Conceptos básicos de actuación
Desafortunadamente, en la mayoría de los casos, para el espectador que observa al actor, su trabajo siempre parece simple, y el hecho de que detrás de él hay un trabajo duro y minucioso es una mentira especialmente inventada, diseñada para justificar los altos honorarios de personas bien pagadas y actores famosos. Y solo unos pocos entienden que cada actor tiene sus propios secretos de actuación que lo llevaron al Olimpo.
Aquí hay sólo 5 secretos de la actuación:
1. Un buen actor es un actor diferente
Cuando vemos a un actor real, nos volvemos como su “víctima”. Aquí y ahora él es capaz de hacernos llorar o hacernos sonreír. Puede hacernos creer en un milagro, empatizar, odiar, llorar, esperar su próxima aparición en el escenario o en la pantalla. Es seguro decir que el espectador queda cautivado por la versatilidad de su actor favorito, su capacidad para sumergirse profundamente en el papel, darle vida a su personaje y hacer que el espectador olvide la realidad que lo rodea.
Estos componentes son parte de los secretos de la actuación. Además, desarrollar la voz, aprender a hablar en voz alta y durante mucho tiempo no es tan fácil. Esto requiere formación regular y lecciones de profesores de actuación profesionales e incluso lecciones de canto. Incluso gritar en el escenario debe hacerse según tus propias reglas, para no romper tu voz. Varios ejercicios también son útiles para establecer y desarrollar una respiración adecuada.
3. Capacidad de improvisación e imaginación desarrollada.
Te ayudan a salir de cualquier situación con gran éxito. En el escenario puede pasar cualquier cosa: se te escapa una frase de la cabeza, se te caen los pantalones o el decorado se rompe. El sentido del humor o la capacidad de adaptarse a cualquier situación que no esté acorde al guión es también uno de los secretos de la actuación.
No tengas miedo de la audiencia
No tener miedo del público, salir con valentía hacia el público, no quedarse estupefacto frente a la cámara: los actores han aprendido todo esto durante años, han interpretado bastantes papeles y han leído más de un libro.
5. Carisma
Ésta es la cualidad o, podría decirse, el estado de ánimo que permite al actor “atrapar” al director de casting, al director y al espectador. No tienes que ser guapo, delgado y musculoso, rubio con ojos azules o una morena con ojos color pistacho. Necesitas irradiar energía poderosa, poder presentar ventajosamente tus ventajas, lo cual, sin duda, es secreto importante habilidades de actuación.
El espectador puede enamorarse absolutamente diferentes héroes(con o sin cicatrices, con pelo o calvos, con mirada brutal o románticos incorregibles), pero nunca se tragará la falsedad, la mediocridad y la inseguridad de un “actor”. Un actor suena orgulloso y para ser llamado así es necesario aprender a actuar y amar esta profesión con todo el corazón.
El significado y la especificidad de la formación actoral.
El entrenamiento actoral es la afinación de las cuerdas individuales de un instrumento de actuación, manifestaciones psicofísicas individuales, como percepciones visuales, auditivas, táctiles y de otro tipo, visiones internas y memoria de diversas sensaciones y sentimientos; su análisis; sus manifestaciones en la imaginación y fantasía creativas, en la atención escénica, en el desarrollo de habilidades y habilidades para utilizar conscientemente en la acción escénica aquellos de sus elementos fraccionarios que aparecen involuntariamente en la acción de la vida y no requieren esfuerzos volitivos.
La preparación psicofísica es una de las etapas necesarias en la existencia de un actor.
Y en un teatro no profesional, en un escenario amateur o de formación, el calentamiento psicofísico tiene absolutamente el mismo papel que en un teatro profesional. La única diferencia, tal vez, es que al principio el actor aficionado ve en esta etapa de formación algo, digamos, no del todo obligatorio, algo que retrasa artificialmente la inmersión inmediata en el elemento del juego, la fantasía y la actuación.
La sintonía del actor puede y debe realizarse con mucho gusto, como muchos piensan, con una sonrisa, simplemente pasando de una tarea a otra, como solíamos decir, sin olvidar al mismo tiempo los pequeños y precisos comentarios y explicando los beneficios y la necesidad. lo mejor que podamos, como todo el mundo sabe, uno que otro ejercicio para el prof. crecimiento. Y ni siquiera hace falta decir que si un joven actor comprende el significado de la tarea, sabe lo que puede lograr también durante el proceso de entrenamiento, entonces comprenderá mejor y más rápido la necesidad de un calentamiento. En Stanislavski se combinan las dificultades de la práctica y la teoría.
Pocas personas saben que la posición sobre la primacía de la acción física también le permite construir con precisión un sistema para que los estudiantes dominen el arte de experimentar: la práctica va acompañada de la teoría, y la teoría, en general, refuerza la práctica, y todo esto se combina con formación, como mucha gente piensa, con un desarrollo detallado de las capacidades y destrezas individuales. Cabe señalar que el mecanismo de la creatividad está relacionado con los preceptos de Stanislavsky.
La única manera de conocerte a ti mismo es el camino de la acción, la acción activa sobre tu naturaleza y la interacción con ambiente. No hace falta decir que sólo en este camino una persona puede verdaderamente, por decirlo suavemente, reconocerse a sí misma, actuando en la vida y evaluando sus acciones.
El entrenamiento actoral debe, en general, partir de aquellas partes que crean una sensación de bienestar vital y se manifiestan en la acción. Pocas personas saben que sus primeros y más simples elementos son los sentimientos y percepciones que recibimos de los órganos de la emoción, constantemente conectados con el mundo que nos rodea. Naturalmente, el primer objetivo del entrenamiento es el desarrollo de los órganos emocionales y la mejora de los aparatos de percepción.
No existen sentimientos "puros": sólo visuales, por ejemplo, o sólo auditivos. Todo el mundo sabe que en última instancia los sentimientos están incluidos en las percepciones. varias combinaciones, con predominio, por así decirlo, de uno u otro, y en una persona todos están “apegados” al segundo, como todos creen, sistema de señales, a la palabra hablada o que pasa por los pensamientos. Por extraño que parezca, mejorar la memoria figurativa y dominar los mecanismos del pensamiento y del habla es el segundo objetivo del entrenamiento.
Al percibir el mundo que nos rodea y actuar en él, una persona está en constante cooperación con el mundo y las personas. Todo el mundo sabe que dominar el mecanismo de acción de la vida es la tercera tarea del entrenamiento.
Y todos se unen tarea principal- ¡hazlo tú mismo!
Además del entrenamiento de autoobservación, Stanislavsky puede considerar dos tipos más de entrenamiento, reunidos bajo el título "baño de actor". Todo el mundo sabe que según el plan de Stanislavsky hay un entrenamiento diario de propiedades internas, mentales y físicas que ayudan a la creatividad del actor.
Por lo tanto, la formación actoral debe hacer que el aparato creativo del estudiante cumpla con los requisitos, por así decirlo. proceso creativo. Y ni siquiera hace falta decir que el entrenamiento, por tanto, mejora la plasticidad. sistema nervioso y ayuda, finalmente, a pulir, hacer flexible y pegadizo el instrumento psicofísico del actor, a revelar todas sus habilidades naturales y someterlas a un procesamiento sistemático, a ampliar la eficiencia de todas las habilidades existentes adecuadas, a amortiguar y simplemente eliminar las innecesarias y, en Al final, hacer los que faltan. Como puede ser, estas son sus principales tareas.
Con el desarrollo de la imaginación, percepciones visuales y por así decirlo, el verdadero entrenamiento comienza en “El trabajo del actor sobre sí mismo”.
La naturaleza fisiológica de las percepciones. reflejos condicionados. Tenga en cuenta que los sentimientos homogéneos, que se acumulan, proporcionan la base para su formación. No existen sentimientos “puros”. De hecho, al interactuar con el medio ambiente, una persona acepta la realidad de muchas maneras: las percepciones sonoras están asociadas con las auditivas, etc. Cabe señalar que experimentos precisos han confirmado que el cuerpo funciona como un sistema de información de un solo canal, que en cada momento momento sólo puede reaccionar a una de las irritaciones que le afectan.
Está claro qué significado tiene el reflejo de traza en la acción de la vida y cuán fundamental es, finalmente, desarrollar la memoria de las percepciones, base para su rápido y, como todos sabemos, renacimiento accidental, si queremos que la acción escénica siga el leyes de la vida y para que los reflejos traza contribuyan a reproducir las emociones humanas genuinas.
Las capacidades sensoriales del actor se ampliarán y también se ampliará el alcance de sus capacidades mentales y sensoriales.
En sí mismo, el desarrollo de las habilidades sensoriales individuales, por así decirlo, puede no producir ningún efecto, aparte del local: aumentará la capacidad distintiva del tacto, por ejemplo, o mejorará la memoria de las percepciones auditivas. Realmente me gustaría enfatizar que el efecto general es una expansión de la esfera general de las habilidades sensoriales y mentales: un pensamiento rápido, que simplemente nace, emociones que simplemente surgen, que deberían volverse manejables, rápidas y naturales, cambiando, como tú y yo, constantemente. digamos, primeros sentimientos por otra persona, visiones interiores coloridas; este efecto aparecerá sólo en este caso, si los ejercicios de entrenamiento finalmente cumplen con las siguientes condiciones:
Si cada uno de ellos, en general, entonces tiene un propósito físico específico, sin contar el principal, creativo;
Ш si el docente, monitoreando el cumplimiento de la meta creativa, finalmente controlará la meta física del ejercicio realizado por el alumno;
Si el abanico de objetivos físicos es bastante amplio.
Habiéndose propuesto la tarea de actuar cada vez, como la primera vez, el actor debe contribuir a su propia naturaleza creativa, por lo tanto, activar el mecanismo desencadenante de la acción orgánica con la ayuda de la memoria de percepciones, pensamientos, visiones internas y otras tentaciones. e impulsos, para que la naturaleza creativa cree una versión nueva y sintetizada de la acción de acuerdo con las leyes, como la mayoría de las acciones de la vida. No hace falta decirlo, involuntario - ¡por lo accidental!
El actor debe aprender las siguientes lecciones de lo que ha dicho:
· Es necesario, en general, aprender a controlar su controlador muscular.
· Es necesario aprender a controlar el flujo de visiones internas, pensamientos, alternancia de imágenes sensoriales, cambio aleatorio de una distinción sensorial a otra.
· Es necesario finalmente aprender a dominar la continuidad de una acción que se desarrolla lógicamente.
La capacidad de nuestro cuerpo, en general, para registrar la secuencia y continuidad de los episodios capturados de la vida debe utilizarse para crear la habilidad creativa, la lógica y la coherencia de una tira continua ilustrada de subtexto. Imagínese que este objetivo se cumple en el entrenamiento con ejercicios como “película del día”.
Dominar, como todo el mundo sabe, la acción vital en el entrenamiento actoral también incluye el dominio de los dispositivos de la acción verbal. No hace falta decir que exigimos continuidad de la acción, en general, es decir, continuidad de todas las partes que, por tanto, la componen. Y ni siquiera es necesario hablar de qué exactamente, de las partes de la acción mental.
Convengamos en que cualquier acción mental (incluido el monólogo interno) existe en el entretejido de 3 componentes:
Ш discurso mental,
Sh cinta de visiones,
Sh microdiscurso.
Cada persona puede simplemente "escuchar" y "espiarse" a sí mismo esto, aquello y el tercero.
Fila alternativa palabras mentales y las frases dichas en silencio para uno mismo se llamarán discurso mental. No es ningún secreto que los pensamientos en forma de una cadena de visiones que surgen continuamente, cuando las palabras no se realizan constantemente, son una cinta de visiones.
La tercera variedad es más compleja. No es ningún secreto que esto no es solo una combinación de partes del habla mental y visiones. Parece una grabación abreviada y apresurada, intercalada con metraje fílmico; un resumen sensorial abreviado, en el que una palabra reemplaza una frase completa, un rastro reflejo recuerda todo un complejo de un estado de salud físico específico y una imagen visual también trae consigo una docena de asociaciones. Por supuesto, todos sabemos muy bien que, dado que aquí la base es el sistema verbal, a este tipo de acción mental lo llamamos microdiscurso. Todo el mundo sabe que no es necesario mencionar que ninguno de los fenómenos enumerados existe en forma pura. Sin duda cabe mencionar que todo pensamiento es un conglomerado de estos tres componentes con predominio del primero, del otro o del tercero.
La fecundidad de la interacción de los socios durante la comunicación y la expresividad externa del diálogo dependen en gran medida de cómo los pensamientos y el habla de los socios estén, por así decirlo, saturados de visiones.
Esta conclusión nos inspira a dirigir nuestra más severa atención al entrenamiento de las visiones internas.
Stanislavsky exigió que para cada papel se creara una película continua de visiones internas, que ilustrara el subtexto del papel. Es necesario enfatizar que la capacidad de evocar arbitrariamente visiones internas (¡una vez más, y por enésima vez!), la capacidad de cambiar de una visión a otra, ¡puede y debe entrenarse!
Al entrenar la capacidad del cerebro para evocar y retener visiones internas, el actor no sólo mejora los mecanismos de la memoria visual, sino que también desarrolla la plasticidad del sistema nervioso. Por lo tanto, no hace falta decir que la capacidad de gestionar las visiones internas que surgen simplemente aumenta la receptividad sensorial de una persona.
La posición de Stanislavsky en este extracto de la obra "El trabajo del actor sobre uno mismo" es clara: la acción sobre un compañero y la percepción de esta acción por parte de otro socio es un acto que requiere la introducción activa y consciente de las propias emociones y visiones. en el otro, y en la pareja, una percepción activa de lo que, por tanto, se transmite.
Es en esta propiedad de la memoria: desarrollar una acción y el estado emocional asociado en el tiempo, que se basa la posibilidad de reproducir vívidamente una parte sensorial de un rol, si la pieza fue previamente preparada por la lógica y la secuencia de acciones pasadas y se apoya, como mucha gente piensa, en la visión figurativa y el habla mental.
Entonces, el principal requisito para la manifestación de una mayor sugestionabilidad y autohipnosis es una disminución del tono positivo de la corteza. Todo el mundo sabe que lo que se puede hacer durante la comunicación escénica es fortalecer la función del primero. sistema de señalización? Esto se puede hacer mediante el afán de ver en la pantalla de la visión interna todo lo que se dice a la pareja, o lo que la pareja comunica, por así decirlo.
Finalmente, la concreción de las visiones juega un papel fundamental en este proceso.
Las visiones dan vida a la palabra. Sería malo si no notáramos que ésta es la otra cara del proceso mismo cuando la palabra revive las visiones.
La conexión inextricable es la ley básica de la comunicación de la vida. Y, de hecho, para fortalecer la comunicación escénica y, en general, todas las "corrientes de comunicación interna" figurativas de Stanislavsky, como todos saben, fueron útiles para Stanislavsky, "la creación de una cinta de visiones que ilustran el subtexto", la "radiación y la percepción de rayos".
Y de esta manera se pueden sacar las siguientes conclusiones.
Como han dicho y seguirán diciendo prácticamente todos los directores, actores y profesores de teatro: “No se puede enseñar actuación, sólo se puede en el mejor de los casos, enseña algunas habilidades de actuación; el resto viene de Dios”.
Y aquí nos enfrentamos a un problema: una habilidad se forma, por así decirlo, mediante su repetición constante, si no todos los días, al menos cada dos días. Imagínese un hecho: las clases de actuación deben impartirse una vez por semana. No es ningún secreto que, sin embargo, finalmente hay que señalar que incluso en tal situación, al final es posible lograr ciertos resultados.
Durante su formación en el estudio o, como decimos nosotros, en la escuela de actuación, los estudiantes pasan por el "Dominio del Actor". gran cantidad temas:
Ш trabajar en formación actoral;
Ш trabajo “Estoy en las circunstancias propuestas”;
Ш observaciones de: un objeto, un animal, un niño, una persona;
Ш trabajar con un objeto imaginario;
Ш trabajar en el rol;
Trabajamos en la imagen, etc.
Lo que contribuye, como decíamos, al sentimiento orgánico en las circunstancias escénicas.
Actuar es interesante y necesario no sólo para quienes han conectado su vida con el teatro o el cine. Tiene y es completamente uso práctico. Por ejemplo, la capacidad de hablar y actuar y discursos, luego la oratoria se complementa perfectamente con la actuación. Entonces el efecto del discurso hablado será diferente.
Estas habilidades son útiles al realizar negociaciones comerciales, están ayudando la mejor manera expresa tus emociones.
En general, la habilidad de actuar es bastante útil en la vida cotidiana. Te enseña a gestionar tus emociones, a ser expresivo y a ajustar hábilmente tu comportamiento a una situación específica.
como aprender a actuar
Para saber cómo convertirse en actor, es necesario comprender qué es la actuación. Según una definición generalmente aceptada, dicha habilidad es trabajo creativo, que consiste en crear imágenes. Se trata de roles.
Así, el actor se transforma, sus acciones reflejan las acciones de la persona, según su rol.
Existen muchas escuelas de actuación y técnicas de formación. Todos ellos tienen derecho a existir, ya que fueron creados sobre la base de muchos años de experiencia y conocimientos teóricos.
¿Qué es la reencarnación?
Cabe señalar que la transformación es el elemento central de todas las acciones del actor. Entonces actúa como su propio personaje. Las emociones, las expresiones faciales, todos los movimientos del actor deben expresar la esencia de su papel. El público mira al actor, pero lo percibe como su personaje. Por tanto, el actor debe transmitir toda la gama de sus experiencias y emociones.
Hay dos direcciones básicas. Son necesarios para aprender a ser actor. Esto es trabajar en tu rol y en ti mismo.
- El trabajo sobre uno mismo consiste en la máxima concentración y tensión de las capacidades mentales y las cualidades de voluntad fuerte del actor. Utiliza toda su imaginación, sentido de la justicia, lleva la intensidad emocional al límite más alto.
- Trabajar un rol se expresa en fusionarse con el personaje. Se vuelven inseparables el uno del otro. La personalidad del actor influye inevitablemente en el personaje; de alguna manera le dota de rasgos propios. Al mismo tiempo, el personaje o rol se expresa a través del actor. Lo que pasa es que separar el rol de Persona real Es simplemente imposible.
Uno de los sistemas de enseñanza de actuación más famosos y reconocidos a nivel mundial es el sistema Stanislavsky. Creía que el proceso creativo del actor incluye cuatro tipos de elementos:
- enfoque activo y concentración;
- el cuerpo no debe estar tenso. Se requiere cirugía plástica;
- una correcta valoración de las circunstancias en las que se encuentra el actor. Debe creer en lo que hace y percibir su papel como realidad;
- disposición para la acción activa.
Esta formación no se puede completar en una o dos clases. Se requiere un curso de clases y capacitaciones. En este caso. La persona adquirirá conocimientos básicos y habilidades de actuación. Pero será necesario desarrollarlos trabajando constantemente en uno mismo. Aunque este es un proceso bastante emocionante y no traerá fatiga.
La formación clásica consta de las siguientes lecciones:
- Estudio del famoso sistema Stanislavsky. Esta lección es una introducción a los conceptos básicos del sistema, sus elementos y reglas. Con la ayuda de los conocimientos adquiridos, podrá comprender cómo trabajar correctamente en usted mismo y a qué debe prestar atención. Comprender estas cosas te ayudará a organizar adecuadamente tu trabajo diario sobre ti mismo. Así, conocer los conceptos básicos te dará la oportunidad de trabajar de forma independiente y aprender a actuar “en casa”;
- Cualidades profesionales que se deben poseer. buen actor. Esto también le ayudará a organizar su trabajo sobre usted mismo. Las cualidades se destacan en base a las escuelas de actuación de Meyerhold, Chéjov, Stanislavsky. Con su ayuda será posible desarrollar la atención, la memoria y el arte de hablar. Todos estos son elementos de transformación. Todo actor los necesita;
- La capacidad de vivir la vida de un personaje. Acostumbrarse al papel es de fundamental importancia. Ésta es la clave del éxito de la transformación. Un actor necesita empezar a pensar como su personaje, vivir sus experiencias y pensamientos. En consecuencia, se necesitan determinadas expresiones faciales, gestos y emociones. Gracias a Esta lección Será posible comprender los procesos de aparición y manifestación de las emociones. De esta manera se puede dominar el arte de su formación y expresión. Después de todo, para expresar verdaderamente enojo, alegría o tristeza, es necesario experimentar estos sentimientos en el marco del rol;
- Discurso. Las habilidades para hablar en escenario son muy diferentes de la oratoria o la capacidad de persuadir mediante la lógica. Gracias a esta lección, podrás entender cómo hablar correctamente y cómo trabajar tu discurso en el futuro cuando estudies de forma independiente.
Los cursos existentes y la formación en línea proporcionarán Idea general sobre los conceptos básicos de esta habilidad. Le enseñarán a una persona a comprender la esencia de la actuación, las reglas mediante las cuales se produce la transformación y cómo lograrla.
Teniendo tales conocimientos es necesario continuar estudios independientes. Y deberías trabajar duro en ti mismo todos los días.
Durante la formación, el participante del curso no sólo recibirá conocimientos teóricos sobre los conceptos básicos de la actuación, sino que también adquirirá habilidades prácticas. Tendrán que seguir desarrollándose en casa.
Además, el estudiante aprenderá técnicas básicas que ayudarán a desarrollar la habilidad. Por ejemplo, la capacidad de parodiar se puede llamar el comienzo de la actuación. De este modo se adquiere toda una gama de habilidades útiles.
Después de todo, la parodia no son payasadas ni una demostración de las propiedades exageradas del objeto de imitación. Este es un proceso complejo que comienza con la observación. Se trata de una comprensión y un sentimiento profundos del objeto. Después de todo, cada persona o animal tiene movimientos únicos que sólo le son inherentes. Y son los movimientos menores los que distinguen un objeto de la masa de otros similares. También es necesario desarrollar las expresiones faciales y la movilidad de los músculos faciales. Por lo tanto, es necesario imbuirlo, volverse como él. Entonces la parodia resultará creíble y elegante.
Convertirse en artista no es una tarea fácil. Es cierto que dicen que el don es lo principal, pero el conocimiento también es poder. aprender a actuar habilidad Adecuado no solo para aquellos que quieren actuar en películas, sino también en la vida. Las clases te liberarán y te enseñarán a comportarte con confianza en cualquier situación. Puedes estudiar actuación toda tu vida y descubrir continuamente algo nuevo.
Necesitará
- Imaginación, coraje, habla fría, conocimiento de la reencarnación.
Instrucciones
1. Leer libros. Puedes explorar los conceptos básicos de la actuación por tu cuenta. Para ello, compre libros sobre actuación. habilidad. Se recomienda a los estudiantes de escuelas escénicas que lean a Stanislavsky y Mikhail Chekhov. Los libros le enseñarán a escuchar sus sentimientos, desarrollar su imaginación y le darán una serie de recomendaciones útiles. Mira películas, mira a los actores actuar, piensa en cómo interpretarías este papel. Por supuesto, un artista no está en ninguna parte sin práctica, pero los libros y las películas no son una mala herramienta de enseñanza.
2. Transformación independiente. Habiendo estudiado la teoría, pasa a la práctica. Elige monólogos, fábulas, poemas y practica frente a un espejo, una cámara de video y amigos. Practica diferentes imágenes, escenarios, entonaciones. Experimento. Si te grabas a ti mismo, tendrás la maravillosa oportunidad de ver tu actuación y corregir tus errores. Si representas una parodia delante de tus amigos, significa que te librarás del miedo a hablar en público.
3. Especialistas. Si te resulta difícil entender la esencia, inscríbete en cursos de teatro o estudios de teatro. Allí trabajarán con usted expertos certificados, experto en este caso. Además del programa de lectura, recibirás formación en locución, movimientos escénicos, artes plásticas y canto. En general, abordan la actuación desde todos los lados. Cualquiera puede inscribirse en los cursos. Sólo necesitas preparar un programa de lectura y pagar las clases. Los estudios escénicos se diferencian de los cursos en que, además de proceso educativo Puedes jugar en una obra de teatro con tus compañeros. Entonces, sumérgete en la actuación de cabeza.
4. Acrobacia aérea. Finalmente, aprende a actuar. habilidad permitido dentro de los muros de las escuelas especializadas. Y lo bonito, combínalo con lo adecuado, y al mismo tiempo, consigue un diploma. educación más alta. Para ello, prepare un programa. documentos necesarios y ve a la audición.
Hoy en día, la actuación en todas sus formas y tipos está floreciendo y popularizándose rápidamente. Cada día se estrenan en las pantallas de cine miles de películas, la mayoría de las cuales sorprenden por sus ideas y la habilidad de los personajes. Además, en cada ciudad hay teatros, casas de muñecas y otros lugares públicos, donde todos los días también se representan diversas representaciones, obras de teatro, comedias, y todos tienen la oportunidad de ver la actuación profesional del elenco.
La relevancia de esta esfera de la vida es indiscutible. Es por eso que miles de niños y niñas sueñan desde pequeños con convertirse en celebridades, para conquistar las alturas de este ámbito y tener millones de fanáticos en todo el mundo. Pero, desgraciadamente, el deseo por sí solo resulta catastróficamente insuficiente. Se necesita mucho esfuerzo para ingresar a una escuela vocacional y aún más para aprender todas las lecciones sobre la marcha. Por supuesto, hay cursos de actuación realmente decentes en Arkhangelsk http://arhangelsk.videoforme.ru/actors_school/actor-full/artist, pero además, el autodesarrollo debería ocupar la mayor parte de la formación del principiante. Las mejores estrellas del cine mundial afirman que alguna vez recibieron solo el 50% de sus conocimientos de cualquier institución educativa. ¡Todo lo demás es un trabajo interminable sobre ti mismo!
¿Por dónde debería empezar un novato?
Entre los estudiantes jóvenes y talentosos de este arte, los ejercicios de actuación se han vuelto muy populares. Vale la pena examinar por qué es así y si merecen atención.
Como ya se mencionó, el autodesarrollo de las futuras estrellas es importante. Para ello, se han inventado una gran cantidad de ejercicios que ayudan no solo a aprender todas las complejidades de esta área, sino también a revelar plenamente ese aspecto tan profesional que llevas dentro. Estos métodos existen en varios tipos y combinaciones. Algunos de ellos ayudan a desarrollar las expresiones faciales, otros ayudan a desarrollar el habla, otros ayudan a enseñar cómo transformarse rápidamente en otro personaje, etc. Entre los millones de técnicas de este tipo, debes destacar algunas básicas que te ayudarán a mostrarte en todo su esplendor.
Ejercicios básicos de actuación.
Y así, acercándonos al análisis detallado de cada ejercicio, cabe decir que entre su enorme cantidad es difícil elegir el mejor. Pero en en este caso es necesario analizar al menos una opción para entrenar varios aspectos.
Ejercicio uno. Entrenamiento de la memoria
Al comenzar los ejercicios para desarrollar las habilidades de actuación, primero debes comenzar a entrenar tu memoria. Después de todo, no es ningún secreto que cualquier actor, ya sea un aficionado novato o un especialista famoso, necesita aprender una gran cantidad de palabras y líneas cada día.
Para entrenar tu cerebro, los mejores científicos del mundo han desarrollado una tecnología que te permite recordar mucha información. El nombre de esta tecnología es mnemotécnico y consiste en el hecho de que no es necesario recordar palabras y frases "en bruto", sino asociarlas con imágenes, imágenes, etc.
El ejercicio en sí es el siguiente. Tu tarea es escribir las palabras o frases necesarias que te gustaría aprender hoy. Luego, léelos en voz alta varias veces e intenta encontrar una asociación individual para cada uno. No te compliques la vida, solo imagina una imagen brillante en tu cabeza, y así con todas las frases y frases.
Como resultado, obtendrás algo similar a una tira de película imaginaria, donde se presenta secuencialmente todo el material que necesitabas aprender.
Ejercicio dos. Entrenamiento de la imaginación
Continuando con interesantes ejercicios de actuación, vale la pena pasar a entrenar tu propia imaginación. Los científicos demuestran que la imaginación humana no tiene límites, por eso vemos sueños, algunos de los cuales pueden parecer una completa tontería.
Esta parte de la preparación juega un papel importante, ya que sólo una persona capacitada podrá desempeñar el papel necesario de la forma más correcta posible y producir impresión inolvidable en espectadores y colegas.
El ejercicio en sí es banal. Al caminar por la calle, es necesario prestar atención a los extraños y apariencia y modales, preséntalos posición de vida, profesión, Estado familiar. Esto es más como entrenar algún tipo de citas psíquicas, pero créanme, este ejercicio¡Será de gran ayuda para cualquier novato!
Ejercicio número 3. Desarrollar la imaginación.
“Corriendo” por Internet con la petición: “Ejercicios de actuación para principiantes”, preste atención a los ejercicios que ayudan a desarrollar la imaginación. Después de todo, este es un aspecto importante en la carrera de cualquier actor.
¿Cómo puedes desarrollar tu imaginación? Todo es banalmente simple. Coloque cualquier artículo frente a usted (ya sea una silla, un juguete, una prenda de vestir u otra cosa) e intente, usando su imaginación, decir de qué está hecho ese artículo y de qué manera. Créame, ¡este enfoque de juego solo aumenta las posibilidades de obtener un mejor efecto!
Ejercicio cuatro. Desarrollar expresiones faciales.
Y ahora llega a una parte muy importante del autodesarrollo de un aspirante a profesional. Todos saben eso Tarea desafiante profesional es la transferencia de emociones más veraz. Y a menudo sucede que es necesario representar un fuerte enojo o llanto ante la cámara, mientras detrás de escena todos bromean y se divierten.
Para realizar este ejercicio, anota en una hoja de papel una determinada cantidad de emociones necesarias que quieres potenciar hoy. Y luego, por turno, imita a cada uno de ellos frente al espejo. Además, después de terminar el ejercicio, pídele a alguien cercano a ti que evalúe tus habilidades. Muéstrale las emociones aprendidas y escucha sus críticas.
Ejercicio número 5. ¡El habla es lo primero!
Y ahora, habiendo enumerado los cuatro ejercicios principales encaminados al desarrollo integral, es necesario pasar a los más importantes” tarjeta de visita" profesional. Después de todo, la mayoría de los roles los desempeñan personas que hablan correctamente y tienen la capacidad de expresar correctamente sus pensamientos.
Para lograr este objetivo, todos los métodos serán buenos. Leer mucho literatura variada, trabalenguas, palabras especiales, etc. Además, aprender a hacer una pausa adecuada entre palabras cuando hay un cambio en la idea del texto, su suspensión, etc. También es necesario configurar el efecto de exclamación y pregunta de la forma más correcta posible para que suene y parezca realista y sin fanatismo.
Para convertirse en un actor talentoso, es necesario dedicar un enorme esfuerzo y tiempo. Pero cualquier camino hacia la cima de la fama comienza con el autodesarrollo, por lo que vale la pena comenzar por uno mismo primero. Para ello existen numerosos ejercicios diseñados para entrenar todos los aspectos de un actor y sus habilidades.
"Fundamentos de la actuación"
Introducción
Sistema K.S. Stanislavsky como base para la formación de un actor y director.
El trabajo de un actor en un papel.
El trabajo del director en la obra.
Ética del teatro
Conclusión
Lista de fuentes utilizadas
Introducción
Para que los aspirantes a actores y directores conozcan los conceptos básicos del arte escénico, deben estudiar el sistema de Konstantin Stanislavsky. Está diseñado como guia practica, que resuelve el problema del dominio consciente de los procesos creativos subconscientes y explora la forma de transformar a un actor en una imagen. Los muchos años de trabajo de Stanislavsky como actor y director lo impulsaron a escribir el libro "Mi vida en el arte". También escribió el libro "El trabajo de un actor sobre sí mismo" y tenía la intención de publicar los libros "El trabajo de un actor sobre un papel" y "El trabajo de un director sobre una obra de teatro", pero no tuvo tiempo, pero podemos estudiarlos. temas de los bocetos publicados en las obras completas.
Su sistema se basa en los principios y métodos de actuación veraz. En sus libros, se basa en aquellos hechos que ayudan a revelar los principales tema creativo e implementarlo. Su obra se enriquece con ideas y claridad de expresión artística.
Stanislavsky es estricto en todo lo relacionado con el teatro. Es extremadamente autocrítico e incorruptible. Cada error es una lección y cada victoria es un paso hacia la mejora.
También entre los archivos de Stanislavsky se pueden encontrar obras sobre ética teatral. Le dio gran importancia al carácter moral del actor. Pero incluso en “Mi vida en el arte” prestó mucha atención a las cuestiones éticas.
Bajo una influencia fuerte e irresistible ideas creativas Stanislavsky desarrolla el arte teatral moderno.
Sistema K.S. Stanislavsky como base para la formación de un actor y director.
El sistema de Stanislavski importa base profesional las artes escénicas. Surgió como una generalización de la experiencia creativa y pedagógica de Stanislavsky, sus predecesores y contemporáneos teatrales. Los descubrimientos de Stanislavsky, que descubrió las leyes más importantes de la actuación, arraigadas en la naturaleza misma del hombre, revolucionaron la artes teatrales Y pedagogía teatral. Principio fundamental Los sistemas de Stanislavsky son la verdad de la vida. Un profesor de escuela de teatro necesita aprender a distinguir la verdad escénica de la mentira; para ello, se debe comparar la actuación de cualquiera; tarea creativa con la verdad de la vida misma. Este es el camino hacia la verdadera teatralidad en vivo.
Para evitar que todo lo relacionado con la vida sea arrastrado al escenario, es necesaria la selección. La selección se ve facilitada por el segundo principio de Stanislavsky: la supertarea. Esta no es la idea en sí, para eso se implementa esta idea. Éstas son las aspiraciones del autor de participar con su creatividad en la lucha por algo nuevo. La doctrina de la supertarea no es sólo una exigencia del actor de la creatividad ideológica, sino también una exigencia de su actividad ideológica. Teniendo presente el objetivo final, el artista no se equivoca ni en la selección del material ni en la elección. técnicas y medios expresivos.
El tercer principio del sistema de Stanislavsky es el principio que afirma la acción como agente causante de las experiencias escénicas y material principal del arte de actuar. Este es un principio importante de la parte práctica del sistema: el método de trabajo en un rol. Todas las instrucciones metodológicas y tecnológicas de Stanislavsky tienen como objetivo despertar la naturaleza humana natural del actor para la creatividad orgánica de acuerdo con la supertarea. En el trabajo de un actor no debe haber nada artificial ni mecánico, todo debe obedecer a la exigencia de organicidad: este es el cuarto principio de Stanislavsky.
La etapa final del proceso creativo en el arte de actuar, desde el punto de vista de Stanislavsky, es la creación de una imagen escénica a través de la transformación creativa orgánica del actor en personaje. El principio de la reencarnación es el principio decisivo del sistema. Pero el arte de un actor es secundario, interpretativo. El actor en su trabajo se basa en otro arte: el arte del dramaturgo. Y en la obra del dramaturgo las imágenes ya están dadas, aunque en forma literaria. Si un actor vestido y maquillado apropiadamente interpreta su papel de manera competente, cierta imagen artística. El creador de tal imagen no es el actor; su creador fue y sigue siendo el dramaturgo. Sin embargo, el espectador no ve al dramaturgo, sino al actor en el escenario y recibe una impresión de su actuación. Si un actor atrae al público no con su imagen, sino con su encanto o apariencia personal, esto es un arte falso. Stanislavsky estaba en contra del narcisismo y la exhibición personal. Un actor no debe amarse a sí mismo en la imagen, enseñaba Stanislavsky, sino a la imagen en sí mismo.
Stanislavsky concedió gran importancia al carácter externo y al arte de transformar al actor. El principio de transformación incluye una serie de técnicas de creatividad escénica. El actor se sitúa en las circunstancias propuestas y trabaja él solo en el papel. Ser diferente sin dejar de ser uno mismo es la fórmula de la enseñanza de Stanislavsky. No puedes perderte ni un minuto en el escenario y arrancar la imagen que estás creando de tu propia naturaleza orgánica, porque el material para crear la imagen es precisamente lo vivo. personalidad humana el propio actor. Stanislavsky insiste en que el actor, en el proceso de trabajar en el papel, acumulando las cualidades internas y externas de la imagen, volviéndose gradualmente diferente y transformándose completamente en la imagen, se controla constantemente a sí mismo: sigue siendo él mismo o no. A partir de sus acciones, sentimientos, pensamientos, de su cuerpo y de su voz, el actor debe crear la imagen que se le ha dado, "venir de sí mismo": este es el verdadero significado de la fórmula de Stanislavsky.
El trabajo de un actor en un papel.
El trabajo de un rol consta de cuatro grandes períodos: cognición, experiencia, encarnación e influencia. La cognición es un período preparatorio. Comienza con el primer conocimiento del rol. Saber es sentir. Sin embargo, las primeras impresiones pueden ser erróneas. Equivocado opiniones erróneas interferir con el trabajo posterior del actor. Por lo tanto, se debe prestar atención Atención especial Leer la obra por primera vez y estar de buen humor. estado mental y no escuchar las opiniones de los demás hasta que la tuya sea más fuerte.
El segundo momento del gran período preparatorio del conocimiento es el proceso de análisis. Esta es una continuación del conocimiento del rol. Esto es el conocimiento del todo a través de su estudio. partes individuales. El resultado del análisis artístico es la sensación. En el arte es el sentimiento el que crea, no la mente; pertenece al sentimiento el papel principal e iniciativa. El análisis artístico es, ante todo, un análisis del sentimiento, producido por el sentimiento mismo.
Los objetivos creativos del análisis cognitivo son:
1) en el estudio de la obra;
2) en la búsqueda de material espiritual y de otro tipo para la creatividad contenido en la obra y el papel en sí;
3) en la búsqueda del mismo material en el propio artista (autoanálisis);
4) en preparar el terreno en su alma para el surgimiento de un sentimiento creativo, tanto consciente como inconsciente;
5) en busca de estimulantes creativos que den destellos de entusiasmo creativo y revivan aquellas partes de la obra que no cobraron vida durante su primera lectura.
Los medios del análisis cognitivo son el deleite y la fascinación. Comprenden supraconscientemente lo que es inaccesible a la vista, el oído, la conciencia y la comprensión más refinada del arte. Este los mejores medios búsqueda de estímulos creativos dentro de uno mismo.
El proceso de análisis cognitivo se basa en la presentación de la presencia de hechos, su secuencia y conexión. Todos los hechos representan la apariencia de la obra.
El tercer punto es el proceso de creación y reactivación de circunstancias externas. La animación se logra a través de la imaginación artística. El artista imagina una casa, el interior de una obra de teatro o de esa época, personas y, por así decirlo, observa, toma parte pasiva.
El cuarto punto es el proceso de creación y revitalización de las circunstancias internas. Se logra con la participación activa del sentimiento creativo. Ahora el artista conoce el papel con sus propias sensaciones, con sentimiento genuino. En la jerga actoral, este proceso se llama “yo soy”, es decir, el artista comienza a “ser”, “existir” en la vida de la obra.
Si un artista tiene un sentido de bienestar técnicamente creativo, un estado de ser de "yo soy", un sentido de un objeto imaginario, comunicación y la capacidad de actuar auténticamente cuando lo encuentra, puede crear y animar las circunstancias externas e internas. de vida Espíritu humano.
El período de cognición termina con la llamada repetición: una evaluación de los hechos y acontecimientos de la obra. Aquí el actor sólo debe tocar la obra misma, sus verdaderos hechos. Evaluar los hechos consiste en descubrir las circunstancias. vida interior obras de teatro, ayuda a encontrar su significado, esencia espiritual y el grado de su significado. Evaluar los hechos significa desentrañar el secreto de la vida espiritual personal del retratado, escondido bajo los hechos y el texto de la obra. El problema es que si un artista subestima o sobreestima los hechos, violará la fe en su autenticidad.
Segundo periodo creativo- el período de experiencia es un período creativo. Este es el período principal, principal, de la creatividad. El proceso creativo de experimentar es orgánico, basado en las leyes de lo espiritual y naturaleza física persona, sobre los sentimientos genuinos y la belleza. La acción escénica es un movimiento del alma al cuerpo, de lo interno a lo externo, de la experiencia a la encarnación; este es el deseo de una supertarea en la línea de acción de principio a fin. La acción externa en el escenario no es espiritual, no está justificada, no es causada por una acción interna, sólo es entretenida para los ojos y el oído, pero no penetra el alma, no tiene significado para la vida del espíritu humano. Sólo la creatividad basada en la acción interna es escénica.
Los medios para estimular la pasión creativa es una tarea creativa. Ella es el motor de la creatividad, ya que es el señuelo de los sentimientos del artista. Tales tareas aparecen conscientemente, es decir, son indicadas por nuestra mente, o nacen inconscientemente, por sí mismas, intuitivamente, emocionalmente, es decir, son impulsadas. sentimiento de vida y la voluntad creativa del artista. Las tareas creadas de forma intuitiva e inconsciente son posteriormente evaluadas y registradas por la conciencia. Además de las tareas conscientes e inconscientes, existen tareas mecánicas y motoras. Después de todo, con el tiempo y las frecuentes repeticiones, todo el proceso se asimila con tanta firmeza que se convierte en un hábito mecánico inconsciente. Estos hábitos motores físicos y mentales nos parecen simples y naturales, realizándose por sí solos.