Sinfonía(del griego " consonancia") - un género de música instrumental sinfónica de una forma canonizada de varias partes de contenido ideológico fundamental.
Una sinfonía suele ser una composición para orquesta, que suele constar de varios movimientos. Este es uno de los géneros más importantes de la música europea. En el sentido moderno, la palabra "sinfonía" se empezó a utilizar hace relativamente poco tiempo, en los años 70. Siglo XVIII, pero él mismo es de origen muy antiguo.
"Sinfonía" significa "armonía" en griego. EN tiempos antiguos se llamaba así al canto de un coro o conjunto al unísono, así como a cualquier combinación armónica y eufónica de tonos. En la Edad Media la palabra desapareció de su uso, y nueva vida comenzó durante el Renacimiento. Pero ahora la palabra “sinfonía” tenía un significado diferente. En la música del Renacimiento, las composiciones vocales polifónicas eran comunes: madrigales, canzones. Por lo general, abrían con una introducción instrumental, a la que se llamaba sinfonía. Cuando en el siglo XVII. Cuando surgió la ópera, también comenzó con una sinfonía; más tarde esta introducción se convirtió en una obertura.
En el siglo XVIII La sinfonía se separó gradualmente de música vocal y comenzó su existencia independiente. Adquirió su aspecto clásico en los años 1780-1790. en las obras de los grandes compositores austriacos J. Haydn y W. A. Mozart. A partir de ese momento comenzó el brillante camino de la sinfonía en la música europea y mundial; fue entonces cuando se convirtió en el género central más importante. creatividad musical.
Una sinfonía clásica consta de cuatro movimientos contrastantes. Juntos forman un ciclo sonata-sinfónico. La estructura cíclica permite al compositor expresar una variedad de sentimientos y estados de ánimo, para crear una imagen musicalmente generalizada de la época. Las sinfonías de Mozart, L. Beethoven, L. I. Tchaikovsky, J. Brahms, G. Mahler, D. D. Shostakovich nos brindan la oportunidad de experimentar la atmósfera única de la época, tal como lo hace una novela o una obra de teatro.
La primera parte de una sinfonía clásica es enérgica, eficaz, de ritmo rápido y, por regla general, ocupa una posición dominante en el ciclo. Para ello, los compositores eligen una de las formas más complejas: la sonata. La forma de sonata permite comparar imágenes contrastantes, incluso conflictivas: heroicas y líricas, sombrías y brillantes, solemnes y tiernas. Estas imágenes luego se desarrollan, cambian y, como resultado, adquieren nuevo personaje, nuevas funciones. Por tanto, la primera parte de la sinfonía se distingue especialmente por su diversidad y riqueza.
La segunda parte suele ser lenta. Su carácter está determinado por estados de ánimo líricos y contemplativos; contiene melodías cercanas a canciones y romances. Este es un respiro después de los turbulentos acontecimientos de la primera parte. Pero también hay desviaciones. Por ejemplo, en una de las sinfonías de Haydn y en la "Sinfonía heroica" de Beethoven en el segundo movimiento suena una marcha fúnebre, lúgubre y majestuosa.
El tercer movimiento de las sinfonías de Haydn y Mozart es un minueto. Los minuetos de las sinfonías clásicas son como bocetos, fotografías del natural. Los minuetos de Haydn están llenos de diversión folclórica, cercana a las danzas campesinas; en Mozart son líricos, a veces con un toque de seriedad dramática. Beethoven reemplazó el minueto con un scherzo, música de naturaleza rápida y vivaz, a menudo con matices humorísticos.
La cuarta parte es el final. Como el primero, está escrito a un ritmo rápido, pero internamente no contrasta tanto. Si el significado de la primera parte radica en la comparación contradictoria de imágenes y el desarrollo dramático de la acción, en el final la declaración y el resumen pasan a primer plano. No es casualidad que los finales se escriban a menudo en forma de rondó, basándose en el retorno circular del mismo tema, es decir, en la proclamación del mismo pensamiento musical. Simultáneamente con el ciclo sonata-sinfónico, se formó la composición orquestal para la cual se crearon las sinfonías: una orquesta sinfónica.
La obra de Beethoven se considera legítimamente el pináculo del desarrollo histórico de la sinfonía. Cada una de sus sinfonías es una versión nueva e individual del género, cada una de ellas contiene todo un mundo de ideas filosóficas y es el resultado del arduo trabajo intelectual del compositor.
La novena sinfonía de Beethoven, su mayor logro camino creativo, abre nueva pagina en la historia del género. En su parte final suena la oda “A la alegría” de F. Schiller, afirmando la idea de la hermandad universal de la humanidad. Esta idea, central en la obra de Beethoven, se proclama en el poderoso sonido del coro y la orquesta. Así es como la sinfonía se vuelve vocal. Fue heredado por compositores de generaciones posteriores: las sinfonías vocales fueron escritas por G. Berlioz, Mahler, A. N. Scriabin, I. F. Stravinsky, Shostakovich.
El texto poético concreta el contenido de la sinfonía, y tales obras pertenecen a la música de programa. Un programa sinfónico también puede convertirse en un programa si el compositor simplemente le antepone un título. Haydn también tuvo obras similares, por ejemplo la original “Sinfonía de despedida”, que termina con la partida gradual de los músicos. En la Sexta Sinfonía (Pastoral) de Beethoven, los cinco movimientos tienen título. Vemos que el plan del programa obligó a Beethoven a aumentar el número de partes de la sinfonía y alejarse de la construcción clásica del ciclo. Los compositores posteriores trataron la forma de la sinfonía aún más libremente, aumentando el número de partes o, por el contrario, comprimiendo el ciclo en un solo movimiento. Cada vez está conectado con la idea de la composición, con un plan individual.
Los más grandes sinfonistas después de Beethoven son F. Schubert, Brahms, A. Bruckner, A. Dvorak, Mahler.
La herencia sinfónica de los compositores rusos (Tchaikovsky, A. P. Borodin, A. G. Glazunov, Scriabin, S. V. Rachmaninov) es de importancia mundial. Sus grandes tradiciones recibieron un desarrollo rico y vibrante en la creatividad. compositores soviéticos de todas las generaciones - N. Ya Myaskovsky, S. S. Prokofiev. A. I. Khachaturyan, T. N. Khrennikova, K. A. Karaev, Y. A. Ivanov, F. M. Amirov y otros maestros. El mayor sinfonista de nuestro tiempo fue Shostakovich. Sus 15 sinfonías son una auténtica crónica del siglo XX.
Debido a la similitud estructural con la sonata, la sonata y la sinfonía se combinan bajo nombre común"ciclo sonata-sinfónico". Una sinfonía clásica (como se representa en las obras de los clásicos vieneses: Haydn, Mozart y Beethoven) suele tener cuatro movimientos. El primer movimiento, de tempo rápido, está escrito en forma de sonata; El segundo, en movimiento lento, está escrito en forma de variaciones, rondó, rondó sonata, complejo de tres movimientos, con menos frecuencia en forma de sonata; 3º - scherzo o minueto - en forma de tres partes da capo con trío (es decir, según el esquema A-trio-A); Cuarto movimiento, a un ritmo rápido, en forma de sonata, en forma de rondó o sonata rondó.
Un programa sinfónico es aquel que está asociado con contenido conocido, expuesto en el programa (expresado, por ejemplo, en el título o epígrafe), por ejemplo, la “Sinfonía Pastoral” de Beethoven, la “Sinfonía de Fantasía” de Berlioz, etc. Dittersdorf, Rosetti y Haydn fueron los primeros en introducir el programa en el sinfonía.
del griego symponia - consonancia
Pieza musical para orquesta, principalmente sinfónica, generalmente en forma sonata-cíclica. Generalmente consta de 4 partes; Hay S. con más y menos partes, hasta una parte. A veces, en S., además de la orquesta, se introducen un coro y voces solistas. voces (de ahí el camino hacia la S. cantata). Hay orquestas de cuerda, de cámara, de viento y otras orquestas, para orquesta con instrumento solista (concierto), órgano, coro (orquesta coral) y wok. conjunto (voz C). Concierto Sinfónico- S. con instrumentos de concierto (solistas) (del 2 al 9), similar en estructura al concierto. S. suele estar cerca de otros géneros: S.-suite, S.-rhapsody, S.-fantasy, S.-ballad, S.-legend, S.-poem, S.-cantata, S.-requiem, S. .-ballet, S.-drama (un tipo de cantata), teatro. S. (género oners). Por naturaleza, S. también se puede comparar con la tragedia, el drama y el lirismo. poema, heroico épica, para acercarnos al ciclo de las musas del género. obras de teatro, se representarán en una serie. música pinturas En tipico en sus muestras combina el contraste de partes con la unidad de concepto, la multiplicidad de imágenes diversas con la integridad de las musas. dramaturgia. S. ocupa el mismo lugar en la música que el drama o la novela en la literatura. Como el tipo más alto de instr. música, supera a todos los demás tipos con las más amplias posibilidades de encarnación, es decir. Ideas y riqueza de estados emocionales.
Inicialmente, en el Dr. Grecia, la palabra "S." significó una combinación armoniosa de tonos (cuarto, quinta, octava), así como un canto conjunto (conjunto, coro) al unísono. Posteriormente, en el Dr. Roma, se convirtió en el nombre del instrumento. conjunto, orquesta. El miércoles. siglos, S. fue entendido como instr secular. música (en este sentido el término se usaba en Francia allá por el siglo XVIII), a veces música en general; además, así se llamaban algunas musas. herramientas (por ejemplo zanfona). En el siglo XVI esta palabra se usa en el nombre. colecciones de motetes (1538), madrigales (1585), instrumentos vocales. composiciones (“Sacrae symphoniae” - “Sinfonías sagradas” de G. Gabrieli, 1597, 1615) y luego instrumentales. polifónico obras de teatro (principios del siglo XVII). Está asignado a un polígono. Episodios (a menudo acordes), como una introducción o un interludio en un wok. e instr. producciones, en particular para introducciones (oberturas) de suites, cantatas y óperas. Entre las oberturas operísticas, han surgido dos tipos: veneciana, que consta de dos secciones (lenta, solemne y rápida, fuga), que luego se convirtió en francesa. obertura y napolitana, de tres secciones (rápida - lenta - rápida), introducida en 1681 por A. Scarlatti, quien, sin embargo, utilizó otras combinaciones de partes. Sonata cíclica. la forma se vuelve gradualmente dominante en S. y recibe en ella un desarrollo especialmente multifacético.
Habiendo separado aprox. 1730 de la ópera, donde el orco. la introducción se conservó en forma de obertura, la S. se convirtió en independiente. tipo orco música. En el siglo XVIII lo cumplirá como base. La composición eran cuerdas. instrumentos, oboes y trompas. El desarrollo de S. estuvo influenciado por varios. tipos de orcos. y música de cámara - concierto, suite, trío sonata, sonata, etc., así como ópera con sus conjuntos, coros y arias, cuyo impacto en la melodía, armonía, estructura y estructura figurativa de S. es muy notable. Qué específico. El género sinfónico maduró a medida que se disoció de otros géneros musicales, en particular de la música teatral, ganó independencia en contenido, forma, desarrollo de temas y creó ese método de composición, que luego recibió el nombre de sinfonismo y, a su vez, tuvo una gran influencia en muchas áreas de la música creatividad.
La estructura de S. ha sufrido evolución. La base de la serie fue un ciclo de 3 partes de tipo napolitano. A menudo, siguiendo el ejemplo de los venecianos y los franceses. La obertura en S. incluía una introducción lenta al primer movimiento. Más tarde, el minueto se incluyó en S., primero como el final de un ciclo de 3 partes, luego como una de las partes (generalmente la tercera) de un ciclo de 4 partes, en cuyo final, por regla general, se usaba el forma de rondó o sonata rondó. Desde la época de L. Beethoven, el minueto ha sido reemplazado por un scherzo (tercer movimiento, a veces segundo), y desde la época de G. Berlioz, por un vals. La forma de sonata más importante para S. se utiliza principalmente en el primer movimiento, a veces también en los movimientos lentos y finales. En el siglo XVIII S. se ha cultivado muchas veces. maestros Entre ellos se encuentran el italiano J.B. Sammartini (s. 85, ca. 1730-70, de los cuales 7 se han perdido), compositores de la escuela de Mannheim, en la que los checos ocupaban una posición destacada (F.K. Richter, J. Stamitz, etc.). ), representantes de los llamados preclásico (o temprano) escuela vienesa(M. Monn, G. K. Wagenseil, etc.), el belga F. J. Gossec, que trabajó en París, el fundador de los franceses. S. (29 S., 1754-1809, incluido “Hunting”, 1766; además, 3 S. para orquesta de metales). Clásico el tipo S. fue creado por los austriacos. comp. J. Haydn y W. A. Mozart. En la obra del "padre de la sinfonía" Haydn (104 S., 1759-95), se completó la formación de la sinfonía, que pasó de ser un género de música cotidiana entretenida a convertirse en el tipo dominante de instrumento serio. música. el principal características de su estructura. S. se desarrolló como una secuencia de partes internamente contrastantes y que se desarrollaron intencionalmente unidas por una idea común. Mozart contribuyó al drama S. la tensión y el lirismo apasionado, la grandeza y la gracia, le dieron una unidad estilística aún mayor (c. 50 C, 1764/65-1788). Su último C. - Es-dur, g-moll y C-dur ("Júpiter") - el mayor logro de la sinfonía. arte del siglo XVIII Experiencia creativa Mozart quedó reflejado en sus obras posteriores. Haydn. Especialmente grande en la historia de S. es el papel de L. Beethoven, la finalización de la obra vienesa escuela clasica(9 S., 1800-24). Su 3º ("Heroico", 1804), 5º (1808) y 9º (con cuarteto vocal y coro al final, 1824) S. son ejemplos de heroico. Sinfonismo dirigido a las masas, que encarna la revolución. patetismo nar. lucha. Su 6º S. ("Pastoral", 1808) es un ejemplo de sinfonismo de programa (ver Programa de música), y el 7º S. (1812), en palabras de R. Wagner, es la "apoteosis de la danza". Beethoven amplió el alcance de S., dinamizó su dramaturgia, profundizó la dialéctica de temas temáticos. desarrollo, interior enriquecido construir y significado ideológico CON.
Para el austriaco y alemán Compositores románticos de la 1ª mitad. siglo 19 Los géneros típicos son el lírico (la Sinfonía "inacabada" de Schubert, 1822) y el épico (el último, la octava sinfonía de Schubert), así como el paisaje y el estilo cotidiano con coloridos temas nacionales. colorear (“italiano”, 1833, y “escocés”, 1830-42, Mendelssohn-Bartholdy). El nivel psicológico también ha aumentado. la riqueza de S. (4 sinfonías de R. Schumann, 1841-51, en las que los movimientos lentos y los scherzos son los más expresivos). La tendencia que surgió entre los clásicos fue inmediata. transición de una parte a otra y establecimiento de temas. Las conexiones entre partes (por ejemplo, en la quinta sinfonía de Beethoven) se intensificaron entre los románticos, y apareció C, en el que las partes se suceden una tras otra sin pausas (la sinfonía "escocesa" de Mendelssohn-Bartholdy, la cuarta sinfonía de Schumann).
El ascenso de los franceses S. se remonta a 1830-40, cuando apareció una producción innovadora. G. Berlioz, creador del romántico. Software C basado en lit. trama (5 partes "Fantástico" S., 1830), S.-concierto ("Harold en Italia", para viola y orquesta, según J. Byron, 1834), S.-oratorio ("Romeo y Julieta", drama . S. en 6 partes, con solistas y coro, según W. Shakespeare, 1839), “Sinfonía funeraria-triunfal” (marcha fúnebre, solo de trombón “oratorio” y apoteosis - para orquesta de metales u orquesta sinfónica, opcional - y coro, 1840). Berlioz se caracteriza por la grandiosa escala de su producción, la colosal composición de la orquesta y una instrumentación colorida con sutiles matices. filosófico y ético La problemática se reflejó en las sinfonías de F. Liszt ("Sinfonía de Fausto", pero J. W. Goethe, 1854, con coro final, 1857; "S. to" divina comedia"Dante", 1856). El mudo actuó como antípoda de la dirección programática de Berlioz y Liszt. komi J. Brahms, que trabajó en Viena. En su 4 S. (1876-85), desarrolla las tradiciones de Beethoven y el Romanticismo. sinfonismo, clásico combinado. armonía y variedad de estados emocionales. De estilo similar. aspiraciones y al mismo tiempo francés individual. S. del mismo período - 3er S. (con órgano) de C. Saint-Saens (1887) y S. d-moll de S. Frank (1888). En S. “Del Nuevo Mundo” de A. Dvořák (el último, cronológicamente noveno, 1893) no sólo se refractaban musas checas, sino también negras e indias. elementos. Los conceptos ideológicos de los austriacos son significativos. los sinfonistas A. Bruckner y G. Mahler. Producción monumental. Bruckner (8 S., 1865-1894, 9º inacabado, 1896) se caracteriza por su riqueza polifónica. tejido (influencia del arte organizativo y, posiblemente, también del drama musical de R. Wagner), duración y poder de la construcción emocional. Para la sinfonía de Mahler (9 S., 1838-1909, 4 de ellas con canto, incluida la 8ª - "Sinfonía de los mil participantes", 1907; la 10ª no está terminada, D. Cook en 1960; S.-cantata “Song of the Earth” con 2 cantantes solistas, 1908) se caracteriza por la severidad de los conflictos, el patetismo sublime y la tragedia, y expresa novedad. fondos. Como en contraste con sus grandes composiciones, que cuentan con un intérprete rico. Aparecen aparatos, una sinfonía de cámara y una sinfonía.
Los autores más destacados del siglo XX. en Francia - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (suizo por nacionalidad, 5 S., 1930-50, incluido el 3º - "Litúrgico", 1946, 5º - S. "tres D", 1950), D. Milhaud (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", en 10 partes, 1948); en Alemania - R. Strauss ("Home", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, incluido el 1º - "Artista Mathis", 1934, 3- I - “Armonía de the World”, 1951), K. A. Hartman (8th S., 1940-62), y otros. Las contribuciones al desarrollo de S. fueron hechas por el suizo H. Huber (8th S., 1881-1920, incl. 7th -. “Swiss”, 1917), los noruegos K. Sinding (4 S., 1890-1936), H. Severud (9 S., 1920-1961, incluido el antifascista de diseño 5-7-I, 1941-1945), K. Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S., 1899-1924), Rumano J. Enescu (3 S. , 1905-19), los holandeses B. Peyper (3 S., 1917-27) y H. Badings (10 S., 1930-1961), el sueco H. Rusenberg (7 S., 1919-69, y S . para instrumentos espirituales y de percusión, 1968), el italiano J. F. Malipiero (11 S., 1933-69), los ingleses R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S.-requiem, 1940, ". Spring" S. para cantantes solistas, coro mixto, coro de niños y orquesta sinfónica, 1949), los estadounidenses C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston (8 S., 1937-65) y R. Harris (12 S., 1933-69), el brasileño E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) y otros Una amplia variedad de tipos C. Siglo XX. debido a la multiplicidad de la creatividad. direcciones, nacional escuelas, conexiones folclóricas. Moderno S. también son diferentes en estructura, forma y carácter: gravitan hacia la intimidad y, por el contrario, hacia la monumentalidad; no dividido en partes y compuesto de plural. regiones; tradicional almacén y composición libre; para sinfonía regular orquesta y para composiciones inusuales, etc. Una de las tendencias de la música del siglo XX. asociado con la modificación de las musas antiguas, preclásicas y clásicas tempranas. géneros y formas. S. S. Prokofiev le rindió homenaje en la “Sinfonía clásica” (1907) y I. F. Stravinsky en la Sinfonía en do y la “Sinfonía en tres movimientos” (1940-45). En algún S. siglo XX. una desviación de las normas anteriores se revela bajo la influencia del atonalismo, el atematismo y otros nuevos principios de composición. A. Webern construyó S. (1928) sobre una serie de 12 tonos. Entre los representantes de la “vanguardia” S. está reprimido. nuevos géneros y formas experimentales.
El primero entre los rusos. los compositores recurrieron al género S. (a excepción de D. S. Bortnyansky, cuya “Sinfonía Concertante”, 1790, fue escrita para un conjunto de cámara) Mich. Y. Vielgorsky (su segunda S. se interpretó en 1825) y A. A. Alyabyev (su S. e-moll de una parte, 1830, y una suite tipo S. Es-dur de tres partes sin fecha, con 4 trompas de concierto, han sobrevivido ) , más tarde A.G. Rubinstein (6º S., 1850-86, incluido el 2º - "Océano", 1854, 4º - "Dramático", 1874). M.I. Glinka, autor de la obertura S. inacabada al final del Ruso. Los temas (1834, completado en 1937 por V. Ya. Shebalin), tuvieron una influencia decisiva en la formación del estilo. maldito ruso S. con todas sus sinfonías. creatividad, en la que predominan obras de otros géneros. En S. Rusia. Los autores expresan claramente el nacionalismo. personaje, se capturan fotografías de personas. vida, histórico Acontecimientos, se reflejan los motivos de la poesía. De compositores" grupo poderoso"El primer autor de S. fue N. A. Rimsky-Korsakov (3 S., 1865-74). El creador de la epopeya rusa S. fue A. P. Borodin (2 S., 1867-76; 3 inacabado, 1887, parcialmente grabado de memoria de A.K. Glazunov). I. Tchaikovsky (6 S., 1800-93, y programa S. “Manfred”, según J. Byron, 1885) 4º, 5º y especialmente 6º (“Patética”, con final lento) C. ., de naturaleza lírica y dramática, adquieren un poder trágico en la expresión de los conflictos de la vida; transmiten con profunda percepción psicológica la rica gama de experiencias humanas .ch. instrumentada por G. Ya Yudin en 1948), 2 S. escrito por M. A. Balakirev (1898, 1908), 3 S - R. M. Glier (1900-11, 3º - “Ilya Muromets”) Las sinfonías de S. Kalinnikov (2 S. ., 1895, 1897) te atraen con sus letras conmovedoras y con su profunda concentración de pensamiento - S. c-moll I. Taneyeva (1º, en realidad 4º, 1898), dramas. patéticas: las sinfonías de S. V. Rachmaninov (3 S., 1895, 1907, 1936) y A. N. Scriabin, el creador de la primera en seis partes (1900), la segunda en cinco partes (1902) y la tercera en tres partes (“Poema divino ”, 1904), que se distingue por su especial dramaturgia. integridad y poder de expresión.
S. ocupa un lugar importante en la Unión Soviética. música. En las obras de los búhos. Los compositores recibieron un desarrollo particularmente rico y vibrante de las altas tradiciones de la música clásica. sinfonismo. Los soviéticos recurren a S. compositores de todas las generaciones, empezando por los grandes maestros: N. Ya Myaskovsky, creador de 27 S. (1908-50, incluido el 19, para orquesta de metales, 1939), y S. S. Prokofiev, autor de 7 S. (1917-1952). ), y terminando con jóvenes compositores talentosos. Una figura destacada en el campo de los búhos. S. - D. D. Shostakovich. En su 15 S. (1925-71) se revelan las profundidades de la conciencia humana y la tenacidad de la moral. fuerzas (5.º - 1937, 8.º - 1943, 15.º - 1971), encarnaron temas apasionantes de la modernidad (7.º - el llamado Leningradskaya, 1941) y la historia (11.º - "1905", 1957; 12.º - "1917", 1961), alto humanismo. Los ideales se contrastan con imágenes oscuras de violencia y maldad (5 partes 13, basada en letra de E. A. Yevtushenko, para bajo, coro y orquesta, 1962). Tradición en desarrollo. y moderno tipos de estructura del ciclo de sonata, el compositor, junto con un ciclo de sonata interpretado libremente (varios de sus ciclos de sonata se caracterizan por la secuencia: lento - rápido - lento - rápido), utiliza otras estructuras (por ejemplo, en el 11 - “1905”), atrae la voz humana (solistas, coro). En 11 partes 14th S. (1969), donde el tema de la vida y la muerte se revela en un contexto social amplio, dos voces cantantes son solistas, sostenidas por cuerdas. y soplar. herramientas.
En la región de S. nacional ramas de búhos música. Entre ellos se encuentran destacados maestros de los búhos. música, como A.I. Khachaturian, el armenio más grande. sinfonista, autor de canciones coloridas y temperamentales (1º - 1935, 2º - "S. con campana", 1943, 3º - S.-poema, con órgano y 15 tubos adicionales, 1947); en Azerbaiyán - K. Karaev (destaca su 3er S., 1965), en Letonia - Y. Ivanov (15 S., 1933-72), etc. Ver música soviética.
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La música sinfónica sorprendentemente no cede en sus posiciones, aunque su historia se remonta a siglos atrás. Parecería que el tiempo dicta nuevas armonías y ritmos, se inventan nuevos instrumentos, el proceso de composición adquiere nuevas formas: para escribir música ahora se necesita una computadora con un programa adecuado. Sin embargo, la música sinfónica no sólo no quiere desaparecer en la historia, sino que también adquiere un nuevo sonido.
Un poco sobre la historia del género, o mejor dicho, todo el espectro de géneros, ya que el concepto de música sinfónica es multifacético y combina varias formas musicales. concepto general esto es: esto musica instrumental, escrito para orquesta sinfónica. Y estas orquestas se pueden crear desde grandes hasta de cámara. Tradicionalmente resaltado grupos orquestales - instrumentos de cuerda, vientos, batería, teclados. En algunos casos, los instrumentos pueden ser solistas y no solo sonar en conjunto.
Hay muchos géneros de música sinfónica, pero la sinfonía puede considerarse la reina. La sinfonía clásica se formó a finales de los siglos XVIII y XIX; sus creadores fueron compositores de la escuela vienesa, principalmente; Jose Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart. Fueron ellos quienes perfeccionaron el modelo sinfónico de cuatro movimientos, la variedad de temas en las partes de la sinfonía y el carácter programático de cada obra. La música sinfónica alcanzó un nuevo nivel gracias al trabajo de Ludwig Van Beethoven. Hizo este género más intenso, dramático y desplazó el centro semántico al final de la sinfonía.
El ejemplo de Beethoven fue seguido por compositores románticos de las escuelas alemana y austriaca: Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Johann Brahms. Consideraban que lo principal era el carácter programático de una obra sinfónica; el marco de una sinfonía se vuelve estrecho, aparecen nuevos géneros, como la sinfonía-oratorio, la sinfonía-concierto. Esta tendencia fue continuada por otros clásicos de la música sinfónica europea: Franz Liszt, Gustav Mahler.
La música sinfónica en Rusia se manifestó seriamente sólo en la segunda mitad del siglo XIX. Aunque los primeros experimentos sinfónicos de Mikhail Glinka pueden considerarse exitosos, sus oberturas y fantasías sinfónicas sentaron las bases serias del sinfonismo ruso, que alcanzó la verdadera perfección en las obras de los compositores de "Mighty Handful": M. Balakirev, N. Rimsky. -Korsakov, A. Borodin.
Históricamente, la música sinfónica rusa, después de pasar la etapa clásica de desarrollo, se formó como música romántica con elementos de sabor nacional. Obras maestras genuinas que recibieron. reconocimiento mundial, creado por Piotr Tchaikovsky. Sus sinfonías todavía se consideran el estándar del género, y S. Rachmaninov y A. Scriabin se convirtieron en los sucesores de las tradiciones de Tchaikovsky.
La música sinfónica contemporánea, como toda la música del siglo XX, se encuentra en una búsqueda creativa activa. ¿Se pueden considerar modernos a los compositores rusos S. Stravinsky, S. Prokofiev, D. Shostakovich, A. Schnittke y otras luminarias? Y la música es así. compositores famosos siglo XX, como el inglés finlandés Benjamin Britten, el polaco Krzysztof Penderecki? La música sinfónica en su versión moderna, así como en el sonido clásico y tradicional, sigue teniendo demanda en los escenarios mundiales. Están apareciendo nuevos géneros, lo que significa que la vida de la música sinfónica continúa.
(del griego "consonancia") - una pieza para orquesta que consta de varias partes. La sinfonía es lo más. forma musical entre la música orquestal de concierto.
Estructura clásica
Debido a la relativa similitud de la estructura con la sonata, la sinfonía puede denominarse gran sonata para orquesta. La sonata y la sinfonía, así como el trío, el cuarteto, etc. pertenecen al “ciclo sonata-sinfónico”, una forma musical cíclica de una obra en la que se acostumbra presentar al menos una de las partes (generalmente la primera) de la sonata. forma. El ciclo sonata-sinfónico es el más grande. forma cíclica entre formas puramente instrumentales.
Al igual que una sonata, una sinfonía clásica tiene cuatro movimientos:
- la primera parte, de ritmo rápido, está escrita en forma de sonata;
- la segunda parte, en movimiento lento, está escrita en forma de rondó, con menos frecuencia en forma de sonata o variación;
- tercer movimiento, scherzo o minueto en forma tripartita;
- el cuarto movimiento, a un ritmo rápido, en forma de sonata o en forma de rondó, rondó sonata.
Si el primer movimiento está escrito a un ritmo moderado, entonces, por el contrario, puede ir seguido de un segundo movimiento rápido y un tercer movimiento lento (por ejemplo, la novena sinfonía de Beethoven).
Teniendo en cuenta que la sinfonía está diseñada para una gran orquesta, cada parte está escrita con más amplitud y detalle que, por ejemplo, en una sonata para piano ordinaria, ya que la riqueza medios expresivos La orquesta sinfónica ofrece una presentación detallada del pensamiento musical.
Historia de la sinfonía
El término sinfonía se utilizó en Grecia antigua, en la Edad Media y principalmente para describir diversos instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido a la vez. Así, en Alemania, hasta mediados del siglo XVIII, la sinfonía era un término general para las variedades de clavecines: espinetas y virginels, en Francia, este era el nombre que se daba a los organillos, clavecines, tambores de dos cabezas, etc.
La palabra sinfonía significa "sonar juntos" obras musicales comenzó a aparecer en los títulos de algunas obras de los siglos XVI y XVII, de compositores como Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 y Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali , 1610) y Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).
Se puede considerar que el prototipo de la sinfonía es la que tomó forma bajo Domenico Scarlatti a finales del siglo XVII. Esta forma ya se llamaba sinfonía y constaba de tres partes contrastantes: allegro, andante y allegro, que se fusionaron en un todo. Es esta forma la que a menudo se considera la precursora directa de la sinfonía orquestal. Los términos "obertura" y "sinfonía" se utilizaron indistintamente durante gran parte del siglo XVIII.
Otros ancestros importantes de la sinfonía fueron la suite orquestal, que consta de varios movimientos en las formas más simples y en su mayoría en el mismo tono, y el concierto ripieno, una forma que recuerda al concierto para cuerdas y continuo, pero sin instrumentos solistas. Las obras de Giuseppe Torelli fueron creadas de esta forma, y quizás el concierto ripieno más famoso sea el Concierto de Brandeburgo n.º 3 de Johann Sebastian Bach.
Se le considera el fundador del modelo sinfónico clásico. En una sinfonía clásica, solo el primer y último movimiento tienen la misma tonalidad, y los del medio están escritos en tonalidades relacionadas con el principal, lo que determina la tonalidad de toda la sinfonía. Los representantes más destacados de la sinfonía clásica son Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Beethoven amplió dramáticamente la sinfonía. Su Sinfonía No. 3 ("Eroica") tiene una escala y un rango emocional que sobrepasa todos los primeros trabajos, su Sinfonía n.º 5 es quizás la sinfonía más famosa jamás escrita. Su Sinfonía nº 9 se convierte en una de las primeras "sinfonías corales" con la inclusión de partes para solistas y coro en el último movimiento.
La sinfonía romántica era una combinación de forma clásica con expresión romántica. La tendencia del software también se está desarrollando. Aparecer. Hogar característica distintiva El romanticismo fue el crecimiento de la forma, la composición de la orquesta y la densidad del sonido. Los autores de sinfonías más destacados de esta época incluyen a Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Héctor Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Tchaikovsky, A. Bruckner y Gustav Mahler.
A partir de la segunda mitad del siglo XIX y especialmente en el siglo XX, se produjo una nueva transformación de la sinfonía. La estructura de cuatro movimientos se ha vuelto opcional: las sinfonías pueden contener desde uno (7ª Sinfonía) hasta once (14ª Sinfonía de D. Shostakovich) o más movimientos. Muchos compositores experimentaron con el tamaño de las sinfonías, por lo que Gustav Mahler creó su octava sinfonía, llamada "Sinfonía de los mil participantes" (debido a la fuerza de la orquesta y los coros necesarios para interpretarla). El uso de la forma sonata se vuelve opcional.
Después de la novena sinfonía de L. Beethoven, los compositores comenzaron a introducir con mayor frecuencia partes vocales en las sinfonías. Sin embargo, la escala y el contenido permanecen constantes. material musical.
Lista de autores sinfónicos destacados
Joseph Haydn - 108 sinfonías
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) sinfonías
Ludwig van Beethoven - 9 sinfonías
Franz Schubert - 9 sinfonías
Robert Schumann - 4 sinfonías
Félix Mendelssohn - 5 sinfonías
Hector Berlioz - varios programas sinfónicos
Antonin Dvorak - 9 sinfonías
Johannes Brahms - 4 sinfonías
Pyotr Tchaikovsky - 6 sinfonías (además de la sinfonía de Manfred)
Anton Bruckner - 10 sinfonías
Gustav Mahler - 10 sinfonías
- 7 sinfonías
Serguéi Rajmáninov - 3 sinfonías
Ígor Stravinsky - 5 sinfonías
Serguéi Prokófiev - 7 sinfonías
Dmitri Shostakovich - 15 sinfonías (también varias sinfonías de cámara)
Alfred Schnittke - 9 sinfonías
Tannhäuser: Apertura nueva sección sobre formas y géneros musicales Y la primera página, con razón, se abre con “SINFONIA”... Agregaré retratos de grandes compositores y otras imágenes al texto. nombres famosos sinfonistas. Pero continuar presentándoles los “nuevos” nombres olvidados Lo haré. No sobrecargaré el post con clips de audio y vídeo... Puedes encontrarlos tú mismo sin preocupaciones... Y en mi Diario también. Nos vemos en esta sección.
Sinfonía(del griego "consonancia") - una pieza para orquesta que consta de varias partes. La sinfonía es la forma más musical de música orquestal de concierto.
Estructura clásica
Debido a la relativa similitud de la estructura con la sonata, la sinfonía puede denominarse gran sonata para orquesta. La sonata y la sinfonía, así como el concierto, el trío, el cuarteto, etc. pertenecen al "ciclo sonata-sinfónico", una forma musical cíclica de una obra en la que se acostumbra presentar al menos una de las partes (generalmente la primera). en forma sonata. El ciclo sonata-sinfónico es la forma cíclica más grande entre las formas puramente instrumentales.
Al igual que una sonata, una sinfonía clásica tiene cuatro movimientos:
- la primera parte, de ritmo rápido, está escrita en forma de sonata;
- la segunda parte, en movimiento lento, está escrita en forma de rondó, con menos frecuencia en forma de sonata o variación;
- tercer movimiento, scherzo o minueto en forma tripartita;
- el cuarto movimiento, a un ritmo rápido, en forma de sonata o en forma de rondó, rondó sonata.
Si el primer movimiento está escrito a un ritmo moderado, entonces, por el contrario, puede ir seguido de un segundo movimiento rápido y un tercer movimiento lento (por ejemplo, la novena sinfonía de Beethoven).
Teniendo en cuenta que la sinfonía está diseñada para una gran orquesta, cada parte está escrita de forma más amplia y detallada que, por ejemplo, en una sonata para piano ordinaria, ya que la riqueza de los medios expresivos de una orquesta sinfónica permite una presentación detallada de la música. pensamiento.
Historia de la sinfonía
El término sinfonía se utilizó en la antigua Grecia, la Edad Media y el Renacimiento principalmente para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido a la vez. Así, en Alemania, hasta mediados del siglo XVIII, la sinfonía era un término general para las variedades de clavecines: espinetas y virginels, en Francia, este era el nombre que se daba a los organillos, clavecines, tambores de dos cabezas, etc.
La palabra sinfonía, para designar obras musicales que "sonan juntas", comenzó a aparecer en los títulos de algunas obras barrocas de los siglos XVI y XVII, de compositores como Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597, y Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) y Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).
El prototipo de la sinfonía puede considerarse la obertura italiana, que tomó forma bajo Domenico Scarlatti a finales del siglo XVII. Esta forma ya se llamaba sinfonía y constaba de tres partes contrastantes: allegro, andante y allegro, que se fusionaron en un todo. Es esta forma la que a menudo se considera la precursora directa de la sinfonía orquestal. Los términos "obertura" y "sinfonía" se utilizaron indistintamente durante gran parte del siglo XVIII.
Otros ancestros importantes de la sinfonía fueron la suite orquestal, que consta de varios movimientos en las formas más simples y en su mayoría en el mismo tono, y el concierto ripieno, una forma que recuerda al concierto para cuerdas y continuo, pero sin instrumentos solistas. De esta forma se crearon obras de Giuseppe Torelli y Antonio Vivaldi, siendo quizás el concierto ripieno más famoso el Concierto de Brandeburgo nº 3 de Johann Sebastian Bach.
Joseph Haydn es considerado el fundador del modelo sinfónico clásico. En una sinfonía clásica, solo el primer y último movimiento tienen la misma tonalidad, y los del medio están escritos en tonalidades relacionadas con la principal, lo que determina la tonalidad de toda la sinfonía. Los representantes más destacados de la sinfonía clásica son Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Beethoven amplió dramáticamente la sinfonía. Su Sinfonía n.° 3 ("Eroica") tiene una escala y un rango emocional que supera todas las obras anteriores; su Sinfonía n.° 5 es quizás la sinfonía más famosa jamás escrita. Su Sinfonía nº 9 se convierte en una de las primeras "sinfonías corales" con la inclusión de partes para solistas y coro en el último movimiento.
La sinfonía romántica era una combinación de forma clásica con expresión romántica. La tendencia del software también se está desarrollando. Aparecen leitmotivs. El principal rasgo distintivo del romanticismo fue el crecimiento de la forma, la composición de la orquesta y la densidad del sonido. Los autores de sinfonías más destacados de esta época incluyen a Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Héctor Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Tchaikovsky, A. Bruckner y Gustav Mahler.
A partir de la segunda mitad del siglo XIX y especialmente en el siglo XX, se produjo una nueva transformación de la sinfonía. La estructura de cuatro movimientos se ha vuelto opcional: las sinfonías pueden contener desde uno (la Séptima Sinfonía de Jean Sibelius) hasta once (La 14.ª Sinfonía de D. Shostakovich) o más. Muchos compositores experimentaron con el tamaño de las sinfonías, por lo que Gustav Mahler creó su octava sinfonía, llamada "Sinfonía de los mil participantes" (debido a la fuerza de la orquesta y los coros necesarios para interpretarla). El uso de la forma sonata se vuelve opcional.
Después de la novena sinfonía de L. Beethoven, los compositores comenzaron a introducir con mayor frecuencia partes vocales en las sinfonías. Sin embargo, la escala y el contenido del material musical permanecen constantes.
Joseph Haydn - 108 sinfonías
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) sinfonías
Ludwig van Beethoven - 9 sinfonías
Franz Schubert - 9 sinfonías
Robert Schumann - 4 sinfonías