Ils ravissent l’humanité depuis cinq cents ans.
On sait que l’artiste a travaillé à la demande de l’élite dirigeante ou de l’Église et pendant très longtemps. Il y avait des cas où le client ne pouvait plus attendre et confiait le travail à quelqu'un d'autre.
L'artiste n'a créé pas plus de trois douzaines de tableaux, dont certains sont perdus. Ceux qui nous sont parvenus constituent un patrimoine culturel inestimable et appartiennent au fonds d'or de l'art de la Renaissance. Leonardo est devenu la perle de cette époque, démontrant pour la première fois technique unique sfumato, qui était utilisé par ses disciples : Raphaël, Michel-Ange et d'autres grands noms.
Sa dernière œuvre, « Jean-Baptiste », a été écrite par lui à l'âge de 65 ans, trois ans avant sa mort, dans un château gracieusement offert à l'Italien par le roi de France. C’est ici que nous commençons notre connaissance des chefs-d’œuvre de Léonard de Vinci.
Le plus meilleures peintures Léonard de Vinci : description et photo.
Jean-Baptiste (1514-1516)
"Jean-Baptiste" - tableau de Léonard de Vinci.
L'artiste a commencé à peindre à Rome et l'a terminé en France. Depuis, il n'a pas quitté ce pays, est passé de roi en roi, et est aujourd'hui conservé au Louvre.
Le tableau, mesurant 69 sur 57 cm, a suscité le mécontentement du clergé et a été critiqué pour son ressemblance féminine, le sourire enjoué de la sainte et le fond trop sombre entourant le visage clair. On pense que l’image a été copiée sur l’élève de Salai, avec qui l’artiste entretenait une relation à long terme, peut-être de nature intime.
Le travail est interprété différemment consensus non, mais on sait avec certitude que l'artiste a souvent utilisé ce geste dans ses œuvres, et qu'il a ensuite été copié par d'autres, dont Raphaël.
Le tableau est considéré comme le deuxième plus mystérieux après La Gioconda.
Mona Lisa (1503-1519)
« Mona Lisa », également connue sous le nom de « La Joconde », est un tableau de Léonard de Vinci.
Le tableau le plus controversé et le plus célèbre de Léonard de Vinci. Il se trouve également au Louvre, où il fut volé en 1911. Ils l'ont recherché pendant plusieurs années sans succès, jusqu'à ce que le voleur se trompe lui-même en annonçant la vente dans la presse. Pendant tout ce temps, il l'a gardé sous son matelas.
En outre, il y a eu quatre tentatives sur le tableau : ils ont versé de l'acide dessus, y ont jeté une pierre et même une tasse, et ils ont également essayé de l'éclabousser de peinture.
L'œuvre a été restaurée à plusieurs reprises et les experts estiment que les sourcils ont disparu de son visage précisément à cause de cela. De nombreuses personnes ont essayé de discuter de son sourire en écrivant des tonnes de papier. Cependant, ils ont également brisé leurs lances pour savoir qui y était réellement représenté : une vraie femme, l’image de la mère de l’auteur ou un autoportrait crypté.
Une chose est sûre : dans cette œuvre la technique du sfumato est la plus prononcée, et grâce au flou des traits, le portrait prend vie. Cela est particulièrement visible si l’on regarde l’exposition du musée directement au Louvre : le sourire de Gioconda change selon l’angle.
On sait avec certitude que Léonard de Vinci ne s'est jamais séparé de ce portrait.
D'ailleurs, le portrait est assuré pour 670 millions de dollars, ce qui lui a permis d'entrer dans le livre Guinness des records comme l'œuvre d'art assurée la plus chère. Le tableau est caché derrière une vitre pare-balles dans une salle créée à cet effet, protégée par un système de sécurité.
Madone aux Rochers (1483-1486)
"Madonna of the Rocks" - tableau de Léonard de Vinci.
Le Louvre abrite également cette œuvre de l'artiste, sur laquelle il a commencé à travailler à l'âge de 30 ans. Il existe une deuxième version de l'œuvre du même nom, conservée au Musée de Londres. Et si les Français ont confiance dans la paternité de Léonard, alors les Britanniques devaient le prouver. Les tableaux sont de composition identique, l'exécution est légèrement différente. De plus, la version Louvre est plus haute de plusieurs centimètres.
La Sainte Famille a été commandée à l'artiste par un représentant d'une des églises de Milan, mais elle n'est jamais arrivée à l'adresse. Leonardo a reçu la caution, mais a augmenté le prix final. Les parties ne se sont pas mises d'accord, le tableau est resté chez l'artiste et l'a accompagné en France.
Ce tableau s'est avéré être le premier dans l'histoire de la peinture dans lequel des personnages sont placés à l'intérieur du paysage et non devant lui. Ils notent également l'humanisation des images de Marie, Jésus, Jean-Baptiste et l'Ange ; avant cela, les artistes peignaient des visages figés de saints. Les experts attribuent cela au fait que Léonard lui-même, bien qu'il ait écrit pour l'Église, était sceptique à l'égard de la religion.
Dame à l'hermine (1489-1490)
Il s'agit de l'un des quatre portraits de femmes conservés dans un musée en Pologne et du seul tableau de Léonard de Vinci.
L'artiste a peint un portrait de Cecilia Gallerani, la favorite du duc de Milan, à la cour duquel Léonard a passé dix-sept ans.
Entre ses mains, l’hermine n’est pas un animal étrange, mais un symbole représenté sur les armoiries du duc. Des critiques enthousiastes de cette époque ont été conservées sur le talent de l’artiste et sur Cecilia.
L'examen du portrait montre que le fond a été réécrit à plusieurs reprises. Le visage de la jeune fille a également été modifié. Qu'il s'agisse d'un ajustement de l'auteur lui-même, l'histoire est muette. Peut-être que des changements ont été apportés après la mort de Léonard lors de la restauration du tableau.
Dernière Cène (1495-1498)
« La Cène » est l'œuvre de Léonard de Vinci.
Cette fresque se trouve à Milan (), dans le monastère de Saint-Pierre. Mary, sur laquelle Léonard de Vinci a travaillé pendant trois ans mais ne l'a jamais achevé. Le duc de Milan a payé à Léonard près de 800 000 dollars pour cette commande, si l'on convertit deux mille ducats en monnaie moderne.
Les critiques d'art estiment qu'appeler cette œuvre une fresque n'est pas tout à fait correct : elle est peinte à la détrempe sur une couche spécialement préparée. Au fil des années, l'œuvre a été restaurée à plusieurs reprises par différents maîtres. Et il a commencé à s’effondrer vingt ans seulement après sa rédaction. La dernière fois qu'il a été mis en ordre, c'était en 1954.
Il y a beaucoup de rumeurs et de secrets autour de l’idée du tableau. Le livre de Dan Brown et le film du même nom "The Da Vinci Code" étaient basés sur certains d'entre eux.
"Annonciation" (1475)
"L'Annonciation" - tableau de Léonard de Vinci.
Une autre œuvre commandée par l'église, « L'Annonciation », est conservée à Florence dans la Galerie des Offices. Léonard l'a écrit alors qu'il était étudiant.
Si vous le regardez en détail, vous êtes frappé par le soin avec lequel chaque centimètre du tableau est peint. Ici, pour la première fois, Maria porte une robe moulante qui ne cache pas sa silhouette. Et l'Ange qui lui a apporté la bonne nouvelle a un lys blanc, symbole d'innocence. Le développement de la perspective est considéré comme une innovation : il ne s'agit pas seulement d'un fond sombre ou clair, mais d'un morceau de ville portuaire, avec des arbres, une rivière, des tours et des mâts de navire.
"Madone Litta" (1495)
« Madonna Litta » (1490-1491) est un chef-d'œuvre de Léonard de Vinci.
Ici aussi histoire biblique plein de mystères. D'un côté, la sérénité et la tendresse de la Mère de Dieu qui allaite, de l'autre, des points de suture déchirés sur les vêtements, comme si elle n'avait pas prévu de nourrir l'enfant. On ne sait pas pourquoi la lumière ne tombe pas des fenêtres, mais de quelque part vers la gauche. Il existe des versions selon lesquelles Léonard n'a peint que les visages des personnages, le reste a été complété par ses élèves. Eh bien, le détail principal que l'auteur perfectionnera plus tard dans son « La Gioconda » est le sourire. S’il vous semble que Madonna sourit, alors ce n’est pas le cas. Les experts disent que l’illusion d’optique se produit à cause des ombres aux coins de ses lèvres.
Sainte Anne avec la Vierge et l'Enfant Jésus (1510)
« Sainte Anne avec la Vierge et l'Enfant Christ » est une œuvre inachevée de Léonard de Vinci.
Le tableau est resté inachevé, bien que Léonard y soit revenu avant derniers jours propre vie. Il a réalisé de nombreux croquis où sa fille Mary est assise sur les genoux de sa mère Anna, tenant le petit Christ dans ses bras. Il y avait plusieurs variantes de « Anna in Three », comme on appelle également cette œuvre.
Le tableau a été souvent restauré, la dernière fois avec scandale. En 2012, après le « rajeunissement », les couleurs sont devenues anormalement vives, c'est pourquoi deux conservateurs influents du Louvre, en désaccord avec une méthode aussi barbare, ont démissionné de la commission internationale de restauration.
Et elle a également été abattue. Cela s'est produit à la National Gallery de Londres. Le tireur a admis avoir ainsi exprimé sa protestation contre la politique de la Grande-Bretagne et de Margaret Thatcher personnellement. La chevrotine s'est cassée verre de protection, et le dessin lui-même a reçu plusieurs rayures. Le vandale a écopé d'une véritable peine de prison.
Le plus grand nombre de tableaux se trouve en France au Louvre et en Italie à la Galerie des Offices. Deux tableaux se trouvent en Russie, à l'Ermitage : « Madonna Litta » et « Madonna Benois ». On pense que 13 tableaux du grand artiste et penseur ont survécu, mais parmi eux se trouvent ceux dont la paternité est controversée.
Léonard de Vinci. 15/04/1452, Vinci – 02/05/1519, Indice
L’attention sans précédent portée désormais par les historiens et les écrivains de fiction à la personnalité de Léonard de Vinci témoigne d’un tournant par rapport à la culture de la Renaissance, d’une réévaluation du contenu spirituel de la « plus grande révolution progressiste » qui sous-tend la civilisation européenne moderne. . Ils voient Léonard comme une sorte de quintessence de l'ère émergente, soulignant et soulignant dans son œuvre soit le lien avec la vision du monde de l'époque précédente, soit la démarcation radicale avec celle-ci. Le mysticisme et le rationalisme coexistent dans l'évaluation de sa personnalité dans un équilibre incompréhensible, et même l'immense héritage écrit du maître, qui est parvenu jusqu'à nos jours, n'est pas en mesure de l'ébranler. Léonard de Vinci compte parmi les plus grands scientifiques, même si très peu de ses projets ont été réalisés. Il est également l'un des plus grands artistes, même s'il a créé très peu de peintures (et toutes n'ont pas survécu) et encore moins de sculptures (pas du tout conservées). Ce qui fait la grandeur de Léonard, ce n'est pas le nombre d'idées qu'il a mises en œuvre, mais le changement dans la méthode de l'activité scientifique et artistique. Au sens figuré, il cherche à « comprendre l'organisme de chaque objet séparément et l'organisme de l'univers entier » (A. Benoit).
Léonard de Vinci. Autoportrait, env. 1510-1515
L'enfance et l'adolescence de Léonard sont très peu documentées. Son père, Piero da Vinci, était notaire héréditaire ; Déjà l’année de la naissance de son fils, il exerçait à Florence et y occupa bientôt une position importante. Tout ce que l'on sait de la mère, c'est qu'elle s'appelait Caterina, qu'elle était issue d'une famille paysanne et que, peu après la naissance de Léonard, elle était mariée à un riche agriculteur, un certain Accatabridge di Piero del Vaccia. Leonardo a été emmené dans la maison de son père et élevé par sa belle-mère sans enfant, Albiera Amadori. On ne sait pas quoi et comment il a été enseigné, quelles ont été ses premières expériences en matière de dessin. Ce qui est incontestable, c’est que la formation de la personnalité d’un garçon a une grande influence, sinon influence décisive fourni par son oncle Francesco, avec qui Léonard de Vinci a entretenu les relations les plus chaleureuses tout au long de sa vie. Léonard étant un fils illégitime, il ne pouvait pas hériter de la profession de son père. Vasari rapporte que Pierrot était ami avec Andrea Verrocchio et un jour lui montra les dessins de son fils, après quoi Andrea emmena Leonardo dans son atelier. Piero et sa famille s'installèrent à Florence en 1466, c'est pourquoi Léonard de Vinci se retrouva dans l'atelier (bottega) de Verrocchio à l'âge de quatorze ans.
Les plus grandes œuvres réalisées par Verrocchio pendant la période des études de Léonard avec lui furent la statue « David » (Florence, Bargello), commandée par la famille. Médicis(on pense que le jeune Léonard de Vinci a posé pour elle), et l'achèvement du dôme de la cathédrale de Florence avec une boule d'or avec une croix (l'ordre de la ville fut reçu le 10 septembre 1468 et achevé en mai 1472). Dans l'atelier d'Andrea, le meilleur de Florence, Léonard de Vinci a eu l'occasion d'étudier tous les types arts visuels, l'architecture, la théorie de la perspective et se familiariser partiellement avec les sciences naturelles et les sciences humaines. Son évolution en tant que peintre n'a apparemment pas été tant influencée par Verrocchio lui-même que par Botticelli et Botticelli, qui ont étudié avec lui au cours des mêmes années. Pérugin.
En 1469, Piero da Vinci reçut le poste de notaire de la République florentine, puis de plusieurs des plus grands monastères et familles. A cette époque, il était veuf. Ayant finalement déménagé à Florence, Piero se remarie et accueille Leonardo chez lui. Leonardo a poursuivi ses études avec Verrocchio et a également étudié les sciences de manière indépendante. Déjà au cours de ces années, il rencontra Paolo Toscanelli (mathématicien, médecin, astronome et géographe) et Léon Battista Alberti. En 1472, il rejoint la corporation des peintres et, comme en témoigne l'inscription dans le livre de la guilde, paie une redevance pour l'organisation de la fête de Saint-Pierre. Luc. Cette même année, il retourne à l'atelier d'Andrea, puisque son père devient veuf pour la deuxième fois et marié pour la troisième fois. En 1480, Léonard de Vinci possédait son propre atelier. Le premier tableau de Léonard, connu aujourd'hui, est l'image d'un ange dans le tableau « Le Baptême du Christ » (Florence, Galerie des Offices). Jusqu'à récemment, le tableau était considéré (sur la base d'un rapport Vasari) de Verrocchio, qui, ayant vu à quel point son élève le surpassait en compétence, aurait abandonné la peinture.
Baptême du Christ. Un tableau de Verrocchio, peint par lui et ses élèves. Celui de droite des deux anges est l'œuvre de Léonard de Vinci. 1472-1475
Cependant, une analyse réalisée par le personnel des Offices a montré que le travail était réalisé collectivement par trois, voire quatre artistes, conformément aux traditions des ateliers médiévaux. Parmi eux, Botticelli a évidemment joué le rôle principal. L'origine de la figure de l'ange gauche de Léonard ne fait aucun doute. Il a également peint une partie du paysage – derrière l’ange au bord de la composition.
Le manque de preuves documentaires, de signatures et de dates sur les tableaux rend leur attribution très difficile. Du début des années 1470 datent deux « Annonciations » qui, à en juger par leur format horizontal, sont des prédelles d'autel. Ceux d'entre eux qui sont conservés dans la collection des Offices sont inclus dans un certain nombre des rares premières œuvres de Léonard de Vinci. Son exécution sèche et les types de visages de Marie et de l'ange rappellent les œuvres de Lorenzo di Credi, camarade de Léonard dans l'atelier de Verrocchio.
Peinture de Léonard de Vinci "L'Annonciation", 1472-1475. Galerie des Offices
L'Annonciation du Louvre, rendue de manière plus généralisée, est actuellement attribuée aux œuvres de Lorenzo.
Léonard de Vinci. Annonciation, 1478-1482. Musée du Louvre
La première œuvre datée de Léonard de Vinci est un dessin à la plume représentant un paysage avec une vallée fluviale et des rochers, peut-être une vue le long de la route de Vinci à Pistoia (Florence, Galerie des Offices). Dans le coin supérieur gauche de la feuille se trouve une inscription : « Le jour de Sainte Marie des Neiges, le 5 août 1473 ». Cette inscription - le premier exemple connu de l'écriture manuscrite de Léonard de Vinci - a été réalisée avec la main gauche, de droite à gauche, comme dans une image miroir.
Léonard de Vinci. Paysage avec une vallée fluviale et des rochers, exécuté le jour de Sainte Marie des Neiges, le 5 août 1473
De nombreux dessins à caractère technique remontent également aux années 1470 - images de véhicules militaires, de structures hydrauliques, de machines à filer et de finitions de tissus. Peut-être s’agissait-il des projets techniques de Léonard de Vinci qu’il réalisa pour Laurent de Médicis, dont, comme le dit la biographie du maître (écrite par un auteur inconnu, apparemment peu après la mort de Léonard), il fut proche pendant un certain temps.
Léonard de Vinci reçut sa première grosse commande de tableau grâce à la pétition de son père. 24 décembre 1477 Piero Pollaiolo a été chargé de peindre un nouveau retable (à la place de l'œuvre de Bernardo Daddi) pour la chapelle Saint-Bernard du Palazzo Vecchio. Mais une semaine plus tard, parut un décret de la Signoria (daté du 1er janvier 1478), selon lequel l'œuvre fut transférée « en annulation de toute autre commande faite jusqu'à présent de quelque manière que ce soit, de quelque manière que ce soit et à quiconque, Léonard, fils de Ser [notaire] Piero da Vinci, peintre. Apparemment, Léonard avait besoin d'argent et déjà le 16 mars 1478, il se tourna vers le gouvernement florentin pour lui demander une avance. Il reçut 25 florins d'or. Le travail avança cependant si lentement qu'il n'était pas terminé au moment du départ de Léonard de Vinci pour Milan (1482) et fut transféré à un autre maître l'année suivante. L'intrigue de cette œuvre est inconnue. La deuxième commande fournie par Leonardo Ser Piero était l'exécution d'une image d'autel pour l'église du monastère de San Donato a Scopeto. Le 18 mars 1481, il conclut un accord avec son fils, précisant précisément le délai d'achèvement des travaux (en vingt-quatre, au plus trente mois) et indiquant que Léonard ne recevrait pas d'avance, et s'il ne respectait pas la date limite, alors tout ce qui serait fait par lui deviendrait la propriété du monastère. Cependant, l'histoire s'est répétée et, en juillet 1481, l'artiste s'est tourné vers les moines avec une demande d'avance, l'a reçue, puis à deux reprises (en août et septembre) a pris de l'argent en garantie des travaux futurs. La grande composition « Adoration des Mages » (Florence, Galerie des Offices) est restée inachevée, mais même sous cette forme, elle fait partie de « ces œuvres sur lesquelles tout repose la poursuite du développement Peinture européenne" (M. A. Gukovsky). De nombreux dessins sont conservés dans les collections des Offices, du Louvre et du British Museum. En 1496, la commande de l'autel fut transférée à Filippino Lippi, qui peignit un tableau sur le même sujet (Florence, Galerie des Offices).
Léonard de Vinci. Adoration des Mages, 1481-1482
"St. Jérôme" (Rome, Pinacothèque du Vatican), qui est une sous-couche dans laquelle la figure du saint pénitent est élaborée avec une précision anatomique exceptionnelle, et quelques détails mineurs, par exemple le lion au premier plan, ne sont que esquissés.
Une place particulière parmi premières œuvres les maîtres occupent deux œuvres achevées - "Portrait de Ginevra d'Amerigo Benci" (Washington, National Gallery) et "Madonna with a Flower" (Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage). Le sérieux et l'hermétisme particulier de l'image de Ginevra, parlant de sa vie spirituelle complexe, marque les premières manifestations portrait psychologique dans l'art européen. Le tableau n'a pas été entièrement conservé : sa partie inférieure avec l'image de mains a été coupée. Apparemment, la position du personnage rappelait celle de la Joconde.
Léonard de Vinci. Portrait de Ginevra de Benci, 1474-1478
La datation de la « Madone à la Fleur ou Madone de Benois » (1478-1480) est acceptée sur la base d'une note sur l'une des feuilles du Cabinet des Dessins des Offices : « ...bre 1478 inchomincial le grâce à Vergini Marie. La composition de ce tableau est reconnaissable dans le dessin à la plume et au bistrome, conservé au British Museum (n° 1860. 6. 16. 100v.). Fabriqué selon une nouvelle technique pour l'Italie peinture à l'huile, l'image se distingue par la légèreté transparente des ombres et la richesse des nuances de couleurs avec une palette de couleurs globalement sobre. La transmission de l'environnement aérien commence à jouer un rôle extrêmement important dans la création d'une impression holistique, reliant les personnages à leur environnement. Le clair-obscur fondant, le sfumato, rend les frontières des objets subtilement instables, exprimant l'unité matérielle du monde visible.
Léonard de Vinci. Madone à la fleur (Madonna Benois). D'ACCORD. 1478
Une autre œuvre ancienne de Léonard de Vinci est considérée comme « La Madone à l'œillet » (Munich, Alte Pinakothek). Peut-être cette œuvre a-t-elle précédé l'apparition de la Madone Benois.
Vasari rapporte que dans sa jeunesse Léonard de Vinci fabriquait en argile « plusieurs têtes de femmes qui rient », à partir desquelles on réalisait encore à son époque des moulages en plâtre, ainsi que plusieurs têtes d'enfants. Il mentionne également comment Léonard a représenté un monstre sur un bouclier en bois, « très dégoûtant et terrible, qui empoisonnait avec son souffle et enflammait l'air ». La description du processus de création révèle le système de travail de Léonard de Vinci - une méthode dans laquelle la base de la créativité est l'observation de la nature, mais pas dans le but de la copier, mais afin de créer quelque chose de nouveau basé sur il. Léonard fit la même chose plus tard, en peignant « La Tête de Méduse » (non conservé). Exécuté à l'huile sur toile, il est resté inachevé et milieu du 16ème siècle V. faisait partie de la collection du duc Cosme de Médicis.
Dans le soi-disant « Codex Atlantica » (Milan, Pinacothèque Ambrosienne), la plus grande collection de documents de Léonard de Vinci sur divers domaines de la connaissance, se trouve à la page 204 un projet de lettre de l'artiste au souverain de Milan, Lodovico Sforza ( Lodovico Moro). Leonardo propose ses services en tant qu'ingénieur militaire, ingénieur hydraulique et sculpteur. Dans ce dernier cas, nous parlons de la création d'un monument équestre grandiose à Francesco Sforza, le père de Lodovico. Depuis que Moro s'est rendu à Florence en avril 1478, on suppose qu'il a déjà rencontré Léonard de Vinci et négocié la possibilité de travailler sur « Le Cheval ». En 1482, avec la permission de Laurent Médicis, le maître part pour Milan. Une liste des objets qu'il emportait avec lui a été conservée - parmi lesquels de nombreux dessins et deux tableaux sont mentionnés : « La Madone finie. L’autre est presque de profil. Évidemment, il s’agissait de « Madonna Litta » (Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage). On pense que le maître l'a déjà terminé à Milan vers 1490. Magnifique dessin préparatoire elle - une image d'une tête de femme - est conservée dans la collection du Louvre (n° 2376). L'intérêt actif des chercheurs pour ce travail est né après son acquisition par l'Ermitage impérial (1865) de la collection du duc Antonio Litta à Milan. La paternité de Léonard de Vinci a été niée à plusieurs reprises, mais aujourd'hui, après des recherches et une exposition du tableau à Rome et à Venise (2003-2004), elle est devenue généralement acceptée.
Léonard de Vinci. Madone Litta. D'ACCORD. 1491-91
Il existe plusieurs autres portraits, exécutés avec l'élégance caractéristique de Léonard, mais sur le plan de la composition, ils sont résolus plus simplement et n'ont pas la mobilité spirituelle qui rend l'image de Cecilia fascinante. Il s'agit du « Portrait d'une dame » de profil (Milan, Pinacothèque Ambrosienne), du « Portrait d'un musicien » (1485, ibid.) - peut-être Franchino Gaffurio, régent de la cathédrale de Milan et compositeur - et de la soi-disant « Bella Feroniera » (portrait de Lucrezia Crivelli ?) de la collection du Louvre.
Léonard de Vinci. Portrait d'un musicien, 1485-1490
Au nom de Lodovico Moro, Léonard de Vinci a joué pour Empereur Maximilien le tableau « La Nativité », à propos duquel un biographe anonyme écrit qu'il était « vénéré par les connaisseurs comme un chef-d'œuvre d'art unique et étonnant ». Son sort est inconnu.
Léonard de Vinci. Bella Ferroniera (Belle Ferroniera). D'ACCORD. 1490
Le plus grand tableau de Léonard créé à Milan était la célèbre "Cène", peinte sur le mur du fond du réfectoire du monastère dominicain de Santa Maria delle Grazie. Léonard de Vinci commença l'exécution proprement dite de la composition en 1496. Elle fut précédée d'une longue période de délibération. Les collections de Windsor et de l'Académie vénitienne contiennent de nombreux dessins, croquis, croquis liés à cette œuvre, parmi lesquels les têtes des apôtres se distinguent particulièrement par leur expressivité. On ne sait pas exactement quand le maître a terminé les travaux. On pense généralement que cela s'est produit au cours de l'hiver 1497, mais une note envoyée par Moro à son secrétaire Marchesino Stange et faisant référence à cette année dit : « Exigez que Léonard termine son travail au réfectoire de Santa Maria delle Grazie ». Luca Pacioli rapporte que Léonard a achevé le tableau en 1498. Dès que le tableau a vu le jour, un pèlerinage de peintres a commencé, qui l'ont copié avec plus ou moins de succès. «Il existe des peintures, des fresques, des versions graphiques, en mosaïque, ainsi que des tapis qui reprennent la composition de Léonard de Vinci» (T. K. Kustodieva). Les plus anciens d'entre eux sont conservés dans les collections du Louvre (Marco d'Odjono ?) et de l'Ermitage (n° 2036).
Léonard de Vinci. Dernière Cène, 1498
La composition de « La Cène » dans son « volume aérien » semble s'inscrire dans la continuité de la salle du réfectoire. Le maître a pu obtenir un tel effet grâce à son excellente connaissance de la perspective. La scène évangélique apparaît ici « proche du spectateur, humainement compréhensible et en même temps ne perdant ni sa haute solennité ni son drame profond » (M. A. Gukovsky). La gloire de la grande œuvre, cependant, ne pouvait protéger « La Cène » ni de la destruction du temps ni de l'attitude barbare des gens. En raison de l'humidité des murs, les peintures ont commencé à s'estomper du vivant de Léonard de Vinci et, en 1560, Lomazzo rapportait dans son « Traité de la peinture », bien qu'un peu exagéré, que le tableau avait été « complètement détruit ». En 1652, les moines agrandirent la porte du réfectoire et détruisirent l'image des pieds du Christ et des apôtres à côté de lui. Les artistes ont également contribué à leur part de destruction. Ainsi, en 1726, un certain Belotti, « qui prétendait avoir le secret de donner vie aux couleurs » (G. Sayle), réécrit l'ensemble du tableau. En 1796, lorsque les troupes de Napoléon entrèrent à Milan, une écurie fut construite dans le réfectoire, et les soldats s'amusèrent à jeter des fragments de briques sur la tête des apôtres. Dans le 19ème siècle La Cène a été reconstruite à plusieurs reprises et pendant la Seconde Guerre mondiale, lors du bombardement de Milan par des avions britanniques, la paroi latérale du réfectoire s'est effondrée. Les travaux de restauration, commencés après la guerre et consistant à renforcer et à nettoyer partiellement les peintures, furent achevés en 1954. Plus de vingt ans plus tard (1978), les restaurateurs entreprirent un effort grandiose pour enlever les couches ultérieures, qui ne fut achevé qu'en 1999. Plusieurs des siècles plus tard, vous pouvez à nouveau revoir les peintures claires et nettes d'un véritable tableau de maître.
Évidemment, immédiatement après son arrivée à Milan, Léonard de Vinci s'est tourné vers la conception du monument à Francesco Sforza. De nombreux croquis indiquent des changements dans le projet du maître, qui souhaitait initialement présenter l’élevage du cheval (dans tous les monuments équestres qui existaient à cette époque, le cheval était représenté marchant calmement). Une telle composition, compte tenu de la taille énorme de la sculpture (environ 6 m de haut ; selon d'autres sources - environ 8 m), créait des difficultés presque insurmontables lors du moulage. La solution au problème fut retardée et Moro chargea l'ambassadeur florentin à Milan de commander un autre sculpteur de Florence, ce qu'il rapporta Laurent Médicis dans une lettre datée du 22 juillet 1489. Léonard dut travailler en étroite collaboration sur « Le Cheval ». Cependant, au cours de l'été 1490, les travaux sur le monument furent interrompus par le voyage de Léonard et Francesco di Giorgio Martini à Pavie pour conseiller sur la construction de la cathédrale. Début septembre, les préparatifs du mariage de Lodovico ont commencé, puis le maître a effectué de nombreuses missions pour la nouvelle souveraine, Béatrice. Au début de 1493, Lodovico ordonna à Léonard d'accélérer les travaux afin de montrer la statue lors des prochaines célébrations de mariage : l'empereur Maximilien épousait la nièce de Moreau, Bianca Maria. Le modèle en argile de la statue - «Le Grand Colosse» - fut achevé à temps, en novembre 1493. Le maître abandonna l'idée originale et montra le cheval marchant calmement. À ce sujet version finale Seuls quelques croquis du monument donnent une idée. Il était techniquement impossible de couler toute la sculpture en même temps, c'est pourquoi le maître a commencé un travail expérimental. En outre, il fallait environ quatre-vingts tonnes de bronze, qui ne furent collectées qu'en 1497. La totalité était utilisée pour les canons : Milan s'attendait à une invasion des troupes du roi de France Louis XII. En 1498, lorsque la position politique du duché s'améliora temporairement, Lodovico chargea Léonard de Vinci de peindre la salle du Château Sforzesco - la Sala delle Acce, et le 26 avril 1499 il signa un acte de donation pour un vignoble à proximité. de Milan. Ce fut la dernière faveur accordée par le duc à l'artiste. Le 10 août 1499, les troupes françaises entrent sur le territoire du duché de Milan, le 31 août Lodovico s'enfuit de la ville et le 3 septembre Milan se rend. Les tireurs gascons de Louis XII détruisirent une statue d'argile lors d'une compétition de tir à l'arbalète. Apparemment, même après cela, le monument a fait forte impression, puisque deux ans plus tard, le duc de Ferrare Ercole I d'Este a négocié son acquisition. Le sort ultérieur du monument est inconnu.
Léonard de Vinci resta quelque temps dans la ville occupée, puis, avec Luca Pacioli, il partit pour Mantoue à la cour d'Isabelle Gonzague. Pour des raisons politiques (Isabelle était la sœur de Béatrice, l'épouse de Moreau, décédée à cette époque - en 1497), la margrave ne voulut pas accorder de patronage à l'artiste. Cependant, elle souhaitait que Léonard de Vinci fasse son portrait. Sans s'arrêter à Mantoue, Leonardo et Pacioli se rendent à Venise. En mars 1500, le maître des instruments de musique Lorenzo Gusnasco da Pavia écrivait à Isabelle dans une lettre : « Ici à Venise se trouve Léonard de Vinci, qui m'a montré un portrait d'esquisse de Votre Seigneurie, qui est aussi bien exécuté que possible d'après la nature. .» Il s'agissait évidemment d'un dessin actuellement conservé au Louvre. Le maître n'a jamais réalisé de portrait pittoresque. En avril 1500, Léonard et Pacioli étaient déjà à Florence. Durant cette courte période calme – un peu plus de deux ans – de la vie de Léonard de Vinci, il se consacre principalement à la recherche technique (en particulier le projet avion) et, à la demande du gouvernement florentin, a participé à un examen visant à identifier les raisons de l'affaissement de l'église de San Salvatore sur la colline de San Miniato. Selon Vasari, à cette époque Philippin Lippi reçu une commande pour un retable pour l'église de la Santissima Annunziata. Leonardo « a déclaré qu'il serait prêt à faire un tel travail », et Filippino lui a gentiment donné l'ordre. L'idée du tableau « Sainte Anne » est apparemment venue à Léonard de Vinci alors qu'il était encore à Milan. Il existe de nombreux dessins de cette composition, ainsi qu'un magnifique carton (Londres, National Gallery), mais ils n'ont pas servi de base à la décision finale. Exposé par le maître après Pâques en 1501 au public, le carton n'a pas survécu, mais, à en juger par les documents qui ont survécu jusqu'à ce jour, c'est sa composition qui a été répétée par le maître dans le célèbre tableau du Louvre. . Ainsi, le 3 avril 1501, le Vicaire général des Carmes Pietro da Nuvolario, qui était en correspondance avec Isabelle Gonzague, l'informa, en décrivant en détail la composition du carton, que, à son avis, l'image de Saint-Pierre. Anne incarne l’Église qui ne veut pas que « ses souffrances soient détournées du Christ ». On ne sait pas exactement quand la peinture de l’autel a été achevée. Peut-être que le maître l'a achevé en Italie, où il a été acquis par François Ier, comme le rapporte Paolo Giovio, sans toutefois indiquer quand ni auprès de qui. Quoi qu'il en soit, les clients ne l'ont pas reçu et en 1503 ils se sont à nouveau tournés vers Filippino, mais il n'a pas satisfait leurs souhaits.
Fin juillet 1502, Léonard de Vinci entre au service de Cesare Borgia, fils Pape AlexandreVI, qui à cette époque, essayant de créer ses propres possessions, avait capturé presque toute l'Italie centrale. En tant qu'ingénieur militaire en chef, Léonard a parcouru l'Ombrie, la Toscane et la Romagne, élaborant des plans de forteresses et consultant les ingénieurs locaux sur l'amélioration du système de défense, et a créé des cartes pour les besoins militaires. Cependant, déjà en mars 1503, il était de nouveau à Florence.
Au début de la première décennie du XVIe siècle. fait référence à la création de l'œuvre la plus célèbre de Léonard de Vinci - le portrait de Mona Lisa - « La Gioconda » (Paris, Louvre), un tableau sans égal par le nombre d'interprétations et de controverses qu'il a suscité. Le portrait de l'épouse du marchand florentin Francesco del Giocondo allie l'étonnante concrétisation de la réalité avec une telle ambiguïté spirituelle et une telle généralité de l'universel qu'il dépasse les frontières du genre et cesse d'être un portrait au sens propre du terme. « Ce n'est pas une femme mystérieuse, c'est un être mystérieux » (Leonardo. M. Batkin). La toute première description du tableau donnée par Vasari est contradictoire, qui assure que Léonard de Vinci y a travaillé pendant quatre ans et ne l'a pas terminé, mais écrit immédiatement avec admiration que le portrait « reproduit tous les moindres détails que la subtilité de la peinture peut transmettre."
Léonard de Vinci. Mona Lisa (La Joconde), ch. 1503-1505
Un autre tableau créé par Léonard de Vinci au cours de ces années, « La Madone au fuseau », est décrit en détail par Pietro da Nuvolario dans une lettre à Isabelle Gonzaga en date du 4 avril 1503. Le vicaire rapporte que l'artiste l'a peint pour le secrétaire de Louis XII. Le sort du tableau est inconnu. Un bon exemplaire du XVIe siècle en donne une idée. (collection du duc de Buccleuch en Ecosse).
Au cours de la même période, Léonard reprend ses études d'anatomie, qu'il commence à Milan dans le bâtiment du Grand Hôpital. A Florence, des médecins et des étudiants universitaires, avec l'autorisation spéciale du gouvernement, travaillaient dans les locaux de Santa Croce. Le traité d'anatomie que le maître allait rédiger n'a pas été réalisé.
À l'automne 1503, par l'intermédiaire du gonfalonier permanent Pietro Soderini, Léonard de Vinci reçut une commande pour un grand tableau - peignant l'un des murs de la nouvelle salle - la salle du Conseil, ajoutée en 1496 au Palazzo della Signoria. Le 24 octobre, l'artiste a reçu les clés de la salle papale du monastère de Santa Maria Novella, où il a commencé à travailler sur le carton. Par décret de la Signoria, il reçut d'avance 53 florins d'or et la permission de recevoir de petites sommes « de temps en temps ». La date d'achèvement des travaux était février 1505. Le thème des travaux futurs était la bataille d'Anghiari (29 juin 1440) entre les Florentins et les Milanais. En août 1504, Michel-Ange reçut une commande pour le deuxième tableau pour la salle du Conseil : « La bataille de Cascina ». Les deux artisans ont terminé les travaux dans les délais et les cartons ont été exposés au public dans la salle du Conseil. Ils ont fait une formidable impression ; les artistes ont immédiatement commencé à les copier, mais il était impossible de déterminer le gagnant de ce concours unique. Les deux cartons n'ont pas survécu. La partie centrale de la composition de Léonard de Vinci était la scène de la bataille pour la bannière. Ce n'est qu'à ce sujet qu'on peut actuellement s'en faire une idée grâce à un dessin de Raphaël (Oxford, Christ Church Library), exécuté par lui en 1505-1506, ainsi qu'à partir d'une copie de Rubens (Paris, Louvre). Cependant, on ne sait pas exactement d'où Rubens, qui vivait en Italie entre 1600 et 1608, a réalisé sa copie. Un biographe anonyme de Léonard de Vinci rapporte qu'après la mort du maître, la majeure partie du carton « La Bataille d'Anghiari » pouvait être vue à l'hôpital de Santa Maria Novella, et « le groupe de cavaliers restés dans le palais » appartenait également à il. En 1558 Benvenuto Cellini dans sa « Biographie », il écrit que les cartons étaient accrochés dans la salle papale et que « même s’ils étaient intacts, ils constituaient une école pour le monde entier ». Nous pouvons en conclure que dans les années 1550, le carton de Léonard, du moins dans son ensemble, n'existait plus.
Léonard de Vinci. Bataille d'Anghiari, 1503-1505 (détail)
Contrairement à l'habitude, Léonard acheva rapidement la peinture sur le mur de la salle du Conseil. Comme le rapporte l'auteur anonyme, il a travaillé sur un nouveau sol de sa propre invention et a utilisé la chaleur d'un brasier pour le sécher le plus rapidement possible. Cependant, le mur n'a pas séché de manière uniforme, sa partie supérieure n'a pas retenu la peinture et le tableau s'est avéré désespérément endommagé. Soderini a exigé l'achèvement des travaux ou le retour de l'argent. La situation fut temporairement résolue en partant pour Milan, à l'invitation de son vice-roi, Charles d'Amboise, marquis de Chaumont. L'artiste conclut un accord avec la Signoria, selon lequel il s'engageait à revenir dans trois mois, et au cas où. de violation de l'obligation, de payer une amende de 150 florins d'or. Le 1er juin 1506 Léonard de Vinci se rend à Milan Dans une lettre datée du 18 août, Charles d'Amboise demande au gouvernement florentin de garder l'artiste à sa disposition pendant quelque temps. . Dans la lettre de réponse (datée du 28 août), le consentement a été donné, mais à la condition de rembourser la dette. L'argent n'ayant pas été envoyé, Soderini a de nouveau fait appel au gouverneur le 9 octobre, exigeant le respect de l'accord. Enfin, le 12 janvier 1507, l'ambassadeur florentin à la cour de France informa les membres de la Signoria que Louis XII souhaitait laisser Léonard à Milan jusqu'à son arrivée. Deux jours plus tard, le roi signait personnellement une lettre ayant le même contenu. En avril 1507, Léonard récupéra sa vigne et début mai il put payer 150 florins. Le roi arrive à Milan le 24 mai : Léonard de Vinci participe activement à l'organisation de processions et de spectacles à cette occasion. Grâce à l'intervention de Louis, le 24 août, le long processus autour de la « Madone aux Rochers » a pris fin. Le tableau restait à la disposition du maître, mais lui et Ambrogio de Predis (Evangelista était décédé à cette époque) durent en peindre un autre sur le même sujet dans les deux ans (Londres, National Gallery).
De septembre 1507 à septembre 1508 Léonard de Vinci est à Florence : il faut mener un contentieux concernant un héritage. Le vieux Ser Piero, le père de Léonard, mourut en 1504 à l'âge de quatre-vingt-dix ans, laissant dix fils et deux filles.
Sainte Anne avec la Vierge et l'Enfant Christ. Peinture de Léonard de Vinci, v. 1510
À Milan, Léonard de Vinci a réalisé « Sainte Anne » et peint plusieurs autres tableaux, dont le plus célèbre est « Jean-Baptiste » (Paris, Louvre). Actuellement, le « Bacchus » qui y est conservé est également reconnu comme l'œuvre de Léonard.
Léonard de Vinci. Jean-Baptiste, 1513-1516
Léda faisait également partie de la collection royale française. La dernière fois que ce tableau fut mentionné à l'inventaire de Fontainebleau, c'était en 1694. Selon la légende, il fut détruit à la demande de Madame de Maintenon, la dernière favorite de Louis XIV. Une idée de sa composition est donnée par plusieurs dessins du maître et plusieurs répétitions qui diffèrent dans les détails (le meilleur est attribué à Cesare da Sesto et est conservé aux Offices).
Léda. Œuvre provisoirement attribuée à Léonard de Vinci, 1508-1515
En plus peintures, Léonard de Vinci était à Milan en train de concevoir un monument au maréchal Trivulzio, qui était au service de la France. Un petit modèle en bronze de la collection du Musée de Budapest serait associé à ce projet. Si tel est le cas, Léonard de Vinci revient à nouveau à l'idée d'une composition dynamique avec un cheval au galop.
En 1511 troupes Pape JuliaII en alliance avec la République de Venise et l'Espagne, ils expulsèrent les Français. Entre 1511 et 1512, Léonard vécut longtemps avec son ami, le noble Girolamo Melzi, dans sa propriété de Vaprio. Le fils de Girolamo, Francesco, devint élève et admirateur passionné du maître vieillissant. En 1513, Léon X de Médicis fut élu au trône papal, avec le frère duquel, Giuliano, qui s'intéressait à l'alchimie, Léonard de Vinci était ami. Le 14 septembre 1513, Léonard part pour Rome. Giuliano lui a attribué un salaire et lui a attribué des locaux pour le travail. A Rome, le maître élabore des projets pour la rénovation de l'atelier papal et le drainage des marais pontiques. Vasari a noté que pour le datarius papal (chef de la chancellerie) Baldassare Turini de Pescia, Léonard de Vinci a réalisé deux tableaux - "La Madone" et l'image d'un "enfant d'une beauté et d'une grâce étonnantes" (sans trace).
Le 31 décembre 1514, Louis XII meurt et François Ier, qui lui succède, reprend Milan en septembre 1515. On pense que Léonard a rencontré le roi à Bologne, où le pape a négocié avec lui. Mais peut-être que l'artiste l'a vu plus tôt - à Pavie, lors des célébrations en l'honneur de son entrée dans la ville, puis il a réalisé le célèbre lion mécanique, de l'ouverture duquel coulaient des lis. Dans ce cas, à Bologne, Léonard de Vinci faisait partie de la suite de François, et non Léon X. Ayant reçu une offre pour aller au service du roi, le maître partit pour la France à l'automne 1516 avec Francesco Melzi. Les dernières années de la vie de Léonard de Vinci se passèrent dans le petit château de Cloux, non loin d'Amboise. Il reçut une pension de 700 écus. Au printemps 1517, à Amboise, où le roi aimait être, on célébra le baptême du Dauphin, puis le mariage du duc d'Urbin Laurent de Médicis et de la fille du duc de Bourbon. Les célébrations ont été conçues par Leonardo. Par ailleurs, il participe à la conception de canaux et d'écluses pour améliorer le quartier, et réalise des projets architecturaux, notamment un projet de reconstruction du château de Romorantin. Peut-être que les idées de Léonard de Vinci ont servi de base à la construction de Chambord (commencée en 1519). Le 18 octobre 1516, Léonard reçut la visite du secrétaire du cardinal Louis d'Aragon. Selon lui, en raison de la paralysie de sa main droite, l'artiste "ne peut plus écrire avec sa tendresse habituelle... mais il peut toujours faire des dessins et enseigner aux autres". Le 23 avril 1519, l'artiste fit un testament selon lequel manuscrits, dessins et peintures est devenu la propriété de Melzi. Le maître mourut le 2 mai 1519, selon la légende, dans les bras du roi de France. Melzi transporta les manuscrits de Léonard de Vinci en Italie et les conserva dans sa propriété de Vaprio jusqu'à la fin de ses jours. Le désormais célèbre « Traité de peinture », qui a eu une énorme influence sur l’art européen, a été rédigé par Melzi sur la base des notes du professeur. Environ sept mille feuilles de manuscrits de Léonard de Vinci ont survécu. Leurs plus grandes collections se trouvent dans la collection de l'Institut de France à Paris ; à Milan - à la Bibliothèque Ambrosienne (Codex Atlanticus) et au Château Sforzesco (Codex Trivulzio) ; à Turin (Bird Flight Code) ; Windsor et Madrid. Leur publication a commencé au XIXe siècle. et l'une des meilleures éditions critiques des manuscrits de Léonard est constituée de deux volumes de textes commentés publiés par Richter en 1883. (Richter J.P. Les œuvres littéraires de Léonard de Vinci. Londres, 1883. Vol. 1-2). Complétés et commentés par K. Pedretti, ils furent publiés une seconde fois à Los Angeles en 1977.
Littérature:Léonard de Vinci. Un livre sur la peinture. M., 1934 ; Léonard de Vinci.Œuvres choisies. L., 1935 ; Léonard de Vinci. Anatomie. Idées et dessins. M., 1965 ; Vasari 2001. T. 3 ; Seail G. Léonard de Vinci en tant qu'artiste et scientifique. Saint-Pétersbourg, 1898 ; Volynski A. Vie de Léonard de Vinci. Saint-Pétersbourg, 1900 (réédité : Saint-Pétersbourg, 1997) ; Benois A.N. Histoire de la peinture de tous les temps et de tous les peuples. Saint-Pétersbourg, 1912 ; Wrangel N."La Madone Benois" de Léonard de Vinci. Saint-Pétersbourg, 1914 ; Lipgart E.K. Léonard et son école. L., 1928 ; Dzhivelegov A.K. Léonard de Vinci. M., 1935 (réédité : M., 1969) ; Lazarev V.N. Léonard de Vinci. L., 1936 ; Ainalov D.V. Croquis sur Léonard de Vinci. M., 1939 ; Goukovski M.A. Mécanique de Léonard de Vinci. M., 1947 ; Lazarev V.N. Léonard de Vinci. M., 1952 ; Alpatov M.V. Léonard de Vinci. M., 1952 ; Gabrichevski A.G. Léonard l'architecte // Architecture soviétique. M., 1952. Numéro. 3 ; Jdanov D.A. Léonard de Vinci - anatomiste. L., 1955 ; Goukovski M.A. Léonard de Vinci: Biographie créative. M. ; L., 1958 ; Goukovski M.A. Madonna Litta : Peinture de Léonard de Vinci à l'Ermitage. L. ; M., 1959 ; Guber A. Léonard de Vinci. M., 1960 ; Zoubov V.P. Léonard de Vinci. 1452-1519. M., 1961 ; Goukovski M.A. Ancolie. L., 1963 ; Rutenburg V.I. Titans de la Renaissance. L., 1976 ; Vipper 1977. T. 2 ; Nardini B. Vie de Léonard de Vinci. M., 1978 ; Koustodieva T.K."La Madone Benois" de Léonard de Vinci. L., 1979 ; Rzepinska M. Que savons-nous de la « Dame à l’hermine » du musée Czartoryski. Cracovie, 1980 ; Gastev A.A. Léonard de Vinci. M., 1982 ; Codex Leonardo de la collection privée d'Armand Hammer : Ext. L., 1984 ; Pedretti K. Léonard. M., 1986 ; Smirnova I.A. Peinture monumentale Renaissance italienne. M., 1987 ; Batkin L.M. Léonard de Vinci et les caractéristiques de la pensée créatrice de la Renaissance. M., 1990 ; Santi B. Léonard de Vinci. M., 1995 ; Wallace R. Monde de Léonard, 1452-1519. M., 1997 ; Koustodieva 1998 ; Gros M. Léonard de Vinci. M., 1998 ; Sonina T.V.« Madonna Benois » de Léonard de Vinci // Collection italienne. Saint-Pétersbourg, 1999. Numéro. 3 ; Sonina T.V.« Madone aux Rochers » de Léonard de Vinci : Sémantique de l'image // Décret. op. Saint-Pétersbourg, 2003. Numéro. 7; Léonard de Vinci et la culture de la Renaissance : Sat. Art. M., 2004 ; Herzfeld M. Environ une feuille de croquis de Léonard. Contribution à la caractérisation de l’image du maître // Collection italienne. Saint-Pétersbourg, 2006. Numéro. 9 ; Clark K. Léonard de Vinci : Biographie créative. Saint-Pétersbourg, 2009.
Richter JP (éd.) Les œuvres littéraires de Léonard de Vinci : En 2 vol. Londres, 1883 (rév. : 1970) ; Beltrami L.(éd.) Il code di Leonardo da Vinci della Biblioteca del Principe Trivulzio à Milan. Milan, 1891 ; Sabachnikoff T., Piumati G., Ravaisson-Mollien C. (éd.) Les écrits de Léonard de Vinci : Code sur le vol des enfants et diverses autres matières. Paris, 1893 ; Piumati G. (éd.) Le Code Atlantique de Léonard de Vinci dans la Bibliothèque Ambrosienne de Milan : 35 voi. Milan, 1894-1904 ; Fonahn D.C.L., Hopstock H. (éd.) Quaderni d'anatomia : 6 voi Kristiania, 1911-1916 ; II Codice Forster I, etc. // Reale Commissione Vinciana : 5 voi. Roma, 1930-1936 ; / Commission royale Vinciana, Rome, 1938 ; MacCurdy E. (éd.) Les Cahiers de Léonard de Vinci : 2 vol. Londres, 1938 ; Les écrits et les conceptions de Léonard de Vinci : II Codice B. // Reale Commissione Vinciana. Rome, 1941 ; Brizio AM (éd.) Scritti scelti de Léonard de Vinci. Turin, 1952 ; Courbeau A., De Toni N.(éd.) Les Manuscrits de la Bibliothèque de l'Institut de France, Paris, Florence, 1972 ; Réti L. (éd.) Les Codex de Madrid : 5 vol. New-York, 1974.
Pacioli L. De divina proportione. Venise, 1509 ; Albérimi E Le mémorial de la grande statue et de l'image qui se trouve dans la tombe de Florentia. Florence, 1510 ; Giovio P. Elogia virorum illustrum (MS.; e. 1527) // Gli elogi degli uomini illustri / Ed. R. Meregazzi. Rome, 1972 ; II Codice Magliabechiano (MS.; e. 1540) / Éd. C. Frey. Berlin, 1892. Amoretti C. Souvenirs historiques de la vie, des études et de l'opéra de Léonard de Vinci. Milan, 1804 ; Pater W. Léonard de Vinci (1869) // Études sur cette Histoire de cette Renaissance. Londres, 1873 ; HerzfeldM. Léonard de Vinci. Der Denker, Forscher et Poète. Iéna, 1906 ; Solmi E. Les sources des manuscrits de Léonard de Vinci. Turin, 1908 ; Malaguzzi Valéri E La cour de Ludovic le Moro. Milan, 1915. Voi. II : Bramante et Léonard ; Beltrami L. Documents et mémoires qui protègent la vie et l'œuvre de Léonard de Vinci. Milan, 1919 ; Calvi G. Les écrits de Léonard de Vinci sur les points de vue chronologique, historique et biographique. Bologne, 1925 ; Heydenreich L. Léonard de Vinci : 2 vol. Bâle, 1954 ; Pomilio M., Della Chiesa A. O. L "Opera pittorica completa di Leonardo. Milan, 1967 ; Gould C. Léonard : l'artiste et le non-artiste. Londres, 1975 ; Wasserman J. Léonard de Vinci. New York, 1975 ; Chastel A. Le génie de Léonard de Vinci : Léonard de Vinci et leur art de l'artiste. New York, 1981 ; Kemp M. Léonard de Vinci : Les merveilles de la nature et de l'homme. Londres, 1981 ; MaraniP. Léonard : Chat. compilation. Florence, 1989 ; Turner A.R. Inventer Léonard. New York, 1993 ; La garde des anges : Verrocchio, Leonardo et le Battesimo di Cristo / A cura di A. Natali. Florence, 1998 ; Kustodieva T, PaolucciA., Pedretti C., Strinati C. Léonard. La Madonna Litta de "Ermitage di San Pietroburgo. Rome, 2003; Kemp M. Léonard de Vinci. Expérience, Expérimentation et Conception. Londres, 2006.
Vers 1514 - 1515 fait référence à la création du chef-d’œuvre du grand maître – « La Gioconda ».
Jusqu'à récemment, ils pensaient que ce portrait avait été peint bien plus tôt, à Florence, vers 1503. Ils croyaient à l'histoire de Vasari, qui écrivait : « Léonard entreprit de faire pour Francesco del Gioconda un portrait de Monna Lisa, sa femme, et, ayant J'y ai travaillé pendant quatre ans, mais je l'ai laissé inachevé. Cette œuvre est aujourd'hui en possession du roi de France à Fontainebleau. À propos, Léonard a eu recours à la technique suivante : comme Madonna Lisa était très belle, en peignant le portrait, il tenait des gens qui jouaient de la lyre ou chantaient, et il y avait toujours des bouffons qui la gardaient joyeuse et enlevaient la mélancolie qu'elle véhicule habituellement. peinture pour portraits. »
Toute cette histoire est fausse du début à la fin. Selon Venturi, « Monna Lisa, plus tard Gioconda, était la création du fantasme du nouvelliste, biographe d'Aretina, Giorgio Vasari ». Venturi en 1925 suggéra que « La Gioconda » est un portrait de la duchesse Costanza d'Avalos, veuve de Federigo del Balzo, glorifiée dans un petit poème d'Eneo Irpino, qui mentionne également son portrait peint par Leonardo Costanza. Giuliano de Médicis, qui, après son mariage avec Philibertia de Savoie, rendit le portrait à Léonard.
Au tout moment Dernièrement Pedretti avance une nouvelle hypothèse : le portrait du Louvre représente la veuve de Giovanni Antonio Brandano, nommée Pacifica, qui fut également la maîtresse de Giuliano de Médicis et lui donna un fils, Ippolito, en 1511.
Quoi qu'il en soit, la version de Vasari est discutable simplement parce qu'elle n'explique en aucune façon pourquoi le portrait de l'épouse de Francesco del Giocondo est resté entre les mains de Léonard et a été emporté par lui en France.
2. Dame à l'hermine ca. 1488-1490
Huile sur le panneau.
54,8 x 40,3 cm
Musée Czartor, Cracovie, Pologne
«La Dame à l'hermine» est l'immortelle Cecilia Gallerani, dix-sept ans, la préférée de Lodovico Sforza. Fille du XVe siècle. Enchanteresse astucieuse. Favoris du Palais de Milan. Tendre et sage, timide et frivole, elle apparaît devant nous. Simple et complexe. Mystérieusement séduisante, au visage presque statique, elle possède toujours le magnétisme d'un mouvement extraordinaire et caché. Mais qu’est-ce qui donne à l’apparence de la jeune femme cette vivacité magique ? Sourire. Elle effleura à peine les coins de ses lèvres chastes. Il se cachait dans les fossettes féminines légèrement gonflées près de la bouche et, comme un éclair, éclairait en réponse dans l'obscurité, des pupilles dilatées, couvertes de paupières arrondies en forme d'oignon. Regardez de plus près les traits subtils et spirituels de la « Dame à l'hermine », sa posture digne, ses vêtements stricts mais élégants, et la Renaissance avec ses magnifiques créations de brillants maîtres d'art apparaîtra instantanément devant vous. Cécilia Gallerani. Elle, comme une petite planète, reflétait l'éclat du XVe siècle cruel, laid et beau, unique.
3. Fresque La Cène 1494 -1498
Huile et tempera sur plâtre.
460 x 880 cm
Santa Maria del Grazia, Milan, Italie
De gauche à droite, une table avec de la nourriture s'étend sur toute la largeur de l'image. Douze personnages sont assis à table face à nous par groupes de trois avec le Christ au centre. Les apôtres discutent avec animation. De quoi parlent-ils et de quoi parle la photo ? Du témoignage d'Ammoreti, il faut conclure que le tableau " Dernière Cène"a été achevé en 1497. Malheureusement, Léonard de Vinci l'a peint avec des peintures, dont certaines se sont révélées très fragiles. Cinquante ans après son achèvement, le tableau, selon Vasari, était dans un état des plus pitoyables. Cependant, si à ce moment-là À cette époque, il était possible de réaliser le désir du roi François Ier, exprimé seize ans après l'achèvement du tableau, et, après avoir démoli le mur, de transférer le tableau en France, alors peut-être qu'il aurait été conservé. Mais cela n'a pas pu être fait. En 1500, l'eau qui a inondé le repas a complètement détruit le mur. De plus, en 1652, la porte du mur sous le visage du Sauveur a été brisée, détruisant plusieurs jambes de ce personnage. En 1796, après que les Français eurent traversé les Alpes, Napoléon donna l'ordre strict d'épargner le repas. Les généraux qui le suivirent, sans prêter attention à son ordre, transformèrent cet endroit en écurie, puis en entrepôt de foin.
4. Portrait de Ginevra de Benci c. 1475 - 1478
Tempera et huile sur panneau
38,1 x 37 cm
Galerie nationale d'art, Washington
Ce tableau, aujourd'hui conservé à la National Gallery of Art de Washington, représente une jeune femme sur fond de paysage montagneux, sur lequel jouent les reflets de la rivière. Il existe différents points de vue concernant l'identification de la personne représentée ; Les avis des experts sur la datation de cette œuvre sont également partagés. Certains l’attribuent à la première période florentine de l’œuvre de Léonard, d’autres au contraire à la période milanaise. La plupart des chercheurs adhèrent à l'hypothèse que le portrait représente Ginevra Benci (son nom est évoqué par les branches du genévrier, ginepro, visibles à l'arrière-plan de la composition). Elle a été réalisée à l'époque où Léonard s'affranchissait de son apprentissage de l'art de Verrocchio, c'est-à-dire vers 1475.
5. Portrait d'un musicien 1485-1490
Huile sur le panneau.
43x31 cm
Bibliothèque Ambrosiano, Milan, Italie
Les portraits attribués à Léonard présentent des traits communs : leur fond est obscurci, l'image semi-figurée du modèle, généralement de trois quarts de tour, contribue à la présenter au spectateur dans tout son caractère individuel. Les noms des personnes représentées sont inconnus, malgré tous les efforts des historiens de l’art pour les révéler et malgré les preuves documentaires des activités du maître. Un certain nombre de portraits de Léonard sont associés à l'atmosphère de la cour des Sforza, où la glorification de l'individu, reflet de la gloire de la cour, jouait un rôle décisif. La pureté des formes, la dignité des poses, combinées à une connaissance approfondie du caractère du modèle, rapprochent les portraits de l'artiste des réalisations les plus avancées de ce genre d'art pour l'époque - avec les œuvres d'Antonello da Messina. Ils vont bien au-delà du formalisme mémoriel des maîtres du XVe siècle, développant un type de portrait qui incarne l’état d’esprit du personnage et permet d’approfondir considérablement la caractérisation de l’image. Dans le soi-disant Portrait d'un musicien de l'Ambrosienne de Milan, son modèle est parfois identifié au régent de la cathédrale de Milan, Franchino Gaffurio, mais en réalité il représente simplement un jeune homme avec une feuille de papier à musique. On peut également discerner un certain géométrisme dans le rendu des volumes plastiques, révélant l'influence toscane. Le bonnet sur la tête et la masse de cheveux bouclés forment deux hémisphères sur les côtés du visage ; La netteté des contours et le clair-obscur indiquent déjà la familiarité du maître avec les traditions lombardes et les portraits d'Antonello da Messina. Fortement restauré, réécrit et peut-être même laissé inachevé, bien qu'à un stade de travail assez avancé, c'est le seul de Léonard portrait masculin- s'il est réellement réalisé par l'artiste lui-même - il représente une personne au regard intelligent et ferme. Sans se laisser emporter par la glorification rhétorique de la personnalité, Léonard exprime lumière intérieure le visage et l'apparence de la personne représentée, la force morale qui lui est inhérente.
6. Madone à la fleur (Madonna Benois) 1478 - 1480
Huile transférée du carton à la toile
48x31,5cm
Ermitage, Saint-Pétersbourg, Russie
Le jeune artiste Léonard de Vinci, qui venait de terminer ses études, a peint ce tableau à Florence à la fin des années soixante-dix du XVe siècle. Il fut accueilli avec enthousiasme, de nombreuses copies furent réalisées, et au début du XVIe siècle... il fut perdu.
Trois cents ans plus tard, une troupe d'acteurs itinérants effectuait une tournée à Astrakhan. L'un des serviteurs de Melpomène a suggéré à l'admirateur des muses locales et au marchand le plus riche de la ville, Alexandre Sapozhnikov, d'acheter un tableau assombri par l'âge, écrit sur un tableau. L'affaire a été conclue.
Plusieurs années plus tard, sa petite-fille Maria s'est mariée. À cet ajout luxueux était attachée la création d'un Italien inconnu, à laquelle peu de gens ont prêté attention au début. On ne sait pas ce qui lui serait arrivé si le mari de Maria Alexandrovna n'était pas devenu un architecte à succès et futur président de l'Académie des Arts Léonty Benois (le fils d'un architecte encore plus célèbre) et si son jeune frère n'était pas un artiste célèbre , critique d'art et organisateur de l'association World of Art Alexander. « Répondant aux demandes insistantes du frère Léonty et de sa femme, se souvient-il, j'ai dû rester à Berlin. Le fait est qu'ils m'ont chargé de montrer au célèbre Bode un tableau qu'ils possédaient. » (Entre parenthèses, nous notons que Bode est l'une des principales autorités en matière d'histoire de l'art européen, directeur des musées d'État de Berlin). absent, mais plusieurs spécialistes de renommée mondiale se trouvaient dans le musée "Leur verdict fut sévère : le tableau n'est pas une œuvre de Léonard ; il a plutôt été peint par l'un de ses camarades dans l'atelier de Verrocchio. Plus tard, Bode lui-même a confirmé cette conclusion. "
La « Madone » est restée une année entière dans la maison des Sapozhnikov dans l'appartement parisien d'Alexandre Nikolaïevitch, puis a été ramenée par lui à Saint-Pétersbourg et rendue à ses propriétaires. Cependant, après huit ans (c'était déjà en 1914), alors qu'il était dans l'agitation et les ennuis liés à la préparation de l'exposition russe à Paris, on lui confia carte de visite avec le nom d’un des spécialistes berlinois : « Professeur Moller Walde ».
"Avant que j'aie eu le temps d'accepter de l'accepter", a déclaré Alexandre Benois, "sa propre personne est venue vers moi en criant: "Maintenant, je suis fermement convaincu que votre Madone est Léonard!" Immédiatement, sans m'asseoir, sans me laisser reprendre mes esprits, rouge d'excitation, il commença à sortir d'une énorme mallette bien remplie une pile de photographies de ces incontestables dessins de Léonard, qui étaient à ses yeux (et en réalité ) confirmation de sa confiance dans la paternité du grand maître.
Benois a refusé la proposition de vendre le chef-d'œuvre aux musées berlinois, le transférant dans la collection Ermitage Impérial. C'est là que subsiste encore aujourd'hui le tableau, connu dans le monde entier sous le nom de « Madone Benois ».
7. Madone à la Grotte 1483-1486
Huile sur panneau (transférée sur toile)
199 x 122 cm
Persienne, Paris, France
Le tableau était destiné à décorer l'autel (le cadre du tableau était un autel en bois sculpté) de la chapelle de l'Immacolata de l'église de San Francesco Grande à Milan. Le 25 avril 1483, les membres de la Confrérie de la Sainte Conception commandent des peintures (la composition centrale est la Vierge à l'Enfant, les compositions secondaires sont des Anges jouant de la musique) de Léonard, qui se voit confier l'exécution de la partie la plus importante du autel, ainsi que par les frères Ambrogio et Evangelista de Predis. Actuellement, les historiens de l'art estiment que les deux toiles sur un sujet identique, dont l'une est conservée au Louvre et l'autre à la National Gallery de Londres, sont des versions du tableau exécutées dans le même but. La Madone aux Rochers de Paris (Louvre), signée, décorait à l'origine l'autel de l'église de San Francesco Grande ; Peut-être a-t-il été offert par Léonard lui-même au roi de France Louis XII en signe de gratitude pour sa médiation dans le conflit entre clients et artistes concernant le paiement des peintures. Elle a été remplacée dans l'autel par une composition aujourd'hui située à Londres. Pour la première fois, Léonard a pu résoudre le problème de la fusion des figures humaines avec le paysage, qui a progressivement occupé place de premier plan dans son programme artistique.
8. Jean-Baptiste 1512
Huile sur panneau
69 x 57 cm
Persienne, Paris
On pourrait penser que la première idée de l'artiste a été de représenter un ange de l'Évangile, pour peu que cela soit cohérent avec une figure étrange qui évoque chez le spectateur un sentiment de maladresse plutôt qu'un étonnement extatique. On y discerne le même esprit d'ironie qui caractérise la Gioconda, mais il n'y a aucun paysage sur lequel cette ironie pourrait être projetée, reflétant davantage connexions complexes entre l'homme et la nature. Pour cette raison, Jean-Baptiste produit une impression étrange, voire ambiguë, sur le spectateur. Pendant ce temps, le tableau appartient certainement au cercle des œuvres de Léonard et, dans sa conception, il est l'un des plus innovants, puisque dans la figure de Saint-Jean, le maître synthétise sa recherche de moyens d'exprimer les sentiments et la nature de l'homme en général. . Chargée de symbolisme et d’illusion, cette image semble exister à la frontière du mystère et de la réalité.
9. Léda avec un cygne 1508 - 1515
Huile sur le panneau.
130 x 77,5
Galerie Ufizi, Florence, Italie
La Joconde a été créée à une époque où Léonard de Vinci était tellement absorbé par l'étude de la structure du corps féminin, de l'anatomie et des problèmes liés à l'accouchement qu'il était presque impossible de séparer ses intérêts artistiques et scientifiques. Au cours de ces années, il a dessiné un embryon humain dans l'utérus et a créé la dernière de plusieurs versions du tableau « Léda », basé sur l'ancien mythe de la naissance de Castor et Pollux à partir de l'union de la jeune fille mortelle Léda et Zeus, qui ont pris la forme d'un cygne. Léonard étudiait anatomie comparée et s'intéressait aux analogies entre toutes les formes organiques.
10. Autoportrait 1514 - 1516
Sanguine rouge (craie).
33,3 x 21,3 cm
Galerie nationale de Turin, Italie
À dernières années la vie comprend l'autoportrait de Turin de Léonard.
Et la description de Lomazzo s’applique apparemment aussi à cet autoportrait : « Sa tête était couverte cheveux longs, ses sourcils étaient si épais et sa barbe si longue qu'il semblait être une véritable personnification du noble savoir, ce qu'étaient déjà le druide Hermès et l'ancien Prométhée.
Les anciens biographes de Léonard de Vinci peignent ses traits les plus attrayants :
Selon Vasari :
« Par l’éclat de son apparence, qui révélait la plus haute beauté, il a rendu la clarté à chaque âme attristée. »
Selon Anonyme :
« Il était beau, proportionné, gracieux, avec un visage attrayant. Il portait un manteau rouge qui lui arrivait jusqu'aux genoux, même si les vêtements longs étaient alors à la mode. Une belle barbe, bouclée et bien peignée, tombait jusqu'au milieu de la poitrine.
BES Brockhaus et Efron :
«Vinci était beau, magnifiquement bâti, possédait une force physique énorme, connaissait les arts de la chevalerie, de l'équitation, de la danse, de l'escrime, etc.»
Basé sur des documents provenant d'abc-people.com
Leonardo a acquis une renommée mondiale grâce à son intellect largement développé. Cet homme unique a fait plusieurs découvertes dans les domaines de la médecine, des sciences et de l’ingénierie qui ont changé le monde.
Et bien que le génie lui-même se considérait comme un scientifique et que la peinture n’était qu’un passe-temps, ses descendants plaçaient sa contribution à l’art au même niveau que d’autres mérites, car les peintures de l’artiste sont de véritables chefs-d’œuvre. Cependant, voyez par vous-même les photos des peintures originales publiées sur cette page. bonne qualité avec une augmentation des zones significatives et avec une description de chaque chef-d'œuvre de l'artiste.
Le titre du tableau, peint entre 1503 et 1505, se traduit par « Portrait de Madame Lisa Gioconda ».
L'identité de la femme représentée reste encore aujourd'hui un mystère, même si, selon la version la plus plausible, elle serait l'épouse d'un marchand de soie avec lequel de Vinci était ami à Florence.
Mona Lisa est une jeune fille vêtue de robes sombres, à moitié tournée vers le spectateur. Chaque détail de l'image est décrit avec des détails incroyables, et le léger sourire qui a touché ses lèvres surprend agréablement. Le portrait est considéré comme l'un des meilleurs du genre et véhicule les pensées les plus sublimes de la Renaissance italienne. Sur ce moment il orne le Louvre parisien.
Le tableau de Léonard intitulé "Isleworth Mona Lisa"
Le portrait est toujours la même Mme Lisa, mais avec un fond différent, la présence de colonnes et un dessin des détails moins soigné. Il y a des différends concernant l'heure de sa rédaction.
Certains historiens affirment qu'il s'agit d'une version ultérieure de La Gioconda, tandis que d'autres sont sûrs qu'il s'agit de sa première version.
Le tableau a été vendu au collectionneur Blaker, qui l'a placé dans son propre atelier, situé à Isleworth, à l'ouest de Londres. Cette zone a donné le « nom » au portrait légendaire.
Oeuvre - «Madonna Litta»
Les Litta sont une famille milanaise qui a conservé la Madone avec d'autres tableaux de sa collection tout au long du XIXe siècle. Aujourd'hui, le tableau appartient au Musée de l'Ermitage. Il a été peint en 1490-1491 et représente une femme allaitant un bébé.
Le regard de la jeune fille, pensif et plein de tendresse, est fixé sur l’enfant. Le bébé regarde le spectateur, tenant d’une main la poitrine de sa mère et de l’autre le chardonneret.
"Madone Benoît"
Le tableau a été peint entre 1478 et 1480 et n’est pas terminé. Aujourd'hui, il appartient à l'Ermitage Impérial.
Da Vinci a placé la Madone et l'enfant Jésus dans une pièce faiblement éclairée par la lumière d'une fenêtre ouverte.
Il y a un jeu particulier de lumière et de formes dans l’œuvre. La fille sourit sincèrement et l'enfant bien nourri et sérieux regarde la fleur crucifère avec enthousiasme.
"Madone aux rochers"
Sous ce titre se trouvent deux tableaux presque identiques. Le Louvre expose une version peinte vers 1483-1486, et la National Gallery de Londres expose une version légèrement postérieure.
La toile représente la Vierge Marie, Jean-Baptiste, un ange et l'enfant Jésus. Dans l’ensemble, il règne une atmosphère apaisée, empreinte de tendresse. Les falaises abruptes qui forment le fond du paysage créent un contraste exclusif.
"Vierge à l'Enfant et Sainte Anne"
Ce tableau est souvent confondu avec le tableau de Léonard de Vinci "Sainte Anne avec la Vierge et l'Enfant Christ". « La Vierge à l'Enfant avec Sainte Anne » est une œuvre de l'artiste allemand Albrecht Durer. Il a été écrit en 1519 et n’a rien à voir avec le génie mondialement connu.
"Madone à l'Oeillet"
Le tableau n'était connu qu'en 1889, date à laquelle il se retrouva au musée de l'Alte Pinakothek.
Il représente une Madone calme tenant l'enfant Jésus dans ses bras, le regardant avec une tendresse non dissimulée. L'enfant est actif, comme s'il jouait, tendant les mains vers le papillon invisible.
Tableau inachevé «Sainte Anne avec la Vierge et l'Enfant Christ»
Ce chef-d'œuvre inachevé se trouve aujourd'hui au Louvre à Paris. Pour le créer, de Vinci a utilisé une intrigue bien connue en Italie, dans laquelle la Madone est sur les genoux de sa mère Anna, tenant dans ses bras son propre fils Jésus.
L'effet est appelé mise en abyme. La date estimée de rédaction est 1508-1510.
"Dame à l'Hermine"
Le tableau, créé en 1489-1490, est conservé en Pologne. On pense que le portrait représente Cecilia Gallerani, la maîtresse de Ludovico Sforza, duc de Milan.
La jeune fille est décrite de manière détaillée et réaliste. La présence de l'hermine a de nombreuses versions. Selon la théorie la plus répandue, cet animal symbolise la pureté et la chasteté. Il est placé dans l’image pour transmettre ces caractéristiques de Cecilia, pour souligner sa relation extraconjugale avec le duc, qui ne tache pas la réputation de la belle, mais est une manifestation d’amour sincère.
"Ginevra de Benci" - une représentation artistique de la poétesse
Elle était une célèbre poète et amante platonique de Bernardo Bembo, qui, selon les historiens, est la personne qui a commandé le portrait.
Léonard de Vinci y travailla de 1474 à 1476.
La jeune fille sur la toile ne sourit pas, elle est réfléchie et calme, vêtue d'une robe simple et sans fioritures. Elle est ornée uniquement d'un foulard et d'une petite perle au cou. Le tableau est actuellement exposé à la Washington National Gallery of Art.
"Ginevra de Benci" (verso)
Au dos du portrait de Ginevra de Benci, un emblème est peint par Léonard de Vinci : une branche verticale de genévrier, encadrée par une couronne de laurier et des branches de palmier, entrelacées d'un ruban avec Phrase latine: « Virtutem forma decorat. »
Traduit, le dicton ne sonne pas moins luxueux : « La beauté est la parure de la vertu ».
La branche de palmier et le laurier représentent la vertu, et le genévrier représente la composante poétique. Le fond imite une dalle de porphyre, symbolisant une perfection rare et immuable.
"Léda et le cygne" - une copie du tableau de l'artiste
Ce tableau est aujourd'hui perdu, mais des copies peintes par d'autres artistes, des croquis préliminaires de Léonard de Vinci et des mentions dans des documents historiques ont été préservés. L’heure estimée de rédaction est 1508.
La toile représentait Léda debout de toute sa hauteur et serrant le cou d'un cygne. La jeune fille regardait les enfants qui jouaient dans l'herbe. À en juger par les coquilles qui se trouvaient à proximité, les bébés sont nés de gros œufs.
"Isabelle d'Este"
Isabelle d'Este est surnommée la « diva de la Renaissance ».
Elle était une grande connaisseuse d'art et l'une des filles les plus célèbres d'Italie. Isabelle était amie avec De Vinci et lui a demandé à plusieurs reprises de créer son portrait, mais le génie ne l'a accepté qu'une seule fois.
Hélas, après avoir réalisé un croquis au crayon, que l'artiste acheva en 1499, il abandonna sa création.
«Le Baptême du Christ» - tableau de Léonard de Vinci et Andrei Verrocchio
Ce tableau a été peint par de Vinci en collaboration avec son professeur Andrea Verrocchio en 1475.
Il fut commandé par le monastère bénédictin vallombrosien de San Salvia, qui conserva le tableau jusqu'en 1530, après quoi il le transféra à la Galerie florentine des Offices.
Un fragment du tableau « Le Baptême du Christ » - une œuvre personnelle de Léonard
Les connaisseurs de l'œuvre de Léonard pourront profiter d'un fragment du « Baptême du Christ » réalisé personnellement par Léonard.
Une partie du tableau représente des éléments individuels d'un paysage et deux anges - celui de gauche est l'œuvre d'un génie. Selon la légende, Verrocchio fut tellement impressionné par les compétences de l’étudiant qu’il abandonna l’art, se considérant indigne.
"Adoration des Mages"
Le tableau a été commencé sur ordre des moines augustins du monastère de San Donato en 1481, mais n'a pas été achevé en raison du fait que l'artiste a dû partir pour Milan. Aujourd'hui, l'œuvre est conservée à la Galerie des Offices.
En arrière-plan, vous pouvez voir les ruines d'un palais ou, vraisemblablement, d'un temple païen, des cavaliers à cheval et des rochers. Au centre de la toile se trouve Marie avec Jésus nouveau-né. Elle était entourée de pèlerins qui voulaient adorer le fils de Dieu.
Les historiens pensent que Léonard de Vinci a peint le personnage à l'extrême droite de sa propre vie.
"Jean le Baptiste"
Le tableau de style classique, qui se distingue des autres par l'absence de paysage et de fond vierge, a été réalisé en 1514-1516. Aujourd'hui, on peut le voir au Louvre à Paris.
La figure de Jean-Baptiste est dotée de symboles traditionnels :
- fine croix de roseau;
- vêtements en laine;
- cheveux longs.
Le doigt levé de la main droite est également un geste traditionnel qui apparaît souvent dans les peintures de Léonard de Vinci. Peut-être que l’artiste voulait ainsi transmettre quelque chose d’important. L’image de John est douce, il a un doux sourire et un regard étonnant, comme s’il pénétrait l’âme du spectateur.
"Saint Jérôme" - un tableau inachevé de l'auteur
Le tableau a été commandé par les autorités ecclésiastiques de Florence en 1481, mais de Vinci a dû partir pour Milan et il n'a donc pas été achevé. L'état dans lequel il a survécu jusqu'à ce jour est critique - il a été assemblé presque pièce par pièce, il est donc conservé à la Pinacothèque du Vatican sous une surveillance attentive et minutieuse.
Le croquis représente saint Jérôme, dont la pose indique que l'homme se repent. Un lion, éternel compagnon de Jérôme, repose à proximité.
Tableau intitulé - « La Cène »
Le tableau a été commandé par le duc Lodovico Sforza et son épouse Béatrice d'Este en 1495. Le tableau, représentant la scène du dernier repas du Christ avec ses disciples, a été achevé en 1498. Les armoiries de la famille Sforza sont visibles sur les lunettes formées par le plafond à trois arches. Aujourd'hui, l'œuvre est conservée au monastère de Milan.
«Annonciation» - une œuvre angélique de l'artiste
Léonard de Vinci a peint ce tableau en 1475. L'intrigue a été choisie dans la partie de l'Évangile qui raconte l'annonce de la future naissance du Sauveur.
L'archange ailé Gabriel est agenouillé, tenant dans sa main gauche un lys blanc, personnifiant la pureté. De la main droite, il bénit Marie. Près de la jeune fille se trouve un support en marbre décoré de reliefs sur lequel repose la Bible. L'œuvre est exposée au Musée des Offices.
"Annonciation - paysage"
Le paysage de l’Annonciation, situé à l’arrière-plan du tableau, mérite une attention particulière. Léonard de Vinci y a placé une rivière qui s'éloigne au loin avec des mâts de navires visibles, des silhouettes d'arbres sculptées, des murs et des tours d'une ville portuaire, enveloppée dans la brume pâle du sommet d'une montagne.
"Musicien"
Ce portrait a été réécrit par le grand artiste italien presque méconnaissable en 1490-1492. Il laisse alors son œuvre inachevée. Aujourd'hui, le tableau est conservé à la Pinacothèque Ambrosienne de Milan.
Au XIXe siècle, il était généralement admis que le tableau représentait le duc Lodovico Sforzo. Mais au XXe siècle, lors de travaux de restauration, il a été possible de distinguer les mots sur le papier tenu dans les mains du type représenté. Il s’est avéré qu’il s’agissait des premières lettres des mots Cantum Angelicum, qui en traduction sonnent comme « chant angélique ». Les notes sont dessinées à proximité. Grâce à cette découverte, ils ont commencé à regarder l'œuvre différemment, en lui donnant un nom approprié.
Le dernier tableau de Léonard de Vinci exposé au Louvre
Devant vous sur la photo se trouve la dernière création de Léonard : « Sainte Anne et Marie avec l'Enfant ». Le peintre a travaillé sur ce tableau pendant 20 ans. Il est actuellement exposé au Louvre.
Suite de l'exposition. . .
Léonard de Vinci peut être attribué en toute sécurité à des personnes uniques de notre planète... Après tout, il est connu non seulement comme l'un des les plus grands artistes et sculpteurs d'Italie, ainsi que les plus grands scientifiques, explorateurs, ingénieurs, chimistes, anatomistes, botanistes, philosophes, musiciens et poètes. Ses créations, découvertes et recherches étaient en avance de plusieurs époques sur leur temps.
Léonard de Vinci est né le 15 avril 1452 près de Florence, dans la ville de Vinci (Italie). De nombreuses informations sont connues sur la mère de Léonard de Vinci, sauf qu'elle était une paysanne, qu'elle n'était pas mariée au père de Léonard et qu'elle a élevé son fils dans le village jusqu'à l'âge de 4 ans, après quoi il a été envoyé dans la famille de son père. Mais le père de Léonard, Piero Vinci, était un citoyen assez riche, travaillait comme notaire et possédait également des terres et le titre de Messer.
Léonard de Vinci a reçu son éducation primaire, qui comprenait la capacité d'écrire, de lire et de maîtriser les mathématiques de base et le latin, à la maison. Pour beaucoup, sa manière d’écrire en miroir de gauche à droite était intéressante. Même si, si nécessaire, il pouvait écrire de manière traditionnelle sans trop de difficultés. En 1469, le fils et son père s'installèrent à Florence, où Léonard commença à étudier le métier d'artiste, qui n'était pas le plus vénéré à l'époque, même si Piero souhaitait que son fils hérite du métier de notaire. Mais à cette époque, un enfant illégitime ne pouvait pas être médecin ou avocat. Et déjà en 1472, Léonard fut admis dans la guilde des peintres de Florence, et en 1473 la toute première œuvre datée de Léonard de Vinci fut écrite. Ce paysage représentait une esquisse d’une vallée fluviale.
Déjà en 1481-1482. Léonard a été accepté au service du souverain de Milan de l'époque, Lodovico Moro, où il a été organisateur des vacances à la cour et à temps partiel en tant qu'ingénieur militaire et ingénieur hydraulique. Étant engagé dans l'architecture, de Vinci a eu une énorme influence sur l'architecture italienne. Dans ses œuvres, il a développé diverses options moderne ville idéale, ainsi que des projets de temple à dôme central.
À cette époque, Léonard de Vinci s'est essayé dans diverses directions scientifiques et a obtenu des résultats positifs sans précédent presque partout, mais n'a pas pu trouver l'environnement favorable dont il avait tant besoin en Italie à cette époque. C'est donc avec grand plaisir qu'il accepta en 1517 l'invitation du roi de France François Ier au poste de peintre de cour et arriva en France. Durant cette période, la cour de France tenta de rejoindre activement la culture de la Renaissance italienne, de sorte que l'artiste était entouré d'une vénération universelle, même si, selon le témoignage de nombreux historiens, cette vénération était plutôt ostentatoire et de nature extérieure. Les forces affaiblies de l’artiste étaient à leur limite et après deux ans, le 2 mai 1519, Léonard de Vinci mourut à, près d’Amboise, en France. Mais malgré le court Le chemin de la vie Léonard de Vinci est devenu un symbole reconnu de la Renaissance.