Svetlana Oboukhova
Il ne reste presque aucune preuve de la vie du Crétois Domenico Theotokopouli, l'artiste qui a conquis Tolède espagnole sous le nom d'El Greco, c'est-à-dire le Grec. Les « folies » de son personnage et son étrange manière picturale en ont étonné beaucoup et les ont obligés à prendre la plume - mais seules quelques lettres ont survécu. L'un d'eux contient les lignes suivantes : « … il faisait beau, le soleil printanier brillait doucement. Cela a donné de la joie à tout le monde et la ville avait l'air festive. Imaginez ma surprise lorsque je suis entré dans l'atelier d'El Greco et que j'ai vu que les volets des fenêtres étaient fermés et qu'il était donc difficile de voir ce qu'il y avait autour. El Greco lui-même était assis sur un tabouret, ne faisant rien, mais éveillé. Il ne voulait pas sortir avec moi parce que, selon lui, lumière du soleil interféré avec sa lumière intérieure..."
Il n'y a presque aucune preuve de Domenico l'homme, seulement des échos : qu'il vivait dans le grand style, tenait une riche bibliothèque, lisait de nombreux philosophes et poursuivait également ses clients (ils l'aimaient, mais le plus souvent ne le comprenaient pas), mourut presque en pauvreté - comme les minces rayons de la lumière du jour traversent les fissures des « volets fermés » de sa vie. Mais ils ne détournent pas l'attention de l'essentiel - de la lumière intérieure qui remplit les peintures de l'artiste El Greco. Surtout les portraits.
Il n'y a pas de paysages qui s'ouvrent derrière la personne représentée, il n'y a pas d'abondance de détails qui attirent un œil curieux. Même le nom du héros est souvent laissé de côté. Parce que tout cela vous empêcherait de voir le visage. Et des yeux profonds et sombres qui vous regardent droit dans les yeux. Il est difficile de s’en arracher, et si l’on se force, c’est pour voir le geste et s’arrêter à nouveau dans la réflexion.
Il s'agit du « Portrait d'un cavalier avec la main sur la poitrine » (1577-1579), peint par le maître peu après son installation à Tolède. Ce portrait est reconnu comme l'un des meilleurs de peinture espagnole XVIe siècle. L'étranger El Greco a créé « des images vives de la vie et de l'histoire espagnoles », qui capturent « de véritables êtres vivants, combinant en eux tout ce qu'il y a d'admirable chez notre peuple, tout ce qui est héroïque et indomptable, avec ces qualités opposées qui ne peuvent que se refléter, sans détruire son essence même » (A. Segovia). Les aristocrates des anciennes familles de Tolède sont devenus les véritables héros du Greco, il les a vus Lumière intérieure- leur noblesse et leur dignité, la fidélité au devoir, l'intelligence, le raffinement des manières, le courage, la retenue extérieure et l'impulsion intérieure, la force du cœur, qui sait pour quoi il vit et meurt...
Jour après jour, les visiteurs de la Galerie du Prado s'arrêtent devant l'hidalgo inconnu, surpris, avec les mots : « Comme vivant... » Qui est-il, ce chevalier ? Pourquoi ouvre-t-il son cœur avec une telle sincérité ? Pourquoi ses yeux sont-ils si attirants ? Et ce geste de serment ? Et la poignée de l'épée ?.. Peut-être de ces questions est née une légende selon laquelle la personne représentée dans le portrait est un autre grand Espagnol : Miguel de Cervantes. Un guerrier et écrivain qui a raconté au monde l'histoire d'un chevalier à la triste image, qui a reçu le même don divin que le Greco : voir les gens tels qu'ils devraient être, voir leur lumière intérieure...
Et d'autres tableaux du Musée du Prado à l'Ermitage...
El Greco "Le Christ embrassant la croix" 1600 - 1605
Représenté sur fond de ciel orageux typique du Greco, le Christ embrasse la croix de ses mains gracieuses, regardant vers le haut avec un calme et un malheur. Le tableau fut un grand succès et de nombreuses versions furent créées dans l'atelier du Greco.
Le Greco" Sainte famille de St. Anne et le petit Jean-Baptiste" vers 1600 - 1605
La dernière période de l'œuvre d'El Greco est caractérisée par l'utilisation de couleurs et d'éclairs perçants ; l'espace est entièrement rempli de personnages qui obscurcissent l'horizon. Les formes peintes d’un coup de pinceau vibrant perdent leur matérialité. Le Petit Jean-Baptiste appelle le spectateur au silence pour ne pas troubler la paix de l'enfant Christ...
Velasquez - Portrait de Philippe IV Portrait du roi Philippe IV. 1653-1657
Bases du portrait psychologique dans art européen fondée par le peintre espagnol Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Il est né dans une famille noble et pauvre de Séville et a étudié avec Herrera l'Ancien et Pacheco. En 1622, il arriva pour la première fois à Madrid. D'un point de vue pratique, ce voyage n'a pas été très réussi - Velazquez n'a pas trouvé de place digne pour lui-même. Il espérait rencontrer le jeune roi Philippe IV, mais la rencontre n'a pas eu lieu. Cependant, des rumeurs sur jeune artiste arriva à la cour et dès l'année suivante, en 1623, le premier ministre, le duc de Olivares (également originaire de Séville), invita Velazquez à Madrid pour peindre un portrait du roi. Cette œuvre, qui ne nous est pas parvenue, fit une si agréable impression sur le monarque qu'il proposa aussitôt à Velazquez le poste d'artiste de la cour. Bientôt, des relations assez amicales se développèrent entre le roi et Velazquez, ce qui n'était pas très typique de l'ordre qui régnait à la cour espagnole. Le roi, qui dirigeait le plus grand empire du monde, n'était pas considéré comme un homme, mais comme une divinité, et l'artiste ne pouvait même pas compter sur de nobles privilèges, puisqu'il gagnait sa vie grâce au travail. Pendant ce temps, Philippe ordonna que désormais seul Velazquez peint ses portraits. Le grand monarque était étonnamment généreux et soutenait Velazquez. L'atelier de l'artiste était situé dans les appartements royaux et une chaise y était installée pour Sa Majesté. Le roi, qui détenait la clé de l’atelier, venait ici presque tous les jours pour observer le travail de l’artiste. Alors qu’il était au service royal de 1623 à 1660, Velazquez peignit une douzaine de portraits de son suzerain. Parmi ceux-ci, un peu plus de 10 tableaux nous sont parvenus. Ainsi, Velazquez peignait en moyenne son suzerain environ une fois tous les trois ans. Peindre des portraits du roi était le travail de Velazquez, et il a parfaitement fait son travail. Grâce à cela, nous disposons d’un complexe d’œuvres unique à sa manière : les portraits de Velazquez retracent si clairement le chemin de la vie du roi Philippe, comme ce n’est devenu une coutume qu’à l’ère de la photographie. L’évolution est clairement visible dans les peintures de l’artiste. Premièrement, le roi lui-même change, âgé de 18 ans dans le premier portrait et de 50 ans dans le dernier ; son visage porte l'empreinte de l'âge et des changements spirituels. Deuxièmement, la perception que l’artiste a de son modèle s’approfondit, passant de superficielle à perspicace. Au fil du temps, la manière de présenter le modèle et les techniques artistiques évoluent. La manière de Velazquez se transforme sous l'influence de sa propre croissance créative, ainsi que sous l'influence des traditions modernes nationales et étrangères. Ce portrait sous la poitrine représente Philippe IV sur un fond sombre, vêtu d'un vêtement noir avec un col blanc qui met clairement en valeur le visage du monarque. Velázquez évite l'ostentation dans le portrait du roi et montre le « visage humain » du monarque sans aucune flatterie ni ruse courtoise. On sent clairement que celui qui nous regarde depuis la toile est mécontent, dernières années Le règne ne fut pas facile pour le roi. C'est un homme qui a connu la déception, mais en même temps, un homme dont la chair est remplie d'une grandeur innée que rien ne peut ébranler. Un autre Grand artiste, Espagnol dans l'âme - Pablo Ruiz Picasso dit ceci à propos de l'image du roi d'Espagne : « nous ne pouvons pas imaginer un autre Philippe IV autre que celui créé par Velazquez... »
"Portrait du roi Philippe IV" (vers 1653 - 1657)
L'un des derniers portraits du monarque. Il est intéressant de noter qu’il n’y a pas un seul élément ici qui parle du statut royal de la personne représentée. Velazquez a servi Philippe IV pendant près de quarante ans - de 1623 jusqu'à sa mort, peignant des portraits du roi et de sa famille, de grandes toiles pour la collection royale.
Diego Velazquez "Portrait du bouffon Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644
Diego Velazquez "Portrait de la reine Marianna d'Autriche" 1652-1653
Titien (Tiziano Vecellio) "Vénus avec Cupidon et l'organiste" 1555
Le musicien joue, assis aux pieds de Vénus et admirant le corps nu de la déesse, jouant distraitement avec Cupidon. Certains considéraient ce tableau comme une œuvre purement érotique, tandis que d'autres le percevaient de manière symbolique - comme une allégorie des sentiments, où la vision et l'ouïe agissent comme des outils pour la connaissance de la beauté et de l'harmonie. Titien a écrit cinq versions de ce thème.
Paolo Véronèse (Paolo Cagliari) - "Marie-Madeleine pénitente" 1583
Après sa conversion, Marie-Madeleine a consacré sa vie au repentir et à la prière, se retirant du monde. Dans ce tableau, elle est représentée regardant vers le ciel et baignée de lumière divine. Le tableau est peint dans des couleurs sombres et épaisses, caractéristiques du style de Véronèse à la fin de son œuvre. Avant d'entrer dans les collections royales espagnoles, l'œuvre appartenait au roi anglais Charles Ier (exécuté en 1649).
Anthony Van Dyck "Portrait d'un homme au luth" 1622-1632
Anthony Van Dyck doit précisément sa renommée au genre du portrait, qui occupait une position assez basse dans la hiérarchie de la peinture européenne. Cependant, en Flandre, à cette époque, une tradition s'était déjà développée art du portrait. Van Dyck a peint des centaines de portraits, plusieurs autoportraits et est devenu l'un des créateurs du style de portrait de cérémonie du XVIIe siècle. Dans les portraits de ses contemporains, il a montré leur monde intellectuel et émotionnel, leur vie spirituelle et leur caractère humain vivant.
Le modèle traditionnel de ce portrait est Jacob Gautier, luthiste à la cour d'Angleterre de 1617 à 1647, mais la présence de l'épée et, dans une plus large mesure, les caractéristiques stylistiques de l'œuvre indiquent qu'elle doit être bien antérieure à Van Dyck à Londres, qui met en doute cette théorie. La présence d’un instrument de musique ne signifie pas nécessairement que le modèle était musicien. En tant que symbole, les instruments de musique étaient souvent représentés dans les portraits, signe de la sophistication intellectuelle et de la sensibilité du sujet.
Juan Bautista Maino "Adoration des bergers" 1612-1614
L'un des chefs-d'œuvre de Maino. Dans la collection Etat de l'Ermitage Il existe une autre version de cette histoire écrite par Maino. L'artiste est né à Pastrana (Guadalajara) et a vécu à Rome de 1604 à 1610. Cette œuvre, écrite à son retour en Espagne, montre l'influence du Caravage et d'Orazio Gentileschi. En 1613, Maino devint membre de l'Ordre dominicain et le tableau fut inclus dans le cycle d'autel du monastère Saint-Pierre-le-Martyr de Tolède.
Georges de Latour "Le musicien aveugle à la roue" env. 1625-1630
Latour représente un vieux musicien aveugle jouant de la vielle. Il a répété cette intrigue à plusieurs reprises. L'artiste, qui a travaillé sous l'influence du style du Caravage, reproduit avec enthousiasme les détails - le motif qui décore instrument de musique, les rides du visage d'un aveugle, ses cheveux.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Persée libérant Andromède" Env. 1639-1640
Francisco de Goya "Portrait de Ferdinand VII" 1814-1815
Après la défaite de Napoléon en 1814, Ferdinand VII revient sur le trône d'Espagne. Le portrait le montre dans une robe royale doublée d'hermine, avec un sceptre et les ordres de Carlos III et la Toison d'Or.
Ferdinand VII, qui dirigea le pays jusqu'en 1833, fonda le musée du Prado en 1819.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, épouse du premier directeur du Prado, était l'une des femmes les plus vénérées d'Espagne de son époque.
Dans le portrait de 1805, Goya représente la marquise comme la muse de la poésie lyrique, Euterpe, allongée sur un canapé et tenant une lyre dans sa main gauche. Le choix de cette image particulière est dû à la passion de la marquise pour la poésie.
Francisco Goya - "Automne (vendanges)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - "Vendanges" fragment
Entre 1775 et 1792, Goya réalise sept séries de tapisseries en carton pour les palais de l'Escurial et du Prado, dans la banlieue de Madrid. Ce tableau appartient notamment à la série des saisons et était destiné à la salle à manger du prince des Asturies au Prado. Goya a représenté l'intrigue classique comme une scène quotidienne, qui reflète la nature des relations entre les différentes classes - le tableau représente les propriétaires d'un vignoble avec leur fils et leur servante.
Francisco Goya "Portrait du général José de Urrutia" (vers 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - l'un des chefs militaires espagnols les plus éminents et le seul officier de l'armée d'origine non aristocratique au XVIIIe siècle à avoir atteint le grade de capitaine général - est représenté avec l'Ordre de Saint-Georges, qui lui fut décerné par l'impératrice russe Catherine la Grande pour sa participation à la capture d'Ochakov lors de la campagne de Crimée de 1789.
Peter Paul Rubens "Portrait de Marie de Médicis". D'ACCORD. 1622-1625.
Maria Médicis (1573 - 1642) était la fille du grand-duc de Toscane Francesco I. En 1600, elle devint l'épouse du roi de France Henri IV. À partir de 1610, elle fut régente de son jeune fils, le futur roi Louis XIII. Elle a commandé à Rubens une série d'œuvres se glorifiant elle-même et son défunt mari. Le portrait montre la Reine portant une coiffe de veuve et un fond inachevé.
Domenico Tintoretto "Femme montrant ses seins" Environ. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Portrait de Félix Maximo Lopez, premier organiste de la Chapelle Royale" 1820
Peintre néoclassique espagnol, qui a conservé des traces du style rococo. Lopez était considéré comme l'un des meilleurs portraitistes de son temps, juste derrière Francisco de Goya. Il commence à étudier la peinture à Valence à l'âge de 13 ans et, en quatre ans, il remporte plusieurs premiers prix à l'Académie de San Carlos, ce qui lui vaut une bourse pour étudier à la prestigieuse Académie Royale de la capitale. beaux-Arts Saint Fernando. Après avoir terminé ses études, López a travaillé plusieurs années dans l'atelier de Mariano Salvador Maella, son professeur. En 1814, après l'occupation française, Lopez se portait déjà bien artiste célèbre, le roi d'Espagne Ferdinand VII le convoque à Madrid et le nomme artiste officiel de la cour, malgré le fait que « le premier artiste royal"A cette époque, il y avait Francisco Goya lui-même. Vicente Lopez était un artiste prolifique, il peignait des œuvres religieuses, allégoriques, historiques et histoires mythologiques, mais il était avant tout, bien sûr, portraitiste. Au cours de sa longue carrière, il a peint des portraits de presque tout le monde célébrité en Espagne dans la première moitié du XIXe siècle.
Ce portrait du premier organiste de la chapelle royale et musicien célèbre et le compositeur a été écrit peu de temps avant la mort de l'artiste et complété par son fils aîné Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Portrait de Maria Luisa de Parme, princesse des Asturies" 1766
Juan Sanchez Cotan "Nature morte au gibier, légumes et fruits" 1602
Don Diego de Acedo était à la cour depuis 1635. En plus du « service des bouffons », il servait de messager royal et était chargé du sceau du roi. Apparemment, les livres, papiers et instruments d’écriture représentés sur la photo parlent de ces activités. On pense que le portrait a été peint à Fraga, province de Huesca, lors du voyage de Philippe IV en Aragon, au cours duquel il était accompagné de Diego de Acedo. Au fond se dresse le pic Malicios de la chaîne de montagnes Guadarrama.
Jérôme Bosch "Extraction de la pierre de la folie" c. 1490
La scène satirique avec des personnages sur fond de paysage représente une opération visant à enlever la « pierre de la bêtise ». L’inscription en caractères gothiques dit : « Maître, enlevez vite la pierre. Je m’appelle Lubbert Das. » Lubbert est un nom commun désignant l'ignorance et la simplicité. Un chirurgien coiffé d'une coiffe en forme d'entonnoir inversé, symbolisant l'ignorance, « enlève » une pierre (un nénuphar) de la tête d'un patient crédule et lui demande une généreuse rémunération. A cette époque, les simples d'esprit croyaient qu'une pierre dans la tête était à l'origine de leur bêtise. C’est ce dont ont profité les charlatans.
Raphaël (Raffaello Santi) "La Sainte Famille avec un agneau" 1507
Marie aide le petit Christ à s'asseoir sur l'agneau - symbole chrétien la prochaine Passion du Christ, et St. Joseph les regarde. Le tableau a été peint à Florence, où l'artiste a étudié l'œuvre de Léonard de Vinci, influencé par ses compositions avec la Sainte Famille. Au musée du Prado, c'est la seule œuvre de Raphaël peinte au début de la période.
Albrecht Dürer "Portrait d'un homme inconnu" env. 1521
Le portrait appartient à période tardive La créativité de Dürer. Écrit d'une manière similaire au style Artistes néerlandais. Chapeau avec large bord attire l'attention sur le visage de la personne représentée, la lumière tombant de la gauche concentre l'attention du spectateur sur lui. Le deuxième point central du portrait sont les mains, et principalement celle de gauche, dans lesquelles l'inconnu tient un parchemin, expliquant apparemment son statut social.
Rogier van der Weyden "Lamentation" Env. 1450
Le modèle était le triptyque d'autel du monastère de Miraflores (conservé galerie d'art Berlin), créé par Van der Weyden avant 1444 et répété avec quelques différences. Dans cette version avec ajouté dans une période inconnue la partie supérieure Marie, le Christ, St. John et le donateur (client du tableau) – un membre de la famille Broers – sont représentés dans le même espace. L'artiste exprime de manière expressive le chagrin de la Mère de Dieu, serrant le corps de son fils décédé contre sa poitrine. Le groupe tragique de gauche contraste avec la figure du donateur, séparé par une pierre. Il est dans un état de concentration et de prière. À cette époque, les clients demandaient souvent à se représenter sur des tableaux. Mais leurs images étaient toujours secondaires – quelque part en arrière-plan, dans la foule, etc. Ici, le donateur est représenté au premier plan, mais il est séparé du groupe principal par la pierre et la couleur.
Alonso Cano "Christ mort soutenu par un ange" c. 1646 - 1652
Sur fond de paysage crépusculaire, un ange soutient le corps sans vie du Christ. L'iconographie inhabituelle de ce tableau s'explique par le fait qu'il n'est pas associé à des textes évangéliques, mais au soi-disant Christ de Saint-Pierre. Grégoire. Selon la légende, le pape Grégoire le Grand aurait eu une vision du Christ mort soutenu par deux anges. Kano a interprété ce complot différemment : un seul ange soutient le corps immobile du Christ.
Bartolome Esteban Murillo "Notre-Dame du Rosaire" Env. 1650 -1655
L'œuvre de Bartolomé Esteban Murillo met fin à l'âge d'or de la peinture espagnole. Les œuvres de Murillo sont d'une composition impeccablement précise, riches et harmonieuses en couleurs, et belles au sens le plus élevé du terme. Ses sentiments sont toujours sincères et délicats, mais dans les peintures de Murillo, il n’y a plus cette puissance spirituelle et cette profondeur qui choquent tant dans les œuvres de ses contemporains plus âgés. La vie de l'artiste est liée à sa Séville natale, même s'il a dû visiter Madrid et d'autres villes. Ayant étudié auprès du peintre local Juan del Castillo (1584-1640), Murillo a beaucoup travaillé sur les commandes des monastères et des temples. En 1660, il devient président de l'Académie des Beaux-Arts de Séville.
Avec ses peintures de sujets religieux, Murillo cherchait à apporter réconfort et réconfort. Ce n'est pas un hasard s'il peint très souvent l'image de la Mère de Dieu. L'image de Marie est passée de peinture en peinture sous la forme d'une jolie jeune fille aux traits réguliers et au regard calme. Son apparence innocente était censée évoquer un sentiment de douce tendresse chez le spectateur. Dans ce tableau, Bartolomé Murillo a représenté la Madone et Jésus avec le chapelet, le chapelet catholique traditionnel, dont la prière revêtait une grande importance à l'époque de l'artiste. Dans cette œuvre, les traits du naturalisme qui prévalaient dans les œuvres des représentants de l’école de Séville dans la première moitié du XVIIe siècle sont encore perceptibles, mais le style pictural de Murillo est déjà plus libre que dans son premiers travaux. Cette liberté est particulièrement évidente dans la représentation du voile de la Vierge Marie. L'artiste utilise une lumière vive pour mettre en valeur les personnages sur un fond sombre et créer un contraste entre les tons délicats du visage de la Vierge Marie et du corps de l'enfant Christ et les ombres profondes des plis des tissus.
En Andalousie du XVIIe siècle, l'image de la Vierge à l'Enfant était particulièrement recherchée. Murillo, dont la vie créative s'est déroulée à Séville, a peint de nombreux tableaux de ce type, empreints de tendresse. Dans ce cas, la Mère de Dieu est représentée avec un chapelet. Et ici, comme dans premières années de son travail, l'artiste reste fidèle à sa passion pour les contrastes d'ombre et de lumière.
Bartolomé Esteban Murillo "Le Bon Pasteur" 1655-1660
L'image est empreinte d'un lyrisme profond et d'une gentillesse. Le titre est tiré de l’Évangile de Jean : « Je suis le bon berger ». Cela signifie que le tableau représente le Christ, bien que de la manière la plus jeune âge. Tout dans le film de Murillo est beau et simple. L'artiste aimait peindre des enfants, et il mettait tout cet amour dans la beauté de l'image de ce garçon-Dieu. Dans les années 1660-1670, à l'apogée de ses talents de peintre, Murillo cherchait à poétiser ses personnages, et il était souvent accusé d'une certaine sentimentalité dans ses images et de leur beauté délibérée. Cependant, ces reproches ne sont pas tout à fait justes. L'enfant représenté dans le tableau est encore visible aujourd'hui à Séville et dans les villages environnants. Et c'est précisément en cela que s'est manifestée l'orientation démocratique du travail de l'artiste - en assimilant la beauté de la Madone à la beauté des choses ordinaires. femmes espagnoles, et la beauté de son fils, le petit Christ, avec la beauté des gamins des rues.
Alonso Sánchez Coelho « Portrait des infantes Isabella Clara Eugenia et Catalina Micaela » 1575
Le portrait montre la princesse, âgée de huit et neuf ans, tenant une couronne de fleurs. Sánchez Coelho a peint des portraits d'infantes - les filles bien-aimées du roi Philippe II et de sa troisième épouse Isabelle Valois - dès son plus jeune âge. Tous les portraits sont réalisés dans le respect des canons d'un portrait de cour - des filles vêtues de vêtements magnifiques et aux expressions faciales impassibles.
Anton Rafael Mengs. Portrait du roi Carlos III. 1767
Charles III était peut-être considéré comme le seul monarque véritablement éclairé de l'histoire de l'Espagne. C'est lui qui fonda le musée du Prado en 1785, d'abord comme musée d'histoire naturelle. Charles III rêvait que le musée du Prado, ainsi que les jardins botaniques voisins, deviendraient un centre d'enseignement scientifique.
Après être monté sur le trône, il a commencé à mener de sérieuses réformes politiques et économiques, dont le pays avait tant besoin à cette époque. Cependant, ses efforts furent vains : son fils Charles IV ne partageait pas les vues progressistes de son père et après la mort de Charles III, les réformes furent terminées.
Ce portrait est absolument typique de son époque. Dans chaque détail, l'artiste attire l'attention sur la position occupée par le modèle : un manteau garni d'hermine, une croix de Malte incrustée de bijoux, une armure brillante - attributs indispensables de la grandeur royale. Draperie et pilastre luxuriants (élément architecture classique) est un arrière-plan traditionnel pour de tels portraits.
Mais déjà dans ce portrait, la façon dont le visage du modèle est présenté est surprenante. Mengs ne fait aucune tentative pour affiner le nez bulbeux du roi ou lisser les plis de ses joues ridées. Grâce à une individualité maximale, cette peinture crée un sentiment de vie que les prédécesseurs de Mengs ne pouvaient atteindre. Le portrait fait ressentir de la sympathie pour Carlos III, prêt à « montrer » son apparence imparfaite.
Antoine Watteau "Fête au parc" ca. 1713 - 1716
Cette charmante scène est un exemple typique des « vacances galantes » de Watteau. Un léger brouillard brouillant les contours, une statue de Neptune presque cachée dans le feuillage au-dessus de la fontaine et une couleur dorée fanée, tout cela véhicule une atmosphère de plaisir aigu mais éphémère.
Le tableau appartenait à Isabelle Farnèse, la seconde épouse du roi Philippe V.
Antonio Carnicero "L'ascension de la montgolfière à Aranjuez" c. 1784
Le tableau a été commandé par le duc et la duchesse d'Haussouin et capture l'esprit du siècle des Lumières, qui a suscité l'intérêt pour les réalisations du progrès scientifique. Un événement réel est représenté : en 1784, dans les Jardins Royaux d'Aranjuez, en présence du monarque, des membres de sa famille et des courtisans, un vol en montgolfière a été réalisé. Antonio Carnicero était connu pour sa charmante scènes de genre, et ce tableau est l'une de ses œuvres les plus ambitieuses.
José de Madrazo y Agudo "Amour céleste et amour terrestre" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Agneau de Dieu" 1635-1640
Un agneau repose sur une table grise, se détachant nettement sur le fond sombre dans la lumière vive et parfaitement concentrée. N'importe qui au XVIIe siècle l'aurait immédiatement reconnu comme « l'agneau de Dieu » et aurait compris qu'il s'agissait d'une allusion au sacrifice de soi du Christ. La laine d'agneau est merveilleusement travaillée et semble si douce qu'il est difficile de quitter l'animal des yeux et de vouloir le toucher.
Juan Pantoja de la Cruz "Portrait de la reine Isabelle de Valois" c. 1604 – 1608
Pantoja de la Cruz a peint ce portrait, reprenant l'œuvre de Sofonisba Angishola - l'original brûlé dans le palais en 1604. L’artiste a seulement ajouté une cape en fourrure de marmotte à la tenue de la reine.
Sofonisba Angishola était une artiste de Crémone qui travaillait à la cour d'Espagne. Il s'agit du premier portrait de la jeune reine d'une série réalisée par l'artiste. Le tableau a été peint d’une manière proche de l’espagnol, mais dans des couleurs plus chaudes et plus claires.
Jean Rann "Portrait de Carlos III enfant" 1723
Luis Melendez "Nature morte avec une boîte de bonbons, bretzels et autres objets" 1770
Le plus grand maître de la nature morte espagnole du XVIIIe siècle, Luis Melendez est né en Italie, dans la famille d'un artiste miniaturiste des Asturies. En 1717, la famille s'installe à Madrid, où le jeune homme entre au département préparatoire de l'Académie de San Fernando et prend la première place parmi ses étudiants les plus doués. Cependant, en 1747, il fut contraint de quitter l'Académie, à la suite de son père, qui en fut expulsé à la suite du conflit. Pendant cette période, Melendez se rend à nouveau en Italie. D'abord aidant son père, il devient miniaturiste et, de retour d'Italie, il est invité par Ferdinand VI à illustrer des livres dans la Chapelle Royale de Madrid. Dans le genre de la nature morte, vers lequel l'artiste se tourne au début des années 1760, une nouvelle facette de son œuvre apparaît.
Cette nature morte a été peinte durant la période de maturité de l’artiste. A cette époque, les objets de luxe apparaissent dans ses compositions, argenterie. Mais néanmoins, l'artiste adhère toujours à ses idéaux et travaille dans la lignée de la tradition du genre. La tangibilité matérielle de chacun des objets peints sur toile nous rappelle les meilleurs exemples de natures mortes de l'art mondial. Le verre transparent et tangible du verre se reflète dans la surface mate et brillante du vase argenté. Un bretzel moelleux sur une serviette blanche qui semble sentir le pain fraîchement sorti du four. Le goulot d’une bouteille scellée brille d’un air terne. Une fourchette en argent dépasse légèrement du bord de la table éclairée. Dans la composition de cette nature morte, il n’y a pas de disposition ascétique des objets sur une seule rangée, caractéristique par exemple des natures mortes de Zurbaran. Peut-être a-t-il quelque chose en commun avec les échantillons néerlandais. Mais le ton est plus sombre, il y a moins d’objets et la composition est plus simple.
Juan de Arellano "Corbeille de fleurs" 1670
Peintre baroque espagnol, spécialisé dans la représentation d'arrangements floraux, né à Santorcas en 1614. Au début, il étudie dans l'atelier d'un artiste aujourd'hui inconnu, mais à l'âge de 16 ans, il s'installe à Madrid, où il étudie avec Juan de Solis, un artiste qui réalise des commandes pour la reine Isabelle. Juan de Arellano a longtemps vécu de petites commandes, notamment de peintures murales, jusqu'à ce qu'il décide de se consacrer exclusivement à la peinture de fleurs et devienne un maître inégalé dans ce domaine. On pense que le maître a commencé par copier les œuvres d’autres artistes, notamment italiens ; les natures mortes flamandes ont ajouté de l’élégance et de la rigueur à son style. Plus tard, il a ajouté à cette combinaison ses propres idées de composition et une palette de couleurs caractéristique.
La composition assez simple de cette nature morte est caractéristique d'Arellano. Les couleurs végétales pures et intenses ressortent brillamment sur un fond brunâtre neutre grâce à un éclairage intense.
Il ne reste presque aucune preuve de la vie du Crétois Domenico Theotokopouli, l'artiste qui a conquis Tolède espagnole sous le nom d'El Greco, c'est-à-dire le Grec. Les « folies » de son personnage et son étrange manière picturale en ont étonné beaucoup et les ont obligés à prendre la plume - mais seules quelques lettres ont survécu. L'un d'eux contient les lignes suivantes : « … il faisait beau, le soleil printanier brillait doucement. Cela a donné de la joie à tout le monde et la ville avait l'air festive. Imaginez ma surprise lorsque je suis entré dans l'atelier d'El Greco et que j'ai vu que les volets des fenêtres étaient fermés et qu'il était donc difficile de voir ce qu'il y avait autour. El Greco lui-même était assis sur un tabouret, ne faisant rien, mais éveillé. Il ne voulait pas sortir avec moi car, selon lui, la lumière du soleil interférait avec sa lumière intérieure… »
Il n'y a presque aucune preuve de Domenico l'homme, seulement des échos : qu'il vivait dans le grand style, tenait une riche bibliothèque, lisait de nombreux philosophes et poursuivait également ses clients (ils l'aimaient, mais le plus souvent ne le comprenaient pas), mourut presque en pauvreté - comme les minces rayons de la lumière du jour traversent les fissures des « volets fermés » de sa vie. Mais ils ne détournent pas l'attention de l'essentiel - de la lumière intérieure qui remplit les peintures de l'artiste El Greco. Surtout les portraits.
Il n'y a pas de paysages qui s'ouvrent derrière la personne représentée, il n'y a pas d'abondance de détails qui attirent un œil curieux. Même le nom du héros est souvent laissé de côté. Parce que tout cela vous empêcherait de voir le visage. Et des yeux profonds et sombres qui vous regardent droit dans les yeux. Il est difficile de s’en arracher, et si vous vous forcez à voir le geste, vous vous arrêterez à nouveau dans vos pensées.
Il s'agit du « Portrait d'un cavalier avec la main sur la poitrine » (1577-1579), peint par le maître peu après son installation à Tolède. Ce portrait est reconnu comme l'un des meilleurs de la peinture espagnole du XVIe siècle. L'étranger El Greco a créé « des images vives de la vie et de l'histoire espagnoles », qui capturent « de véritables êtres vivants, combinant en eux tout ce qu'il y a d'admirable chez notre peuple, tout ce qui est héroïque et indomptable, avec ces qualités opposées qui ne peuvent que se refléter, sans détruire son essence même » (A. Segovia). Les aristocrates des anciennes familles de Tolède sont devenus les véritables héros du Greco, il a vu leur lumière intérieure - leur noblesse et leur dignité, la fidélité au devoir, l'intelligence, le raffinement des manières, le courage, la retenue extérieure et l'impulsion intérieure, la force du cœur qui sait pourquoi il vit et meurt.
Jour après jour, les visiteurs de la Galerie du Prado s'arrêtent devant l'hidalgo inconnu, surpris, avec les mots : « Comme vivant... » Qui est-il, ce chevalier ? Pourquoi ouvre-t-il son cœur avec une telle sincérité ? Pourquoi ses yeux sont-ils si attirants ? Et ce geste de serment ? Et la poignée de l'épée ?.. Peut-être de ces questions est née une légende selon laquelle la personne représentée dans le portrait est un autre grand Espagnol : Miguel de Cervantes. Un guerrier et écrivain qui a raconté au monde l'histoire d'un chevalier à la triste image, qui a reçu le même don divin que le Greco : voir les gens tels qu'ils devraient être, voir leur lumière intérieure...
au magazine "Homme sans frontières"
Le cavalier de la main et le pêcheur"Chevalier avec une main sur la poitrine"- peinture artiste espagnol El Greco, écrit à Tolède vers 1580. Le plus connu de la série portraits laïcs caballeros inconnus en vêtements noirs et couteaux blancs sur fond sombre. Actuellement stocké au Prado.
La pose du caballero peut signifier prêter serment, ou montrer sa confiance lors de la conclusion d'un contrat, ou la noble origine d'un personnage, ou même un signal conditionné secret. Une épée et un médaillon dorés indiquent la richesse et l'appartenance à haute société. L'apparence du personnage est typique d'un noble du siècle d'or espagnol. Lors de la restauration du tableau, il s'est avéré qu'au départ le fond n'était pas noir, mais gris clair, mais avec le temps le tableau s'est assombri. La richesse des nuances sur les vêtements sombres indique l'influence de l'école de peinture vénitienne sur le Greco.
Auparavant, on croyait que le « Chevalier avec la main sur la poitrine » était un portrait de Cervantes, mais aujourd'hui, la plupart des historiens de l'art sont enclins à croire que le portrait représente Juan de Silva y Ribera, troisième marquis de Montemayor et alcade de l'Alcazar de Tolède. Le critique d'art Alex Burghart et l'artiste Robert Shrive admettent la possibilité qu'il s'agisse d'un autoportrait de l'artiste.
Donnez votre avis sur l'article "Chevalier avec une main sur la poitrine"
Remarques
Extrait caractérisant le Chevalier avec la main sur la poitrine
"Au contraire, tout semble aller bien, ma cousine", dit Pierre avec cette habitude d'espièglerie que Pierre, qui supportait toujours avec embarras son rôle de bienfaiteur devant la princesse, s'était acquise à l'égard d'elle.- Oui, c'est bon... bon bien-être ! Aujourd'hui, Varvara Ivanovna m'a dit à quel point nos troupes sont différentes. Vous pouvez certainement l'attribuer à l'honneur. Et les gens se sont complètement rebellés, ils n’écoutent plus ; Ma fille a aussi commencé à être impolie. Bientôt, ils commenceront aussi à nous battre. Vous ne pouvez pas marcher dans la rue. Et surtout, les Français seront là demain, à quoi peut-on s'attendre ! « Je demande une chose, mon cousin, dit la princesse, ordonne-moi qu'on me conduise à Saint-Pétersbourg : quoi que je sois, je ne peux pas vivre sous le règne de Bonaparte.
- Allez, ma cousine, d'où tiens-tu tes informations ? Contre…
- Je ne me soumettrai pas à votre Napoléon. D'autres le veulent... Si vous ne voulez pas le faire...
- Oui, je vais le faire, je vais le commander maintenant.
La princesse était apparemment ennuyée qu’il n’y ait personne contre qui être en colère. Elle s'assit sur une chaise et murmura quelque chose.
"Mais cela vous est mal transmis", a déclaré Pierre. "Tout est calme dans la ville et il n'y a aucun danger." Je lisais à l'instant… » Pierre montra les affiches à la princesse. – Le comte écrit qu'il répond par sa vie que l'ennemi ne sera pas à Moscou.
"Oh, votre comte," dit la princesse avec colère, "est un hypocrite, un scélérat qui a lui-même incité le peuple à se rebeller." N'est-ce pas lui qui a écrit sur ces stupides affiches que qui que ce soit, traîne-le par la crête jusqu'à la sortie (et quelle bêtise) ! Celui qui le prendra, dit-il, aura honneur et gloire. J'étais donc plutôt content. Varvara Ivanovna a déclaré que son peuple avait failli la tuer parce qu'elle parlait français...
"Oui, c'est vrai... Tu prends tout à cœur", dit Pierre et il commença à jouer au solitaire.
Malgré le fait que le solitaire ait fonctionné, Pierre n'est pas allé à l'armée, mais est resté dans Moscou vide, toujours dans la même anxiété, indécision, peur et en même temps joie, attendant quelque chose de terrible.
Le lendemain, la princesse partit dans la soirée et son directeur général vint voir Pierre pour lui annoncer que l'argent dont il avait besoin pour équiper le régiment ne pourrait être obtenu que si un domaine était vendu. Le directeur général représentait généralement à Pierre que toutes ces entreprises du régiment étaient censées le ruiner. Pierre avait du mal à cacher son sourire en écoutant les propos du gérant.
«Eh bien, vendez-le», dit-il. - Que puis-je faire, je ne peux pas refuser maintenant !
L'homme au miroir de l'art : genre portrait
Portrait(Portrait français) - une image d'une personne ou d'un groupe de personnes spécifique. Le genre du portrait s'est répandu dans l'Antiquité en sculpture, puis en peinture et en graphisme. Mais ressemblance extérieure ce n'est pas la seule chose qu'un artiste doit transmettre. C'est beaucoup plus important lorsque le maître transfère l'essence intérieure d'une personne sur la toile et transmet l'atmosphère du temps. Distinguerporte d'entrée Et chambre portraits. Il y a des portraitsdouble Et groupe. Ils sont destinés à décorer les salles d'État, à louer certaines personnes et à préserver la mémoire de personnes unies par des liens professionnels, spirituels et familiaux. Catégorie spéciales'élève à autoportrait, sur lequel l'artiste se représente.
N'importe lequel des portraits peut être attribué soit à un portrait psychologique, soit
à un portrait-personnage, ou à un portrait-biographie.
L'art aide à connaître une personne. Non seulement pour voir son apparence extérieure
visage, mais aussi d'en comprendre l'essence, le caractère, l'humeur, etc. Le portrait est presque
toujours réaliste. Après tout, son objectif principal est la reconnaissance de la personne représentée.il y a une personne dessus. Cependant, la tâche de l'artiste n'est généralement pas decopier les caractéristiques extérieures d’un modèle, non pas une imitation de la nature, mais une « recréation picturale » de l’image d’une personne. Ce n'est pas un hasard si l'envie surgitreconnaissez-vous simplement dans le portrait, et peut-être même découvrez quelque chose de nouveau en soi.
Le spectateur transmet involontairement l’attitude de l’artiste envers le modèle. Important
c'est tout ce qui exprime des émotions, une attitude envers la vie, envers les gens : expressions faciales
visage représenté, expression des yeux, ligne des lèvres, tour de tête, posture,
geste.
Nous interprétons souvent une œuvre du point de vue d'une personne d'aujourd'hui
jour, nous attribuons aux traits de caractère tout à fait inhabituels pour son époque, c'est-à-dire que nous nous efforçons de comprendre l'inconnu à travers le connu.
Il est également très important de montrer la position sociale de la personne représentée, pour créer une image typique d'un représentant d'une certaine époque.
En tant que genre, le portrait est apparu il y a plusieurs milliers d’années dans l’art ancien. Parmi les fresques du célèbre palais de Knossos, retrouvées par les archéologues lors de fouilles sur l'île de Crète, il y a ligne entière images picturales de femmes liées à XVIe siècle AVANT JC. Bien que les chercheurs aient appelé ces images « dames de la cour », nous ne savons pas qui les maîtres crétois essayaient de montrer : des déesses, des prêtresses ou des dames nobles vêtues de robes élégantes.
"Parisien". Fresque du palais de Knossos, XVIe siècle avant JC.
Le portrait le plus célèbre d’une jeune femme, surnommée « la Parisienne » par les scientifiques. Nous voyons devant nous l'image de profil (selon les traditions de l'art de l'époque) d'une jeune femme, très coquette et ne négligeant pas les cosmétiques, comme en témoignent ses yeux, soulignés d'un contour sombre, et ses lèvres peintes de couleurs vives.
Les artistes qui ont réalisé des portraits à fresque de leurs contemporains n'ont pas approfondi les caractéristiques des modèles, et la similitude extérieure de ces images est très relative.
Idées religieuses dans l'Egypte ancienne associées au culte
mort, a déterminé le désir de transmettre un portrait ressemblant à une image sculpturale d'une personne : l'âme du défunt devait trouver son contenant.
Au début du 20ème siècle. Les archéologues ont découvert un magnifique portrait de la reine Néfertiti au monde entier.
Créé en XIVe siècle avant JC e.,cette image étonne par la douceur des lignes de profil, la grâce du cou flexible, la légèreté aérienne et les transitions fluides des traits irréguliers mais charmants du visage d'une femme.
Néfertiti n’était pas seulement la reine d’Égypte, elle était également vénérée comme une déesse. La plus célèbre et peut-être la plus belle des épouses des pharaons égyptiens vivait avec son époux couronné dans un immense palais luxueux à cote est Nila.
Dans l'art La Grèce ancienne une place particulière est occupée par les images généralisées et idéalisées de héros ou de dieux. Dans la fusion du spirituel et du physiqueles artistes et les sculpteurs ont vu l'incarnationbeauté et harmonie de l'homme. 
Dans sa célèbre « Discoball », le sculpteur du Ve siècle. avant JC e Miron s’efforce avant tout de transmettre une sensation de mouvement avec la stabilité et la monumentalité des lignes du corps, sans focaliser l’attention du public sur les traits du visage. 
La statue d'Aphrodite, déesse de l'amour et de la beauté, sculptée par le sculpteur Praxitèle au IVe siècle, dégage une tendresse et une chaleur particulières. AVANT JC. pour un temple sur l'île de Crète. Il n'y a pas de grandeur divine dans cette image, l'image respireune paix et une chasteté étonnantes. 
Le portrait de Caracalla capture l’image d’un homme fort, méchant et criminel. Des sourcils tricotés, un front ridé, un regard méfiant et louche et des lèvres sensuelles étonnent par la puissance des caractéristiques. Une tête forte repose sur un cou épais et musclé. Des boucles de cheveux raides sont étroitement pressées contre la tête et soulignent sa forme ronde. Ils n'ont pas de caractère décoratif, comme à l'époque précédente. Une légère asymétrie du visage se traduit : l'œil droit est plus petit et placé en dessous du gauche, la ligne de la bouche est inclinée. Le sculpteur qui a réalisé ce portrait possédait toute la richesse des techniques virtuoses du travail du marbre ; tout son savoir-faire visait à créer une œuvre qui transmette avec la plus grande expressivité les caractéristiques physiques et mentales de la personnalité de Caracalla.
Le portrait romain est associé au culte des ancêtres, à la volonté de préserver leur apparence pour la postérité. Cela a contribué au développement du portrait réaliste. Il se distingue par les caractéristiques individuelles d'une personne : grandeur,
retenue ou cruauté et despotisme, spiritualité ou arrogance.
L'apogée du genre du portrait a commencé à la Renaissance, lorsque valeur principale monde est devenu une personne active et déterminée, capable de changer ce monde et d’aller contre toute attente. Au XVe siècle, les artistes ont commencé à créer des portraits indépendants, montrant des modèles sur fond de paysages panoramiques majestueux.
B. Pinturicchio. «Portrait d'un garçon», Galerie d'art, Dresde
Pinturicchio (Pinturicchio) (c. 1454-1513) Peintre italien du début de la Renaissance, connu principalement pour ses remarquables fresques.
Il s'agit du « Portrait d'un garçon » de B. Pinturicchio. Cependant, la présence de fragments de nature dans les portraits ne crée pas l'intégrité, l'unité d'une personne et le monde qui l'entoure semble obscur ; Paysage naturel. Ce n'est que dans les portraits du XVIe siècle que l'harmonie apparaît, une sorte de microcosme
L'art du portrait de la Renaissance semble combiner
testaments de l'Antiquité et du Moyen Âge. Cela semble à nouveau solennel
un hymne à un homme puissant avec son apparence physique unique, son monde spirituel, ses traits de caractère et son tempérament individuels.
L'artiste allemand Albrecht Dürer était un maître reconnu du genre du portrait, dont les autoportraits ravissent encore aujourd'hui les spectateurs et servent d'exemple aux artistes.
Dans "Autoportrait" Albrecht Dürer(1471-1528) le désir se devine artiste pour trouver un idéalisé héros. Images de génies universels du XVIe siècle, maîtres de la Haute Epoque Renaissance - Léonard de Vinci et Rafael Santi - personnifier personne idéale ce temps.
Michel-Ange du Caravage(1573-1610) « Joueur de luth » italien Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage
Parmi les chefs-d’œuvre de portraits célèbres de cette époque figure « Le joueur de luth ». Michel-Ange du Caravage(1573-1610), dans lequel l'artiste développe un motif tiré de la vie quotidienne réelle.
Le Greco(1541-1614) Espagne. Portrait d'un homme avec la main sur la poitrine
A la fin du XVIe siècle dans l'œuvre de l'artiste espagnol Le Greco
(1541-1614) naît nouveau genre un portrait qui transmetla concentration interne habituelle d'une personne, l'intensité de savie spirituelle, absorption dans le sien monde intérieur. Pour ce faire, l'artiste utilise des contrastes lumineux vifs, originauxcouleur, mouvements saccadés ou poses figées. Spiritualité et beauté unique les pâles allongés qu'il a capturés sont différentsdes visages avec d'immenses yeux sombres, apparemment sans fond.Au XVIIe siècle, une place importante dans la peinture européenne était occupée par un portrait intime (de chambre), dont le but était de montrer l'état d'esprit d'une personne, ses sentiments et ses émotions. Un maître reconnu de ce type de portrait était artiste néerlandais Rembrandt, qui a peint de nombreuses images émouvantes.
« Portrait d'une vieille dame » (1654) est empreint d'un sentiment sincère. Ces œuvres présentent au spectateur des gens ordinaires qui n'ont ni ancêtres nobles ni richesses. Mais pour Rembrandt, qui ouvre une nouvelle page dans l'histoire du genre du portrait, il était important de transmettre la gentillesse spirituelle de son modèle, ses qualités véritablement humaines.
Au 17ème siècle le critère principal de l'art devient le monde matériel, perçu à travers les sens. Dans le portrait, l’imitation de la réalité a remplacé l’incompréhensibilité et l’inexplicabilité des manifestations mentales d’une personne et de ses diverses impulsions spirituelles. Le charme du velours doux et de la soie aérienne, de la fourrure moelleuse et du verre fragile, du cuir doux et mat et du métal dur étincelant est transmis à cette époque avec la plus haute habileté.
Portraits du grand Hollandais Rembrandt(1606-1669) ne sont pas sans raison considérés comme le summum de l’art du portrait. Ils ont reçu à juste titre le nom de portraits-biographies. Rembrandt est surnommé le poète de la souffrance et de la compassion. Les gens modestes, nécessiteux, oubliés de tous lui sont proches et chers. L'artiste traite les « humiliés et insultés » avec un amour particulier. Par la nature de sa créativité, il est comparé à F. Dostoïevski. Ses portraits-biographies reflètent un destin complexe plein d'épreuves et d'épreuves des gens ordinaires qui, malgré les graves épreuves qui les ont frappés, n'ont pas perdu leur dignité humaine et leur chaleur.
A peine franchi le seuil séparant le XVIIe siècle. à partir du XVIIIe, nous verrons dans les portraits une race de personnes différente, différente de leurs prédécesseurs. La culture aristocratique courtoise a mis en avant le style rococo avec ses images sophistiquées, séduisantes, pensivement langoureuses et rêveusement distraites.
Dessiner des portraits d'artistes Antoine Watteau(1684-1721), François Boucher(1703-1770) et d'autres sont légers, agiles, leur couleur est pleine de teintes gracieuses et se caractérise par une combinaison de demi-teintes exquises.
Diapositive 27 A. Watteau. (1684-1721)Mezzeten
Peinture des époques rococo et néoclassique.
Tableau du peintre français Antoine Watteau « Mezzeten ». Dans la période 1712-1720, Watteau s'intéresse à l'écriture de scènes de la vie théâtrale. Watteau utilise des croquis des poses, des gestes et des expressions faciales des acteurs qu'il aime, qu'il réalise au théâtre, qui devient pour lui un havre de sentiments vivants. L'image romantique et mélancolique du héros est pleine de poésie amoureuse théâtre de foire, un acteur interprétant une sérénade dans le film « Mezzeten ».
Monument à Pierre Ier réalisé par un sculpteur français Étienne Maurice Falconet
La recherche de l'héroïque, du significatif et du monumental dans l'art est liée au XVIIIe siècle. avec le temps des changements révolutionnaires. L'un des portraits sculpturaux ingénieux de l'art mondial est le monument
Pierre Ier par le sculpteur français Étienne Maurice Falconet(1716-1791), érigé à Saint-Pétersbourg en 1765-1782 Il est conçu comme l’image d’un génie et d’un créateur. L'énergie indomptable, soulignée par le mouvement rapide du cheval et du cavalier, s'exprime dans le geste impérieux d'une main tendue, dans le courage ouvert un visage avec intrépidité, volonté, clarté d'esprit.
XIXème siècle introduit la variabilité des goûts artistiques et la relativité du concept de beauté dans l'art du portrait. Les quêtes innovantes en peinture s'orientent désormais vers un rapprochement avec le réel, vers la recherche de la diversité des images.
Eugène Delacroix(1798-1863). Portrait de F. Chopin
À l'époque du romantisme, un portrait est perçu comme une image du « je » intérieur d'une personne dotée du libre arbitre. Un véritable pathos romantique apparaît dans le portrait de F. Chopin par les Français
artiste romantique Eugène Delacroix(1798-1863).
Devant nous se trouve un véritable portrait psychologique, véhiculant la passion, l’ardeur de la nature du compositeur, son essence intérieure. L’image est remplie de mouvements rapides et dramatiques. Cet effet est obtenu grâce à la rotation de la silhouette de Chopin, à la coloration intense du tableau, au clair-obscur contrasté, aux traits rapides et intenses,
La structure artistique du portrait de Delacroix est en accord avec la musique de l’Etude
Mi majeur pour piano de Chopin. Derrière, il y a une vraie image - à propos de-
temps de la Patrie. Après tout, un jour, alors que son élève préféré jouait cette étude,
Chopin leva les mains avec l'exclamation : « Oh, ma patrie !
La mélodie de Chopin, authentique et puissante, était son principal moyen d'expression, son langage. La puissance de sa mélodie réside dans sa force
impact sur l'auditeur. C'est comme une pensée en développement, semblable au déroulement de l'intrigue d'une histoire ou au contenu d'un événement historiquement important.
les messages.
Dans l'art du portrait des XX-XXI siècles. Classiquement, deux directions peuvent être distinguées. L'un d'eux perpétue les traditions classiques de l'art réaliste, glorifiant la beauté et la grandeur de l'homme, l'autre recherche de nouvelles formes abstraites et moyens d'exprimer son monde intérieur.
Les représentants des mouvements modernistes apparus au XXe siècle se sont également tournés vers le genre du portrait. Le célèbre artiste français Pablo Picasso nous a laissé de nombreux portraits. À partir de ces œuvres, on peut retracer comment l’œuvre du maître s’est développée à partir de ce qu’on appelle. période bleue au cubisme.
Diapositive 32 Picasso (1881-1973) "Portrait d'Ambroise Vollard."
Les idées du cubisme analytique ont trouvé leur incarnation originale dans l’œuvre de Picasso « Portrait d’Ambroise Vollard ».
Tâches créatives
Retrouvez les portraits évoqués dans le texte. Comparez-les entre eux, identifiez les caractéristiques similaires et différentes. Donnez votre propre interprétation de leurs images.
Quels portraits classeriez-vous comme art classique traditionnel et lesquels classeriez-vous comme art abstrait ? Donnez les raisons de votre opinion.
Faites correspondre la langue diverses directions peinture de portraits. Déterminez l'expressivité des lignes, la couleur, la couleur, le rythme, la composition de chacune d'elles.
Écouter compositions musicales. Associez les portraits aux œuvres qui correspondent aux images capturées sur eux.
Tâche artistique et créative
Préparez un album, un journal, un almanach, une présentation informatique (facultatif) sur le thème « Le genre du portrait dans la culture des différentes époques ».
Incluez des informations sur les artistes, sculpteurs, graphistes, ainsi que des poèmes, des passages en prose et des fragments d'œuvres musicales qui correspondent aux images de votre galerie de portraits.
ÉcouterŒuvres musicales :Chopin Nocturne en si mineur;Étude de F. Chopin en mi majeur ;
El Greco - "Portrait d'un gentleman avec la main sur la poitrine"Svetlana Oboukhova
Il ne reste presque aucune preuve de la vie du Crétois Domenico Theotokopouli, l'artiste qui a conquis Tolède espagnole sous le nom d'El Greco, c'est-à-dire le Grec. Les « folies » de son personnage et son étrange manière picturale en ont étonné beaucoup et les ont obligés à prendre la plume - mais seules quelques lettres ont survécu. L'un d'eux contient les lignes suivantes : « … il faisait beau, le soleil printanier brillait doucement. Cela a donné de la joie à tout le monde et la ville avait l'air festive. Imaginez ma surprise lorsque je suis entré dans l'atelier d'El Greco et que j'ai vu que les volets des fenêtres étaient fermés et qu'il était donc difficile de voir ce qu'il y avait autour. El Greco lui-même était assis sur un tabouret, ne faisant rien, mais éveillé. Il ne voulait pas sortir avec moi car, selon lui, la lumière du soleil interférait avec sa lumière intérieure… »
Il n'y a presque aucune preuve de Domenico l'homme, seulement des échos : qu'il vivait dans le grand style, tenait une riche bibliothèque, lisait de nombreux philosophes et poursuivait également ses clients (ils l'aimaient, mais le plus souvent ne le comprenaient pas), mourut presque en pauvreté - comme les minces rayons de la lumière du jour traversent les fissures des « volets fermés » de sa vie. Mais ils ne détournent pas l'attention de l'essentiel - de la lumière intérieure qui remplit les peintures de l'artiste El Greco. Surtout les portraits.
Il n'y a pas de paysages qui s'ouvrent derrière la personne représentée, il n'y a pas d'abondance de détails qui attirent un œil curieux. Même le nom du héros est souvent laissé de côté. Parce que tout cela vous empêcherait de voir le visage. Et des yeux profonds et sombres qui vous regardent droit dans les yeux. Il est difficile de s’en arracher, et si l’on se force, c’est pour voir le geste et s’arrêter à nouveau dans la réflexion.
Il s'agit du « Portrait d'un cavalier avec la main sur la poitrine » (1577-1579), peint par le maître peu après son installation à Tolède. Ce portrait est reconnu comme l'un des meilleurs de la peinture espagnole du XVIe siècle. L'étranger El Greco a créé « des images vives de la vie et de l'histoire espagnoles », qui capturent « de véritables êtres vivants, combinant en eux tout ce qu'il y a d'admirable chez notre peuple, tout ce qui est héroïque et indomptable, avec ces qualités opposées qui ne peuvent que se refléter, sans détruire son essence même » (A. Segovia). Les aristocrates des anciennes familles de Tolède sont devenus les véritables héros du Greco, il a vu leur lumière intérieure - leur noblesse et leur dignité, leur fidélité au devoir, leur intelligence, le raffinement de leurs manières, leur courage, leur retenue extérieure et leur impulsion intérieure, la force du cœur, qui sait pourquoi il vit et meurt.
Jour après jour, les visiteurs de la Galerie du Prado s'arrêtent devant l'hidalgo inconnu, surpris, avec les mots : « Comme vivant... » Qui est-il, ce chevalier ? Pourquoi ouvre-t-il son cœur avec une telle sincérité ? Pourquoi ses yeux sont-ils si attirants ? Et ce geste de serment ? Et la poignée de l'épée ?.. Peut-être de ces questions est née une légende selon laquelle la personne représentée dans le portrait est un autre grand Espagnol : Miguel de Cervantes. Un guerrier et écrivain qui a raconté au monde l'histoire d'un chevalier à la triste image, qui a reçu le même don divin que le Greco : voir les gens tels qu'ils devraient être, voir leur lumière intérieure...
Et d'autres tableaux du Musée du Prado à l'Ermitage...
El Greco "Le Christ embrassant la croix" 1600 - 1605
Représenté sur fond de ciel orageux typique du Greco, le Christ embrasse la croix de ses mains gracieuses, regardant vers le haut avec un calme et un malheur. Le tableau fut un grand succès et de nombreuses versions furent créées dans l'atelier du Greco.
El Greco "Sainte Famille avec Sainte Anne et le petit Jean-Baptiste" c. 1600 - 1605
La dernière période de l'œuvre d'El Greco est caractérisée par l'utilisation de couleurs et d'éclairs perçants ; l'espace est entièrement rempli de personnages qui obscurcissent l'horizon. Les formes peintes d’un coup de pinceau vibrant perdent leur matérialité. Le Petit Jean-Baptiste appelle le spectateur au silence pour ne pas troubler la paix de l'enfant Christ...
Velasquez - Portrait de Philippe IV Portrait du roi Philippe IV. 1653-1657
Les bases du portrait psychologique dans l'art européen ont été posées par le peintre espagnol Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Il est né dans une famille noble et pauvre de Séville et a étudié avec Herrera l'Ancien et Pacheco. En 1622, il arriva pour la première fois à Madrid. D'un point de vue pratique, ce voyage n'a pas été très réussi - Velazquez n'a pas trouvé de place digne pour lui-même. Il espérait rencontrer le jeune roi Philippe IV, mais la rencontre n'a pas eu lieu. Néanmoins, des rumeurs sur le jeune artiste parvinrent à la cour et déjà l'année suivante, en 1623, le premier ministre, le duc de Olivares (également originaire de Séville), invita Velazquez à Madrid pour peindre un portrait du roi. Cette œuvre, qui ne nous est pas parvenue, fit une si agréable impression sur le monarque qu'il proposa aussitôt à Velazquez le poste d'artiste de la cour. Bientôt, des relations assez amicales se développèrent entre le roi et Velazquez, ce qui n'était pas très typique de l'ordre qui régnait à la cour espagnole. Le roi, qui dirigeait le plus grand empire du monde, n'était pas considéré comme un homme, mais comme une divinité, et l'artiste ne pouvait même pas compter sur de nobles privilèges, puisqu'il gagnait sa vie grâce au travail. Pendant ce temps, Philippe ordonna que désormais seul Velazquez peint ses portraits. Le grand monarque était étonnamment généreux et soutenait Velazquez. L'atelier de l'artiste était situé dans les appartements royaux et une chaise y était installée pour Sa Majesté. Le roi, qui détenait la clé de l’atelier, venait ici presque tous les jours pour observer le travail de l’artiste. Alors qu’il était au service royal de 1623 à 1660, Velazquez peignit une douzaine de portraits de son suzerain. Parmi ceux-ci, un peu plus de 10 tableaux nous sont parvenus. Ainsi, Velazquez peignait en moyenne son suzerain environ une fois tous les trois ans. Peindre des portraits du roi était le travail de Velazquez, et il a parfaitement fait son travail. Grâce à cela, nous disposons d’un complexe d’œuvres unique à sa manière : les portraits de Velazquez retracent si clairement le chemin de la vie du roi Philippe, comme ce n’est devenu une coutume qu’à l’ère de la photographie. L’évolution est clairement visible dans les peintures de l’artiste. Premièrement, le roi lui-même change, âgé de 18 ans dans le premier portrait et de 50 ans dans le dernier ; son visage porte l'empreinte de l'âge et des changements spirituels. Deuxièmement, la perception que l’artiste a de son modèle s’approfondit, passant de superficielle à perspicace. Au fil du temps, la manière de présenter le modèle et les techniques artistiques évoluent. La manière de Velazquez se transforme sous l'influence de sa propre croissance créative, ainsi que sous l'influence des traditions modernes nationales et étrangères. Ce portrait sous la poitrine représente Philippe IV sur un fond sombre, vêtu d'un vêtement noir avec un col blanc qui met clairement en valeur le visage du monarque. Velázquez évite l'ostentation dans le portrait du roi et montre le « visage humain » du monarque sans aucune flatterie ni ruse courtoise. On sent bien que celui qui nous regarde depuis la toile est malheureux ; les dernières années de son règne n'ont pas été faciles pour le roi. C'est un homme qui a connu la déception, mais en même temps, un homme dont la chair est remplie d'une grandeur innée que rien ne peut ébranler. Un autre grand artiste, espagnol dans l'âme, Pablo Ruiz Picasso, dit ceci à propos de l'image du roi d'Espagne : « on ne peut pas imaginer un autre Philippe IV autre que celui créé par Velazquez... »
"Portrait du roi Philippe IV" (vers 1653 - 1657)
L'un des derniers portraits du monarque. Il est intéressant de noter qu’il n’y a pas un seul élément ici qui parle du statut royal de la personne représentée. Velazquez a servi Philippe IV pendant près de quarante ans - de 1623 jusqu'à sa mort, peignant des portraits du roi et de sa famille, de grandes toiles pour la collection royale.
Diego Velazquez "Portrait du bouffon Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644
Diego Velazquez "Portrait de la reine Marianna d'Autriche" 1652-1653
Titien (Tiziano Vecellio) "Vénus avec Cupidon et l'organiste" 1555
Le musicien joue, assis aux pieds de Vénus et admirant le corps nu de la déesse, jouant distraitement avec Cupidon. Certains considéraient ce tableau comme une œuvre purement érotique, tandis que d'autres le percevaient de manière symbolique - comme une allégorie des sentiments, où la vision et l'ouïe agissent comme des outils pour la connaissance de la beauté et de l'harmonie. Titien a écrit cinq versions de ce thème.
Paolo Véronèse (Paolo Cagliari) - "Marie-Madeleine pénitente" 1583
Après sa conversion, Marie-Madeleine a consacré sa vie au repentir et à la prière, se retirant du monde. Dans ce tableau, elle est représentée regardant vers le ciel et baignée de lumière divine. Le tableau est peint dans des couleurs sombres et épaisses, caractéristiques du style de Véronèse à la fin de son œuvre. Avant d'entrer dans les collections royales espagnoles, l'œuvre appartenait au roi anglais Charles Ier (exécuté en 1649).
Anthony Van Dyck "Portrait d'un homme au luth" 1622-1632
Anthony Van Dyck doit précisément sa renommée au genre du portrait, qui occupait une position assez basse dans la hiérarchie de la peinture européenne. Cependant, à cette époque, une tradition de l'art du portrait s'était déjà développée en Flandre. Van Dyck a peint des centaines de portraits, plusieurs autoportraits et est devenu l'un des créateurs du style de portrait de cérémonie du XVIIe siècle. Dans les portraits de ses contemporains, il a montré leur monde intellectuel et émotionnel, leur vie spirituelle et leur caractère humain vivant.
Le modèle traditionnel de ce portrait est Jacob Gautier, luthiste à la cour d'Angleterre de 1617 à 1647, mais la présence de l'épée et, dans une plus large mesure, les caractéristiques stylistiques de l'œuvre indiquent qu'elle doit être bien antérieure à Van Dyck à Londres, qui met en doute cette théorie. La présence d’un instrument de musique ne signifie pas nécessairement que le modèle était musicien. En tant que symbole, les instruments de musique étaient souvent représentés dans les portraits, signe de la sophistication intellectuelle et de la sensibilité du sujet.
Juan Bautista Maino "Adoration des bergers" 1612-1614
L'un des chefs-d'œuvre de Maino. La collection de l'Ermitage contient une autre version de cette histoire, écrite par Maino. L'artiste est né à Pastrana (Guadalajara) et a vécu à Rome de 1604 à 1610. Cette œuvre, écrite à son retour en Espagne, montre l'influence du Caravage et d'Orazio Gentileschi. En 1613, Maino devint membre de l'Ordre dominicain et le tableau fut inclus dans le cycle d'autel du monastère Saint-Pierre-le-Martyr de Tolède.
Georges de Latour "Le musicien aveugle à la roue" env. 1625-1630
Latour représente un vieux musicien aveugle jouant de la vielle. Il a répété cette intrigue à plusieurs reprises. L'artiste, qui a travaillé sous l'influence du style du Caravage, reproduit avec enthousiasme les détails - le motif décorant un instrument de musique, les rides du visage d'un aveugle, ses cheveux.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Persée libérant Andromède" Env. 1639-1640
Francisco de Goya "Portrait de Ferdinand VII" 1814-1815
Après la défaite de Napoléon en 1814, Ferdinand VII revient sur le trône d'Espagne. Le portrait le montre dans une robe royale doublée d'hermine, avec un sceptre et les ordres de Carlos III et la Toison d'Or.
Ferdinand VII, qui dirigea le pays jusqu'en 1833, fonda le musée du Prado en 1819.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, épouse du premier directeur du Prado, était l'une des femmes les plus vénérées d'Espagne de son époque.
Dans le portrait de 1805, Goya représente la marquise comme la muse de la poésie lyrique, Euterpe, allongée sur un canapé et tenant une lyre dans sa main gauche. Le choix de cette image particulière est dû à la passion de la marquise pour la poésie.
Francisco Goya - "Automne (vendanges)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - "Vendanges" fragment
Entre 1775 et 1792, Goya réalise sept séries de tapisseries en carton pour les palais de l'Escurial et du Prado, dans la banlieue de Madrid. Ce tableau appartient notamment à la série des saisons et était destiné à la salle à manger du prince des Asturies au Prado. Goya a représenté l'intrigue classique comme une scène quotidienne, qui reflète la nature des relations entre les différentes classes - le tableau représente les propriétaires d'un vignoble avec leur fils et leur servante.
Francisco Goya "Portrait du général José de Urrutia" (vers 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - l'un des chefs militaires espagnols les plus éminents et le seul officier de l'armée d'origine non aristocratique au XVIIIe siècle à avoir atteint le grade de capitaine général - est représenté avec l'Ordre de Saint-Georges, qui lui fut décerné par l'impératrice russe Catherine la Grande pour sa participation à la capture d'Ochakov lors de la campagne de Crimée de 1789.
Peter Paul Rubens "Portrait de Marie de Médicis". D'ACCORD. 1622-1625.
Maria Médicis (1573 - 1642) était la fille du grand-duc de Toscane Francesco I. En 1600, elle devint l'épouse du roi de France Henri IV. À partir de 1610, elle fut régente de son jeune fils, le futur roi Louis XIII. Elle a commandé à Rubens une série d'œuvres se glorifiant elle-même et son défunt mari. Le portrait montre la Reine portant une coiffe de veuve et un fond inachevé.
Domenico Tintoretto "Femme montrant ses seins" Environ. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Portrait de Félix Maximo Lopez, premier organiste de la Chapelle Royale" 1820
Peintre néoclassique espagnol, qui a conservé des traces du style rococo. Lopez était considéré comme l'un des meilleurs portraitistes de son temps, juste derrière Francisco de Goya. Il a commencé à étudier la peinture à Valence à l'âge de 13 ans et, en quatre ans, il a remporté plusieurs premiers prix à l'Académie de San Carlos, ce qui lui a valu une bourse pour étudier à la prestigieuse Académie royale des beaux-arts de San Fernando de la capitale. Après avoir terminé ses études, López a travaillé plusieurs années dans l'atelier de Mariano Salvador Maella, son professeur. En 1814, après l'occupation française, López était déjà un artiste bien connu, c'est pourquoi le roi d'Espagne Ferdinand VII le convoqua à Madrid et le nomma artiste officiel de la cour, même si le « premier artiste royal » à cette époque était Francisco. Goya lui-même. Vicente Lopez était un artiste prolifique, il peignait des tableaux sur des sujets religieux, allégoriques, historiques et mythologiques, mais, avant tout, il était bien sûr un portraitiste. Au cours de sa longue carrière, il a peint les portraits de presque toutes les personnalités célèbres d'Espagne dans la première moitié du XIXe siècle.
Ce portrait du premier organiste de la chapelle royale et du célèbre musicien et compositeur a été peint peu avant la mort de l'artiste et complété par son fils aîné Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Portrait de Maria Luisa de Parme, princesse des Asturies" 1766
Juan Sanchez Cotan "Nature morte au gibier, légumes et fruits" 1602
Don Diego de Acedo était à la cour depuis 1635. En plus du « service des bouffons », il servait de messager royal et était chargé du sceau du roi. Apparemment, les livres, papiers et instruments d’écriture représentés sur la photo parlent de ces activités. On pense que le portrait a été peint à Fraga, province de Huesca, lors du voyage de Philippe IV en Aragon, au cours duquel il était accompagné de Diego de Acedo. Au fond se dresse le pic Malicios de la chaîne de montagnes Guadarrama.
Jérôme Bosch "Extraction de la pierre de la folie" c. 1490
La scène satirique avec des personnages sur fond de paysage représente une opération visant à enlever la « pierre de la bêtise ». L’inscription en caractères gothiques dit : « Maître, enlevez vite la pierre. Je m’appelle Lubbert Das. » Lubbert est un nom commun désignant l'ignorance et la simplicité. Un chirurgien coiffé d'une coiffe en forme d'entonnoir inversé, symbolisant l'ignorance, « enlève » une pierre (un nénuphar) de la tête d'un patient crédule et lui demande une généreuse rémunération. A cette époque, les simples d'esprit croyaient qu'une pierre dans la tête était à l'origine de leur bêtise. C’est ce dont ont profité les charlatans.
Raphaël (Raffaello Santi) "La Sainte Famille avec un agneau" 1507
Marie aide le petit Christ à s'asseoir sur l'agneau - un symbole chrétien de la Passion à venir du Christ, et Saint-Pierre. Joseph les regarde. Le tableau a été peint à Florence, où l'artiste a étudié l'œuvre de Léonard de Vinci, influencé par ses compositions avec la Sainte Famille. Au musée du Prado, c'est la seule œuvre de Raphaël peinte au début de la période.
Albrecht Dürer "Portrait d'un homme inconnu" env. 1521
Le portrait appartient à la période tardive de l'œuvre de Dürer. Peint d'une manière similaire au style des artistes hollandais. Un chapeau à large bord attire l'attention sur le visage de la personne représentée ; la lumière tombant de la gauche concentre l'attention du spectateur sur lui. Le deuxième point central du portrait sont les mains, et principalement celle de gauche, dans lesquelles l'inconnu tient un parchemin, expliquant apparemment son statut social.
Rogier van der Weyden "Lamentation" Env. 1450
Le modèle était le triptyque d'autel du monastère de Miraflores (conservé dans la galerie d'art de Berlin), créé par Van der Weyden avant 1444 et répété avec quelques différences. Dans cette version, dont la partie supérieure a été ajoutée à une époque inconnue, Marie, le Christ, St. John et le donateur (client du tableau) – un membre de la famille Broers – sont représentés dans le même espace. L'artiste exprime de manière expressive le chagrin de la Mère de Dieu, serrant le corps de son fils décédé contre sa poitrine. Le groupe tragique de gauche contraste avec la figure du donateur, séparé par une pierre. Il est dans un état de concentration et de prière. À cette époque, les clients demandaient souvent à se représenter sur des tableaux. Mais leurs images étaient toujours secondaires – quelque part en arrière-plan, dans la foule, etc. Ici, le donateur est représenté au premier plan, mais il est séparé du groupe principal par la pierre et la couleur.
Alonso Cano "Christ mort soutenu par un ange" c. 1646 - 1652
Sur fond de paysage crépusculaire, un ange soutient le corps sans vie du Christ. L'iconographie inhabituelle de ce tableau s'explique par le fait qu'il n'est pas associé à des textes évangéliques, mais au soi-disant Christ de Saint-Pierre. Grégoire. Selon la légende, le pape Grégoire le Grand aurait eu une vision du Christ mort soutenu par deux anges. Kano a interprété ce complot différemment : un seul ange soutient le corps immobile du Christ.
Bartolome Esteban Murillo "Notre-Dame du Rosaire" Env. 1650 -1655
L'œuvre de Bartolomé Esteban Murillo met fin à l'âge d'or de la peinture espagnole. Les œuvres de Murillo sont d'une composition impeccablement précise, riches et harmonieuses en couleurs, et belles au sens le plus élevé du terme. Ses sentiments sont toujours sincères et délicats, mais dans les peintures de Murillo, il n’y a plus cette puissance spirituelle et cette profondeur qui choquent tant dans les œuvres de ses contemporains plus âgés. La vie de l'artiste est liée à sa Séville natale, même s'il a dû visiter Madrid et d'autres villes. Ayant étudié auprès du peintre local Juan del Castillo (1584-1640), Murillo a beaucoup travaillé sur les commandes des monastères et des temples. En 1660, il devient président de l'Académie des Beaux-Arts de Séville.
Avec ses peintures de sujets religieux, Murillo cherchait à apporter réconfort et réconfort. Ce n'est pas un hasard s'il peint très souvent l'image de la Mère de Dieu. L'image de Marie est passée de peinture en peinture sous la forme d'une jolie jeune fille aux traits réguliers et au regard calme. Son apparence innocente était censée évoquer un sentiment de douce tendresse chez le spectateur. Dans ce tableau, Bartolomé Murillo a représenté la Madone et Jésus avec le chapelet, le chapelet catholique traditionnel, dont la prière revêtait une grande importance à l'époque de l'artiste. Dans cette œuvre, les traits du naturalisme qui prévalaient dans les œuvres des représentants de l’école de Séville dans la première moitié du XVIIe siècle sont encore perceptibles, mais le style pictural de Murillo est déjà plus libre que dans ses premières œuvres. Cette liberté est particulièrement évidente dans la représentation du voile de la Vierge Marie. L'artiste utilise une lumière vive pour mettre en valeur les personnages sur un fond sombre et créer un contraste entre les tons délicats du visage de la Vierge Marie et du corps de l'enfant Christ et les ombres profondes des plis des tissus.
En Andalousie du XVIIe siècle, l'image de la Vierge à l'Enfant était particulièrement recherchée. Murillo, dont la vie créative s'est déroulée à Séville, a peint de nombreux tableaux de ce type, empreints de tendresse. Dans ce cas, la Mère de Dieu est représentée avec un chapelet. Et ici, comme dans les premières années de son œuvre, l’artiste reste fidèle à sa passion pour les contrastes d’ombre et de lumière.
Bartolomé Esteban Murillo "Le Bon Pasteur" 1655-1660
L'image est empreinte d'un lyrisme profond et d'une gentillesse. Le titre est tiré de l’Évangile de Jean : « Je suis le bon berger ». Cela suggère que le tableau représente le Christ, bien qu'à un âge très précoce. Tout dans le film de Murillo est beau et simple. L'artiste aimait peindre des enfants, et il mettait tout cet amour dans la beauté de l'image de ce garçon-Dieu. Dans les années 1660-1670, à l'apogée de ses talents de peintre, Murillo cherchait à poétiser ses personnages, et il était souvent accusé d'une certaine sentimentalité dans ses images et de leur beauté délibérée. Cependant, ces reproches ne sont pas tout à fait justes. L'enfant représenté dans le tableau est encore visible aujourd'hui à Séville et dans les villages environnants. Et c'est précisément en cela que se manifeste l'orientation démocratique du travail de l'artiste - en assimilant la beauté de la Madone à la beauté des femmes espagnoles ordinaires, et la beauté de son fils, le petit Christ, à la beauté des gamins des rues.
Alonso Sánchez Coelho « Portrait des infantes Isabella Clara Eugenia et Catalina Micaela » 1575
Le portrait montre la princesse, âgée de huit et neuf ans, tenant une couronne de fleurs. Sánchez Coelho a peint des portraits d'infantes - les filles bien-aimées du roi Philippe II et de sa troisième épouse Isabelle Valois - dès son plus jeune âge. Tous les portraits sont réalisés dans le respect des canons d'un portrait de cour - des filles vêtues de vêtements magnifiques et aux expressions faciales impassibles.
Anton Rafael Mengs. Portrait du roi Carlos III. 1767
Charles III était peut-être considéré comme le seul monarque véritablement éclairé de l'histoire de l'Espagne. C'est lui qui fonda le musée du Prado en 1785, d'abord comme musée d'histoire naturelle. Charles III rêvait que le musée du Prado, ainsi que les jardins botaniques voisins, deviendraient un centre d'enseignement scientifique.
Après être monté sur le trône, il a commencé à mener de sérieuses réformes politiques et économiques, dont le pays avait tant besoin à cette époque. Cependant, ses efforts furent vains : son fils Charles IV ne partageait pas les vues progressistes de son père et après la mort de Charles III, les réformes furent terminées.
Ce portrait est absolument typique de son époque. Dans chaque détail, l'artiste attire l'attention sur la position occupée par le modèle : un manteau garni d'hermine, une croix de Malte incrustée de bijoux, une armure brillante - attributs indispensables de la grandeur royale. Les draperies et les pilastres luxuriants (un élément de l'architecture classique) constituent la toile de fond traditionnelle de ces portraits.
Mais déjà dans ce portrait, la façon dont le visage du modèle est présenté est surprenante. Mengs ne fait aucune tentative pour affiner le nez bulbeux du roi ou lisser les plis de ses joues ridées. Grâce à une individualité maximale, cette peinture crée un sentiment de vie que les prédécesseurs de Mengs ne pouvaient atteindre. Le portrait fait ressentir de la sympathie pour Carlos III, prêt à « montrer » son apparence imparfaite.
Antoine Watteau "Fête au parc" ca. 1713 - 1716
Cette charmante scène est un exemple typique des « vacances galantes » de Watteau. Un léger brouillard brouillant les contours, une statue de Neptune presque cachée dans le feuillage au-dessus de la fontaine et une couleur dorée fanée, tout cela véhicule une atmosphère de plaisir aigu mais éphémère.
Le tableau appartenait à Isabelle Farnèse, la seconde épouse du roi Philippe V.
Antonio Carnicero "L'ascension de la montgolfière à Aranjuez" c. 1784
Le tableau a été commandé par le duc et la duchesse d'Haussouin et capture l'esprit du siècle des Lumières, qui a suscité l'intérêt pour les réalisations du progrès scientifique. Un événement réel est représenté : en 1784, dans les Jardins Royaux d'Aranjuez, en présence du monarque, des membres de sa famille et des courtisans, un vol en montgolfière a été réalisé. Antonio Carnicero était connu pour ses belles scènes de genre, et ce tableau est l'une de ses œuvres les plus ambitieuses.
José de Madrazo y Agudo "Amour céleste et amour terrestre" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Agneau de Dieu" 1635-1640
Un agneau repose sur une table grise, se détachant nettement sur le fond sombre dans la lumière vive et parfaitement concentrée. N'importe qui au XVIIe siècle l'aurait immédiatement reconnu comme « l'agneau de Dieu » et aurait compris qu'il s'agissait d'une allusion au sacrifice de soi du Christ. La laine d'agneau est merveilleusement travaillée et semble si douce qu'il est difficile de quitter l'animal des yeux et de vouloir le toucher.
Juan Pantoja de la Cruz "Portrait de la reine Isabelle de Valois" c. 1604 – 1608
Pantoja de la Cruz a peint ce portrait, reprenant l'œuvre de Sofonisba Angishola - l'original brûlé dans le palais en 1604. L’artiste a seulement ajouté une cape en fourrure de marmotte à la tenue de la reine.
Sofonisba Angishola était une artiste de Crémone qui travaillait à la cour d'Espagne. Il s'agit du premier portrait de la jeune reine d'une série réalisée par l'artiste. Le tableau a été peint d’une manière proche de l’espagnol, mais dans des couleurs plus chaudes et plus claires.
Jean Rann "Portrait de Carlos III enfant" 1723
Luis Melendez "Nature morte avec une boîte de bonbons, bretzels et autres objets" 1770
Le plus grand maître de la nature morte espagnole du XVIIIe siècle, Luis Melendez est né en Italie, dans la famille d'un artiste miniaturiste des Asturies. En 1717, la famille s'installe à Madrid, où le jeune homme entre au département préparatoire de l'Académie de San Fernando et prend la première place parmi ses étudiants les plus doués. Cependant, en 1747, il fut contraint de quitter l'Académie, à la suite de son père, qui en fut expulsé à la suite du conflit. Pendant cette période, Melendez se rend à nouveau en Italie. D'abord aidant son père, il devient miniaturiste et, de retour d'Italie, il est invité par Ferdinand VI à illustrer des livres dans la Chapelle Royale de Madrid. Dans le genre de la nature morte, vers lequel l'artiste se tourne au début des années 1760, une nouvelle facette de son œuvre apparaît.
Cette nature morte a été peinte durant la période de maturité de l’artiste. A cette époque, les objets de luxe et l’argenterie apparaissent dans ses compositions. Mais néanmoins, l'artiste adhère toujours à ses idéaux et travaille dans la lignée de la tradition du genre. La tangibilité matérielle de chacun des objets peints sur toile nous rappelle les meilleurs exemples de natures mortes de l'art mondial. Le verre transparent et tangible du verre se reflète dans la surface mate et brillante du vase argenté. Un bretzel moelleux sur une serviette blanche qui semble sentir le pain fraîchement sorti du four. Le goulot d’une bouteille scellée brille d’un air terne. Une fourchette en argent dépasse légèrement du bord de la table éclairée. Dans la composition de cette nature morte, il n’y a pas de disposition ascétique des objets sur une seule rangée, caractéristique par exemple des natures mortes de Zurbaran. Peut-être a-t-il quelque chose en commun avec les échantillons néerlandais. Mais le ton est plus sombre, il y a moins d’objets et la composition est plus simple.
Juan de Arellano "Corbeille de fleurs" 1670
Peintre baroque espagnol, spécialisé dans la représentation d'arrangements floraux, né à Santorcas en 1614. Au début, il étudie dans l'atelier d'un artiste aujourd'hui inconnu, mais à l'âge de 16 ans, il s'installe à Madrid, où il étudie avec Juan de Solis, un artiste qui réalise des commandes pour la reine Isabelle. Juan de Arellano a longtemps vécu de petites commandes, notamment de peintures murales, jusqu'à ce qu'il décide de se consacrer exclusivement à la peinture de fleurs et devienne un maître inégalé dans ce domaine. On pense que le maître a commencé par copier les œuvres d’autres artistes, notamment italiens ; les natures mortes flamandes ont ajouté de l’élégance et de la rigueur à son style. Plus tard, il a ajouté à cette combinaison ses propres idées de composition et une palette de couleurs caractéristique.
La composition assez simple de cette nature morte est caractéristique d'Arellano. Les couleurs végétales pures et intenses ressortent brillamment sur un fond brunâtre neutre grâce à un éclairage intense.