Ciclo "preludio-fuga"
El ciclo de dos partes “preludio-fuga” se conoce desde la época barroca. Implica la funcionalización del preludio como una introducción improvisada a una fuga.
Los ciclos de preludio-fuga se pueden combinar en ciclos más grandes basados en algún principio formal o temático. Mayoría ejemplo famoso- “El clave bien temperado” de J. S. Bach, basado en el principio de una cierta alternancia de correspondencias modo-tono. Un ejemplo de la música del siglo XX son los “24 preludios y fugas” de D. D. Shostakovich.
ciclo de suite
En el siglo XX, el género de la suite se replanteó significativamente, se le aplicaron nuevas técnicas (por ejemplo, las suites orquestales dodecafónicas de A. Schoenberg y A. Berg), se cubrió nuevo material (por ejemplo, en P. Hindemith). suite “1922” bailes de moda de la época correspondiente: shimmy, boston, ragtime).
Algunas obras de música no académica (principalmente rock progresivo) también gravitan hacia la forma de suite. Los ejemplos incluyen "Lizard" del álbum del mismo nombre de la banda de rock King Crimson y "Atom Heart Mother" del álbum del mismo nombre de Pink Floyd. Sin embargo, las “suites de rock” también suelen denominarse composiciones que gravitan más hacia formas libres y mixtas (en la terminología teórica musical tradicional).
Ciclo sonata-sinfónico
El ciclo sonata-sinfónico incluye los géneros más abstractos de la música académica, como sinfonía, sonata, cuarteto, concierto. Se caracteriza por:
- abstracción de la naturaleza aplicada de la música (incluso si se utiliza material aplicado como material para cualquier parte);
- la posibilidad de contrastes figurativos y semánticos entre partes individuales (hasta su oposición directa);
- desarrollo tonal complejo;
- funciones y formas establecidas de partes individuales (características de ciertos géneros de música sonata-sinfónica).
La sonata clásica se formó durante el siglo XVIII, alcanzó la cima de su desarrollo en los clásicos vieneses y sigue siendo, con algunas reservas, un género vivo. La sinfonía como género se formó a mediados del siglo XVIII, alcanzó su máximo desarrollo también en los clásicos vieneses y sigue siendo un género vivo de la música académica. (No debe confundirse la forma sinfónica con el sinfonismo, que también puede ser característico de obras no relacionadas con esta forma). El cuarteto tomó la forma de un ciclo de sonata en la obra de J. Haydn y se desarrolló aún más en la obra de los clásicos vieneses. En la segunda mitad del siglo XX, los principios leitmotiv y monotemáticos se volvieron característicos de muchas obras de este género. El concierto, como una especie de obra cíclica sonata-sinfónica, que se caracteriza por la oposición del sonido del conjunto completo y de grupos o solistas individuales, tomó forma en su forma ahora conocida a finales del siglo XVIII.))) ))))
Formas libres y mixtas
Una obra musical puede constar de partes unidas según un principio diferente de los de los géneros enumerados y, sin embargo, tener un carácter cíclico en un grado u otro. Se trata de muchos géneros de música sacra aplicada (misa, concierto espiritual, vigilia), cantatas, ciclos vocales y vocales-corales (trama y lírico).
Grandes ciclos
Fuentes
- G. V. Zhdanova. “Sinfonía” // Diccionario enciclopédico musical. M.: " enciclopedia soviética", 1990, págs. 499.
- Yu. I. Neklyudov. “Suite” // Diccionario enciclopédico musical. M.: “Enciclopedia soviética”, 1990, págs. 529-530.
- V. P. Fraenov. “Formas cíclicas” // Diccionario enciclopédico musical. M.: “Enciclopedia soviética”, 1990, p. 615.
- V. P. Chinaev. “Sonata” // Diccionario enciclopédico musical. M.: “Enciclopedia soviética”, 1990, págs. 513-514.
Ver también
- Cuarteto (género)
Fundación Wikimedia.
2010.
Vea qué son las “Formas cíclicas (música)” en otros diccionarios:
En música, las formas musicales de una obra presuponen la presencia de partes separadas, independientes en estructura, pero conectadas por la unidad de concepto. En la historia de la música académica se conocen los ciclos de “preludio de fuga”, ciclos de suite, sonatas sinfónicas... ... Wikipedia
I La música (del griego musike, literalmente el arte de las musas) es un tipo de arte que refleja la realidad e influye en la persona a través de secuencias sonoras significativas y especialmente organizadas, que consisten principalmente en tonos... ... Gran enciclopedia soviética
Forma de variación, o variaciones, un tema con variaciones, un ciclo de variación, una forma musical que consta de un tema y sus varias (al menos dos) reproducciones modificadas (variaciones). Este es uno de los más antiguos. formas musicales(conocido desde el siglo XIII).... ... Wikipedia
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Obras musicales relacionadas con textos de carácter religioso, destinadas a ser interpretadas durante servicio de la iglesia o en la vida cotidiana. La música sacra en sentido estricto significa música religiosa de los cristianos; V en un sentido amplio espiritual... ...Wikipedia
- (lat. forma vista, apariencia, imagen, apariencia, belleza) de una composición, se determina considerando su diseño (esquema, plantilla o estructura) y desarrollo en el tiempo. La forma musical (especialmente en la música antigua y religiosa) es prácticamente inseparable... Wikipedia
Las formas cíclicas son aquellas que constan de varias partes, generalmente independientes en temática y formativa, separadas por pausas no reguladas que interrumpen el flujo del tiempo musical (línea de doble compás con una línea derecha “gruesa”). Todas las formas cíclicas encarnan contenidos más diversos y multifacéticos, unidos por un concepto artístico.
Algunas formas cíclicas en su forma más general encarnan un concepto de cosmovisión; la masa, por ejemplo, es teocéntrica y, más tarde, el ciclo sonata-sinfónico es antropocéntrico.
El principio fundamental de la organización de las formas cíclicas es el CONTRASTE, CUYA EXPRESIÓN ES HISTÓRICAMENTE VARIABLE Y AFECTA A LOS DISTINTOS MEDIOS DE EXPRESIÓN MUSICAL.
Las formas cíclicas se generalizaron en la época barroca (finales del siglo XVI - primera mitad del siglo XVIII). Son muy diversos: ciclos de dos partes con fuga, concerti grossi, conciertos para instrumento solista y orquesta, suites, partitas, sonatas solistas y para conjunto.
Las raíces de muchas formas cíclicas se encuentran en dos tipos de oberturas operísticas del siglo XVII, las llamadas francesas (Lully) e italianas (A. Stradella, A. Scarlatti), que utilizaban contrastes de tempo estandarizados. En la obertura francesa, la más significativa fue la relación entre la primera sección lenta (de carácter solemne y patético) y la segunda polifónica rápida (generalmente fuga), que a veces termina con un Adagio corto (a veces basado en el material de la primera sección). ). Este tipo de relación de tempo, cuando se repite, se vuelve bastante típico de las sonatas en conjunto y Concerti grossi, que generalmente constan de 4 movimientos. En los concerti grossi de Corelli, Vivaldi y Handel, la función de la introducción se expresa con bastante claridad en los primeros movimientos. Se desarrolla no sólo por el tempo lento y la duración relativamente corta, sino también por la apertura armónica que a veces se produce.
Destacan los 6 Conciertos de Brandeburgo de J.S. Bach (1721), en el que todos los primeros movimientos no sólo están escritos a un ritmo rápido, sino que son los más desarrollados, extendidos, determinando el desarrollo posterior de los ciclos. Esta función de los primeros movimientos (con diferencias en la formación interna) anticipa la función del primer movimiento en el ciclo sonata-sinfónico posterior.
La influencia de este tipo de relaciones de tempo es algo menos notoria en las suites y partitas cercanas a ellas. En la proporción de los bailes "obligatorios" hay un contraste tempo-rítmico que se repite y se intensifica: un allemande de dos tiempos moderadamente lento es reemplazado por un repique de tres tiempos moderadamente rápido, una zarabanda muy lenta de tres tiempos es reemplazada por un muy giga rápida (generalmente en compases de seis y doce tiempos, combinando dos y tres tiempos). Estos ciclos, sin embargo, son bastante libres en el número de piezas. A menudo hay movimientos introductorios (preludio, preludio y fuga, fantasía, sinfonía), y entre la zarabanda y la giga estaban los llamados "insertados", más danza moderna(gavota, minueto, bourre, rigaudon, señuelo, musette) y arias. A menudo había dos bailes insertados (especialmente típicos de minuetos y gavotas), al final del segundo había una instrucción para repetir el primero. Bach mantuvo todos los bailes "obligatorios" en sus suites, otros compositores los trataron con mayor libertad, incluidos sólo uno o dos de ellos.
En las partitas, donde a menudo se conservan todos los bailes "obligatorios", la gama de géneros de los números insertados es mucho más amplia, por ejemplo, rondó, capriccio, burlesco.
En principio, en una suite (fila) los bailes son iguales, no hay diversidad funcional. Sin embargo, algunas características están empezando a emerger. Así, la zarabanda se convierte en el centro lírico de la suite. Es muy diferente del prototipo cotidiano sobrio, áspero, pesado y solemne con su sublime ternura, sofisticación, gracia texturizada y sonido en el registro medio-agudo. A menudo son las zarabandas las que tienen dobles ornamentales, lo que realza su función como centro lírico. En el jig (el más “común” en origen: la danza de los marineros ingleses), el más rápido en tempo, gracias a su energía, carácter masivo y polifonía activa, se forma la función del final.
Las relaciones de tempo de la OBERTURA ITALIANA, que incluía tres secciones (extrema - rápida, polifónica, media - lenta, melodiosa), se transforman en ciclos de conciertos de tres partes para un instrumento solista (con menos frecuencia, para dos o tres solistas) con una orquesta. . A pesar de los cambios de forma, el ciclo de conciertos de tres partes se mantuvo estable en su forma general desde el siglo XVII hasta la época romántica. El carácter activo y competitivo de los primeros movimientos es sin duda muy cercano a la sonata allegro clásica.
Un lugar especial lo ocupan los ciclos de dos partes con fuga, donde el contraste fundamental está en diferentes tipos. pensamiento musical: más libre, improvisacional, a veces más homofónico en los primeros movimientos (preludio, toccata, fantasías) y organizado de forma más estrictamente lógica en las fugas. Las relaciones de tempo son muy diversas y desafían la tipificación.
La formación del ciclo sonata-sinfónico estuvo significativamente influenciada por las primeras partes de los conciertos para instrumento solista y orquesta (futuras sonatas sinfónicas de Allegri), zarabandas líricas de suites (prototipos de Andanti sinfónico), conciertos activos y enérgicos (prototipo de finales). En cierta medida, las sinfonías también revelan la influencia de los Concerti grossi con sus lentos movimientos iniciales. Muchas sinfonías de los clásicos vieneses comienzan con introducciones lentas de diferente duración (especialmente Haydn). La influencia de las suites también se hace evidente en la presencia de un minueto antes del final. Pero el concepto sustantivo y la definición funcional de las partes del ciclo sonata-sinfónico son diferentes. El contenido de la suite, que fue definida como DIVERSIDAD DE LA UNIDAD, en el ciclo sonata-sinfónico se puede formular como UNIDAD DE LA DIVERSIDAD. Las partes del ciclo sonata-sinfónico están coordinadas funcionalmente de manera mucho más rígida. El género y los roles semánticos de las partes reflejan las principales facetas de la existencia humana: acción (Homo agens), contemplación, reflexión ( Homo sapiens), descanso, juego (Homo ludens), hombre en sociedad (Homo communis).
El ciclo sinfónico tiene un perfil de tempo cerrado basado en el principio de SALTO CON LLENADO. La oposición semántica entre los Allegri de los primeros movimientos y los Andanti se enfatiza no sólo por la marcada relación de tempo, sino también, por regla general, por el contraste tonal.
Los ciclos sinfónicos y de cámara anteriores a Beethoven eran marcadamente diferentes entre sí. Debido a sus medios interpretativos (orquesta), la sinfonía siempre asumió una especie de “publicidad” similar a una representación teatral. Las obras de cámara se distinguen por una mayor variedad y libertad, lo que las acerca a los géneros literarios narrativos (condicionalmente, por supuesto), a una mayor “intimidad” y lirismo personal. Los cuartetos son los más cercanos a una sinfonía; otros conjuntos (tríos, quintetos de diferentes composiciones) no son tan numerosos y, a menudo, más cercanos a una suite más libre, así como los divertimentos, serenatas y otros géneros de música orquestal.
Las sonatas para piano y conjunto suelen tener 2 o 3 movimientos. En los primeros movimientos, la forma sonata es la más común (siempre en las sinfonías), pero también se encuentran otras formas (complejas de tres partes, variaciones, rondó en Haydn y Mozart, variaciones en Beethoven, por ejemplo).
Las secciones principales de los primeros movimientos de las sinfonías están siempre en tempo Allegro. En las sonatas de cámara, la designación de tempo Allegro también es bastante común, pero también se encuentran designaciones de tempo más pausadas. En las sonatas solistas y de cámara, no es raro combinar roles de género funcional dentro de un movimiento (lírica y danza, danza y final, por ejemplo). En términos de contenido, estos ciclos son más diversos; se convierten, por así decirlo, en un “laboratorio” para su posterior desarrollo. Por ejemplo, el género scherzo aparece por primera vez en las sonatas para piano de Haydn. Más tarde, el scherzo se convertirá en una parte de pleno derecho del ciclo sonata-sinfónico, casi reemplazando al minueto. El scherzo encarna el elemento semántico más amplio del juego (desde el juego cotidiano hasta el juego de fuerzas cósmicas, como en la Novena Sinfonía de Beethoven, por ejemplo). Si Haydn y Mozart no tienen sonatas de cuatro movimientos, entonces las primeras sonatas para piano de Beethoven utilizan relaciones de tempo y género típicas de las sinfonías.
En el desarrollo histórico posterior del ciclo sonata-sinfónico (comenzando con Beethoven), se produce una "ramificación" (con "raíces comunes") en una rama "tradicional", que actualiza el contenido desde adentro y es más radical, "innovadora". ”. En el "tradicional", se refuerzan las imágenes líricas y épicas, a menudo se introducen detalles de género (romance, vals, elegía, etc.), pero se conserva el número tradicional de partes y roles semánticos. Debido al nuevo contenido (lírico, épico), las primeras partes pierden su ritmo vertiginoso, manteniendo la intensidad del desarrollo procesal y el significado de la parte que determina todo el ciclo. Por lo tanto, el scherzo pasa a ser la segunda parte, desplazando el contraste general hacia el interior del ciclo, entre la parte lenta (la más personal) y el final rápido de la misa, lo que da mayor aspiración al desarrollo del ciclo (la relación entre el minueto y el El final, a menudo también parecido a una danza, es más unidimensional, reduciendo la atención de los oyentes).
En las sinfonías clásicas, los primeros movimientos son los más típicos en términos de forma (la forma sonata y sus variedades; la mayor variedad de formas de los primeros movimientos de las sonatas de cámara se mencionó anteriormente). En los minuetos y scherzos predomina decisivamente (por supuesto, no sin excepciones) la compleja forma tripartita. Los movimientos más lentos (formas simples y complejas, variaciones, rondó, sonata en todas las variedades) y finales (sonata con variaciones, variaciones, rondó, sonata rondó, a veces complejos de tres movimientos) se distinguen por la mayor variedad de formación.
En la música francesa del siglo XIX, se desarrolló un tipo de sinfonía de tres movimientos, donde los segundos movimientos combinan las funciones de lento (secciones exteriores) y danza-scherzo (medio). Así son las sinfonías de David, Lalo, Franck, Bizet.
En la rama “innovadora” (una vez más es necesario recordar los puntos comunes de las “raíces”) los cambios son aparentemente más notorios. A menudo ocurren bajo la influencia de la programación (La Sexta Sinfonía de Beethoven, "Fantástica", "Harold en Italia", la Sinfonía "De luto y triunfal" de Berlioz), composiciones e ideas interpretativas inusuales (La Novena Sinfonía de Beethoven, la Segunda, Tercera y Cuarta Sinfonías de Mahler) . Puede haber una "duplicación" de partes, en fila o simétricamente (algunas sinfonías de Mahler, la Tercera Sinfonía de Tchaikovsky, la Segunda Sinfonía de Scriabin, algunas sinfonías de Shostakovich), una síntesis de diferentes géneros (cantata sinfónica, sinfonía de concierto).
A mediados del siglo XIX, el ciclo sonata-sinfónico adquirió el significado de género más conceptual, provocando reverencia por sí mismo, lo que conduce a una cierta disminución cuantitativa de los ciclos sonata-sinfónicos. Pero hay otra razón asociada a la estética romántica, que buscaba captar la singularidad de cada momento. Sin embargo, la versatilidad del ser sólo puede encarnarse mediante una forma cíclica. Esta función la cumple con éxito la nueva suite, caracterizada por una extraordinaria flexibilidad y libertad (pero no anarquía), capturando los contrastes en toda la diversidad de sus manifestaciones. Muy a menudo, las suites se crean a partir de música de otros géneros (para representaciones dramáticas, ópera y ballet, y más tarde a partir de música para películas). Las nuevas suites son diversas en términos de composiciones interpretativas (orquestal, solista, conjunto) y pueden ser programáticas o no programáticas. La nueva suite se generalizó en la música de los siglos XIX y XX. La palabra “suite” no puede utilizarse en el título (“Mariposas”, “Carnaval”, Kreisleriana, Piezas fantásticas, Carnaval de Viena, Álbum para la juventud y otras obras de Schumann, Las estaciones de Tchaikovsky, Cuadros de una exposición de Mussorgsky). Muchas obras de miniaturas (preludios, mazurcas, nocturnos, estudios) son esencialmente similares a la nueva suite.
La nueva suite gravita hacia dos polos: un ciclo de miniaturas y una sinfonía (ambas suites de Grieg, desde la música hasta el drama de Ibsen Peer Gynt, Scheherazade y Antar de Rimsky-Korsakov, por ejemplo).
Cercanos en organización a la nueva suite están los ciclos vocales, tanto de “trama” (“La bella esposa del molinero” de Schubert, “El amor y la vida de una mujer” de Schumann) como generalizados (“Winter Reise” de Schubert, “ El amor de un poeta” de Schumann), además de ciclos corales y algunas cantatas.
A menudo, en la música barroca, así como en la música clásica y posterior, no siempre es posible determinar el número de partes, ya que la dirección escénica attacca, que ocurre con bastante frecuencia, no interrumpe el flujo del tiempo musical perceptivo. Además, sucede a menudo que la música, independiente en temática y, en gran medida, en forma, está dividida por dos líneas de compás sutiles (Sinfonía de la Partita en do menor de Bach, Sonata para violín y piano en La menor de Mozart /K-402 /, Fantasía en do menor /K -457/, Sonatas para violonchelo y piano de Beethoven op. 69, op. 102 No. 1 y muchas otras obras de diferentes autores), que conduce a la formación de formas individuales (libres). Se les puede llamar compuestos de contraste (término de V.V. Protopopov) o cíclicos continuos.
Se permite la interpretación de partes individuales de obras cíclicas, pero los ciclos en su conjunto están unidos por un CONCEPTO ARTÍSTICO, CUYA EJECUCIÓN SE REALIZA POR MEDIOS MUSICALES.
La unidad se puede manifestar de forma general: a través del tempo, lista figurativa de partes, principios armónicos similares, plan tonal, estructura, organización metro-rítmica, conexiones de entonación en todas las partes y, especialmente, en las extremas. Este tipo de unidad es MUSICAL COMÚN. SE DESARROLLÓ EN LAS FORMAS CÍCLICAS DEL BARROCO y es condición necesaria para la utilidad artística de las formas cíclicas de cualquier época.
Pero la unidad del ciclo se puede lograr de manera más clara y específica: con la ayuda de un extremo a otro. temas musicales, reminiscencias o, mucho menos a menudo, presagios. Este tipo de unidad surgió en el proceso de desarrollo y complejidad de las formas de música instrumental, apareciendo por primera vez en Beethoven (en la Quinta, Novena Sinfonías, algunas sonatas y cuartetos). Por un lado, el principio TEMÁTICO de unidad (discutido en detalle por M.K. Mikhailov en el artículo “Sobre la unificación temática del ciclo sonata-sinfónico” // Cuestiones de teoría y estética de la música: número 2. - M.: S.K. , 1963) surge como “condensación”, concentración de conexiones entonativas; por otro lado, se puede detectar la influencia de la música programática y, en parte, el leitmotiv de la dramaturgia operística;
El principio temático de unidad viola hasta cierto punto una característica de las formas cíclicas como la independencia de la tematicidad de las partes, sin afectar la independencia de la construcción de formas (la transferencia de temas, por regla general, ocurre en secciones no reguladas de las formas, en introducciones y codas, principalmente). En un mayor desarrollo histórico, el principio temático de unidad se convirtió en uno DEDUCTIVO, en el que la formación de partes individuales depende más directamente del concepto general figurativo, de contenido y compositivo del ciclo. El carácter temático de las partes anteriores influye activamente en la formación de las siguientes, participando en sus apartados principales (en el desarrollo, por ejemplo), o provoca una modulación en la forma, transformación del estereotipo.
Literatura básica:
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5. Sokolov O.V. El sistema morfológico de la música y sus géneros artísticos. Nizhni Nóvgorod, 1994.
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Lectura adicional:
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2. Aranovsky M.G. Misiones sinfónicas. L.: compositor soviético, 1979.
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4. Kohoutek Ts. La técnica de composición en la música del siglo XX. M., 1976.
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8. Nazaykinsky E.V. La lógica de la composición musical. M.: Muzyka, 1982.
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13. Holopova V.N. Cuestiones de ritmo en las obras de compositores del siglo XX. M.: Muzyka, 1980.
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16. Tsukkerman V.A. Análisis de obras musicales. Principios generales de conformación. Formas simples. M.: Muzyka, 1980.
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18. Tsukkerman V.A. Análisis de obras musicales. Forma de variación. M.: Muzyka, 1974.
19. Tsukkerman V.A. Análisis de obras musicales. Rondo en su desarrollo histórico. Partes 1, 2. M.: Muzyka, 1988.
Sección 2 Géneros de música coral
Temas 11 -12 CICLOS DE MÚSICA VOCAL Y CORAL
Los compositores suelen combinar obras vocales, corales e instrumentales en ciclos. Recordemos el ciclo instrumental de Camille Saint-Saëns “El carnaval de los animales”. La música de esta obra está llena de humor, contiene voces de animales.
La obra favorita de muchos fanáticos de la obra de K, Saint-Saëns es “El cisne”. EN tema principal Esta obra, interpretada por un violonchelo, representa el elegante movimiento de un cisne sobre el agua.
Un ciclo vocal es un ciclo de romances o canciones unidos por una idea.
Recuerda qué obras del ciclo “El carnaval de los animales” de C. Saint-Saëns escuchaste en clases anteriores. ¿Qué une las obras de este ciclo?
El compositor ruso Modest Petrovich Mussorgsky creó un ciclo vocal insuperable "Infantil", que consta de siete miniaturas musicales para interpretación de uno o dos vocalistas acompañados de piano. El propio compositor escribió los poemas de cada una de estas pequeñas escenas.
Una miniatura es una pequeña pieza musical, normalmente una pieza instrumental.
En la primera obra, titulada “Con la niñera”, un niño convence a su niñera para que le cuente diferentes historias. La peculiaridad de esta obra es que el compositor transmite el atractivo emocional del niño a través del recitativo. En este caso, las sílabas acentuadas de las palabras akh coinciden con el salto melódico. Gracias a estos medios musicales se crea la impresión del habla viva de un niño.
El segundo trabajo del ciclo, "In the Corner", comienza con una nota emocional "alta" de una niñera que está enojada con su mascota Mikhasik. Las octavas continuas son una especie de acompañamiento del vigukuvan: "¡Oh, bromista! ¡Desenrollé la pelota y perdí las varillas! ¡Guau! ¡Bajé todas las bisagras! ¡La media está toda salpicada de tinta! 3 ángulos para escuchar la conmovedora respuesta del niño, plasmada en entonaciones menores con un final descendente. El bebé le explica a la niñera que fue el gatito el que causó el daño, no él.
Portada de partitura impresa de la serie “Infantil”. Músorgski
El discurso de Mikhas se desarrolla gradualmente: la dinámica cambia, el ritmo se acelera, las entonaciones inciertas de las justificaciones se convierten en los gritos de un niño ofendido. En los últimos cuatro compases, el ritmo de la música se ralentiza un poco: el niño "amenaza" a la niñera con no amarla en el futuro, ya que ella lo insultó.
El ciclo incluyó las obras “Bug”, “With a Doll”, “Bedtime”, “Sailor the Cat”, “On a Stick”. Otros, que el compositor interpretó para sus amigos, no se han conservado en forma musical.
En cada parte, los niños muestran sus rasgos de carácter de diferentes maneras. situaciones de la vida. Para lograrlo, el autor combina armoniosamente letra y música. Gracias a esta interacción, cada una de las obras musicales y poéticas crea la impresión de una obra holística y completa, que tiene derecho a vivir fuera del ciclo.
Modest Mussorgsky, "Con una niñera", "En la esquina" del ciclo vocal "Niños".
¿Cuál fue tu escena vocal favorita? Qué medios musicales¿El compositor revela el mundo de un niño? Presta atención a la expresividad de la melodía vocal y su conexión con el texto. ¿Cuál es el papel del acompañamiento instrumental en la creación de imágenes musicales y poéticas?
RETRATO DE UN COMPOSITOR
El modesto Petrovich Mussorgsky:
“Si la expresión sonora del pensamiento y sentimiento humanos en palabras simples se refleja fielmente en mi música, y dicha reproducción es musicalmente artística, ¡entonces todo está en orden!”
Modest Petrovich Mussorgsky (1839-1881) - autor y compositor innovador ruso obras maestras de la ópera“Boris Godunov” y “Khovanshchina”, cuya música tiene profundas raíces nacionales. También es autor de obras instrumentales orquestales y de cámara, romances, en cuya creación se basó arte popular. Las obras del artista se distinguen por la profundidad, el dramatismo y la veracidad de las imágenes.
Nacido en el pueblo. Karevo, provincia de Pskov. Estudió y trabajó en San Petersburgo, sirvió en el ejército. El compositor no recibió una educación musical profesional y comenzó a crear música como aficionado (aficionado).
Sin embargo, posteriormente decidió dedicar su vida al arte, abandonando el servicio.
Comenzó su activo trabajo creativo en las filas del famoso círculo nacional-patriótico de compositores rusos "The Mighty Handful". La necesidad material, sin embargo, le obligó a volver a trabajar como funcionario en diversas instituciones, lo que le distrajo de la creatividad.
En 1879, junto con la cantante de ópera Daria Leonova, realizó una gira de conciertos por ciudades de Ucrania. Los motivos ucranianos se reflejan en su ópera inacabada "Feria Sorochinskaya" basada en obra del mismo nombre Nicolás Gógol.
Monumento a N. Mussorgsky cerca escuela de musica en Krivoy Rog (Ucrania)
1. ¿Qué obras se combinan en ciclos musicales? ¿Cuál es la base del ciclo vocal?
2. Dar ejemplos de musicales en la obra: instrumental, vocal, escrito en forma de ciclo.
Proyecto musical. Ingresa a la sección de la biblioteca escolar “Música para Niños”. Seleccione imágenes sobre niños que puedan servir como ilustraciones de epígrafe para cada ciclo de su biblioteca de música. Asignación a voluntad. Crea un ciclo de varias canciones famosas sobre un tema específico, dale un nombre. Pensar en la construcción del ciclo vocal, el desarrollo de la música según la trama elegida de la obra y el contenido de las canciones circundantes.
EN ciclos musicales pertenecen a colecciones de canciones u obras de teatro, las crearon según un tema específico o concluyeron con los autores de fragmentos de sus propias óperas, ballets, sinfonías.
Uno de los temas más queridos, que siempre ha inspirado a los compositores a crear música “mágica”, es la festividad de Navidad. Así, el ciclo de piano de miniaturas con melodía de villancicos, común en la vida cotidiana de los ucranianos, pertenece a la obra de Vasily Barvinsky.
Tampoco se quedaron al margen los artistas extranjeros, muchos de los cuales regalaron a los oyentes momentos alegres de música navideña. Por ejemplo, el compositor británico Benjamin Britten creó un ciclo coral de villancicos que se pueden escuchar durante las vacaciones de Navidad en salas de conciertos diferentes países.
Estoy en el mundo de la música: percibo, entiendo
Benjamin Britten, “Wreath of Carols” o “Wreath of Christmas Carols” para coro, solistas agudos y arpa (No. 2, 5, 10).
Describir el estado de ánimo general del trabajo y del individuo. miniaturas corales. ¿Qué colores tímbricos trae el sonido de un arpa?
RETRATO DE UN COMPOSITOR
Benjamín Britten:
“No desistas la primera vez que escuches una pieza nueva y no la entiendas... Recuerda que la música no es entretenimiento, aunque para eso sirve la música ligera”.
Benjamin Britten (1913-1976): pianista y director de orquesta británico, uno de los más grandes compositores del siglo XX, cuya obra representa casi todos los géneros musicales.
Nacido en Suffolk, en la familia de un médico. Cuando era niño, descubrió sus habilidades musicales y comenzó a estudiar música bajo la guía de su madre, una pianista aficionada y participante activa en el coro local. Las primeras pequeñas obras de teatro inspiradas en impresiones. vida familiar, apareció temprano, a la edad de 8 años. A los 12 años, Benjamin escribió una “Sinfonía simple” para orquesta de cuerdas y a los 16 ingresó en la Royal universidad de musica(conservatorio). Durante sus estudios, escribió numerosas obras corales, sinfónicas y de cámara, incluidas varias canciones infantiles. Desde entonces, el autor ha recurrido constantemente a la música para niños.
El joven compositor consiguió su primer trabajo en una compañía cinematográfica. documentales, donde había un pequeño conjunto instrumental. Gracias a su trabajo en el cine, Britten aprendió a escribir música rápidamente, incluso cuando no había inspiración, y para temas diversos, a menudo nada poéticos (por ejemplo, sobre la descarga de un barco).
En 1939, cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Britten partió hacia Estados Unidos. Como respuesta a los trágicos acontecimientos ocurridos en Europa, surgió la cantata "Balada de los Héroes", dedicada a la lucha contra el fascismo en España. Tres años más tarde, el compositor regresó a su tierra natal y se instaló en la localidad costera de Aldbour. Allí vieron el mundo varias óperas, en particular “Peter Grimes”.
El artista también escribió numerosas obras musicales para niños y jóvenes. Los propios jóvenes espectadores participan en la representación “Vamos a crear una ópera”.
OH U POLI ARADO MINERAL
Oh, hay un arado en el campo.
Noche generosa, buenas noches,
¡Buena salud a la buena gente!
(Repita después de cada línea).
Allí Vasilko camina con un arado.
Su madre le trae comida.
Ori, hijo, thuyu nivka.
Sí, y sembraremos algo de trigo.
1. Nombra los ciclos vocales-corales que conoces y sus autores.
2. Recuerde y explique cuándo se cantan villancicos y cuándo se interpretan šedrivki durante las vacaciones de Navidad y Año Nuevo.
Proyecto musical. Descubra qué villancicos y schedrivkas son comunes en su zona. Anota los títulos y letras de tus canciones favoritas. Si es posible, grabe melodías. Junto con tus padres o adultos, crea una “Corona de Villancicos y Regalos para Mi Familia” o “Corona Navideña de Canciones de Mi Tierra”.
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¡Atención! Las vistas previas de diapositivas tienen únicamente fines informativos y es posible que no representen todas las características de la presentación. Si estas interesado este trabajo, descargue la versión completa.
Tipo de lección: Una lección sobre el estudio y consolidación primaria de nuevos conocimientos y métodos de actividad (organizando las actividades de los estudiantes en la percepción, comprensión y memorización primaria de nuevos conocimientos y métodos de actividad).
Objetivo didáctico: crear las condiciones para comprender y comprender un bloque de nueva información sobre formas cíclicas de música, aplicándolas en una nueva situación educativa, comprobando el nivel de asimilación del sistema de conocimientos y habilidades,
Objetivos de contenido:
Educativo:
- presentar a los estudiantes ejemplos de formas cíclicas de música utilizando el ejemplo de un concierto instrumental;
- familiarizar a los estudiantes con las características de la forma de un concierto instrumental basado en las características del estilo musical de A. Schnittke;
- desarrollar nuevas habilidades, destrezas y conocimientos sobre la dramaturgia musical de un concierto;
- consolidar conocimientos sobre los conceptos: poliestilística, estilización.
- Introducir a los estudiantes en técnicas de composición que les permitan combinar pasado y presente en una obra musical.
De desarrollo:
- ser capaz de establecer todas las conexiones posibles entre una obra y los fenómenos del arte y la vida (conexiones meta-sujetos: formas cíclicas en la música, collage en las bellas artes modernas);
- A partir de todas estas conexiones, desarrollar propia actitud A este trabajo a través de la encarnación productiva creativa;
- la capacidad de identificar conexiones entre obras del presente y del pasado, características de la música antigua en trabajo moderno;
- Ser capaz de identificar conexiones entre obras. cultura musical, bellas artes y cine;
- desarrollar la capacidad de los niños para distinguir de oído el sonido de un instrumento solista y una orquesta, sus relaciones;
- continuar la formación de la experiencia auditiva en el proceso de familiarización con obras de música instrumental;
Educativo:
- cultivar el amor y el respeto por la herencia musical de los compositores rusos y las tradiciones de los italianos y alemanes música clásica;
- alentar a los estudiantes a tratar de manera reflexiva y cuidadosa las tradiciones del pasado, el sabor nacional o histórico;
- desarrollar habilidades comunicativas, practicar el principio de aprendizaje mediante la cooperación (actividad creativa en parejas);
- desarrollar la capacidad de autorrealización y autodeterminación a través de actividades creativas y productivas;
- crear condiciones para involucrar a cada estudiante en actividad proceso cognitivo teniendo en cuenta las cualidades psicológicas y personales de los estudiantes;
- aumentar la motivación para aprender a través de la participación en un solo proceso creativo(trabajando en una tarea creativa).
Métodos: enfoque parcialmente de búsqueda, reproductivo, meta-sujeto.
Información y soporte metodológico: PC, proyector multimedia, pizarra interactiva, material didáctico editado por E. D. Kritskaya.
Software utilizado: Power Point, Internet Explorer, Media Player Classic.
Medios técnicos: grabaciones “Ha pasado la noche” en la letra. R. Rozhdestvensky, música. A. Rybnikova, “Concerto grosso” de A. Schnittke (quinto movimiento, rondó), “Chaconne” de I. Bach, extracto de la película de Richard Viktorov “Jóvenes en el universo”, presentación sobre la forma cíclica y concierto, presentación en vídeo para Canción de Rybnikov, diapositivas con reproducciones de P. Filonov “Head”, I. Levitan “Lake Rus”, Alfred Sisley “Lonely Path”, Niccolo Poussin “Landscape with Two Nymphs”.
Competencias utilizadas: valor-semántica, cultura general, educativa y cognitiva, superación personal, búsqueda.
Tipos y formas de control: corregir las respuestas orales de los estudiantes, observar el proceso creativo trabajando en parejas.
Problema de lección: identificar las contradicciones de la música moderna a través de conexiones entre fenómenos de la vida y fenómenos del arte, así como establecer conexiones entre diferentes épocas históricas.
Resultado previsto:
- ser capaz de percibir de oído y comprender la estructura de formas cíclicas de música;
- la capacidad de comprender las razones de la apelación de los compositores modernos a las formas de la música clásica del pasado a través de la realización de conciertos modernos.
Mayor conocimiento, creatividad:
- la capacidad de encarnar la propia percepción de una obra musical a través de formas plásticas (esculpir, crear una sola imagen holística– collage);
- la capacidad de participar en actuaciones conjuntas, elementos de improvisación y creatividad;
- conocimiento de obras de música, bellas artes y cine fuera del programa indicado.
Razón fundamental.
Esta lección forma parte de la sección del segundo semestre del año “Rasgos de la dramaturgia de la música de cámara y sinfónica”. Aquí, gracias al conocimiento de obras de arte de diferentes estilos y épocas, los adolescentes tienen la oportunidad de entablar un diálogo con sus compañeros y con personas de un pasado lejano (como si visitaran diferentes épocas). Así, los estudiantes tienen la oportunidad de establecer una conexión entre el mundo que los rodea y la aparición de obras que reflejan lo que sucede en este mundo (la naturaleza metasujetaria de los objetos de arte). Esta es también una versión de una lección para salvar la salud, como resultado de la búsqueda de soluciones a problemas a través de la creatividad, la encarnación independiente en imágenes de lo escuchado (escuchar música clásica seria, crear partes de un collage).
Punto organizativo: Los estudiantes ingresan al aula con la música de A. Rybnikov, en la pantalla se muestra el video de presentación número 1 de la canción (inmersión auditiva), las hojas de los álbumes están prefijadas en los escritorios y se colocan cajas de plastilina. Diapositiva número 1.
Estructura y contenido de la lección.
| Parte de la lección, tiempo. | Contenido de la actividad | Notas |
| 1. Parte introductoria. | Comprobar la preparación de los estudiantes para la lección. Diapositiva número 2. |
El vídeo se detiene. Indicamos el tema de la lección, metas y objetivos. |
| 2. Etapa de actualización conocimiento. Parte preparatoria. |
Maestro:"¿Cómo piensas, cómo te imaginas todo el el mundo que nos rodea¿Los autores de la canción que escuchaste al entrar a la oficina? (Recordamos a los niños que los autores de la música son A. Rybnikov y que la letra fue escrita por R. Rozhdestvensky). “¿Cuándo, en qué momento se creó esta canción? ¿Por qué decidiste esto? Expresar la idea principal planteada por los autores.” Los estudiantes determinan que esta canción pudo haber sido creada en el siglo XX, en tiempos de paz, ya que los autores parten de la idea del mundo como un todo armonioso y armonioso (esto se desprende de las palabras “Tomaré esto gran mundo |
”, cuando una persona soñaba con volar al espacio, con explorar el espacio estelar. |
| La historia del profesor va acompañada de una presentación de diapositivas. Maestro comenta: “La realización de la película en 1975, el momento en que el hombre fue al espacio por primera vez. Diapositiva n.° 3. De ahí el carácter de la canción - melodioso - estado de ánimo lírico, rasgos de carácter ruso - romance, ensoñación, capacidad para superar dificultades, escrito en forma de vals (orientación romántica). La primera persona que dio un paso hacia el espacio fue el cosmonauta soviético Alexei Leonov. Diapositiva número 4. No sólo sintió lo pequeño que es nuestro planeta, sino que también se dio cuenta de la responsabilidad de cada persona por el destino del mundo. |
Miremos de nuevo nuestro planeta, pero sólo a través de los ojos de artistas de diferentes épocas”.<Приложения №1> | |
| “Ha pasado la noche” (secuencia de vídeo de la película Secuencia de vídeo nº 2 de).¿Qué imagen elegirías para esta canción? ¿Por qué? Diapositivas No. 5,6,7. Estudiantes: “Esta elección se hizo porque el hombre y el mundo están en armonía, unidad integral”. Alfred Schnittke Diapositiva No. 12. (1934 - 1998) vivió en este mundo contradictorio, y cuando quiso transmitir la idea de la relación entre el mundo y el hombre (el hombre es de voluntad fuerte, decidido, el mundo es Malvado, hostil, todavía recurre a la forma Concerto grosso (siglo XVII-XVIII). Conocemos los conciertos instrumentales de Antonio Vivaldi n.º 6.<Приложения №1> Por qué compositor contemporáneo direcciones así genero antiguo?” Estudiantes: “El compositor quiere plasmar la confesión de un hombre de los tiempos modernos, que ha absorbido la experiencia de siglos, el hombre es parte del mundo y de la cultura humana, no se pueden separar entre sí, están unidos, aunque se contradicen. entre sí." |
Mostramos diapositivas con reproducciones de P. Filonov “Head”, I. Levitan “Lake Rus”, Alfred Sisley “Lonely Path”, Niccolo Poussin “Landscape with Two Nymphs”. Los estudiantes eligen “Lake Rus” o “Lonely Path” de Sisley, ya que son similares en carácter, estado de ánimo y técnica de interpretación. | |
| Maestro:"Tienes razón. Pero resulta que la música también tiene formas en las que las partes individuales forman una pieza más grande. Forman parte del plan único del compositor y no pueden separarse unos de otros. Recordemos juntos esos trabajos. Estos son: sonata, sinfonía, suite, concierto”. Y no es coincidencia lenguaje musical El concierto de Schnittke se hace eco de la melodía de “Chacona” de J. Bach. Contiene la voz de un violín, como la voz de una persona, con todas sus búsquedas, dudas y aspiraciones. O pregunta, luego llama, luego razona... Diapositiva No. 14.<Приложения №1> |
Escuchemos un extracto de una obra del gran compositor alemán. #4 de |
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| Maestro: Diapositiva número 13. “Recordemos cómo se construye el género del Concierto grosso”. Los estudiantes recuerdan: “Se trata de un género musical instrumental basado en la alternancia y oposición del sonido de todo el elenco de intérpretes y un grupo de solistas (concierto italiano, literalmente - acuerdo, del latín concierto - competir). Esta es una forma cíclica de música. FORMAS CÍCLICAS, formas musicales que constan de varias partes relativamente independientes, que juntas revelan un único concepto artístico”. Maestro: “Así es. Estas formas también existen en las bellas artes. Los artistas también intentaron expresar el enfrentamiento entre el mundo y el hombre, pero sólo en color. En el mundo moderno, mucha gente está interesada en crear collages. ¿Sabes qué es esto? |
Después de escuchar, a los estudiantes se les vuelve a ofrecer las imágenes de la diapositiva número 15, y ellos eligen una reproducción en forma de collage, explicando su elección con las contradicciones del nuevo siglo, las contradicciones en la música: la oposición del sonido de un violín solista ( como la voz de una persona) y toda la orquesta (el sonido del mundo entero). Se reproduce un extracto de Rondo 5, parte I. #5 de<Приложения №1> |
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| 3. Escuchar música. Completar una tarea creativa. | Maestro:“Intentemos unir el mundo de la música y el mundo de las bellas artes. Dado que una persona entra en constante interacción con el mundo que le rodea, ahora, mientras escucha la música de Schnittke, se le invita a crear un collage. Dividiréis la lámina en dos partes y, con ayuda del modelado, uno de vosotros encarnará en la primera parte de la lámina. condición humana, y el otro, en la segunda parte de la hoja, transmitirá la actitud del mundo circundante hacia una persona. Diapositiva número 17, 18. La música de Schnittke te dirá cómo terminará el enfrentamiento entre el mundo y el hombre. No olvides que todas tus obras, como partes de un solo mundo, se combinarán en un collage común. Y recuerde que cada color representa el estado de ánimo, los pensamientos y las emociones de una persona” Diapositiva No. 19. Extracto #5 de<Приложения №1> |
Después del discurso introductorio del maestro, los niños se ponen a trabajar. Te recordamos la tabla de clasificación de colores y su correspondencia con el estado de ánimo de una persona.<Приложение 2>. |
| 4. Analizar una pieza musical. | La historia del profesor va acompañada de una presentación de diapositivas. pide terminar trabajo creativo, fírmelo en pequeñas hojas de papel que se encuentran sobre el escritorio. Los chicos expresan la idea de su trabajo por escrito y responden preguntas. Diapositiva número 20. Observamos la peculiaridad de la música de Schnittke: la combinación de pasado y presente (polistilística). La forma antigua del Concerto grosso ayuda al compositor a transmitir la relación entre el mundo moderno y el hombre, que cambian rápidamente. (contradicción y, al mismo tiempo, unidad). Todo esto era típico y Para, época barroca durante el cual surge la forma de concierto. En un concierto, la relación entre el solista y la orquesta está subordinada a un orden superior, a una idea única. |
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| Repetimos lo que son las formas cíclicas en la música, hacemos analogías en las artes visuales (collage), en el cine (el principio del montaje cinematográfico, frecuentes cambios de fotogramas en un vídeo). | 5. Etapa final. En pocas palabras. Estudiantes Compare las imágenes artísticas de su trabajo con la música de Schnittke y Bach. Conclusión: en nuestro tiempo surgen nuevas oportunidades para encarnar los temas de la guerra y la paz, la vida y la muerte, el amor y el odio. Atracción en una pieza musical. varios estilos |
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| 6. Evaluación del trabajo de los estudiantes. | Se evalúan las respuestas orales y el trabajo creativo, incluida la capacidad de trabajar en parejas. | |
| 7. Asignación de tareas. | Repetir los conceptos de “formas cíclicas”, “Concerto grosso”. "collage". “Barroco”, “polistilística”. Anota tu definición del concepto “concierto instrumental”. Encuentre definiciones en sitios web de arte. Compara tu definición y la definición científica y recuérdala. Diapositiva número 21.<Приложениe №4> |
Si lo desean, los estudiantes pueden realizar una tarea creativa, encarnando en un dibujo la relación entre el hombre y el mundo. Los chicos limpian el lugar de trabajo y salen con la canción "The Night Has Passed" (secuencia de vídeo de la película).<Приложения №1> |
| Secuencia de vídeo #2 de | Reflexión.<Приложение №3> |
Los trabajos individuales de los estudiantes se combinan en un solo collage durante las horas extracurriculares y se crea una obra expositiva con comentarios y anotaciones de los estudiantes.
Consolidamos conocimientos sobre formas cíclicas en música, bellas artes y cine.
Los compositores clásicos son conocidos en todo el mundo. Cada nombre de un genio musical es una individualidad única en la historia de la cultura.
¿Qué es la música clásica?
La música clásica son melodías encantadoras creadas por autores talentosos a quienes con razón se les llama compositores clásicos. Sus obras son únicas y siempre serán solicitadas por intérpretes y oyentes. Clásica, por un lado, se suele llamar música estricta, profundamente significativa, que no está relacionada con los siguientes géneros: rock, jazz, folk, pop, chanson, etc. Por otro lado, en el desarrollo histórico de la música hay un Período de finales del siglo XIII - principios del XX, llamado clasicismo.
Los temas clásicos se distinguen por su entonación sublime, sofisticación, variedad de matices y armonía. Tienen un efecto positivo en la cosmovisión emocional de adultos y niños.
- Etapas de desarrollo de la música clásica. Su breve descripción y principales representantes.
- En la historia del desarrollo de la música clásica se pueden distinguir las siguientes etapas:
- Renacimiento o Renacimiento - principios del XIV - último cuarto del siglo XVI. En España e Inglaterra, el período del Renacimiento se prolongó hasta principios del siglo XVII. Barroco: reemplazó al Renacimiento y duró hasta principios del siglo XVIII. El centro del estilo era España. Clasicismo: un período de desarrollo.
- cultura europea
- desde principios del siglo XVIII hasta principios del XIX.
El romanticismo es una dirección opuesta al clasicismo. Duró hasta mediados del siglo XIX.
Clásicos del siglo XX - era moderna.
2. Barroco: en esta época aparecieron nuevas formas musicales: polifonía, ópera. Fue durante este período que Bach, Handel y Vivaldi crearon sus famosas obras. Las fugas de Bach se construyen de acuerdo con las exigencias del clasicismo: adherencia obligatoria a los cánones.
3. Clasicismo. Compositores clásicos vieneses que crearon sus creaciones inmortales en la era del clasicismo: Haydn, Mozart, Beethoven. Aparece la forma sonata y aumenta la composición de la orquesta. y Haydn se diferencian de las pesadas obras de Bach por la construcción sencilla y la elegancia de las melodías. Seguía siendo un clásico, una lucha por la perfección. Las obras de Beethoven son el punto de contacto entre lo romántico y lo estilos clásicos. En la música de L. van Beethoven hay más sensualidad y ardor que un canon racional. Se destacó lo siguiente géneros importantes, como sinfonía, sonata, suite, ópera. Beethoven dio origen al periodo romántico.
4. Romanticismo. Las obras musicales se caracterizan por el color y el dramatismo. Se están formando varios géneros de canciones, por ejemplo, baladas. Se reconocieron las obras para piano de Liszt y Chopin. Las tradiciones del romanticismo fueron heredadas por Tchaikovsky, Wagner y Schubert.
5. Clásicos del siglo XX: caracterizados por el deseo de los autores de innovar en las melodías; surgió el término aleatoria, el atonalismo. Las obras de Stravinsky, Rachmaninov y Glass se clasifican en formato clásico.
compositores clásicos rusos
Tchaikovski P.I. - compositor ruso, crítico musical, figura pública, profesora, directora de orquesta. Sus composiciones son las más interpretadas. Son sinceros, fácilmente percibidos, reflejan la originalidad poética del alma rusa, pinturas escénicas Naturaleza rusa. El compositor creó 6 ballets, 10 óperas, más de cien romances y 6 sinfonías. El mundialmente famoso ballet "El lago de los cisnes", la ópera "Eugene Onegin", el "Álbum de los niños".
Rajmáninov S.V. - obras compositor destacado emocionales y alegres, y algunos tienen un contenido dramático. Sus géneros son variados: desde pequeñas obras de teatro hasta conciertos y óperas. Obras generalmente reconocidas del autor: óperas " Caballero tacaño", "Aleko" basado en el poema de Pushkin "Gitanos", "Francesca da Rimini" basado en una trama tomada de " divina comedia» Dante, poema “Las Campanas”; suite “Danzas Sinfónicas”; conciertos de piano; vocalizar para voz con acompañamiento de piano.
Borodin A.P. Fue compositor, profesor, químico y médico. La creación más significativa es la ópera "Príncipe Igor" de obra historica"La historia de la campaña de Igor", que el autor escribió durante casi 18 años. Durante su vida, Borodin no tuvo tiempo de terminarla; después de su muerte, la ópera fue completada por A. Glazunov y N. Rimsky-Korsakov. gran compositor es el fundador de cuartetos y sinfonías clásicas en Rusia. La Sinfonía "Bogatyr" es considerada la corona de la sinfonía heroica nacional mundial y rusa. Los cuartetos instrumentales de cámara, Primer y Segundo Cuarteto, fueron reconocidos como destacados. Uno de los primeros en introducir figuras heroicas de la literatura rusa antigua en los romances.
Grandes músicos
Mussorgsky M.P., de quien se puede decir, es un gran compositor realista, un valiente innovador que aborda problemas sociales agudos, un magnífico pianista y un excelente vocalista. lo mas significativo obras musicales son las óperas "Boris Godunov" de trabajo dramático COMO. Pushkin y “Khovanshchina” - drama musical folclórico, principal personaje actoral estas óperas son un pueblo rebelde de diferentes estratos sociales; Ciclo creativo “Cuadros de una exposición”, inspirado en las obras de Hartmann.
Glinka M.I. - famoso compositor ruso, fundador del movimiento clásico en la cultura musical rusa. Completó el procedimiento para crear una escuela de compositores rusos, basada en el valor de la música popular y profesional. Las obras del maestro están imbuidas del amor a la Patria y reflejan la orientación ideológica del pueblo de esa era historica. Mundialmente famoso drama popular"Ivan Susanin" y el cuento de ópera "Ruslan y Lyudmila" se convirtieron en nuevas tendencias en la ópera rusa. Las obras sinfónicas "Kamarinskaya" y "Obertura española" de Glinka son la base del sinfonismo ruso.
Rimsky-Korsakov N.A. es un talentoso compositor, oficial naval, profesor y publicista ruso. En su obra se pueden rastrear dos corrientes: la histórica (“ La novia del zar", "Pskovita") y cuentos de hadas ("Sadko", "Snow Maiden", suite "Scheherazade"). Un rasgo distintivo de las obras del compositor: originalidad basada en valores clásicos, homofonía en la estructura armónica de las primeras obras. Sus composiciones tienen el estilo del autor: soluciones orquestales originales con partituras vocales inusualmente construidas, que son las principales.
Los compositores clásicos rusos intentaron reflejar en sus obras el pensamiento cognitivo y el folclore característico de la nación.
cultura europea
Los famosos compositores clásicos Mozart, Haydn y Beethoven vivieron en la capital de la cultura musical de esa época: Viena. Los genios están unidos por una interpretación magistral, excelentes soluciones compositivas y el uso de diferentes estilos musicales: desde melodías folklóricas hasta desarrollos polifónicos de temas musicales. Los grandes clásicos se caracterizan por una actividad mental creativa integral, competencia y claridad en la construcción de formas musicales. En sus obras se unen orgánicamente el intelecto y las emociones, los componentes trágicos y cómicos, la tranquilidad y la prudencia.
Beethoven y Haydn gravitaron hacia las composiciones instrumentales, Mozart logró magistralmente tanto en composiciones operísticas como orquestales. Beethoven fue un creador insuperable obras heroicas Haydn apreció y utilizó con éxito el humor y los géneros populares en su obra, Mozart fue un compositor universal.
Mozart es el creador de la forma instrumental sonata. Beethoven lo mejoró y lo llevó a alturas insuperables. El período se convirtió en un período de apogeo del cuarteto. Haydn, seguido de Beethoven y Mozart, hicieron una contribución significativa al desarrollo de este género.
maestros italianos
Giuseppe Verdi, un destacado músico del siglo XIX, desarrolló la ópera tradicional italiana. Tenía una habilidad impecable. La culminación de su actividad compositiva fueron las obras operísticas "Il Trovatore", "La Traviata", "Othello", "Aida".
Niccolo Paganini: nacido en Niza, una de las personalidades más talentosas musicalmente de los siglos XVIII y XIX. Era un maestro del violín. Compuso caprichos, sonatas, cuartetos para violín, guitarra, viola y violonchelo. Escribió conciertos para violín y orquesta.
Gioachino Rossini: trabajó en el siglo XIX. Autor de música sacra y de cámara, compuso 39 óperas. Las obras destacadas son "El barbero de Sevilla", "Otelo", "Cenicienta", "La urraca ladrona", "Semíramis".
Antonio Vivaldi es uno de los mayores representantes del arte del violín del siglo XVIII. Ganó fama gracias a su más obra famosa- 4 conciertos de violín “Las Estaciones”. Vivió una vida increíblemente fructífera. vida creativa, compuso 90 óperas.
Famosos compositores clásicos italianos dejaron un legado musical eterno. Sus cantatas, sonatas, serenatas, sinfonías, óperas harán las delicias de más de una generación.
Peculiaridades de la percepción de la música por parte de un niño.
Escuchar buena música tiene un efecto positivo en el desarrollo psicoemocional del niño, según los psicólogos infantiles. La buena música introduce arte y formas. gusto estético, los profesores así lo creen.
Muchas creaciones famosas fueron creadas por compositores clásicos para niños, teniendo en cuenta su psicología, percepción y características específicas de la edad, es decir, para escuchar, mientras que otros compusieron varias obras para pequeños intérpretes que eran fácilmente percibidas de oído y técnicamente accesibles para ellos.
“Álbum infantil” de P.I. para pequeños pianistas. Este álbum es una dedicatoria a mi sobrino que amaba la música y era un niño muy talentoso. La colección contiene más de 20 obras, algunas de ellas basadas en material folclórico: motivos napolitanos, danzas rusas, melodías tirolesas y francesas. Colección “Canciones infantiles” de P.I. diseñado para la percepción auditiva de los niños. Canciones de humor optimista sobre la primavera, los pájaros, un jardín floreciente (“Mi jardín”), sobre la compasión por Cristo y Dios (“Cristo tenía un jardín cuando era niño”).
clásicos infantiles
Muchos compositores clásicos trabajaron para niños, cuya lista de obras es muy diversa.
Prokófiev S.S. "Pedro y el lobo" - cuento sinfónico para niños. Gracias a este cuento de hadas, los niños se familiarizan con instrumentos musicales orquesta sinfónica. El texto del cuento fue escrito por el propio Prokofiev.
Schumann R. “Escenas infantiles” son cuentos musicales breves de trama sencilla, escritos para intérpretes adultos, recuerdos de la infancia.
Ciclo de piano de Debussy "El rincón de los niños".
Ravel M. “Madre Ganso” basada en los cuentos de hadas de C. Perrault.
Bartok B. "Primeros pasos en el piano".
Ciclos para niños Gavrilova S. “Para los más pequeños”; "Héroes de los cuentos de hadas"; "Chicos sobre animales".
Shostakovich D. “Álbum de piezas para piano para niños”.
Bakh I.S. "El libro de música de Anna Magdalena Bach". Mientras enseñaba música a sus hijos, creó piezas y ejercicios especiales para que desarrollaran habilidades técnicas.
Haydn J. es el progenitor de la sinfonía clásica. Creó una sinfonía especial llamada "Niños". Los instrumentos utilizados: un ruiseñor de arcilla, un sonajero, un cuco, le dan un sonido inusual, infantil y juguetón.
A Saint-Saëns K. se le ocurrió una fantasía para orquesta y dos pianos llamada “El carnaval de los animales”, en la que transmitió magistralmente el cloqueo de las gallinas, el rugido del león, la complacencia del elefante y su manera de moverse, y el cisne conmovedoramente elegante a través de medios musicales.
Al componer composiciones para niños y jóvenes, los grandes compositores clásicos se preocuparon por las interesantes tramas de la obra, la accesibilidad del material propuesto, teniendo en cuenta la edad del intérprete o del oyente.