Las raíces del arte pop se remontan a un pasado lejano, rastreadas en el arte de Egipto, Grecia, Roma; sus elementos están presentes en las actuaciones de comediantes-bufones itinerantes (Rusia), shpilmanov (Alemania), malabaristas (Francia), dandies (Polonia), enmascarados (Asia Central), etc.

La sátira sobre la vida y la moral urbanas, chistes mordaces sobre temas políticos, actitud crítica ante el poder, coplas, escenas cómicas, chistes, juegos, pantomima de payasos, malabares y excentricidades musicales fueron los inicios de los futuros géneros pop, nacidos con el ruido del carnaval. y diversiones cuadradas.

Los ladrones, que con la ayuda de chistes, ocurrencias y coplas divertidas vendían cualquier producto en plazas y mercados, se convirtieron más tarde en los antecesores de los animadores. Todo esto tenía un carácter masivo e inteligible, condición indispensable para la existencia de todos los géneros pop. Todos los artistas del carnaval medieval no realizaron representaciones.

En Rusia, los orígenes de los géneros pop se manifestaron en la diversión bufónica, la diversión y la creatividad masiva, los festivales folclóricos. Sus representantes son los bromistas de la raus con la obligatoria barba, que divertían e invitaban a los espectadores desde la plataforma superior del stand de la raus, los jugadores de perejil, los raeshniks, los líderes de los osos "eruditos", los actores bufones que representaban "bocetos" y "repeticiones" entre la multitud, tocando la flauta, el arpa, sollozando y divirtiendo a la gente.

El arte de variedades se caracteriza por cualidades como la apertura, el laconismo, la improvisación, la festividad, la originalidad y el entretenimiento.

La música pop, que se desarrolló como un arte de ocio festivo, siempre ha buscado lo inusual y la diversidad. El sentimiento mismo de fiesta se creó gracias al espectáculo exterior, el juego de luces, el cambio de paisaje pintoresco, el cambio en la forma del escenario, etc. A pesar de que el escenario se caracteriza por una variedad de formas y géneros, se puede dividir en tres grupos:

El escenario de concierto (anteriormente llamado “divertissement”) combina todo tipo de actuaciones en conciertos de variedades;

Escenario teatral (representaciones de cámara de teatros en miniatura, teatros de cabaret, teatros de café o grandes revistas de conciertos, salas de música, con un gran elenco de artistas y tecnología escénica de primer nivel);

Escenario festivo (festejos folclóricos, fiestas en estadios, llenos de deportes y conciertos, así como bailes, carnavales, mascaradas, fiestas, etc.).

También están estos:

3. 1. TEATROS DE VARIEDADES

3.1.1.SALAS DE MÚSICA

Si la base de una actuación variada es un número completo, entonces la reseña, como cualquier acción dramática, requería la subordinación de todo lo que sucede en el escenario a la trama. Esto, por regla general, no se combinaba orgánicamente y conducía a un debilitamiento de uno de los componentes de la actuación: el número, los personajes o la trama. Esto sucedió durante la producción de "Milagros del siglo XX": la obra se dividió en varios episodios independientes y poco conectados. Sólo el conjunto de ballet y algunos espectáculos de circo de primer nivel tuvieron éxito entre el público. El conjunto de ballet, dirigido por Goleizovsky, interpretó tres números: “¡Oye, gritemos!”, “Moscú bajo la lluvia” y “30 chicas inglesas”. La actuación de “Snake” fue especialmente impresionante. Entre los actos circenses, los mejores fueron: Tea Alba y los “Australian Lumberjacks” Jackson y Laurer. Alba escribió simultáneamente diferentes palabras con tiza en dos pizarras con su mano derecha e izquierda. Al final de la habitación, los leñadores corrían para cortar dos troncos gruesos. El alemán Strodi mostró un excelente acto de equilibrio en la cuerda floja. Realizó saltos mortales sobre un cable. De los artistas soviéticos, como siempre, Smirnov-Sokolsky y las cancioncillas de V. Glebova y M. Darskaya tuvieron un gran éxito. Entre los actos circenses destacó el acto de Zoe y Martha Koch sobre dos hilos paralelos.

En septiembre de 1928 tuvo lugar la inauguración del Music Hall de Leningrado.

3. 1.2 TEATRO DE MINIATURAS - grupo de teatro que trabaja principalmente en pequeñas formas: pequeñas obras de teatro, sketches, óperas, operetas y números variados (monólogos, coplas, parodias, danzas, canciones). En el repertorio predomina el humor, la sátira, la ironía y no se excluye el lirismo. La compañía es pequeña, es posible un teatro de uno o dos actores. De diseño lacónico, las actuaciones están diseñadas para un público relativamente pequeño y presentan una especie de lienzo en mosaico.

3. 1.3. GÉNEROS CONVERSACIONALES en el escenario: un símbolo de los géneros asociados principalmente con la palabra: animador, espectáculo secundario, sketch, sketch, historia, monólogo, feuilleton, microminiatura (broma escenificada), burime.

Animador - animador puede ser en pareja, individual o en masa. género conversacional construido según las leyes de “unidad y lucha de opuestos”, es decir, la transición de la cantidad a la calidad según el principio satírico.

Un monólogo variado puede ser satírico, lírico o humorístico.

Interludio es una escena cómica o pieza musical de contenido humorístico, que se representa como un número independiente.

Un sketch es una pequeña escena donde la intriga se desarrolla rápidamente, donde la trama más simple se construye a partir de situaciones inesperadas, divertidas y conmovedoras, giros que permiten que surjan toda una serie de absurdos durante la acción, pero donde todo suele terminar con un desenlace feliz. 1-2 actores(pero no más de tres).

La miniatura es el género hablado más popular en el escenario. En el escenario de hoy, un chiste popular (no publicado, no impreso, del griego) es una breve historia oral de actualidad con un final ingenioso inesperado.

Un juego de palabras es una broma basada en el uso cómico de palabras que suenan similares pero que suenan diferentes para resaltar la similitud de sonido de palabras o combinaciones equivalentes.

La repetición es el género conversacional corto más común.

Los pareados son uno de los tipos de género conversacional más inteligibles y populares. El copista busca ridiculizar tal o cual fenómeno y expresar su actitud hacia él. Debe tener sentido del humor.

Los géneros musicales y conversacionales incluyen copla, cancioncilla, chansonette y feuilleton musical.

Una parodia común en el escenario puede ser “conversacional”, vocal, musical o bailable. Hubo un tiempo en que los géneros del habla incluían recitaciones, recitaciones melódicas, montajes literarios y "lecturas artísticas".

Es imposible dar una lista registrada con precisión de los géneros del habla: síntesis inesperadas de palabras con música, danza, géneros originales (transformación, ventrología, etc.) dan origen a nuevas formaciones de géneros. La práctica actual ofrece continuamente todo tipo de variedades; no es casualidad que en los carteles antiguos se acostumbrara añadir "en su género" al nombre del actor.

Cada uno de los géneros discursivos anteriores tiene sus propias características, su propia historia y estructura. El desarrollo de la sociedad y las condiciones sociales dictaron el surgimiento de un género u otro. En realidad, sólo el artista nacido en el cabaret puede considerarse un género de “variedad”. El resto procedía de quioscos, teatros y páginas de revistas humorísticas y satíricas. Los géneros discursivos, a diferencia de otros que tienden a acoger innovaciones extranjeras, se desarrollaron siguiendo la tradición nacional, en estrecha conexión con el teatro y la literatura humorística.

El desarrollo de los géneros del habla está asociado con el nivel de literatura. Detrás del actor está el autor, que “muere” en el intérprete. Y, sin embargo, el valor intrínseco de la actuación no resta importancia al autor, que determina en gran medida el éxito del acto. Los propios artistas a menudo se convirtieron en autores. Las tradiciones de I. Gorbunov fueron recogidas por los narradores pop: Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov y otros crearon su propio repertorio. Los actores que no tenían talento literario acudieron en busca de ayuda a autores que escribían con la expectativa de una interpretación oral. cuenta la máscara del artista. Estos autores, por regla general, permanecieron “anónimos”. Durante muchos años, la prensa ha discutido la cuestión de si una obra escrita para ser representada en el escenario puede considerarse literatura. A principios de los años 80, se crearon las asociaciones de autores pop de toda la Unión y luego de toda Rusia, lo que ayudó a legitimar este tipo. actividad literaria. El "anonimato" del autor es cosa del pasado; además, los propios autores subieron al escenario. A finales de los años 70 se estrenó el programa "Detrás de escena de la risa", compuesto como un concierto, pero exclusivamente a partir de actuaciones de autores pop. Si en años anteriores sólo los escritores individuales (Averchenko, Ardov, Laskin) presentaban sus propios programas, ahora este fenómeno se ha generalizado. El fenómeno de M. Zhvanetsky contribuyó en gran medida al éxito. Habiendo comenzado en los años 60 como autor del Teatro de Miniaturas de Leningrado, él, sorteando la censura, comenzó a leer sus breves monólogos y diálogos en veladas cerradas en las Casas de la Intelectualidad Creativa, que, como las canciones de Vysotsky, se difundieron por todo el país.

3. JAZZ EN STAND

El término “jazz” se entiende comúnmente como: 1) un tipo de arte musical basado en la improvisación y una especial intensidad rítmica, 2) orquestas y conjuntos que interpretan esta música. Los términos "banda de jazz", "conjunto de jazz" (a veces indican el número de intérpretes: trío de jazz, cuarteto de jazz, "orquesta de jazz", "big band") también se utilizan para designar grupos.

4. CANCIÓN EN SOPORTE

Miniatura vocal (vocal-instrumental), muy utilizada en la práctica de conciertos. En el escenario, a menudo se resuelve como un “juego” escénico en miniatura con la ayuda de plásticos, vestuario, luz, puesta en escena (“teatro de canciones”); De gran importancia adquieren la personalidad, las características del talento y la habilidad del intérprete, que en algunos casos se convierte en “coautor” del compositor.

Los géneros y formas de la canción son variados: romance, balada, canción popular, copla, cancionero, chansonette, etc.; Los métodos de interpretación también son variados: solista, conjunto (dúos, coros, conjuntos vocales-instrumentales).

También hay un grupo de compositores entre los músicos pop. Estos son Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk, etc. La canción anterior era principalmente una canción de compositor, la actual es de "intérprete".

Conviven muchos estilos, modales y tendencias, desde el kitsch sentimental y el romance urbano hasta el punk rock y el rap. Así, la canción de hoy es un panel multicolor y de múltiples estilos, que incluye decenas de direcciones, desde imitaciones del folclore nacional hasta infusiones de las culturas afroamericana, europea y asiática.

5. BAILAR EN STAND

es corto número de baile, solista o grupal, presentado en conciertos de pop nacional, espectáculos de variedades, salas de música, teatros en miniatura; acompaña y complementa el programa de vocalistas, números de géneros originales e incluso de habla. Se formó sobre la base del folklore, la danza cotidiana (baile de salón), el ballet clásico, la danza moderna, la gimnasia deportiva, la acrobacia, sobre el cruce de todo tipo de influencias extranjeras y tradiciones nacionales. La naturaleza de la plasticidad de la danza está dictada por los ritmos modernos y se forma bajo la influencia de artes afines: música, teatro, pintura, circo, pantomima.

Los bailes folclóricos se incluyeron inicialmente en las actuaciones de las compañías capitalinas. El repertorio incluía representaciones teatrales divertidas de la vida rural, urbana y militar, suites vocales y de danza del idioma ruso. canciones populares y bailando.

En los años 90, la danza en el escenario se polarizó marcadamente, como si volviera a la situación de los años 20. Los grupos de danza involucrados en el mundo del espectáculo, como la Danza Erótica y otros, se basan en el erotismo: las actuaciones en clubes nocturnos dictan sus propias leyes.

6. TÍTERES EN SOPORTE

Desde la antigüedad, en Rusia se valoraba la artesanía, se amaban los juguetes y se respetaban los juegos divertidos con muñecos. Petrushka se enfrentó a un soldado, a un policía, a un sacerdote e incluso a la muerte misma, blandió valientemente un garrote, mató a quienes no agradaban al pueblo, derrocó el mal y afirmó la moralidad del pueblo.

Los perejilistas deambulaban solos, a veces juntos: un titiritero y un músico, ellos mismos componían obras de teatro, ellos mismos eran actores, ellos mismos eran directores: intentaban preservar los movimientos de los títeres, la puesta en escena y el títere. engaños. Los titiriteros fueron perseguidos.

Hubo otros espectáculos en los que actuaban títeres. En las carreteras de Rusia se podían ver furgonetas cargadas de muñecos atados a hilos: marionetas. Y en ocasiones con cajas con ranuras en su interior, por las que se movían los muñecos desde abajo. Estas cajas se llamaban belenes. Los títeres dominaron el arte de la imitación. Les encantaba hacerse pasar por cantantes, copiaban a acróbatas, gimnastas y payasos.

7. PARODIA EN EL ESCENARIO

Se trata de un número o actuación basada en una imitación (imitación) irónica tanto de la manera, el estilo, los rasgos característicos y los estereotipos individuales del original como de movimientos y géneros artísticos completos. La amplitud del cómic: desde lo marcadamente satírico (despectivo) hasta lo humorístico (dibujos animados amigables) está determinada por la actitud del parodista hacia el original. La parodia tiene sus raíces en el arte antiguo; en Rusia ha estado presente durante mucho tiempo en los juegos de bufones y las representaciones ridículas.

8. TEATROS DE PEQUEÑAS FORMAS

Creación de teatros de cabaret en Rusia “The Bat”, “Curved Mirror”, etc.

Tanto "The Crooked Mirror" como "The Bat" eran grupos de actores profesionalmente fuertes, cuyo nivel de cultura teatral era sin duda más alto que en numerosos teatros en miniatura (de los de Moscú, Petrovsky se destacó más que otros, el director era D.G. Gutman , Mamonovsky, cultivando el arte decadente, donde Alexander Vertinsky hizo su debut durante la Primera Guerra Mundial, Nikolsky - artista y director A.P. Petrovsky Entre los de San Petersburgo - Troitsky A.M Fokina - director V.R Rappoport, donde con cancioneros y V.O. Artista del teatro artístico, actuó con éxito como animador.

4. Géneros musicales en escena. Principios básicos, técnicas y dirección.

Se distinguen los géneros pop:

1 música latinoamericana

La música latinoamericana (música española latinoamericana) es un nombre generalizado para los estilos y géneros musicales de los países latinoamericanos, así como para la música de las personas de estos países que viven de manera compacta en el territorio de otros estados y forman grandes comunidades latinoamericanas (por ejemplo, en EE.UU.). En el habla coloquial se utiliza a menudo el nombre abreviado “música latina” (música latina en español).

La música latinoamericana, cuyo papel en la vida cotidiana de América Latina es muy importante, es una fusión de muchas culturas musicales, pero se basa en tres componentes: las culturas musicales española (o portuguesa), africana e india. Como regla general, las canciones latinoamericanas se interpretan en español o portugués, con menos frecuencia en francés. Los artistas latinoamericanos que viven en Estados Unidos suelen ser bilingües y suelen utilizar letras en inglés.

En realidad, la música española y portuguesa no pertenece a la música latinoamericana, aunque está estrechamente relacionada con esta última por un gran número de conexiones; Además, la influencia de la música española y portuguesa en la música latinoamericana es mutua.

A pesar de que la música latinoamericana es extremadamente heterogénea y cada país de América Latina tiene sus propias características, estilísticamente se puede dividir en varios estilos regionales principales:

* música andina;

* música centroamericana;

* música caribeña;

* música argentina;

* música mexicana;

* Música brasileña.

Sin embargo, hay que tener en cuenta que dicha división es muy arbitraria y los límites de estos estilos musicales son muy borrosos.

El blues (blues inglés de los blue devils) es un género musical que se generalizó en los años 20 del siglo XX. Es uno de los logros de la cultura afroamericana. Se formó a partir de movimientos musicales étnicos de la sociedad afroamericana como la “canción de trabajo”, los “espirituales” y el cólera. Influyó de muchas maneras en la música popular moderna, especialmente en géneros como "pop" (música pop inglesa), "jazz" (jazz inglés), "rock and roll" (rock'n'roll inglés). La forma predominante de blues es 4/4, donde los primeros 4 compases a menudo se tocan en la armonía tónica, 2 de cada uno en la subdominante y la tónica, y 2 de cada uno en la dominante y la tónica. Esta alternancia también se conoce como progresión de blues. A menudo se utiliza el ritmo de octavas trillizos con una pausa, el llamado shuffle. Un rasgo característico del blues son las “notas azules”. A menudo, la música se construye sobre una estructura de “preguntas y respuestas”, expresada tanto en el contenido lírico de la composición como en el contenido musical, a menudo construido sobre un diálogo entre instrumentos. El blues es una forma de improvisación del género musical, donde las composiciones a menudo utilizan sólo el "marco" de apoyo principal, que es interpretado por instrumentos solistas. El tema original del blues se basa en el componente social sensual de la vida de la población afroamericana, sus dificultades y obstáculos que surgen en el camino de cada persona negra.

El jazz es una forma de arte musical que surgió en finales del XIX- principios del siglo XX en Estados Unidos como resultado de la síntesis de las culturas africana y europea y posteriormente se generalizó. Los rasgos característicos del lenguaje musical del jazz inicialmente fueron la improvisación, la polirritmia basada en ritmos sincopados y complejo único Técnicas para realizar texturas rítmicas: swing. El mayor desarrollo del jazz se produjo debido al desarrollo de nuevos modelos rítmicos y armónicos por parte de los músicos y compositores de jazz.

La música country combina dos tipos de folclore estadounidense: la música de los colonos blancos que se establecieron en el Nuevo Mundo en los siglos XVII y XVIII y las baladas de vaqueros del Salvaje Oeste. Esta música tiene una fuerte herencia de madrigales isabelinos, irlandeses y escoceses. música folklórica. Los principales instrumentos musicales de este estilo son la guitarra, el banjo y el violín.

"The Little Old Log Cabin in the Lane" es la primera canción country "documentada", escrita en 1871 por Will Heiss de Kentucky. 53 años después, Fiddin John Carson grabó esta composición en un disco. En octubre de 1925 comenzó a funcionar el programa de radio Grand Ole Opry, que hasta el día de hoy retransmite conciertos en directo de estrellas del country.

La música country como industria musical comenzó a ganar impulso a finales de la década de 1940. gracias al éxito de Hank Williams (1923-53), que no sólo fijó la imagen del cantante de country para varias generaciones, sino que también esbozó los temas típicos del género: el amor trágico, la soledad y las dificultades de la vida laboral. Ya en ese momento había diferentes estilos en el country: el swing occidental, que tomó los principios del arreglo de Dixieland; aquí el rey del género era Bob Wills y sus Texas Playboys; bluegrass, dominado por el fundador Bill Monroe; El estilo de músicos como Hank Williams se llamaba entonces hillbilly. A mediados de los años cincuenta. La música country, junto con elementos de otros géneros (gospel, ritmo y blues), dio origen al rock and roll. Inmediatamente surgió un género límite: el rockabilly; fue con él que cantantes como Elvis Presley, Carl Perkins y Johnny Cash comenzaron sus carreras creativas; no es casualidad que todos grabaran en el mismo estudio de Memphis Sun Records. Gracias al éxito del álbum Gunfighter Ballads and Trail Songs (1959) de Marty Robbins, surgió como género el género country y western, en el que predominaban historias de la vida del Salvaje Oeste.

Chanson (chanson francés - "canción") es un género de música vocal; la palabra se usa con dos significados:

2) Canción pop francesa al estilo cabaret (en ruso se inclina).

La canción Blatna?ya (folclore blatnoy, blatnyak) es un género de canciones que glorifica la vida y las costumbres del entorno criminal, originalmente diseñado para el entorno de prisioneros y personas cercanas al mundo criminal. Originado en imperio ruso y se generalizó en la Unión Soviética y posteriormente en los países de la CEI. Con el tiempo, se empezaron a escribir canciones en el género de la música criminal que van más allá del tema criminal, pero lo conservan. rasgos característicos(melodía, jerga, narrativa, cosmovisión). Desde los años 90, la canción criminal en la industria musical rusa se comercializa bajo el nombre de “Canción rusa” (cf. la emisora ​​de radio y los premios del mismo nombre).

El romance en la música es una composición vocal escrita sobre un poema breve de contenido lírico, principalmente amoroso.

La canción de autor, o música de bardo, es un género de canciones que surgió a mediados del siglo XX en la URSS. El género creció en las décadas de 1950 y 1960. de actuaciones de aficionados, independientemente de la política cultural de las autoridades soviéticas, y rápidamente alcanzó una gran popularidad. El énfasis principal está en la poesía del texto.

6 música electrónica

La música electrónica (del inglés Electronic music, coloquialmente también “electrónica”) es un género musical amplio que se refiere a la música creada con instrumentos musicales electrónicos. Aunque los primeros instrumentos electrónicos aparecieron a principios del siglo XX, la música electrónica como género se desarrolló en la segunda mitad del siglo XX y comienzos del XXI siglo incluye docenas de variedades.

7 música rock

La música rock es un nombre general para varias áreas de la música popular. La palabra "rock" - balancearse - hacia en este caso indica las sensaciones rítmicas características de estas direcciones, asociadas con una determinada forma de movimiento, por analogía con "roll", "twist", "swing", "shake", etc. Signos de la música rock como el uso de instrumentos musicales eléctricos. , la autosuficiencia creativa (los músicos de rock suelen interpretar sus propias composiciones) son secundarias y a menudo engañosas. Por esta razón, se cuestiona la identidad de algunos estilos de música como rock. Además, el rock es un fenómeno subcultural especial; Subculturas como mods, hippies, punks, metaleros, góticos y emo están indisolublemente ligadas a ciertos géneros de la música rock.

La música rock tiene gran número direcciones: desde géneros ligeros como dance rock and roll, pop rock, britpop hasta géneros brutales y agresivos: death metal y hardcore. El contenido de las canciones varía desde ligero y casual hasta oscuro, profundo y filosófico. La música rock a menudo se contrasta con la música pop y la llamada música. "pop", aunque no existe un límite claro entre los conceptos de "rock" y "pop", y muchos fenómenos musicales se equilibran en la línea entre ellos.

Los orígenes de la música rock se encuentran en el blues, del que surgieron los primeros géneros de rock: el rock and roll y el rockabilly. Los primeros subgéneros de la música rock surgieron en estrecha conexión con la música folk y pop de esa época, principalmente folk, country, skiffle y music hall. Durante su existencia, ha habido intentos de combinar la música rock con casi todos los tipos posibles de música: con música académica (art rock, aparece a finales de los 60), jazz (jazz rock, aparece a finales de los 60 y principios de los 70), latina. música (rock latino, aparece a finales de los 60), música india (raga rock, aparece a mediados de los 60). En los años 60 y 70 aparecieron casi todos los géneros principales de la música rock, los más importantes de los cuales, además de los enumerados, son el hard rock, el punk rock y el rock de vanguardia. A finales de los 70 y principios de los 80, aparecieron géneros de música rock como el post-punk, la nueva ola, el rock alternativo (aunque los primeros representantes de esta dirección aparecieron ya a finales de los 60), el hardcore (un gran subgénero del punk rock), como así como subgéneros brutales del metal: death metal, black metal. En los años 90, los géneros grunge (aparecieron a mediados de los 80), britpop (aparecieron a mediados de los 60) y metal alternativo (aparecieron a finales de los 80) se desarrollaron ampliamente.

Los principales centros de aparición y desarrollo de la música rock son Estados Unidos y Europa occidental (especialmente Gran Bretaña). La mayoría de las letras están en inglés. Sin embargo, aunque, por regla general, con cierto retraso, la música rock nacional apareció en casi todos los países. La música rock en ruso (el llamado rock ruso) apareció en la URSS ya en los años 1960-1970. y alcanzó su punto máximo en los años 1980, continuando su desarrollo en los años 1990.

8 Ska, rocksteady, reggae

El ska es un estilo musical que surgió en Jamaica a finales de los años cincuenta. La aparición del estilo está relacionada [fuente no especificada 99 días] con la llegada de los sistemas de sonido, que permitieron bailar en la calle.

Las instalaciones de sonido no son sólo altavoces estéreo, sino una forma peculiar de discotecas callejeras, con DJ y sus equipos estéreo móviles, con una competencia cada vez mayor entre estos DJ por mejor sonido, mejor repertorio y demás.

El estilo se caracteriza por un ritmo oscilante de 2/4, con la guitarra tocando los ritmos pares del tambor y el contrabajo o el bajo enfatizando los impares. La melodía es interpretada por instrumentos de viento como trompeta, trombón y saxofón. Entre las melodías de ska puedes encontrar melodías de jazz.

Rocksteady (“rocksteady”, “rocksteady”) es un estilo musical que existió en Jamaica e Inglaterra en los años 1960. La base del estilo son los ritmos caribeños en 4/4, con mayor atención a los teclados y las guitarras.

El reggae (reggae en inglés, otras grafías "reggae" y "reggae"), música popular jamaicana, se mencionó por primera vez a finales de la década de 1960. A veces se utiliza como nombre general para toda la música jamaicana. Estrechamente relacionado con otros géneros jamaicanos: rocksteady, ska y otros.

El dub es un género musical que surgió a principios de los años 1970 en Jamaica. Inicialmente, las grabaciones de este género eran canciones de reggae a las que se les eliminaba (a veces parcialmente) la voz. Desde mediados de la década de 1970, el dub se ha convertido en un fenómeno independiente, considerado una variedad experimental y psicodélica del reggae. Los desarrollos musicales e ideológicos del dub dieron origen a la tecnología y la cultura de las remezclas, y también influyeron directa o indirectamente en el desarrollo. nueva ola y géneros como hip-hop, house, drum and bass, trip-hop, dub-techno, dubstep y otros.

La música pop (inglés: música pop de la música popular) es una dirección de la música moderna, un tipo de cultura de masas moderna.

El término "música pop" tiene un doble significado. En un sentido amplio, se trata de cualquier música de masas (incluido rock, electrónica, jazz, blues). En un sentido estricto - género separado música popular, directamente música pop con determinadas características.

Las principales características de la música pop como género son la simplicidad, la melodía, la dependencia de la voz y el ritmo con menos atención a la parte instrumental. La principal y prácticamente única forma de composición en la música pop es la canción. Las letras de la música pop suelen tratar de sentimientos personales.

La música pop incluye subgéneros como el euro pop, latín, disco, electropop, música dance y otros.

10 rap (hip-hop)

Hip-hop (inglés) hip-hop) es un movimiento cultural que se originó entre la clase trabajadora de Nueva York el 12 de noviembre de 1974. DJ Afrika Bambaataa fue el primero en definir los cinco pilares de la cultura hip-hop: MCing, DJing, breaking, graffitiwriting) y conocimiento. Otros elementos incluyen beatboxing, moda hip-hop y jerga.

Originario del sur del Bronx, el hip-hop se convirtió en parte de la cultura juvenil en muchos países del mundo en la década de 1980. Desde finales de la década de 1990, desde un underground callejero con una fuerte orientación social, el hip-hop se ha convertido gradualmente en parte de la industria musical y, a mediados de la primera década de este siglo, la subcultura se había puesto “de moda” y “ corriente principal". Sin embargo, a pesar de esto, muchas figuras del hip-hop todavía continúan con su "línea principal": protesta contra la desigualdad y la injusticia, oposición a los poderes fácticos.

Se sabe que dirigir un programa de variedades se divide en dirigir una actuación de variedades y dirigir un acto de variedades.

La metodología para trabajar en una actuación variada (concierto, reseña, espectáculo), por regla general, no incluye la tarea de crear los números que la componen. El director une números ya preparados con una trama, un solo tema, construye la acción de principio a fin de la actuación, organiza su estructura tempo-rítmica y resuelve los problemas de diseño musical, escenográfico y de iluminación. Es decir, se enfrenta a toda una serie de problemas artísticos y organizativos que requieren resolución en el conjunto del programa y no están directamente relacionados con el acto de variedades en sí. Esta posición está confirmada por la tesis del famoso director de programas de variedades I. Sharoev, quien escribió que “la mayoría de las veces, el director de escena acepta actuaciones de especialistas en varios géneros y luego crea un programa de variedades a partir de ellas. La habitación tiene gran independencia.”

Trabajar en un acto de variedades requiere que el director resuelva una serie de problemas específicos que no encuentra en la producción. gran programa. Esta es, ante todo, la capacidad de revelar la individualidad del artista, construir la dramaturgia del acto, trabajar con la repetición, el truco, la mordaza, conocer y tener en cuenta la naturaleza de los medios expresivos específicos del acto, y mucho más.

Muchos postulados metodológicos para la creación de una actuación se basan en principios fundamentales comunes que existen en el teatro dramático, musical y en el circo. Pero luego se construyen estructuras completamente diferentes sobre los cimientos. Hay una notable especificidad en la dirección escénica, que está determinada, en primer lugar, por la tipología de género del acto de variedades.

En el escenario, el director, como creador, logra en su actuación el objetivo final de cualquier arte: la creación de una imagen artística, que constituye el lado creativo de la profesión. Pero en el proceso de puesta en escena de una actuación, un especialista trabaja en la tecnología de los medios expresivos. Esto se debe a la naturaleza misma de algunos géneros: digamos, la mayoría de los subgéneros de deportes y circo requieren ensayos y trabajo de entrenamiento con un entrenador sobre elementos deportivos y trucos especiales; trabajar en un número vocal es imposible sin lecciones de un profesor de canto especializado; En el género coreográfico el papel del coreógrafo-tutor es fundamental.

A veces, estos especialistas técnicos se hacen llamar en voz alta directores de escena, aunque su actividad, de hecho, se limita únicamente a crear un truco especial o un componente técnico de la rutina, no importa si se trata de acrobacias, baile o canto. Aquí es exagerado hablar de crear una imagen artística. Cuando los principales maestros del pop (especialmente en los géneros originales) comparten los secretos de sus habilidades en obras impresas, describen principalmente técnicas de trucos de magia, acrobacias, malabarismos, etc.

Me gustaría enfatizar una vez más que la estructura artística de un acto de variedades es compleja, diversa y, a menudo, conglomerada. Por eso, montar un número pop es una de las formas más especies complejas actividades del director. “Es muy difícil hacer una buena actuación, aunque sólo dure unos minutos. Y me parece que estas dificultades están subestimadas. Tal vez por eso respeto y aprecio tanto el arte de aquellos a quienes a veces se les llama despectivamente artistas, asignándoles un lugar no muy honorable en la escala no escrita de profesiones”. Estas palabras de S. Yutkevich confirman una vez más la importancia de analizar la estructura artística de un acto variado con el objetivo final de estudiar los fundamentos de la metodología de su creación, especialmente en términos de dirección y puesta en escena.

Conclusión.

ARTE VARIEDAD (del francés estrade - plataforma, elevación) es un tipo sintético de arte escénico que combina pequeñas formas de drama, comedia, música, además de canto y arte. lectura, coreografía, excentricidad, pantomima, acrobacia, malabares, ilusionismo, etc. A pesar de su carácter internacional, conserva sus raíces folklóricas, que le confieren un especial sabor nacional. Con origen en el Renacimiento en el escenario callejero y comenzando con payasadas, farsas primitivas, bufonadas, E. y. En diferentes países evolucionó de manera diferente, dando preferencia a uno u otro género, a una u otra imagen de máscara. En los programas de variedades de los salones, círculos y clubes que surgieron más tarde, en las casetas, salas de música, cafés, cabarets, teatros en miniatura y en los jardines de variedades que han sobrevivido, el humor alegre, las parodias y los dibujos animados ingeniosos, la cáustica sátira comunitaria, la hipérbole puntiaguda, Predominan el slapstick, la ironía grotesca y juguetona, las letras conmovedoras, el baile de moda y los ritmos musicales. Los números individuales de la variedad polifónica del divertimento a menudo se mantienen unidos en el escenario mediante un artista o una trama simple, y en los teatros de uno o dos actores, conjuntos (ballet, musicales, etc.), mediante un repertorio original, su propia dramaturgia. El arte de variedades está orientado a una audiencia más amplia y se basa principalmente en la habilidad de los artistas, su técnica de transformación, la capacidad de crear entretenimiento espectacular utilizando medios lacónicos y un personaje brillante, más a menudo cómico-negativo que positivo. Al exponer a sus antihéroes, recurre a rasgos y detalles metafóricos, al extraño entrelazamiento de verosimilitud y caricatura, real y fantástico, contribuyendo así a crear una atmósfera de rechazo de sus prototipos de vida, oposición a su prosperidad en la realidad. El arte popular se caracteriza por la actualidad, una combinación en los mejores ejemplos de entretenimiento con contenido serio, funciones educativas, cuando la diversión se complementa con una variedad de paleta emocional y, a veces, con patetismo civil sociopolítico. El mundo del espectáculo, generado por la cultura de masas burguesa, carece de esta última cualidad. Casi todas las variedades operativas "pequeñas" y "ligeras", incluido el "repollo" común, se caracterizan por una vida útil relativamente corta, una rápida depreciación de las máscaras, que depende del agotamiento de la relevancia del tema, la implementación de órdenes sociales, cambios en los intereses y necesidades de la audiencia. Siendo una de las formas de arte más dinámicas, al mismo tiempo más antiguas, el arte pop está sujeto a la enfermedad de la estampación, a una disminución del valor artístico y estético de los hallazgos talentosos, hasta su transformación en kitsch. El desarrollo está fuertemente influenciado por artes “técnicas” como el cine y especialmente la televisión, que a menudo incluyen espectáculos de variedades y conciertos en sus programas. Gracias a esto, las formas y técnicas tradicionales del escenario adquieren no solo mayor escala y prevalencia, sino también profundidad psicológica (el uso de primeros planos, otros medios visuales y expresivos de las artes cinematográficas) y entretenimiento vívido.

En el sistema de las artes escénicas, la música pop hoy ocupa firmemente un lugar separado, representando un fenómeno independiente de la cultura artística. La popularidad de la música pop entre las audiencias más amplias y diversas la obliga a responder a las necesidades estéticas contradictorias de varios grupos de la población por composición social, etaria, educativa e incluso nacional. Esta característica del arte pop explica en gran medida la presencia de aspectos negativos en los méritos profesionales, estéticos y de buen gusto de las obras pop. El enorme tamaño de la audiencia pop en el pasado y en el presente, su heterogeneidad, la necesidad de combinar funciones de entretenimiento y educativas en el arte pop, impone requisitos específicos a los creadores de obras de arte pop y les impone una responsabilidad especial.

La complejidad de estudiar las obras pop, así como de desarrollar enfoques metodológicos para su creación, se debe a que en su conjunto es un conglomerado. varias artes. Sintetiza actuación, música instrumental, voz, coreografía, pintura (por ejemplo, el género del “artista instantáneo”) y la ciencia (entre los géneros pop hay un acto matemático). - “máquina de contar en vivo”). Además, existen géneros variados basados ​​​​en el componente de acrobacias, que requieren la manifestación de las habilidades y capacidades únicas de una persona (por ejemplo, varios subgéneros variados y circenses, hipnosis, experimentos psicológicos). La multiplicidad de medios expresivos, sus combinaciones inesperadas e inusuales en diversas formas sintéticas en el escenario son a menudo más diversas que en otras artes escénicas.

Lista de literatura usada.

Bermont E. Concurso de variedades. //Teatro. 1940, núm. 2, páginas 75-78

Birzhenyuk G.M., Buzene L.V., Gorbunova N.A.

Kober. Lo más destacado del programa: Transl. consigo. L., 1928. págs. 232-233; Stanishevsky Yu. Número y cultura de su presentación // SEC. 1965. N° 6.

Konnikov A. El mundo de la variedad. M., 1980.

Ozhegov S.I. y Shvedova N.Yu Diccionario explicativo de la lengua rusa: 80.000 palabras y expresiones fraseológicas.

Rozovsky M. Director del espectáculo. M., 1973.

Escenario soviético ruso // Ensayos sobre historia. Reps. ed. doc. reclamo, prof. E. Uvarova. En 3 T. M., 1976, 1977,1981.

Uvarova E. Teatro de variedades: miniaturas, reseñas, salas de música (1917-1945). M., 1983; Arkadi Raikin. M., 1986; Cómo se divertían en las capitales rusas. San Petersburgo, 2004.

Sharoev I. Dirección escénica y representaciones masivas. M., 1986; Las muchas caras del escenario. M., 1995.

Si hay un hombre demasiado alto en el asiento de delante, empiezo a sentir que tengo problemas para oír. En cualquier caso, esa música deja de ser música pop para mí. Sin embargo, también sucede que lo que sucede en el escenario es claramente visible, sin embargo, a pesar de esto, no se convierte en un hecho del arte pop; al fin y al cabo, algunos artistas y directores concentran todos sus esfuerzos en complacer nuestros oídos, preocupándose poco por nuestra vista. Especialmente a menudo se subestima el lado espectacular del arte pop en géneros musicales, pero se pueden observar síntomas de la misma enfermedad en lectura artística y en conferencias.

"Bueno", dices, "nuevamente estamos hablando de cosas conocidas desde hace mucho tiempo, que muchos artistas pop carecen de cultura escénica, que sus números a veces carecen de expresividad plástica y son visualmente monótonos".

De hecho, todas estas graves deficiencias, que aún no han sido superadas por el arte de la variedad, aparecen a menudo en reseñas, artículos problemáticos y discusiones creativas. Hasta cierto punto, se abordarán en este artículo. Sin embargo, me gustaría plantear la cuestión de forma más amplia. La cuestión aquí, evidentemente, no es sólo la falta de habilidad como tal. Este inconveniente afecta incluso a aquellos géneros pop que sólo apelan a la visión. Los acróbatas, malabaristas, ilusionistas (incluso los mejores, grandes maestros de su oficio) pecan con mayor frecuencia con la misma monotonía visual, falta de cultura plástica. Todas las variedades del género se reducen, por regla general, a la alternancia dentro del acto de aproximadamente un círculo de trucos y técnicas realizadas. Los clichés que se desarrollan año tras año (por ejemplo, una pareja de hombres acrobáticos, altos y bajos, trabajando a ritmo lento, realizando movimientos de poder, o un malabarista melancólico vestido de esmoquin con cigarro y sombrero, etc.) sólo refuerzan y legitiman Espectaculares géneros pop de pobreza. Las tradiciones, una vez vivas, se convierten en trabas al desarrollo del arte.

Permítanme darles un ejemplo de dos malabaristas, ganadores del reciente 3er. Competición de toda Rusia artistas pop. I. Kozhevnikov, galardonado con el segundo premio, muestra el tipo de malabarista que acabamos de describir: un bombín, un cigarro y un bastón componen la paleta de una actuación realizada con impecable habilidad. E. Shatov, ganador del primer premio, trabaja con un aparato de circo: una percha. En su extremo hay un tubo estrecho y transparente del diámetro de una pelota de tenis. Shatov, haciendo equilibrio sobre su cabeza, lanza bolas al interior del tubo. Cada vez la percha crece, alcanzando gradualmente casi diez metros de altura. Con cada nueva sección de la actuación, la interpretación del número se vuelve visualmente más nítida y expresiva. Finalmente, la longitud de la percha llega a ser tal que no cabe en la altura del escenario (incluso tan alto como en el Teatro de Variedades). El malabarista llega al frente del escenario, balanceándose sobre las cabezas de los espectadores de las primeras filas. La bola vuela, casi se pierde en el fondo del techo y acaba en el tubo. Este número, además de la extraordinaria pureza con la que está interpretado, destaca por el hecho de que la escala visual, que cambia de vez en cuando, es percibida por quienes están sentados en el auditorio en completa unidad. Esto hace que el efecto espectacular sea extraordinario. Además, se trata de un entretenimiento específicamente pop. ¡Imagínese el número de Shatov en la televisión o en el cine! Por no hablar del hecho de que en un argumento televisivo o cinematográfico filmado de antemano, se excluye el elemento de imprevisto (¡por eso el escenario y el circo nunca llegarán a ser orgánicos en la pantalla!), la constancia de escala, dictada por el La constancia del tamaño de la pantalla y nuestra distancia de visualización a ella privará a la habitación de Shatov de sus encantos.

El arte de Shatov (en mucha mayor medida que, digamos, el acto de Kozhevnikov) pierde si se transfiere a la esfera de otro arte. Esta es la primera evidencia de su verdadera variedad. Si tal transferencia se puede lograr fácilmente sin pérdidas obvias, podemos decir con seguridad que la obra y su autor están pecando contra las leyes del arte pop. Es especialmente revelador para los géneros musicales y de habla de la radio pop. Muchos de nuestros cantantes pop y a los cantantes se les escucha mejor en la radio, donde se liberan de la necesidad de buscar un equivalente plástico de la melodía que se interpreta. Frente a un micrófono de radio, el cantante, para quien el escenario es un verdadero tormento, se siente muy bien. Un cantante pop por naturaleza, por el contrario, experimenta ciertos inconvenientes en la radio: se ve limitado no solo por la falta de contacto con el público, sino también por el hecho de que muchos de los matices de la interpretación presentes en el lado visual de la imagen estará ausente en el sonido. Esto conlleva, por supuesto, un agotamiento del efecto. Recuerdo las primeras grabaciones de canciones de Yves Montand, traídas por Sergei Obraztsov desde París. Cuánto más profundo y significativo resultó ser el propio artista cuando lo vimos cantar en el escenario: al encanto de la música y las palabras se sumó el encanto de un actor que crea la plasticidad más expresiva. imagen humana. A Stanislavsky le gustaba repetir: el espectador va al teatro en busca del subtexto, puede leer el texto en casa. Algo similar puede decirse del escenario: el espectador quiere ver la representación desde el escenario; puede aprender el texto (e incluso la música) estando en casa. Al menos cuando escuchas la radio. ¿Vale la pena, por ejemplo, ir a un concierto para escuchar a Yuri Fedorishchev, que está intentando con todas sus fuerzas restaurar la interpretación de Paul Robeson de la canción "Mississippi"? Creo que Fedorishchev habría tenido mucho más éxito en lograr su objetivo en la radio. Al escuchar "Mississippi" en la radio, podríamos maravillarnos de la precisión con la que se capturaron las entonaciones musicales del cantante negro y, al mismo tiempo, no tendríamos la oportunidad de notar la completa inercia plástica de Fedorishchev, que contradice el original.

Los directores del programa en el que escuché a Fedorishchev intentaron alegrar la monotonía visual de su canto. Durante la interpretación de la canción francesa "Alone at Night", antes del verso en el que comienza el tema civil, el tema de la lucha por la paz, las luces de la sala se apagan repentinamente, dejando solo la luz de fondo roja. En la parte más patética de la canción, que requiere brillantes técnicas de interpretación, el espectador se ve obligado a convertirse sólo en un oyente, porque todo lo que ve es una silueta negra e inmóvil sobre un fondo rojo tenue. Por lo tanto, la dirección, tratando de diversificar la actuación para el público, realmente "flaco favor" al intérprete y a la obra en su conjunto. La asombrosa escasez de técnicas de iluminación, que en el caso descrito anteriormente provocó un cambio de énfasis, es una de las enfermedades de nuestro escenario. El sistema de efectos de iluminación se basa en un simple principio ilustrativo (¡el tema de la lucha por la paz ciertamente está asociado con el color rojo, nada menos!), o en el principio de la belleza de salón (el deseo de "presentar" al artista independientemente del contenido artístico del acto, de su estilo). Por ello, todavía no se aprovechan las posibilidades de iluminación más interesantes. Lo mismo puede decirse del disfraz: rara vez sirve para realzar la imagen visual. Si existen buenas tradiciones en el uso de un disfraz como medio para enfatizar los orígenes de un papel (por ejemplo, una chaqueta de terciopelo con un lazo de N. Smirnov-Sokolsky o un disfraz de mimo de L. Engibarov), entonces un simple y al mismo tiempo, ayudar a revelar la imagen del disfraz es extremadamente raro. Recientemente tuve la oportunidad de presenciar cómo un disfraz elegido sin éxito debilitaba significativamente la impresión que causaba el número. Estamos hablando de Kapigolina Lazarenko: un vestido rojo brillante con grandes polisones constreñía a la cantante y claramente no correspondía a la suave y lírica canción "Come Back".

Iluminación, vestuario y puesta en escena son los tres pilares sobre los que se sustenta la vertiente espectacular de un espectáculo de variedades. Cada uno de estos temas merece una discusión especial, que mi artículo, naturalmente, no puede pretender. Aquí tocaré sólo ese lado de la puesta en escena pop específica que no puede recrearse adecuadamente en las pantallas de televisión y cine. El escenario tiene sus propias leyes de espacio y tiempo: primer plano, ángulo de cámara, montaje en cine (y televisión), que violan la unidad de estas categorías, o más bien su integridad, crean un nuevo espacio y un nuevo tiempo, no en todos. manera apropiada para el escenario. El escenario se trata de un plano constante, ya que la distancia del intérprete a cada uno de los espectadores varía ligeramente, sólo en la medida en que el actor puede adentrarse en el escenario. Lo mismo debería decirse del montaje: ocurre en el escenario (si es que ocurre) dentro del todo, que está constantemente presente en el escenario. Este montaje puede producirse mediante iluminación (una técnica utilizada con éxito en las actuaciones del estudio de variedades de la Universidad Estatal de Moscú) o puede ocurrir en la mente del espectador. En pocas palabras, destaca ciertas partes en su percepción de una imagen visual, mientras continúa manteniendo el conjunto en su campo de visión.

Para no parecer infundado, pondré un ejemplo. La obra “Nuestro hogar es tu hogar” del estudio de variedades de la Universidad Estatal de Moscú. Este grupo está realizando una búsqueda muy interesante de la expresividad del espectáculo. Al mismo tiempo, la poesía lírica o la alegoría, basada en conexiones asociativas, a menudo resulta ser el elemento principal de la historia. Pero es importante señalar que tanto la poesía como la alegoría se convierten en una forma de narración visual figurativa en las actuaciones del estudio (por ejemplo, las figuras geométricas pintadas en uno de los números ayudan a revelar el significado satírico de muchos conceptos importantes). En la escena que habla de la organización del tiempo libre de los jóvenes (“Club de la Juventud”), cuatro gritones demagogos, encaramados como en una tribuna, sobre cuatro enormes pedestales, pronuncian a su vez fragmentos de frases que juntas forman un sorprendente abracadabra de charla ociosa y burocracia. La atención del espectador se transfiere instantáneamente de un gritador a otro: el hablante acompaña sus palabras con un gesto (a veces en complejo contrapunto con la palabra), mientras los demás permanecen inmóviles. Me imagino esta escena filmada en una película. Su texto y su puesta en escena parecerían anticipar inmutablemente el futuro montaje. Cada línea es un primer plano. Fuego de ametralladora primeros planos, comentarios, gestos. Pero luego hay dos pérdidas importantes. En primer lugar, la falta de acompañamiento de cada línea: las poses congeladas de los demás personajes. Y el segundo es convertir todas las líneas en frases alternas sin trasladar nuestra atención de un personaje a otro. El contrapunto, que se convierte en el arma más poderosa de los autores en esta escena, inevitablemente desaparece en la película.

Sería un error decir que la discrepancia, el contrapunto entre palabra e imagen, es propiedad únicamente del arte pop. Lo conocen y escenario de teatro y pantalla. Pero las formas de lograr este efecto son diferentes en todas partes. Y en el escenario son muy importantes. Aquí el contrapunto queda expuesto, se muestra como un choque deliberado de opuestos, con el propósito de provocar una chispa de risa. Daré un ejemplo de artistas que constantemente, año tras año, mejoran su dominio de esta variedad de arma. Me refiero al cuarteto vocal “Yur” (Yu. Osintsev, Yu. Makoveenko, Yu. Bronstein, Yu. Diktovich; director Boris Sichkin). En la canción “Business Travel”, canta el cuarteto, y mientras tanto las manos de los artistas se convierten en certificados de viaje (palma abierta) y sellos institucionales (puño cerrado), se colocan sellos, se reparte dinero, etc. Todo esto no sucede en forma de ilusión -straciones del texto, pero paralelas a él, a veces sólo coincidentes, pero en su mayoría en una serie contrapuntística. Como resultado, surge un significado nuevo e inesperado a partir de la inesperada colisión de palabras con gestos. Por ejemplo, los viajeros de negocios que viajan en diferentes direcciones no tienen nada que hacer excepto jugar al dominó en el tren. Las manos que barajan las fichas de dominó “se superponen” al texto, que dice que el dinero de la gente se gasta imprudentemente en viajes de negocios. Esto hace que el gesto de las manos mezclando huesos imaginarios en el aire sea muy elocuente.

El último trabajo del cuarteto, “Television”, es, con diferencia, el más grande. suerte creativa en el uso de medios de expresividad visual en el escenario. Aquí los miembros del cuarteto actúan igualmente como parodistas, lectores, mimos y actores dramáticos. Además, demuestran una habilidad coreográfica extraordinaria: en una palabra, estamos ante un género sintético en el que la palabra, la música se entrelazan estrechamente con la pantomima, la danza, etc. Además, la libertad de combinación y las transiciones instantáneas de un medio a otro es tan grandioso como sólo puede serlo en el arte pop. Durante el transcurso del tema pasan en parodia casi todos los géneros que existen en el mundo.
televisión. Su cambio, así como el cambio de los medios utilizados por los artistas, crea un espectáculo muy pintoresco. La variedad pertenece sin duda a las formas espectaculares del arte. Pero hay muchas artes escénicas: teatro, cine, circo y ahora también la televisión, lo que revela un potencial estético importante. ¿Cuáles son las relaciones dentro de este grupo de artes? Parece que el teatro pop sigue estando dentro del marco artes teatrales, aunque tiene muchas similitudes con algunas otras formas. Naturalmente, el teatro (entendido en el sentido amplio de la palabra) cambia constantemente sus límites, que en cierto modo se vuelven demasiado estrechos para el escenario. Sin embargo, algunas cualidades del arte pop, a pesar de una evolución significativa, permanecen sin cambios. Estos incluyen, en primer lugar, el principio de organización visual de la forma de un programa de variedades. Y si hablamos de forma, lo principal en la música pop moderna (incluidos algunos géneros musicales) sigue siendo la imagen.

En este artículo no fue posible considerar todos los aspectos del tema. Mi tarea era más modesta: llamar la atención sobre algunos problemas teóricos del arte pop, que determinan en gran medida su posición entre otras artes y explican la naturaleza de las búsquedas creativas de nuestros maestros del pop. Las reglas teóricas, como sabemos, siguen siendo reglas que son vinculantes para todos sólo hasta el día en que llega un artista brillante e innovador y rompe límites que ayer parecían insuperables. Hoy asistimos a géneros sintéticos del arte pop: los cánones del pasado no pueden soportar la presión de nuevos descubrimientos. Es importante señalar que los cambios que se están produciendo tienen como bandera el principio constantemente cambiante, pero fundamentalmente inquebrantable, del escenario como espectáculo.

A. VARTANOV, candidato de historia del arte

Revista de circo soviético. marzo de 1964

Escenario- un tipo de arte escénico que implica tanto un género separado como una síntesis de géneros: canto, baile, actuación original, arte circense, ilusiones.

Música pop - un tipo de arte musical entretenido dirigido al público más amplio.

Este tipo de música recibió su mayor desarrollo en el siglo XX. Suele incluir música de baile, canciones diversas, obras para orquestas sinfónicas pop y conjuntos vocales e instrumentales.

A menudo, la música pop se identifica con el concepto existente de “música ligera”, es decir, fácil de entender y accesible al público. EN históricamente La música ligera incluye aquellas que tienen un contenido simple y han ganado popularidad universal. obras clasicas, por ejemplo, obras de F. Schubert y J. Brahms, F. Lehár y J. Offenbach, valses de J. Strauss y A. K. Glazunov, “Little Night Serenade” de W. A. ​​​​Mozart.

En este vasto campo de la creatividad musical, también extremadamente diverso en carácter y nivel estético, se utilizan, por un lado, los mismos medios expresivos que en la música seria y, por otro, medios propios y específicos.

El término "orquesta pop" fue propuesto por L. O. Utesov a finales de los años 40, lo que permitió separar dos conceptos:
música pop y jazz en sí.

La música pop moderna y el jazz tienen una serie de características comunes: la presencia de una pulsación rítmica constante llevada a cabo por la sección rítmica; Carácter predominantemente bailable de las obras interpretadas por grupos de pop y jazz. Pero si la música jazz se caracteriza por la improvisación, una propiedad rítmica especial: el swing, y las formas del jazz moderno a veces son bastante difíciles de percibir, entonces la música pop se distingue por la accesibilidad del lenguaje musical, la melodía y la extrema simplicidad rítmica.

Uno de los tipos más comunes de composiciones instrumentales pop es la orquesta sinfónica pop (ESO), o jazz sinfónico. En nuestro país, la formación y desarrollo de ESO está asociada con los nombres de V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu V. Silantyev. El repertorio de las orquestas sinfónicas pop es extremadamente extenso: desde obras orquestales originales y fantasías sobre temas conocidos hasta el acompañamiento de canciones y operetas.

Además de la indispensable sección rítmica y la composición completa de metales de la big band (grupo de saxofones y grupo de metales), la ESO incluye grupos de instrumentos tradicionales. orquesta sinfónica- instrumentos de viento, trompas y cuerdas (violines, violas, violonchelos). La proporción de grupos en la ESO se acerca a la de una orquesta sinfónica: domina el grupo de cuerdas, lo que se debe al carácter predominantemente melódico de la música para la ESO; Los instrumentos de viento de madera juegan un papel importante; El principio de orquestación en sí es muy parecido al adoptado en una orquesta sinfónica, aunque la presencia de una sección rítmica que pulsa constantemente y el papel más activo de la sección de metales (y a veces de los saxofones) a veces se parecen al sonido de una orquesta de jazz. El arpa, el vibráfono y los timbales desempeñan un papel colorista importante en ESO.

Los ESO son muy populares en nuestro país. Sus actuaciones se retransmiten por radio y televisión; la mayoría de las veces interpretan música de películas y participan en grandes conciertos y festivales de pop. Muchos compositores soviéticos escriben música específicamente para ESO. Se trata de A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Lyudvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter -letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky y otros.

El género de la música pop incluye varios tipos de canciones pop: romance tradicional, canción lírica moderna, canción en ritmos de baile con acompañamiento instrumental desarrollado. Lo principal que une a numerosos tipos de canciones pop es el deseo de sus autores de lograr la máxima accesibilidad y memorabilidad de la melodía. Las raíces de dicha democracia están en viejo romance y en el folclore urbano moderno.

Una canción pop no se limita al puro entretenimiento. Así, las canciones pop soviéticas contienen temas de ciudadanía, patriotismo, lucha por la paz, etc. No en vano, las canciones de I. O. Dunaevsky, V. P. Solovyov-Sedoy, M. I. Blanter, A. N. Pakhmutova, D. F. Tukhmanov y otros soviéticos Los compositores son amados no sólo en nuestro país, sino también mucho más allá de sus fronteras. La canción de Solovyov-Sedoy "Moscow Evenings" recibió un reconocimiento verdaderamente mundial. En el siglo XX Varios tipos de música de baile se reemplazaron entre sí. Entonces, el tango, la rumba, el foxtrot fueron reemplazados por el rock and roll, fueron reemplazados por el twist and shake, los ritmos de samba y bossa nova fueron muy populares. Durante varios años, el estilo disco estuvo muy extendido en la música pop y dance. Surgió de una fusión de música instrumental negra con elementos de canto y plasticidad, característicos de los cantantes pop de América Latina, en particular de la isla de Jamaica. Estrechamente relacionada en Europa occidental y Estados Unidos con la industria discográfica y la práctica de las discotecas, la música disco resultó ser una de las tendencias más rápidas de la música pop y dance de la segunda mitad del siglo XX.

Entre los compositores soviéticos que establecieron las tradiciones nacionales en el género de la música de baile se encuentran A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky y otros.

La música rock moderna se puede clasificar como música pop. En la cultura musical Europa occidental y Estados Unidos es un movimiento muy variado en su nivel ideológico y artístico y principios estéticos. Está representado tanto por obras que expresan protesta contra la injusticia social, el militarismo, la guerra como por obras que predican el anarquismo, la inmoralidad y la violencia. El estilo musical de los conjuntos que representan este movimiento es igualmente heterogéneo. Sin embargo, tienen una base común y algunas características distintivas.

Una de estas características es el uso del canto, solista y conjunto y, en consecuencia, del texto, que conlleva un contenido independiente, y la voz humana como un color tímbrico especial. Los miembros de conjuntos o grupos a menudo combinan las funciones de instrumentistas y vocalistas. Los instrumentos principales son las guitarras, así como varios teclados y, con menor frecuencia, los instrumentos de viento. El sonido de los instrumentos se amplifica mediante varios convertidores de sonido y amplificadores electrónicos. La música rock se diferencia de la música jazz en su estructura metro-rítmica más subdividida.

En nuestro país, elementos de la música rock se reflejan en el trabajo de los conjuntos vocales e instrumentales (VIA).

Debido a su atractivo masivo y gran popularidad, la música pop soviética jugó un papel importante en la educación estética de la generación más joven.

1.1 Historia del arte pop

La palabra "escenario" (del latín estratos) significa piso, plataforma, elevación, plataforma.

La definición más precisa del arte pop como arte que combina varios géneros se encuentra en el diccionario de D.N. Ushakov: “La variedad es el arte de las pequeñas formas, el ámbito de las representaciones espectaculares y musicales en un escenario abierto. Su especificidad radica en su facilidad. adaptabilidad a diversas condiciones de manifestación pública y acciones de corta duración, en medios artísticos y expresivos, arte que contribuya a la identificación vívida individualidad creativa intérprete, en actualidad, aguda relevancia sociopolítica de los temas abordados, en predominio de elementos de humor, sátira, periodismo."

La enciclopedia soviética define el pop como originario del estrade francés, una forma de arte que incluye pequeñas formas de arte dramático y vocal, música, coreografía, circo, pantomima, etc. En los conciertos hay números completos separados unidos por el entretenimiento y la trama. Surgió como arte independiente a finales del siglo XIX.

También existe la siguiente definición de etapa:

Un área de escenario, permanente o temporal, para presentaciones de conciertos de un artista.

El arte pop tiene sus raíces en un pasado lejano, se puede rastrear en el arte. Antiguo Egipto Y Grecia antigua. Aunque el escenario interactúa estrechamente con otras artes, como la música, teatro dramático, coreografía, literatura, cine, circo, pantomima, es un tipo de arte independiente y específico. La base del arte pop es "El número de Su Majestad", como dijo N. Smirnov-Sokolsky 1.

Una performance es una pequeña representación de uno o varios artistas, con su propio argumento, clímax y desenlace. La especificidad de la performance es la comunicación directa del artista con el público, ya sea por sí mismo o a través de un personaje.

En el arte medieval de los artistas ambulantes, los teatros de farsas en Alemania, los bufones en Rusia, el teatro de máscaras en Italia, etc. Ya existía una dirección directa del artista al público, lo que permitió al artista posterior convertirse en partícipe directo de la acción. La corta duración de la actuación (no más de 15 a 20 minutos) requiere una concentración extrema de medios expresivos, laconismo y dinámica. Los números de variedades se clasifican según sus características en cuatro grupos. El primer grupo de tipos incluye números conversacionales (o de voz). Luego están los números musicales, plástico-coreográficos, mixtos, “originales”.

El arte de la comedia se construyó sobre el contacto abierto con el público. del- arte (mascarada) XVI- p.p.Siglo XVII.

Las representaciones generalmente se improvisaban basándose en escenas argumentales estándar. El sonido musical en forma de interludios (inserciones): canciones, bailes, números instrumentales o vocales, fue la fuente directa del acto de variedades.

En el siglo XVIII aparecieron ópera cómica Y vodevil. Los vodeviles eran actuaciones emocionantes con música y chistes. Sus personajes principales son gente común- siempre derrotó a aristócratas estúpidos y viciosos.

Y a mediados del siglo XIX nació el género. opereta(literalmente pequeña ópera): un tipo de arte teatral que combinaba voz y musica instrumental, danza, ballet, elementos del arte pop, diálogos. La opereta apareció como género independiente en Francia en 1850. El “padre” de la opereta francesa, y de la opereta en general, fue Jacques Offenbach (1819-1880). Posteriormente el género se desarrolla en la “comedia de máscaras” italiana.

El escenario está estrechamente relacionado con la vida cotidiana, con el folclore, con las tradiciones. Es más, están siendo repensados, modernizados, “extradizados”. Diferentes formas El arte variado se utiliza como pasatiempo entretenido.

Esto no es un accidente. En Inglaterra, los pubs (instituciones públicas públicas) surgieron en el siglo XVIII y se convirtieron en prototipos de music halls (salas de música). Los pubs se convirtieron en lugares de entretenimiento para amplios sectores democráticos de la población. A diferencia de los salones aristocráticos, donde se tocaba predominantemente música clásica, en los pubs se interpretaban canciones y bailes, acompañados de un piano, actuaban comediantes, mimos, acróbatas y se mostraban escenas de representaciones populares compuestas por imitaciones y parodias. Algo más tarde, en la primera mitad del siglo XIX, se generalizaron los cafés-concierto, inicialmente cafés literarios y artísticos donde poetas, músicos y actores interpretaban sus improvisaciones. Con diversas modificaciones, se extendieron por toda Europa y pasaron a ser conocidos como cabaret (calabacín). El entretenimiento no excluye el factor de la espiritualidad; la posición cívica es especialmente importante para un artista pop.

La fácil adaptación del arte pop al público entraña el peligro de coquetear con el público y ceder al mal gusto. Para no caer en el abismo de la vulgaridad y la vulgaridad, un artista necesita verdadero talento, gusto y estilo. El director formó un programa a partir de temas pop individuales, que también fue un fuerte medios expresivos. Conexión de instalación gratuita de formas pequeñas, separadas de varios tipos. creatividad artística y se curó por sí solo, lo que llevó al nacimiento de un arte colorido programa de variedades. El arte de los espectáculos de variedades está estrechamente relacionado con el teatro y el circo, pero a diferencia del teatro no requiere una acción dramática organizada. La convencionalidad de la trama, la falta de desarrollo de la acción (el drama principal) también son características de una gran actuación. revista(del francés - reseña). Las partes individuales de la revista están conectadas por una idea social y escénica común. Como género dramático musical, la revista combina elementos de cabaret, ballet y espectáculos de variedades. La presentación de la revista está dominada por la música, el canto y el baile. El programa de variedades tiene sus propias modificaciones:

- programa de variedades de números separados

- programa de variedades

- baile de cabaret

- revisar

En el siglo XX, la revista se convirtió en un fastuoso espectáculo de entretenimiento. En Estados Unidos aparecieron variedades de revistas, llamadas espectáculo.

El escenario musical incluyó diferentes géneros de música ligera: canciones, extractos de operetas, musicales, espectáculos de variedades en arreglos variados de obras instrumentales. En el siglo XX, el escenario se enriqueció con el jazz y la música popular.

Así, el arte pop ha recorrido un largo camino, y hoy podemos observar este género en una forma y ejecución diferente, lo que sugiere que su desarrollo no se detiene.

La creatividad musical amateur del autor es la creación e interpretación de obras musicales por parte del autor de forma amateur. Según la tradición que se ha desarrollado en nuestro país, AMST se entiende más a menudo como una composición, ante todo, de canciones (es decir...

Características acústicas del ukelele.

Figura 1 El ukelele es un ukelele en miniatura de cuatro cuerdas que apareció a finales del siglo XIX en las islas del archipiélago hawaiano, ubicado en la parte norte del Océano Pacífico. Sus creadores son inmigrantes portugueses...

Problema valor artístico música

Música... ¿Qué es? ¿Cuál es su fuerza? La gente empezó a pensar en esto hace mucho tiempo. "Todo sonidos musicales provienen del corazón humano; La música está relacionada con la relación de persona a persona. ...Por lo tanto, es necesario entender las voces...

Cambios inusualmente rápidos en las condiciones. vida moderna requieren que las personas realicen evaluaciones adecuadas y decisiones rápidas para realizar con mayor éxito su potencial...

El proceso de formación de las habilidades musicales y creativas de los participantes en grupos de pop amateur.

La edad juvenil de 17 a 20 años ocupa una fase importante en el proceso general de formación de una persona como individuo, cuando en el proceso de construcción de un nuevo carácter, estructura y composición de las actividades de un adolescente, se sientan las bases del comportamiento consciente. establecido...

Desarrollo del gusto musical en niños pequeños. edad escolar en lecciones de música

Influir muy seriamente en el desarrollo del gusto musical de los estudiantes. varias direcciones música moderna. Se trata de música rock, techno, pop, rap y otros estilos. Una de las primeras preguntas que se hacen al reunirse...

El problema de la ópera nacional es central en todas las actividades de Weber. 3 el mejores óperas- “Free Shooter”, “Euryanthe”, “Oberon” indicaron los caminos y las distintas direcciones...

La música pop como medio para desarrollar el gusto musical de los adolescentes.

La variedad es un tipo de arte escénico que implica tanto un género separado como una síntesis de géneros. Incluía canto, baile, espectáculos originales, artes circenses, ilusiones...

Las primeras representaciones teatrales se realizaron en la misma calle. Básicamente, las actuaciones fueron realizadas por artistas itinerantes. Podían cantar, bailar, ponerse varios disfraces y representar animales. Cada uno hizo lo que mejor sabía hacer. Nueva apariencia El arte se desarrolló gradualmente, los actores mejoraron sus habilidades.

El primer teatro del mundo.

La palabra "teatro" traducida del griego significa un lugar para realizar espectáculos y el espectáculo en sí. La primera institución cultural de este tipo supuestamente surgió en Grecia. Esto sucedió en los siglos V-IV a.C. mi. Esta época se llamó "clásica". Se caracteriza por la armonía y el equilibrio en todos los elementos y componentes. El teatro griego antiguo surgió del culto a varios dioses.

El Teatro de Dioniso es el edificio teatral más antiguo. El dios del vino, la vegetación y la naturaleza era muy venerado por los antiguos griegos. Se dedicaron rituales de culto a Dioniso, que gradualmente se convirtieron en verdaderas tragedias y comedias. Las celebraciones rituales se convirtieron en verdaderas representaciones teatrales. La estructura era un espacio al aire libre. Inicialmente los espectadores estaban sentados en asientos de madera. Fue tan venerado en la antigua Grecia que las autoridades dieron dinero a los ciudadanos pobres para las actuaciones. A las mujeres casadas se les prohibió ver producciones.

El primer templo de las artes tuvo tres partes principales:

• allí actuaron orquesta: bailarines y un coro;
• auditorio - ubicado alrededor de la orquesta;
• Edificio Skena, donde se ubicaban salas para artistas.

No había telón ni escenario habitual, y todos los papeles femeninos eran interpretados por hombres. Los actores cambiaron de papel varias veces durante una actuación, por lo que tuvieron que bailar y cantar de manera excelente. La apariencia de los actores se cambió mediante máscaras. Junto al edificio se encontraba el templo de Dioniso.

El teatro antiguo sentó las bases y la esencia del moderno. El género más cercano se puede llamar teatro dramático. Con el tiempo, aparecieron cada vez más géneros diferentes.

Géneros teatrales

Los géneros teatrales en el mundo moderno son muy diversos. Este arte sintetiza literatura, música, coreografía, voz, bellas artes. Expresan diferentes emociones y situaciones. La humanidad está en constante evolución. En este sentido, surgen varios géneros. Dependen del país de donde son originarios, de desarrollo cultural población, del estado de ánimo de la audiencia y de sus peticiones.

Enumeremos algunos tipos de géneros: drama, comedia, monodrama, vodevil, extravagancia, parodia, mimo, farsa, obra moral, pastoral, musical, tragicomedia, melodrama y otros.

Los géneros del arte teatral no pueden competir entre sí. Cada uno de ellos es interesante a su manera. Los espectadores amantes del teatro de ópera no disfrutan menos del teatro de comedia.

lo mas tipos populares Los géneros teatrales son el drama, la comedia, la tragicomedia, el musical, la parodia y el vodevil.

En el drama puedes ver momentos tanto trágicos como cómicos. Siempre es muy interesante ver trabajar a los actores aquí. Los papeles de este género no son fáciles y fácilmente involucran al espectador en la empatía y el análisis.

Las representaciones de comedia tienen como objetivo principal hacer reír al público. Para burlarse de determinadas situaciones, los actores también deben esforzarse. Después de todo, ¡el espectador debe creerles! Los papeles de comedia son tan difíciles de interpretar como los dramáticos. El elemento de sátira hace que la actuación sea más fácil de ver.

La tragedia siempre va asociada a una situación conflictiva, que es de lo que trata la producción. Este género fue uno de los primeros en aparecer en la Antigua Grecia. Como la comedia.

El musical tiene muchos fans. Siempre es una acción brillante con bailes, canciones, una trama interesante y una dosis de humor. El segundo nombre de este género es comedia musical. Apareció en Estados Unidos a finales del siglo XIX.

Variedades

Los tipos de teatros están directamente relacionados con los géneros que en ellos se presentan. Aunque expresan no tanto un género como una forma de actuar. Enumeremos algunos de ellos:

• operístico;
• dramático;
• para niños;
• del autor;
• teatro unipersonal;
• teatro de luz;
• comedia musical;
• teatro de sátira;
• teatro de poesía;
• teatro de danza;
• estallido;
• teatro de robots;
• ballet;
• teatro de animales;
• teatro para discapacitados;
• siervo;
• teatro de sombras;
• teatro de pantomima;
• teatro de canciones;
• calle.

Teatro de Ópera y Ballet

La ópera y el ballet aparecieron en Italia durante el Renacimiento. El primero apareció en Venecia en 1637. El ballet surgió como un género teatral independiente en Francia, transformándose a partir de los bailes en la corte. Muy a menudo este tipo de teatros se combinan en un solo lugar.

La ópera y el ballet están acompañados por una orquesta sinfónica. La música se convierte en parte integral de estas producciones. Transmite el estado de ánimo y la atmósfera de todo lo que sucede en el escenario y enfatiza las actuaciones de los actores. Los cantantes de ópera trabajan con sus voces y emociones, mientras que los bailarines de ballet lo transmiten todo a través del movimiento. Los teatros de ópera y ballet son siempre las instituciones teatrales más bellas. Están ubicados en los edificios más ricos de la ciudad con una arquitectura única. Muebles lujosos, una hermosa cortina, grandes fosos para orquesta: así se ve desde el interior.

teatro dramático

Aquí el lugar principal lo dan los actores y el director. Son ellos quienes crean la personalidad de los personajes, transformándolos en las imágenes necesarias. El director transmite su visión y lidera el equipo. El teatro dramático se llama teatro de las “experiencias”. K. S. Stanislavsky escribió sus obras mientras estudiaba el trabajo de actores dramáticos. No solo representan actuaciones, sino obras con tramas complejas. El teatro dramático incluye comedias, musicales y otras representaciones musicales en su repertorio. Todas las producciones se basan únicamente en literatura dramática.

Teatro para todos los gustos.

El teatro musical es un lugar donde se puede ver cualquiera de los actos teatrales. Acoge óperas, comedias, operetas, musicales y todas aquellas actuaciones que contengan mucha música. Aquí trabajan bailarines de ballet, músicos y actores. El teatro musical combina teatros de ópera, ballet y opereta. Cualquier tipo de arte teatral relacionado con el pop o la música clásica puede encontrar sus seguidores en este teatro.

teatro de marionetas

Este es un lugar especial. Aquí te sumerges en el mundo de la infancia y la alegría. La decoración aquí es siempre colorida, atrayendo la atención de los espectadores más jóvenes. El teatro de marionetas suele ser el primer teatro al que asisten los niños. Y la actitud futura del niño hacia el teatro depende de la impresión que le dé a un espectador inexperto. Una variedad de acciones teatrales se basan en el uso de varios tipos de títeres.

EN últimamente Los actores-titiriteros no se esconden detrás de las pantallas, sino que interactúan con los títeres en el escenario. Esta idea pertenece al famoso S.V. Obraztsov. Se puso en la mano un títere de guante llamado Tyapa y interpretó magníficamente miniaturas en el escenario, actuando como su padre.

Los orígenes de este tipo de teatro se remontan a la Antigua Grecia. Al crear muñecos para rituales, la gente no sabía que se convertiría en un verdadero arte. El teatro de títeres no es sólo una introducción al arte, sino también un método de corrección psicológica para los más pequeños.

Teatro de comedia

Actores combinados que saben cantar y bailar. Deberían acostumbrarse fácilmente Imágenes cómicas y no tengas miedo de ser gracioso. Muy a menudo se pueden ver “teatros de comedia y drama”, “teatros de comedia musical”. Combinar varios géneros en un teatro no interfiere con la preservación de su sabor. El repertorio puede incluir operetas, comedias satíricas, musicales, dramas, producciones musicales para niños. La gente va con mucho gusto al teatro de comedia. La sala siempre está llena.

teatro de variedades

Reposición de tipos de teatros hace relativamente poco tiempo. Y el público inmediatamente se enamoró de él. El primer teatro pop apareció a mediados del siglo pasado. Se convirtió en un teatro en Leningrado, que se inauguró en 1939. En 2002 recibió el nombre de “Teatro de variedades que lleva el nombre”. A. I. Raikin." Artistas de variedades Incluye cantantes, bailarines y presentadores modernos. Los artistas de variedades son estrellas del mundo del espectáculo, bailarines y showmen, como se les llama ahora.

Los teatros de variedades suelen albergar conciertos de solistas, conciertos dedicados a fechas memorables y actuaciones de autores contemporáneos. Aquí los humoristas celebran conciertos, representan obras cómicas y representaciones de obras clásicas. El teatro musical puede ofrecer actuaciones similares.

Teatro Sátira

¡Queremos mucho a la audiencia! Desde su aparición, ha reflejado la vida de la gente del pueblo, mostrando todas las deficiencias y ridiculizándolas. Los actores siempre fueron conocidos de vista; interpretaron excelentes papeles cómicos no sólo en el escenario, sino también en las películas. Los teatros de sátira siempre han estado a la vanguardia de quienes tenían prohibido montar determinadas producciones. Esto se debió a la censura. burlándose de aspectos negativos comportamiento humano, a menudo era posible cruzar la línea de lo permitido. Las prohibiciones no hicieron más que atraer aún más espectadores. Magníficos actores de teatro satírico muy conocidos: A. A. Mironov, Olga Aroseva, Spartak Mishulin, Mikhail Derzhavin, Alexander Shirvindt. Gracias a estas personas, los teatros de sátira se hicieron amados por el público.

Con el tiempo, aparecen tipos de teatros que están olvidados hace mucho tiempo o son completamente diferentes a todo lo que existe.

Nuevas tendencias

Nuevos tipos de templos artísticos sorprenden al espectador más sofisticado. No hace mucho apareció en Polonia el primer teatro de robots. Cuenta con actores robots que transmiten sus emociones con sus ojos y gestos. Actualmente las producciones están destinadas al público infantil, pero los responsables del proyecto pretenden ampliar constantemente el repertorio.

En verano, se realizan representaciones teatrales al aire libre. Esto ya se ha convertido en una tradición. Este año muchos festivales se realizaron al aire libre. Justo al lado de los teatros se construyeron pequeños escenarios, en los que se representó íntegramente la actuación. Incluso los artistas de ópera y ballet ya van más allá del teatro para atraer al mayor número posible de espectadores.