El Museo de Arquitectura acoge la exposición “Diseño soviético. Del constructivismo al modernismo." Muestra muebles raros y arte decorativo del siglo pasado. La creadora de la exposición y directora de la galería Heritage, Kristina Krasnyanskaya, habló con VD sobre la correcta recolección de objetos soviéticos, las tendencias del mercado del arte actual y la necesidad de un Museo del Diseño en Moscú.
Kristina Krasnianskaya. Fuente: promoción
Obras maestras del diseño soviético
Nuestra exposición se diferencia de numerosas exposiciones en los temas historia soviética y la vida cotidiana. No se trata de la vida cotidiana, se trata de arte. En las salas se exponen objetos originales, muy raros y únicos. personaje principal, por supuesto, muebles. Pero paralelamente también se presentan porcelanas, barnices y textiles de esta época.
El diseño soviético actual ciertamente merece un museo y es digno de convertirse en una pieza de colección. Por supuesto, cuando se venden cuadros impresionistas u obras maestras rusas en una subasta de Sotheby's, todo el mundo habla de ello, nuestros medios escriben sobre ello. Cuando se realizan subastas de diseño, hay mucha menos información y resonancia. Mientras tanto, tanto los precios como las obras maestras encontradas en estas subastas no son inferiores al nivel.
Pabellón de la URSS en exposición internacional 1939 en Nueva York. . Fuente: fondo Museo Estatal arquitectura que lleva el nombre de A.V. Shchuseva
Épocas y estilos
Intentamos constantemente cambiar la actitud predominante hacia el diseño soviético como algo que conlleva energía negativa. Por supuesto que fue un momento dramático. Pero quien empieza a coleccionar se involucra, ve los matices, nota cómo el tiempo ha cambiado el estilo de vida. Por ejemplo, la era posterior a la muerte de Stalin es la “era del deshielo”, la época de la era Jruschov, los nuevos estándares. Aparecieron viviendas de pequeñas dimensiones, para las que hubo que adaptar el mobiliario. Ver este cambio de forma es increíblemente interesante.
exposición “Diseño soviético. Del constructivismo al modernismo." Fuente: promoción
Lujo estalinista
Probablemente la sección más espectacular de la exposición sea el estilo estalinista del Imperio Soviético. Mostramos objetos raros del Teatro del Ejército Soviético y un jarrón experimental del taller de Mukhina de los años 40, dibujos de jarrones de Boris Smirnov (el diseñador favorito de Stalin)…
exposición “Diseño soviético. Del constructivismo al modernismo." Fuente: promoción
E incluso en este mundo pretencioso e imperial ocurrieron incidentes sorprendentes. Tomemos, por ejemplo, el impresionante panel de Isidore Frikh-Hare, construido según el principio del icono de todos los santos. Una vez tuvimos su escultura de un metro y medio de trabajadores rusos y europeos besándose apasionadamente bajo una pancarta roja con la inscripción “¡Trabajadores de todos los países, uníos!” Recuerde, todo el mundo estaba indignado por la representación de policías besándose, realizada a principios de la década de 2000, ¡y aquí estamos en 1937!
Pabellón de la URSS en la Exposición Mundial de 1958 en Bruselas. Fuente: fondo del Museo Estatal de Arquitectura que lleva el nombre de A.V. Shchuseva
¿Quién necesita cosas de los edificios de Khrushchev?
Siempre hay un elemento de memoria personal al coleccionar cosas. Tomemos, por ejemplo, los muebles de los años 60, que atraen a mi generación de 30 años. Pero a mis padres no les agrada nada. Tuvieron que vivir con ella no en mejores condiciones. Pero para el conocedor o el coleccionista serio, además de la nostalgia y los recuerdos, también existen tendencias en el mercado del arte. Las personas que están, como dicen, en la tendencia saben que los años 60 están ahora en la cresta de una ola. Nos pasó lo mismo, solo que se olvidaron muchas cosas. Afortunadamente, Yuri Vasilyevich Sluchevsky, uno de los principales diseñadores de aquella época, sigue vivo.
exposición “Diseño soviético. Del constructivismo al modernismo."
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Hace un par de meses estuve en un evento dedicado a la inauguración de la exposición del famoso artista de la diáspora rusa Georgy Artemov en Heritage. Todo el Moscú bohemio y gente influyente capiteles reunidos en esta galería. Nos recibió el dueño de la galería, cuyo nombre es ampliamente conocido en los círculos empresariales y de la moda, hermosa chica con una sonrisa encantadora, Kristina Krasnyanskaya. Esa misma noche tuve la idea de grabar una entrevista con Christina, hablar con ella sobre su galería, lo difícil que es lograr una vocación y, por supuesto, sobre el trabajo de los artistas rusos.
: Cristina, me alegro de verte. Todo el mundo conoce la traducción del nombre de la galería "Heritage", que significa "Patrimonio". Sé que la galería sólo acoge exposiciones de artistas rusos, ¿a qué se debe esta elección?
Kristina Krasnyanskaya: Porque la galería tiene un concepto oficial. La cuestión es que trabajamos con artistas de la diáspora rusa, con aquellos que emigraron durante la revolución o antes de ella. Por supuesto, su creatividad es nuestra herencia. Desafortunadamente, se perdió antes de cierto período. La tarea de nuestra galería es restaurar esto, mostrando al mundo que se trata de artistas rusos. Por ejemplo, hasta 1985, Marc Chagall firmó en todas las galerías como artista francés. En ese momento se olvidó que venía de Rusia. Hoy en día, los artículos de Chagall de la época rusa se valoran mucho más en el mercado que los de Francia. el vivio larga vida artista famoso, de casi 100 años, y trabajó hasta el final de sus días. Siempre vale la pena recordar que nuestro "Patrimonio" ruso es una lista enorme de nombres famosos como Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Konstantin Korovin, Boris Grigoriev y menos. artistas famosos: Georgy Artemov, Boris Anisfeld, Andre Lanskoy, Serge Polyakov, Georgy Pozhedaev, Leopold Survage, Serge Charchoun y muchos otros, que hace relativamente poco tiempo se convirtieron en un descubrimiento para los coleccionistas. En general, existe un concepto del arte del mercado étnico. Este grupo de artistas va más allá. Sin embargo, es un hecho ampliamente conocido que los rusos intentan comprar arte ruso, escandinavos - escandinavos, estadounidenses - estadounidenses, etc.
: ¿Cuál es la razón de esto?
Kristina Krasnyanskaya: El deseo de que las obras de artistas que personifican la nación, un arte familiar desde la infancia, se vean más de una vez en museos nacionales. Aquí también interviene una especie de patriotismo. Cada coleccionista suele empezar a comprar lo que pertenece a su patrimonio. país de origen. Los artistas que trata la galería son interesantes porque tienen una escuela rusa, raíces rusas, pero al mismo tiempo están representados en las colecciones de museos de todo el mundo. Estos nombres se encuentran en las colecciones no solo de coleccionistas rusos, sino también occidentales. Se trata de artistas rusos de fama mundial. Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Naum Gabo, Alexei Jawlensky se venden desde hace mucho tiempo en subastas impresionistas y en ningún lugar del mundo nadie los posiciona como artistas rusos. Por lo tanto, para la galería era importante, en primer lugar, devolver nuestro patrimonio a Rusia. En segundo lugar, no debemos olvidar que estos artistas también son parte integral del patrimonio mundial. Por eso, sus obras también son una muy buena inversión para los coleccionistas. Tomemos, por ejemplo, la exposición de Artemov que se celebra actualmente en Heritage. Conocí sus obras por primera vez en una galería francesa. Cuando vi su panel de madera expuesto allí, quedé encantado. Habiendo conocido su precio, pensé que el precio mencionado estaba destinado a compradores rusos, pero me equivoqué. Los paneles los compraron los franceses y a un precio muy elevado. Corto plazo. Si miras la historia del trabajo de Georgy Artemov, puedes ver que trabajó mucho para clientes franceses, como Andre Lanskoy. La galería francesa la Carré dio fama a Lansky junto con artistas como artistas famosos, como Fernand Léger y Raoul Dufy.
: A la hora de elegir colecciones, ¿usted, como profesional, se basa en su gusto?
Kristina Krasnyanskaya: Sí. No tengo un director de arte, así que cumplo ese rol. Mi sueño es que todo funcione por sí solo, sin mi participación constante. Pero, lamentablemente, esto es prácticamente imposible. Por un lado, esto es, por supuesto, maravilloso, pero por el otro, es difícil. Estás en un estado de constante tensión y responsabilidad por tu negocio y las personas que trabajan contigo. Solía pensar que ser dueño de un negocio significaba libertad. Este es un gran error.
: Mientras asistía a sus eventos, noté que sus clientes y amigos escuchan atentamente su opinión. Esto es fantástico porque puedes ayudar a crear la colección adecuada desde todos los ángulos. Desde el punto de vista material, como buena inversión, y desde el lado espiritual-energético. ¿No sientes una especie de orgullo de que te escuchen?
Kristina Krasnyanskaya: Durante todo este tiempo me di cuenta de que el trabajo de un galerista es, en cierto sentido, también el trabajo de un psicólogo. Era diferentes tiempos, Y largo recorrido a lo que tengo ahora. Cuando comencé a vender arte, no mucha gente quería comprarme. Las personas que se dedican seriamente a esto gastan mucho dinero, tienen sus propios asesores y, por supuesto, la cuestión de la confianza en la experiencia y la profesionalidad es muy importante. He comprendido dos postulados para mí: en primer lugar, nunca debo avergonzarme de lo que vendo, una persona no debe decepcionarse y regresar, y en segundo lugar, nunca presiono a la gente, no “empujo” nada, y Incluso aconsejo a mis clientes cuando compran a través de otros marchantes de arte o galerías. Tu honestidad y profesionalismo radica en liderar competentemente a una persona, brindándole buen consejo. Nuestro negocio es muy sutil, porque vender un yate o un buen coche es más fácil que vender arte, ya que el arte no tiene ninguna función utilitaria. En Rusia, la mayoría de los coleccionistas todavía optan por el arte clásico. La situación es mucho más complicada con la abstracción, la pintura no figurativa, y muy difícil con el arte contemporáneo real y conceptual. esto es muy trabajo interesante, porque al contarle y transmitirle información a una persona, se comienza a educarla, a desarrollarla, a cambiar su percepción estética, haciéndola, digamos, más amplia. La “serie observada” es muy importante. Después de todo, si una persona no ve exposiciones, no recibe, junto con lo que vio, nueva información, no se desarrolla. En general, existe un camino de coleccionista estándar: desde paisajes clasicos al arte contemporáneo...
: Esto es cierto, pero la mayoría de la gente, lamentablemente, aborda el arte contemporáneo según el principio "¿Por qué cuesta tanto? Porque yo también puedo hacerlo".
Kristina Krasnyanskaya: Esto suele deberse a falta de información y preparación. Cuando te sumerges gradualmente en un tema, empiezas a comprenderlo mejor. Es realmente simple. Un artista tiene dos herramientas: forma y contenido. Y tocar con estos dos instrumentos y sus variaciones dura 500 años. Por forma entendemos “cómo se hace”: pintura, gráfica, escultura, relieve, contrarrelieve, instalación, etc., hasta la performance y el videoarte. El contenido es el tema, el mensaje del artista a la sociedad. El arte debe dialogar con el espectador. Tomemos, por ejemplo, el expresionismo, parecería que el movimiento se formó como resultado de la Primera Guerra Mundial, cuando prevalecían emociones como el dolor, la decepción y la desesperación. La tarea de los artistas era reflejar esta época, transmitir estas emociones a través del lienzo y no mostrar hermosa foto con un colorido alegre, como los impresionistas. En este punto aparecieron artistas como Egon Schiele y Edvard Munch. Pinturas que son hermosas a su manera, pero que difieren de la visión habitual de la belleza.
: Realmente hay mucho dolor en las pinturas de estos artistas. Siempre que sucede algo malo en mi vida, siempre me viene a la cabeza el cuadro “El grito” de Edvard Munch.
Kristina Krasnyanskaya: Hoy en el arte necesitamos un curador que se convierta en traductor, en explicador de las ideas del artista para el espectador. Aunque, en mi opinión, el arte debería hablar directamente al espectador.
: Estoy de acuerdo con usted. Tomemos, por ejemplo, "El cuadrado negro" de Kazimir Malevich. Sorprendiendo a la audiencia con tal trabajo, abrió el camino a la imaginación y la libertad de pensamiento sobre lo que quería transmitir al espectador.
Kristina Krasnyanskaya: Malevich es un tema completamente diferente. Se trata de la vanguardia rusa, uno de los temas más buscados y, por tanto, falsificados en el mundo del arte. Los artistas que han llegado a la no objetividad dominaron todos los niveles, todos los estilos, todas las direcciones. Malevich, siguiendo este camino, se convirtió esencialmente en el fundador del minimalismo. Restableció el formulario.
: Tu galería ya tiene seis años, ¿sientes que quieres trabajar en esta dirección toda tu vida?
Kristina Krasnyanskaya: Sabes, realmente me gusta lo que estoy haciendo ahora. Quizás cambie la forma en el futuro. esta dirección, de alguna manera desarrollarse, crecer, yendo más allá de la galería. No soy de los que piensan con diez años de antelación. El mundo del arte es multifacético y la galería es uno de ellos. esto es muy negocio caro, pero brinda una oportunidad para muchos proyectos interesantes, creatividad, trabajo curatorial y promoción al mercado internacional, participación en proyectos internacionales. Nos convertimos en la primera y hasta ahora la única galería rusa en exponer en Design Miami Basel. Presentamos otra área en la que me dedico apasionadamente desde hace varios años: el diseño de colecciones. Estábamos tanto en Miami como en Basilea. Traigo artículos de diseño de autores occidentales a Rusia y diseños soviéticos a Basilea. Cuando comencé, todos me decían que nadie lo necesitaba. Tomé muchos riesgos y me preocupaba cómo percibirían nuestro proyecto los coleccionistas de talla mundial y los medios occidentales. Pero todo salió muy bien. Hoy somos amigos de los museos del mundo y tenemos excelentes respuestas en la prensa occidental.
: Al comienzo de su viaje, muchos hablaron del apoyo de sus padres en la creación de la galería. Eres genial y cada año demuestras que eres una profesional en tu campo, y no solo la hija de tus padres. ¿No fue ofensivo que dijeran eso?
Kristina Krasnyanskaya: Siempre entendí que la gente tendría una asociación con mi familia, y esto es un cierto axioma. Estoy muy orgulloso de mi apellido, si tengo que usar mi nombre siempre lo hago. Pero a pesar de todo esto, estoy solo. Por supuesto que tuve capital inicial. Cuando encontré un lugar para una galería y se lo ofrecí a mi padre, me dijo que era una locura. Después de todas las negociaciones, dije que no sé qué tan exitosa será la galería, pero el sitio es líquido, lo que significa que no perderemos nada. Estuvo de acuerdo conmigo. Antes de eso, trabajé en una galería cerrada durante un año y medio y fue un buen comienzo para crear mi propio negocio. También tenía experiencia como comerciante, por lo que ya entendía algo sobre esta actividad. La decepción estuvo en otra parte. Cuando comencé a hacer esto, pensé que mis conocidos y amigos que coleccionan arte inmediatamente comenzarían a comprarme. Pero la gente venía, sonreía y realmente no compraba nada... Ahora entiendo por qué. Las personas que invierten dinero en arte ya cuentan con personas de confianza, consultores, y yo soy una chica que recién empezó a hacer esto y cuya experiencia no me inspiró la confianza adecuada.
Mi primer trato serio ocurrió así. Un día estaba paseando por otra exposición en París, molesto, y me encontré con un conocido. En ese momento ya compraba arte activamente y lo conocía bien. Me preguntó qué había de interesante en mi galería y en ese momento tenía dos obras serias muy buenas. Pidió llevárselos a su oficina y, al ver los cuadros, decidió comprarlos, sin siquiera regatear demasiado. Este fue mi primer éxito y poco a poco la gente empezó a confiar en mi opinión.
: ¿Cómo promocionas la galería?
Kristina Krasnyanskaya: En cuanto a relaciones públicas, nunca trabajo con agencias, solo con personas. Esto es correcto porque PR es un sistema de puntos. Recuerdo mi primera sesión de fotos brillante, que fue para Harper's Bazaar. Había un fotógrafo increíble allí, la sesión duró 6 horas. Un par de días después, cuando vi el resultado, me quedé un poco en shock. Photoshop cambió mi rostro más allá del reconocimiento. Esta fue mi primera aparición en brillo. Hubo muchas cosas después de eso... Estoy muy orgulloso de la entrevista en la revista Wallpaper*. El número estuvo dedicado a Rusia y contó con la participación de los mejores profesionales en su campo. Arkady Novikov por su contribución a negocio de restaurante, Daria Zhukova por mejor centro arte contemporáneo, Olga Sviblova, como persona asociada a la fotografía, y yo como personificación del diseño en Rusia. Fue muy bonito e importante para mí.
: Bueno, y respecto a las debilidades de las mujeres, ¿qué te gusta?
Kristina Krasnyanskaya: No seré original si digo que adoro los bolsos, los zapatos y los abrigos. Con todo esto tengo una actitud muy relajada hacia las joyas, prefiero la ropa. Cuando alguien me regala algo prefiero que sea ARTE que joyería. Así que voy a cambiar a Graff por Pablo Picasso.
Heritage Gallery celebra su séptimo aniversario en febrero con la exposición “Diseño soviético. Del Constructivismo al Modernismo” en el Museo de Arquitectura: Mobiliario de Diseño Nikolay Lansere, Boris Iofan, Karo Alabyan— ahora un nuevo perfil de la galería, que anteriormente se especializaba en artistas de la diáspora rusa y sus exposiciones, incluidas las de museos, — André Lansky, Boris Grigoriev. La propietaria de Heritage contó qué más se puede esperar de su galería y de ella personalmente.
¿Por qué dejaste de realizar subastas?
Por dos razones. En primer lugar, se trata de una tarea costosa y que requiere mucha mano de obra. En segundo lugar, todavía no tenemos la cultura de comprar en subastas. Mis colegas y yo estamos intentando inculcar algo como esto, pero está resultando difícil. La mayoría de los comerciantes van a las subastas, y casas de subastas Dirigido a distribuidores. Pero entre el público en general, no los coleccionistas, sino simplemente los compradores, los que compran de vez en cuando, esto aún no se ha convertido en un hábito: visitar subastas, mercadillos, experimentar con la combinación orgánica de lo antiguo y lo nuevo... Todo el mundo es muy dependiente de su diseñador. Y los diseñadores tienen sus propias preferencias y principios. Como resultado, todo resulta en interiores "llave en mano" inverosímiles, que pronto se vuelven moralmente obsoletos. Unos años más, y una persona se da cuenta de que ya no puede vivir así. Ahora estoy haciendo mi propio departamento, donde hay una mezcla de todo. El eclecticismo como principio: intentamos explicar esto a los clientes a partir de la primera exposición de muebles coleccionables aquí en Moscú (una exposición con la participación de famosas galerías parisinas Didier Aarón Y Yves Gastou Abarcó los siglos XVIII y XX, desde Jean-François Ebena a Ettore Sottsassa. — TANR). Así que tendré muebles escandinavos de los años 60, arte soviético y ruso, modernos y no tan modernos.
Pero arte contemporáneo tienes una nueva dirección de actividad.
Este es un proyecto independiente en el que actúo más como un director de arte. Hay varios artistas rusos, que, por así decirlo, quiero integrar en el contexto internacional; para mí esto es tarea interesante, una razón para utilizar tecnologías conocidas y ya probadas. Veremos qué sale de esto. Hasta ahora tengo dos salas. alexei morozov Me gusta porque tiene escuela, pero con uniforme académico también tiene toque contemporáneo: a pesar de su academicismo, su arte no parece de salón. Me gusta mucho Morozov y estoy dispuesto a supervisarlo. Alessandro Romanini, que ha realizado más de una exposición botero, incluido el de reciente aniversario. Se está preparando una gira: primero, una exposición de Morozov en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, en diciembre de 2015, luego, en marzo de 2016, en Moscú, en MOMA sobre Gogolevsky. Estamos negociando con Venecia; nos gustaría presentarles escultura de mármol Morozov en una de las plazas de la ciudad durante la Bienal.
Otro artista - Oksana Mas. Oksana es una persona creativa. Ella acudió a mí cuando se dio cuenta de que la implementación de sus proyectos requería el trabajo de todo un equipo. uno de ella Altar¡Cuánto vale (lo mostraremos en Gorky Park en marzo)! El curador y crítico de arte se interesó por ella Janet Zwingenberger, que vio su trabajo hace varios años, la ha estado observando desde entonces y ahora va a escribir una monografía sobre Oksana. Oksana también está de gira: exposición Sensación de luz se celebrará en Bakú del 5 de julio al 5 de septiembre, después en Astaná, Berlín y ahora estamos negociando sobre Estambul.
Pero esto no es una galería, este soy yo; La galería todavía tiene alguna limitación del formato. La galería trata con artistas de Rusia en el extranjero y con diseños coleccionables. Y yo, como cualquier persona, quiero desarrollarme. Para hacer esto, necesito algunas perspectivas en las que ya no actuaré como galería, sino como Christina.
Y si eliges una cosa, ¿qué elegirías?
En diseño, por supuesto. ¿Pero por qué? Decidí que podía permitirme varios proyectos no relacionados. En Occidente somos conocidos como una galería que se ocupa del diseño; diseño de colecciones: en Rusia este es el nicho en el que nos convertimos en pioneros; La galería ha formado una colección importante, que incluye objetos únicos, desde el constructivismo hasta el modernismo; en unos años esta colección bien podría convertirse en un museo. En Moscú y Rusia todavía somos conocidos principalmente por el hecho de que participamos en la diáspora rusa: hemos realizado muchos proyectos valiosos a nivel de museo, cooperamos con museos, somos parte de la sociedad de amigos del Museo Ruso. , tenemos nuestros coleccionistas, cuyas colecciones mantenemos y reponemos nuevas obras, aconsejamos... Pero para el séptimo aniversario de la galería, quiero hacer una exposición en el Museo de Arquitectura dedicada específicamente al diseño: una retrospectiva del diseño soviético. , que abarca casi todos los ámbitos de este campo, excursión histórica empezando por los muebles Borís Iofán para Casa de Gobierno y finalizó en la década de 1960. Mientras trabajaba en catálogos, especialmente para ferias internacionales, me di cuenta de que, además de la información puramente técnica y complementaria, a todo el mundo siempre le interesa la información general. Pensé que se necesitaba un programa educativo. se me ocurrió la idea de hacer documental, donde se puede imaginar una época precisamente a través de cosas: cosas espectaculares, cosas pomposas, cosas que mueren trágicamente y cosas olvidadas... Quiero hacer una película tan seria que pueda participar con ella, por ejemplo, en un festival de cine documental. Tengo previsto presentar la película en verano en Basilea; no tenemos tiempo para febrero.
No fuiste a Basilea el verano pasado...
...Pero el año que viene nos vamos. Si la situación política lo permite. Disponemos de un material específico: el diseño soviético. E ir a Europa con mobiliario de propaganda soviética, como ve, ahora sería ridículo. Entonces nos negamos. Los organizadores estaban molestos. Dijeron que ya se ha formado un círculo de quienes están interesados en nosotros, y para los organizadores esa situación, cuando una galería participa durante tres años y de repente no participa, no está muy claro, el arte debe estar fuera de la política y más allá de las fronteras. Por supuesto, pero ¿qué pasa con el arte que tiene un contenido político? La feria de Basilea recibe entonces una amplia cobertura mediática. ¿Quién no ha escrito sobre nosotros? Fondo De Pantalla, Guardian, Daily Telegraph! Ahora surge la pregunta, ¿por qué hacer todo esto y llevarlo a Basilea, sabiendo de antemano que corre el riesgo de toparse con un programa? reacción negativa¿Para todo lo ruso? Antes tenía una reputación excelente y no quería estropearla.
¿Pero vas a seguir promoviendo el diseño soviético en Design Miami?
Recientemente, durante una cena en Italia, mis coleccionistas me dijeron que las décadas de 1950 y 1960 fueron tan geniales que nunca abandonaría este tema. Rem Koolhaas Se puso en contacto con nosotros cuando estábamos en Basilea, porque estaba trabajando en uno de los futuros locales del Garage, creado en el momento oportuno. Pero no nos limitamos sólo a este período. Es sólo que las cosas de los años 20, 30 y 40 son más raras y más coleccionables, digámoslo así; aunque de los años 60 tampoco queda mucho. Pero estas cosas tienen más demanda que nunca y, de hecho, esa era parece estar volviendo a ser relevante nuevamente. Nuestro material atrae a los museos. Me hice amigo del Museo de Artes Decorativas de Nueva York, que recientemente se convirtió en una división del Instituto Smithsonian; mostraron interés en exposiciones conjuntas: su jefe del departamento de exposiciones, el subdirector, se dedica a la propaganda textil. Gracias Craig Robins, fundador y copropietario Diseño Miami, lo que brindó a la galería rusa la oportunidad de mostrar el diseño soviético en dicha feria y declararse adecuadamente.
¿De dónde surgió la idea de trabajar con muebles soviéticos?
La idea surgió en el momento en que me di cuenta, atendiendo diligentemente Diseño Miami De año en año, la proporción del estilo Art Déco más moderno, más caro y más buscado comenzó a disminuir, dando paso gradualmente a los muebles de las décadas de 1950 y 1960. Además, en algún lugar jugaron recuerdos de la infancia soviética. Craig Robins me llevó una vez al stand de una galería que se ocupa del diseño escandinavo, y cuando vi estos muebles minimalistas y ascéticos, me sorprendió saber por el dueño de la galería que le acababa de comprar todo el stand. Roman Abramovich. Sí, hay pocos coleccionistas, pero existen. Lo que pasa es que pocas personas saben que Abramovich tiene una casa amueblada con objetos históricos al estilo de los años 30. ¿Qué compró Abramovich? Tocino- ellos lo saben.
No sólo ibas a vender muebles coleccionables, sino que aparentemente también los producirías.
Hace un año, cuando hablé de esto, creí que a estas alturas estaríamos en un punto ligeramente diferente al que nos encontrábamos. Todavía aprecio esta idea de reproducir diseños soviéticos, pero el proyecto aún no se ha lanzado. Lo bueno de las réplicas: no todo el mundo está dispuesto a adquirir muebles viejos y antiguos, incluso una silla restaurada y retapizada, pero que aún tenga una antigüedad respetable, y una réplica es otra cuestión. No reinventé la rueda, pero hace apenas un par de años en París en una galería. Yves Gastou vi repeticiones Ettore Sottsassa, edición limitada. Evelina Khromchenko dijo: "Seré su primer cliente para una réplica". Y ella no está sola. ¿Se fabricará aquí o en el extranjero? Dadas las realidades actuales, lo más probable es que aquí.
¿Pero sin reproducir la calidad soviética?
¿Estás hablando de materiales? Sí, la calidad bajó y la mayoría de los muebles de esa época fueron posteriormente desechados precisamente por este motivo. Pero los materiales originales eran normales. Cuando comenzamos a estudiar este período, entonces Yuri Vasilievich Sluchevsky(El artista de honor Yuri Sluchevsky, profesor del departamento de muebles de 86 años, todavía imparte el curso principal "Diseño de muebles" en la Academia Estatal de Artes y Ciencias de Moscú S. G. Stroganov. - TANR) habló de las exposiciones en VDNKh a finales de los años 50 y principios de los 60, cuando se fabricaban prototipos en el taller experimental de Stroganovka, con materiales duraderos y de alta calidad. En la producción en masa, por supuesto, se utilizaron otros materiales. Y los prototipos se distribuyeron en casas de campo y apartamentos.
Kristina Krasnyanskaya es hija del famoso empresario Georgy Krasnyansky (ex socio de Filaret Galchev, ahora preside la junta directiva de la empresa de carbón Karakan Invest). Supervisa tres colecciones a la vez: familiar, personal y de galería. “La colección familiar empezó a tomar forma hace unos 15 años. De alguna manera caímos en una tendencia generalizada cuando todo el mundo empezó a comprar arte”, dice Kristina Krasnyanskaya. - Pero hay algunas cosas que ahora me estoy comprando. No es un proceso fácil porque tienes que separarte constantemente como coleccionista de lo que eres como galerista”.
Los Krasnyansky, como muchos coleccionistas rusos, comenzaron con la pintura clásica rusa de los siglos XIX y XX: Aivazovsky, Zhukovsky, Meshchersky, Konchalovsky, Kustodiev. La Heritage Gallery, que Christina abrió en Petrovka en febrero de 2008, inicialmente se especializó en artistas de la diáspora rusa. Pero hace unos cinco años la niña se interesó por el diseño. “A los padres les interesa menos el diseño, aunque también tienen artículos modernos escandinavos. Me parece que en Rusia la gente recién comienza a sumergirse en este tema”, dice Christina.
Ella misma llevó su pasión aún más lejos y añadió al diseño europeo objetos creados en la URSS. Cuando nos conocimos en Heritage en la exposición “Modernismo soviético: un fenómeno cultural y de diseño del siglo XX”, allí se exhibían cosas de su colección personal.
Según Krasnyanskaya, antes que ella, los coleccionistas rusos prácticamente no se ocupaban de los muebles soviéticos como tales.
La niña considera que el objetivo de sus proyectos de museo es "mostrar lo soviético de una manera no soviética". Le gusta integrar el diseño soviético en un contexto internacional.
Para ello, Krasnyanskaya lleva varios años llevando piezas de su colección a la prestigiosa feria internacional Art Basel Miami. Muchas de las exhibiciones son verdaderas rarezas, y los curadores occidentales lo aprecian, dice: "Tengo 23 objetos de una casa comunal en Smolensk a fines de la década de 1930, hechos por el escultor de Leningrado Krestovsky, esta es una transición del constructivismo al arte tardío". decoración. Recientemente los expuse en Art Miaimi Basel; era un proyecto dedicado a fenómeno cultural casas comunales Después de esto, el Victoria and Albert Museum de Londres se me acercó con una propuesta para hacer un proyecto conjunto. Los extranjeros reaccionan instantáneamente a todo lo relacionado con el diseño de propaganda”.
Su colección de diseños ya cuenta con varios cientos de piezas. “Hay una colección de muebles bastante impresionante: objetos constructivistas de Boris Iofan de 1929, en particular su famosa silla de la Casa del Embankment, objetos únicos de diseño propagandístico de la casa comunal de 1937; hay objetos de autor del estilo del Imperio estalinista, está el art déco soviético de Nikolai Lanceray, que se exhibirá aquí en mayo, y el último gran estilo, que ahora está en exhibición: el llamado modernismo soviético, de 1955 a 1985”, enumera Christina, caminando por sala de exposiciones. - Justo al comienzo de este período, aparecieron los edificios de Jruschov, que tanto desagradaban a muchos, y con ellos nuevo estilo. En primer lugar, se trata de muebles de tamaño pequeño que serían cómodos en apartamentos pequeños”.
Hay que decir que el diseño modernista soviético rara vez se encuentra en el mercado: según Krasnyanskaya, con la excepción de las rarezas con calidad de museo, los muebles de los años 60 a menudo se tiraban a los vertederos, se quemaban o se enviaban a dachas. Pero tuvo suerte con sus socios: “Cuando empezamos a trabajar en este tema, trabajamos muy estrechamente con la Academia Stroganov, a partir de la cual se creó un taller experimental. Allí hicieron muestras que se exhibieron en tres grandes exposiciones dedicadas al nuevo diseño: 1958, 1964 y 1967”.
“Cuando fuimos por primera vez a Art Miami Basel, Stroganovka nos ayudó a encontrar objetos de estas exposiciones, que después de las exposiciones se distribuían en las casas de campo y en los apartamentos de quienes podían permitírselo. Así que terminamos con cosas de estos apartamentos: prototipos fabricados con materiales de mayor calidad que en la producción en masa. Pero tampoco renunciamos a los muebles producidos en serie, porque hoy en día ya casi no quedan”.
Los muebles soviéticos de Krasnyanskaya no parecen soviéticos, en gran parte debido a la restauración de alta calidad. "No tenemos el objetivo de replicar los mismos tejidos que se usaron en el original", dice. - Por supuesto, lo seleccionamos de tal manera que se conserve el espíritu de la época, el sentimiento de la época, pero estas cosas reciben una nueva interpretación gracias a algún momento del juego. Por ejemplo, estas sillas de finales de los años 60 y principios de los 70 están tapizadas con tela de Loro Piana, algo que sería difícil de imaginar en la Unión Soviética”. Las sillas forman parte de su propia colección y ya han participado en varias exposiciones.
EN apartamento nuevo Krasnyanskaya también tiene un par de sillones soviéticos: ve en ellos “cierta elegancia”. Muchos de los muebles modernistas presentados en su galería se pueden confundir fácilmente con el diseño escandinavo, muy popular en últimamente en el mercado del arte.
En los cuatro años que lleva coleccionando muebles y decoración del hogar, el diseño escandinavo de las décadas de 1950 y 1960 ha triplicado su valor.
Kristina también ve potencial de inversión en artículos marcados como “made in the URSS”: “Por supuesto, el interés por el diseño soviético está creciendo. Las súper cosas coleccionables, que prácticamente no existen en el mercado, siempre tienen demanda y son caras. Pero estoy seguro de que las cosas que se produjeron en masa y que están presentes en esta exposición simplemente como un reflejo de la época, tarde o temprano también serán apreciadas”.
Quizás los objetos más impresionantes de la colección personal de Krasnyanskaya que se presentan aquí sean el vidrio artístico soviético. “Creo que a diferencia de la porcelana, este nicho aún no se ha popularizado tanto. Para empezar, el vidrio artístico fue recreado por Vera Mukhina, autora de "El trabajador y la campesina colectiva", y el vidrio tallado. Desde 1934 dirigió el taller experimental de la Fábrica de Espejos de Leningrado. Tengo un jarrón suyo de plexiglás absolutamente impresionante de finales de los años 40”, dice.
En Heritage, Christina exhibió un jarrón de vidrio de finales de la década de 1960 con una base en forma de aisladores lineales y líneas eléctricas grabadas en un círculo. La autora es la artista estonia Helen Põld, que trabajó en ese taller tan experimental de la Fábrica de Espejos de Leningrado. "Es algo sorprendente: un trabajo delicado y al mismo tiempo un mensaje de producción", comenta Christina. - La circulación fue muy pequeña, tales cosas se encuentran sólo en unos pocos museos. Arte puro! También incluye en la misma categoría un tríptico de finales de los años 1970 con el título inesperadamente relevante "Levantamiento ucraniano": jarrones poderosos y expresivos hechos de vidrio experimental de doble capa rojo y blanco, que recuerdan las obras de Emile Galle. Krasnyanskaya los encontró en una colección privada en Ucrania: “No se usaban en la vida cotidiana, eran un objeto de arte. En Ucrania, Kiev y otros lugares había varias instalaciones de producción de vidrio”.
La propia Christina nació en Kiev, al igual que su madre, y lo primero que aparece en la colección de arte familiar proviene de allí: una acuarela de Taras Shevchenko con una vista de Kiev, la principal. poeta ucraniano También fue artista. En el transcurso de una década y media, lograron reunir una colección de pinturas y gráficos rusos a nivel de museo, como dice Krasnyanskaya. Sueña con algún día mostrar a toda la familia reunida en uno de los principales museos. El espacio de su galería simplemente no es suficiente para esto: la colección de la familia Krasnyansky se encuentra en cuatro almacenes: tres en Moscú y uno en Ginebra.
Krasnyanskaya no menciona el costo estimado de la colección ni revela los costos de su formación. Su galería emplea a cinco personas, pero ella, como crítica de arte de formación, toma ella misma todas las decisiones sobre la compra o venta de objetos. A menos que consultes con otros coleccionistas sobre la autenticidad o el precio si tienes dudas. Y últimamente participa en subastas sólo a través de representantes y no personalmente; dice que el ambiente emocional allí es como el de un casino, por lo que es fácil salirse del presupuesto previsto.
Si bien la gran exposición familiar no se ha realizado, Krasnyanskaya muestra a todos exhibiciones de su propia colección de objetos de diseño y las colecciones de sus amigos en Heritage. Ella no cobra ninguna tarifa por visitar.
Otra característica de la Galería Krasnyanskaya son las cenas de coleccionistas. “Esto se hace a menudo en Occidente, pero nosotros fuimos uno de los primeros en Rusia. El objetivo es que los coleccionistas privados expongan sus adquisiciones en un ambiente agradable”, dice al finalizar nuestro recorrido. - Lo hicimos en serio programa de musica para estas reuniones. Yuri Bashmet, Denis Matsuev, Lyubov Kazarnovskaya, Vladimir Spivakov y mi buen amigo Yuri Rozum. No hubo objetivos comerciales, sólo un gesto por parte de la galería. Cualquier coleccionista, diga lo que diga, quiere mostrar sus adquisiciones”.