Shakespeare's Globe Theatre, première apparition et reprise. Théâtres célèbres d'Angleterre et leur histoire Les meilleurs opéras de Grande-Bretagne

Théâtre Le premier théâtre de cour, qui existait entre 1672 et 1676, a été défini par le tsar Alexeï Mikhaïlovitch lui-même et ses contemporains comme une sorte de « divertissement » et de « fraîcheur » d'un nouveau genre à l'image et à la ressemblance des théâtres des monarques européens. Le théâtre de la cour royale n'est pas apparu immédiatement. Russes

Théâtre anglais

Au XIXe siècle, le théâtre, comme tous les autres domaines de la culture anglaise, connaît un nouveau développement. Destination romantique à arts du théâtre personnifié par l'acteur tragique le plus talentueux Edmund Kean (1787-1833).

Edmond Kean ( riz. 58) est né dans une famille d'acteurs. Ses parents sont morts alors qu'il était encore enfant. Contraint de gagner sa vie, le jeune homme voyage avec une troupe itinérante à travers les villes et villages anglais. Ces pérégrinations devinrent une bonne école pour jeune artiste, qui, à l'âge de vingt ans, avait visité de nombreuses régions d'Angleterre. Lorsqu'on lui a demandé ce qu'il fallait faire pour devenir un grand acteur, Keene, déjà devenu célèbre, a répondu : « Être capable de mourir de faim ».

Riz. 58. Keane dans le rôle de Shylock

Voyageant avec un théâtre ambulant, Edmund s'est essayé à divers rôles et pièces de théâtre de différents genres.

Élevé dans la pauvreté, l'acteur éprouvait du mépris pour les aristocrates oisifs et les dirigeants qui se souciaient peu de leur propre peuple. Credo de vie Le jeune Keane s'est exprimé en ces termes : « Je déteste tous les seigneurs sauf Lord Byron. » La haute société ne pouvait pas pardonner une telle attitude envers elle-même et harcelait constamment Keane, le traitant d'acteur de la foule.

Devenu célèbre sur la scène provinciale, l'acteur reçut en 1914 une invitation à se produire à Londres au Drury Lane Theatre, qui traversait ces années-là des moments difficiles. Ses débuts au théâtre de la capitale furent le rôle de Shylock dans Le Marchand de Venise de Shakespeare. La direction de Drury Lane, pariant sur un acteur provincial, a pris la bonne décision : avec sa magnifique performance, Keane a tout simplement captivé le public gâté de Londres.

Shakespeare est devenu le dramaturge préféré de Keane. L'acteur a été attiré par les qualités qu'il possédait lui-même : une vision tragique, un sentiment aigu d'injustice, le rejet d'un monde où certains mènent une existence misérable tandis que d'autres baignent dans le luxe.

C'est Shakespeare qui a fait la renommée d'Edmond. L'acteur incarnait les images de Shylock, Richard III, Roméo, Macbeth, Hamlet, Othello, Iago, Lear. Les critiques ont qualifié sa magnifique performance de meilleur commentaire sur l’œuvre du célèbre dramaturge, et le poète Coleridge a déclaré : « Regarder la performance de Kean, c’est comme lire Shakespeare dans un éclair. »

L'image de Shylock créée par Kean dans Le Marchand de Venise de Shakespeare a fait une énorme impression sur le public anglais. Son héros combine étonnamment une attitude ironique envers les gens qui l'entourent et un sentiment amer de solitude, une profonde mélancolie et une haine déchirante cachée derrière l'humilité extérieure. "Le Marchand de Venise", mis en scène à Drury Lane, a valu au provincial d'hier la renommée du meilleur acteur d'Angleterre.

Keene considérait ses œuvres les plus significatives comme les rôles de Hamlet et d'Othello. Son prince danois, triste et mélancolique, comprend qu'il est impossible de lutter contre le mal qui règne dans le monde. Exceptionnellement confiant, sincère et intègre par nature, Othello place l'amour avant tout, et donc sa mort signifie pour lui l'effondrement complet de toutes ses aspirations.

Le grand succès de Keane est venu du rôle du prêteur Overrich dans la pièce « Une nouvelle façon de payer les anciennes dettes » de F. Messinger. Le public, captivé par la performance de l'acteur, n'a pu retenir ses larmes. On dit que Byron, qui a assisté au spectacle, a été tellement choqué qu'il s'est évanoui.

Pour parvenir à la compréhension du public, Keene a travaillé avec soin et pendant longtemps sur chaque rôle. Il a pratiqué tous ses mouvements et expressions faciales devant le miroir, est revenu encore et encore sur les épisodes les plus difficiles et a peaufiné les moindres détails de son rôle. Les activités sportives l'ont aidé à atteindre une plasticité extraordinaire (Keane était alors considéré comme l'un des meilleurs escrimeurs d'Angleterre).

La dernière œuvre du grand acteur était le rôle d'Othello. Après avoir prononcé la phrase : « Le travail d'Othello est terminé », l'acteur de quarante-six ans a perdu connaissance et est tombé. Trois semaines plus tard, il était parti. La mort de Keane marque la fin du mouvement romantique du théâtre anglais.

Le fils d'Edmund Kean, Charles Kean (1811-1868), était également acteur, jouant principalement dans des mélodrames.

L'ère victorienne a apporté ses propres ajustements à la vie culturelle de l'Angleterre. Pour la littérature, ces années deviennent l'époque de la formation du réalisme critique (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Le nom de l'écrivain Charles Dickens (1812-1870) est associé à la transition du théâtre anglais du classicisme au drame moderne. Des pièces mélodramatiques sont écrites pour le théâtre (Village Coquettes, 1836 ; The Lamp Man, publié pour la première fois en 1879, etc.).

La comédie excentrique «The Strange Gentleman», écrite sur la base de l'une des intrigues de l'essai «Sketches of Boz», a apporté un grand succès au dramaturge Dickens. Toutes les pièces de Dickens, à l'exception de The Lampman, furent jouées au St. James's Theatre au cours de la saison 1836-1837. En plus d'eux, l'écrivain a créé une dramatisation de son roman "Great Expectations", mais la pièce n'a pas été mise en scène.

Les pièces de Dickens étaient populaires non seulement en Angleterre, mais aussi à l'étranger. Les intrigues de plusieurs de ses romans constituent la base de plusieurs opéras.

En 1951, l'écrivain ouvre un théâtre amateur dont le répertoire est composé d'œuvres classiques et modernes. De nombreux jeunes dramaturges anglais ont commencé leur carrière créative avec ce théâtre. Dickens, qui possédait d'excellentes compétences d'acteur, a interprété le rôle de Shallow dans Les Joyeuses Commères de Windsor dans son théâtre. L'écrivain a également acquis une grande renommée en tant qu'excellent lecteur qui a interprété ses propres œuvres sur scène.

Contemporain de Dickens, le poète et dramaturge anglais Robert Browning (1812-1889) commence à travailler pour le théâtre à l'âge de vingt-deux ans. Sa première pièce, Paracelsius, fut publiée en 1835. Viennent ensuite les drames historiques Strafford (1837), Le Retour des Druzes (1839), King Victor et King Charles (1842), écrits pour le Covent Garden Theatre. Les rôles principaux dans ces productions ont été joués par l'acteur W. Macready.

En 1843, Covent Garden met en scène la pièce de Browning, The Spot on the Coat of Arms. Et en 1853, une autre pièce de cet auteur, « L'anniversaire de Colomb », fut jouée sur scène.

Les œuvres romantiques de Browning, comme ses pièces historiques, sont enracinées dans les traditions du drame poétique de J. G. Byron et P. B. Shelley. À une époque où le mélodrame dominait la scène anglaise, Browning cherchait à attirer l'attention du public sur une représentation sérieuse et significative. Incompris par ses contemporains, l'écrivain passe peu à peu du drame de scène au genre de la pièce dite à lire.

L'œuvre d'Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), écrivain et dramaturge anglais, également personnalité politique célèbre, se distingue également par sa proximité avec le théâtre réaliste moderne. Ses genres préférés étaient les romans et les drames sur des thèmes historiques. Dans le même temps, les motifs mélodramatiques et les méthodes d’éclat extérieur ont privé les œuvres de Bulwer-Lytton d’un véritable historicisme.

Les drames « La Belle de Lyon » (1838) et « Richelieu » (1839) font la renommée du dramaturge. Politiquement pertinentes et à la fois divertissantes, théâtrales et pleines de dynamisme, ces pièces ont immédiatement attiré l'attention des grands metteurs en scène anglais de l'époque. "Richelieu", mis en scène par Henry Irving, n'a pas quitté la scène du Lyceum Theatre de la capitale depuis longtemps. Et dans les années 1840-1860, les téléspectateurs russes ont pu voir le drame de Bulwer-Lytto (les personnages principaux étaient interprétés par les acteurs V.V. Samoilov et N.K. Miloslavsky).

Edward Bulwer-Lytton était attiré non seulement par les pièces historiques, mais aussi par les comédies satirisant les mœurs de la société victorienne - We Are Not as Bad as We Look and Money (1840). Bien que le dramaturge n'ait pas approfondi critique sociale, le réalisme de ses œuvres a attiré l'attention des spectateurs. Comédies de Bulwer-Lytton depuis de nombreuses années figuraient au répertoire des théâtres anglais.

Le roman historique "Rienzi" de Bulwer-Lytton a intéressé le célèbre compositeur allemand Richard Wagner, qui a basé son intrigue sur l'opéra du même nom, présenté au public en 1840.

A la fin du XIXème siècle, le célèbre écrivain anglais, romancier et dramaturge George Bernard Shaw (1856-1950) ( riz. 59). Il est né à Dublin, dans la famille d'un employé pauvre. À l'âge de vingt ans, Shaw s'installe à Londres, où il devient l'un des fondateurs de la Fabian Society. Tout en travaillant comme critique de musique et de théâtre, Bernard a écrit plusieurs romans obscurs. Sa première pièce, « La maison du veuf », parut en 1892. La pièce aborde d’importantes questions sociales et éthiques, critiquant vivement les propriétaires qui louent des logements dans les bidonvilles. Le dramaturge a appelé ses lecteurs à s'améliorer et à changer le monde qui les entoure. Le public a accueilli froidement la pièce «La Maison du Veuf», présentée au Théâtre Indépendant, et après seulement deux représentations, elle a été retirée de la scène.

Riz. 59. Georges Bernard Shaw

Au cours des six années suivantes, le dramaturge a écrit neuf pièces de théâtre (dont une en un acte). Le triste drame « Heartbreaker » (1893), qui raconte un mariage avantageux qui s'est soldé par un échec complet, n'a été accepté pour la production par aucun des théâtres de la capitale. En 1894, paraît le drame « L’homme et les armes », révélant l’inhumanité et la cruauté de la guerre. En 1897, la pièce « Le disciple du diable » a été créée et en 1898, un recueil en deux volumes « L'agréable et le désagréable » a été publié, qui comprenait des pièces de différentes années (« La profession de Mme Warren », 1894 ; « L'homme et Arms », « Candida », 1897 ; « L'Élu du destin », 1897 ; « Wait and see », 1899, etc.). La pièce « Mrs. Warren's Profession », qui évoquait le thème de la prostitution, fut interdite par la censure, mais plus tard, lorsqu'elle fut finalement autorisée à être jouée, elle ne quitta les scènes qu'en 1902. Candida connaît un énorme succès à New York en 1903. Et dans son pays natal, Shaw ne jouissait toujours d'aucune popularité. La véritable reconnaissance du public anglais lui vint en 1904, lorsqu'il loua, avec sa femme, ainsi que l'acteur et metteur en scène Harley Grenville-Barker, le bâtiment du Royal Court Theatre. Les pièces de Shaw ont été mises en scène par Grenville-Barker et John Vedrenne. Sur les 988 représentations organisées à la Royal Court entre 1904 et 1907, plus de sept cents étaient basées sur les œuvres de Shaw.

Parmi les meilleures œuvres du dramaturge figure la pièce « Man and Superman » (1905) - une comédie philosophique qui présente au spectateur l'attitude de l'auteur à l'égard de la religion, du mariage et de la famille. L'évolution de la société humaine est illustrée par les disputes entre Don Juan, qui s'est retrouvé dans le monde souterrain, et le diable.

La pièce la plus célèbre de Shaw était Pygmalion (1913), une comédie anti-romantique écrite spécifiquement pour l'actrice Patrick Campbell. Après la mort du dramaturge, Frederick Lowe et Alan Jay Lerner l'ont basé sur la comédie musicale My Fair Lady.

Les pièces ultérieures de Shaw incluent Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), le drame historique Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) et d'autres.

Shaw, qui est devenu l'incarnation de l'esprit anglais, a créé plus de 50 œuvres pour le théâtre. À la mort du grand dramaturge, les théâtres de nombreux pays du monde ont éteint leurs lumières en signe de chagrin.

L'écrivain Oscar Wilde (1854-1900) a apporté une contribution significative au développement du théâtre anglais. Comme Shaw, il est né à Dublin, fils d'un célèbre chirurgien. Formé à l'Université d'Oxford. Les premières œuvres de Wilde furent le poème « Ravenne » (1878) et le recueil « Poèmes » (1881).

L'écrivain est devenu célèbre pour ses histoires lyriques et ses contes de fées (Star Boy, etc.), ainsi que pour le roman philosophique Le Portrait de Dorian Gray. Pour le théâtre, Wilde a créé un certain nombre de pièces avec une orientation socialement critique (L'éventail de Lady Windermere, 1892 ; Un mari idéal, 1895 ; L'importance d'être sérieux, 1899). La pièce « Salomé » a été écrite en français et publiée en Angleterre en 1894, traduite par Alfred Douglas et illustrée par l'artiste Aubrey Beardsley. Cette pièce constitue la base du célèbre opéra du même nom de Richard Strauss (1904).

À la fin du XIXe siècle, le dramaturge anglais Henry Arthur Jones (1851-1929) commence à écrire pour le théâtre. Issu d'une famille de paysans pauvres, il gagne sa vie en tant qu'acteur.

N'ayant pas acquis une renommée en tant qu'acteur, Jones se tourna vers le théâtre, mais ses premières pièces n'apportèrent pas non plus le succès escompté. Les théâtres refusèrent de prendre ses œuvres et ce n’est qu’en 1878 que la pièce de Jones « It’s Just Around the Corner » fut acceptée pour être produite dans l’un des théâtres provinciaux.

Le succès tant attendu est venu au dramaturge après la mise en scène de son "Silver King" au Princess Theatre. Les œuvres les plus importantes de John incluent les pièces Saints and Sinners, Dancer, Rebel Susanna, Triumph of the Bigots, Michael and His Lost Angel et The Defense of Mrs. Dane. De nombreux drames de Jones exposent la moralité hypocrite de la société victorienne (« Liars », 1897 ; « Lies », 1914), bien que la passion pour les techniques mélodramatiques en réduise quelque peu l'importance. Mais malgré cela, nous pouvons affirmer avec certitude que le travail de Jones a eu un impact sur la formation du mouvement réaliste dans l’art théâtral anglais. fin XIX siècles. Jones a collaboré avec Bernard Shaw, et ce dernier accordait une grande importance à ses œuvres.

L'art scénique anglais de la fin du XIXe siècle est associé au nom de l'acteur et entrepreneur Arthur Voucher (1863-1927). En 1884, le jeune acteur, qui étudie à Eton puis à Oxford, devient l'un des fondateurs de l'Oxford University Dramatic Society. Sur scène, il joue dans des pièces de Shakespeare (Henri IV, La Douzième Nuit, Les Joyeuses Commères de Windsor, Jules César).

Les débuts de Voucher furent le rôle de Jacques dans la comédie de Shakespeare Comme il vous plaira, jouée en 1889 sur la scène professionnelle de Wolverhampton. La performance a rendu l'acteur célèbre et, en 1889-1894, il a joué dans divers théâtres anglais et américains.

En 1895-1896, Voucher dirigeait le Théâtre Royal et sa femme, E. Vanbrugh, était une actrice de premier plan jouant des rôles principaux dans des comédies et des farces. De 1900 à 1906, Voucher est directeur artistique du Théâtre Garrick. A cette époque, il joue de nombreux rôles dans des pièces de Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. En 1910, l'acteur rejoint la troupe Beerbohm Tree (His Majestys Theatre), où il incarne les images d'Henri VIII et de la Fondation dans les pièces de Shakespeare Henry VIII et Le Songe d'une nuit d'été. Artiste très capricieux et émotif, Voucher a particulièrement réussi à jouer des rôles de personnages brillants (John Silver dans "Treasure Island" basé sur le roman de R. L. Stevenson).

A la fin du XIXe siècle, l'acteur et entrepreneur Gérald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) débute sa carrière au théâtre. Il fait ses débuts dans le rôle de Fritz dans la pièce « Le vieux juif » de Grnadi, mise en scène en 1895 au Théâtre Garrick. La même année, il rejoint la troupe Beerbohm Tree et part avec elle en tournée aux USA. En 1899-1901, il visite à nouveau l'Amérique, cette fois avec la célèbre actrice anglaise Patrick Campbell.

Les œuvres scéniques les plus importantes de l'acteur à cette époque étaient les rôles de Sandford Cleve dans The Famous Mrs. Ebbsmith et du capitaine Ardale dans The Second Mrs. Tanqueray de Pinero. En 1902, Du Maurier devient entrepreneur dans la troupe de Charles Froman (Duke of York Theatre), où il crée avec beaucoup de succès les personnages d'Ernest Wooller (L'Admirable Crichton de J. Barry), Hook et Darling (Peter Pan de J. Barry). même auteur).

Du Maurier a eu le plus de succès dans les rôles comiques. La capacité de se comporter naturellement, sincèrement et simplement a aidé l'acteur à gagner l'amour du public. Ses meilleures œuvres étaient les images de Montgomery Brewster dans Brewster's Millions de McCutcheon et de Hugh Drummond dans Bulldog Drummond, une dramatisation du roman de McNeil.

De 1910 à 1925, Du Maurier, avec F. Curzon, dirigea le Théâtre Windham et de 1925 à 1929, avec G. Miller, il dirigea le Théâtre St. James. La production théâtrale de la pièce de Lonsdale Les derniers jours de Mme Cheney (1925) apporta un grand succès au théâtre. Par la suite, Du Maurier a mis en scène plusieurs autres représentations dans divers théâtres (« The Ringer » de Wallace, 1926, « Windham's Theatre » ; « The Letter » de Maugham, 1927, « Playhouse Theatre » ; « Alibi » de Morton d'après le roman de Christie, 1928, théâtre « Prince of Wells » ; « Docteur Pygmalion » d'Owen, 1932, « Théâtre Playhouse », etc.).

Une figure éminente du théâtre anglais de la fin du XIXe et de la première moitié du XXe siècle était l'acteur, metteur en scène et célèbre professeur Frank Robert Benson (1858-1939). AVEC petite jeunesse il a participé activement à toutes sortes de performances amateurs. Sa première scène professionnelle fut le London Lyceum Theatre, dirigé par G. Irving. Un an plus tard, le jeune acteur ouvre son propre théâtre itinérant, qui donne des représentations non seulement à Londres, mais également à Stratford, ainsi que dans d'autres villes de province.

Le dramaturge préféré de Benson était Shakespeare. En quelques années seulement, le metteur en scène a mis en scène presque toutes les pièces du grand dramaturge, à l'exception de « Titus Andronicus » et « Troilus et Cressida ». De 1886 à 1919, la compagnie, dirigée par Benson, joue au Shakespeare Memorial Theatre de Stratford-on-Avon. Dans la patrie de Shakespeare, avec sa participation, des festivals annuels des pièces de Shakespeare ont eu lieu.

Merveilleux acteur et réalisateur, Benson était également un professeur talentueux qui a formé de nombreux artistes merveilleux. Il est l'auteur d'un ouvrage sur le jeu d'acteur. Benson a également écrit un livre de mémoires. DANS dernières années Tout au long de sa vie, il s'est impliqué dans le cinéma.

Le célèbre acteur, metteur en scène et dramaturge anglais Harley Grenville-Barker (1877-1946) a débuté sa carrière théâtrale en tant qu'acteur. En 1891, il rejoint la troupe S. Thorne à Margate. L'année suivante, Grenville-Barker se produit déjà au London Comedy Theatre.

De 1904 à 1907, avec le dramaturge Bernard Shaw, Grenville-Barker dirigea le Royal Court Theatre, qui fait partie du mouvement du « théâtre libre », axé sur le drame réaliste sérieux.

Grenville-Barker, promoteur du réalisme scénique, rêvait d'ouvrir un théâtre national avec un répertoire permanent, mais malheureusement, la tentative de le créer n'a pas été couronnée de succès.

Parmi les œuvres de Grenville-Barker, les performances basées sur les pièces de Shakespeare occupent une place importante. Le metteur en scène a publié un ouvrage en cinq volumes, « Préface de Shakespeare », dans lequel il a analysé en détail les pièces de Shakespeare les plus difficiles à mettre en scène et a donné des conseils pratiques pour les mettre en scène dans le théâtre moderne. Les pièces de Grenville-Barker « Le mariage d'Anna Leet » (1902), « L'héritage Voysey » (1905), « Madras House » (1910), « Météo à Han » et d'autres sont devenues largement connues.

Après la Première Guerre mondiale, l'Angleterre reçut un certain nombre de colonies allemandes et une partie des terres du Moyen-Orient appartenant à la Turquie. L’économie anglaise, mise à mal par la guerre, commence à se relancer, mais cela ne dure pas longtemps. Déjà en 1921, une croissance inflationniste et une baisse du niveau de vie de la population ont commencé.

En 1924, le gouvernement travailliste est arrivé au pouvoir, mais malgré tous ses efforts, la situation économique et politique du pays n'a pas changé et les conservateurs qui ont remplacé les travaillistes ont encore aggravé la situation. En mai 1924, une grève générale éclate en Angleterre. Les usines et les usines se sont complètement arrêtées et ont cessé de fonctionner chemins de fer, les mines. Le gouvernement réussit à apaiser les tensions dans le pays pendant un certain temps, mais déjà en 1929 une grave crise économique éclata.

Les années 1930 furent également troublées. Hitler est arrivé au pouvoir en Allemagne et en Angleterre, avec la connivence de Baldwin et de Chamberlain qui l'ont remplacé, l'Union britannique des fascistes a lancé ses activités.

Quand a commencé le deuxième ? guerre mondiale, il s’est avéré que l’Angleterre n’y était absolument pas préparée. Après la défaite de Dunkerque, le corps expéditionnaire anglais quitte le continent. Après avoir occupé la France, les nazis s'apprêtaient déjà à lancer une invasion des îles britanniques, mais ils en furent empêchés par la bataille d'Angleterre, remportée par l'aviation britannique, puis par le déclenchement des hostilités contre l'URSS.

Le 26 mai 1942, l'Angleterre et l'URSS signent un accord d'alliance militaire et de coopération en temps de paix, mais Churchill retarda quelque temps l'ouverture d'un deuxième front. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, la politique des conservateurs a complètement déçu le peuple et, aux élections de 1945, les travaillistes ont remporté une victoire écrasante.

La situation sociale du pays ne pouvait qu'affecter le théâtre anglais de la première moitié du XXe siècle. Durant ces années, de telles choses se faisaient dans le pays écrivains célèbres, comme Somerset Maugham et John Boynton Priestley.

Riz. 60. Somerset Maugham

L'écrivain anglais William Somerset Maugham (1874-1965) ( riz. 60) est né à Paris, dans la famille d'un conseiller juridique à l'ambassade d'Angleterre. À l'âge de dix ans, il s'est retrouvé sans parents et a été élevé en Angleterre par des proches. Tombé malade de la tuberculose, Maugham s'installe dans le sud de la France puis s'installe en Allemagne, où il devient étudiant à l'Université de Heidelberg. En Allemagne, le futur écrivain se rapproche d'Ibsen

et Wagner. Ce sont les pièces d'Ibsen qui ont éveillé le désir de Maugham de devenir dramaturge.

De retour en Angleterre, Maugham a commencé à étudier dans une école de médecine. Pendant trois ans, il a travaillé comme ambulancier dans une ambulance, ce qui lui a permis de connaître la vie des gens ordinaires (dans le cadre de sa profession, Somerset a visité les quartiers les plus pauvres de Londres). Son roman Lisa of Lambeth, écrit en 1897, raconte l'histoire des bidonvilles de Londres. Il apporte au jeune écrivain sa première renommée. Maugham a créé plus tard toute une série des romans qui donnent un large panorama de la vie de la société anglaise (« The Burden of Human Passions », 1915 ; « Theatre », 1937).

Le théâtre a toujours attiré Maugham, mais réussir dans ce domaine n'a pas été facile. Le désir d'un reflet réaliste de la réalité a parfois effrayé les entrepreneurs loin de l'écrivain. La production de sa pièce « Man of Honor » (1903) n’a pas contribué à la popularité de l’écrivain dans l’art commercial.

Enfin, en 1907, Maugham réussit à mettre en scène la comédie Lady Frederick, qui fut accueillie avec enthousiasme par le public. Après cela, les théâtres de Londres ont ouvert leurs portes au dramaturge et, la même année 1907, trois autres représentations basées sur ses pièces sont apparues.

Le dramaturge a créé un type de pièce qu’il a qualifié d’« intelligent ». La réalité moderne de ses œuvres est montrée à travers un choc de personnages, et l'action est souvent interrompue pour que les personnages puissent discuter de la situation. Lors de la création de ses pièces, Maugham utilise souvent des techniques caractéristiques des œuvres de Shaw et d'Ibsen, mais il se tourne le plus souvent vers la comédie anglaise de l'époque de la Restauration. C'est de la dramaturgie de la seconde moitié XVI- le début du XVIIIe siècle est l'art du caractère et de l'intrigue présent dans les œuvres de Maugham. Dans nombre de ses pièces, on retrouve également un intérêt pour les traditions du théâtre français.

Les premières pièces de Maugham "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", mises en scène dans les théâtres de Londres en 1907, ont été écrites dans le style d'une comédie de salon. Par la suite, le dramaturge s'est éloigné de la satire légère et s'est tourné vers des drames réalistes sérieux sur « des gens qui savent tout ». En 1913, paraît « La Terre promise », racontant le sort de la pauvre fille Nora. Élevée dans un milieu bourgeois anglais, elle finit au Canada, avec son frère agriculteur. Inapte au travail et essayant de se comporter comme une dame, elle suscite l'indignation de la femme de son frère. Mais, devenue l'épouse d'un agriculteur voisin, Nora change peu à peu et, lorsqu'on lui donne la possibilité de retourner à son ancienne vie à Londres, elle refuse, se rendant compte qu'elle ne pourra plus vivre parmi des gens oisifs et sans valeur. .

La pièce « Le foyer et la belle épouse » (1919) est consacrée au thème de la vie anglaise d'après-guerre. La Première Guerre mondiale prend fin et le major, que tout le monde considère comme mort, rentre chez lui. Sa femme Victoria a épousé son ami, également major. Les amis rivalisent de noblesse, se donnant le droit de rester avec la belle Victoria, mais elle divorce d'eux deux et devient l'épouse d'un spéculateur qui s'est enrichi grâce aux fournitures militaires. Ce sac d'argent qui s'est échappé du front conduit une Cadillac et a la capacité d'obtenir n'importe quelle nourriture. Les deux ex-maris L'incomparable Victoria affirme qu'ils ont toujours deviné sa méchanceté et sa cupidité. C'est la maison pour laquelle les Britanniques ont combattu pendant la guerre.

Le thème du mariage dans la société bourgeoise est repris par la célèbre pièce de Maugham « The Circle » (1919). Elizabeth, épouse d'un jeune homme politique, est déçue par son mari et admire sa mère, qu'elle n'a jamais vue : dans sa jeunesse, elle s'est enfuie de son mari avec son ami, Lord Proteus, qui se présentait au poste de Premier ministre. . Mais après un tel acte, les amants se sont vu refuser l'entrée dans la société et seule Elizabeth les a secrètement invités chez elle. Imaginez sa déception lorsqu'au lieu d'un couple romantique, elle a vu une jeune vieille femme et un vieil homme mal élevé et méchant. Beaucoup de choses sont devenues claires pour la jeune femme, mais elle n'a pas abandonné son amour et a quitté la maison de son mari prospère pour partir avec un jeune fonctionnaire colonial dans la lointaine Malaisie.

En 1928-1933, quatre autres pièces de Maugham parurent : « The Sacred Flame » (1928), « The Family Breadwinner » (1930), « For Merit in Battle » (1932) et « Sheppie » (1933). L'avocat provincial du drame « Pour le mérite militaire » estime que la justice et la prospérité règnent dans la société, même si sa propre famille meurt sous la pression des circonstances.

Son fils Sidney est rentré aveugle de la guerre et l'une des sœurs prend soin de lui, même si cela la pèse et la tourmente. Elle rêve d'unir son destin à celui d'un homme récemment revenu du front, mais son fiancé, incapable de se retrouver dans cette société, se suicide et la malheureuse perd la tête. Sa sœur devient l'épouse d'un officier démobilisé, un homme arrogant et mal élevé. Le sort de la troisième fille est également tragique. Tentant d'échapper à cette situation sombre, elle s'enfuit de chez elle avec un riche spéculateur qui a fait fortune grâce à des transactions sales. La guerre a brisé le destin de tous les membres de la famille. Les paroles de Sidney sont pleines d’amertume : « Je sais que nous avons tous fini comme des marionnettes entre les mains des imbéciles médiocres qui dirigeaient nos pays. Je sais que nous avons tous été sacrifiés à leur vanité, leur cupidité et leur stupidité. Et le pire, c’est que, d’après ce que j’ai compris, ils n’ont rien appris.»

L'histoire du personnage principal du drame "Sheppey" est triste. Sheppey, un coiffeur d'âge moyen, est devenu l'heureux gagnant d'un gros gain.

Il rêve d'aider ceux qui en ont besoin, mais sa fille et son fiancé croient que cet argent les aidera à se lancer dans la grande politique et tentent de faire déclarer Sheppey fou.

La production de Sheppie, non destinée à l'art commercial, échoua et Maugham décida d'abandonner l'écriture dramatique et de ne jamais retourner travailler pour le théâtre.

Riz. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( riz. 61) est né dans la ville de Bradford (Yorkshire), dans la famille d'un enseignant. En 1914, il devient étudiant à l'Université de Cambridge, mais avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale, il se porte volontaire pour le front. Priestley a terminé ses études à l'université après la fin de la guerre. Il acquit rapidement une renommée en tant qu'auteur d'essais, ainsi qu'en tant qu'érudit et critique littéraire. Le roman Good Companions, écrit en 1929, fait découvrir au lecteur la vie des acteurs itinérants et apporte un grand succès à Priestley. La première et exceptionnellement réussie expérience dramatique de l’écrivain fut la pièce « Dangerous Turn », mise en scène en 1932.

Comme Maugham, Priestley savait comment transmettre avec précision les types humains et créer des intrigues. En même temps, ses pièces sont plus problématiques que celles de Maugham et Shaw.

Dans « A Dangerous Turn », Priestley, comme Maugham, révèle ce qui se cache derrière le bien-être extérieur de la vie. Ce qui apparaît derrière les couches de mensonges et de tromperies est vraiment effrayant. Le dramaturge construit ses pièces sur le principe d’un « détective en salle close ». Un meurtre a été commis dans un petit cercle de connaissances proches, tout le monde est soupçonné, et en même temps ils deviennent tous des détectives amateurs.

Une chaîne de révélations se déroule progressivement, à commencer par des mots accidentellement laissés tomber lors d'une soirée chez l'éditeur Robert Kaplan, qui apprend que son frère bien-aimé Martin était un maniaque sexuel et ne s'est pas suicidé, comme on le croyait officiellement, mais a été tué par une femme. Presque tous ses proches ont été impliqués dans sa mort. Ayant appris la terrible vérité, Robert s’est suicidé. Mais ce n’est qu’une version hypothétique des événements. L’obscurité qui s’ensuit se dissipe et le décor du premier acte réapparaît sous les yeux du spectateur. Les personnages entretiennent la même conversation et la phrase qui a servi de début à la révélation n'est pas développée. Le « tournant dangereux » a été passé avec succès et la fête continue. Mais ce qui se cache réellement derrière le flux calme de la vie est déjà connu du spectateur.

En 1937, paraît la pièce Time and the Conway Family de Priestley, dans laquelle l'auteur utilise la technique de la tournure des événements. L'action commence en 1919 par des vacances en famille. Une famille amicale et riche célèbre l'anniversaire de Kate. La jeune fille a vingt et un ans, elle est pleine d'espoir d'un avenir heureux et rêve de devenir écrivain.

Le deuxième acte remonte à 1937. Les personnages sont les mêmes, mais ils sont tous malheureux. La fête, qui a eu lieu il y a de nombreuses années, est devenue un événement qui a transformé la vie de la famille dans une direction qui a conduit tous ses membres à un triste résultat.

Le troisième acte revient à 1919, mais maintenant, pour le spectateur, qui a appris ce qui s'est passé plusieurs années plus tard, la fête de famille ne semble ni amusante ni heureuse.

Priestley s'est également tourné vers le motif du temps dans ses pièces suivantes : « I've Been Here Before » (1937), « Music at Night » (1938), « Johnson Beyond the Jordan » (1939). Pour approfondir les caractéristiques de ses personnages, l'écrivain les place dans un environnement inhabituel, dans lequel se révèle quelque chose qui était auparavant caché non seulement aux autres, mais aussi à eux-mêmes.

Dans un certain nombre de pièces, Priestley recourt à des expériences audacieuses. Ainsi, dans le drame « From Heavenly Times » (1939), qui s'est déroulé sur les scènes des théâtres de nombreux pays européens, les acteurs incarnent leur personnage juste devant le public et changent même de rôle.

Le dramaturge anglais appréciait grandement l'œuvre de Tchekhov. Son influence est la plus évidente dans la pièce Eden End (1934). "Eden End", qui rappelle "La Cerisaie" de Tchekhov, raconte l'histoire d'une femme qui s'est enfuie de la maison de ses parents il y a de nombreuses années pour devenir actrice. Elle est désormais de retour dans la maison calme et confortable de son père, rêvant de se sentir à nouveau heureuse. Mais le passé ne peut pas être restitué et les personnages de la pièce, peu importe à quel point ils le souhaiteraient, ne peuvent pas commencer une nouvelle vie.

La comédie occupe une place importante dans la dramaturgie de Priestley. Dans ce genre, l'écrivain a créé un certain nombre d'œuvres inhabituellement spirituelles qui critiquent la vie en société. Ses comédies jouissaient d'une popularité extraordinaire dans les pays européens, mais n'apportaient pas beaucoup de succès au dramaturge dans son pays natal.

La comédie « Rakita Grove » (1933) est devenue largement connue. Le modeste et banal propriétaire d'un petit entrepôt de papeterie avoue soudain à sa famille qu'il est en réalité le chef d'une bande de faussaires. Les proches, ayant entendu parler de cela, lui témoignent tout le respect, même s'ils le traitaient auparavant avec dédain. Ils pensent tous qu’il n’est pas pire que les grands magnats de la finance qui l’ont ruiné pendant la crise économique et transformé en criminel.

Certaines comédies témoignent de l'intérêt de Priestley pour la vie des représentants de certaines professions (« L'amour à la lumière des Jupiters », 1936 ; « Bonne nuit, les enfants », 1941).

La pièce « Les abeilles à bord du navire » (1936) se démarque quelque peu, que l'auteur lui-même qualifie de « tragédie farfelue en deux actes » et «  satire politique sous forme de farce." L'équipage, abandonné sur un paquebot abandonné par ses propriétaires à la merci du sort en pleine crise économique, tente de sauver son navire de toutes sortes d'attaques. En finale, le navire meurt des suites d'une explosion organisée par la société propriétaire du paquebot.

Le drame utopique de Priestley, They Came to the City (1943), inspiré du roman utopique de l'artiste et écrivain anglais William Morris, News from Nowhere, or the Age of Happiness (1891), est également inhabituel. Les héros de la pièce de Priestley vivent dans une ville où il n'y a pas de propriété privée, ils sont heureux et joyeux. En utilisant la technique du « time shift », l'auteur introduit dans la pièce des personnages issus de différentes couches de la société anglaise moderne, qui percevaient différemment la ville insolite et ses habitants.

Deux autres pièces de Priestley furent accueillies avec un grand intérêt par le public : « The Inspector Came » (1945) et « The Linden Family » (1947).

Dans la première pièce, le dramaturge utilise à nouveau sa technique favorite du « time shift ». La famille de l'industriel Berling va célébrer les fiançailles de leur fille. Soudain, un inspecteur de police apparaît dans la maison, enquêtant sur le suicide d'une jeune fille nommée Eva Smith. Il s'avère que tous les membres de la famille sont coupables de sa mort. Birling l'a renvoyée de son entreprise, sa fille a veillé à ce qu'Eva soit expulsée du magasin et son fiancé a séduit et abandonné la malheureuse femme. Pour couronner le tout, l'épouse de Berling, qui avait de l'influence dans organisation caritative, a fait en sorte que l'aide à la jeune fille ait été refusée.

Ayant tout découvert, l'inspecteur s'en va et la famille Birling, surprise que leurs actes concernent la même fille, commence à appeler l'hôpital et la police. Ils apprennent qu'il n'y a pas eu de suicide et qu'un inspecteur portant ce nom ne travaille pas dans la police. Les Birling se sont calmés, mais il s’est avéré que c’était trop tôt. Soudain, un appel téléphonique a retenti et le chef de famille a été informé qu'une jeune fille qui travaillait auparavant dans son usine était décédée à l'hôpital et qu'un inspecteur de police venait chez eux pour connaître les circonstances du décès.

Dans les années 1950, Priestley continue à travailler dans le théâtre, mais n'est plus capable d'écrire quoi que ce soit d'important.

Le poète Thomas Stearns Eliot (1888-1965) a grandement contribué au développement du théâtre anglais. (Fig. 62), qui rêvait de créer un nouveau drame poétique basé sur les traditions de l'art antique et médiéval.

Riz. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot est né aux États-Unis. En 1910, il vient en Europe pour étudier à la Sorbonne. Sa formation d'écrivain s'est déroulée sous l'influence de ceux qui sont apparus au début du siècle mouvements modernistes. Insatisfait de la culture bourgeoise moderne, Eliot se tourne dans sa recherche vers le néoclassicisme, basé sur les traditions de l'Antiquité et du Moyen Âge.

La transition d'Eliot de la poésie au théâtre est associée à son ardent désir de transmettre la « vraie spiritualité » et les idéaux de l'humanisme à un plus grand nombre de personnes. Cet objectif est poursuivi par toutes ses pièces parues dans les années 1930, puis dans les années 1940 et 1950 (« Meurtre dans la cathédrale », 1935 ; « Convention de famille », 1938 ; « Cocktail Party », 1949 ; « Secrétaire privé », 1953 ; « L'ancien homme d'État », 1958).

La question de la responsabilité personnelle d’une personne pour tout ce qui se passe dans le monde est soulevée par la pièce « Meurtre dans la cathédrale », qui est un exemple frappant de la tragédie poétique d’Eliot. Créant son œuvre en temps de paix, le dramaturge semblait pressentir la guerre mondiale à venir, qui était encore dans cinq ans.

"Meurtre dans la cathédrale" devait être présenté au Festival de Cantorbéry, où d'autres œuvres racontant le sort de Thomas Becket, archevêque de Cantorbéry, qui vécut au XIIe siècle, furent présentées. Becket a aidé Henri II à se battre pour une monarchie centralisée, mais est devenu plus tard un ennemi du roi, pour lequel il a payé de sa vie. Après sa mort, l'archevêque fut canonisé par l'Église. La personnalité de Becket suscite toujours la controverse parmi les historiens et les écrivains. Eliot a présenté son héros comme un homme dont les actions étaient motivées par le désir d'une haute spiritualité, c'est pourquoi il s'est battu contre les intérêts vils du monarque et de ses serviteurs. Ayant accepté le martyre, Becket a pris sur lui les péchés de l'humanité et a ouvert la voie aux hommes vers l'humanisme et la vérité.

La pièce dans laquelle langage poétique se combine avec la prose, s'appuie non seulement sur du matériel historique, mais aussi sur les réalités des années 1930. Ainsi, les discours des chevaliers qui ont tué l’archevêque ressemblent beaucoup aux discours de l’extrême droite avec des menaces de « nuit des longs couteaux » à l’encontre de tous ceux qui ne sont pas d’accord avec leurs idées.

Les plus grands représentants du drame radical de gauche anglais étaient le poète Whiston Hugh Auden (1907-1973) et le romancier Christopher Isherwood (né en 1904), qui tentèrent de créer un drame poétique moderne basé sur les traditions du music-hall anglais.

En 1933, Auden écrit la pièce Danse Macabre, qui prédit la fin de la société bourgeoise moderne. En 1936, il fut mis en scène par le réalisateur Rupert Doone au Group Theatre de Londres. Par la suite, le dramaturge a travaillé en collaboration avec Isherwood.

La pièce d'Auden et Isherwood, The Dog Under the Skin (1935), mise en scène en 1936, fut accueillie avec intérêt. Cette œuvre, qui comprenait des éléments de parodie, de haute poésie, d'agitprop, de contes de fées et d'expressionnisme, avait en même temps une unité de style.

Chaque année, les villageois de Pressen Embo envoient un de leurs jeunes hommes à la recherche de Sir Francis, l'héritier du domaine soudainement disparu. Ce fut le tour d'Alan Norman, un homme honnête et simple. Le chien Francis, qui vit dans telle ou telle famille, part en voyage avec lui. Les voyageurs ont visité de nombreux pays et rencontré différentes personnes, mais l'héritier n'a jamais été retrouvé. Alan avait déjà décidé d'abandonner ses recherches lorsqu'il découvrit que son chien était Sir Francis recherché. La peau d'un chien l'a aidé à apprendre beaucoup, à comprendre à quel point les fondements sociaux étaient pourris. De retour dans son village, François a constaté que les idées du fascisme y avaient prévalu sur toutes les autres. Accompagné d'un groupe de jeunes, l'héritier part lutter contre l'injustice et le mal.

La pièce d’Auden et Isherwood « On the Border » (1938), pleine de symbolisme, est également d’un grand intérêt et raconte l’histoire de deux familles vivant dans la même pièce. Entre eux se trouve ligne invisible, les transformant en deux camps belligérants. Parmi les personnages de la pièce figurent de jeunes amants appartenant à ces familles, unies seulement après la mort, le Cynique, qui explique la nature du fascisme (le chef du trust de l'acier), et le Leader, un démagogue nourri par le Cynique.

Par la suite, Auden et Isherwood se sont éloignés de leurs idées précédentes. En 1966, l'histoire d'Isherwood "Goodbye Berlin" (1939), qui raconte l'Allemagne avant l'arrivée au pouvoir des nazis, a été adaptée dans la comédie musicale "Cabaret", et en 1972 - dans un film célèbre du même nom.

La Première Guerre mondiale et la période qui l'a précédée ont détruit le système d'entreprises théâtrales formé au XIXe siècle, dirigé par les acteurs G. B. Tree, G. Irving et J. Alexander. Le théâtre commercial du West End s'est imposé dans la vie théâtrale de l'Angleterre, offrant aux gens fatigués de la guerre des spectacles drôles et spectaculaires. Les farces, mélodrames, comédies légères et spectacles musicaux étaient extrêmement populaires.

La situation dans monde du théâtre n'a pas changé dans années d'après-guerre. Les genres légers régnaient encore sur scène et les pièces sérieuses de Strindberg, Ibsen et Tchekhov ne pouvaient être vues que sur les scènes des petits théâtres londoniens (Everyman, Barnes) et des clubs de théâtre. Le critique américain T. Dickinson écrivait à propos du théâtre anglais de l'époque : « Les îles britanniques sont politiquement isolées. Le théâtre anglais se trouve dans un isolement similaire. Dans les années 1920, le théâtre britannique s’est montré largement incapable de répondre aux impulsions profondes qui guidaient le théâtre sur le continent. »

La jeunesse anglaise, qui rejetait les traditions de l’époque victorienne et luttait pour un mode de vie américanisé, s’ennuyait de Shakespeare, dont les drames avaient disparu de la scène du West End.

Les représentations du Cambridge Festival Theatre, dirigé par Terence Gray en 1926-1933, sont devenues de véritables parodies du grand Shakespeare. Ainsi, dans Le Marchand de Venise, Portia livrait son célèbre monologue sur la miséricorde avec un regard ennuyé, une voix complètement inexpressive, et les juges assis devant elle bâillaient. Les nobles du Henri VIII de Gray sont habillés en joueurs de cartes et en reines, et certains personnages sont remplacés par des maquettes de cartes à jouer.

Il est intéressant de noter que, tout en rejetant les classiques, les réalisateurs anglais de l'époque se sont souvent tournés vers la comédie de l'époque de la Restauration. Parmi eux se trouvait le célèbre acteur, metteur en scène et propriétaire du Lyric Theatre de Londres, Nigel Playfair, qui a mis en scène de nombreuses comédies d'époque. Sur la scène lyrique ont également eu lieu des spectacles interprétés dans l'air du temps à partir de pièces de comédiens du XVIIIe siècle. Par exemple, le Beggar's Opera de John Gay, qui n'a pas quitté la scène lyrique depuis trois ans, a perdu son orientation satirique et s'est transformé en un spectacle léger et joyeux. Dans l'interprétation de Playfair, la pièce de Gay représentait une époque insouciante et joyeuse, dont l'atmosphère était véhiculée par des bougies allumées dans des lustres. salle, des perruques de musiciens d'orchestre de théâtre, ainsi que de la musique de Haendel et Purcell. N. Marshall a décrit très précisément les compétences stylistiques du metteur en scène Playfair : « Dans le théâtre anglais sans style de cette époque, il a fourni un exemple de style scénique élégant et holistique. »

La star du Théâtre Lyrique était l'actrice Edith Evans (1888-1976), qui débuta avec les rôles de jeunes héroïnes dans les comédies de la Restauration. Un énorme succès en 1924 lui fut apporté par l'image de Milliment dans la pièce «C'est ce qu'ils font dans le monde» basée sur la pièce de Congreve. Milliment, tout comme Sullen dans « Le plan rusé des fous » de Farquer, est une créature inhabituellement joyeuse et gracieuse, désireuse de découvrir toutes les joies de la vie.

Les pièces de Bernard Shaw, jouées sur les scènes du West End et dans de petits théâtres expérimentaux, connurent un grand succès auprès du public anglais dans les années 1920. « Sainte Jeanne », mise en scène au Nouveau Théâtre, a apporté à ses créateurs un énorme succès commercial. Le spectacle n'a pas quitté la scène pendant longtemps, durant plus de deux cent quarante représentations. Le rôle de Jeanne a été joué par la célèbre actrice tragique Sybil Thorndike (1886-1976).

Le rôle de Jeanne a été destiné à Sybil Thorndike par Bernard Shaw lui-même. Il répétait avec elle et les autres acteurs, essayant de leur inculquer l'idée qu'ils jouaient une pièce moderne et non un drame en costumes dédié au passé. Sybil Thorndike a joué une héroïne dont les principales caractéristiques n'étaient pas la romance, mais un esprit sobre et une force morale. En regardant Jeanne, le public a compris que cette simple paysanne, qui avait fait ses preuves dans les batailles d'autrefois, pouvait devenir l'héroïne de la Première Guerre mondiale moderne.

À la fin des années 1920, l'idée est née dans les cercles théâtraux d'organiser des festivals annuels des pièces de Bernard Shaw dans la petite ville de Malvern. Le premier festival de Malvern a eu lieu au début de 1929 et s'est ouvert avec la pièce de Shaw The Apple Cart. Le rôle du personnage principal de cette pièce a été joué par l'actrice Edith Evans. Le festival a existé jusqu'au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale.

Barry Jackson (1879-1961), qui dirigeait le Birmingham Repertory Theatre, joua un rôle majeur dans l'organisation du Malvern Festival. Ce théâtre a été ouvert en 1913, à peu près en même temps que les théâtres de répertoire de Bristol, Manchester et Liverpool. Contrairement aux sociétés commerciales, elles disposaient d'une troupe permanente et mettaient en scène des pièces sérieuses et problématiques. Sur la scène du Birmingham Repertory Theatre, des représentations basées sur les œuvres de D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser et, bien sûr, de B. Shaw ont eu lieu. En 1923, Barry Jackson met en scène sa pentalogie «Back to Methuselah», dans laquelle de célèbres acteurs londoniens, dont Edith Evans, jouent aux côtés de représentants de la troupe du Birmingham Theatre. Shaw a également participé aux répétitions.

En 1925, à Londres, la troupe de Barry Jackson présente Hamlet (mise en scène de G. Ayliffe). Jamais auparavant le public londonien n’avait été aussi surpris : Hamlet était vêtu d’un survêtement, Laertes en pantalon Oxford est entré sur scène avec une valise avec un autocollant lumineux : « Passager pour Paris ». Polonius portait un frac et Claudius portait une robe de soie écarlate. Les courtisans du roi jouaient au bridge et buvaient du whisky. Le royaume danois s'est transformé en une Angleterre moderne avec ses traditions bien établies. Hamlet est entré dans ce vieux monde hypocrite avec sa vérité, sortie des tranchées de la Première Guerre mondiale.

Dans les années 1920, les pièces de Tchekhov apparaissent au répertoire des théâtres anglais. Un rôle important dans l'introduction du téléspectateur anglais à Les œuvres de Tchekhov joué par le metteur en scène Fyodor Komissarzhevsky (1882-1954), invité en 1925 par l'entrepreneur Philip Ridgeway au Barnes Theatre. La première pièce mise en scène par un metteur en scène russe sur la scène Barnes fut Ivanov ( rôle principal elle a été interprétée par R. Farkerson). Puis furent mises en scène les « Trois Sœurs » (1926), interprétées par Komissarzhevsky comme un spectacle poétique extraordinaire et romantique. Le réalisateur a utilisé des effets de lumière et de couleurs vives, inhabituels pour le style de Tchekhov. La même année 1926, les téléspectateurs de Barnes ont vu deux autres drames de Tchekhov - Oncle Vanya et The Cherry Orchard.

À cette époque, les pièces de Tchekhov n'étaient jouées que dans de petits théâtres et ce n'est que dans les années 1930 qu'elles purent être vues par la quasi-totalité du public anglais. Dans le même temps, toute une galaxie d'acteurs talentueux apparaît dans le pays. Aux côtés des stars des années 1920 (Sybil Thorndike, Edith Evans…), Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness ont brillé sur la scène anglaise. On pouvait les voir jouer principalement au théâtre Old Vic et dans l'entreprise de Gielgud aux théâtres New et Queens.

Situé sur Waterloo Road, le Old Vic a été ouvert au XIXe siècle, mais est devenu largement connu avant la Première Guerre mondiale. En 1918-1923, les pièces de Shakespeare ont été jouées sur sa scène, dans laquelle ont joué les meilleurs acteurs anglais, qui ont refusé les cachets élevés du West End au nom du véritable art. Edith Evans était invitée dans tous les théâtres du West End, mais elle préférait un petit salaire au Old Vic. Elle a joué de nombreux rôles dans les pièces de Shakespeare, notamment Catharina, Viola et Rosalind.

Chklovsky Viktor Borissovitch