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Danzas populares del siglo XX. bailes de salón del siglo XIX

Un arte como la danza comenzó a desarrollarse en los albores de la humanidad. Las tribus primitivas tenían sus propias danzas rituales especiales, que eran una parte importante de sus tradiciones y existencia. Sus descendientes, que comenzaron a construir los primeros estados, convirtieron estos gestos en parte de los símbolos soberanos. Así aparecieron los primeros tipos de danzas, que en mayor medida Testificó el origen del hombre, sus raíces. Hoy en día la gente baila en todas partes y sus movimientos ya no están limitados por fronteras determinadas por el Estado. Bueno, echemos un vistazo más de cerca a qué tipos de bailes existen en determinadas partes del planeta y cómo se vuelven populares en todo el mundo.

que es la danza

Este término se refiere a un tipo de arte en el que se transmiten imágenes artísticas a través de movimientos corporales plásticos y rítmicos. Cualquier baile está indisolublemente ligado a una determinada música que se adapta a su estilo. Durante este “ritual” son muy importantes ciertas posiciones del cuerpo de la persona, las figuras que puede mostrar y las transiciones de una postura a otra. Teniendo en cuenta los tipos de danzas que existen en nuestro tiempo, es fácil suponer que existen innumerables figuras y movimientos de este tipo. Por eso se dividen en categorías, que dependen en gran medida del lugar de origen de un baile en particular, así como de sus demás características (parejas, grupo, soltero, etc.).

La historia de los orígenes del arte de la danza.

Incluso durante la existencia de tribus primitivas, surgieron los primeros tipos de danzas. Se les pusieron nombres dependiendo de las emociones que acompañaban. Por ejemplo, una tribu podía intentar traer lluvia después de una larga sequía, y para ello se compuso un ritual especial, durante el cual la gente se movía de una determinada manera. Con movimientos rítmicos del cuerpo, agradecían a sus dioses, saludaban el nacimiento de sus hijos y despedían a sus antepasados ​​fallecidos. La danza como forma de arte se fundó en la antigüedad. En esta época, en Grecia y Roma comenzaron a aparecer representaciones coreográficas especiales dedicadas a los dioses. Al mismo tiempo, los primeros tipos de danzas orientales se desarrollaron en Babilonia, Asiria, el reino persa y otros países asiáticos. En la Edad Media, este arte se encontró más allá de la línea de la legalidad debido a las opiniones espirituales de la humanidad. Pero con la llegada del Renacimiento comenzó a desarrollarse y mejorarse nuevamente. En el siglo XVI apareció un tipo de coreografía llamada ballet, que pronto se convirtió en una especie separada arte.

Clásicos y sus variaciones.

Los bailarines profesionales, que aprenden este arte desde una edad temprana, inicialmente dominan la danza clásica. Sus tipos dependen del programa que se tome como base: europeo o latino. Estos dos subgrupos están unidos por una buena coreografía clásica, que tiene mucho en común con el ballet. La conclusión es que los ensayos se realizan con música clásica, los bailarines hacen estiramientos, estudian posiciones, plie, pique y otras técnicas coreográficas. En el futuro, la calidad de la danza dependerá precisamente de la pureza y corrección de todos estos movimientos.

programa europeo

  • Vals lento. Se trata de un clásico de baile dorado, que siempre va acompañado de una música adecuada en tres cuartos. Para cada tiempo, los bailarines dan tres pasos, siendo el primero el principal, el segundo determinando el ángulo de rotación y el tercero auxiliar, permitiendo transferir el peso a la otra pierna.
  • Tango. Originalmente era una danza folclórica argentina, pero luego se hizo increíblemente popular en todo el mundo y pasó a la categoría de clásicos europeos. Su esencia radica en el hecho de que dos compañeros se mueven enérgica y rítmicamente al ritmo de la música adecuada (también se llama tango).
  • Vals vienés. Esta es una especie de analogía con un vals simple, solo que se baila un poco más rápido y con más energía.
  • Fox. Se trata de un baile rápido y vibrante que se realiza tanto en parejas como en grupos. Fue inventado por Harry Fox (de ahí el nombre) a principios del siglo XX y su popularidad no ha disminuido desde entonces.
  • Paso rápido. Este es el baile más rápido de los clásicos europeos. Se interpreta en ritmo de 4/4 y hay hasta 50 compases por minuto. Se necesitan años de práctica y entrenamiento agotador para bailar el foxtrot correctamente. Es importante que todos los movimientos parezcan fáciles, relajados y realizados con una precisión increíble.

programa latinoamericano

Estará listado aquí tipos populares bailes que hoy en día suelen ir más allá de los clásicos. A partir de ellos se crean una gran variedad de variaciones para simplificar la coreografía y hacer estos bailes accesibles a todos.

  • Samba. Danza brasileña que surgió de la fusión de tradiciones africanas y portuguesas. Se baila en compás de 2/4, con hasta 54 compases por minuto. EN versión clásica interpretado al ritmo de tambores u otros instrumentos de percusión latina.
  • Cha Cha Cha. Caracterizado por una coreografía mucho más lenta. El compás es 4/4, hay 30 compases por minuto. El baile es más popular en Cuba, donde se originó en los años 20. el siglo pasado. Hoy está incluido en el programa de danza clásica.
  • Rumba. El baile más lento e íntimo, que siempre se realiza en parejas. La precisión no es importante aquí, como en otros tipos de coreografía. Sólo es importante que las poses de los compañeros sean muy hermosas, que formen figuras únicas y, al mismo tiempo, cada uno de sus movimientos sea lo más flexible posible.
  • Paso Doble. Este baile tiene sus raíces en las corridas de toros españolas. Aquí el compañero suele representar a un torero y su compañero a un manto. La esencia de la coreografía es el doble paso (de ahí el nombre).
  • Jerga. Coreografía afroamericana, que también surgió en el siglo XX y se generalizó en Estados Unidos. Jive se baila en modo swing, pero al mismo tiempo es muy diferente de su análogo moderno del mismo nombre. Tipo de compás: 4/4, número de latidos por minuto: 44.

Ballet

Todos los tipos de danza que existen actualmente se basan en el ballet en un grado u otro. Este arte se separó oficialmente de la coreografía general en el siglo XVII, cuando los primeros franceses escuela de ballet. ¿Cuáles son las características del ballet? Aquí la coreografía está indisolublemente ligada a la música y las expresiones faciales de los artistas. Por regla general, cada producción tiene un guión específico, por lo que se suele denominar miniobra. Es cierto que en algunos casos también hay ballets “sin guión”, en los que los bailarines simplemente demuestran sus incomparables y precisas habilidades. El ballet se divide en tres categorías: romántico, clásico y moderno. La primera es siempre una miniobra sobre un tema amoroso ("Romeo y Julieta", "Carmen", etc.). El clásico puede personificar cualquier trama (por ejemplo, “El Cascanueces”), pero su elemento importante es la coreografía basada en acrobacias y excelente plasticidad. en marcos ballet moderno Incluye diferentes tipos de bailes. Hay elementos de jive, coreografía latina y música clásica. Rasgo distintivo es que todo el mundo baila con zapatillas de punta.

Coreografía moderna

Hoy en día, los tipos de danzas modernas son populares en todo el mundo, independientemente de las tradiciones y la religión. Sus nombres son conocidos por todos y, al mismo tiempo, casi todos pueden aprender a realizarlos. Estos movimientos corporales no requieren estiramientos especiales, preparación ni plasticidad natural. Lo principal es unirse al ritmo y volverse uno con la música. Notemos de inmediato que todos los bailes que se enumerarán a continuación son la base de la llamada "coreografía de club". Estos movimientos son rápidamente aprendidos y mezclados por la juventud moderna, dando como resultado una mezcla única que se puede ver en cualquier discoteca de cualquier ciudad del mundo.

Danza moderna

  • Tectónico. Surgió en el siglo XXI a partir del estilo jumpstyle, hip-hop, popping, techno, etc. Siempre bailando música electrónica rápida.
  • Baile en el que te desnudas. Esta es la base de cualquier striptease, es decir, un baile que puede implicar un mayor desnudamiento. La esencia está en los movimientos plásticos y, a menudo, también en la interacción con otros objetos. Así nacieron los famosos pool dance, lap dance, etc.
  • Vete, vete. Baile erótico que no implica desnudarse. Dirigido a entretener a la multitud en el club. Puede contener cualquier elemento plástico que corresponda a la música que se reproduce.
  • Hakka. Un baile que se originó en los Países Bajos, en los círculos incondicionales. Sus movimientos se basan en la música de este estilo.
  • Estilo de salto. El baile, a base de saltos, es uno de los pocos modernos que se baila en parejas. Pero al mismo tiempo tiene una peculiaridad: los socios no deben tocarse.
  • Paso D'n'B. Este es un atributo exclusivamente del estilo drum and bass. La coreografía siempre depende del ritmo y tempo de la música.
  • Barajar. El baile se originó en Australia y está basado en el jazz. Todos los movimientos, en particular los pasos característicos de este estilo, se realizan con música electrónica rápida a un ritmo más rápido.

Basado en la trama de la película “Step Up”...

Después del estreno de la primera parte de esta maravillosa película, los jóvenes comenzaron a estudiar activamente todo tipo de bailes callejeros, que se caracterizan por el estilo libre y al mismo tiempo una increíble plasticidad y precisión de movimientos. Enumeremos sus principales tipos, que ya se han convertido en “clásicos callejeros”:

  • Hip hop. esta entero direccion cultural, que surgió en los años 70 en Nueva York entre representantes de la clase trabajadora. Abarca no sólo coreografías únicas, sino también jerga, moda, comportamiento y otras áreas de la vida. Dentro de la cultura hip-hop, existe una gran variedad de tipos de baile, más o menos difíciles de realizar. Esto incluye break, DJ, MC, hip-hop de club y mucho más.
  • Breakdance, también llamado b-boying. Inicialmente, era parte de la cultura hip-hop y luego, debido a su singularidad, se convirtió en un baile separado.
  • Paseo para Crip. Un baile que se originó en Los Ángeles. Se caracteriza por pasos que se realizan con espíritu de improvisación, a un ritmo muy rápido.
  • Estallando. La danza se basa en la rápida contracción y relajación de los músculos, por lo que el cuerpo humano se estremece. Es importante observar ciertas posiciones y posturas en las que dichos movimientos parecen más impresionantes.

En el espíritu de las tradiciones populares.

En cada estado, además de la bandera y el himno, hay otro atributo no menos importante: el baile. Cada nación se caracteriza por sus propios movimientos, sus propios ritmos y tempos, que se han desarrollado históricamente. Según las características de la coreografía, es fácil determinar de qué nacionalidad es una persona y qué país representa. Estas actuaciones se realizan principalmente en grupo, pero hay algunas excepciones cuando sólo actúan dos compañeros. Ahora veremos los tipos de bailes folclóricos que son los más populares en todo el mundo. Por cierto, algunos de ellos se convirtieron en la base de la coreografía clásica y otros sirvieron como un excelente comienzo para el desarrollo del baile callejero.

Danzas de los pueblos del mundo.

  • Attan es la danza folclórica oficial de Afganistán. También realizado por muchos pueblos vecinos en diversas variaciones.
  • Hopak - danza de los pueblos de Ucrania. Siempre realizado en trajes nacionales, en un ritmo muy rápido y enérgico. Se caracteriza por trotar, ponerse en cuclillas, saltar y otros movimientos corporales activos.
  • Trepak es una danza nativa rusa, que también es común en Ucrania. Se realiza siempre en metro bipartito, y se acompaña de pasos fraccionarios y estampación.
  • El Zika es una famosa danza chechena realizada exclusivamente por hombres. Por regla general, es un elemento de acompañamiento para eventos religiosos importantes.
  • Krakowiak es el baile polaco más famoso. Realizado a un ritmo rápido, siempre con la espalda recta.
  • Danza redonda. Un juego de baile que anteriormente era popular entre muchas naciones. Las reglas son diferentes en todas partes, pero la cuestión es que la gente participa en el baile circular. gran cantidad de la gente.
  • Lezginka es la representación coreográfica más famosa del Cáucaso. Lo bailan chechenos, armenios, georgianos, azerbaiyanos y muchos otros pueblos.

Tipos de danzas orientales

En Oriente, el arte de la danza tuvo un desarrollo completamente diferente al de los países de Europa y América. Los hombres aquí siempre realizaban mini actuaciones grupales que acompañaban algunos eventos importantes. El baile de una mujer es una especie de sacramento. Una esposa sólo puede bailar para su marido y sola. Esta cultura coreográfica está muy extendida desde tiempos inmemoriales por toda Asia occidental, pero en cada país tiene sus propias características. Por eso, ahora veremos qué tipos de bailes existen en tal o cual estado oriental y en qué se caracterizan.

  • Turco. Siempre se realizan con trajes llamativos, acompañados de música rápida. Se caracterizan por movimientos rítmicos, altísima plasticidad e incluso acrobacias.
  • Egipcio. Esta es la coreografía oriental más modesta. El vestuario es sobrio, al igual que los movimientos, y la música es lenta y mesurada. En las danzas egipcias no hay lugar para movimientos corporales frívolos; esto se considera libertinaje.
  • Arábica. Este es un margen real para la improvisación y la variación. Si sabes qué tipos de bailes hay en Oriente y cómo se realizan, podrás juntar todas las técnicas y técnicas, y obtendrás una excelente interpretación al estilo árabe.
  • Libanés. El más singular e inusual. Combinan elementos de la coreografía turca y egipcia. Por tanto, los movimientos rápidos y rítmicos se alternan con los lentos y mesurados. La acción también se caracteriza por el uso de objetos extraños (platillos, bastones, etc.).
  • La danza persa consiste en movimientos elegantes que involucran principalmente los brazos, la cabeza y el cabello largo.

¿Cómo surgió la danza del vientre?

Casi todas las mujeres del mundo sueñan con dominar este estilo coreográfico, pero sólo unas pocas lo dominan a la perfección. Muchos atribuyen sus orígenes a Oriente Medio, pero en realidad la danza se originó en la India. Incluso antes del nacimiento de Cristo, los gitanos trasladaron esta costumbre de su tierra natal a Egipto, donde se hizo popular. Empezaron a surgir allí. diferentes tipos danza del vientre, que pronto se extendió por todo Oriente Medio. Bueno, veamos cuáles de ellos son ahora los más famosos:

  • Baila con la serpiente. Requiere una combinación de flexibilidad y coraje, así como capacidad para manejar a este animal.
  • Danza con fuego. Durante la actuación se pueden utilizar antorchas, velas, lámparas con aceites esenciales y mucho más que glorifica el culto al fuego.
  • Baila con platillos. Este instrumento de percusión manual es pariente de las castañuelas españolas. Realizando movimientos rítmicos, la bailarina se acompaña.
  • Raqs el-Sharqi es una danza del vientre que involucra la zona desde el ombligo hasta las caderas.
  • Raqs el-Shamadam es una actuación en la que una mujer baila con un candelabro en la cabeza. Muy popular en Egipto.

Tipos de bailes deportivos

El baile deportivo es una especie de análogo de la coreografía de baile de salón clásica. La diferencia es que los bailarines son entrenados según un programa más estricto e intensivo, con especial énfasis en el estiramiento, la precisión de los movimientos y la velocidad de ejecución. Un componente importante de cualquier baile deportivo no es la belleza de la ejecución, sino el tecnicismo de realizar todos los movimientos. En general, este subgrupo está formado por producciones coreográficas que conocemos, entre las que se encuentran programas estándar europeos y latinos.

Conclusión

Analizamos qué tipos de bailes existen en diferentes paises, decidió sus estilos y características. Al final resultó que, cada producción coreográfica tiene su propio tempo, ritmo y carácter de ejecución. Además, muchos bailes no pueden existir sin las expresiones faciales, determinados trajes, el estilo e incluso el estado de ánimo de quienes los realizan. Por eso, si vas a dominar este arte, es importante que decidas inicialmente qué estilo te gusta bailar, y cuál es el más adecuado para ti en cuanto a capacidades e incluso a las características estructurales de tu figura. Y en el futuro, para la superación personal, solo necesitará diligencia y práctica. ¡A por ello!

En los años 20 del siglo XX, el baile charlestón se hizo especialmente popular. Se cree que Charleston tiene raíces afroamericanas y es originario de la ciudad de Charleston (Carolina del Sur). Se desconoce con certeza si esto es así. El ritmo de este baile era tan fogoso que el mundo entero empezó a bailar el charlestón. El baile no tuvo éxito de inmediato, muchos de sus movimientos incluso se consideraron indecentes, pero con el tiempo ganó una enorme popularidad, en 1926. El director Ernest Lubitsch, que dirigió la película This Is Paris, incluyó en ella un número grandioso: "Un ballo in maschera", donde 2.500 participantes bailaron el Charleston.
Moderno
en los años 30 Una ola de nuevos bailes está surgiendo en el continente americano y en Europa. Uno de ellos es el Lindi Hop. Este baile de salón con rebotes debe su nombre al famoso aviador Lindbergh, que fue el primero en cruzar el Atlántico. Bajo la influencia del jazz, el lindy hop se convirtió gradualmente en swing, y las temperamentales melodías negras marcaron el comienzo del boogie wuggie. En Estados Unidos, este baile se llamaba más a menudo Jitterbag, en las Islas Británicas, jive. Ahora conocemos este baile como rock and roll. El propio jitterbug, que combina los movimientos del Lindy Hop y el Charleston, dio lugar al surgimiento de la discoteca como estilo de baile.

A principios de los años 50, la fiebre del rock and roll estalló en el mundo. En 1954 Las películas "Rock Around the Clock" y "Seed of Violence" con la participación de Bill Haley se proyectaron en las pantallas europeas, lo que contribuyó al crecimiento de la popularidad del baile. A principios de los años 60, la primera ola de rock and roll se había calmado. Ha llegado el momento de girar, sacudir, batir y otros bailes. El regreso de la danza comenzó en 1968 y estuvo asociado al trabajo de los Beatles. Desde 1974-1975, el rock and roll se considera uno de los bailes de moda y ahora se llama baile deportivo moderno.
En los años 70 El baile disco está ganando popularidad. La aparición de instrumentos electrónicos no podía dejar de afectar la naturaleza de la música y la forma de interpretarla. La película estrenada en 1977 provocó un verdadero boom disco. Película "Fiebre del sábado por la noche". En él, John Travolta baila disco con todos los elementos característicos de esa época. En la película "Gloria" de los años 80, mil quinientas personas bailaban discoteca en la calle. En nuestro país, la gran popularidad del estilo disco contribuyó a las representaciones del ballet televisivo de la RDA “Palacio de Friedrichstadt”. Hoy en día, casi todos los artistas de danza pop y moderna utilizan los movimientos disco.
Cuanto más rica y diversa se volvió la música con la llegada de los nuevos instrumentos electromusicales, más diferentes tendencias musicales surgieron y, con ellas, diferentes estilos de baile.
A finales de los 80 y principios de los 90, con la llegada del vídeo, ciertos estilos ganaron popularidad. El trabajo de Michael Jackson, entonces conocido como el rey de la música pop y el rey del baile, dio lugar a un nuevo tipo de actuación: "a la Jackson". Sus videos más famosos de los álbumes “Thriller”, “Bad” utilizaron movimientos disco, break y hip-hop.

La popularidad de los bailes latinoamericanos dio origen a bailes tan populares como la Lambada y la Macarena. Las melodías incendiarias con una forma característica de ejecución dieron origen a un cierto conjunto de movimientos que se convirtieron en bailes muy populares: lambada y macarena.

Estilos de break dance y hip-hop. La danza, muy parecida al break, era conocida durante la esclavitud. En Nueva Orleans lo llamaron baile en cuadrilla Kongo. Recibió este nombre del nombre de la plaza: la plaza Kongo, donde una vez se reunían los esclavos. Allí no sólo se comunicaban y se relajaban, sino que también competían en el arte de la danza. habia esclavos nacionalidades diferentes: africanos, latinoamericanos, etc. La división en “equipos” según el origen étnico dio especial urgencia a la competición. Los elementos de la acrobacia en la danza se encuentran en muchas naciones. La pausa contiene elementos de danzas africanas, fragmentos de danzas brasileñas. Arte marcial esclavos - "capoeira", y mucho más.

La historia de la ruptura comenzó en 1962. en el sur del Bronx. Se considera que el fundador es DJ Cool Herk. Llegó al Bronx desde Jamaica y trajo consigo las mejores tradiciones del baile callejero de Kingston. Se le ocurrió en 1969. El término "B-Whoa" proviene de la abreviatura "break boy", que significa "chico, break dance" De entre la multitud de bailarines, los mejores de los mejores bailarines salieron al escenario y mostraron sus habilidades. Las llamadas “peleas de break”.
Por la misma época, en 1969. DJ Africa Bambaata acuñó el término “Hip-hop” como designación de toda una cultura Generación más joven. Incluyó no solo la danza, sino también el arte de leer textos con música (rapear) y el graffiti (pintar en las paredes con pintura en aerosol).

A finales de los años 60, el break existía en forma de dos estilos de baile: estilo acrobático neoyorquino (bottom o break) y estilo mimo angelino (top o "electric boogie"). Con los cambios en las tendencias musicales, las técnicas de break dance cambian y se vuelven más complejas. En los 80s Se estrenarán películas sobre break y hip-hop: “Wild Style”, “Style Wars”, “Beat street”, “Graffiti Rock”. Un año después, el San Francisco Ballet Theatre abrió la temporada con un concierto de gala de 46 breakers. Cientos de breakers bailaron en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles.

El break llegó a Rusia a finales de los 80: las películas "Cómo convertirse en una estrella", "Courier", etc. Se celebraron festivales de break dance en Sochi, en la región de Moscú, etc. Luego, la moda del break disminuyó. En 1995-1997. El breaking ha vuelto a ponerse de moda: más enérgico, lleno de elementos acrobáticos y de potencia, pasos y saltos rápidos. Comenzaron a aparecer batallas internacionales, competiciones por equipos.
Hot top-techno, traducido de la jerga inglesa, es una técnica de movimiento candente. El estilo apareció en los años 70 y principios de los 80. Formado bajo la influencia del jazz moderno y otras escuelas. Es un estilo de baile callejero que incluye elementos de discoteca, flash y street jazz. (Bonnie M, Afrique Simon, Milli Vanilli, etc.)

Si miras de cerca estilos modernos y las técnicas de los bailarines, se pueden ver fácilmente en ellos movimientos que tienen análogos en la danza folclórica. Cada estilo, durante su formación, absorbió la peculiaridad que es característica del entorno nacional o de la nacionalidad del intérprete.
No se puede decir que todos los estilos de baile ya estén completamente formados. Cada intérprete, coreógrafo y director aporta algo todo el tiempo. La popularidad del baile está garantizada por la actuación de un gran número de grupos y bailarines individuales. Los bailarines callejeros y profesionales tuvieron una gran influencia en la formación de muchos estilos. La danza contemporánea no es sólo danza de moda, sino también danza callejera.

La danza moderna es sinónimo de la expresión “danza popular”, “danza pop”. La danza contemporánea puede ser pop, pero la danza pop no siempre es moderna.

El término “danza pop” es producto de la historia del arte secular y refleja, ante todo, el lugar por donde entra el intérprete. Es decir, no un escenario de teatro, sino un lugar de espectáculos de variedades o sala de conciertos. El concepto de “danza pop” también incluye estilizaciones de danzas folclóricas, baile deporte, semiclásico, bailes en los estilos de la coreografía cotidiana, step, actualmente en el escenario vemos muchas producciones realizadas utilizando los medios de la danza jazz o la danza moderna. Así, el concepto de "baile pop" une muchas direcciones. arte coreográfico. Sin embargo, hoy en día muchas universidades e institutos de cultura y arte cuentan con departamentos de danza "pop". Lamentablemente, no se puede hacer nada ante esta confusión terminológica.

En resumen, actualmente existen 4 SISTEMA principales de danza; danza clasica, danza jazz moderna, danza moderna y danza folklórica. Estas son aquellas áreas de la danza que tienen su propia historia, su propia escuela, su propio sistema de formación de intérpretes, su propio vocabulario.

Al mismo tiempo, existen y se desarrollan direcciones. arte de la danza. Estos incluyen bailes de salón, bailes de paso, flamenco, baile social o cotidiano.
Sin embargo, en últimos años Cada vez hay más mezclados. tecnicos de danza, que unen todos los sistemas principales. Los coreógrafos en sus producciones intentan encontrar, ante todo, algo nuevo e inusual, independientemente de la afiliación léxica. Un coreógrafo piensa con movimiento y, dado que los coreógrafos profesionales dominan muchas técnicas de danza, el proceso de tomar prestado y combinar es inevitable. Y en los últimos años ha surgido un término: DANZA CONTEMPORÁNEA, una dirección de danza que no se puede atribuir a ningún estilo o sistema. Y esto proceso natural integración.

LITERATURA:
1. “Dancing” de Lucy Smith, Moscú “Astel” 2001
2. “Fundamentos de la danza moderna” S.S. Polyatkov, Rostov del Don “Phoenix” 2006
3. “Danza jazz moderna. Etapas de desarrollo. Método. Técnica" V.Yu. Nikitin.
4. “Una línea que va al infinito: notas subjetivas sobre la modernidad
coreografía" Yu.M. Churko, Mn.: Polymya, 1999. 224 p.

Dos mundos de baile en un mismo diagrama: los bailes más de moda en salones y discotecas y los fenómenos coreográficos más atrevidos durante 100 años.


1900
emparejado

Matchish interpretado por Vernon e Irene Castle. 1915

Este es un fragmento de una película muda sin título en la que los famosos actores y bailarines estadounidenses Vernon e Irene Castle bailan a tono. La música que aparece en el video es un partido llamado "Dengoso" del compositor brasileño Ernesto Nazareth, grabado en los Estados Unidos casi al mismo tiempo que se filmó la película.

Matchis (Port. maxixe) nació en una provincia brasileña a finales de la década de 1860. Los socios se movían con pasos rápidos y deslizantes, de vez en cuando giraban y se abrazaban, mientras el compañero presionaba la espalda de su compañero. Para esa época tranquila, un baile basado en ritmos afrolatinos parecía ardiente, “voluptuoso”. En cambio de siglo XIX-XX Durante siglos, el matchish se hizo popular en Río de Janeiro y, en vísperas de la Primera Guerra Mundial, todos los pianos mecánicos de los salones americanos y los cafés europeos ya tocaban una canción al ritmo del matchish. La moda ha llegado a Rusia - Vladimir Mayakovsky escribió:

Y entonces
Hoy
Desde la mañana
en el alma
Golpeó los labios de la cerilla.
Caminé temblando
brazos extendidos,
y por todas partes las flautas bailaban sobre los tejados,
¡Y cada una arrojó 44 con las rodillas!

Presagios de la danza moderna

Loie Fuller realiza la danza serpentina. 1902

La historia de la danza moderna suele comenzar con la danza moderna estadounidense. Pero fue precedido por el trabajo de cuatro bailarines independientes, cada uno de los cuales quedó en la historia como precursor de la modernidad. Su principal objetivo era demostrar que la coreografía puede ser una forma de arte seria y que la danza no es sólo un espectáculo. La más famosa de ellas, Isadora Duncan, creía que la danza debe desarrollarse de forma natural, de acuerdo con la individualidad del intérprete: basta con escuchar el cuerpo y sus impulsos. Esto se conoció como baile libre. Su colega mayor Loie Fuller, a quien se le ocurrieron docenas de formas de hacer que la luz y el color fueran una parte importante de la coreografía, tuvo una gran influencia en el desarrollo no solo de la danza, sino también de la gráfica escénica. Ruth St. Denis abrió Denishawn en Estados Unidos, la primera escuela que enseña sistemáticamente diferentes tipos movimientos, desde ballet hasta yoga. Casi todos los futuros maestros de danza moderna son graduados de Denishawn. Además, sus alumnos fueron contratados voluntariamente como extras en películas de Hollywood y algunos, como Louise Brooks, se convirtieron en estrellas del cine mudo. La cuarta precursora es Maud Allan, cuya Salomé conmocionó al público de la época. En general, se sabe muy poco sobre su estilo; la prensa de esa época prestó mucha más atención a las historias escandalosas asociadas con ella, por ejemplo, cuando demandó a un político inglés que la acusó de homosexualidad y conexiones con espías alemanes.

Década de 1910
Tango

Rudolph Valentino y Beatriz Domínguez bailan tango en Los cuatro jinetes del Apocalipsis de Rex Ingram. 1921

La película es muda y la música que se reproduce aquí es el tango "La Cumparsita", escrito en 1916 por el compositor uruguayo Gerardo Rodríguez.

El tango nació en las zonas populares de Buenos Aires; una de sus fuentes fue la habanera, una danza folclórica cubana. El tango rápidamente conquistó el mundo entero. No último papel En esto jugaba la conexión entre pasión y violencia, que se manifestaba plenamente en el tango “cruel”, o tango apache, donde el compañero machista se inclinaba y arrojaba a su dama como si quisiera rematarla. Antes de la Primera Guerra Mundial, el tango era domesticado y ennoblecido en los salones burgueses, pero conservaba su erotismo, la imagen del deseo apenas contenido, “fuego en hielo”.

La tangomanía se ha apoderado de Europa hasta tal punto que el Papa emitió una bula especial para prohibir el tango. Sin embargo, la fama del tango creció, en gran parte gracias al cine mudo, en el que brilló el bello tanguero Rudolph Valentino.

danza expresionista

"Monumento a los Muertos" dirigida por Mary Wigman. 1929

Paralelamente a América, la danza se desarrolló también en Europa, pero según un escenario diferente. El movimiento, que surgió en Suiza y Alemania a principios del siglo XX, se llama danza expresionista (Ausdruckstanz) o danza moderna alemana. Bailarines y coreógrafos, junto con otros filósofos y artistas, buscaban formas de expresar una nueva percepción del mundo y nuevos significados a través del movimiento y la interacción con el espacio. Al compositor Emile Jacques-Dalcroz se le ocurrió el ritmo: en las clases de solfeo descubrió que sus alumnos aprendían mejor el material si se movían con la música y comenzó a desarrollar un sistema que correlacionaba ritmo y movimiento. Rudolf Laban analizó el movimiento del cuerpo en el espacio e inventó una forma de registrar la danza en papel, que todavía se utiliza hoy en día (se llama Labanotación). Sus alumnos, Mary Wigman (creadora de rituales de danza como "Canción y danza" según las palabras de Nietzsche) y Kurt Jooss, desarrollaron la danza expresionista, recurriendo a la difícil vida cotidiana de la posguerra, a temas de muerte, violencia y desesperación.

década de 1920
Fox

Vídeo sobre el foxtrot, editado por el historiador de la danza Walter Nelson a partir de grabaciones de archivo de las décadas de 1920 y 1930.

Existen varias versiones sobre el origen del foxtrot. Según uno de ellos, fue inventado por el productor de vodevil Charles Fox y el baile lleva su nombre. Según otra versión, el foxtrot (inglés fox trot - "fox step") pertenece al grupo de las llamadas danzas de animales, que aparecieron en América incluso antes de la Primera Guerra Mundial. Se trata de divertidos bailes en pareja que se interpretaban al ritmo de ragtime (la música de los afroamericanos de los estados del sur y del Medio Oeste), imitando los movimientos de animales y pájaros (por ejemplo, había bailes “Turkey Step”, “Bunny Hug”, “Oso Grizzly”, etc.).

El foxtrot se basa en un simple paso hacia adelante, hacia atrás o hacia un lado. Dos pasos “largos” o “lentos” se sustituyen por dos cortos y rápidos. Por lo tanto, el foxtrot a veces se considera una combinación de un paso lento con uno rápido de dos pasos.

En la década de 1920, el foxtrot se hizo popular en todo el mundo y se trasladó a Europa y Rusia; por ejemplo, el poeta Andrei Bely aprendió el foxtrot en clases de baile en Berlín a principios de la década de 1920.

Danza moderna

“Aria on the G String” de August Wilhelmy con coreografía de Doris Humphrey. 1934

Partiendo de la creatividad de los precursores, los creadores del modernismo buscaron un lenguaje de danza en el que pudieran hablar no solo de sentimientos y fenómenos naturales, sino también de cuestiones graves que preocupaban al autor y a sus contemporáneos: el amor, la guerra, la injusticia. , impotencia.

Los fundadores de la danza moderna son llamados cuatro coreógrafos, los llamados Cuatro Grandes. Tres de ellos eran graduados de la escuela Ruth St. Denis Denis Shawn, pero a finales de la década de 1920 ya trabajaban de forma independiente. Y con mucho éxito. La más famosa de ellas es Martha Graham. Creó su propia técnica, que se basa en la alternancia de compresión y relajación (“contracción - liberación”), liberando el cuerpo del bailarín, abrió el grupo de danza moderna más exitoso del siglo XX y se convirtió en autor de más de cien producciones. . El segundo, Do-rice Humphrey, desarrolló una técnica de recuperación de caídas basada en los principios de la gravedad y la pesadez natural del cuerpo. Humphrey trabajó con el tercer miembro de los "Cuatro Grandes", Charles Wademan. Hanya Holm es alumna de Mary Wigman y la única alemana en esta empresa; Terminó en Estados Unidos en 1931, cuando Wigman la invitó a dirigir su escuela en Nueva York.

década de 1930
lindy-hop

Los Lindy Hoppers de Whitey bailan Lindy Hop en Take the Blow de John Klein. 1939

Lindy hop es la forma más compleja de swing y swing (del inglés swing - "swing") - nombre común bailar al ritmo del jazz norteamericano, que apareció gracias a la aparición de las grandes orquestas de jazz: su interpretación tenía más cuerpo que la de las pequeñas bandas de jazz, y literalmente “rock-wa-la” los bailarines. Esta es exactamente la orquesta que tocó, por ejemplo, en el Savoy Ballroom, el corazón de la danza de Harlem.

Lindy hop es el primero baile social, en el que aparecieron elementos acrobáticos. Como otros bailes de ragtime y jazz, rápidamente llamó la atención de los productores de Broadway y Hollywood. Se formaron equipos de músicos y bailarines (uno de los más famosos es Whitey's Lindy Hoppers), que actuaban en el escenario y actuaban en películas. Entonces Lindy Hop, nacido en Harlem, se lanzó a viajar por el mundo.

ballet neoclásico

"Serenata" interpretada por el New York City Ballet. Coreografía de George Balanchine, música de Pyotr Tchaikovsky

El ballet clásico alcanzó su apogeo con la producción de La Bella Durmiente de Marius Petipa en 1890: ya no era posible crear algo más grande y lujoso. Mikhail Fokine marcó una nueva dirección para el ballet clásico, adoptando una forma pequeña y aboliendo la trama (como en “Chopinian” de 1907). El siguiente paso lo dio Fyodor Lopukhov con su sinfonía de danza sin trama "La grandeza del universo". En esta actuación participó el joven Georgy Balan-chivadze. Unos años más tarde se encontró en Occidente, se convirtió en Balanchine por consejo de Diaghilev y luego, en 1933, se mudó a Estados Unidos, donde creó un movimiento que eventualmente llegó a llamarse ballet neoclásico. Sin embargo, si lees a los investigadores europeos, llaman a otro emigrante de Rusia soviética- Serguéi Lifar. Ambos trabajaron con vocabulario. Ballet clásico, trajes y decoraciones simplificados, gravitaban hacia las formas pequeñas y la ausencia de trama, por lo que, quizás, no sea tan importante cuál de ellos fue el primero, sobre todo porque sus carreras en Occidente se desarrollaron simultáneamente. Otra cosa es importante: el ballet neoclásico es uno de los movimientos más poderosos del siglo XX. Tanto Maurice Béjart como Roland Petit pusieron en escena este estilo en ocasiones, pero William Forsythe y Wayne McGregor desempeñaron un papel verdaderamente serio en su promoción en el siglo XXI.

década de 1940
Samba

Carmen Miranda interpreta la canción "Kai-kai" en la película That Night in Rio de Irving Cummings. 1941
Los ritmos brasileños han conquistado el mundo más de una vez: a principios del siglo XX eran matchish y a principios de los años 40 eran samba.

La cultura de la música y la danza de los antiguos esclavos de África occidental en Brasil se integró bastante temprano en la cultura católica dominante. En la práctica, esto significó que las deidades de África occidental fueron reemplazadas por santos cristianos y las procesiones religiosas se convirtieron en un colorido carnaval multicultural. La samba nació de un ritual tradicional en el que las personas (en su mayoría mujeres) caían en trance, como si estuvieran poseídas por espíritus. El baile apareció por primera vez en los procesos de carnaval en 1917 y rápidamente se convirtió en parte obligatoria de las celebraciones en Río. Las competiciones de este baile se llevaban a cabo en sambódromos especiales del tamaño de un buen estadio. El baile alcanzó popularidad mundial gracias a la cantante, actriz y bailarina Carmen Miranda (1909-1955), a quien llamaron la “bomba brasileña”. Nacida en Portugal, se mudó a Brasil a temprana edad y desde 1939 vivió en Estados Unidos, actuó en Broadway y actuó en Hollywood. Sus películas, como Esa noche en Río (1941), Fin de semana en La Habana (1941) y Toda la pandilla (1943), se convirtieron en una salida para la gente durante la guerra.

La samba se baila a un ritmo sincopado de 4/4 con pasos hacia adelante y hacia atrás y movimientos de balanceo y balanceo.

Merce Cunningham

"Beach Birds for Video Camera" interpretada por Merce Cunningham Dance Company. Coreografía de Merce Cunningham, música de John Cage, adaptación en vídeo de Elliot Kaplan. 1993

A Merce Cunningham a menudo se le llama modernista o posmodernista, pero más bien escapó de uno e inspiró al otro, y él mismo siguió siendo una figura separada en la historia de la danza estadounidense.

Cunningham comenzó a bailar en la compañía de Martha Graham, pero después de seis años de trabajo odiaba tanto la técnica de Graham como su concepto de movimiento, y ya en la década de 1940 la dejó y creó su propia compañía, donde el principal trabajo administrativo lo realizaba su socio. , compositor John Cage. De Cage, Cunningham tomó prestado el principio de aleatoriedad o aleatoriedad: por ejemplo, los dados de Cage determinaban el orden de los períodos en pieza musical, y en Kanning-gem, el orden de las escenas de baile y cuál de los artistas bailará qué parte. Este principio correspondía plenamente a la idea de Cunningham de la necesidad de destruir los patrones habituales y abandonar los movimientos naturales y aprendidos. Al final de su vida, Cunningham se interesó por la tecnología informática: comenzó a crear coreografías no en la sala, sino en los programas Life Forms y DanceForms, y luego invitó a sus artistas a implementarlas en el escenario.

Cunningham creía que en el escenario todas las formas de arte deberían coexistir en igualdad de condiciones y no estar subordinadas a una sola: la danza. Trabajó con artistas de vanguardia: la música fue escrita por Cage, el vestuario fue diseñado a menudo por Warhol y la escenografía fue de Robert Rauschenberg. Al mismo tiempo, todos trabajaban sin saber lo que hacía el otro. Todo confluyó por primera vez en presencia del público. Incluso los artistas a menudo aprendían qué movimientos y en qué orden debían realizar unos minutos antes del estreno y escuchaban la música por primera vez solo en el escenario.

Al principio, la compañía de Cunningham ofrecía una actuación al año. Por supuesto, esto no generó suficiente dinero. Luego vinieron al rescate amigos y personas de ideas afines; por ejemplo, Rauschenberg pudo organizar rápidamente una exposición, vender todas las pinturas y donar dinero para el desarrollo de la compañía.

década de 1950
Rock and roll

Rock and roll de la película de Fred F. Sears "Don't Knock the Rock". 1956

Después de la guerra, apareció toda una galaxia de músicos tocando algo parecido al blues acelerado. Pero las primeras grabaciones aún no se llamaban rock and roll, sino que se consideraban una consecuencia del ritmo y el blues, que en la América conservadora estaba fuertemente asociado con la música de los afroamericanos. Según la creencia popular, la palabra "rock and roll" en este sentido fue utilizada por primera vez por el presentador de radio Alan Freed para reproducir en el aire canciones de Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley y Jerry, incluso para una audiencia blanca (. Irónicamente, en la jerga afroamericana, “rock and roll” se llamaba sexo).

Bajo música nueva bailé usando todos los movimientos del baile swing, pero con más energía y con una proporción mayor improvisación. películas de hollywood"Rock Around the Clock", "Don't Knock the Rock" y "The Girl Can't Help It" (todas publicadas en 1956) finalmente convirtieron a la generación de la posguerra en la generación del rock'n'roll. Ni Europa ni la URSS pudieron resistirse a los ritmos impetuosos: incluso el conjunto de Igor Moiseev bailó rock and roll, aunque en forma de parodia de la "moral burguesa" y bajo el irónico nombre de "Back to the Monkey".

Maurice Bejart y los coreógrafos belgas

"La Consagración de la Primavera" dirigida por Maurice Béjart. 1959

Maurice Béjart es la figura más importante tanto del ballet como de la danza moderna. Trabajó en Francia, Bélgica y Suiza y, a pesar de todo el cierre de la URSS, colaboró ​​con Maya Plisetskaya, Ekaterina Maksimova y Vladimir Vasilev. Vivió en Bélgica durante 30 años, a partir de 1959, cuando, desesperado por esperar el reconocimiento y la ayuda de las autoridades francesas, Bejart aceptó la invitación del director del Théâtre de la Monnaie para crear compañía de ballet en Bruselas. Su primer estreno en la nueva ubicación fue “La Consagración de la Primavera”, ahora legendaria.

Podemos decir que gracias a Maurice Béjart surgió la danza moderna en Bélgica: en 1970 creó en Bruselas la escuela interdisciplinaria de coreografía “Mudra”, donde enseñaban ballet clásico, música, canto, artes marciales y interino. Su graduada Anne Teresa de Kers-macker se convirtió en una de las coreógrafas belgas contemporáneas más poderosas y en 1995 abrió otra escuela emblemática, P.A.R.T.S. (Estudios de Investigación y Formación en Artes Escénicas). En partes. También forman artistas "sintéticos", añadiendo al conjunto "Mudra" el repertorio de coreógrafos del siglo XX, desde William Forsythe hasta Pina Bausch.

Hoy Bélgica es uno de los centros de la danza moderna, cuyos grupos y escuelas sueñan con artistas de todo el mundo. Al mismo tiempo, no existe una escuela de danza belga como tal: cada coreógrafo tiene su propio estilo. Por ejemplo, Anne Teresa de Keersmaeker estudia la relación entre música y coreografía, así como los patrones geométricos de la danza; Wim Vandekeybus lleva la danza al cine, ocupando una posición de liderazgo en el mundo de la danza cinematográfica; Sidi Larbi Cherkaoui combina las culturas oriental y occidental en sus obras.

década de 1960
Girar

t whist con la canción "Let's Twist Again" interpretada por Chubby Checker

El Twist comenzó a bailarse a finales de la década de 1950, pero después de que el afroamericano Chubby Checker, de 19 años (nombre real Ernest Evans), interpretara la canción "The Twist" con el grupo American Bandstand en 1960, Estados Unidos literalmente se volvió loco ( este fenómeno, la popularidad instantánea y a corto plazo de la danza, incluso recibió el nombre de locura de la danza), y detrás de él el mundo entero. Tres años después, Checker consolidó su éxito con el sencillo "Let's Twist Again".

Twist completa una larga evolución club de baile quienes gradualmente pasaron del baile en estrecho contacto con una pareja al baile individual. Incluso en el rock and roll, una pareja se tomaba de la mano (aunque sólo se tocaran con las yemas de los dedos), pero en un giro, un compañero, en principio, ya no es necesario. Y, lo más importante, el baile fue inusualmente sencillo de realizar: hay que hacer un movimiento con la pierna de apoyo, como si estuviera aplastando una colilla con la suela; la otra pierna se balancea. Las caderas están incluidas en el movimiento y las manos trabajan como si se frotaran la espalda con una toalla después de la ducha. Entre otras cosas, estos movimientos no requieren mucho espacio: el twist se puede bailar tanto en el propio dormitorio como en una discoteca abarrotada.

danza posmoderna

"Motor de agua" de Trisha Brown. 1978

A diferencia de muchos otros fenómenos artísticos, la danza posmoderna tiene una fecha de nacimiento. Es el 6 de julio de 1962, el día en que la Iglesia Bautista Judson Memorial organizó un "Concierto de Danza ()" en el que los alumnos de la clase de composición de Robert Dunn mostraron sus trabajos, creados a lo largo de dos años de clases. Se llamaron a sí mismos posmodernistas, renunciando así a la odiada danza moderna, que, en su opinión, reemplazó las viejas reglas por otras nuevas, en lugar de abandonarlas por completo. El famoso “No Manifesto”, escrito por una de las representantes más destacadas de este movimiento, Yvonne Rainer, habla de liberación: no es necesario bailar para el público, no es necesario aprender y poder bailar para expresa tus sentimientos, no hace falta que juegues a princesas ni a héroes, no hace falta bailar para contar historias. Vive contigo mismo, aquí y ahora. Baila en el parque, reacciona con la danza a lo que sucede a tu alrededor, experimenta.

década de 1970
Ajetreo

Vídeo de "The Hustle" de Van McCoy. década de 1970

El estilo musical y de baile de la discoteca (del inglés disco - "disco de vinilo") se desarrolló a finales de los años 60 y principios de los 70, cuando los clubes comenzaron a tocar música en vivo en lugar de bandas de jazz y bandas de rock. Club nocturno en París, en la calle Huchette, donde se reunió toda una biblioteca de discos, pasó a ser conocida como la “Discoteca”. El estilo disco incorporó muchas influencias diferentes: jazz, ritmo y blues, soul, gospel, latín, por lo que cada uno podía encontrar algo de su agrado. A la generación de los solteros, “individuos atomizados”, no podía dejar de gustarle el hecho de que la discoteca se pueda bailar sin contacto físico y que el bailarín tenga total libertad de acción. Los músicos que crearon el estilo son Donna Summer, Gloria Gaynor, Van McCoy, los Bee Gees.

El éxito disco de Van McCoy "The Hustle" dio lugar al baile del mismo nombre (que, sin embargo, se suele bailar en parejas). Hustle incorpora ritmos latinoamericanos y su estructura rítmica es similar al two-step o Lindy hop, bailes en los que se dan dos pasos por cada tiempo. La estructura básica de los pasos se complementa con movimientos improvisados, lo que hace que cada pareja de baile sea única, diferente a otras.

Pina Bausch

“Café Müller” dirigida por Pina Bausch. década de 1980

Pina Bausch es probablemente la más coreógrafo famoso Siglo XX. Fue alumna de Kurt Jooss y luego solista de su Ballet Folkwang. Allí comenzó a inventar coreografías de forma independiente (según ella, no tenía la intención de convertirse en coreógrafa, pero quería bailar más), y en 1969 se convirtió en directora artística del teatro. En 1973 fue invitada a dirigir la compañía de ballet. teatro de la Ópera en Wuppertal, y pronto la compañía se convirtió en una compañía de danza independiente: el Wuppertal Tanztheater. La danza teatro es un género inventado por Kurt Jooss, en el que se mezclan en el escenario ballet, ópera y teatro. En las actuaciones de Pina Bausch, un artista puede bailar y un minuto después coger un acordeón y cantar. O enciende un cigarrillo y empieza a hablar de tu infancia. A menudo Pina pedía a sus artistas que pensaran en algo y mostraran su historia en el siguiente ensayo. Podría montar una actuación completa a partir de esos restos.

La Consagración de la Primavera, un ballet que representó al comienzo de la existencia de la compañía (normalmente los coreógrafos llegan a él sólo en la cima de su carrera), dio fama al Teatro de Danza de Pina Bausch. Su versión explora el choque entre el hombre y la sociedad: en la escena del sacrificio, la Elegida, a diferencia de la versión clásica, no está dispuesta a dar su vida por la fertilidad de la tierra, sino que lucha hasta el final por su derecho. tener voz. Por supuesto, el público no pudo evitar quedar impresionado por una de las soluciones escenográficas: los actores del Teatro de Danza bailan literalmente embarrados en el suelo.

En 2011, Wim Wenders estrenó la película Pina, que la convirtió en la coreógrafa de danza contemporánea más famosa de la actualidad.

década de 1980
Hip hop

Afrika Bambaataa & The Soul Sonic Force con la canción “Planet Rock”. mil novecientos ochenta y dos

En la década de 1970, los DJ comenzaron no solo a reproducir discos en tocadiscos, sino también a utilizarlos para crear música (por ejemplo, repitiendo algunos fragmentos musicales de discos). Aparecieron los DJ de radio; sonó uno nuevo, musica electronica. En Nueva York, en el sur del Bronx, surgió el primer estilo de hip-hop: el breakdance. Esta danza atlética combinaría un juego de pies fluido con giros acrobáticos en la cabeza, la espalda y los brazos. A estos se agregaron movimientos intermitentes de congelación (del inglés congelar - "congelar-congelar") y bloqueo, similares a los de un robot, así como movimientos de estallido más suaves, como si pasaran por diferentes partes del cuerpo. electricidad. Siguiendo a los b-boys (Crazy Legs, Prince Ken Swift, Orko), aparecieron las b-girls (una de las primeras fue Masami, nacida en Japón).

En la década de 1980, junto con el rap popular, el llamado hip-hop de la vieja escuela llegó a las pistas de baile: más inclusivo, con más énfasis en el juego de pies que en las acrobacias; Surgen nuevos personajes: Robocop, Roger Rabbit, Running Man.

Nueva danza y no danza francesa

“La Anunciación” de Angelin Preljocaj. 1996

En Francia, la danza moderna apareció muy tarde: la influencia del ballet clásico fue demasiado poderosa. Hasta la década de 1970, la danza no clásica se practicaba casi en secreto, en los gimnasios, después del trabajo habitual. En 1968, las huelgas estudiantiles sacudieron Europa, obligando a reexaminar algunos valores del arte, y la danza moderna pudo aparecer repentinamente en el escenario real. Y en las décadas de 1980 y 1990, comenzó en Francia la llamada descentralización de la danza: se crearon centros de danza profesionales en todo el país, encabezados por jóvenes coreógrafos: Dominique Bague, Angelin Preljocaj, Magi Marin, Joseph Nadge y otros. El objetivo de esta política cultural era eliminar la división entre el arte provincial y metropolitano, que se considera más profesional.

Además, en las décadas de 1980 y 1990, surgió otra dirección de la nueva danza francesa, que a menudo se denomina analogía francesa del posmodernismo estadounidense: la llamada no danza (o no danza). Casi todos sus representantes (principalmente Jerome Bel, Boris Charmatz, Xavier Le Roy) son alumnos o alumnos de alumnos de los creadores de la nueva danza francesa, que tienen una excelente base coreográfica, pero la danza para ellos ya no es el principal medio de expresión artística: se alejan Se alejan de la coreografía, utilizando el juego dramático y la improvisación, el canto y el stand-up, las videoproyecciones y la infografía en sus actuaciones.

década de 1990
Lambada y Macarena

"Lambada" interpretada por el grupo Kaoma. 1989

1989, cuando el Muro de Berlín se derrumbó y empezó a mostrar grietas Unión Soviética, resultó estar coloreado por los sonidos de lambada interpretados por el grupo Kaoma. Este baile latino- un descendiente directo del matchish: el mismo ritmo rápido, movimientos igualmente eróticos, si no más. Al igual que el “tango brasileño”, la lambada vino de Río. Y su melodía, como una melodía de partido, fue tocada rápidamente hasta que los dientes pusieron los dientes de punta.

Una historia similar ocurrió a mediados de los años 1990 con la Macarena. Primero, el dúo pop español Los del Río interpretó una canción sobre una niña llamada Macarena (Magdalena). Escrito en ritmo musical Con la clave típica de la frenética música afrocubana, la canción se convirtió en un éxito instantáneo. Y no sólo la canción: en el vídeo se representaba un baile sencillo con una serie de movimientos ideales para que todos pudieran realizarlos juntos en el reducido espacio de una discoteca.

Gagá

"Deca Dance" coreografiada por Ohad Naharin. año 2000

La Compañía de Danza Batsheva de Tel Aviv fue fundada por Martha Graham y la baronesa Batsheva de Rothschild en 1964, pero se convirtió en un verdadero centro de danza moderna en la década de 1990, cuando estaba dirigida por Ohad Naharin. Naharin es probablemente el coreógrafo contemporáneo más influyente, con quien tanto el ballet como bailarines modernos, y sus obras están en todos teatros más grandes paz.

Ohad Naharin creó su propio lenguaje coreográfico, llamado gaga. Según el propio coreógrafo, gaga no es un estilo de coreografía, sino una forma de movimiento. Gaga practica en una sala sin espejos (aunque los espejos suelen ser necesarios para el mundo de la danza como elemento de autocontrol), no se permite la entrada de personas ajenas a la práctica y el profesor baila, fusionándose con sus alumnos. Hay clases "Gaga/Dancers", donde estudian profesionales, y "Gaga/People", donde puedes venir con cualquier formación de baile. La tarea del gagá es sentir su cuerpo, sentir cada molécula de su cuerpo, estar simultáneamente en su cuerpo y fuera de él, sin perder la autoironía. Esta es una de las técnicas más populares en la actualidad.

Así que hemos llegado sin problemas a tiempos casi modernos: el siglo XX, una época en la que la rueda del progreso giraba a una velocidad vertiginosa y la humanidad, en términos científicos y tecnológicos, dio un increíble salto hacia adelante (¿tal vez hacia atrás?). Si a principios del siglo XX la gente viajaba en carruajes, al final ya había comenzado la era de la civilización informática. Por qué, sólo durante el siglo XX, el ritmo del progreso científico y tecnológico excedió el ritmo de progreso de toda la historia anterior de la humanidad combinada, y esto no es ninguna broma. El rápido desarrollo de la civilización ni siquiera fue impedido por dos guerras mundiales y un montón de altibajos muy diferentes (y a menudo tristes), todo tipo de revoluciones sangrientas (en particular, el golpe bolchevique en Rusia), genocidios masivos (el Holocausto de Hitler, el de Stalin). hambrunas, el régimen comunista de Pol Pot en Camboya, etc.) Pero sin embargo, la vida y el modo de vida de las personas durante el siglo XX han cambiado dramáticamente. Pero una cosa no ha cambiado en todo momento: el anhelo de la gente por la felicidad, la alegría y la autoexpresión, y esto siempre ha sido servido por el gran arte de la música y la danza, que floreció magníficamente en el siglo XX, un gran grupo de música diferente. y aparecieron estilos de baile.

El tango es un hermoso baile argentino que se originó en el siglo XIX en la lejana Argentina e inmediatamente se convirtió en el baile favorito de todos los latinoamericanos (y mujeres latinas) apasionados. Y ya a principios del siglo XX, el primer espectáculo de tango tuvo lugar en París, luego en Londres, luego en Nueva York, y literalmente en un instante el baile se extendió por todo el mundo, volviéndose increíblemente popular tanto en Europa como en América. Aquí y allá se crean numerosos conjuntos que escriben y tocan música para el tango, y el período comprendido entre los años 30 y 50 se puede llamar en general la “época dorada del tango”. Surgen una gran variedad de subestilos muy diferentes de este baile: tango argentino, tango uruguayo, tango de salón y muchos más. El tango sigue siendo popular en nuestros días, especialmente en mi Lviv natal, a muchos jóvenes (especialmente a los jóvenes de corazón) les encanta bailar este baile, y justo debajo se celebran fiestas de tango. Aire libre, enfatizando aún más el encanto único de la antigua (y bohemia) Lviv.

Y esta es la salsa, otro baile popular latinoamericano del siglo XX. La salsa surgió allá por los años 20 bajo el soleado sol cubano y muy rápidamente se convirtió en un baile común de todos los puertorriqueños decentes. En los años 60 y 70, gracias a los emigrantes peurorricenses y latinoamericanos, la salsa se difundió activamente en los Estados Unidos y luego en todo el mundo. También tiene muchas direcciones diferentes: rumba, cha-cha-cha, bocacha, mambo y otras.

Y finalmente, mi baile favorito del siglo XX es el rock and roll. Esta dinámica danza estadounidense apareció en los años 50 del siglo pasado e inmediatamente se ganó los corazones de millones de jóvenes en todo el mundo. En general, el rock and roll es principalmente música, no danza, pero ¿es posible no bailar con una música tan incendiaria y estimulante? Por eso digo que es imposible, por eso, con la llegada del rock and roll incendiario, inmediatamente aparecieron bailes de rock and roll no menos incendiarios, y el lema "sexo, drogas y rock-n-roll" se convirtió casi en el lema de un generación entera. (Aunque yo tomaría las drogas a partir de ahí). El primer rey famoso del rock and roll fue Su Majestad Elvis Presley, y ya en los años 60, los "Fab Four" The Beatles tronó en todo el mundo con las voces de trompeta del rock and roll.

En general, en el siglo XX hubo muchos más diferentes bailes, aquí tienes hip-hop, contemporáneo, rumba, lambada y un montón de cosas más, pero aparentemente no tiene sentido describirlas todas. En conclusión, solo puedo decir una cosa: no importa en absoluto lo que bailemos, lo principal es que lo bailemos con sinceridad, con toda el alma, con todo el corazón, porque el baile no es solo entretenimiento, el baile es nuestra vida...


Desde la antigüedad, la danza ha sido una parte importante de ceremonias, rituales y fiestas. Sin embargo, hasta el día de hoy ha sobrevivido poca información sobre las danzas antiguas y sus descripciones. Hoy en día no se conocen muchas danzas antiguas, cada una de las cuales historia más interesante. Es cierto que actualmente estas danzas están al borde de la extinción.

1. Bailando con los muertos



Madagascar
Los habitantes de la isla de Madagascar realizan un ritual único, "bailar con los muertos", una vez cada siete años. Durante esta ceremonia, acompañada de música en vivo, abren las criptas que contienen los restos de sus familiares, los sacan y envuelven a los muertos en paños nuevos y limpios.

Se prepara una delicia con los animales sacrificados. Luego comienza el baile alegre con los muertos en brazos.

2. Danza de San Vito



Alemania
La danzamanía, un fenómeno inexplicable de la Edad Media de los siglos XIV al XVII, conocido como las danzas de San Vito, es una de las primeras formas descritas de “locura masiva”. Decenas, cientos de personas en estado inconsciente podían bailar hasta quedar completamente exhaustas durante días y semanas hasta colapsar.

El primer brote de esta manía se observó en 1374 en la ciudad de Aquisgrán y posteriormente se extendió por toda Europa.

3. Derviches giratorios


Turquía
Ancho baile famoso“Derviches giratorios”, “sema”, tiene un significado ritual. Sus participantes, los Semazen, son los derviches de la hermandad Mevlevi. Sema es más que un baile, es un proceso mágico. Los derviches, en el proceso de girar, inclinan la cabeza para comprimir la arteria carótida, y como resultado caen en trance y logran la unión con lo divino.

Cada elemento es simbólico. falda blanca significa una mortaja, un sombrero hecho de pelo de camello significa una lápida. Quitarse el manto negro simboliza el renacimiento espiritual. La hermandad Mevlevi, a la que pertenecen los derviches, fue fundada en el siglo XIII en Turquía por su mentor Mevlevi y todavía existe en la actualidad.

4. Danza Wendigo



Canadá
Los wendigos de los indios algonquinos son monstruos devoradores de hombres demacrados y eternamente hambrientos, con pelo enmarañado y piel podrida.

Los indios tienen una danza tradicional en la que algunos bailarines representan satíricamente monstruos terribles devorando personas, mientras que otros representan valientes cazadores de Wendigo.

5. Tarantela



Italia
La tarantela es un baile muy rápido que nació en el siglo XV en Nápoles. Su nombre, según una versión, está asociado con la ciudad de Taranto, según otra, con una araña, una tarántula, que se encuentra en estos lugares. Durante mucho tiempo se creyó que su picadura conducía al "tarantismo", una enfermedad mortal que sólo se puede curar con un baile frenético e incontrolable, como resultado de lo cual la sangre se acelera y se liberan toxinas.

En aquella época, incluso las orquestas viajaban por Italia específicamente para aquellos que padecían el “tarantismo”. Y sólo 300 años después se descubrió que la picadura de esta araña no es mortal en absoluto, sino que sólo provoca una ligera hinchazón alrededor de la herida.

6. Danza Morris



Inglaterra
El baile morris es una antigua tradición inglesa. Muchos creen que la danza se originó en el lejano pasado pagano de Inglaterra, como una danza ritual de fertilidad entre los celtas. Otros creen que surgió mucho más tarde.

En el siglo XVI, el baile con trajes elaborados y cascabeles en las espinillas se hizo muy popular en las cortes europeas. Este baile todavía se baila en Gran Bretaña hasta el día de hoy.

7. Danzas en honor a Kachin



Arizona, Utah, Colorado/Estados Unidos
Según los Hopi, todo en la naturaleza está lleno de espíritus Kachina, que viven con los indios en sus aldeas durante seis meses y regresan a su mundo a finales de julio. Para despedir a los Kachina, los Hopi realizan una danza en su honor durante ocho días completos.

Cincuenta bailarines con máscaras y trajes coloridos, que representan espíritus, bailan todo el día al son de tambores y cánticos. Al final de la festividad, como creían los Hopi, los espíritus se iban a las montañas a sus hogares hasta noviembre.

8. Danza del sable



Pakistán/Nepal
La danza del sable es uno de los rituales más comunes en el mundo. En Pakistán y Nepal, son un atributo obligatorio de las bodas y otras celebraciones. De Creta llegaron a la Antigua Grecia. También se extendieron ampliamente por Europa, especialmente en zonas vecinas al Sacro Imperio Romano Germánico y al País Vasco. A lo largo de aproximadamente cuatro mil años, las culturas del mundo desarrollaron estas danzas. Se han convertido en un componente integral de las artes marciales.

En China, la danza del sable también se ha convertido en una de las cuatro danzas principales de la ópera china. Sólo los otomanos prohibieron la danza del sable, creyendo que con este pretexto comprarían armas para el movimiento de Resistencia.

9. Danza ritual del candoble


Brasil
La extraña y misteriosa religión del Candoble, prohibida hasta mediados del siglo XX, apareció en Brasil a raíz de la importación de esclavos de África. Uno de sus principales rituales es una danza con repetición interminable de movimientos monótonos, por lo que el bailarín cae en estado de trance.

Se cree que al mismo tiempo lo habita uno de los dioses, al comunicarse con quien puede purificar su alma. El baile se realiza acompañado de un tambor brasileño y cascabeles.

10. Danza zalonga



Grecia
En realidad, esto no es un baile y todos los griegos conocen esta historia. Fue un acto de suicidio masivo frente al genocidio. En 1803, tras la firma de un acuerdo de paz, el vasallo imperio Otomano Ali Pasha lo violó y atacó a los Souliots con el objetivo de esclavizar a sus mujeres y destruir a sus hombres. En protesta, un grupo de 50 mujeres con bebés en brazos subió al acantilado de Zalongo. Primero arrojaron a sus hijos y después saltaron ellos mismos.

Los rumores sobre esto se difundieron por todas partes, por las tierras otomanas y por Europa, artistas y poetas inmortalizaron a estas mujeres en sus poemas y pinturas. Decían que las mujeres bailaban y cantaban Canciones folk, pero quizás este detalle se agregó más tarde para mejorar el efecto.

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De: listverse.com