold, E. Vakhtangov, G. Christie, G. Tovstonogov, B. Zakhava, A. Palamishev, B. Golubovsky. , A. .Efros y muchos otros. K. S. Stanislavsky pidió un enfoque creativo del asunto y no tratarlo dogmáticamente. Por lo tanto, cuando trabaja con un diccionario, un director novato debe aprender sólo la esencia de un concepto en particular y luego tratar de "apropiarse y correlacionarlo" con su propia percepción y búsqueda creativa. El diccionario contiene alrededor de 490 palabras y términos. Este volumen, por supuesto, no es suficiente. El diccionario requiere más mejoras, adiciones y aclaraciones. Espero que aumente gradualmente en volumen y que la cantidad de palabras y términos se reponga y aclare. Si los lectores tienen alguna sugerencia o comentario mientras trabajan con el diccionario, se tendrán en cuenta en la próxima edición del diccionario.
Más simple, más alto, más ligero, más divertido”. K.S.Stanislavsky
Abstracción(Latín - distracción): una forma de pensamiento artístico y construcción de imágenes. este método Implica abstraerse de información secundaria y sin importancia sobre un objeto, enfatizando puntos significativos.
Absurdo(Latín - tonterías, absurdo) Una dirección en el arte, una contradicción con la trama de la obra. Si una obra se desarrolla en una determinada secuencia y lógica de acontecimientos: exposición, comienzo, conflicto, su desarrollo, clímax, desenlace y final, entonces el absurdo es la ausencia de la lógica del conflicto. Esta dirección se reflejó en las obras de J. Anouilh, J. P. Sartre, E. Ionesco, etc. El absurdo es un tipo de creatividad que determina el carácter paradójico de este fenómeno; Ha sido poco estudiado, pero resulta de especial interés desde el punto de vista de la dirección teatral.
Vanguardia(Francés - vanguardia): una dirección de arte que contradice las normas establecidas en el art. Búsqueda de nuevas soluciones que satisfagan la estética y necesidades de la nueva generación.
Proscenio(Francés - frente al escenario) - parte delantera escenario de teatro(antes del telón). Proscenio en moderno artes teatrales Parece ser una zona de juegos adicional. Posibilidad de comunicación directa con el público.
Administrador(lat. - gestionar, gestionar) - persona, actividad profesional que tiene como objetivo el alquiler de espectáculos, conciertos en el teatro y en el escenario.
Bombo publicitario(Francés - emoción) - fuerte emoción, entusiasmo, conflicto de intereses.
Excitación(Francés - accidente) - pasión, entusiasmo. Fuerte pasión, celo. Pasión extrema por los videojuegos.
Acto(lat. - acto, acción) - una parte separada, grande e integral de una acción dramática o representación teatral.
Actor(lat. - actor, intérprete, recitador) - el que actúa, desempeña un papel, se convierte actor trabajo dramático en el escenario del teatro y en el cine. Un actor es una conexión viva entre el texto del autor, la intención del director y la percepción del público.
sello del actor- técnicas de interpretación escénica registradas de una vez por todas por el actor en su obra. Las técnicas mecánicas ya preparadas del actor que se convierten en un hábito y se convierten en su segunda naturaleza, que reemplaza a la naturaleza humana en el escenario.
arte actoral- el arte de crear imágenes escénicas; tipo de arte escénico. El material para el trabajo de un actor en un papel son sus propias habilidades naturales: habla, cuerpo, movimientos, expresiones faciales, observación, imaginación, memoria, es decir. su psicofísica. La peculiaridad del arte de actuar es que el proceso creativo en la etapa final tiene lugar frente al espectador, durante la actuación. El arte de actuar está estrechamente relacionado con el arte del director.
Actual(Latín - existente, moderno) - importancia, importancia para el momento actual, actualidad, modernidad.
Alegoría(gr. - alegoría) - principio comprensión artística realidad, en la que conceptos, ideas y pensamientos abstractos se expresan en imágenes visuales específicas. Por ejemplo, la imagen de una mujer con los ojos vendados y sosteniendo una balanza: a. justicia. Alegoría verbal en fábulas y cuentos de hadas.
Alusión(lat. - pista) - recepción expresión artística, enriquecedor imagen artística significados asociativos adicionales de similitud o diferencia al hacer alusión a una obra de arte ya conocida. Por ejemplo, en la película de F. Fellini "Y el barco navega", se lee una alusión a la leyenda bíblica del Arca de Noé.
Ambivalencia(lat. - ambos - fuerza) - un concepto psicológico que denota la dualidad de la percepción sensorial. La presencia simultánea en el alma de una persona de aspiraciones y sentimientos opuestos e incompatibles en relación con el mismo objeto. Por ejemplo: amor y odio, satisfacción e insatisfacción. A veces uno de los sentimientos es reprimido y enmascarado por otro.
Ambición(Latín - ambición, jactancia) - orgullo, sentido del honor, arrogancia, arrogancia.
Role(Francés - aplicación) - la naturaleza de los roles desempeñados por el actor. El tipo de roles teatrales correspondientes a la edad, apariencia y estilo de actuación del actor. Tipos de roles escénicos: comediante, trágico, amante de los héroes, heroína, anciana cómica, soubrette, ingenua, farsa, simplona y razonadora.
Anfiteatro(gr. - alrededor, en ambos lados) - una estructura para gafas. EN teatros modernos- filas de sillas situadas detrás y encima del portero.
Análisis(gr. - descomposición, desmembramiento) - método investigación científica, consistente en la división de un fenómeno completo en sus elementos componentes. En el teatro, el análisis es (análisis efectivo) un tipo de explicación, es decir. Caracteriza el lugar y el momento del evento, la motivación de las acciones físicas y verbales de los personajes. Elementos de la composición de la obra (exposición, trama, desarrollo del conflicto, clímax, desenlace, final). El ambiente de la acción que se desarrolla, partituras musicales, ruidos y luces. El análisis incluye la justificación de la elección del tema, problema, conflicto, género, objetivo general y acción transversal de la futura actuación, así como su relevancia. Análisis - método efectivo, el proceso de preparación de la producción en la práctica.
Analogía(gr. - correspondiente) - similitud entre objetos en algún aspecto. Hacer una analogía es comparar objetos entre sí, establecer características comunes entre ellos.
Compromiso(Francés - contrato): invitar a un artista bajo un contrato a actuar durante un período determinado.
Broma(gr. – inédito) – ficticio, cuento corto sobre un incidente divertido y divertido.
Anuncio(Francés - anuncio): anuncio sobre próximas giras, conciertos y actuaciones. Un cartel preliminar sin instrucciones detalladas.
Conjunto(Francés - juntos, todo, conexión) - unidad armoniosa de partes que forman un todo. Coherencia artística en la ejecución conjunta de una obra dramática o de otro tipo. La integridad de toda la actuación en función de su idea, decisión de dirección, etc. Al preservar el conjunto de intérpretes, se crea la unidad de acción.
Descanso(Francés - entre - acto): una breve pausa entre actos, acciones de una actuación o secciones de un concierto.
Emprendedor(Francés - empresario) – empresario teatral privado. Propietario, inquilino, mantenedor de una empresa privada de entretenimiento (teatro, circo, estudio de cine, televisión, etc.).
empresa(Francés - empresa): una empresa espectacular creada y dirigida por un empresario privado. Mantener una empresa.
Séquito(Francés - medio ambiente, entorno) - entorno, entorno. El entorno no es sólo decoración y tabiques, sino también espacio,
Casa llena(alemán - golpe): un anuncio en un teatro o cine de que se han vendido todas las entradas. Actuación exitosa ante un lleno total. De ahí el giro de la frase: "la actuación se agotó".
aparte(Latín - al lado). - monólogos escénicos o comentarios hablados a un lado, para el público y supuestamente inaudibles para los compañeros en el escenario.
Aplomo(Francés - plomada) - confianza en uno mismo, coraje en los modales, la conversación y las acciones.
Apoteosis(gr. - deificación) - final, solemne escena de multitud representación teatral o festiva programa de conciertos. Un magnífico final para un espectáculo.
Arena(Latín - arena): una plataforma redonda (en un circo) en la que se realizan actuaciones. Se utilizan tanto en teatro como en representaciones teatrales.
Arlequín(Italiano - máscara): un personaje cómico de la comedia popular italiana con un traje característico hecho de trapos multicolores. Payaso, bufón.
"Arlequín"(it.) - una cortina textil estrecha y larga que limita parte superior Escenas sobre el telón principal La primera caída después del telón.
Articulación(Latín - desmembrar, articular) - pronunciación articulada. El trabajo de los órganos del habla (labios, lengua, paladar blando, mandíbulas, cuerdas vocales, etc.) necesario para pronunciar un determinado sonido del habla. La articulación es la base de la dicción y está indisolublemente ligada a ella.
Artista(Francés - persona de arte, artista) – una persona que se dedica a la representación pública de obras de arte. Una persona talentosa que domina sus habilidades a la perfección.
Técnica artística- técnica destinada a desarrollar la mejora de la salud mental y naturaleza fisica artista. Incluye todos los elementos constitutivos de la acción escénica: el trabajo de los sentidos, la memoria de las sensaciones y la creación de visiones figurativas, la imaginación, las circunstancias propuestas, la lógica y secuencia de las acciones, los pensamientos y sentimientos, la interacción física y verbal con el objeto, así como así como plasticidad expresiva, voz, habla, caracterización, sentido del ritmo, agrupación, puesta en escena, etc. El dominio de todos estos elementos debe llevar al actor a la capacidad de realizar acciones genuinas, apropiadas y orgánicas de forma artística y expresiva.
Arquitectura(gr. - constructor) - arte de la construcción, arquitectura. Construcción obra de arte, que está determinada por la interdependencia partes individuales generalmente. Disposición proporcional de partes principales y secundarias. En otras palabras, ésta es la unidad de forma y contenido. En base a esto surge el concepto de “arquitectura de una obra de teatro”. Descubrir la cadena de acontecimientos principales como resultado del análisis significa conocer la arquitectura de una obra o composición.
entre bastidores(Francés - backstage): la parte trasera del escenario, que es una continuación del escenario principal, en los teatros modernos, tiene el mismo tamaño. Creando una ilusión gran profundidad espacio. Sirve como sala de reserva.
Asistente(lat. - presente) – asistente. En el arte del entretenimiento, un asistente es una persona que asiste al director en la puesta en escena de una obra de teatro o actuación. Las tareas del asistente son variadas. Debe comprender las tareas creativas de su líder e inspirarse en ellas en busca de soluciones artísticas. También debe conocer las leyes del escenario, realizar ensayos en ausencia del director y ser enlace entre el director y los actores, servicios técnicos.
Serie asociativa(lat.) – imágenes e ideas que se suceden unas a otras según su compatibilidad u oposición.
Asociación(lat. - conectar): una forma de lograr la expresividad artística basada en identificar la conexión de imágenes con ideas almacenadas en la memoria o consagradas en la experiencia cultural e histórica.
Atmósfera(gr. - respiración, pelota) - condiciones ambientales, medio ambiente. En el arte del teatro, la atmósfera no es sólo el escenario y las condiciones circundantes, sino también el estado de los actores e intérpretes que, interactuando entre sí, crean un conjunto. La atmósfera es el entorno en el que se desarrollan los acontecimientos. La atmósfera es el vínculo de conexión entre el actor y el espectador. Es fuente de inspiración en el trabajo del actor y director.
Atributo(Latín - necesario) – un signo de un objeto o fenómeno que pertenece a algo. Un atributo completo puede ser reemplazado exitosamente por sus fragmentos, pero la duración de la acción no se verá afectada.
Atracción(Francés - atracción): un número de un circo o programa de variedades que destaca por su eficacia y despierta el interés del público.
Póster(Francés - anuncio clavado en la pared): un anuncio publicado sobre una próxima actuación, concierto, conferencia, etc. Tipo de publicidad.
Anunciar(Francés: anunciar públicamente) – hacer alarde, llamar deliberadamente la atención general sobre algo.
Aforismo(gr. - dicho) - un dicho breve y expresivo que contiene una conclusión generalizadora. Para un aforismo se requiere igualmente integridad de pensamiento y refinamiento de la forma.
Afectar(Latín - pasión) - excitación emocional, pasión. Un ataque de fuerte excitación nerviosa (rabia, horror, desesperación).
personas, arquitectura, fauna- es decir. todo lo que rodea a una persona.