La ville a été découverte tout à fait par hasard à la fin du XVIe siècle lors de travaux de fouilles.

Karl Brioullov. Le dernier jour de Pompéi. 1830-1833

Les fouilles archéologiques ont commencé ici au milieu du XVIIIe siècle. Ils ont suscité un intérêt particulier non seulement en Italie, mais dans le monde entier. De nombreux voyageurs ont cherché à visiter Pompéi, où littéralement à chaque pas se trouvaient des preuves de la fin soudaine de la vie de la ville antique.

Et en 1827, le jeune artiste russe Karl Bryullov vint à Pompéi. Ce qu'il y vit le stupéfia. Et cette photo est très probablement le résultat de ce voyage.

Avant de commencer à dresser le tableau, Bryullov commence à étudier les sources historiques. Il lit des lettres de Pline le Jeune, témoin des événements, à l'historien romain Tacite. En quête d'authenticité, l'artiste se tourne également vers des matériaux issus de fouilles archéologiques ; il représentera certains personnages dans les poses dans lesquelles les squelettes des victimes du Vésuve ont été retrouvés dans la lave durcie.

Le tableau est précieux car presque tous les objets ont été peints par Bryullov à partir d'objets originaux conservés dans le musée napolitain. Les dessins, études et croquis qui nous sont parvenus montrent avec quelle persistance l'artiste recherchait la composition la plus expressive. Et même lorsque l'esquisse de la future toile fut prête, Briullov regroupa la scène une douzaine de fois, changea de gestes, de mouvements, de poses...

La toile représente trois fois la comtesse Yulia Pavlovna Samoilova - une femme avec une cruche sur la tête, debout sur une plate-forme surélevée sur le côté gauche de la toile ; une femme tombée à mort, étendue sur le trottoir, et à côté d'elle un enfant vivant (tous deux vraisemblablement jetés d'un char cassé) - au centre de la toile ; et une mère attirant ses filles vers elle dans le coin gauche de la photo.

A gauche, au fond, une foule de fugitifs sur les marches du tombeau de Scaurus. On y voit un artiste sauvant la chose la plus précieuse : une boîte de pinceaux et de peintures. Il s'agit d'un autoportrait de Karl Bryullov.

À l'automne 1833, le tableau apparaît lors d'une exposition à Milan et provoque une explosion de joie et d'admiration. Un triomphe encore plus grand attendait Briullov chez lui. Exposé à l'Ermitage puis à l'Académie des Arts, le tableau devient une source de fierté patriotique. Elle a été accueillie avec enthousiasme par A.S. Pouchkine :
Le Vésuve a ouvert la bouche - de la fumée s'est déversée dans un nuage - des flammes
Largement développé comme drapeau de bataille.
La terre est agitée - des colonnes tremblantes
Les idoles tombent ! Un peuple animé par la peur
Dans les foules, vieux et jeunes, sous les cendres enflammées,
S'enfuit de la ville sous une pluie de pierres.

Bryullov a été comparé aux grands Maîtres italiens. Les poètes lui ont dédié des poèmes. Il a été accueilli par des applaudissements dans la rue et au théâtre. Un an plus tard, l'Académie française des arts récompense l'artiste pour le tableau médaille d'or après sa participation au Salon de Paris.

«Et pour le pinceau russe, ce fut le «dernier jour de Pompéi», a écrit le poète Evgueni Baratynsky. En effet, le tableau a été accueilli triomphalement à Rome, où Brioullov l'a peint, puis en Russie, et Sir Walter Scott a qualifié le tableau, quelque peu pompeusement, d'"inhabituel, épique". Et Nicolas Ier a honoré l'artiste avec une audience personnelle et a remis à Charles une couronne de laurier, après quoi l'artiste a été appelé « Charlemagne ».

Anatoly Demidov a présenté le tableau à Nicolas Ier, qui l'a exposé à l'Académie des Arts comme guide pour les peintres en herbe. Après l’ouverture du Musée russe en 1895, le tableau y fut transféré et le grand public y eut accès.

K.P. Brioullov
Le dernier jour de Pompéi. 1830-1833
Toile, huile. 465,5 × 651 cm
Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg

Le Dernier Jour de Pompéi est un tableau de Karl Pavlovich Bryullov, peint entre 1830 et 1833. Le tableau connut un succès sans précédent en Italie, reçut une médaille d'or à Paris et fut livré à Saint-Pétersbourg en 1834.

Karl Bryullov visita Naples et le Vésuve pour la première fois en juillet 1827, au cours de la quatrième année de son séjour en Italie. Il n’avait pas de but précis pour ce voyage, mais il y avait plusieurs raisons de faire ce voyage. En 1824, le frère du peintre, Alexandre Bryullov, visita Pompéi et, malgré la retenue de son caractère, parla avec enthousiasme de ses impressions. La deuxième raison de leur visite était les mois chauds d'été et les poussées de fièvre qui les accompagnaient presque toujours à Rome. La troisième raison était l'amitié récemment naissante avec la princesse Yulia Samoilova, qui était également en voyage à Naples.

La vue de la cité perdue stupéfia Briullov. Il y resta quatre jours, en parcourant plus d'une fois tous les coins et recoins. "En se rendant à Naples cet été-là, ni Bryullov lui-même ni son compagnon ne savaient que ce voyage inattendu conduirait l'artiste au plus haut sommet de sa créativité - la création d'une œuvre monumentale. peinture historique"Le dernier jour de Pompéi", écrit la critique d'art Galina Leontyeva.

En 1828, lors de sa prochaine visite à Pompéi, Bryullov réalisa de nombreux croquis pour un futur tableau sur éruption célèbre Le Vésuve en 79 après JC e. et la destruction de cette ville. La toile a été exposée à Rome, où elle a reçu des critiques élogieuses, et a été envoyée au Louvre à Paris. Cette œuvre devient le premier tableau de l'artiste à susciter un tel intérêt à l'étranger. Walter Scott a qualifié le tableau d’« inhabituel et épique ».

Thème classique, merci vision artistique Bryullov et le jeu abondant du clair-obscur ont abouti à une œuvre qui a plusieurs longueurs d'avance sur le style néoclassique. "Le Dernier Jour de Pompéi" caractérise parfaitement le classicisme de la peinture russe, mêlé à l'idéalisme, à l'intérêt accru pour le plein air et à l'amour passionné de l'époque pour de tels sujets historiques. L'image de l'artiste dans le coin gauche du tableau est un autoportrait de l'auteur.

(détail)

La toile représente également à trois reprises la comtesse Yulia Pavlovna Samoilova - une femme avec une cruche sur la tête, debout sur une plate-forme surélevée sur le côté gauche de la toile ; une femme tombée à mort, étendue sur le trottoir, et à côté d'elle un enfant vivant (tous deux vraisemblablement jetés d'un char cassé) - au centre de la toile ; et une mère attirant ses filles vers elle dans le coin gauche de la photo.

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En 1834, le tableau « Le dernier jour de Pompéi » fut envoyé à Saint-Pétersbourg. Alexandre Ivanovitch Tourgueniev a déclaré que cette image avait fait la gloire de la Russie et de l'Italie. E. A. Baratynsky a composé à cette occasion un aphorisme célèbre : « Le dernier jour de Pompéi est devenu le premier jour du pinceau russe ! A. S. Pouchkine a également répondu par un poème : « Les idoles tombent ! Un peuple animé par la peur..." (cette phrase était interdite par la censure). En Russie, la toile de Briullov n’était pas perçue comme un compromis, mais comme une œuvre exclusivement innovante.

Anatoly Demidov a présenté le tableau à Nicolas Ier, qui l'a exposé à l'Académie des Arts comme guide pour les peintres en herbe. Après l’ouverture du Musée russe en 1895, le tableau y fut transféré et le grand public y eut accès.

A peint une toile grandiose en Italie grand peintre Bryullov - « Le dernier jour de Pompéi ». Une description du tableau sera présentée dans notre article. Les contemporains ont donné à l'œuvre les critiques les plus enthousiastes et l'artiste lui-même a commencé à être appelé le Grand Charles.

Un peu sur K. I. Bryullov

Le peintre est né en 1799 dans une famille qui, à commencer par son arrière-grand-père, était associée à l'art. Diplômé de l'Académie des Arts avec une médaille d'or, lui et son frère Alexandre, architecte doué, se rendent à Rome. DANS Ville Eternelle il travaille avec fruit, peint des portraits et des tableaux qui ravissent le public, les critiques et la royauté. Karl Bryullov a travaillé sur cette structure monumentale et dense pendant six ans. "Le dernier jour de Pompéi" (la description de l'image et sa perception par les Italiens peuvent être exprimées en un mot - triomphe) est devenu un chef-d'œuvre pour les habitants du pays. Ils pensaient que la toile de l’artiste évoquait des réflexions sur le passé héroïque de leur patrie à une époque où le pays tout entier était plongé dans la lutte pour la liberté.

Faits historiques

La description du tableau de Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » doit commencer par fait intéressant: le maître visita des fouilles près du Vésuve en 1827. Ce spectacle l’a tout simplement stupéfait. Il était clair que la vie avait soudainement pris fin dans la ville.

Les ornières sur le trottoir étaient fraîches, les couleurs des inscriptions étaient vives, annonçant la location des locaux et les animations à venir. Dans les tavernes, où manquaient seuls les vendeurs, des traces de tasses et de bols subsistaient sur les tables.

Début des travaux

Nous commençons la description du tableau de Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » par une histoire sur de nombreuses années travail préparatoire artiste, ce qui a duré trois ans. Tout d’abord, une esquisse de composition a été réalisée sur la base de nouvelles impressions.

Après cela, l’artiste a commencé à étudier des documents historiques. L'artiste a trouvé les informations dont il avait besoin dans les lettres d'un témoin de cette catastrophe naturelle et du célèbre historien romain Tacite. Ils décrivent une journée plongée dans l'obscurité, des foules de gens se précipitant, ne sachant où courir, des cris, des gémissements... Certains ont pleuré leur mort inéluctable, d'autres ont pleuré la mort d'êtres chers. Au-dessus des personnages précipités se trouve un ciel sombre avec des zigzags d'éclairs. De plus, l'artiste a créé de plus en plus de nouveaux croquis, a écrit divers groupes les gens, ont changé la composition. Ceci constitue une description préliminaire du tableau de Bryullov « Le dernier jour de Pompéi ». L'endroit où se déroule l'action lui est immédiatement apparu clairement : l'intersection de la rue des Tombeaux. Dès que Briullov imaginait un coup de tonnerre déchirant et déchirant, il imaginait clairement comment tout le monde se figeait... Un nouveau sentiment s'ajoutait à leur peur : l'inévitabilité de la tragédie. Cela s'est reflété dans dernière composition artiste et compose une description du tableau de Bryullov «Le dernier jour de Pompéi». Les matériaux issus des fouilles archéologiques ont fourni à l'artiste des objets du quotidien pour ses toiles. Les vides qui se sont formés dans la lave ont conservé les contours de certains corps : une femme est tombée d'un char, voici des filles et une mère, voici de jeunes époux. L'artiste a emprunté à Pline l'image d'une mère et d'un jeune homme.

Travail altruiste

Les travaux sur cette immense toile ont duré trois ans. Raphaël a eu une énorme influence sur la conception compositionnelle et plastique, sur les caractéristiques et la description du tableau de Bryullov « Le dernier jour de Pompéi ». L'artiste a étudié auparavant avec lui, copiant les fresques « Le feu à Borgo » et « L'École d'Athènes », où jouent une quarantaine de personnages. Combien de héros sont représentés sur la toile à plusieurs figures de Bryullov ? Il était très important lors du travail sur le tableau d'y introduire ses contemporains, rapprochant des époques lointaines. C'est ainsi qu'est apparu sur la toile le portrait de l'athlète d'athlétisme Marini - la figure paternelle du groupe familial.

Sous le pinceau de l’artiste, l’image de son modèle préféré apparaît, soit sous la forme d’une fille, soit sous celle d’une mère. Y. Samoilova était l'incarnation de son idéal, qui brillait de la puissance et de la passion de la beauté. Son image a rempli l’imagination de l’artiste et toutes les femmes de sa toile ont acquis les traits que le maître aimait.

Composition du tableau : une combinaison de romantisme et de classicisme

Bryullov combine audacieusement romantisme et classiques dans sa toile (« Le dernier jour de Pompéi »). La description du tableau peut être brièvement décrite de telle manière que dans la composition, le maître n'a pas essayé de tout enfermer dans des triangles classiques. De plus, écoutant la voix du romantisme, il dépeint une scène folklorique de masse, violant le principe classique du bas-relief. L'action se développe et s'enfonce plus profondément dans la toile : un homme tombe de son char et est emporté par des chevaux effrayés. Le regard du spectateur le suit involontairement dans l'abîme, dans le cycle des événements.

Mais le peintre n'a pas abandonné toutes les idées impartiales du classicisme. Ses personnages sont beaux extérieurement et intérieurement. L’horreur de leur situation est noyée par la beauté idéale des personnages. Cela adoucit le drame de leur condition pour le spectateur. De plus, la composition utilise la technique du contraste entre panique et calme.

Composition des actions

Dans une toile remplie de mouvement, le rythme des gestes des mains et des mouvements du corps est très important. Les mains protègent, protègent, embrassent, s'étendent vers le ciel avec colère et tombent impuissantes. Comme les sculptures, leurs formes sont tridimensionnelles. J'ai envie de les contourner pour les voir de plus près. Le contour enveloppe clairement chaque figure. Cette technique classique n’a pas été rejetée par les romantiques.

Couleur de la toile

Le jour du désastre est tragiquement sombre. L’obscurité, totalement impénétrable, planait sur les personnes en détresse. Ces nuages ​​noirs de fumée et de cendres sont déchirés par des éclairs vifs et brillants. L'horizon est rempli de la lumière rouge sang d'un feu. Ses reflets se reflètent sur les bâtiments et les colonnes qui s'effondrent, sur les personnes - hommes, femmes, enfants - ajoutant encore plus de tragédie à la situation et montrant l'inévitable menace de mort. Bryullov aspire à un éclairage naturel, violant les exigences du classicisme. Il capture subtilement les reflets de la lumière et les combine avec un clair-obscur distinct.

Personnages de personnages de toile

La description et l’analyse du tableau de Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » seraient incomplètes sans prendre en compte toutes les personnes agissant dans le tableau. Le jour est venu pour eux Jugement dernier: pierre bâtiments monumentaux s'effondrer comme du papier à cause des tremblements de terre. Il y a des rugissements tout autour, des appels à l'aide, des prières aux dieux qui ont abandonné les malheureux. Essence l'âme humaine complètement nu face à la mort. Tous les groupes, qui sont essentiellement des portraits, font face au spectateur.

Côté droit

Parmi la noblesse, il y a des personnages vils : un voleur égoïste qui transporte des bijoux dans l'espoir de survivre. Un prêtre païen qui s'enfuit et tente de se sauver, oubliant qu'il doit prier les dieux pour obtenir pitié. Peur et confusion dans la composition d'une famille recouverte d'une couverture... C'est la description du tableau de Bryullov « Le dernier jour de Pompéi ». La photo du chef-d'œuvre de l'article montre en détail comment le jeune père lève la main vers le ciel en prière.

Les enfants, serrant leur mère dans leurs bras, se sont agenouillés. Ils sont immobiles et attendent simplement un terrible sort inévitable. Il n’y a personne pour les aider. Un chrétien torse nu et portant une croix croit en une résurrection future.

Un seul personnage est calme : l’artiste.

Sa tâche est de dépasser la peur de la mort et de capturer à jamais la tragédie. Bryullov, introduisant son portrait dans le tableau, montre le maître comme témoin du drame qui se déroule.

Centre et côté gauche de la toile

Au centre se trouve une jeune mère décédée en chute et serrée dans ses bras par un bébé qui ne comprend pas. C'est un épisode très tragique. Le défunt symbolise la mort du monde antique.

Les fils altruistes portent un vieux père impuissant. Ils sont remplis d’amour pour lui et ne pensent pas du tout à leur propre salut.

Le jeune homme persuade sa mère, assise épuisée, de se lever et d'aller se sauver. C'est difficile à deux, mais la noblesse ne permet pas au jeune homme un jeune homme quitte la vieille dame.

Le jeune homme regarde le visage de la tendre mariée, qui a complètement perdu son courage à cause du rugissement tout autour, de la vue de la mort, de la lueur ardente qui leur promet la mort.

Il ne quitte pas sa bien-aimée, même si la mort peut la rattraper à tout moment.

Le chef-d'œuvre « Le dernier jour de Pompéi » de K. Bryullov était destiné à devenir un tableau clé de l'histoire de l'art. Il a saisi l’air du temps et a créé une toile sur ceux qui savent tout sacrifier pour le bien de leurs proches. À propos des gens ordinaires dont concepts moraux rester incommensurablement élevé lors d’épreuves sévères. Le spectacle du courage avec lequel ils supportent le lourd fardeau qui leur est incombé devrait servir d’exemple sur la manière d’agir à toute époque et en tout lieu. l'amour vraià une personne.

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Une ancienne tragédie romaine qui devint le triomphe de Karl Bryullov

Le 23 décembre 1799, Karl Bryullov est né. Fils du sculpteur d'origine française Paul Brulleau, Karl était l'un des sept enfants de la famille. Ses frères Pavel, Ivan et Fedor sont également devenus peintres et son frère Alexandre est devenu architecte. Cependant, le plus célèbre fut Karl, qui peignit « Le dernier jour de Pompéi » en 1833, l’œuvre principale de sa vie. « Kultura.RF » s'est rappelé comment ce tableau a été créé.

Karl Brioullov. Autoportrait. 1836

Histoire de la création

Le tableau a été peint en Italie, où en 1822 l'artiste partit en voyage de retraite depuis Académie Impériale arts pendant quatre ans. Mais il y a vécu 13 ans.

L'intrigue raconte l'ancienne tragédie romaine - la mort de l'ancienne ville de Pompéi, située au pied du Vésuve : le 24 août 79 après JC. e. L'éruption volcanique a coûté la vie à deux mille habitants.

En 1748, l'ingénieur militaire Rocque de Alcubierre commença fouilles archéologiques sur les lieux du drame. La découverte de Pompéi est devenue une sensation et s'est reflétée dans la créativité personnes différentes. Ainsi, en 1825 parut l'opéra de Giovanni Pacini, et en 1834 - Roman historique L'Anglais Edward Bulwer-Lytton, dédié à la destruction de Pompéi.

Bryullov a visité le site de fouilles pour la première fois en 1827. En se rendant dans les ruines, l'artiste de 28 ans ne se doutait pas que ce voyage s'avérerait fatidique pour lui : "Vous ne pouvez pas traverser ces ruines sans ressentir en vous un sentiment complètement nouveau, vous faisant tout oublier sauf le terrible incident de cette ville.", a écrit l'artiste.

Les sentiments éprouvés par Karl Bryullov lors des fouilles ne l'ont pas quitté. C'est ainsi qu'est née l'idée de la toile sujet historique. Tout en travaillant sur l'intrigue, le peintre a étudié l'archéologie et sources littéraires. « J'ai pris ce paysage sur le vif, sans reculer ni ajouter quoi que ce soit, me tournant le dos aux portes de la ville pour voir une partie du Vésuve comme raison principale» . Les modèles des personnages étaient des Italiens, descendants des anciens habitants de Pompéi.

A l'intersection du classicisme et du romantisme

Dans cette œuvre, Bryullov se révèle non pas comme un classique traditionnel, mais comme un artiste de direction romantique. Ainsi, son intrigue historique n'est pas dédiée à un seul héros, mais à la tragédie de tout un peuple. Et comme intrigue, il a choisi non pas une image ou une idée idéalisée, mais un fait historique réel.

Certes, Bryullov construit la composition du tableau dans les traditions du classicisme - comme un cycle d'épisodes individuels enfermés dans un triangle.

Sur le côté gauche de l'image en arrière-plan, il y a plusieurs personnes sur les marches grand Edifice tombeaux de Scaurus. Une femme regarde directement le spectateur, avec l’horreur dans les yeux. Et derrière elle se trouve un artiste avec une boîte de peinture sur la tête : c'est un autoportrait de Bryullov, vivant une tragédie avec ses personnages.

Plus proche du spectateur - un couple marié avec des enfants, qui tente d'échapper à la lave, et au premier plan une femme serre ses filles dans ses bras... A côté d'elle se trouve un prêtre chrétien qui a déjà confié son sort à Dieu et est donc calme. Au fond de l'image, nous voyons un prêtre romain païen qui tente de s'échapper en emportant des objets de valeur rituels. Ici, Bryullov fait allusion à la chute de l'ancien monde païen des Romains et au début de l'ère chrétienne.

Sur le côté droit de l'image, en arrière-plan, il y a un cavalier sur un cheval qui se cabre. Et plus près du spectateur se trouve le marié, saisi d'horreur, qui tente de tenir sa fiancée dans ses bras (elle porte une couronne de roses), qui a perdu connaissance. Au premier plan, deux fils portent dans leurs bras leur vieux père. Et à côté d'eux se trouve un jeune homme, suppliant sa mère de se lever et de fuir cet élément dévorant. D’ailleurs, ce jeune homme n’est autre que Pline le Jeune, qui s’est effectivement échappé et a laissé ses souvenirs de la tragédie. Voici un extrait de sa lettre à Tacite : «Je regarde en arrière. Un épais brouillard noir, se répandant comme un ruisseau sur le sol, nous a rattrapé. La nuit était tombée partout, contrairement à une nuit sans lune ou nuageuse : il ne fait que si sombre dans une pièce fermée à clé et avec les lumières éteintes. Des cris de femmes, des cris d'enfants et des cris d'hommes se faisaient entendre ; certains appelaient leurs parents, d'autres leurs enfants ou leurs femmes et essayaient de les reconnaître à leur voix. Certains ont pleuré leur propre mort, d'autres la mort d'êtres chers, certains, craignant la mort, ont prié pour la mort ; beaucoup levèrent la main vers les dieux ; la majorité expliquait qu’il n’y avait de dieux nulle part et que pour le monde, c’était la dernière nuit éternelle..

Il n'y a pas de personnage principal dans l'image, mais il y en a des centraux : un enfant aux cheveux d'or près du corps prostré de sa mère décédée dans une tunique jaune - symbole de la chute de l'ancien monde et de la naissance d'un nouveau, c'est l'opposition de la vie et de la mort - dans les meilleures traditions du romantisme.

Dans cette image, Bryullov s'est également montré innovateur, utilisant deux sources de lumière - une lumière rouge chaude en arrière-plan, transmettant la sensation d'approcher de la lave, et une lumière bleue verdâtre froide au premier plan, ajoutant un drame supplémentaire à l'intrigue.

La couleur vive et riche de cette image viole également traditions classiques et permet de parler de l'artiste comme d'un romantique.

Peinture de procession triomphale

Karl Bryullov a travaillé sur la toile pendant six ans, de 1827 à 1833.

Le tableau a été présenté pour la première fois au public en 1833 lors d'une exposition à Milan - et a immédiatement fait sensation. L'artiste a été honoré comme un triomphe romain et des critiques élogieuses ont été écrites sur le tableau dans la presse. Bryullov a été accueilli par des applaudissements dans la rue et lors de ses voyages aux frontières des principautés italiennes, il n'avait pas besoin de passeport : on croyait que tous les Italiens le connaissaient déjà de vue.

En 1834, Le Dernier Jour de Pompéi est présenté au Salon de Paris. Critique française s'est avéré plus sobre que celui italien. Mais les professionnels ont apprécié le travail et ont remis à Bryullov une médaille d'or de l'Académie française des arts.

La toile fait sensation en Europe et est très attendue en Russie. La même année, il fut envoyé à Saint-Pétersbourg. Après avoir vu le tableau, Nicolas Ier exprima le désir de rencontrer personnellement l'auteur, mais l'artiste partit avec le comte Vladimir Davydov lors d'un voyage en Grèce et ne retourna dans son pays natal qu'en décembre 1835.

11 juin 1836 à la Salle Ronde Académie russe où était exposé le tableau « Le dernier jour de Pompéi », des invités d'honneur, des membres de l'Académie, des artistes et simplement des amateurs d'art se sont réunis. L'auteur du tableau, « le grand Charles », a été porté dans la salle dans ses bras, sous les cris enthousiastes des invités. « Des foules de visiteurs, pourrait-on dire, ont fait irruption dans les couloirs de l’Académie pour admirer Pompéi. », écrit un contemporain, témoin de ce succès qu'aucun artiste russe n'a jamais connu.

Le client et propriétaire du tableau, Anatoly Demidov, l'a présenté à l'empereur et Nicolas Ier l'a placé à l'Ermitage, où il est resté pendant 60 ans. Et en 1897, il fut transféré au Musée russe.

La photo a littéralement tout excité société russe et les meilleurs esprits de l'époque.

Trophées artistiques de la paix
Vous l'avez amené dans le dais de votre père.
Et il y eut le "Dernier Jour de Pompéi"
Premier jour pour le pinceau russe ! -

le poète Evgeny Boratynsky a écrit à propos du tableau.

Alexandre Pouchkine lui a également dédié des poèmes :

Le Vésuve a ouvert la bouche - de la fumée s'est déversée dans un nuage, des flammes
Largement développé comme drapeau de bataille.
La terre est agitée - des colonnes tremblantes
Les idoles tombent ! Un peuple animé par la peur
Sous la pluie de pierres, sous les cendres enflammées,
Les foules, jeunes et vieux, quittent la ville en courant.

Mikhaïl Lermontov mentionne également « Le dernier jour de Pompéi » dans le roman « Princesse Ligovskaya » : « Si vous aimez l’art, je peux vous annoncer une très bonne nouvelle : le tableau de Bryullov « Le dernier jour de Pompéi » sera exposé à Saint-Pétersbourg. Toute l’Italie la connaissait, les Français la grondaient., - Lermontov était clairement au courant des critiques de la presse parisienne.

L'historien et voyageur russe Alexandre Tourgueniev a déclaré que cette image faisait la gloire de la Russie et de l'Italie.

Et Nikolaï Gogol a consacré un long article au tableau, en écrivant : « Son pinceau contient cette poésie que l'on ne fait que ressentir et que l'on peut toujours reconnaître : nos sentiments connaissent et voient toujours même les traits distinctifs, mais les mots ne les diront jamais. Sa couleur est si vive qu'elle ne l'a presque jamais été auparavant, ses couleurs brûlent et attirent les yeux. Ils seraient insupportables si l'artiste était apparu à un niveau inférieur à Briullov, mais avec lui, ils sont revêtus de cette harmonie et respirent cette musique intérieure dont sont remplis les objets vivants de la nature..

15 août 2011 , 16h39

1833 Huile sur toile. 456,5 x 651 cm
Musée d'État russe, Saint-Pétersbourg

La peinture de Bryullov peut être qualifiée de complète, universelle
création. Tout y était contenu.
Nicolas Gogol.

Dans la nuit du 24 au 25 août 79 après JC. e. éruption du Vésuve Les villes de Pompéi, Herculanum et Stabia furent détruites. En 1833, Karl Briullov écrivait son célèbre tableau "Le dernier jour de Pompéi".

Il est difficile de nommer un tableau qui aurait connu le même succès auprès des contemporains que « Le Dernier Jour de Pompéi ». Dès que la toile fut achevée, l'atelier romain de Karl Bryullov fut soumis à un véritable siège. "DANSTout Rome s’est rassemblé pour voir ma photo., - a écrit l'artiste. Exposé en 1833 à Milan"Pompéi" a littéralement choqué le public. Les journaux et les magazines regorgeaient de critiques élogieuses,Bryullov s'appelait le Titien vivant, le deuxième Michel-Ange, le nouveau Raphaël...

Des dîners et des réceptions ont eu lieu en l'honneur de l'artiste russe et des poèmes lui ont été dédiés. Dès que Briullov est apparu au théâtre, la salle a explosé d'applaudissements. Le peintre était reconnu dans les rues, couvert de fleurs, et parfois la célébration se terminait par des fans le portant dans leurs bras avec des chansons.

En 1834 le tableau, facultatifclient, industriel A.N. Demidova, a été exposé au Salon de Paris. La réaction du public ici n'a pas été aussi chaude qu'en Italie (ils sont jaloux ! - ont expliqué les Russes), mais « Pompéi » a reçu la médaille d'or de l'Académie française des Beaux-Arts.

L'enthousiasme et l'enthousiasme patriotique avec lesquels le tableau fut accueilli à Saint-Pétersbourg sont difficiles à imaginer : grâce à Bryullov, la peinture russe a cessé d'être un élève assidu des grands Italiens et a créé une œuvre qui a ravi l'Europe !Le tableau a été donné Demidov Nicolas je , qui l'a brièvement placée dans Ermitage Impérial puis j'ai donné Académie arts

Selon les mémoires d’un contemporain, « des foules de visiteurs, pourrait-on dire, faisaient irruption dans les salles de l’Académie pour regarder Pompéi ». Ils parlaient du chef-d'œuvre dans les salons, partageaient leurs opinions dans une correspondance privée et prenaient des notes dans leurs journaux. Le surnom honorifique de « Charlemagne » a été créé pour Bryullov.

Impressionné par le tableau, Pouchkine a écrit un poème de six vers :
"Le Vésuve s'est ouvert - de la fumée s'est répandue dans un nuage - des flammes
Largement développé comme drapeau de bataille.
La terre est agitée - des colonnes tremblantes
Les idoles tombent ! Un peuple animé par la peur
Sous la pluie de pierres, sous les cendres enflammées,
En foule, vieux et jeunes, fuyant la ville.

Gogol a dédié " Dernier jour Pompéi" est magnifique article approfondi, et le poète Evgeny Baratynsky a exprimé la joie générale dans un impromptu bien connu :

« Vous avez apporté des trophées de la paix
Avec toi jusqu'au dais de ton père,
Et c'est devenu "Le dernier jour de Pompéi".
Premier jour pour le pinceau russe !

L’enthousiasme immodéré s’est depuis longtemps apaisé, mais aujourd’hui encore, la peinture de Briullov fait forte impression, dépassant les sentiments que la peinture, même très bonne, suscite habituellement en nous. Quel est le problème?

"Rue des Tombeaux" Dans les profondeurs se trouve la porte Herculanienne.
Photographie de la seconde moitié du XIXe siècle.

Depuis le début des fouilles à Pompéi au milieu du XVIIIe siècle, on s'intéresse à cette ville détruite par l'éruption du Vésuve en 79 après JC. e., n'a pas disparu. Les Européens affluaient à Pompéi pour se promener dans les ruines, libérées d'une couche de cendres volcaniques pétrifiées, pour admirer les fresques, les sculptures, les mosaïques et s'émerveiller devant les découvertes inattendues des archéologues. Les fouilles attiraient des artistes et des architectes ; les gravures représentant Pompéi étaient à la mode.

Brioullov , qui a visité les fouilles pour la première fois en 1827, a transmis très précisémentun sentiment d'empathie pour les événements d'il y a deux mille ans, qui couvre tous ceux qui viennent à Pompéi :« La vue de ces ruines m'a involontairement transporté à une époque où ces murs étaient encore habités /.../. Vous ne pouvez pas traverser ces ruines sans éprouver en vous un sentiment complètement nouveau, qui vous fait tout oublier sauf le terrible incident de cette ville.

Exprimez ce « nouveau sentiment », créez Nouvelle image l'antiquité - pas abstraitement muséale, mais holistique et pleine de sang, ce à quoi l'artiste s'est efforcé dans sa peinture. Il s'est habitué à l'époque avec la minutie et le soin d'un archéologue : sur cinq années supplémentaires créer la toile elle-même d'une superficie de 30 mètres carrés cela n'a duré que 11 mois, le reste du temps étant consacré aux travaux préparatoires.

"J'ai entièrement pris ce paysage d'après nature, sans reculer ni ajouter quoi que ce soit, en me tournant dos aux portes de la ville pour voir une partie du Vésuve comme la raison principale", a expliqué Bryullov dans l'une de ses lettres.Pompéi avait huit portes, maisplus loin l'artiste mentionne « l'escalier menant à Sepolcri Sc au ro " - le tombeau monumental de l'éminent citoyen Scaurus, et cela nous donne l'occasion d'établir avec précision le lieu d'action choisi par Bryullov. Nous parlons de la Porte Herculanienne de Pompéi ( Port d'Ercolano ), derrière laquelle, déjà à l'extérieur de la ville, commençait la « Rue des Tombeaux » ( Via dei Sepolcri) - un cimetière avec de magnifiques tombeaux et temples. Cette partie de Pompéi date des années 1820. était déjà bien dégagé, ce qui a permis au peintre de reconstituer l'architecture sur toile avec le maximum de précision.

Tombeau de Scaurus. Reconstruction du 19ème siècle.

En recréant l'image de l'éruption, Bryullov a suivi les célèbres lettres de Pline le Jeune à Tacite. Le jeune Pline a survécu à l'éruption dans le port de Miseno, au nord de Pompéi, et a décrit en détail ce qu'il a vu : des maisons qui semblaient bouger de leur place, des flammes se propageant largement à travers le cône du volcan, des morceaux de pierre ponce brûlante tombant du ciel. , fortes pluies de cendres, ténèbres noires impénétrables , zigzags enflammés, comme des éclairs géants... Et Bryullov a transféré tout cela sur la toile.

Les sismologues sont étonnés de voir avec quelle manière convaincante il a décrit un tremblement de terre : en regardant les maisons qui s'effondrent, on peut déterminer la direction et la force du tremblement de terre (8 points). Les volcanologues notent que l'éruption du Vésuve a été écrite avec toute la précision possible pour cette époque. Les historiens affirment que la peinture de Bryullov peut être utilisée pour étudier la culture romaine antique.

Afin de capturer de manière fiable le monde de l'ancienne Pompéi détruite par la catastrophe, Bryullov a pris comme échantillons des objets et des restes de corps trouvés lors des fouilles et a réalisé d'innombrables croquis au musée archéologique de Naples. La méthode de restauration des poses mourantes des morts en versant de la chaux dans les vides formés par les corps n'a été inventée qu'en 1870, mais même lors de la création du tableau, des squelettes découverts dans les cendres pétrifiées témoignaient des dernières convulsions et gestes des victimes. . Une mère serrant ses deux filles dans ses bras ; une jeune femme qui est morte en tombant d'un char qui a heurté un pavé arraché du trottoir par un tremblement de terre ; des gens sur les marches du tombeau de Scaurus, protégeant leur tête des chutes de pierres avec des tabourets et des plats - tout cela n'est pas le fruit de l'imagination de l'artiste, mais une réalité artistiquement recréée.

Sur la toile, nous voyons des personnages dotés de traits de portrait de l'auteur lui-même et de sa bien-aimée, la comtesse Yulia Samoilova. Bryullov se présentait comme un artiste portant une boîte de pinceaux et de peinture sur la tête. Les beaux traits de Julia sont reconnus quatre fois sur la photo : une fille avec un récipient sur la tête, une mère serrant ses filles dans ses bras, une femme serrant son bébé contre sa poitrine, une noble pompéienne tombée d'un char cassé. L'autoportrait et les portraits de son ami sont la meilleure preuve que dans sa pénétration dans le passé, Bryullov s'est vraiment rapproché de l'événement, créant pour le spectateur un « effet de présence », faisant de lui, pour ainsi dire, un participant à ce qui était événement.

Fragment de l'image :
autoportrait de Briullovet un portrait de Yulia Samoilova.
Fragment de l'image :
« triangle » compositionnel - une mère serrant ses filles dans ses bras.

La peinture de Bryullov a plu à tout le monde - aussi bien aux académiciens stricts, adeptes de l'esthétique du classicisme, qu'à ceux qui valorisaient la nouveauté dans l'art et pour qui Pompéi était, selon les mots de Gogol, " résurrection lumineuse peinture."Cette nouveauté a été apportée en Europe par le vent frais du romantisme. Le mérite de la peinture de Briullov réside généralement dans le fait que le brillant diplômé de l’Académie des Arts de Saint-Pétersbourg était ouvert aux nouvelles tendances. Dans le même temps, la couche classique du tableau est souvent interprétée comme une relique, un hommage inévitable de l'artiste au passé routinier. Mais il semble qu'une autre tournure du sujet soit possible : la fusion de deux « ismes » s'est avérée fructueuse pour le film.

La lutte inégale et fatale de l'homme avec les éléments, tel est le pathétique romantique du tableau. Il est construit sur des contrastes saisissants entre l'obscurité et la lumière désastreuse de l'éruption, la puissance inhumaine d'une nature sans âme et la haute intensité des sentiments humains.

Mais il y a aussi autre chose dans le tableau qui s’oppose au chaos de la catastrophe : un noyau inébranlable dans un monde qui tremble jusqu’à ses fondations. Ce noyau est l'équilibre classique de la composition la plus complexe, qui sauve l'image de sentiment tragique désespoir. La composition, construite selon les « recettes » des académiciens - les « triangles » ridiculisés par les générations suivantes de peintres, dans lesquels s'intègrent des groupes de personnes, des masses équilibrées à droite et à gauche - se lit dans le contexte vivant et tendu du tableau. d'une toute autre manière que dans les toiles académiques sèches et mortifères.

Fragment de l'image : une jeune famille.
Au premier plan, un trottoir endommagé par un tremblement de terre.
Fragment du tableau : la femme pompéienne morte.

"Le monde est toujours harmonieux dans ses principes fondamentaux" - ce sentiment surgit inconsciemment chez le spectateur, en partie contrairement à ce qu'il voit sur la toile. Le message encourageant de l’artiste se lit non pas au niveau de l’intrigue du tableau, mais au niveau de sa solution plastique.L'élément romantique sauvage est apprivoisé par une forme classiquement parfaite, Et dans cette unité des contraires réside un autre secret de l’attrait de la toile de Bryullov.

Le film raconte de nombreuses histoires passionnantes et touchantes. Voici un jeune homme désespéré qui regarde le visage d'une jeune fille portant une couronne de mariage, qui a perdu connaissance ou est décédée. Voici un jeune homme qui convainc une vieille femme assise, épuisée par quelque chose. Ce couple est appelé « Pline avec sa mère » (même si, on s'en souvient, Pline le Jeune n'était pas à Pompéi, mais à Misène) : dans une lettre à Tacite, Pline raconte sa dispute avec sa mère, qui a exhorté son fils à partir et s'enfuit sans tarder, mais il n'accepta pas de quitter la faible femme. Un guerrier coiffé d'un casque et un garçon portent un vieil homme malade ; un bébé qui a miraculeusement survécu à une chute d'un char fait des câlins mère morte; le jeune homme leva la main, comme pour détourner le coup des éléments de sa famille, le bébé dans les bras de sa femme, avec une curiosité enfantine, tend la main vers l'oiseau mort. Les gens essaient d'emporter avec eux ce qu'il y a de plus précieux : un prêtre païen - un trépied, un chrétien - un encensoir, un artiste - des pinceaux. La femme décédée portait des bijoux qui, dont personne n'a besoin, reposent désormais sur le trottoir.

Fragment du tableau : Pline avec sa mère.
Fragment de l'image : tremblement de terre - « les idoles tombent ».

Une charge d'intrigue aussi puissante sur une image peut être dangereuse pour la peinture, faisant de la toile une « histoire en images », mais dans l'œuvre de Bryullov, la qualité littéraire et l'abondance de détails ne détruisent pas intégrité artistique peintures. Pourquoi? Nous trouvons la réponse dans le même article de Gogol, qui compare la peinture de Briullov « dans son immensité et la combinaison de tout ce qui est beau en soi avec l'opéra, si seulement l'opéra est vraiment une combinaison du triple monde des arts : peinture, poésie, musique » ( par poésie, Gogol entendait évidemment la littérature).

Cette caractéristique de « Pompéi » peut être décrite en un mot : synthèse : l'image se connecte organiquement intrigue dramatique, un divertissement lumineux et une polyphonie thématique, semblable à la musique. (À propos, la base théâtrale de l'image était vrai prototype- L'opéra de Giovanni Paccini "Le Dernier Jour de Pompéi", sur lequel l'artiste a travaillé sur la toile pendant les années, a été mis en scène au Théâtre napolitain San Carlo. Brioullov connaissait bien le compositeur, écouta l'opéra plusieurs fois et emprunta des costumes pour ses modèles.)

William Turner. Éruption du Vésuve. 1817

L'image ressemble donc scène finale représentation d'opéra monumentale : le décor le plus expressif est réservé au finale, le tout scénarios connecter et thèmes musicaux entrelacés dans un tout polyphonique complexe. Cette peinture-performance est similaire tragédies anciennes, dans lequel la contemplation de la noblesse et du courage des héros face à un destin inexorable conduit le spectateur à la catharsis - l'illumination spirituelle et morale. Le sentiment d'empathie qui nous envahit devant le tableau s'apparente à celui que nous éprouvons au théâtre, lorsque ce qui se passe sur scène nous émeut jusqu'aux larmes, et ces larmes apportent de la joie au cœur.

Gavin Hamilton. Les Napolitains regardent l'éruption du Vésuve.
Deuxième étage. 18ème siècle

La peinture de Bryullov est d'une beauté à couper le souffle : une taille énorme - quatre mètres et demi sur six mètres et demi, des "effets spéciaux" époustouflants, des gens divinement construits, comme si les gens prenaient vie. statues antiques. « Ses personnages sont beaux malgré l'horreur de leur situation. Ils le noient sous leur beauté », a écrit Gogol, capturant avec sensibilité un autre aspect du tableau : l'esthétisation du désastre. La tragédie de la mort de Pompéi et, plus largement, de toute la civilisation antique nous est présentée comme un spectacle d’une incroyable beauté. Que valent ces contrastes : le nuage noir qui pèse sur la ville, la flamme brillante sur les pentes du volcan et les éclairs impitoyablement brillants, ces statues capturées au moment même de la chute et les bâtiments s'effondrant comme du carton...

La perception des éruptions du Vésuve comme des spectacles grandioses mis en scène par la nature elle-même est apparue dès le XVIIIe siècle - même des machines spéciales ont été créées pour imiter l'éruption. Cette « mode volcanique » a été introduite par l'envoyé britannique au royaume de Naples, Lord William Hamilton (époux de la légendaire Emma, ​​​​ami de l'amiral Nelson). Volcanologue passionné, il était littéralement amoureux du Vésuve et a même construit une villa sur le flanc du volcan pour admirer confortablement les éruptions. Observations du volcan lorsqu'il était actif (plusieurs éruptions ont eu lieu aux XVIIIe et XIXe siècles), descriptions verbales et des croquis de ses beautés changeantes, montant jusqu'au cratère - tels étaient les divertissements de l'élite napolitaine et des visiteurs.

Suivez en retenant votre souffle les jeux désastreux et magnifiques de la nature, quitte à vous tenir en équilibre à l'évent. volcan actif, caractéristique de l'homme. C'est le même « extase au combat et l'abîme sombre au bord » dont parle Pouchkine dans « Petites tragédies » et que Brioullov a transmis dans sa toile, qui nous fait admirer et nous horrifier depuis près de deux siècles.

Pompéi moderne

Marina Agranovskaïa