सार विषय: प्राचीन काल से वर्तमान तक गिटार का इतिहास। रूसी गिटार प्रदर्शन का गठन रूसी संगीत संस्कृति के इतिहास में विदूषक संगीतकारों की भूमिका

कुर्स्क का संस्कृति विभाग

MBOU DO "चिल्ड्रन आर्ट स्कूल नंबर 2 के नाम पर रखा गया। आई.पी. ग्रिनेवा" कुर्स्क"

पद्धतिगत विकास.

ऐतिहासिक विश्लेषणविकास और गठन गिटार कलारूस में।

द्वारा तैयार: सर्गेइवा एम. एस.

परिचय

इन दिनों एक व्यक्ति जो कुछ भी नहीं करता है वह संगीत के साथ होता है - यह जीवन भर हमारा साथ देता है। किसी व्यक्ति पर, उसकी भावनाओं और मन की स्थिति पर संगीत के प्रभाव की असाधारण संभावनाओं के बारे में हर समय बात की गई है। संगीत की कला से परिचय नैतिक और सौंदर्य संबंधी भावनाओं की शिक्षा, विचारों, विश्वासों और आध्यात्मिक आवश्यकताओं के निर्माण में योगदान देता है। संगीत किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक जगत में उसके व्यक्तिगत गुणों को आकार देने का एक महत्वपूर्ण साधन है। सांस्कृतिक संगीत विरासत से परिचित होना पीढ़ियों के मूल्यवान सांस्कृतिक अनुभव को आत्मसात करने में योगदान देता है। संगीत वाद्ययंत्र बजाने से किसी तरह से मानसिक क्षमताएं विकसित होती हैं: संगीत स्मृति, तार्किक स्थानिक सोच; तुलना, मिलान, विश्लेषण, संश्लेषण और सामान्यीकरण करने की क्षमता। संगीत कला कल्पना, सोच विकसित करती है, सौन्दर्यपरक भावनाएँ, चरित्र के नैतिक गुण। अभ्यास करने से कलात्मकता, आत्मविश्वास और आंतरिक स्वतंत्रता की भावना का विकास होता है।

अतीत और वर्तमान के संगीत वाद्ययंत्रों की श्रृंखला में, गिटार एक विशेष स्थान रखता है। यह साहसपूर्वक अपने विकास के सदियों लंबे पथ पर चला, उतार-चढ़ाव से गुजरा और अब हमारे ग्रह पर सबसे लोकप्रिय उपकरणों में से एक बन गया है। संगीत वाद्ययंत्रों में गिटार एक रोमांटिक वाद्ययंत्र है; इसकी संगत में कवि कविता पढ़ते हैं, इसकी आवाज़ उनके साथ अटूट और सामंजस्यपूर्ण रूप से जुड़ी हुई लगती है। उन्होंने दुनिया भर में गिटार के साथ गाना गाया प्रसिद्ध गायक: चालियापिन, कोज़लोव्स्की, ओबुखोवा, श्टोकोलोव, लेकिन गाने ही सब कुछ नहीं हैं; जटिल और गंभीर संगीत गिटार पर प्रस्तुत किया जा सकता है, जिसे अंतरराष्ट्रीय स्तर के विदेशी गिटारवादकों - मारिया लुइसा एनिडो, इडा प्रेस्टी, जूलियन ब्रिम और इनमें से एक ने शानदार ढंग से साबित किया है। दुनिया के उत्कृष्ट संगीतकार, महानतम गिटार मास्टर ए. सेगोविया, साथ ही रूसी कलाकार ए.आई. इवानोव-क्राम्स्कोय, एल. एंड्रोनोव, एल. सेलेत्सकाया।

एक गुरु के हाथों में, एक गिटार मानवीय भावनाओं के किसी भी आंदोलन को व्यक्त करने में सक्षम है; इसकी आवाज़ में आप या तो एक कोमल बांसुरी, या सेलो की मखमली आवाज़, या एक मैंडोलिन की कांपोलो सुन सकते हैं। गिटार की भूमिका विविध है. यह एक अनोखा एकल वाद्ययंत्र भी है - गिटार बाख, हेडन, मोजार्ट, अल्बेनिज़ और ग्रेनाडोस के कार्यों का उत्कृष्ट प्रतिलेखन बजाता है। पाँच सौ वर्षों के दौरान इसका अपना व्यापक साहित्य लिखा गया है।

संगीत का निरंतर विकास प्रदर्शन प्रौद्योगिकी की प्रगति से जुड़ा हुआ है, और प्रत्येक युग इसके विकास के एक निश्चित स्तर से मेल खाता है। अपने ऊर्ध्वगामी आंदोलन में, नए तरीके उन सिद्धांतों को संरक्षित या नष्ट कर देते हैं जो पहले मौजूद थे। गिटार के विकास के इतिहास में प्रत्येक छलांग ने तकनीक को नई खोजों से समृद्ध किया जिससे इसकी क्षमताओं का विस्तार हुआ। युग के प्रत्येक उत्कृष्ट गुरु ने अपनी प्रतिभा के निशान छोड़े, और समय ने पूर्णता की ओर ले जाने वाली तकनीकों के चयन का ध्यान रखा।

चार और पांच तार वाले गिटार बजाने की कला की नींव स्पेनिश, इतालवी और फ्रांसीसी संगीतकारों द्वारा रखी गई थीXVI – XVIIसदियों - फ़ुएंग्लिआना, मुदार्रा, वाल्डेबरानो, अमात और सान्ज़, फ़ॉस्पारिनी, कॉर्बेटा और रोनाल्ली, डी विसे। अंत में, एफ. तारेगा ने अपने समय के कलात्मक और तकनीकी कार्यों को समझने के बाद, अपनी रोमांटिक रचनात्मकता के क्षेत्र में एक ऐसा अनाज फेंक दिया जो आधुनिक युग में फल देने वाला था।

रूस में गिटार.

रूस में गिटार की उपस्थिति लगभग मध्य काल की हैXVIIशतक। इसे भ्रमणशील इतालवी और फ्रांसीसी कलाकारों द्वारा प्रस्तुत किया गया था। रूसी समाज के उच्चतम क्षेत्रों में गिटार के प्रसार में न केवल गिटारवादकों द्वारा, बल्कि गायकों द्वारा भी योगदान दिया गया, जिन्होंने इसे पोर्टेबल सहायक उपकरण के रूप में उपयोग किया।

अंत मेंXVIII – उन्नीसवींसदियों गिटार बजाने का शौक केवल अभिजात वर्ग को ही नहीं था। पेशेवर संगीतकार आई.ई. ने भी इसे बजाया। खांडोश्किन (1747 - 1804), ए.डी. ज़ीलिन (1766 - 1849)। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि, छह-स्ट्रिंग गिटार के साथ, रूस में सात-स्ट्रिंग गिटार का अस्तित्व शुरू हुआ, और ट्यूनिंग की शुरुआत के साथजी- दुर, यह एक प्रमुख स्थान प्राप्त करता है, इसे "रूसी गिटार" नाम मिलता है और इसकी स्वीकृति के साथ, रूस में गिटार कला पश्चिम के अलावा अन्य तरीकों से विकसित होने लगती है।

सात-तार वाले गिटार बजाने के रूसी स्कूल के संस्थापकों में से एक आंद्रेई ओसिपोविच सिहरा (1773-1850) हैं, जो एक प्रतिभाशाली गिटारवादक और प्रतिभाशाली संगीतकार हैं। वह और उनके छात्र गिटार में यूरोपीय परंपरा से रूसी राष्ट्रीय भाषा और लोक गीत में परिवर्तन करने में सक्षम थे।

अपनी युवावस्था में, उन्होंने एक वीणावादक के रूप में संगीत कार्यक्रमों में प्रदर्शन किया और छह-तार वाला गिटार बजाया। 1801 में, संगीतकार मॉस्को चले गए, जहां उन्होंने सात-तार वाले गिटार के लिए प्रदर्शनों की सूची बनाना और अपने पहले छात्रों के साथ अध्ययन करना शुरू किया। सिहरा न केवल प्रतिभाशाली थीं, बल्कि उच्च शिक्षित संगीतकार भी थीं। उन्हें एम. ग्लिंका, ए. डार्गोमीज़्स्की, ए. वर्लामोव, ए. डुबुक, डी. फील्ड और रूसी संस्कृति की कई अन्य हस्तियों द्वारा अत्यधिक महत्व दिया गया था। उनके छात्रों में सबसे प्रसिद्ध हैं एस. अक्सेनोव, एन. अलेक्जेंड्रोव, वी. मोर्कोव, वी. सरेंको, वी. स्विंटसोव।

अपने गिटार शिक्षण को वीणा बजाने के अभ्यास पर आधारित करने के बाद, सिहरा ने मधुर स्वर के मामले में गिटार पर बहुत अधिक मांग नहीं रखी। इस संबंध में और संगीत पुनरुत्पादन की सटीकता में, उनके निर्देशन को "अकादमिक" कहा जा सकता है। सिहरा ने गिटार के लिए कई रचनाएँ लिखीं, और 1802 में उन्होंने मॉस्को में "जर्नल पौर ला क्विटारे ए सेप्ट कॉर्डेस" ("जर्नल फॉर द सेवेन-स्ट्रिंग गिटार") का प्रकाशन शुरू किया।

सिहरा के पचास वर्षों के शिक्षण अनुभव का परिणाम "सात-स्ट्रिंग गिटार के लिए सैद्धांतिक और व्यावहारिक स्कूल" था, जो उनके छात्र वी.आई. मोर्कोव को समर्पित था।

स्कूल के साथ तत्काल परिचय बहुत निराशाजनक है, क्योंकि यह उनकी शैक्षणिक पद्धति के सकारात्मक पहलुओं को प्रकट नहीं करता है। वह एक उत्कृष्ट शिक्षक और अभ्यासकर्ता थे, लेकिन एक खराब पद्धतिविज्ञानी थे, क्योंकि कई पुन: संस्करणों के बावजूद, स्कूल को व्यापक मान्यता नहीं मिली।

स्कूल में तीन भाग होते हैं। पहला - "सामान्य रूप से संगीत के नियमों पर" उस समय के सामान्य नियमों से बहुत अलग नहीं है कार्यप्रणाली मैनुअल. दूसरा, सबसे मूल्यवान हिस्सा तराजू और तारों के बारे में बात करता है, सही फिंगरिंग का संकेत देता है और विशेष मामलों पर विचार करता है। तीसरे भाग में सिहरा के छात्रों द्वारा अध्ययन हेतु प्रस्तावित नाटक शामिल हैं।

स्कूल का मुख्य नुकसान किसी वाद्य यंत्र को बजाने में कौशल हासिल करने में निरंतरता की कमी है। स्कूल मुख्य रूप से शिक्षक पर केंद्रित था; उचित मार्गदर्शन के बिना, यह एक शुरुआत के लिए लगभग बेकार था। स्कूल में तकनीकी कौशल के विकास पर बहुत कम ध्यान दिया जाता है। संलग्न कलात्मक प्रदर्शनों की सूची को किसी भी अन्य संग्रह में कम सफलता के साथ शामिल किया जा सकता था।

गिटार के एक अन्य प्रमुख प्रवर्तक चेक गिटारवादक और संगीतकार इग्नाटियस वॉन गेल्ड हैं, जो 1812 में प्रकाशित सात-स्ट्रिंग और छह-स्ट्रिंग गिटार के स्कूलों के लेखक हैं। रूसी गिटारवादकों के लिए हेल्ड के काम का महत्व और, विशेष रूप से, उनके "स्कूल ऑफ प्लेइंग द सेवेन-स्ट्रिंग गिटार" का प्रमाण निम्नलिखित से मिलता है। जब 1819 में, सिहरा के सबसे प्रतिभाशाली छात्रों में से एक, एस.एन. अक्स्योनोव ने गिटार बजाने के लिए अपनी खोजी नई तकनीकों को प्रकाशित किया, तो इन तकनीकों में से एक कृत्रिम हार्मोनिक्स का निष्कर्षण था, जिसका उपयोग उस समय तक रूस में नहीं किया गया था। उन्होंने गेल्डा स्कूल को अपने नेतृत्व के आधार के रूप में लिया, और ऐसा नहीं होता अगर गेल्डा की संरचना और कार्यप्रणाली अक्सेनोव और सिहरा द्वारा उपयोग की जाने वाली तकनीकों से मेल नहीं खाती।

इससे यह निष्कर्ष निकलता है कि रूसी गिटारवादकों की शुरुआत हुईउन्नीसवींसेंचुरी का गठन हेल्ड के पद्धति संबंधी दिशानिर्देशों के प्रभाव में हुआ था।

गिटार कला में एक पूरा युग मिखाइल टिमोफिविच वायसोस्की (1791-1837) के काम से जुड़ा है, जो एक स्व-सिखाया गिटारवादक था, जो बाद में एक गुणी और संगीतकार बन गया।उन्होंने रूसी लोक वाद्ययंत्र के रूप में और पश्चिमी यूरोपीय परंपरा के लिए एक खुली चुनौती के रूप में सात-तार वाले गिटार की स्थापना पूरी की।और न तो सोर और न ही गिउलिआनी रूसी गिटारवादकों को उनके चुने हुए रास्ते से दूर ले जाने में सक्षम थे।

वायसोस्की क्लासिक्स के शौकीन थे, खासकर बाख, जिनके फ्यूग्यूज़ को उन्होंने गिटार के लिए व्यवस्थित करने की कोशिश की, जिसने उनके गिटार कार्यों की शैली की गंभीरता और बड़प्पन में योगदान दिया। वह काउंटरप्वाइंट का उपयोग करने वाले पहले रूसी गिटारवादक थे। उनकी रचनात्मक विरासत बहुत बड़ी है - लगभग सौ नाटक। उनके कार्यों में एक छोटा (24 पृष्ठ) "गिटार बजाने का व्यावहारिक और सैद्धांतिक स्कूल" (1836) भी है, जो लेखक की मृत्यु से कुछ समय पहले प्रकाशित हुआ था, जिसका अब कोई मूल्य नहीं है।

वायसॉस्की का कौशल उनके गीत विविधताओं में सबसे स्पष्ट रूप से परिलक्षित होता था। सर्वश्रेष्ठ प्राचीन और समकालीन गीत उनकी व्याख्या में इस तरह से प्रतिबिंबित होते थे जो उनके समकालीन, बहुत मजबूत और संगीत के क्षेत्र में अधिक साक्षर संगीतकारों के कार्यों में भी नहीं पाया जा सकता था।

यहां हम प्रसिद्ध रूसी कॉन्सर्ट गिटारवादक एन.पी. मकारोव (1810-1890) का उल्लेख करने में असफल नहीं हो सकते, जिन्होंने गिटार कला के विकास के लिए बहुत कुछ किया। मकारोव को 28 साल की उम्र में गिटार में रुचि हो गई। वारसॉ में सैन्य अकादमी में रहने के दौरान, उन्होंने 6-स्ट्रिंग ("स्पेनिश") गिटार बजाना सीखा, और प्रतिदिन दस से बारह घंटे अभ्यास करते हुए, उन्होंने जल्द ही महत्वपूर्ण तकनीकी सफलता हासिल की।

1852 में, मकारोव ने विदेश यात्रा की, जहां उनकी मुलाकात यूरोप के सबसे बड़े गिटारवादकों से हुई: त्सानी डि फेरांति, एम. कारकासी, एन. कॉस्ट, जे.के. मर्ट्ज़, और गिटार निर्माता आई. शेज़र।
1856 में उन्होंने संगठित होने का प्रयास किया अखिल रूसी प्रतियोगितागिटारवादक, संगीतकार जो गिटार के लिए लिखते हैं, साथ ही कारीगर जो इन उपकरणों को बनाते हैं, हालांकि, इस पहल को रूस में व्यापक समर्थन नहीं मिला। मकारोव अपने इरादे को केवल विदेश में, बेल्जियम की राजधानी ब्रुसेल्स में साकार करने में कामयाब रहे, जहां 1856 में गिटार के लिए सर्वश्रेष्ठ रचना के लिए पहली अंतर्राष्ट्रीय प्रतियोगिता हुई और सर्वोत्तम उपकरण. मकारोव ने स्वयं एकल कलाकार के रूप में प्रतियोगिता में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शन किया।

उन्होंने गिटार के बारे में कई किताबें लिखी हैं, विशेष रूप से ब्रोशर "उन्नत गिटार बजाने के लिए कुछ नियम।" इसमें, परिचयात्मक लेख के अलावा, जिसमें लेखक ने पश्चिम और रूस में गिटार कला की स्थिति के प्रति अपना दृष्टिकोण व्यक्त किया, इसमें गिटार तकनीक के संबंध में नौ नियम शामिल थे।

उनमें, मकारोव ने उँगलियों के मुद्दों, दाहिने हाथ का अर्थ (छोटी उंगली का उपयोग), एक ट्रिल का निष्पादन (दो तारों पर चार उंगलियों के साथ), आदि पर ध्यान केंद्रित किया। मकारोव द्वारा व्यक्त किए गए कुछ विचार अभी भी गिटारवादकों के लिए रुचिकर हैं।

चालीस के दशक मेंउन्नीसवींसदी में, यूरोप की तरह, रूस में भी गिटार कला में गिरावट का एक लंबा दौर शुरू हुआ। न केवल मकारोव की गतिविधियाँ, बल्कि दूसरी छमाही में अधिक महत्वपूर्ण संगीतकारों - गिटारवादकों के संगीत कार्यक्रम भीउन्नीसवींसदियों से सार्वजनिक प्रतिध्वनि नहीं मिली। अपेक्षाकृत शांत ध्वनि के कारण, प्रदर्शनों की सूची की कमी - आखिरकार, किसी भी प्रमुख रूसी संगीतकार ने गिटार के लिए एक भी रचना नहीं बनाई, हालांकि यह उपकरण ग्लिंका और त्चिकोवस्की द्वारा पसंद किया गया था। गिटार को उपयोग के लिए अनुपयुक्त उपकरण घोषित किया गया था कॉन्सर्ट हॉल. गिटार शिक्षाशास्त्र भी स्तरीय नहीं है। यह ध्यान रखना दिलचस्प है कि गिटार सीखने को उचित स्तर पर लाने का सबसे गंभीर प्रयास कुर्स्क में होता है। वहां, रूसी म्यूजिकल सोसाइटी की संगीत कक्षाओं में, यह ए.जी. की मंजूरी से खुलता है। सात-तार वाले गिटार का रुबिनस्टीन वर्ग। कक्षाएं जर्मन भाषा शिक्षक, शौकिया गिटारवादक यू.एम. द्वारा निःशुल्क संचालित की गईं। स्टॉकमैन. लेकिन जल्द ही, छात्रों के बीच रुचि की कमी के कारण, गिटार कक्षा का अस्तित्व समाप्त हो गया। अन्यथा, गिटार बजाना सिखाना निजी व्यक्तियों के हाथों में था, जो अक्सर संगीत में पूरी तरह से अनपढ़ होते थे। यह उस समय के स्व-निर्देश मैनुअल में परिलक्षित होता है, जो बड़ी मात्रा में उत्पादित किए गए थे और पूरी तरह से वाणिज्यिक प्रकृति के थे। उन्होंने संगीत संकेतन के लिए एक सरोगेट का उपयोग किया - एक डिजिटल प्रणाली पर बजाना। एप्लिकेशन में सबसे लोकप्रिय और बल्कि अश्लील उद्देश्यों के अनपढ़ प्रतिलेखन शामिल थे। दो स्कूल उनसे काफी भिन्न हैं - ''स्कूल एक स्व-निर्देश पुस्तिका है छह तार वाला गिटार"आई.एफ. डेकर-शेंक (1825-1899) और ए.पी. सोलोविओव (1856-1911) द्वारा "स्कूल फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार"। सोलोविओव का स्कूल उस समय की सबसे अच्छी शिक्षण सहायता है।

सोलोविओव के छात्र वेलेरियन रुसानोव (1866-1918) थे, जो एक गिटार इतिहासकार थे, जिन्होंने "गिटार और गिटारवादक" नामक ऐतिहासिक निबंधों की एक श्रृंखला प्रकाशित की थी, और जिन्होंने 1901 में "गिटारवादक" पत्रिका का प्रकाशन शुरू किया था, जो लंबे अंतराल के बाद भी जारी है। आज तक प्रकाशित. दुर्भाग्य से, रुसानोव छह-तार वाले गिटार के प्रति पक्षपाती था, इसकी खूबियों को कम करके, लेकिन फिर भी उसकी गतिविधियों पर किसी का ध्यान नहीं गया। उस कठिन समय के दौरान, उन्होंने गिटारवादकों को संगीत की दृष्टि से साक्षर बनाने की आवश्यकता को बढ़ावा देने के लिए बहुत कुछ किया, गंभीर रवैयावाद्ययंत्र और उस पर किए गए संगीत कार्यों के लिए। गिटार बजाने की कला का नया विकास अक्टूबर क्रांति से जुड़ा है। सच है, इसके बाद के पहले वर्षों में, गिटार ने एकल वाद्ययंत्र के रूप में ध्यान आकर्षित नहीं किया। काफी ध्यान, संगीत विद्यालयों में इस पर प्रशिक्षण वाद्ययंत्र की "तुच्छता" के कारण नहीं हुआ, और सबसे बड़े गिटारवादकों की गतिविधियाँ असंगठित और मुख्य रूप से दूरदराज के स्थानों में आगे बढ़ीं। उस समय सबसे लोकप्रिय गिटार सात-तार वाला गिटार था। लेकिन फिर भी, पूर्व-क्रांतिकारी वर्षों में भी जो गिटारवादक छह-तार वाले गिटार और इसके साहित्य में रुचि रखते थे, उन्होंने इस विशेष उपकरण को प्राथमिकता देना शुरू कर दिया। 1926, 1927, 1935 और 1936 में सेगोविआ के दौरों से इसे विशेष रूप से सुविधा मिली। सेगोविया द्वारा प्रस्तुत प्रदर्शनों की सूची, उनकी वादन तकनीक और प्रदर्शन शैली यूएसएसआर में गिटार कला के विकास में निर्णायक साबित हुई। उस समय के कई सोवियत शिक्षक और गिटारवादक, जिन्होंने शास्त्रीय गिटार के सोवियत स्कूल की नींव रखी, इस गुरु के प्रबल प्रभाव में आए।

और पी.एस. अगाफ़ोशिन (1874-1950), एक अद्भुत रूसी गिटारवादक, छह-तार वाले गिटार के पहले शिक्षकों में से एक। शुरुआत में सात-तार वाले गिटार बजाने के बाद, प्योत्र अगाफोशिन ने अपने पसंदीदा वाद्ययंत्र को अपने दम पर बजाने में सुधार किया, मॉस्को जाने के बाद ही उन्होंने कभी-कभी शिक्षकों की सलाह का इस्तेमाल किया, जिनमें वी. रुसानोव भी शामिल थे। कई संगीत समारोहों में एक कलाकार के रूप में भाग लिया। उत्कृष्ट गायकों एफ. चालियापिन, डी. स्मिरनोव, टी. रफ़ो के साथ। अगाफोशिन की प्रदर्शन कला की पहचान 1916 में बोल्शोई थिएटर में मैसेनेट के ओपेरा डॉन क्विक्सोट में भाग लेने का निमंत्रण था।

सोलोविओव से मिलने से उसे छह-तार वाले गिटार को करीब से देखने और स्वयं इसका अध्ययन करने का प्रयास करने के लिए प्रोत्साहित किया गया। स्कूल द्वारा निर्देशित होकर, कारकासी ने जल्दी ही छह-तार वाले गिटार में महारत हासिल कर ली, और सेगोविया से मिलने के बाद, उसने सात-तार वाले गिटार को पूरी तरह से त्याग दिया।

1926 में सेगोविया के साथ हुई मुलाकात ने अगाफोशिन को प्रेरित किया। उन्होंने स्पैनिश कलाकार का एक भी संगीत कार्यक्रम नहीं छोड़ा और उनसे व्यक्तिगत रूप से मुलाकात की। "सेगोविया के जाने के बाद," अगाफोशिन ने लिखा, "मैंने तुरंत खुद को पुनर्गठित किया, अपने मंचन और वादन तकनीकों में आवश्यक समायोजन किया, 1927 के वसंत में उनकी अगली यात्रा तक, मेरी स्थिति अधिक संतुलित थी, क्योंकि इस समय तक मैं पहले ही ऐसा कर चुका था कुछ में महारत हासिल है। इसलिए, उनके खेल के बारे में मेरी आगे की टिप्पणियाँ अधिक उत्पादक थीं; मैं उन्हें उनके प्रदर्शन के व्यक्तिगत क्षणों और विवरणों पर केंद्रित कर सका, विशेष रूप से उन नाटकों पर जो मेरे अध्ययन की प्रक्रिया में थे।"

एक साल के गहन प्रशिक्षण से ठोस परिणाम मिले। 1927 में अगाफ़ोशिन ने फिर से सेगोविया खेला। यह कलाकार पी.पी. के स्टूडियो में हुआ। कोंचलोव्स्की। इस मुलाकात को याद करते हुए, कोंचलोव्स्की ने लिखा कि सेगोविया ने अगाफोशिन को "सर्वश्रेष्ठ मॉस्को गिटारवादक" कहा।

पी.एस. अगाफ़ोशिन ने स्टेट माली थिएटर में ऑर्केस्ट्रा कलाकार के रूप में 40 से अधिक वर्षों तक काम किया। 1930-1950 में उन्होंने संगीत महाविद्यालय में गिटार पाठ्यक्रम पढ़ाया। अक्टूबर क्रांतिऔर मॉस्को स्टेट कंज़र्वेटरी। कई प्रसिद्ध सोवियत गिटारवादक उनके छात्र थे (ए. इवानोव-क्राम्स्कोय, आई. कुज़नेत्सोव, ई. मेकेवा, यू. मिखेव, ए. कबानीखिन, ए. लोबिकोव और अन्य)।

पी.एस. अगाफ़ोशिन के पास 1928 में प्रकाशित पुस्तक "न्यू अबाउट द गिटार" है, जो उत्कृष्ट ए. सेगोविया की कला और प्रसिद्ध "स्कूल ऑफ़ प्लेइंग द सिक्स-स्ट्रिंग गिटार" के साथ संचार की ताज़ा छाप के तहत लिखी गई थी, जो पर आधारित थी। ए. सेगोविया के सेमिनार।

1. एक छात्र को "स्कूल" में अपने प्रशिक्षण के दौरान उन मुख्य चरणों से गुजरना होगा जिनसे गिटार अपने ऐतिहासिक विकास में गुजरा था। यानी उसे गिटारवादकों की तकनीक और काम से परिचित होना चाहिए विभिन्न शैलियाँऔर युग.

2. छात्र को अभ्यास में गिटार बजाना सीखना चाहिए, यानी, आवश्यक ज्ञान और खेल कौशल प्राप्त करना, अभ्यास और एट्यूड जैसी सूखी शैक्षिक सामग्री पर नहीं, बल्कि कुशलतापूर्वक चयनित उच्च कलात्मक सामग्री पर जो स्वाद पैदा करती है और व्यावहारिक और साथ लाती है। तकनीकी कौशल भी सौंदर्य संतुष्टि।

3. लेखक के अनुसार, गिटार के अस्तित्व का मुख्य अर्थ उसके द्वारा उत्पन्न ध्वनियों की गीतात्मकता, ईमानदारी, शुद्धता और सुंदरता में निहित है। ध्वनि या उत्तेजना का कोई भी दबाव गिटार के लिए अलग बात है।

ये जीवन और शैक्षणिक सिद्धांत लेखक द्वारा "स्कूल" के लिए इच्छित सामग्री के चयन और उसके अनुरूप प्रदर्शन दृष्टिकोण को निर्धारित करते हैं।

"स्कूल" की विशेषताओं में गिटार के हार्मोनिक साधनों का विकास और व्यवस्थितकरण, उच्च कलात्मक सामग्री पर सभी अध्ययन करना, सैद्धांतिक भाग (सद्भाव के मूल सिद्धांतों) को व्यावहारिक के साथ जोड़ना, गिटार की क्षमताओं को दिखाना शामिल है। एक सहवर्ती वाद्ययंत्र.

1930 और 1950 के बीच, अगाफ़ोशिन ने छह-स्ट्रिंग गिटार क्लासिक्स के नाटकों के दस से अधिक संग्रह और अपने स्वयं के प्रतिलेखन और रचनाओं के छह एल्बम जारी किए। छह-तार वाले गिटार बजाने की संस्कृति के विकास, पेशेवर गिटारवादकों, कलाकारों और शिक्षकों को प्रशिक्षित करने में उनके योगदान के लिए, उन्हें ऑर्डर ऑफ द बैज ऑफ ऑनर और दो पदक से सम्मानित किया गया।

उसी समय गिटार सिखाया जाने लगा संगीत विद्यालयओह और तकनीकी स्कूल। उस समय के सोवियत गिटार शिक्षाशास्त्र की उपलब्धियाँ प्रकाशित गिटार साहित्य में परिलक्षित हुईं। गिटार के टुकड़ों की रचना पेशेवर संगीतकारों द्वारा की जाने लगी। संगीतकार और शिक्षाविद् बी.वी. ने इस संबंध में खुद को सबसे महत्वपूर्ण रूप से दिखाया। आसफ़ीव (1884-1949)।

युद्ध के बाद के वर्षों में सोवियत गिटारवादकों में से, सबसे महान रचनात्मक सफलताए. एम. इवानोव-क्रम्स्काया (1912-1973), एक उत्कृष्ट रूसी सोवियत गिटारवादक, संगीतकार, कंडक्टर, शिक्षक, उन कुछ सोवियत गिटारवादकों में से एक, जिन्हें आरएसएफएसआर (1959) के सम्मानित कलाकार की उपाधि से सम्मानित किया गया था। उन्होंने अक्टूबर रिवोल्यूशन म्यूज़िक कॉलेज में पी.एस. अगाफ़ोशिन के साथ अध्ययन किया, फिर मॉस्को कंज़र्वेटरी में। उन्होंने रूस में छह-तार वाले गिटार के विकास में बहुत बड़ी भूमिका निभाई। उन्होंने एकल कलाकार के रूप में और गायकों (एन.ए. ओबुखोवा, आई.एस. कोज़लोवस्की) के साथ मिलकर प्रदर्शन किया। 1932 से उन्होंने ऑल-यूनियन रेडियो में काम किया। 1939 में उन्हें लोक वाद्ययंत्र कलाकारों की ऑल-यूनियन प्रतियोगिता में दूसरा पुरस्कार मिला। 1939-45 में यूएसएसआर के एनकेवीडी के गीत और नृत्य कलाकारों की टुकड़ी के संवाहक। 1947-52 में, वह रूसी लोक गायक मंडल और ऑल-यूनियन रेडियो के लोक वाद्य ऑर्केस्ट्रा के संचालक थे।

इवानोव-क्राम्स्की के गिटार कार्य (गिटार और ऑर्केस्ट्रा के लिए दो संगीत कार्यक्रम सहित) गिटारवादकों के बीच बहुत लोकप्रिय हैं।

"स्कूल ऑफ़ प्लेइंग द सिक्स-स्ट्रिंग गिटार" (1957) ए.एम. इवानोव-क्राम्स्की में दो भाग होते हैं। पहला भाग है "संगीत संबंधी सैद्धांतिक जानकारी और वाद्य यंत्र की व्यावहारिक महारत।" इसमें चार खंड हैं, जिनमें गिटार और संगीत सिद्धांत के इतिहास का संक्षिप्त परिचय, साथ ही वाद्ययंत्र में महारत हासिल करने के लिए आवश्यक अभ्यास शामिल हैं। संगीत की सैद्धांतिक अवधारणाओं और अभ्यासों की जटिलता धीरे-धीरे एक अनुभाग से दूसरे अनुभाग में बढ़ती जाती है। दूसरा भाग "प्रदर्शन सूची परिशिष्ट" है। इसमें सोवियत, रूसी और के लोकप्रिय कार्य शामिल हैं विदेशी संगीतकार, छात्रों के लिए सुलभ प्रस्तुति में लोक संगीत, रेखाचित्र की व्यवस्था।

ए. एम. इवानोव-क्राम्स्की की शैक्षणिक गतिविधि मॉस्को कंज़र्वेटरी के एकेडमिक म्यूज़िक स्कूल में हुई, जहाँ 1960 से 1973 तक उन्होंने गिटार क्लास का नेतृत्व किया, और कई प्रतिभाशाली संगीतकारों को तैयार किया। हालाँकि, क्लबों में सर्कल कार्य के स्तर पर शिक्षण किया जाता था। यह इस तथ्य से समझाया गया है कि, आई.वी. स्टालिन के निर्देश पर, संगीत विद्यालयों में प्रो-वेस्टर्न, बुर्जुआ वाद्ययंत्रों के रूप में अकॉर्डियन, गिटार और सैक्सोफोन की शिक्षा निषिद्ध थी। "लोगों के नेता" की मृत्यु के बाद ही, जनता के दबाव में, राजधानी और लेनिनग्राद में शास्त्रीय गिटार कक्षाएं खोली गईं, हालांकि व्यापक प्रचार के बिना। ये 1960 में हुआ था. मॉस्को में, स्टेट म्यूजिकल पेडागोगिकल स्कूल में सात-तार वाली गिटार क्लास खोली गई। गेन्सिन (शिक्षक एल. मेनरो और ई. रुसानोव) और छह-स्ट्रिंग - कंज़र्वेटरी में स्कूल में (शिक्षक ए. इवानोव-क्राम्स्कोय)।

अलेक्जेंडर मिखाइलोविच इवानोव-क्राम्स्कोय एक प्रमुख संगीत और सार्वजनिक व्यक्ति थे जिन्होंने गिटार की कला को बढ़ावा देने के लिए अपनी सारी ऊर्जा समर्पित कर दी। बाद कई सालविस्मृति, एक उत्कृष्ट कलाकार और शिक्षक की बदौलत, गिटार ने फिर से एक पेशेवर संगीत वाद्ययंत्र का दर्जा हासिल कर लिया और देश के माध्यमिक और उच्च संगीत संस्थानों में पढ़ाया जाने लगा। संगीतकार की याद में, ए.एम. के नाम पर मास्को गिटार संगीत समारोह आयोजित किए जाते हैं। इवानोव-क्राम्स्की।

सात-तार वाले गिटार की परंपराओं को जारी रखने वाले सर्गेई दिमित्रिच ओरेखोव (1935-1998) थे, जो सर्वश्रेष्ठ रूसी गिटारवादकों में से एक थे, एक सात-तार वादक (छह-तार वाले गिटार में पारंगत, लेकिन उस पर सार्वजनिक रूप से प्रदर्शन नहीं करते थे)। उन्होंने एक सुधारक, कलाकार और संगीतकार की प्रतिभा को संयोजित किया। उन्होंने रूसी राष्ट्रीय गिटार प्रदर्शनों की सूची बनाने के लिए बहुत कुछ किया। रूसी लोक गीतों और रोमांस के गिटार के लिए कई व्यवस्थाओं के लेखक। उन्होंने पहले खुद ही गिटार सीखना शुरू किया और फिर गिटारवादक वी.एम. से निजी तौर पर इसकी शिक्षा ली। कुज़नेत्सोव (1987-1953), जिन्होंने एक समय में "छह और सात-तार वाले गिटार की ट्यूनिंग का विश्लेषण" (एम., 1935) पुस्तक लिखी थी, और जिनसे कई मास्को गिटारवादकों ने अध्ययन किया था। सेना में सेवा देने के बाद, वह जिप्सी रोमांस और गीतों के कलाकार, रायसा ज़ेमचुझनाया से जुड़ गए। जिसके बाद उन्होंने अपनी परफॉर्मर पत्नी के साथ परफॉर्म किया पुराने रोमांस, नादेज़्दा तिशिनिनोवा द्वारा जिप्सी गाने और रोमांस। कुछ समय के लिए उन्होंने वायलिन वादक और गायक निकोलाई एर्डेंको के जिप्सी जैज़ समूह में एलेक्सी पर्फिलयेव के साथ मिलकर काम किया, और फिर ए. पर्फिलयेव (6-स्ट्रिंग गिटार) के साथ अपने स्वयं के गिटार युगल का आयोजन किया। उन्होंने छह-तार वाले गिटार के लिए कई रचनाएँ भी लिखीं (विशेष रूप से, रोमांस "यादें मत जगाओ", "वीपिंग विलोज़ स्लम्बरिंग" और "क्राइसेंथेमम्स")। छह-तार वाले गिटार की बढ़ती लोकप्रियता को देखते हुए, मैंने सात-तार वाले गिटार के पूरे मुख्य रूसी प्रदर्शन को इसमें स्थानांतरित करने की योजना बनाई।

अपने पूरे जीवन में, सर्गेई ओरेखोव रूसी गिटार के प्रति वफादार रहे और बहुत चिंतित थे कि यह रूस में अपनी स्थिति खोना शुरू कर दिया: "मैंने कभी नहीं सोचा था," उन्होंने कहा, "कि छह-तार वाला गिटार रूस को जीत लेगा गिटार इतना लोकप्रिय है; यह एक सैन्य, साहित्यिक गिटार है... समाज के किसी भी वर्ग को लें: सात-तार वाला गिटार एक देशी वाद्ययंत्र है जिसके साथ रूसी लोग जुड़े हुए हैं।"

ओरेखोव का मार्ग मॉस्को के गिटारवादक अनास्तासिया बार्डिना द्वारा जारी रखा गया है, जिनके प्रदर्शनों की सूची सिहरा और वायसोस्की के कार्यों के साथ-साथ तारेगा, अल्बेनिज़ और ग्रेनाडोस के कार्यों से पूरी तरह मेल खाती है। उनके काम की विशिष्टता इस तथ्य में निहित है कि वह छह और सात-तार वाले गिटार के साथ-साथ GRAN गिटार (इस गिटार पर बाद में चर्चा की जाएगी) दोनों के साथ समान रूप से पेशेवर हैं। कार्यों के प्रदर्शन के दौरान, अनास्तासिया बार्डिना गिटार की ट्यूनिंग को छह से सात तारों में बदल देती है और इसके विपरीत। उनके द्वारा प्रस्तुत की जाने वाली शैलियाँ बहुत भिन्न हैं: शास्त्रीय, रोमांटिक से लेकर जैज़ तक। दुर्भाग्य से, आज बार्डिना सात-तार वाले गिटार पर एकमात्र उत्कृष्ट कलाकार है।

विशुद्ध रूप से प्रदर्शन क्षमताओं को और अधिक विस्तारित करने की कोशिश करते हुए, संगीतकार और गिटार निर्माता नए डिजाइन समाधानों पर भी काम कर रहे हैं। इन विकासों में से एक घरेलू गिटार है - GRAN (व्लादिमीर उस्तीनोव और अनातोली ओलशान्स्की द्वारा विकसित और इसका अर्थ है - रूसी ध्वनिक नया गिटार), जिसमें 6 नायलॉन तार और 6 धातु वाले तार शामिल हैं, जो विभिन्न स्तरों पर स्थित हैं। (वैसे, इस गिटार के पास आविष्कार का पेटेंट है)। गिटारवादक के पास नायलॉन और दोनों पर ध्वनि उत्पन्न करने की क्षमता है धातु के तारआह, दो गिटार बजाने का एहसास पैदा कर रहा है। यह शर्म की बात है कि यह गिटार रूस की तुलना में पश्चिम में अधिक जाना जाता है। इन्हें पॉल मेकार्टनी, कार्लोस सैन्टाना और कई अन्य गिटारवादकों द्वारा बजाया जाता है।

इवानोव-क्राम्स्की के बाद शास्त्रीय छह-स्ट्रिंग गिटार की परंपराओं की उत्तराधिकारी उनकी बेटी एन.ए. थी। इवानोवा - क्राम्स्काया। ए.के. जैसे महान कलाकार को बड़ा करने के बाद। फ्राउची सर्वश्रेष्ठ रूसी शास्त्रीय गिटारवादकों और कलाकारों में से एक हैं। अब वह रूस के एक सम्मानित कलाकार, संगीत शिक्षक, प्रोफेसर हैं रूसी अकादमीमॉस्को में संगीत (पूर्व में गेन्सिन्स म्यूजिकल एंड पेडागोगिकल इंस्टीट्यूट)।

उन्होंने कंजर्वेटरी के सेंट्रल म्यूजिक स्कूल में पढ़ाई की। मास्को में त्चिकोवस्की एन.ए. की कक्षा में। इवानोवा-क्राम्स्काया और कंज़र्वेटरी में। जी माइनेव के साथ स्वेर्दलोव्स्क में मुसॉर्स्की। 1979 में उन्होंने लेनिनग्राद में कलाकारों की राष्ट्रीय संगीत प्रतियोगिता में प्रथम पुरस्कार जीता, और 1986 में - हवाना (क्यूबा) में अंतर्राष्ट्रीय गिटार प्रतियोगिता में प्रथम पुरस्कार जीता। उन्होंने जर्मनी, फ्रांस, बेल्जियम, ग्रेट ब्रिटेन, अमेरिका, ऑस्ट्रिया, इटली, यूगोस्लाविया, पोलैंड, क्यूबा, ​​​​हंगरी, चेक गणराज्य, बुल्गारिया, तुर्की और ग्रीस में एकल संगीत कार्यक्रम दिए हैं और मास्टर कक्षाएं सिखाई हैं।
"अलेक्जेंडर फ्राउत्ची ने रूसी शास्त्रीय गिटार के विकास में अमूल्य योगदान दिया है और दे रहे हैं। कई सर्वश्रेष्ठ रूसी गिटारवादक अलेक्जेंडर कामिलोविच के छात्र हैं। फ्राउत्ची के पास उत्कृष्ट स्वाद, गहरा, सुंदर स्वर, हर वाक्यांश के लिए प्यार है। प्रसिद्ध में अंग्रेजी पत्रिका "क्लासिकल गिटार" में उन्हें सेगोविया का रूसी पोता नामित किया गया था।" [एवगेनी फिंकेलस्टीन]

हमें अंत के संगीतकारों के बारे में भी बात करनी चाहिएXXशतक:

सर्गेई रुदनेव (1955 में जन्म), गिटारवादक-कलाकार और संगीतकार, गिटार के मूल टुकड़ों के लेखक, जो निकिता कोस्किन, व्लादिमीर मिकुल्का, यूरी नुगमनोव जैसे प्रसिद्ध गिटारवादकों द्वारा प्रस्तुत किए गए हैं। रूसी लोक गीतों की गिटार व्यवस्था के लिए जाना जाता है।

सर्गेई रुडनेव ने बटन अकॉर्डियन और बालालिका में डिग्री के साथ तुला म्यूजिक कॉलेज से स्नातक की उपाधि प्राप्त की। उन्होंने स्वयं गिटार का अध्ययन किया और मॉस्को में वी. स्लावस्की और पी. पैनिन से निजी तौर पर शिक्षा ली। गिटार और जैज़ संगीत के विभिन्न समारोहों के निमंत्रण का लाभ उठाते हुए, उन्होंने वादन की अपनी शैली विकसित करने पर ध्यान केंद्रित किया। 1982 तक, उन्होंने खुद को एक पेशेवर गिटारवादक के रूप में स्थापित कर लिया था। कोलमार (फ्रांस) में विश्व महोत्सव में भागीदार बने। फिर पोलैंड, हंगरी, इजराइल, ऑस्ट्रेलिया और स्पेन में भ्रमण का दौर चला। उन्होंने अलेक्जेंडर मालिनिन के लिए एक अरेंजर और संगतकार के रूप में काम किया। 1991 में, हॉल ऑफ कॉलम्स (मॉस्को) में एक प्रदर्शन के बाद, उन्हें अमेरिका में प्रदर्शन करने और वहां गिटार के लिए अपनी रचनाएँ प्रकाशित करने का प्रस्ताव मिला। 1995 में उन्होंने टैरागोना कंज़र्वेटरी (स्पेन) में एक गिटार क्लास पढ़ाया। अभी तैयारी कर रहा हूं अनुसंधान कार्यविषय पर "खेलने की रूसी शैली शास्त्रीय गिटार"। रूसी टेलीविजन पर सर्गेई रुडनेव के बारे में दो संगीतमय फिल्में तैयार की गई हैं। संगीत कार्यक्रमों में विदेशी और रूसी संगीतकारों के काम शामिल हैं। शास्त्रीय गिटार पर रूसी लोक संगीत के लेखक के प्रदर्शन की एक डिस्क रिलीज के लिए तैयार की जा रही है।
सर्गेई रुदनेव स्वयं अपने काम को इस प्रकार चित्रित करते हैं: "...मैं लोककथाओं और शास्त्रीय विकास तकनीकों का उपयोग करके लोकप्रिय लोक गीतों के आधार पर गिटार के लिए पूर्ण रचनाएँ बनाना चाहता हूँ जो हमारे समय में जीवन के पारंपरिक तरीके को तोड़ने की प्रक्रिया है।" पहले से ही अपरिवर्तनीय है, इसलिए असंभव है, और शायद लोक संगीत लोककथाओं के अस्तित्व की पारंपरिक स्थितियों को बहाल करना आवश्यक नहीं है। नया जीवनपुरानी धुनें, नाटक की सामग्री को गहराई से और व्यापक रूप से समझती हैं, और कलात्मक छवि की अखंडता को संरक्षित करती हैं। थोड़े में बहुत कुछ देखना, एक बूंद में एक झील देखना, लोकसाहित्य सामग्री के साथ काम करते समय ये मेरे सिद्धांत हैं। प्राथमिक स्रोत के इस दृष्टिकोण के साथ, काव्य पाठ का कथानक पक्ष और धुन की शैली विशेषताएँ महत्वपूर्ण हैं। साथ ही, अंतिम कार्य गिटार की अभिव्यंजक क्षमताओं, गिटार ध्वनि रिकॉर्डिंग के संपूर्ण पैलेट, लोक प्रदर्शन तकनीकों और आधुनिक गिटार प्रौद्योगिकी की उपलब्धियों दोनों का उपयोग करके दिखाना है..."

कोस्किन निकिता अर्नोल्डोविच, रूसी संगीतकार और गिटारवादक। 28 फरवरी 1956 को मास्को में जन्म। रॉक संगीत के प्रति अपने जुनून के कारण मैं शास्त्रीय गिटार की ओर आया। अपने स्कूल के वर्षों के दौरान, उन्होंने स्वयं गिटार का अध्ययन करना शुरू किया और अपने दोस्तों के साथ मिलकर उन्होंने स्कूल में एक समूह का आयोजन किया। एक संगीत विद्यालय में दो साल तक अध्ययन करने के बाद, उन्होंने संगीत महाविद्यालय में गिटार और रचना का अध्ययन जारी रखा। अक्टूबर क्रांति. उस समय उनके गिटार शिक्षक जॉर्जी इवानोविच यमानोव थे। कॉलेज से स्नातक होने के बाद, उन्होंने तीन साल तक एक संगीत विद्यालय में काम किया, जहाँ उन्होंने स्वयं संगीत का अध्ययन करना शुरू किया। संगीत संस्थान के नाम पर। गेन्सिन्स ने 1980 में केवल दूसरे प्रयास (अलेक्जेंडर फ्राउची की कक्षा) में प्रवेश किया।

कॉलेज के बाद वह स्कूल लौटे, लेकिन एक शिक्षक के रूप में। वर्तमान में मॉस्को स्टेट क्लासिकल एकेडमी में काम करता है। Maimonides.

जैसे ही उन्होंने नोट्स को नेविगेट करना शुरू किया, उन्होंने अपना पहला टुकड़ा बना लिया, स्वयं संगीतकार के अनुसार, उन्होंने अब रचना और गिटार के अपने अध्ययन को अलग नहीं किया, और उनकी अवधारणा में यह हमेशा एक दूसरे से जुड़ा हुआ था। व्लादिमीर मिकुल्का द्वारा अपने नाटकों, "पासाकाग्लिया" और "टोकाटा" के पहले प्रदर्शन के बाद निकिता कोस्किन ने एक संगीतकार के रूप में अपनी क्षमताओं पर गंभीरता से विश्वास किया। उसके बाद, अपने डेब्यू की समीक्षा पढ़ने के बाद, उन्हें एहसास हुआ कि उनके संगीत को अंततः सराहा गया और स्वीकार किया गया। इससे पहले, वह अपने टुकड़े केवल स्वयं ही बजाते थे, और रूढ़िवादी घरेलू गिटार जनता के साथ उनका रिश्ता शुरू में कठिन था: अधिकांश कार्यों को शत्रुता के साथ प्राप्त किया गया था, और संगीतकार को स्वयं एक अवांट-गार्ड माना जाता था। हालाँकि, कोस्किन खुद को ऐसा नहीं मानते थे और इसके बारे में इस प्रकार बोलते हैं: "मैं अवंत-गार्डे में शामिल नहीं था, मैं खुद को परंपराओं का उत्तराधिकारी मानता था, क्लासिक्स की ओर मुड़ गया, और जहां तक ​​​​मैंने जो नवीनता का उपयोग किया, वह था मेरे नाटकों में गिटार पर पाई जाने वाली तकनीकों का उपयोग करने की एक स्वाभाविक प्रक्रिया, जो नई रंगीन संभावनाएं मेरे लिए खुलीं, उन्होंने संगीत की आलंकारिक विशेषताओं पर अधिक जोर दिया, इस संबंध में, सूट "द प्रिंस टॉयज" (1974) लिखा गया था। जिस पर मैंने पिछले छह वर्षों में कई बार दोबारा काम किया है।''

सुइट "प्रिंस के खिलौने" (राजकुमार मनमौजी है - एक हवादार बंदर - बंद आँखों वाली एक गुड़िया - सैनिकों के साथ खेलना - राजकुमार की गाड़ी - समापन: द ग्रेट पपेट डांस) बेहद लोकप्रिय है और कई के प्रदर्शनों की सूची में शामिल है प्रसिद्ध कलाकार.

गिटार के अलावा, निकिता कोस्किन अन्य वाद्ययंत्रों के लिए संगीत लिखती हैं। उनके पास पियानो के लिए कई टुकड़े, आवाज़ और पियानो के लिए कई रोमांस, साथ ही अन्य वाद्ययंत्रों के साथ गिटार के लिए संगीत भी है: बांसुरी और गिटार के लिए एक बड़ा सोनाटा, बांसुरी, वायलिन और गिटार के लिए एक तिकड़ी; मेज़ो-सोप्रानो और गिटार के लिए टुकड़ों का एक चक्र, युगल और गिटार की तिकड़ी के लिए, गिटार और डबल बास के युगल के लिए काम करता है। कोस्किन का काम असद बंधुओं की गिटार जोड़ी जॉन विलियम्स और ज़ाग्रेब और एम्स्टर्डम गिटार तिकड़ी द्वारा प्रस्तुत किया गया था।

निकिता कोस्किन को आज सबसे अधिक प्रकाशित संगीतकारों में से एक का खिताब प्राप्त है। उनके काम दुनिया भर के कई देशों के गिटार संगीत प्रेमियों के लिए रुचिकर हैं। अपनी रचना और संगीत गतिविधियों के समानांतर, संगीतकार को पढ़ाने के लिए भी समय मिलता है। उनकी वादन की असामान्य शैली और संगीत में नई तकनीकें लगातार कई श्रोताओं का ध्यान आकर्षित करती हैं।

विक्टर कोज़लोव (जन्म 1958) ने 12 साल की उम्र में संगीत रचना शुरू कर दी थी। पहली महत्वपूर्ण रचनाएँ एक संगीत विद्यालय में लिखी गईं: एक स्ट्रिंग चौकड़ी; बांसुरी, वायोला और गिटार के लिए तिकड़ी; पियानो के लिए विविधताएं, एकल गिटार के लिए "गोल नृत्य और नृत्य"। भविष्य में, वह एकल गिटार और तिकड़ी गिटार के लिए लघुचित्र बनाने को प्राथमिकता देते हैं। कोज़लोव के हास्य नाटक लोकप्रिय हैं: "ओरिएंटल डांस", "मार्च ऑफ़ द सोल्जर्स", "लिटिल डिटेक्टिव", "डांस ऑफ़ द हंटर", "किस्किनो ग्रिफ़"। संगीतकार द्वारा गिटार और ऑर्केस्ट्रा के लिए कई रचनाएँ लिखी गईं: "कॉन्सर्टिनो", "एपिक एंड रशियन डांस", "बफोनेड", "बैलाड फॉर ऐलेना द ब्यूटीफुल", एकल गिटार के लिए सूट "ब्लैक टोरेडोर"। बच्चों के लिए अनेक कार्य उनके कार्यों में विशेष स्थान रखते हैं। उन्होंने युवा गिटारवादकों के लिए संगीत कार्यों का एक संग्रह "लिटिल सीक्रेट्स ऑफ सेनोरिटा गिटार / चिल्ड्रन एल्बम ऑफ ए यंग गिटारिस्ट" जारी किया, जिसे 1999 में रूसी गिटार सेंटर (मॉस्को) द्वारा रूस में सर्वश्रेष्ठ के रूप में मान्यता दी गई थी। कोज़लोव की कई रचनाएँ रूस, इंग्लैंड, जर्मनी, इटली, पोलैंड और फ़िनलैंड में प्रकाशित हुईं। उनके कार्यों को गिटारवादक एन. कोमोलातोव (मॉस्को), वी. झाडको (कीव), टी. वोल्स्काया (यूएसए), ए. खोरेव (सेंट पीटर्सबर्ग), ई. ग्रिड्युश्को (बेलारूस), एस. डिनिगन ( इंग्लैंड) ), युगल "कैप्रिसियोसो" (जर्मनी), वे उरल्स के गिटारवादकों की तिकड़ी (वी. कोज़लोव, श्री मुखतदीनोव, वी. कोवबा) और वाद्य युगल "कॉन्सर्टिनो" (एकाटेरिनबर्ग) और कई द्वारा भी प्रस्तुत किए जाते हैं। अन्य.

अलेक्जेंडर विन्नित्सकी (जन्म 1950) गिटारवादक, संगीतकार, संगीत शिक्षक। के नाम पर संगीत विद्यालय में पढ़ाते हैं। गेन्सिन शास्त्रीय गिटार, एकल संगीत कार्यक्रम करता है, गिटार के लिए संगीत लिखता है, "जैज़ में शास्त्रीय गिटार" विषय पर सेमिनार और मास्टर कक्षाएं आयोजित करता है। आधुनिक प्रदर्शनों की सूची में उनकी उपलब्धि और योगदान उनका मूल कार्यक्रम है, जिसमें विभिन्न प्रकार के संगीत शामिल हैं जैज़ शैलियाँ. वह गिटार की व्यवस्था करने में गंभीरता से शामिल है। अलेक्जेंडर विनीत्स्की के वादन की एक विशेषता संपूर्ण रचना में मधुर पंक्तियों के साथ "वॉकिंग" बास और लयबद्ध संरचनाओं का उपयोग था। अँगूठाडबल बास के रूप में कार्य किया। बाकी उँगलियाँ मंडली के संगीतकारों जैसी थीं। अपने वादन में वह निरंतर स्पंदन और मधुर पंक्तियों को प्रस्तुत करता है। उन्होंने जो संगीत प्रस्तुत किया वह ऐसा लग रहा था मानो कोई तिकड़ी बजा रही हो। इस शैली को कभी-कभी "फिंगरस्टाइल" भी कहा जाता है। इन विचारों को क्रियान्वित करने के लिए गंभीर शास्त्रीय विद्यालय, वाद्ययंत्र का ज्ञान और जैज़ संगीत का एक ठोस "सामान"। अलेक्जेंडर ने उनके साथ जैज़ और शास्त्रीय गिटार समारोहों में प्रदर्शन करना शुरू किया नया कार्यक्रम(पेट्रोज़ावोडस्क, येकातेरिनबर्ग, डोनेट्स्क, कीव, वोरोनिश, आदि)। 1991 में, मेलोडिया कंपनी ने अपना पहला एकल एल्बम, "ग्रीन क्वाइट लाइट" जारी किया, जिसमें उनकी रचनाएँ शामिल थीं: "ट्रैवल इन टाइम," "ग्रीन क्वाइट लाइट," "वेटिंग फ़ॉर न्यूज़," "मेटामोर्फोसॉज़," और साथ ही साथ अन्य रचनाएँ भी शामिल थीं। धुन ए.के. जोबिम, एल. बोनफ़ा, एल. अल्मीडा द्वारा अभिनीत।

केवल वे ही नहीं जिन्हें आमतौर पर "गिटार संगीतकार" कहा जाता है, गिटार के लिए लिखते हैं। एडिसन डेनिसोव (1929-1996), 20वीं सदी के सबसे बड़े रूसी संगीतकारों में से एक, संगीतज्ञ और संगीत सार्वजनिक व्यक्ति, इसकी खूबियों की पूरी तरह से सराहना करने में सक्षम थे। 50 और 60 के दशक के मोड़ पर, डेनिसोव ने खुद को एक ऐसे आंदोलन का निर्विवाद नेता घोषित किया जिसने पश्चिमी आधुनिक संगीत की उपलब्धियों को अपनाने की मांग की। डेनिसोव की रचनात्मक विरासत शैली की दृष्टि से बहुत विविध है।

गायन और वाद्य कार्यों के अलावा, एडिसन डेनिसोव ने गिटार के लिए लिखा: बांसुरी और गिटार के लिए सोनाटा, 3 भागों में एकल गिटार के लिए सोनाटा, वायलिन, गिटार और ऑर्गन के लिए "इन डीओ स्पेराविट कोर मीम", गिटार कॉन्सर्टो, बांसुरी और गिटार के लिए कॉन्सर्टो . इनमें से कुछ रचनाएँ विशेष रूप से जर्मन गिटारवादक रीनबर्ट एवर्स के लिए लिखी गईं, जो उनके पहले कलाकार बने।

अलग से, संगीतकार इगोर रेखिन के बारे में यह कहा जाना चाहिए, एक ऐसे व्यक्ति के रूप में जिसने सात-तार और स्पेनिश (शास्त्रीय) दोनों गिटार के इतिहास और आधुनिकता में सबसे बड़ा योगदान दिया। गिटार के लिए कई कार्यों के लेखक, देश और विदेश में व्यापक रूप से जाने जाते हैं: गिटार और ऑर्केस्ट्रा के लिए दो संगीत कार्यक्रम - सात-स्ट्रिंग के लिए और छह-स्ट्रिंग के लिए; सात-तार और छह-तार वाले गिटार के लिए सोनाटा; गिटार, पहनावे के लिए टुकड़े। "एक युवा गिटारवादक का एल्बम" और चक्र "सोलो गिटार के लिए 24 प्रस्तावना और फ्यूग्स" के लेखक, इस काम के पहले कलाकार व्लादिमीर टर्वो थे, और वर्तमान में इसे दिमित्री इलारियोनोव द्वारा सफलतापूर्वक बजाया जाता है।

पहली बार गिटार संगीत की दुनिया में उतरने के बाद, इगोर व्लादिमीरोविच इसकी मौलिकता और अन्य क्षेत्रों से असमानता से चकित रह गए। संगीत संस्कृति.

उन्होंने एक आधुनिक बड़े आकार के प्रदर्शनों की सूची बनाने के विचार को आगे बढ़ाया और जीवन में लाया। मॉस्को में गेन्सिन इंस्टीट्यूट के शिक्षक और एक उत्कृष्ट संगीत कलाकार अलेक्जेंडर कामिलोविच फ्राउची के साथ घनिष्ठ सहयोग में, उन्होंने हवाना कॉन्सर्टो के निर्माण पर काम किया, जो 1983 में जारी किया गया था। हवाना की वास्तुकला की सुंदरता, प्रकृति के समृद्ध रंग, क्यूबा के गीतों और नृत्यों की लय और सामंजस्य संगीत कार्यक्रम का आलंकारिक और भावनात्मक आधार हैं, जिसे शास्त्रीय तीन-भाग के रूप में डिज़ाइन किया गया है। इस कॉन्सर्ट ने एक ज्वलंत विषयगत विषय और स्पष्ट रचनात्मक तर्क के साथ एक शास्त्रीय अभिविन्यास की रचना बनाने के इगोर रेखिन के सपने को मूर्त रूप दिया।

"सात-स्ट्रिंग वादकों" - मेनरो, बार्डिना, किम के साथ एक बैठक ने रेगिन को सात-स्ट्रिंग गिटार के लिए रचनाएँ लिखने के लिए प्रेरित किया। वह जानता था कि उसके पास लगभग कोई आधुनिक प्रदर्शन नहीं था, लेकिन उसके लिए "सात-तार" एक जीवित उपकरण था जिसके लिए यह संगीत लिखने लायक था। 1985 में बार्डिना ने सात-तार वाले गिटार के लिए अपना सोनाटा प्रदर्शन किया। इसके अलावा, रेखिन "सात-तार" के लिए एक कॉन्सर्टो पर काम कर रहे हैं - यह संगीत के इतिहास में इस उपकरण के लिए पहला संगीत कार्यक्रम है। उनकी संगीत छवियां राष्ट्रीय परंपराओं के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ी हुई हैं राष्ट्रीय संस्कृतिरूस.

उनकी रचनाओं में, संगीत कार्यक्रमों के अलावा, महत्वपूर्ण स्थानएक काम पर कब्जा है, जिसके निर्माण से उन्हें गिनीज बुक ऑफ रिकॉर्ड्स में शामिल होने में मदद मिली! यह गिटार के लिए एक अनोखा चक्र "ट्वेंटी-फोर प्रील्यूड्स एंड फ्यूग्स" है। रेखिन बाख के "एचटीके" के उदाहरण का अनुसरण करते हुए, गिटार के लिए प्रस्तावनाओं और फ्यूग्यूज़ का एक चक्र बनाना चाहते थे, जिन्होंने अपने समय में क्लैवियर के लिए ऐसा किया था। संगीतकार ने इस चक्र के निर्माण पर कई वर्षों तक काम किया, और... कार्य पूरा हो गया! ऐसी रचना की कठिनाई यह है कि तथाकथित "गैर-गिटार" कुंजियों (गिटार के लिए सुविधाजनक - ए, डी, ई) में काम करना आवश्यक था और न केवल सैद्धांतिक पदों के लिए, बल्कि इसके साथ भी। खेलने और बेहतर प्रदर्शन करने वालों की उम्मीद...

उनका प्रत्येक फ्यूग्यूज़ व्याख्या में शास्त्रीय है: टोनल प्रतिक्रियाओं के तर्क का सख्ती से पालन किया जाता है। लेकिन प्रत्येक में संगीतकार की एक अप्रत्याशित, असामान्य, लेकिन सबसे दिलचस्प संगीतमय भाषा होती है। उदाहरण के लिए, एक चक्र में सिंकोपेशन का उपयोग गिटार पॉलीफोनी को स्पष्ट रूप से उजागर करना संभव बनाता है। अधिकांश फ़्यूग 3- और 4-आवाज़ वाले होते हैं। इस कार्य को बनाते समय, इगोर रेखिन ने गिटार को एक सार्वभौमिक उपकरण के रूप में सोचा जिसमें विभिन्न कुंजियों में समान रूप से सार्वभौमिक संगीत का अभाव है। इन विचारों को सबसे अधिक अभिव्यक्ति के साधनों को प्रदर्शित करने की इच्छा के साथ जोड़ा गया था विभिन्न दिशाएँशास्त्रीय और आधुनिक संगीत.

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गिटार की उत्पत्ति सदियों के अंधेरे में खो गई है: वैज्ञानिक नहीं जानते कि यह कब और कहाँ से आया। ऐतिहासिक पथगिटार के विकास को मोटे तौर पर पांच अवधियों में विभाजित किया जा सकता है, जिन्हें मैं गठन, ठहराव, पुनरुद्धार, गिरावट और समृद्धि कहूंगा।

11वीं - 13वीं शताब्दी की यूरोपीय संस्कृति में अपने गठन की अवधि के दौरान, गिटार ने कई तार वाले वाद्ययंत्रों का स्थान ले लिया, और इसे विशेष रूप से स्पेन में पसंद किया गया। फिर गिटार के लिए ठहराव का युग शुरू हुआ, जो अरबी ल्यूट को यूरोप में लाए जाने के बाद शुरू हुआ। पूरी चार शताब्दियों तक, अधिकांश यूरोपीय संगीतकार, ल्यूट (जिसके लिए एक व्यापक प्रदर्शनों की सूची बनाई गई थी) से प्रभावित होकर, गिटार के बारे में भूल गए। हालाँकि, गिटार के सच्चे समर्थकों ने ल्यूट प्रदर्शनों की सूची बजाना सीखा, एक ओर, इस वाद्ययंत्र को बजाने की विशिष्ट तकनीकों का लाभ उठाया, और दूसरी ओर, गिटार के फायदों का लाभ उठाया, जिसमें अधिक आसानी शामिल थी। पतली और लंबी गर्दन और कम तारों के कारण प्रदर्शन। परिणामस्वरूप, गिटार को पुनर्जीवित करने की प्रक्रिया 18वीं शताब्दी के मध्य में शुरू हुई। 19वीं शताब्दी में, कई संगीतकारों को इस वाद्ययंत्र से प्यार हो गया और वे इसकी आत्मा को समझने में सक्षम हुए। गिटार के लिए संगीत एफ. शुबर्ट, के. वेबर, जी. बर्लियोज़ और अन्य द्वारा लिखा गया था। निकोलो पगनिनी (1782-1840) द्वारा गिटार के लिए और इसकी भागीदारी के साथ बड़ी संख्या में रचनाएँ बनाई गईं (उनके द्वारा लिखी गई रचनाएँ अभी भी संगीत कार्यक्रम के मंच पर मौजूद हैं) छह सोनाटिनासगिटार संगत के साथ वायलिन के लिए)। ऐसे कलाकार और संगीतकार सामने आए जिन्होंने अपना जीवन पूरी तरह से गिटार को समर्पित कर दिया, उदाहरण के लिए इटली में एफ. कारुल्ली (1770-1841), एम. गिउलियानी (1781-1829), एम. कारकासी (1792-1853)। स्पेन में - एफ. सोर (1788-1839) और एफ. तारेगा (1852-1909), जिन्हें उचित ही गिटार कला का क्लासिक्स कहा जाता है। इसके बाद, इस परंपरा को एम. लोबेट (1875-1938), ई. पुजोल (1886-1980) और विशेष रूप से 20वीं सदी के महान स्पेनिश गिटारवादक एंड्रेस सेगोविया (1893-1987) द्वारा जारी रखा गया, जो सैलून से गिटार लाए थे। दुनिया के सबसे बड़े मंचों तक।

रूस में, आश्चर्यजनक रूप से, 19वीं सदी के मध्य से ही गिटार कला का पतन शुरू हो गया था। संगीत विद्यालयों में गिटार कक्षाएं, जो उस समय रूसी म्यूजिकल सोसाइटी की गतिविधियों के कारण व्यापक हो रही थीं, बंद कर दी गईं। गिटार बजाना सीखना निजी शिक्षकों के हाथों में केंद्रित था, और इसकी मार्मिक ध्वनियाँ अक्सर शराबखानों से, या, अधिक से अधिक, सैलून और उद्यान मंडपों से सुनी जाती थीं। केवल 19वीं और 20वीं शताब्दी के मोड़ पर रूस में गिटार के प्रति एक गंभीर दृष्टिकोण का पुनरुद्धार शुरू हुआ, और फिर धीरे-धीरे गिटार प्रदर्शन का विकास हुआ। यह काफी हद तक एंड्रेस सेगोविया के रूस दौरे के कारण था, जिन्होंने हमारे श्रोताओं को आश्वस्त किया कि एक संगीत वाद्ययंत्र के रूप में गिटार वायलिन, सेलो और पियानो के बराबर है। स्पैनिश मास्टर प्योत्र अगाफोशिन और उनके छात्र अलेक्जेंडर इवानोव-क्राम्स्कोय के रूसी सहयोगियों ने बुर्जुआ जीवन से संगीत और शैक्षणिक कला के क्षेत्र में गिटार के प्रस्थान में बड़े पैमाने पर योगदान दिया। इस तरह इसकी शुरुआत रूस में हुई नया युग- अकादमिक (एकल और कलाकारों की टुकड़ी) गिटार प्रदर्शन के गहन गठन और विकास का समय। रूसी गिटार संगीत की उपलब्धियाँ कॉन्सर्ट गिटारवादकों - रूसी संगीत विश्वविद्यालयों के छात्रों के काम से स्पष्ट रूप से प्रमाणित होती हैं।

इस क्षेत्र में गिटार बजाने के आधुनिक रूसी स्कूल की निस्संदेह सफलताओं के साथ, हमने संगीत और कलात्मक, साथ ही मनोवैज्ञानिक, शैक्षणिक, तकनीकी और यहां तक ​​​​कि सामाजिक-सांस्कृतिक दोनों - कई तीव्र अनसुलझे समस्याएं जमा की हैं। शायद सबसे चिंताजनक बात उच्च योग्य, पेशेवर रूप से खेलने वाले और इसके अलावा, रचनात्मक सोच वाले शिक्षकों की कमी है। हाँ, घरेलू गिटारवादकों की विरासत उत्कृष्ट गुरुओं, युवाओं के गंभीर शिक्षकों और महान संगीतकारों द्वारा बनाए गए कई प्रदर्शन विद्यालय हैं। उनके नाम सर्वविदित हैं. ये हैं एम. कारकासी, ए. इवानोव-क्राम्स्कोय, ई. लारीचेव, वी. यशनेव, बी. वोल्मन, पी. वेशिट्स्की, पी. अगाफोशिन, वी. किर्यानोव और अन्य। महान एफ. तारेगा के साथ अध्ययन करने वाले ई. पुजोल का रचनात्मक कार्य और स्कूल गंभीर अध्ययन का पात्र है। एक अन्य उदाहरण समारा गिटारवादक ए.आई. मतयेव का काम है, जो एक आधिकारिक शिक्षक और पद्धतिविज्ञानी हैं, जिनके छात्र गिटार प्रदर्शन और शिक्षण विधियों में अपने स्वयं के रास्ते तलाशते हैं और विकसित करते हैं। वास्तव में, ऐसा ही होना चाहिए। इसलिए, यहां गिटार की बढ़ती लोकप्रियता, इसे सिखाने की मांग और योग्य शिक्षकों की संख्या के बीच विसंगति की समस्या को उठाते हुए, मैं गंभीर स्थापित करने के लिए, अधिक व्यापक रूप से, गिटार शिक्षकों के बीच विचारों के आदान-प्रदान को व्यवस्थित करने की आवश्यकता पर जोर देता हूं। क्षेत्रीय स्तर पर और पूरे रूस में पद्धतिगत कार्य। अन्यथा, हमारे पद्धतिगत साहित्य की जो स्थिति आज मौजूद है, वह लंबे समय तक कायम रह सकती है।

दुर्भाग्य से, घरेलू गिटार बाजार अब निम्न-गुणवत्ता वाले "गिटार स्कूलों" (या "स्व-शिक्षकों") से भर गया है, जो किसी भी तरह से व्यावसायिकता की नींव या सामान्य रूप से गिटार के प्रति गंभीर दृष्टिकोण विकसित नहीं करते हैं। इस तरह के मैनुअल के लेखक अक्सर इस तरह से खुद को अपने संकीर्ण गिटार "दुनिया" में स्थापित करने की कोशिश करते हैं, जिसमें वे खुद कथित तौर पर गिटार में "महारत हासिल" करते हैं। आम तौर पर पाठ या संगीत सामग्री को फिर से लिखा जाता है, कभी-कभी उंगलियों को यहां और वहां बदल दिया जाता है, एक या दो नए अभ्यासों का आविष्कार किया जाता है - और स्व-सिखाया लोगों के लिए "स्कूल" तैयार है। निःसंदेह, वायलिन, पियानो या यूं कहें कि कोई भी वायु वाद्ययंत्र बजाना सीखने के संबंध में ऐसा कुछ भी नहीं है और न ही हो सकता है। लेकिन गिटार एक विशेष वाद्ययंत्र है: सरल और जटिल। जब घर पर खेलने की बात आती है, तो यह सबसे सरल लगता है। यदि आप वास्तव में, पेशेवर रूप से खेलते हैं, तो यह बहुत कठिन है। लेकिन अभी भी एक गिटार संस्कृति होनी चाहिए। और यदि हम चाहते हैं कि यह लोकप्रिय उपकरण हमारी संगीत संस्कृति का हिस्सा बन जाए, जैसा कि हम जानते हैं, तो हमें इसकी सभी अभिव्यक्तियों - पेशेवर और शौकिया दोनों - में गिटार के अकादमिक वादन से ही शुरुआत करनी होगी, जैसा कि हम जानते हैं, इसकी गुणवत्ता बहुत अधिक है। कलात्मक स्तर.

निःसंदेह, हमें यह ध्यान में रखना चाहिए कि गिटार और गिटार कला दो आयामों में मौजूद है - लोक और पेशेवर। एक लोक वाद्ययंत्र के रूप में, गिटार में लगभग कोई बदलाव नहीं होता है: इसकी संगत में इस पर किए गए नाटक, गाने और रोमांस संरक्षित हैं, और बजाने की तकनीक अपरिवर्तित रहती है। लेकिन एक पेशेवर संगीत वाद्ययंत्र के रूप में, गिटार हर समय प्रगति कर रहा है: प्रदर्शनों की सूची संगीत और तकनीकी रूप से अधिक जटिल होती जा रही है, गिटार प्रदर्शन प्रौद्योगिकी में नए रुझान उभर रहे हैं, ध्वनि उत्पादन के अधिक उन्नत तरीके, रंगीन साधन, स्कूल और तकनीकें सामने आ रही हैं। . हालाँकि, यहाँ भी कभी-कभी ग़लतफ़हमियाँ पैदा हो जाती हैं।

यह पता चला कि एक नए गिटार का आविष्कार किया गया था, जिसे "ग्रैन" कहा जाता था। मुझे भव्य गिटारवादकों के साथ एक बैठक याद है जो समीक्षाओं के लिए तोगलीपट्टी इंस्टीट्यूट ऑफ आर्ट्स में आए थे। उनके पास एक नए गिटार के "आविष्कार" के लिए पेटेंट था, और कथित तौर पर गिटार में उच्च शिक्षा (ग्रैंड गिटार की निजी अकादमी!) थी, हालांकि, वास्तव में यह पता चला कि यह उपकरण वर्तमान समय का आविष्कार नहीं था। नॉर्वे में, एक प्रकार का वायलिन होता है, जिसमें चार मुख्य तारों के अलावा, समान संख्या में गुंजयमान तार होते हैं, जो नीचे स्थित होते हैं और वाद्ययंत्र की ध्वनि को एक विशेष रंग देते हैं, जिससे इसकी लय समृद्ध होती है। इस वायलिन को अलग-अलग तरीकों से ट्यून किया गया था और इसका उपयोग ऑर्केस्ट्रा में केवल एक सहायक उपकरण के रूप में किया गया था, वही ध्वनिक सिद्धांत कई वायलों के डिजाइन को रेखांकित करता था। ग्रैन गिटार में साउंडबोर्ड के क्षितिज के संबंध में 12 तार होते हैं, ये छह निचले (धातु) और छह ऊपरी (नायलॉन) होते हैं। महान गिटारवादक सभी बारह तारों को बजाने का प्रयास करते हैं! विशेष रूप से, वे अपने वादन में सक्रिय रूप से उन्हीं तारों का उपयोग करते हैं जो नॉर्वेजियन वायलिन वादकों के लिए केवल गुंजायमान होते हैं। नतीजतन, ऐसे उपकरण को बजाते समय, अविश्वसनीय झूठ उत्पन्न होता है - और, सबसे ऊपर, गंदा (यादृच्छिक) राग संयोजन। यह स्पष्ट है कि स्ट्रिंग्स की इतनी महत्वपूर्ण संख्या खेल में विशुद्ध रूप से तकनीकी प्रकृति की भारी कठिनाइयाँ पैदा करेगी, जिसे, शायद, केवल एक रोबोट ही पूरी तरह से सामना कर सकता है, न कि वह व्यक्ति जिसके पास त्रुटिहीन उन्मुखीकरण प्रतिक्रियाएँ और असाधारण रूप से लचीला नहीं है तंत्रिका तंत्र।

हालाँकि, निष्पक्ष होने के लिए, यह कहा जाना चाहिए कि ग्रैन गिटार की ध्वनि काफी गहरी और समयबद्ध रूप से सुंदर है, क्योंकि यह नायलॉन और धातु के तारों की एक साथ ध्वनि का परिणाम है। इसलिए, यह संभव है कि आगे की खोज से इस उपकरण को बजाने वालों को, जैविक कठिनाइयों पर काबू पाने में, इसके उपयोगी गुणों की पहचान करने में मदद मिलेगी। लेकिन फिलहाल, मेरी राय में, माफी मांगने वालों के दिखावटी बयान कि अब भव्य गिटार का युग आ गया है, और अन्य सभी प्रकार के गिटार पहले से ही अतीत की बात बन गए हैं, बहुत गलत हैं।

प्रत्येक गिटार शिक्षक को स्पष्ट रूप से स्वयं से गिटार बजाना सीखने के मुख्य मूल्यों का प्रश्न पूछने की आवश्यकता है। यह संभावना नहीं है कि वे नई-नवेली तकनीकों, भव्य रूप से विज्ञापित नवाचारों, जल्दबाजी में तैयार किए गए और "बिक्री" प्रदर्शनों की प्रशंसा कर सकते हैं। गिटार प्रदर्शन में, अन्य सभी प्रकार की संगीत प्रदर्शन कलाओं की तरह, सबसे पहले, प्रदर्शन की संस्कृति के लिए, जो प्रदर्शन किया जा रहा है उसकी कलात्मक सामग्री की पहचान करने के लिए, उच्च गुणवत्ता वाली ध्वनि के लिए और निश्चित रूप से, प्रयास करना चाहिए। मुफ़्त, विकसित तकनीक। दूसरे शब्दों में, वह सब कुछ जो एक अभिन्न संगीत और कलात्मक छाप बनाता है जो श्रोता को मंत्रमुग्ध और मंत्रमुग्ध कर देता है। साथ ही, एक शिक्षक जो अपनी कला में अभ्यास में सिद्ध शास्त्रीय परंपराओं का पालन करता है, उसे खोजों और नवाचारों को नजरअंदाज नहीं करना चाहिए (यदि, निश्चित रूप से, वे योग्य, सक्षम संगीतकारों से आते हैं)। सर्वोत्तम, सबसे प्रगतिशील और उपयोगी पहलुओं का विश्लेषण, सामान्यीकरण और संश्लेषण करने का अधिकार सुरक्षित रखना सभी मामलों में महत्वपूर्ण है। जो सबसे आवश्यक है उसे देखना और उपयोग करना सीखना आवश्यक है, यह अनुमान लगाने की कोशिश करना कि किसी विशेष शैक्षिक स्थिति में कौन सी नई चीजें वास्तव में उपयोगी हो सकती हैं - मान लीजिए, भविष्य के लिए एक छात्र के विकास में उपयोगी हो सकती हैं (एक या दो साल में) . आख़िरकार, सफलता अंततः किसी विशेष तकनीक, स्ट्रोक, पद्धति, दृष्टिकोण आदि के व्यक्तिगत अनुप्रयोग की उपयुक्तता पर निर्भर करती है। बिल्कुल इसी स्थिति में. उदाहरण के लिए, गिटार बजाने में किसी तकनीक का उपयोग करना है या नहीं, इस बारे में अमूर्त रूप से बहस करनाअपॉयंडो

या इसका उपयोग न करें... इसके बारे में बात करना शायद ही उचित है। यह विश्लेषण करना और समझना महत्वपूर्ण है कि इस अद्भुत प्रदर्शन तकनीक का उपयोग कहाँ, कब, क्यों और किस हद तक करना उचित है। आइए एक और उदाहरण लें - गिटारवादक की स्थिति। इसके निर्माण की अनेक विधियाँ थीं। बेहतर अनुनाद के लिए गिटार की बॉडी को कुर्सी या मेज पर भी झुका दिया गया था। आज तक, अलग-अलग बेंचें अलग-अलग पैरों के नीचे रखी जाती हैं। एक गिटारवादक अपना बायां पैर अपने दाहिनी ओर रखता है, और दूसरा - इसके विपरीत। दाहिनी कोहनी की स्थिति के बारे में, दाहिने हाथ के खेलने के आकार के बारे में, कलाकार के शरीर के संबंध में गर्दन की स्थिति के कोण के बारे में अलग-अलग राय हैं। संक्षेप में, कई राय हैं, लेकिनसामान्य मानदंड खेल की सबसे सही स्थिति का निर्धारण, और यहां तक ​​कि हाथों की संरचना की व्यक्तिगत विशेषताओं और छात्र के संपूर्ण शारीरिक संविधान को ध्यान में रखते हुए, अंतर होना चाहिए।लेकिन प्रत्येक गिटारवादक के लिए, सौंदर्य अपील पूरी तरह से बाहरी, दृश्य नहीं हो सकती है, बल्कि भीतर से आनी चाहिए, जो संक्षेप में, आंतरिक संगीत संस्कृति की अभिव्यक्ति है। केवल ऐसी संस्कृति के साथ ही एक गिटारवादक जीवित संगीतमय ध्वनि की मदद से स्वतंत्र रूप से "उच्चारण" और संगीत का उच्चारण करने में सक्षम होगा, जो बदले में बाहरी सुंदरता बन जाएगा, अर्थात, किसी के समझदार कान द्वारा माना जाएगा। इस प्रकार, यहां व्यक्त किए गए विचारों का दायरा बंद हो गया है: संगीत के श्रोता पर सौंदर्यात्मक प्रभाव डालने के लिए, इसके कलाकार को त्रुटिहीन कलात्मक स्वाद वाला पूरी तरह से उच्च सुसंस्कृत व्यक्ति होना चाहिए।

आइए अब एक और समस्या की ओर मुड़ें जो प्रासंगिक लगती है। अक्सर माता-पिता स्वयं बच्चे की रुचि का हवाला देते हुए लगभग छह साल के बच्चों को गिटार क्लास में लाते हैं। ऐसे मामलों में, उन्हें विभिन्न प्रकार की कलाओं (नृत्य, गायन, तथाकथित "प्राथमिक" वाद्ययंत्रों को बजाना, जिनमें काफी सुंदर समय होता है) के लिए बच्चे के प्रारंभिक, व्यापक, व्यापक परिचय की उपयुक्तता के बारे में समझाना आवश्यक होगा। लेकिन ध्वनि उत्पादन तकनीक आदि के मामले में काफी आसान हैं।) माता-पिता को यह विश्वास दिलाना आवश्यक है कि लय की भावना और आंदोलनों के समन्वय को विकसित करना, संगीत की स्वर-शैली की धारणा के अनुसार उनकी सुनवाई को समायोजित करना, संगीत की समझ हासिल करना जो इस उम्र में संभव है, प्रयास करने की तुलना में अधिक महत्वपूर्ण है। गिटार बजाने के कौशल में शीघ्र महारत हासिल करने के लिए।

हमारे विचारों का एक अन्य विषय गिटार कक्षा के लिए तथाकथित "प्रवेश परीक्षा" है, जो, जैसा कि सर्वविदित है, कथित तौर पर संगीत, लय और स्मृति के लिए युवा आवेदक के कान का परीक्षण करती है। मैं सफल वाद्ययंत्र बजाने की संभावनाओं को निर्धारित करने के लिए ऐसे परीक्षणों की बेकारता के बारे में चेतावनी देना चाहूंगा - विशेष रूप से गिटार। कई महीनों की कक्षाओं के बाद ही शिक्षक को छात्र की क्षमताओं और उसके सीखने की संभावनाओं का आकलन करने का अधिकार होता है, जो अक्सर संगीत, शिक्षक और अन्य छात्रों के साथ लाइव रचनात्मक संचार की प्रक्रिया में प्रकट होते हैं। कभी-कभी तीन, चार, पांच साल बीत जाते हैं और यह पता चलता है कि शुरुआत में ही "बधिर, अनियमित" के रूप में पहचाने जाने वाले छात्र को पुरस्कार मिलता है और एक अखिल रूसी प्रतियोगिता के विजेता का खिताब मिलता है, आधिकारिक द्वारा उसे संबोधित चापलूसी वाले शब्दों को सुनता है संगीतकार.

निस्संदेह, न केवल गिटार कक्षा के लिए, यह प्रश्न भी प्रासंगिक है कि संगीत विद्यालय में प्रशिक्षण की शुरुआत से ही वाद्ययंत्र पर व्यवस्थित, व्यवस्थित प्रशिक्षण कैसे प्राप्त किया जाए? यहां हम किसी वाद्य यंत्र को बजाने में महारत हासिल करने के इरादे की निरर्थकता को समझने के लिए छात्र के लिए आवश्यक सबसे गंभीर शैक्षिक कार्य के बिना नहीं कर सकते हैं, जो केवल स्कूल में पाठ में भाग लेने और घर पर पढ़ाई न करने से होता है। बेशक, यह एक अलग विषय है जो मनोवैज्ञानिक और शैक्षणिक दृष्टि से विशेष विकास का हकदार है। मैं सफल संगीत अध्ययन के लिए इसके विशेष महत्व पर जोर देना चाहूंगा।

गिटार की कई और समस्याएं हैं जिन पर सम्मानित गिटारवादकों और उच्च सुसंस्कृत संगीतकारों द्वारा गंभीर चर्चा की आवश्यकता है। शायद उनमें से सबसे महत्वपूर्ण ध्वनि की समस्या है (बेशक, यह सभी संगीत वाद्ययंत्रों के लिए प्रासंगिक है, लेकिन वायलिन वादकों, सेलिस्टों और पियानोवादकों के लिए यह काफी विकसित है)। लाक्षणिक रूप से कहें तो गिटार वास्तव में एक ऐसा संगीत वाद्ययंत्र है जो मौन को तोड़ता नहीं है, बल्कि उसे निर्मित करता है। लेकिन न केवल इस कविता में गिटार की अपार लोकप्रियता का रहस्य छिपा है: कुशल हाथों में यह एक ऑर्केस्ट्रा की तरह लगता है। इस "ऑर्केस्ट्रा" को अपने हाथों में लेकर, आप निकल सकते हैं, दूर जा सकते हैं, पहाड़ों पर जा सकते हैं, या मंच पर जा सकते हैं और, एक मिनट की ट्यूनिंग के बाद, ध्वनियों और उंगलियों पर स्वतंत्र लगाम दे सकते हैं (ये "पांच फुर्तीले खंजर, ” जैसा कि गार्सिया लोर्का ने कहा) - हमारी आत्माओं को उनके साथ देने के लिए उत्साहित हो जाओ या अपने आप को भूल जाओ।

एस्टुलिन ग्रिगोरी एडुआर्डोविच
01.08.2006

इस संगीत वाद्ययंत्र की उत्पत्ति, विकास और सुधार का इतिहास इतना अद्भुत और रहस्यमय है कि यह एक रोमांचक जासूसी कहानी जैसा दिखता है। गिटार के बारे में पहली जानकारी प्राचीन काल से मिलती है। हजारों साल पुराने मिस्र के स्मारकों पर, एक संगीत वाद्ययंत्र - "नाबला" की छवियां हैं, जो दिखने में एक गिटार जैसा दिखता है। गिटार एशिया में भी व्यापक था, जिसकी पुष्टि असीरिया, बेबीलोन और फेनिशिया के स्थापत्य स्मारकों की छवियों से होती है। 13वीं सदी में अरब इसे स्पेन ले आए, जहां जल्द ही इसे पूर्ण मान्यता मिल गई। 15वीं शताब्दी के अंत में, स्पेन में धनी परिवार विज्ञान और कला के संरक्षण में एक-दूसरे से प्रतिस्पर्धा करने लगे। गिटार, ल्यूट और अन्य वाद्ययंत्रों के साथ, कोर्ट में एक पसंदीदा वाद्ययंत्र बन गया। स्पेन के सांस्कृतिक जीवन में, 16वीं शताब्दी से शुरू होकर, कई संघों, अकादमियों, मंडलियों और बैठकों - "सैलून" ने एक प्रमुख भूमिका निभाई, जो नियमित रूप से आयोजित की जाती थीं। उस समय से, बजाने वाले वाद्ययंत्रों के प्रति जुनून व्यापक जनसमूह में प्रवेश कर गया है, और उनके लिए विशेष संगीत साहित्य बनाया गया है। इसका प्रतिनिधित्व करने वाले संगीतकारों के नाम एक लंबी श्रृंखला बनाते हैं: मिलान, कॉर्बेटो, फ़ुएनलाना, मारिन आई गार्सिया, सानज़ और कई अन्य।

विकास में एक लंबा सफर तय करने के बाद, गिटार ने आधुनिक रूप धारण कर लिया है। 18वीं शताब्दी तक, इसका आकार छोटा था, और इसका शरीर संकीर्ण और लम्बा था। प्रारंभ में, इस वाद्य यंत्र में एक ल्यूट की तरह पांच तार होते थे, जो चौथाई तार से जुड़े होते थे। बाद में, गिटार छह-तार वाला गिटार बन गया, जिसमें खुले तारों की ध्वनि का बेहतर दोहन करने के लिए खुली स्थिति में बजाने के लिए अधिक उपयुक्त ट्यूनिंग थी। इस प्रकार, 19वीं शताब्दी के मध्य तक, गिटार ने अपना अंतिम रूप प्राप्त कर लिया था। इस पर ट्यूनिंग में छह तार दिखाई दिए: ई, बी, जी, डी, ए, ई।

गिटार ने यूरोप में बहुत लोकप्रियता हासिल की और इसे उत्तरी और दक्षिणी अमेरिका के देशों में लाया गया। हम गिटार के इतने व्यापक उपयोग को कैसे समझा सकते हैं? मुख्य रूप से क्योंकि इसमें महान क्षमताएं हैं: इसे एकल बजाया जा सकता है, आवाज, वायलिन, सेलो, बांसुरी के साथ, यह विभिन्न ऑर्केस्ट्रा और कलाकारों की टुकड़ियों में पाया जा सकता है। छोटे आयाम और अंतरिक्ष में आसानी से घूमने की क्षमता और, सबसे महत्वपूर्ण बात, एक असामान्य रूप से मधुर, गहरी और एक ही समय में पारदर्शी ध्वनि - रोमांटिक पर्यटकों से लेकर पेशेवर संगीतकारों तक प्रशंसकों की एक विस्तृत श्रृंखला के बीच इस सार्वभौमिक संगीत वाद्ययंत्र के प्रति प्यार को उचित ठहराती है।

18वीं शताब्दी के अंत में, संगीतकार और गुणी लोग स्पेन में प्रकट हुए

एफ. सोर और डी. अगुआडो, एक ही समय में इटली में - एम. ​​गिउलियानी। एल. लेनियानी, एफ. कारुल्ली, एम. कारकासी और अन्य। वे गिटार के लिए एक व्यापक संगीत कार्यक्रम बनाते हैं, जिसमें छोटे टुकड़ों से लेकर सोनाटा और ऑर्केस्ट्रा के साथ संगीत कार्यक्रम, साथ ही अद्भुत "छह-स्ट्रिंग गिटार बजाने के लिए स्कूल", एक व्यापक शैक्षिक और रचनात्मक प्रदर्शनों की सूची शामिल है। हालाँकि इस शैक्षणिक साहित्य के पहले प्रकाशन को लगभग दो सौ साल बीत चुके हैं, फिर भी यह शिक्षकों और छात्रों दोनों के लिए एक मूल्यवान विरासत है।

संगीतकार सोर पश्चिमी यूरोप और रूस के शहरों में बड़ी सफलता के साथ संगीत कार्यक्रम देते हैं। उनके बैले "सिंड्रेला", "लुबनिक एज़ अ पेंटर", "हरक्यूलिस एंड ओमफले", साथ ही ओपेरा "टेलीमैकस" का सेंट पीटर्सबर्ग, मॉस्को और पश्चिमी यूरोप के प्रमुख शहरों के मंचों पर कई प्रदर्शन हुए हैं। पॉलीफोनिक शैली, समृद्ध कल्पना और सामग्री की गहराई सोरा के काम की विशेषता है। वह एक शिक्षित संगीतकार-संगीतकार, एक प्रतिभाशाली गिटारवादक हैं, जो अपने प्रदर्शन की गहराई और अपनी तकनीक की प्रतिभा से आश्चर्यचकित करते हैं। उनकी रचनाएँ गिटारवादकों के प्रदर्शनों की सूची में मजबूती से स्थापित हो गई हैं। इटालियन गिउलियानी इटालियन गिटार स्कूल के संस्थापकों में से एक हैं। वह एक शानदार गिटारवादक थे और वायलिन भी बखूबी बजाते थे। जब बीथोवेन की सातवीं सिम्फनी पहली बार 1813 में लेखक के मार्गदर्शन में वियना में प्रदर्शित की गई थी, तो गिउलिआनी ने एक वायलिन वादक के रूप में इसके प्रदर्शन में भाग लिया था। बीथोवेन एक संगीतकार और संगीतकार के रूप में गिउलियानी को उच्च सम्मान में रखते थे। ऑर्केस्ट्रा के साथ उनके सोनाटा और संगीत कार्यक्रम आधुनिक गिटारवादकों द्वारा प्रस्तुत किए जाते हैं, और उनका शैक्षणिक साहित्य शिक्षकों और छात्रों दोनों के लिए एक मूल्यवान विरासत है।

मैं विशेष रूप से प्रसिद्ध इतालवी गिटारवादक-शिक्षक, संगीतकार एम. कारकासी द्वारा हमारे देश में सबसे प्रसिद्ध और सबसे अधिक बार प्रकाशित, "द स्कूल ऑफ प्लेइंग द सिक्स-स्ट्रिंग गिटार" पर ध्यान देना चाहूंगा। "स्कूल" की प्रस्तावना में लेखक कहता है: "...मेरा वैज्ञानिक कार्य लिखने का कोई इरादा नहीं था। मैं केवल एक योजना बनाकर गिटार सीखना आसान बनाना चाहता था जिससे इस वाद्ययंत्र की सभी विशेषताओं से अधिक परिचित होना संभव हो सके।" इन शब्दों से, यह स्पष्ट है कि एम. कारकासी ने गिटार बजाना सीखने के लिए एक सार्वभौमिक मैनुअल बनाने का कार्य स्वयं निर्धारित नहीं किया था, और यह शायद ही संभव है। "स्कूल" बाएँ और दाएँ हाथ की तकनीक, गिटार बजाने, बजाने की विभिन्न विशिष्ट तकनीकों पर कई मूल्यवान निर्देश देता है विभिन्न पदऔर तानवाला. संगीत के उदाहरण और टुकड़े क्रमिक रूप से दिए गए हैं, बढ़ती कठिनाई के क्रम में, वे एक संगीतकार और शिक्षक के रूप में महान कौशल के साथ लिखे गए थे और शैक्षिक सामग्री के रूप में अभी भी बहुत मूल्यवान हैं।

हालाँकि, आधुनिक दृष्टिकोण से, इस "स्कूल" में कई गंभीर कमियाँ हैं। उदाहरण के लिए, दाहिने हाथ से खेलने की एपॉयंडो (समर्थन के साथ खेलना) जैसी महत्वपूर्ण तकनीक पर बहुत कम ध्यान दिया गया है; 18वीं शताब्दी की पश्चिमी यूरोपीय परंपरा के संगीत पर आधारित संगीत भाषा कुछ हद तक नीरस है; उंगलियों के विकास, मधुर-हार्मोनिक सोच के मुद्दों को व्यावहारिक रूप से नहीं छुआ जाता है, हम केवल बाएं और दाएं हाथों की उंगलियों के सही स्थान के बारे में बात कर रहे हैं, जो प्रदर्शन में कई तकनीकी कठिनाइयों को हल करना, ध्वनि में सुधार करना संभव बनाता है। वाक्यांश, आदि

19वीं सदी के उत्तरार्ध में गिटार के इतिहास में कुछ नया सामने आया। उज्ज्वल नामस्पैनिश संगीतकार, कलाप्रवीण एकल कलाकार और शिक्षक फ़्रांसिस्को तारेगा। वह अपनी लेखन शैली स्वयं बनाते हैं। उसके हाथों में गिटार एक छोटे ऑर्केस्ट्रा में बदल जाता है।

इस अद्भुत संगीतकार के प्रदर्शन कार्य ने उनके दोस्तों - संगीतकारों: अल्बेनिज़, ग्रेनाडोस, डी फ़ल्ला और अन्य के काम को प्रभावित किया। उनके पियानो कार्यों में अक्सर गिटार की नकल सुनी जा सकती है। खराब स्वास्थ्य ने तारेगा को संगीत कार्यक्रम देने से रोक दिया, इसलिए उन्होंने खुद को इसके लिए समर्पित कर दिया शैक्षणिक गतिविधि. हम सुरक्षित रूप से कह सकते हैं कि तारेगा ने गिटार बजाने का अपना स्कूल बनाया। उनके सर्वश्रेष्ठ छात्रों में मिगुएल लोबेट, एमिलियो पुजोल, डोमिनिको प्रैट, डैनियल फोर्टिया, इलारियन लेलुपे और अन्य प्रसिद्ध संगीत कलाकार शामिल हैं। आज तक, तारेगा शिक्षण पद्धति पर आधारित ई. पुजोल, डी. फोर्टिया, डी. प्रैट, आई. लेलुपा, आई. एरेन्स और पी. रोचा के "स्कूल" प्रकाशित हो चुके हैं। आइए प्रसिद्ध स्पेनिश गिटारवादक, शिक्षक और संगीतज्ञ ई. पुजोल द्वारा लिखित "सिक्स-स्ट्रिंग गिटार बजाने के स्कूल" के उदाहरण का उपयोग करके इस पद्धति पर करीब से नज़र डालें। "स्कूल" की एक विशिष्ट विशेषता शास्त्रीय गिटार बजाने के सभी मुख्य "रहस्यों" की उदार, विस्तृत प्रस्तुति है। गिटार तकनीक के सबसे आवश्यक मुद्दों को सावधानीपूर्वक विकसित किया गया है: हाथों की स्थिति, उपकरण, ध्वनि उत्पादन के तरीके, बजाने की तकनीक आदि। सामग्री की व्यवस्था का क्रम गिटारवादक की व्यवस्थित तकनीकी और कलात्मक तैयारी में योगदान देता है। "स्कूल" पूरी तरह से मूल संगीत सामग्री पर बनाया गया है: लगभग सभी रेखाचित्र और अभ्यास लेखक द्वारा (एफ. तारेगा की पद्धति को ध्यान में रखते हुए) विशेष रूप से संबंधित अनुभागों के लिए बनाए गए थे।

विशेष रूप से मूल्यवान बात यह है कि यह शैक्षणिक प्रकाशन न केवल गिटार बजाने की कठिनाइयों को विस्तार से बताता है, बल्कि उन्हें कैसे दूर किया जाए, इसका भी विस्तार से वर्णन करता है। विशेष रूप से, दाएं और बाएं हाथ से खेलते समय सही उंगलियों का उपयोग करने की समस्या पर बहुत ध्यान दिया जाता है, और विभिन्न स्थितियों में खेलने की तकनीक, विभिन्न आंदोलनों, बाएं हाथ की शिफ्ट पर भी विस्तार से विचार किया जाता है, जो निश्चित रूप से उँगलियों की सोच के विकास में योगदान देता है। पुजोल के "स्कूल" की प्रभावशीलता की पुष्टि, विशेष रूप से, हमारे देश, यूरोप और अमेरिका के कई शैक्षणिक संस्थानों में इसके उपयोग के अभ्यास से की गई है।

20वीं सदी के महानतम स्पेनिश गिटारवादक की रचनात्मक गतिविधि विश्व गिटार कला के विकास के लिए बहुत महत्वपूर्ण थी। आंद्रेसे सेगोविया. उपकरण के विकास के इतिहास में उनकी भूमिका का असाधारण महत्व न केवल उनकी प्रदर्शन और शैक्षणिक प्रतिभा थी, बल्कि एक आयोजक और प्रचारक के रूप में उनकी क्षमताएं भी थीं। शोधकर्ता एम. वेसबॉर्ड लिखते हैं: “...गिटार को एक संगीत वाद्ययंत्र के रूप में स्थापित करने के लिए, इसमें वह कमी थी, उदाहरण के लिए, पियानो या वायलिन में - एक अत्यधिक कलात्मक प्रदर्शनों की सूची। एंड्रेस सेगोविया की ऐतिहासिक योग्यता, सबसे पहले, ऐसे प्रदर्शनों की सूची के निर्माण में शामिल है..." और आगे: “एम. पोंस (मेक्सिको), एम.के. ने सेगोविया के लिए लिखना शुरू किया। टेडेस्को (इटली), जे. इबर्ट, ए. रूसेल (फ्रांस), सी. पेड्रेल (अर्जेंटीना), ए. टैन्समैन (पोलैंड), और डी. डुआर्ट (इंग्लैंड), आर. स्मिथ (स्वीडन) ..."। संगीतकारों की इस छोटी और दूर की पूरी सूची से, यह स्पष्ट है कि यह ए सेगोविया का धन्यवाद था कि शास्त्रीय गिटार के लिए पेशेवर रचनाओं का भूगोल तेजी से विस्तारित हुआ, और समय के साथ, इस उपकरण ने कई उत्कृष्ट कलाकारों का ध्यान आकर्षित किया - ई। विला लोबोस, बी ब्रिटन। दूसरी ओर, प्रतिभाशाली संगीतकारों का पूरा समूह उभर रहा है जो पेशेवर कलाकार भी हैं - ए. बैरियोस, एल. ब्रौवर, आर. डिएन्स, एन. कोस्किन, आदि।

संगीत कला "लोक वाद्ययंत्र" गिटार के क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-व्यावसायिक सामान्य शिक्षा कार्यक्रम। विषय क्षेत्र बी.00. परिवर्तनीय भाग वी.03.यूपी.03.कैसिक गिटार प्रदर्शन का इतिहास।कार्यान्वयन अवधि 1 वर्ष. कार्यक्रम में सभी आवश्यक अनुभाग शामिल हैं: व्याख्यात्मक नोट, शैक्षणिक विषय की सामग्री, पाठ्यक्रम, छात्रों के प्रशिक्षण के स्तर के लिए आवश्यकताएं, नियंत्रण के रूप और तरीके, मूल्यांकन प्रणाली, शैक्षिक प्रक्रिया का पद्धतिगत समर्थन, संदर्भों की सूची।

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पूर्व दर्शन:

नगरपालिका बजटीय शैक्षणिक संस्थान

बच्चों के लिए अतिरिक्त शिक्षा

नोवोज़ाविडोव्स्की में बच्चों का कला विद्यालय

अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर

क्षेत्र में सामान्य शिक्षा कार्यक्रम

संगीत कला

"लोक वाद्ययंत्र"

गिटार

विषय क्षेत्र

बी.00. परिवर्तनीय भाग

वी.03.यूपी.03. कैसिक गिटार प्रदर्शन का इतिहास

बच्चों के संगीत विद्यालयों और संगीत विभागों के बच्चों के लिए अतिरिक्त शिक्षा की प्रणाली में संगीत विकास पर

बच्चों के कला विद्यालय

द्वारा संकलित: वेरा इगोरवाना बेन्समैन,

शिक्षक MBOU DOD DSHI

पी. नोवोज़ाविडोव्स्की

पी. नोवोज़ाविडोव्स्की 2014

कार्यक्रम स्वीकृत स्वीकृत

शैक्षणिक परिषद ________________ सपेरोवा आई.जी.

MBOU DOD DSHI निदेशक MBOU DOD DSHI

पी. नोवोज़ाविदोव्स्की पी. नोवोज़ाविदोव्स्की,

30 अक्टूबर 2014 का प्रोटोकॉल नंबर 2। कोनाकोवस्की जिला,

टवर क्षेत्र.

संकलनकर्ता: शिक्षिका वेरा इगोरवाना बेन्समैन

समीक्षक: उच्चतम श्रेणी के शिक्षक बेन्समैन एल.आई.

1. व्याख्यात्मक नोट.

शैक्षिक विषय की विशेषताएँ, शैक्षिक प्रक्रिया में उसका स्थान और भूमिका;

शैक्षणिक विषय के कार्यान्वयन की अवधि;

किसी शैक्षणिक विषय के कार्यान्वयन के लिए पाठ्यक्रम द्वारा प्रदान किए गए शिक्षण समय की मात्रा;

कक्षा प्रशिक्षण आयोजित करने का रूप;

शैक्षणिक विषय का उद्देश्य और उद्देश्य;

विषय कार्यक्रम की संरचना;

शिक्षण विधियाँ;

शैक्षिक विषय के कार्यान्वयन के लिए सामग्री और तकनीकी स्थितियों का विवरण;

अध्ययन समय की लागत के बारे में जानकारी;

पाठ्यक्रम।

3. छात्रों के प्रशिक्षण के स्तर के लिए आवश्यकताएँ।

4. नियंत्रण के रूप और तरीके, रेटिंग प्रणाली:

प्रमाणीकरण: लक्ष्य, प्रकार, रूप, सामग्री; अंतिम प्रमाणीकरण;

मूल्यांकन के मानदंड।

5. शैक्षिक प्रक्रिया का पद्धतिगत समर्थन।

6. सन्दर्भों की सूची.

व्याख्यात्मक नोट

गिटार पेशेवर और शौकिया अभ्यास में उपयोग किए जाने वाले लोकप्रिय संगीत वाद्ययंत्रों में से एक है। विविध गिटार प्रदर्शनों की सूची में शास्त्रीय, लोकप्रिय और जैज़ सहित विभिन्न शैलियों और युगों का संगीत शामिल है।

गिटार केवल एक संगत और एकल संगीत वाद्ययंत्र नहीं है, यह एक पूरी दुनिया है: कलाकार, संगीतकार, संयोजक, शिक्षक, गिटार निर्माता, इतिहासकार, संग्राहक, उत्साही, प्रशंसक, शौकिया गिटारवादक... यह विश्व संस्कृति का एक योग्य हिस्सा है , जिसका अध्ययन कई लोगों के लिए दिलचस्प होगा।

संगीत, पेंटिंग, गीत, शोध, गद्य, शिक्षण और शिल्पकार प्रतिभा, ऐतिहासिक कार्य और कविता गिटार को समर्पित थे। एम.यू. ने उन्हें प्रशंसात्मक पंक्तियाँ समर्पित कीं। लेर्मोंटोव:

क्या लगता है! मैं निश्चल होकर सुनता हूँ

मुझे मधुर ध्वनियाँ पसंद हैं।

मैं स्वर्ग, अनंत काल, पृथ्वी, भूल गया हूँ

अपने आप को...

शैक्षिक विषय की विशेषताएँ, शैक्षिक प्रक्रिया में उसका स्थान और भूमिका;

बच्चों के कला विद्यालयों में, वाद्य विभागों में छात्रों को प्रशिक्षण देने की प्रक्रिया में, संगीत शिक्षा के सबसे महत्वपूर्ण घटक, जैसे वाद्य प्रदर्शन का इतिहास, पर अपर्याप्त ध्यान दिया जाता है।

संगीत साहित्य पाठों में, संगीतकारों के काम का अध्ययन किया जाता है, और कलाकारों का केवल उल्लेख किया जाता है। लोक वाद्ययंत्रों और विशेष रूप से गिटार वाद्ययंत्र का विषय बहुत कम कवर किया गया है। शिक्षकों द्वारा की जाने वाली पाठ्येतर गतिविधियाँ विविध हैं और आंशिक रूप से इस कमी की भरपाई करती हैं। लेकिन इतना पर्याप्त नहीं है।

चिल्ड्रन आर्ट स्कूल के छात्रों को वाद्ययंत्र और संगीत प्रदर्शन (घरेलू और विदेशी स्कूल) के विकास के इतिहास के क्षेत्र में अधिक व्यापक और व्यवस्थित ज्ञान होना चाहिए।

चिल्ड्रन आर्ट स्कूल के सामान्य विकासात्मक शैक्षिक कार्यक्रमों के पाठ्यक्रम में विषय का परिचय प्रासंगिक है आधुनिक मंच, यह पूर्व-व्यावसायिक कार्यक्रमों के लिए विशेष रूप से सच है।

विषय में गिटार उपकरण के विकास के मुख्य चरणों को शामिल करना, उत्कृष्ट कलाकारों और संगीतकारों के काम की समीक्षा करना, इस उपकरण के लिए बनाए गए संगीत कार्यों से परिचित होना, गिटार कलाकारों, प्रतियोगिताओं के पुरस्कार विजेताओं और डिप्लोमा विजेताओं (बच्चों और बच्चों सहित) की रिकॉर्डिंग सुनना और देखना शामिल है। युवा)

विषय "शास्त्रीय गिटार प्रदर्शन का इतिहास" को संगीत कला "वाद्य कला", "लोक वाद्ययंत्र", "गिटार" के क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य विकास कार्यक्रम के "परिवर्तनीय भाग" खंड में शामिल करने का प्रस्ताव है। आप इसमें आइटम भी दर्ज कर सकते हैं पाठ्यक्रमकिसी विशिष्ट बच्चों के स्कूल में कार्यान्वित सामान्य विकासात्मक कार्यक्रम।

शैक्षिक विषय का मूल कार्यक्रम "शास्त्रीय गिटार प्रदर्शन का इतिहास" संगीत कला के क्षेत्र में एक अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य शैक्षिक कार्यक्रम के लिए संघीय राज्य की आवश्यकताओं के आधार पर विकसित किया गया था। (2012) कार्यक्रम वाद्य प्रदर्शन पाठ्यक्रम का हिस्सा है। "लोक वाद्ययंत्र" गिटार।

कार्यक्रम को संकलित करते समय निम्नलिखित सामग्रियों का उपयोग किया गया:

शैक्षिक और पद्धतिगत परिसर "इस्त्रिया लोक वाद्ययंत्रों का प्रदर्शन" विशेषता 071301 "लोक कलात्मक सृजनात्मकता" टूमेन स्टेट एकेडमी ऑफ कल्चर, आर्ट एंड सोशल टेक्नोलॉजीज के आर्केस्ट्रा संचालन और लोक वाद्ययंत्र विभाग के प्रोफेसर टी.ए. ज़दानोवा द्वारा संकलित। टूमेन, 2011

चुपखिना टी.आई. "लोक वाद्ययंत्रों के प्रदर्शन के इतिहास पर व्याख्यान का पाठ्यक्रम।" ओम्स्क, 2004

चार्ल्स डकार्ट "गिटार स्कूल"।

शैक्षणिक विषय की अवधि:

इस मद की कार्यान्वयन अवधि 1 वर्ष (35 सप्ताह) है

अध्ययन की 5(6) अवधि के साथ - 5वीं कक्षा में।

अध्ययन की अवधि 8(9) के साथ - 8वीं कक्षा में।

पाठ्यक्रम द्वारा प्रदान की गई शिक्षण समय की मात्रा:

शैक्षणिक विषय की कुल श्रम तीव्रता 70 घंटे है।

इनमें से: 35 घंटे - कक्षा पाठ, 35 घंटे - स्वतंत्र कार्य।

कक्षा प्रशिक्षण के लिए घंटों की संख्या प्रति सप्ताह 1 घंटा है।

स्वतंत्र कार्य (पाठ्येतर कार्यभार) के लिए घंटों की संख्या प्रति सप्ताह 1 घंटा है।

कक्षा प्रशिक्षण सत्र आयोजित करने का स्वरूप.

शैक्षणिक विषय के लक्ष्य और उद्देश्य।

विषय "शास्त्रीय गिटार प्रदर्शन का इतिहास" गिटार कक्षा में चिल्ड्रन आर्ट स्कूल के स्नातक के प्रशिक्षण का एक अभिन्न अंग है। गिटार कला विश्व कलात्मक संस्कृति का हिस्सा है। इसका पता प्राचीन काल से लेकर आज तक लगाया जा सकता है और यह प्रदर्शन और प्रदर्शनों की सूची वाली वाद्य संस्कृति से मूल रूप से जुड़ा हुआ है। यह स्पष्ट हो जाता है कि प्रदर्शन इतिहास के अध्ययन में मुद्दों की कितनी विस्तृत श्रृंखला शामिल है।

• इस विषय का उद्देश्य प्रदर्शन की कला के विकास की ऐतिहासिक स्थिति और अनुक्रम को दिखाना, गिटार वाद्ययंत्र के विकास और गठन की प्रक्रिया को समझना है; गठन के ऐतिहासिक पैटर्न और प्रदर्शनों की सूची की मुख्य विशेषताओं, गिटार पर प्रदर्शन कला की विशेषताओं का अध्ययन करें।
• शैक्षिक विषय का उद्देश्य छात्रों की रचनात्मक क्षमताओं और व्यक्तित्व के विकास और संगीत कला के क्षेत्र में स्वतंत्र गतिविधियों में स्थायी रुचि सुनिश्चित करना भी है।
• विद्यार्थियों में जानने, अध्ययन करने, सुनने और विश्लेषण करने की आवश्यकता विकसित करना।
• शिक्षा का ऐसा स्तर प्राप्त करना जो स्नातक को स्वतंत्र रूप से विश्व संगीत संस्कृति में नेविगेट करने की अनुमति देता है;

विषय उद्देश्य:

• इस विषय का अध्ययन करने का एक मुख्य उद्देश्य छात्रों को उस उपकरण के विकास के इतिहास और सिद्धांत को समझने के लिए प्रोत्साहित करना है जिसे वे बजाना सीख रहे हैं;
• संगीत संस्कृति के इतिहास के क्षेत्र में ज्ञान प्राप्त करना, छात्रों के कलात्मक क्षितिज का विस्तार करना, साथ ही गिटार कला के विभिन्न पहलुओं को नेविगेट करने की उनकी क्षमता विकसित करना, संगीत शैलियाँऔर दिशाएँ.
• ज्ञान, कौशल और तरीकों की एक प्रणाली से लैस करना संगीत गतिविधि, जो पूरी तरह से संगीत, संगीत स्व-शिक्षा और स्व-शिक्षा के साथ आगे के स्वतंत्र संचार के लिए आधार प्रदान करता है।
• व्यावसायिक शिक्षा जारी रखने और उन्हें एक पेशेवर शैक्षणिक संस्थान में प्रवेश परीक्षाओं के लिए तैयार करने के लिए सर्वश्रेष्ठ स्नातकों के बीच जागरूक प्रेरणा का गठन।

विषय पाठ्यक्रम संरचनाएँ.

ऐतिहासिकता और कालानुक्रमिक अवधिकरण के सिद्धांत को ध्यान में रखते हुए, इस कार्यक्रम में शामिल समस्याओं पर गिटार कला के विकास के संदर्भ में विचार किया जाता है।

कार्यक्रम में निम्नलिखित अनुभाग शामिल हैं:

अध्ययन समय की लागत के बारे में जानकारी;

पाठ्यक्रम;

छात्रों के प्रशिक्षण के स्तर के लिए आवश्यकताएँ;

नियंत्रण के रूप और तरीके, मूल्यांकन प्रणाली, अंतिम प्रमाणीकरण;

शैक्षिक प्रक्रिया का पद्धतिगत समर्थन;

इन निर्देशों के अनुसार कार्यक्रम का मुख्य भाग "विषय सामग्री" बनाया गया है।

शिक्षण विधियाँ.

निर्धारित लक्ष्य को प्राप्त करने एवं विषय के उद्देश्यों को क्रियान्वित करने के लिए निम्नलिखित शिक्षण विधियों का उपयोग किया जाता है:

मौखिक: व्याख्यान, कहानी, बातचीत।

दृश्य: सामग्री को दिखाना, चित्रण करना, सुनना।

व्यावहारिक: ऑडियो और वीडियो सामग्री के साथ काम करना। रिपोर्ट, सार लिखना। प्रस्तुतियों की तैयारी.

भावनात्मक: कलात्मक प्रभाव.

शैक्षिक विषय के कार्यान्वयन के लिए सामग्री और तकनीकी स्थितियों का विवरण।

इस विषय के शिक्षण को सुनिश्चित करना: ऐसे दर्शकों की उपस्थिति जो स्वच्छता मानकों और अग्नि सुरक्षा आवश्यकताओं को पूरा करते हों। कंप्यूटर या लैपटॉप, टीवी, स्टीरियो सिस्टम, मल्टीमीडिया प्रोजेक्टर + प्रदर्शन स्क्रीन - अधिमानतः। इंटरनेट संसाधनों की सक्रिय भागीदारी के साथ फोटो, ऑडियो, वीडियो सामग्री।

पुस्तकालय कोष मुद्रित और इलेक्ट्रॉनिक प्रकाशनों, शैक्षिक साहित्य से भरा हुआ है

प्रत्येक छात्र को लाइब्रेरी फंड और ऑडियो और वीडियो रिकॉर्डिंग के फंड तक पहुंच प्रदान की जाती है। स्वतंत्र कार्य के दौरान छात्र संग्रहण के लिए इंटरनेट का उपयोग करते हैं अतिरिक्त सामग्रीप्रस्तावित विषयों का अध्ययन करना।

अध्ययन समय की लागत के बारे में जानकारी;

तालिका नंबर एक

1. तालिका 2

"गिटार" प्रशिक्षण की अवधि: 5 (6) वर्ष।
परिवर्तनशील भाग
आइटम नाम	1 वर्ग	2 वर्ग	3 ग्रेड	4 ग्रेड	5 ग्रेड	छठी कक्षा
शास्त्रीय गिटार प्रदर्शन का इतिहास
अंतरिम प्रमाणीकरण

टेबल तीन

1. तालिका 4

"गिटार" प्रशिक्षण की अवधि 8 (9) वर्ष।
परिवर्तनशील भाग
आइटम नाम	1 वर्ग	2 वर्ग	3 ग्रेड	4 ग्रेड	5 ग्रेड	छठी कक्षा	सातवीं कक्षा	आठवीं कक्षा	9वीं कक्षा
संगीत प्रदर्शन का इतिहास
कक्षा प्रशिक्षण के सप्ताहों की संख्या
अंतरिम प्रमाणीकरण

पाठ्यक्रम

	विषय का नाम	कक्षा	स्वतंत्र कार्य
	गिटार कला के इतिहास से. उद्भव और विकास.
	गिटार का जन्म. इसके इतिहास में पाँच अलग-अलग अवधियाँ: गठन, ठहराव, पुनरुद्धार, गिरावट, उत्कर्ष।	1 घंटा	1 घंटा
	गिटार के पूर्ववर्ती वाद्ययंत्र. गिटार और ल्यूट. स्पेन में गिटार (XIII सदी) गिटार पुनरुद्धार की अवधि इतालवी संगीतकार, कलाकार और शिक्षक मौरो गिउलियानी (1781 में पैदा हुए) से जुड़ी है।
	फर्नांडो सोर (1778 -1839) - प्रसिद्ध स्पेनिश गिटारवादक और संगीतकार। वह गिटार में पॉलीफोनिक संभावनाओं की खोज करने वाले पहले लोगों में से एक थे। गिटार के लिए एफ. सोरा द्वारा काम किया गया। उनका "गिटार पर ग्रंथ"। अगुआडो डायोनिसियो (1784 - 1849) - एक उत्कृष्ट स्पेनिश कलाकार - गुणी, संगीतकार। मैड्रिड के मूल निवासी. पेरिस में बड़ी सफलता मिली।
	कारुली फर्नांडो (1770 - 1841) - प्रसिद्ध शिक्षक, "स्कूल ऑफ गिटार प्लेइंग" के लेखक, संगीतकार जिन्होंने लगभग चार सौ कृतियों की रचना की, इतालवी गुणी गिटारवादक।गिउलियानी माउरो (1781 - 1829) - एक उत्कृष्ट इतालवी गिटारवादक - कलाकार, संगीतकार, शिक्षक। आई.फोर्टिया??????? ??
	माटेओ कारकासी (1781-1829) - सबसे बड़े इतालवी गिटारवादक, "स्कूल ऑफ गिटार प्लेइंग" के लेखक।संगीतकार. रेगोंडी गिउलिओ (1822 – 1872) - प्रसिद्ध इतालवी गिटारवादक, गुणी, संगीतकार।
	तारेगा फ़्रांसिस्को ऐक्सिया (1852 - 1909) - प्रसिद्ध स्पेनिश गिटारवादक, आधुनिक गिटार स्कूल के संस्थापक, एक शानदार संगीत कार्यक्रम कलाकार, संगीतकार, गिटार के लिए सबसे प्रसिद्ध कार्यों के लेखक।
	20वीं सदी की किंवदंती - एंड्रेस सेगोविया(1893-1987), तारेगा के छात्र और उनके उत्तराधिकारी। बीसवीं सदी का सबसे प्रसिद्ध गिटारवादक।
	अंतरिम प्रमाणीकरण (1 तिमाही)
	फ्लेमेंको गिटार. फ्लेमेंको शैली.पाको डी लूसिया एक स्पेनिश गिटारवादक है, जो फ्लेमेंको शैली का प्रतिनिधि है।
	यूरोप में गिटार. प्रसिद्ध कलाकार.
	लैटिन अमेरिकी गिटारवादक. ब्राज़ीलियाई संगीतकार ई. विला-लोबोस (1887-1959)। विला-लोबोस की कृतियाँ आधुनिक गिटारवादकों के प्रदर्शन का एक अभिन्न अंग हैं। क्यूबा के गिटारवादक. एक प्रमुख प्रतिनिधि अकोस्टा है। एनिडो मारिया लुइसा (जन्म 1907) एक उत्कृष्ट अर्जेंटीना गिटारवादक हैं। कॉन्सर्ट कलाकार, संगीतकार, शिक्षक। हवाईयन गिटार और इसकी विशेषताएं।
	सेमिनार कक्षाएं.
	अंतरिम प्रमाणीकरण (वर्ष की पहली छमाही)
	रूस में गिटार 19वीं सदी का रूस और 20वीं सदी की शुरुआत।			3 चौथाई
	रूस में सात तार वाले गिटार बजाने की कला का उदय। इतालवी गिटारवादक ग्यूसेप सारती, कार्लो कोनोबियो, पास्क्वेले गागलियानी के माध्यम से गिटार को जानना। 19वीं सदी के प्रमुख संगीतकारों के गीत और रोमांस (ए.ई. वरलामोव, ए.एल. गुरिलेव, ए.ए. एल्याबयेव, .आई. डुबुक., पी.पी. बुलाखोव।)
	घरेलू पेशेवर कला के उत्कर्ष ए.ओ. सिहरा (1773-1850) रूसी सात-तार वाले गिटार के पितामह, एक प्रतिभाशाली संगीतकार, एक प्रसिद्ध शिक्षक हैं जिन्होंने अत्यधिक प्रतिभाशाली गिटारवादकों की एक पूरी श्रृंखला को प्रशिक्षित किया। एंड्री सिखरा और उनका संगीत प्रकाशन गृह। ए सिहरा के अनुयायी, उनके छात्र: एफ ज़िम्मरमैन, वी सरेंको, वी मार्कोव, एस अक्सेनोव। सात तार वाला गिटार और रूसी गीत, क्रूर रोमांस।
	छह तार वाला गिटार बजाने वाले पहले गिटारवादक एन.पी. मार्कोव (1810) थे- ) गिटार बजाने की तकनीक। गिटार में लुप्त होती रुचि को पुनर्जीवित करने के लिए मार्कोव द्वारा ब्रुसेल्स में एक प्रतियोगिता का आयोजन किया गया। एम.डी. सोकोलोव्स्की (1818-1883) एक प्रसिद्ध संगीत कार्यक्रम कलाकार हैं, जो अपने समय के घरेलू गिटार स्कूल के एकमात्र प्रतिनिधि थे जिन्होंने यूरोपीय ख्याति प्राप्त की। गिटार को लोकप्रिय बनाने में उनकी गतिविधियाँ।
	इसाकोव पी.आई. (1886 - 1958) - गिटारवादक - संगीत कार्यक्रम कलाकार, संगतकार, शिक्षक, लेनिनग्राद गिटारवादकों की सोसायटी के निर्माण के आरंभकर्ता। यशनेव वी.आई. (1879 - 1962) - छह तार वाले गिटार बजाने वाले एक स्कूल के गिटारवादक-शिक्षक, संगीतकार, लेखक (बी.एल. वॉलमैन के साथ)। अगाफोशिन पी.एस. (1874 - 1950) - एक प्रतिभाशाली गिटारवादक, प्रसिद्ध शिक्षक, छह-तार वाले गिटार के लिए सर्वश्रेष्ठ रूसी "स्कूल" के लेखक। छात्र वी.ए. रुसानोवा। . सेगोविया और अगाफ़ोशिन के बीच बैठकें।
	इवानोव - अलेक्जेंडर मिखाइलोविच क्राम्स्कोय (1912 - 1973) - प्रसिद्ध गिटारवादक - संगीत कार्यक्रम कलाकार, संगीतकार, शिक्षक। आरएसएफएसआर के सम्मानित कलाकार। छात्र पी.एस. अगाफोशिना.एन.ए. इवानोवा - क्राम्स्काया
	हमारे समय के प्रसिद्ध गिटारवादक।
	रूसी गिटार स्कूल. अलेक्जेंडर कुजनेत्सोव का कार्य। वी. शिरोकी, वी. डेरुन की रचनात्मकता। ए. फ्रौची, ए. ज़िमाकोवा। गिटारवादक: वी. कोज़लोव, अलेक्जेंडर चेखव, निकिता कोस्किन, वादिम कुज़नेत्सोव, एन.ए. कोमोल्यातोव, ए. गिटमैन, ई. फ़िल्कनशेटिन, ए. बोरोडिना।व्लादिमीर टर्वो…………डेरवोएड ए.वी., माटोखिन एस.एन., विनित्स्की ए.ई. ,रेजनिक ए.एल.
	विदेशी शास्त्रीय गिटारवादक।
	सेमिनार कक्षाएं
	अंतिम पाठ 3 तिमाही
	अंतर्राष्ट्रीय प्रतियोगिताएँ। रूसी प्रतियोगिताएं. पुरस्कार विजेता, डिप्लोमा प्राप्तकर्ता। त्यौहार.
	चैम्बर पहनावे में गिटार। गिटार आर्केस्ट्रा.
	Tver और Tver क्षेत्र में शास्त्रीय गिटार। पूर्वाह्न। स्कोवर्त्सोव, ई.ए. बेव; वाद्य युगल "संगीत लघुचित्र" - ई. बेव - गिटार, ई. मुरावियोवा - वायलिन "कला युगल" नताल्या ग्रिटसे, ऐलेना बोंडर।
	जैज़ में शास्त्रीय गिटार. जैज़ गिटार. गिटार कला के क्षेत्र में अन्य दिशाएँ। देशी तकनीक. फिन्चरस्टाइल। फ़ूजी. …….विभिन्न दिशाओं के कलाकार।
	गिटार कैसे काम करता है? अग्रणी गिटार निर्माता। गिटार आधुनिकीकरण. एक गिटार में कितने तार होते हैं? नार्सिसो येप्स और उसका दस-तार वाला गिटार। शास्त्रीय गिटार बजाने की कला में नया.
	संगोष्ठी-परामर्श.
	अंतिम प्रमाणीकरण
	पाठ्यक्रम के अनुसार कुल कुल

3. छात्रों के प्रशिक्षण के स्तर के लिए आवश्यकताएँ।

छात्रों के प्रशिक्षण का स्तर शैक्षणिक विषय "शास्त्रीय गिटार प्रदर्शन का इतिहास" के कार्यक्रम में महारत हासिल करने का परिणाम है, जिसमें निम्नलिखित ज्ञान, कौशल और क्षमताओं का निर्माण शामिल है, जैसे:

* छात्र को संगीत प्रदर्शन के इतिहास में रुचि है;

* गिटार कला, संगीत शैलियों और दिशाओं के विभिन्न पहलुओं को नेविगेट करने की क्षमता;

* ज्ञान, कौशल और क्षमताओं का एक गठित सेट जो आपको सुने गए कार्य, कलाकार की शैली और तरीके का मूल्यांकन और वर्णन करने की अनुमति देता है;

* ज्ञान जो आपको स्वतंत्र रूप से इंटरनेट संसाधनों का उपयोग करने की अनुमति देता है।

*स्नातक को पाठ्यक्रम के मुख्य विषयों का ज्ञान होना चाहिए

4. नियंत्रण के रूप और तरीके, रेटिंग प्रणाली।

• प्रमाणीकरण: लक्ष्य, प्रकार, रूप, सामग्री;

मूल्यांकन के मानदंड;

छात्रों के ज्ञान, कौशल और क्षमताओं की निगरानी करना शैक्षिक प्रक्रिया के परिचालन प्रबंधन को सुनिश्चित करता है और शिक्षण, परीक्षण, शैक्षिक और सुधारात्मक कार्य करता है। छात्रों की प्रगति की निगरानी के विभिन्न रूप शैक्षिक प्रक्रिया की सफलता और गुणवत्ता का निष्पक्ष मूल्यांकन करना संभव बनाते हैं। विषय में प्रगति की निगरानी के मुख्य प्रकार

"शास्त्रीय गिटार प्रदर्शन का इतिहास" हैं: वर्तमान नियंत्रण, मध्यवर्ती प्रमाणीकरण। अंतिम प्रमाणीकरण.

वर्तमान प्रमाणीकरणअनुभाग में महारत हासिल करने की गुणवत्ता को नियंत्रित करने के लिए किया गया शैक्षणिक सामग्रीऔर इसका उद्देश्य विषय के प्रति दृष्टिकोण की पहचान करना, गृहकार्य को जिम्मेदार ढंग से व्यवस्थित करना है और यह प्रकृति में प्रेरक है। वर्तमान प्रमाणीकरण एक सर्वेक्षण, छात्रों द्वारा तैयार किए गए विषय पर बातचीत और सुने गए प्रदर्शनों की चर्चा के रूप में किया जाता है। परीक्षण और संगीत प्रश्नोत्तरी के रूप में वर्तमान नियंत्रण कार्य संभव हैं।

"वाद्य प्रदर्शन का इतिहास" पर कक्षाएं शिक्षक द्वारा व्याख्यान, उनके द्वारा तैयार किए गए विषय पर छात्रों के साथ बातचीत और छात्रों के एक सर्वेक्षण के रूप में आयोजित की जाती हैं;

काम का एक बड़ा हिस्सा संगीत चित्रण, सुनने और प्रासंगिक सामग्रियों को देखने के लिए समर्पित है। शिक्षक या छात्रों द्वारा चुने गए विषयों पर सेमिनार आयोजित करने की सिफारिश की जाती है। परीक्षण और संगीत प्रश्नोत्तरी के रूप में वर्तमान नियंत्रण कार्य संभव हैं। वर्तमान निगरानी के परिणामों के आधार पर, तिमाही अनुमान निकाले जाते हैं।

अंतरिम प्रमाणीकरण(पहली और दूसरी छमाही के अंत में पेश किया गया) छात्रों के विकास की सफलता और इस स्तर पर वे शैक्षिक कार्यों में किस हद तक महारत हासिल करते हैं, यह निर्धारित करता है। मध्यवर्ती प्रमाणीकरण के रूप: परीक्षण पाठ, परीक्षण, रिपोर्ट, सार, प्रस्तुतियाँ।

अंतिम प्रमाणीकरण

अंतिम प्रमाणीकरण उत्तीर्ण करते समय, स्नातक को कार्यक्रम की आवश्यकताओं के अनुसार ज्ञान, कौशल और क्षमताओं का प्रदर्शन करना होगा। अंतिम प्रमाणीकरण के प्रपत्र और सामग्री शैक्षिक विषय"शास्त्रीय गिटार प्रदर्शन का इतिहास" संगठन द्वारा स्वतंत्र रूप से (शिक्षक के सुझाव पर) स्थापित किया गया है। अनुशंसित प्रपत्र: ग्रेड के साथ एक परीक्षण या लिखित रूप में या मौखिक रूप से पूर्व-तैयार प्रश्नों के उत्तर के रूप में एक परीक्षा।

छात्रों को प्रमाणित करने के लिए, मूल्यांकन उपकरणों का कोष बनाया जाता है, जिसमें नियंत्रण विधियाँ शामिल होती हैं जो अर्जित ज्ञान, कौशल और क्षमताओं का मूल्यांकन करने की अनुमति देती हैं

मूल्यांकन के मानदंड

5 ("उत्कृष्ट");

4 ("अच्छा");

3 ("संतोषजनक").

इस विषय में "असंतोषजनक" की रेटिंग अवांछनीय है, क्योंकि छात्रों के विकास के स्तर की परवाह किए बिना, शिक्षक के पास प्रत्येक छात्र के लिए एक व्यक्तिगत दृष्टिकोण खोजने और उनकी रचनात्मक क्षमताओं को अधिकतम करने का अवसर होता है।

5. शैक्षिक प्रक्रिया का पद्धतिगत समर्थन

यह विषय एक गिटार शिक्षक द्वारा पढ़ाया जाता है।

बेशक, हम अतीत के महान कलाकारों की रिकॉर्डिंग नहीं सुन सकते। 20वीं सदी हमें यह अवसर देती है। हम छात्रों और अनुयायियों के माध्यम से विभिन्न युगों के संगीत प्रदर्शन की परंपराओं और निरंतरता के बारे में बात कर सकते हैं। (उदाहरण के लिए: एफ. तारेगा, सेगोविया, ए.एम. इवानोव-क्राम्स्कोय, ए. फ्रौची……….)।

पाठ आयोजित करने के रूप विविध हैं, लेकिन कार्य में पूरे समूह के अनिवार्य समावेश के साथ। रिकॉर्डिंग को संयुक्त रूप से सुनना और देखना, रचनात्मक कार्य - रिपोर्ट, निबंध, कक्षा में और स्वतंत्र रूप से रिकॉर्डिंग सुनने के प्रभाव। सामग्री की प्रस्तुति में शामिल हैं: शिक्षक द्वारा स्वयं एक व्याख्यान, ऑडियो और वीडियो सामग्री को सुनने और देखने के साथ; सभी छात्रों द्वारा अध्ययन की गई सामग्री के ढांचे के भीतर विशिष्ट होमवर्क पूरा करना, उसके बाद चर्चा करना। काम का एक बड़ा हिस्सा संगीत चित्रण, सुनने और प्रासंगिक सामग्रियों को देखने के लिए समर्पित है।शिक्षक के लिए यह महत्वपूर्ण है कि वह सुनने के लिए विभिन्न प्रकार की संगीत सामग्री का सटीक रूप से चयन करें और निम्नलिखित लक्ष्य के साथ विशिष्ट कार्य निर्धारित करें: एकाग्रता सिखाना, सुनने, सोचने को सक्रिय करना, लोगों को विवरणों पर ध्यान देना, प्रदर्शन शैली और संगीतकार की योजना का कार्यान्वयन। प्रदर्शन करने वाला। इससे विद्यार्थियों की रुचि विकसित होगी और वे कार्यों को अधिक सचेत होकर करने के लिए बाध्य होंगे।

यह अनुशंसा की जाती है कि परीक्षण सेमिनार, रिपोर्ट, सार और संक्षिप्त संदर्भ के रूप में किए जाएं जिन्हें छात्र इंटरनेट संसाधनों का उपयोग करके स्वतंत्र रूप से पूरा कर सकें। और होमवर्क के रूप में, छात्र कार्य को सुन सकते हैं विभिन्न संस्करणऔर करो तुलनात्मक विश्लेषणसुनी, यानी कोई रचनात्मक कार्य पूरा करें.

इसके अलावा इस दिशा में काम का एक रचनात्मक रूप संगीत कार्यक्रमों के लिए शिक्षकों और अभिभावकों के साथ छात्रों की संयुक्त यात्राएं (यदि संभव हो तो) हैं वाद्य संगीत, उसके बाद कक्षा में चर्चा हुई। (हमारे स्कूल में, टवर, क्लिन, मॉस्को में कॉन्सर्ट संगठनों के लिए गांव के सुविधाजनक स्थान के कारण ऐसे कार्यक्रम नियमित रूप से आयोजित किए जाते हैं। टवर के कलाकार भी हमारे पास आते हैं)

कक्षाओं के लिए शिक्षक और छात्रों की तैयारी एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है। यह एक श्रमसाध्य और रचनात्मक प्रक्रिया है. आपको पाठ्य सामग्री, ऑडियो, वीडियो और इंटरनेट संसाधनों के साथ बहुत काम करना होगा। विद्यार्थियों को प्रतिदिन कम से कम एक घंटा काम करने के लिए प्रोत्साहित करना आवश्यक है। नियमित स्वतंत्र के साथकक्षाओं में, न केवल इस विषय में बढ़ती रुचि दिखाई देगी, बल्कि गिटार विशेषता में स्वतंत्र श्रमसाध्य कार्य की आवश्यकता भी दिखाई देगी।

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दूसरी सहस्राब्दी ईसा पूर्व की है। वे कछुए के खोल या कद्दू से बने छोटे शरीर वाले उपकरणों को चित्रित करते हैं।

में प्राचीन मिस्रगिटार जैसे वाद्ययंत्र लोगों के जीवन से इतने करीब से जुड़े हुए थे कि वे अच्छाई का प्रतीक बन गए, और उनकी रूपरेखा "अच्छाई" को दर्शाते हुए चित्रलिपि संकेतों में शामिल हो गई।

ऐसी धारणा है कि गिटार की उत्पत्ति मध्य पूर्व में हुई और वहीं से पूरे एशिया और यूरोप में फैल गया।

रूस को इटालियंस द्वारा छह-तार वाले गिटार से परिचित कराया गया था, जो राजाओं और दरबारी कुलीनों के दरबार में सेवा करते थे। इतिहास ने दो इटालियंस के नाम संरक्षित किए हैं - ग्यूसेप सारती और कार्लो कैनोबियो। इतालवी संगीतकारग्यूसेप सार्ती, काउंटेस वी.एन. के अनुसार। गोलोविना ने स्वेच्छा से गिटार बजाया। कार्लो कैनोबियो ने पॉल I की तीन बेटियों को गिटार बजाना सिखाया, इन पाठों के लिए उन्हें बहुत बड़ा इनाम मिला - प्रति वर्ष 1 हजार रूबल।

तब भी गिटार के बहुत कम प्रशंसक थे। इटालियन कलाप्रवीण संगीतकार पास्केल गाग्लिआनी, जिन्होंने दरबारी कुलीनता के सैलून में प्रदर्शन किया, वाद्ययंत्र प्रेमियों के दायरे का कुछ हद तक विस्तार करने में कामयाब रहे। रूस में अपनी कई वर्षों की गतिविधि के बाद, गैल्यानी ने रेखाचित्रों और अभ्यासों का एक संग्रह जारी किया - गिटार बजाने पर एक पाठ्यपुस्तक जैसा कुछ।

इटालियंस ने गिटार के लिए लोक गीतों की व्यवस्था करने की कोशिश की, लेकिन वे सफल नहीं हुए: छह-तार वाला गिटार रूसी लोक संगीत की संरचना के लिए पूरी तरह से अनुकूलित नहीं था। यही कारण है कि रूसी सात-तार वाला गिटार लगभग उसी समय प्रकट हुआ।

1821 में, मार्कस ऑरेलियस ज़ानी डी फेरांति (1800 - 1878) रूस आए। निकोलो पगनिनी, जिन्होंने कई प्रतिभाशाली गिटारवादकों को सुना है, ने ज़ानी डे फेरांति के वादन का मूल्यांकन इस प्रकार किया: “मैं इस बात की गवाही देता हूं कि ज़ानी डे फेरांति सबसे महान गिटारवादकों में से एक हैं जिन्हें मैंने कभी सुना है और जिन्होंने मुझे अपने अद्भुत, आनंदमय वादन से अवर्णनीय आनंद दिया। ” यह इस गिटारवादक के लिए है कि रूस इस तथ्य का श्रेय देता है कि छह-तार वाला गिटार यहां व्यापक रूप से जाना जाता है। संगीतकार ने बहुत सारे संगीत कार्यक्रम दिए, और उन्हें बड़े हॉल में भी प्रदर्शन करना पड़ा। वह एक संगीतकार भी थे - उन्होंने रात्रिचर, कल्पनाएँ और नृत्य संगीत की रचना की। त्सानी डे फेरांति ने उन लोगों को गिटार की शिक्षा दी जो चाहते थे, लेकिन केवल शुरुआती शिक्षा, उन्होंने छात्र को एक पेशेवर गिटारवादक में बदलना अपना लक्ष्य नहीं बनाया।

सात-तार वाली के विपरीत, इसकी छह-तार वाली किस्म 17वीं में रूस में विकसित हुई - 19वीं शताब्दीलगभग विशेष रूप से एक पेशेवर और शैक्षणिक उपकरण के रूप में और शहरी गीतों और रोजमर्रा के रोमांस को व्यक्त करने पर बहुत कम ध्यान केंद्रित किया गया था।

19वीं सदी की शुरुआत में, आई. गेल्ड और आई. बेरेज़ोव्स्की द्वारा छह-तार वाले गिटार के लिए स्कूल और मैनुअल सामने आए, जिसमें वे ज्यादातर स्पेनिश और इतालवी क्लासिक्स पर निर्भर थे - माउरो गिउलियानी, माटेओ कारकासी, लुइगी लेगानी की गिटार रचनाएँ, फर्डिनेंडो कारुल्ली, फर्नांडो सोरा, और उत्कृष्ट पश्चिमी यूरोपीय संगीतकारों के पियानो संगीत का प्रतिलेखन। रूस में छह-तार वाले गिटार के प्रसार में उत्कृष्ट विदेशी गिटारवादकों के दौरों ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई - 1822 में सेंट पीटर्सबर्ग में इतालवी माउरो गिउलियानी द्वारा, 1923 में मॉस्को में स्पैनियार्ड फर्डिनेंड सोरा द्वारा प्रदर्शन किया गया।

पश्चिमी संगीतकारों ने रूस में शास्त्रीय गिटार में रुचि जगाई। हमारे हमवतन लोगों के नाम कॉन्सर्ट पोस्टरों पर दिखाई देने लगे। छह-तार वाले गिटार के सबसे प्रमुख रूसी कलाकार और प्रवर्तक निकोलाई पेत्रोविच मकारोव (1810 - 1890) और मार्क डेनिलोविच सोकोलोव्स्की (1818 - 1883) थे।

एन.पी. मकारोव का जन्म कोस्त्रोमा प्रांत में एक जमींदार के परिवार में हुआ था। 1829 में वह पागनिनी का नाटक सुनने के लिए काफी भाग्यशाली थे, और 1830 में उन्होंने चोपिन संगीत कार्यक्रम में भाग लिया।

निकोलो पगनिनी ने मकारोव को इतना चौंका दिया कि उनके वादन की छाप बाद के किसी भी संगीतकार द्वारा ग्रहण नहीं की जा सकी।

एन.पी. मकारोव ने प्रथम श्रेणी गिटार वादन हासिल करने की ठानी। संगीतकार हर दिन 01-12 घंटे पढ़ाई करते थे। 1841 में उनका पहला संगीत कार्यक्रम तुला में हुआ। एक गिटारवादक के रूप में अपने लिए पहचान या यहां तक ​​कि गंभीर ध्यान पाने में असफल होने के बाद, वह यूरोप के दौरे पर जाता है। दुनिया के कई देशों में एन.पी. मकारोव ने एक उत्कृष्ट गिटार विशेषज्ञ, सबसे जटिल गिटार कार्यों के एक शानदार व्याख्याकार के रूप में प्रसिद्धि प्राप्त की। अपने दौरों के दौरान, संगीतकार ने प्रमुख विदेशी गिटारवादकों से मुलाकात की: त्सानी डे फेरांति, माटेओ कारकैसी, नेपोलियन कोस्टा।

गिटार के पूर्व गौरव को पुनर्जीवित करने के लिए, मकारोव ने यूरोप में एक अंतर्राष्ट्रीय प्रतियोगिता आयोजित करने का निर्णय लिया। ब्रुसेल्स में वह गिटार संगीतकारों और लुथियर्स के लिए एक प्रतियोगिता का आयोजन करता है। प्रतियोगिता से पहले, गिटारवादक एक संगीत कार्यक्रम देता है जिसमें वह अपनी रचनाएँ और अन्य लेखकों की रचनाएँ प्रस्तुत करता है। मकारोव ने दस तार वाला गिटार बजाया।

इस प्रतियोगिता के लिए धन्यवाद, संगीतकार कई पश्चिमी यूरोपीय संगीतकारों और गिटार निर्माताओं द्वारा गिटार संगीत के क्षेत्र में काम को काफी तेज करने और उपकरण की नई रचनात्मक किस्मों के निर्माण में योगदान देने में सक्षम था।

मकारोव कई निबंधों और साहित्यिक संस्मरणों के लेखक हैं। उन्होंने अपनी किताबें और अपने स्वयं के संगीत नाटक प्रकाशित किए, जैसे "द कार्निवल ऑफ वेनिस", माज़ुर्कस, रोमांस, कॉन्सर्टो फॉर गिटार और लोक गीतों की व्यवस्था। हालाँकि, उनके द्वारा बनाया गया संगीत अनुभवहीन है और उसे व्यापक वितरण नहीं मिला है। 1874 में, उनके "सर्वोच्च गिटार बजाने के कई नियम" प्रकाशित हुए। ब्रोशर में गिटार तकनीक को बेहतर बनाने के बारे में मूल्यवान सलाह शामिल थी: ट्रिल बजाना, हार्मोनिक्स, रंगीन स्केल, बजाने में छोटी उंगली का उपयोग करना आदि।

एक अन्य रूसी गिटारवादक, मार्क डेनिलोविच सोकोलोव्स्की (1812 - 1883) ने जटिल तकनीकी तकनीकों से दर्शकों को आश्चर्यचकित करने का प्रयास नहीं किया। श्रोता उनकी असाधारण संगीतमयता से मंत्रमुग्ध हो गए।

एक बच्चे के रूप में, सोकोलोव्स्की ने वायलिन और सेलो बजाया, फिर गिटार बजाना शुरू किया। वाद्य यंत्र में पर्याप्त महारत हासिल करने के बाद, 1841 में उन्होंने सक्रिय शुरुआत की संगीत कार्यक्रम गतिविधियाँ. उनके संगीत कार्यक्रम ज़िटोमिर, कीव, विल्ना, मॉस्को, सेंट पीटर्सबर्ग में हुए। 1857 में, गिटारवादक को मॉस्को में नोबल असेंबली के हजार सीटों वाले हॉल में प्रदर्शन करने का अवसर दिया गया। 1860 में, उन्हें "मॉस्को जनता का पसंदीदा" कहा जाता था। 1864 से 1868 तक संगीतकार यूरोपीय शहरों का दौरा करता है। वह लंदन, पेरिस, बर्लिन और अन्य शहरों में संगीत कार्यक्रम देते हैं। हर जगह उसे अपार सफलता मिलती है। संगीतकार की विजयी यात्राओं ने उन्हें महानतम गिटारवादकों में से एक के रूप में प्रसिद्धि दिलाई। यह उल्लेखनीय है कि सोकोलोव्स्की के कई प्रदर्शनों में उनके संगतकार उत्कृष्ट रूसी पियानोवादक एन.जी. थे। रुबिनस्टीन.

सोकोलोव्स्की की प्रदर्शन शैली को प्रतिष्ठित करने वाले गुणों में से, सबसे पहले, बारीकियों की सूक्ष्मता, लकड़ी के पैलेट की विविधता, उच्च कलाप्रवीण कौशल और कैंटिलेना की गर्मी को उजागर करना आवश्यक है। ये गुण विशेष रूप से एम. गिउलियानी द्वारा तीन संगीत कार्यक्रमों की उनकी व्याख्या में और साथ ही एफ. चोपिन द्वारा पियानो के टुकड़ों के प्रतिलेखन और उनके स्वयं के लघुचित्रों के प्रदर्शन में स्पष्ट थे, जो कई मायनों में चोपिन की शैली के करीब थे - प्रस्तावना, पोलोनाइस, विविधताएं, आदि एम.डी. सोकोलोव्स्की का अंतिम सार्वजनिक संगीत कार्यक्रम 1877 में सेंट पीटर्सबर्ग में हुआ था, और फिर संगीतकार विनियस में बस गए, जहां वे शिक्षण गतिविधियों में लगे हुए थे।

घरेलू गिटारवादक एन.पी. मकारोव और एम.डी. का संगीत कार्यक्रम सोकोलोव्स्की रूस में इस वाद्ययंत्र के कई प्रशंसकों के लिए संगीत शिक्षा का एक महत्वपूर्ण साधन बन गया।

1. 
   18वीं-19वीं सदी में सात तार वाला गिटार

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, रूस में एक विशिष्ट सात-तार वाला गिटार दिखाई दिया। इसे जी मेजर ट्रायड की ध्वनि के अनुसार बनाया गया था जिसे सप्तक में दोगुना किया गया था और नीचे की स्ट्रिंग एक चौथाई दूरी पर थी। यह उपकरण शहरी पेंशन और रोमांस की बास-कॉर्ड संगत के लिए सबसे उपयुक्त साबित हुआ।

घरेलू जीवन में, लोग आमतौर पर गिटार को कान से बजाते थे - सबसे सरल हार्मोनिक कार्यों से ऐसी संगत प्राथमिक थी और, इस सेटिंग के साथ, बेहद सुलभ थी। गीतों और रोमांसों के लेखक अक्सर अल्पज्ञात शौकिया संगीतकार होते थे, लेकिन कभी-कभी 19वीं सदी के प्रमुख संगीतकार भी होते थे - ए. वरलामोव, ए. गुरिलेव, ए. एल्याबयेव, ए. डुब्युक, ए. बुलाखोव और अन्य।

सात तार वाले गिटार ने जिप्सियों के संगीत-निर्माण में भी प्रमुख भूमिका निभाई। जिप्सी गायकों के नेता उत्कृष्ट गिटारवादक थे - आई. सोकोलोव, आई. वासिलिव, एम. शिश्किन, आर. कलाबिन।

रूसी गिटार के इतिहास में एक विशेष स्थान रूसी सात-स्ट्रिंग गिटार के पहले "स्कूल" के लेखक इग्नाटियस गेल्ड (1766 - 1816) का है। राष्ट्रीयता से एक चेक, उन्होंने अपना लगभग पूरा रचनात्मक जीवन रूस में बिताया और सात-तार वाले गिटार को एक गंभीर शैक्षणिक उपकरण के रूप में लोकप्रिय बनाने के लिए बहुत कुछ करने में कामयाब रहे।

18वीं शताब्दी के अंत से, सात-तार वाला गिटार एक शैक्षणिक उपकरण के रूप में विकसित होना शुरू हुआ। गिटार के लिए प्रमुख कार्य प्रदर्शित होते हैं। इस प्रकार, 1799 में आई. कमेंस्की का सोनाटा प्रकाशित हुआ, 19वीं शताब्दी की शुरुआत में - वी. लावोव द्वारा दो गिटार के लिए सोनाटा। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में, गिटार साहित्य का इतनी मात्रा में उत्पादन हुआ कि इसकी संख्या अन्य संगीत वाद्ययंत्रों, यहाँ तक कि पियानो के साहित्य से भी अधिक हो गई। विभिन्न गिटार टुकड़े प्रकाशित किए गए, निर्देशात्मक और पद्धति संबंधी मैनुअल में शामिल किए गए या अलग-अलग प्रकाशनों में प्रकाशित किए गए। उदाहरण के लिए, ये कई लघुचित्र हैं, मुख्य रूप से नृत्य शैलियों में - माज़ुर्कस, वाल्ट्ज़, इकोसेज़, पोलोनाइज़, सेरेनेड, डायवर्टिसमेंट, जो प्रसिद्ध गिटारवादक-शिक्षक और कार्यप्रणाली इग्नाटियस हेल्ड द्वारा बनाए गए हैं।

18वीं सदी के उत्तरार्ध से लेकर 19वीं सदी की शुरुआत तक के कुछ प्रसिद्ध रूसी संगीतकार सात-तार वाले गिटार बजाने के शौकीन थे। इनमें इवान एवस्टाफिविच खांडोशकिन (1747 - 1804) शामिल हैं, जिन्होंने वाद्य यंत्र के लिए रूसी लोक गीतों के विषयों पर कई विविधताओं की रचना की, और गैवरिल एंड्रीविच राचिंस्की (1777 - 1843), जिन्होंने सात-तार वाले गिटार के लिए दस टुकड़े प्रकाशित किए। 1817. इनमें पाँच पोलोनीज़ और रूसी लोक गीतों के विषयों पर विविधताओं के दो चक्र शामिल हैं। उसी समय, उपकरण के लिए अब भूले हुए संगीतकारों - गोर्नोस्टेव - की रचनाएँ प्रकाशित की गईं। कोनोवकिना, मास्लोवा।

सात-तार वाले गिटार पर पेशेवर प्रदर्शन का असली विकास उत्कृष्ट शिक्षक-गिटारवादक आंद्रेई ओसिपोविच सिहरा (1773 - 1850) की रचनात्मक गतिविधि के वर्षों के दौरान हुआ। एक वीणावादक के रूप में प्रशिक्षित, उन्होंने अपना पूरा जीवन गिटार को बढ़ावा देने के लिए समर्पित कर दिया। विशेष रूप से संगीत के लिए समर्पित, आंद्रेई ओसिपोविच अपनी प्रारंभिक युवावस्था में ही एक गुणी कलाकार और संगीतकार दोनों के रूप में प्रसिद्ध हो गए। सिहरा ने न केवल वीणा और गिटार के लिए, बल्कि पियानो के लिए भी रचना की।

18वीं शताब्दी के अंत में, सिहरा मोस्टका चले गए और अपने संगीत वाद्ययंत्र के ऊर्जावान और सक्रिय प्रवर्तक बन गए। उनके गिटार को मॉस्को की जनता के बीच तुरंत कई प्रशंसक मिल गए। यहां, मॉस्को में, उनके "प्रारंभिक" मॉस्को स्कूल का गठन हुआ: उन्होंने कई छात्रों को पढ़ाया, खुद अध्ययन किया, अपने उपकरण में सुधार किया, विभिन्न प्रकार की शिक्षण सामग्री बनाई, सात-तार वाले गिटार के प्रदर्शनों की सूची की नींव रखी और छात्रों के साथ प्रदर्शन किया। संगीत समारोहों में. उनके कई छात्र बाद में स्वयं उत्कृष्ट गिटारवादक और संगीतकार बन गए, और अपने महान शिक्षक द्वारा शुरू किए गए कार्य को जारी रखा। ए.ओ. के अनुयायी सिखरी - एस.एन. अक्सेनोव, वी.आई. मोर्कोव, वी.एस. सरेंको, एफ.एम. ज़िम्मरमैन - ने रूसी लोक गीतों के कई नाटक और व्यवस्थाएँ बनाईं।

1800 से अपने जीवन के अंत तक, ए.ओ. सिहरा ने इस उपकरण के लिए कई रचनाएँ प्रकाशित कीं, जिनमें लोकप्रिय अरिया, नृत्य संगीत और एक संगीत कार्यक्रम की सबसे जटिल कल्पनाओं के प्रतिलेखन शामिल हैं। सिहरा की रचनात्मकता सभी पहलुओं में विकसित हुई। उन्होंने एकल गिटार के लिए, युगल गिटार के लिए, वायलिन और गिटार के लिए रचनाएँ बनाईं, जिनमें प्रसिद्ध और फैशनेबल संगीतकारों के विषयों पर कल्पनाएँ, रूसी लोक गीतों के विषयों पर कल्पनाएँ, माज़ुर्कस, वाल्ट्ज़, इकोसेज़, क्वाड्रिल्स, अभ्यास सहित मूल रचनाएँ शामिल हैं। सिहरा ने एम.आई. द्वारा कार्यों के प्रतिलेखन और व्यवस्था का प्रदर्शन किया। ग्लिंका, वी.ए. मोजार्ट, जी. डोनिज़ेट्टी, सी. वेबर, डी. रॉसिनी, डी. वर्डी।

ए.ओ. सिहरा सात-तार वाले गिटार को एक एकल शैक्षणिक उपकरण के रूप में स्थापित करने वाले पहले व्यक्ति थे, जिन्होंने शौकिया गिटारवादकों की एक विस्तृत श्रृंखला की सौंदर्य शिक्षा के लिए बहुत कुछ किया।

1802 में, "ए.ओ. द्वारा सात-तार वाले गिटार के लिए पत्रिका" सेंट पीटर्सबर्ग में प्रकाशित होना शुरू हुई। सिख्री", जिसने रूसी लोक गीतों की व्यवस्था और संगीत क्लासिक्स के प्रतिलेखन प्रकाशित किए। बाद के वर्षों में, 1838 तक, संगीतकार ने कई समान पत्रिकाएँ प्रकाशित कीं, जिससे उपकरण की लोकप्रियता में उल्लेखनीय वृद्धि हुई।

सात-तार वाले गिटार के लिए बड़ी संख्या में काम करने के अलावा, सिहरा ने "स्कूल" छोड़ दिया, जिसे उन्होंने अपने छात्र वी.आई. के आग्रह पर लिखा था। मोर्कोवा. यह 1840 में प्रकाशित हुआ था।

सिहरा स्कूल के मुख्य व्यक्ति शिमोन निकोलाइविच अक्सेनोव (1784 - 1853) हैं। एक समय में, वाद्ययंत्र या रचना की महारत में कोई भी उनसे आगे नहीं निकल पाता था। मॉस्को में, संगीतकार को सर्वश्रेष्ठ गुणी गिटारवादक माना जाता था। अक्सेनोव का वादन अपनी असाधारण मधुरता, स्वर की गर्माहट और साथ ही, महान सद्गुण से प्रतिष्ठित था। जिज्ञासु मन के कारण, उन्होंने यंत्र पर नई तकनीकों की खोज की। इस प्रकार, उन्होंने कृत्रिम हार्मोनिक्स की एक प्रणाली विकसित की। संगीतकार के पास वाद्ययंत्र पर ओनोमेटोपोइया का अद्भुत उपहार था। अक्सेनोव ने पक्षियों के गायन, ड्रम की आवाज़, घंटियों के बजने, आने और पीछे हटने वाले गायक मंडल आदि का चित्रण किया। इन ध्वनि प्रभावों से उन्होंने अपने श्रोताओं को आश्चर्यचकित कर दिया। दुर्भाग्य से, अक्सेनोव के इस तरह के नाटक हम तक नहीं पहुँचे हैं।

एस.एन. की शैक्षिक गतिविधियाँ भी महत्वपूर्ण प्रतीत होती हैं। अक्सेनोवा। 1810 की शुरुआत में, उन्होंने "सात-स्ट्रिंग गिटार के लिए नई पत्रिका, संगीत प्रेमियों को समर्पित" प्रकाशित की, जिसमें लोकप्रिय ओपेरा एरिया के कई प्रतिलेखन और रूसी लोक गीतों के विषयों पर विविधताएं शामिल थीं। अक्सेनोव ने गिटार के साथ आवाज के लिए रोमांस भी बनाया।

अक्सेनोव ने प्रतिभाशाली गिटारवादक मिखाइल वायसोस्की को प्रशिक्षित किया, जिन्होंने जल्द ही रूसी गिटारवादकों के मॉस्को स्कूल को प्रसिद्धि दिलाई।

मिखाइल टिमोफीविच वायसोस्की (1791-1837) की रचनात्मक गतिविधि ने पेशेवर अकादमिक रूसी गिटार प्रदर्शन के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई।

संगीतकार का वादन न केवल धर्मनिरपेक्ष सैलून और व्यापारी समारोहों में सुना जा सकता था। गिटारवादक अपने अपार्टमेंट की खिड़की से आम जनता के लिए भी बजाता था, खासकर हाल के वर्षों में, जब उसे बहुत ज़रूरत थी। इन संगीत समारोहों ने बुर्जुआ वर्ग और कारीगरों के बीच सात-तार वाले गिटार के प्रसार में योगदान दिया।

संगीतकार के पास कामचलाऊ व्यवस्था का अद्भुत उपहार था। वायसॉस्की कॉर्ड्स और मॉड्यूलेशन की अंतहीन संपदा के साथ घंटों तक सुधार कर सकता था।

गिटारवादक ने नृत्य संगीत की भी रचना की जो उनके समय में फैशनेबल था - माज़ुर्कस, पोलोनाइज़, वाल्ट्ज़, इको-सेज़। ये सभी नाटक अत्यंत सुन्दर एवं संगीतमय हैं। वायसोस्की ने वी.ए. के कार्यों का प्रतिलेखन प्रस्तुत किया। मोजार्ट, एल. बीथोवेन, डी. फील्ड। संगीतकार ने अपने कार्यों को छोटे संस्करणों में और पुनर्मुद्रण के बिना प्रकाशित किया, और इसलिए संग्रह तुरंत बिक गए और लगभग तुरंत ही ग्रंथसूची संबंधी दुर्लभता बन गए। वायसोस्टकी की केवल कुछ हस्तलिखित रचनाएँ ही बची हैं, साथ ही गुथिल के संस्करण में 84 नाटक प्रकाशित हुए हैं।

रूस में सात-तार वाले गिटार बजाने का पहला स्व-निर्देश 18वीं शताब्दी के अंत में सामने आया। 1798 में सेंट पीटर्सबर्ग में, आई. गेल्ड का "सात-तार वाले गिटार के लिए स्व-निर्देश पुस्तिका" प्रकाशित हुई, जिसे कई बार पुनर्मुद्रित किया गया और नई सामग्री के साथ पूरक किया गया। तीसरे संस्करण का विस्तार रूसी और यूक्रेनी लोक गीतों की 40 व्यवस्थाओं को शामिल करने के लिए किया गया था। 1808 में, डी.एफ. कुशेनोव-दिमित्रीव्स्की द्वारा "सात-तार वाले गिटार के लिए स्कूल" सेंट पीटर्सबर्ग में प्रकाशित किया गया था। इस संग्रह को बाद में कई बार पुनर्मुद्रित किया गया। 1850 में, ए.ओ. सिहरा द्वारा लिखित "थियोरेटिकल एंड प्रैक्टिकल स्कूल फॉर द सेवन-स्ट्रिंग गिटार" तीन भागों में प्रकाशित हुआ था। पहले भाग को "सामान्य रूप से संगीत के नियमों पर" कहा जाता था, दूसरे में तकनीकी अभ्यास, स्केल और आर्पेगियोस शामिल थे, तीसरे भाग में संगीत सामग्री थी, जिसमें मुख्य रूप से सिहरा के छात्रों के काम शामिल थे। एक अन्य महत्वपूर्ण निर्देशात्मक और शैक्षणिक मैनुअल ए.ओ. द्वारा लिखित "चार अभ्यासों से युक्त व्यावहारिक नियम" था। सिहरस. यह इस प्रकार का है ग्रेजुएट स्कूलगिटारवादक के तकनीकी कौशल में सुधार करना।

1819 में, एस.एन. अक्सेनोव ने आई. गेल्ड के "स्कूल" के अगले पुन: संस्करण में महत्वपूर्ण परिवर्धन किया। प्राकृतिक और कृत्रिम हार्मोनिक्स पर एक अध्याय जोड़ा गया, और उनकी अपनी रचनाओं सहित कई नए नाटक, रेखाचित्र और लोक गीतों की व्यवस्थाएं पेश की गईं। सात-तार वाले गिटार सीखने के लिए विभिन्न मैनुअल वी.आई. द्वारा प्रकाशित किए गए थे। मोर्कोव, एम.टी. 19वीं सदी के पूर्वार्ध के वायसोस्की और अन्य गिटारवादक।

रूस में, सात-तार वाला गिटार समानांतर में मौजूद था - एक अकादमिक और एक लोक वाद्ययंत्र दोनों के रूप में। 19वीं शताब्दी के पहले दशकों में, सात-तार वाला गिटार, घरेलू संगीत-निर्माण की पारंपरिक परत का प्रतिपादक होने के नाते, मुख्य रूप से श्रमिकों, कारीगरों, प्रशिक्षुओं और विभिन्न प्रकार के सेवा लोगों - कोचमैन, फुटमैन के बीच फैल गया। यह वाद्ययंत्र सामान्य आबादी के लिए शिक्षा और संगीत संस्कृति से परिचय का साधन बन जाता है।

1840 के दशक से, गिटार की कला, भजन की कला की तरह, गिरावट शुरू हो गई। लेकिन अगर रोजमर्रा के संगीत वादन से वीणा गायब होने लगी, तो गिटार, शहरी गीत, रोमांस और जिप्सी गायन के क्षेत्र में समान रूप से अपरिवर्तित सहायक उपकरण बनकर रह गया, पेशेवर स्तर में गिरावट के कारण धीरे-धीरे लोगों के अपने सामाजिक गुणों को खो दिया। गिटारवादकों का. सदी के उत्तरार्ध में ए.ओ. जैसे उत्कृष्ट कलाकार और शिक्षक नहीं रहे। सिहरा, एस.एन. अक्सेनोव और एम.टी. विसोत्स्की। सामग्री का छपना लगभग बंद हो गया है कार्यप्रणाली मैनुअल, और जो स्व-निर्देश मैनुअल प्रकाशित किए गए थे, वे ज्यादातर रोजमर्रा के संगीत बजाने के प्रेमियों की सरल जरूरतों के लिए डिज़ाइन किए गए थे और उनमें केवल लोकप्रिय रोमांस, गाने, नृत्य के नमूने शामिल थे, जो अक्सर कम कलात्मक गुणवत्ता के होते थे।

1. 
   रूसी डोमरा पर प्रदर्शन का गठन

एक धारणा है कि रूसी डोमरा का दूर का पूर्वज पूर्वी वाद्ययंत्र तनबुर है, जिसका उपयोग आज भी मध्य पूर्व और ट्रांसकेशिया के लोगों के बीच किया जाता है। इसे 9वीं-10वीं शताब्दी में उन व्यापारियों द्वारा रूस में लाया गया था जो इन लोगों के साथ व्यापार करते थे। इस प्रकार के उपकरण न केवल रूस में, बल्कि मध्यवर्ती क्षेत्र पर कब्जा करने वाले अन्य पड़ोसी राज्यों में भी दिखाई दिए भौगोलिक स्थितिस्लाव लोगों और पूर्व के लोगों के बीच। समय के साथ महत्वपूर्ण परिवर्तन होने के बाद, इन उपकरणों को अलग-अलग लोगों के बीच अलग-अलग कहा जाने लगा: जॉर्जियाई - पनादुरी और चोंगुरी, ताजिक और उज़बेक्स - डुम्ब्रक, तुर्कमेन - डुटार, किर्गिज़ - कोमुज़, अजरबैजान और अर्मेनियाई - टार और साज़, कज़ाख और काल्मिक - डोम्बरा, मंगोल - डोंबुर, यूक्रेनियन - बंडुरा। इन सभी उपकरणों ने अपने आकार, ध्वनि उत्पादन के तरीकों, संरचना आदि की रूपरेखा में बहुत कुछ समान रखा है।

हालाँकि "डोमरा" नाम स्वयं 16वीं शताब्दी में ही प्रसिद्ध हो गया था, रूस में प्लक्ड फ़िंगरबोर्ड (टैनबर-आकार) उपकरणों के बारे में पहली जानकारी 10वीं शताब्दी से हम तक पहुँची है। रूसी लोक वाद्ययंत्रों में से तनबुर का वर्णन 10वीं शताब्दी के अरब यात्री इब्न दस्ता द्वारा किया गया था, जिन्होंने 903 और 912 के बीच कीव का दौरा किया था।

डोम्रास का पहला उल्लेख जो हमारे पास आया है वह 1530 का है। "मेट्रोपॉलिटन डैनियल की शिक्षाएँ" चर्च के मंत्रियों द्वारा वीणा और स्मिक (सींग) बजाने के साथ-साथ डोमरा बजाने की बात करती हैं। 17वीं शताब्दी की शुरुआत तक, यहां तक ​​कि लोगों की प्रिय वीणा ने भी लोकप्रियता में "बड़े पैमाने पर डोम्रास को रास्ता दे दिया"। 17वीं शताब्दी में मॉस्को में एक "डोमरा पंक्ति" थी जहां डोमरा बेचा जाता था। नतीजतन, इन उपकरणों की आवश्यकता इतनी अधिक थी कि उन्हें बेचने के लिए कई दुकानों को व्यवस्थित करना आवश्यक था। यह जानकारी कि डोम्रा का उत्पादन बड़ी मात्रा में किया गया था, न कि केवल मास्को में, सीमा शुल्क पुस्तकों द्वारा पुष्टि की जा सकती है, जिसमें रूसी राज्य के स्थानीय बाजारों पर संग्रह दैनिक दर्ज किया गया था।

रूस में डोमरा इसकी चपेट में आ गया लोक जीवन. यह एक सार्वजनिक रूप से सुलभ, लोकतांत्रिक साधन बन गया है। वाद्य यंत्र का हल्कापन और छोटा आकार, इसकी ध्वनि ध्वनि (डोमरा हमेशा पल्ट्रम के साथ बजाया जाता था), समृद्ध कलात्मक तकनीकी क्षमताएं - यह सब उन दिनों भैंसों को पसंद था, डोमरा हर जगह बजता था: किसान और में शाही आंगन, मौज-मस्ती के घंटों और दुख के क्षणों में। एक पुरानी रूसी कहावत है, "मुझे अपने डोमरा का मज़ाक उड़ाने में ख़ुशी होती है।"

विदूषक अक्सर भड़काने वाले और लोकप्रिय अशांति में भाग लेने वाले होते थे। यही कारण है कि पहले पादरी वर्ग, और फिर राज्य के शासक, उनकी कला के विरुद्ध इतने उग्र हो गए।

लगभग 100 वर्षों तक (1470 से 1550 तक), आठ शाही फ़रमानों ने संगीत वाद्ययंत्र बजाने पर रोक लगा दी। भैंसों और उनके संगीत का उत्पीड़न विशेष रूप से 15वीं - 17वीं शताब्दी में तेज हो गया - जारशाही सरकार और जमींदारों (इवान बोलोटनिकोव और स्टीफन रज़िन के नेतृत्व में किसान युद्ध) के खिलाफ किसानों द्वारा संगठित विरोध प्रदर्शन की अवधि के दौरान।

1648 में, ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच का एक चार्टर जारी किया गया था, जिसमें संगीत वाद्ययंत्रों से लोगों को बहिष्कृत करने के उपायों को वैध बनाया गया था: "और जहां डोमरा और सुरना, और सीटी, और वीणा, और पवित्र गूंजने वाले जहाज दिखाई देते हैं, और आप उन राक्षसी को आदेश देंगे लोगों को बुलाया गया और, उन राक्षसी खेलों को हैक करने के बाद, उसने उन्हें जलाने का आदेश दिया।

1654 की गर्मियों और शरद ऋतु में, पैट्रिआर्क निकॉन के निर्देश पर, "भीड़" से संगीत वाद्ययंत्रों की बड़े पैमाने पर जब्ती की गई। वे हर जगह नष्ट किये जा रहे थे. गुसली, सींग, डोमरा, पाइप, टैम्बोरिन को मॉस्को नदी के पार ले जाया गया और जला दिया गया।

17वीं शताब्दी के मध्य में लोक वाद्ययंत्र बजाने पर प्रतिबंध लगाने वाले शाही फरमानों के कारण विशेषज्ञ कारीगरों द्वारा डोमरा का उत्पादन बंद हो गया। औजारों के निर्माण और यहां तक ​​कि भंडारण के लिए भी कड़ी सजा दी गई। विदूषकों की कला के उन्मूलन के साथ, घरेलू-डॉक्टर संगीतकारों का पेशेवर प्रदर्शन भी गायब हो जाता है।

हालाँकि, विदूषकों की कला को धन्यवाद। डोमरा ने लोगों के बीच व्यापक लोकप्रियता हासिल की है। यह सबसे दूर-दराज के गांवों में घुस गया।

16वीं-17वीं शताब्दी की पांडुलिपियों में लोक वाद्ययंत्रों, विशेष रूप से डोमरा और उनके कलाकारों - डोमराचेव की छवियों के साथ कई चित्र हैं। इन चित्रों से पता चलता है कि उन दिनों डोमरा रूस में सबसे आम संगीत वाद्ययंत्रों में से एक था।

16वीं - 17वीं शताब्दी में पुराना रूसी डोमरा दो संस्करणों में मौजूद था: इसका आकार आधुनिक डोमरा के बेहद करीब हो सकता था, और दूसरा एक प्रकार का ल्यूट था - एक बड़े शरीर वाला एक बहु-तार वाला वाद्य यंत्र, बल्कि छोटी गर्दन और एक सिर पीछे झुका हुआ.

उस समय के ऐतिहासिक दस्तावेज़ डोमरा पर संयुक्त प्रदर्शन के साथ-साथ डोमरा की किस्मों के सह-अस्तित्व का संकेत देते हैं: छोटे, मध्यम और बड़े डोमरा। वे ज़ुल्फ़ या पंख का उपयोग करके डोमरा बजाते थे।

16वीं शताब्दी प्राचीन रूसी स्कोमोरोशी डोमरा के व्यापक वितरण की अवधि है। 18वीं सदी की शुरुआत के लोकप्रिय प्रिंटों में अक्सर दो विदूषकों, थॉमस और एरेमा को चित्रित किया जाता था। उनमें से एक के हाथ में आप एक टूटा हुआ तार वाला वाद्य यंत्र देख सकते हैं। इसका शरीर छोटा अंडाकार और गर्दन पतली होती है। रूसी लोकप्रिय प्रिंट के शोधकर्ता, प्रमुख कला इतिहासकार डी.ए. रोविंस्की, चित्रों के स्पष्टीकरण के रूप में, थॉमस और एरेम के बारे में एक पूरी काव्यात्मक कहानी का हवाला देते हैं। यह कहता है: "एरेमा के पास वीणा है, और थॉमस के पास डोमरा है।"

डोमरा को अक्सर खुली हवा में बजाया जाता था और इसके अलावा, कभी-कभी तेज़ आवाज़ वाले वाद्ययंत्रों के साथ भी बजाया जाता था।

प्राचीन रूसी डोमरा और अन्य लोगों के समान उपकरणों की सभी छवियों की तुलना करते समय, अत्यंत पर ध्यान देना महत्वपूर्ण है दिलचस्प विशेषता: सभी वाद्ययंत्र - कोब्ज़ा (उपकरण 16वीं - 17वीं शताब्दी में यूक्रेन में व्यापक था, इसमें एक बड़ा अंडाकार या अर्धवृत्ताकार शरीर था और एक गर्दन थी जिस पर 5-6 तार फैले हुए थे, एक सिर पीछे की ओर झुका हुआ था - यानी, एक ल्यूट- आकार का प्रकार, या एक छोटे शरीर और 3 - 4 तारों वाला एक उपकरण), ओरिएंटल डोमरा और अन्य - विशेष रूप से एकल के रूप में प्रस्तुत किए जाते हैं। इनके साथ अन्य वाद्ययंत्रों का कहीं भी चित्रण नहीं किया गया है। फिर भी, 16वीं-17वीं शताब्दी के प्राचीन रूसी डोमरा की छवियां अन्य वाद्ययंत्रों के साथ संयुक्त वादन में इसके उपयोग की बात करती हैं। प्राचीन डोमरा मुख्य रूप से सामूहिक संगीत बजाने के लिए बनाया गया एक वाद्य यंत्र था और विभिन्न टेसिटुरा किस्मों में मौजूद था। उदाहरण के लिए, जो लघुचित्र हम तक पहुँचे हैं वे विभिन्न आकारों के डोमरा को दर्शाते हैं। छोटे शरीर वाला डोमरा आधुनिक छोटे डोमरा के आकार से मेल खाता है। प्राचीन रेखाचित्रों में और भी छोटे शरीर वाले डोमरा की एक छवि होती है: यह संभव है कि यह एक "डोमरिशको" है - बहुत उच्च टेसिटुरा वाला एक उपकरण।

18वीं सदी के उत्तरार्ध में डोमरा धीरे-धीरे लोगों की याददाश्त से गायब हो गया।

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   18वीं-19वीं शताब्दी में बालालिका

बालालिका ने 18वीं सदी की शुरुआत में ही श्रृंखला में अग्रणी स्थानों में से एक पर कब्जा कर लिया था राष्ट्रीय उपकरणरूस, जल्द ही एक प्रकार के रूसी संगीत प्रतीक, रूसी लोक वाद्य कला का प्रतीक बन गया। इस बीच, हमारे समय तक इसकी उत्पत्ति और गठन के इतिहास में, कई अज्ञात प्रश्न हैं।

17वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे में - 1688 में - "डोमरा" नाम के लुप्त होने के साथ, बालिका का पहला उल्लेख सामने आया। लोगों को डोमरा के समान, बनाने में आसान और बजने वाली, लयबद्ध रूप से स्पष्ट ध्वनि वाले एक तार वाले वाद्य यंत्र की आवश्यकता थी। यह सही है, घरेलू कारीगर तरीके से बनाया गया है, और डोमरा के एक नए संस्करण - बालालिका के साथ खिलवाड़ किया जा रहा है।

बालालिका 17वीं सदी के उत्तरार्ध में डोमरा के लोकगीत संस्करण के रूप में सामने आई। पहले से ही 18वीं शताब्दी में, इतिहासकार या. श्टेलिन के अनुसार, इसने असाधारण लोकप्रियता हासिल कर ली, "पूरे रूसी देश में सबसे व्यापक उपकरण।" यह कई परिस्थितियों द्वारा सुगम बनाया गया था - पहले से मौजूद उपकरणों (वीणा, डोमरा, सीटी) के प्रमुख महत्व का नुकसान, बालालिका सीखने की उपलब्धता और आसानी, और इसके निर्माण की सादगी।

रूस के विभिन्न प्रांतों में लोक बालिकाएं अपने आकार में भिन्न थीं। 18वीं और 19वीं सदी की शुरुआत में, गोल (नीचे से छोटा) और अंडाकार शरीर वाले बालालाइक लोकप्रिय थे, जो कद्दू से बने होते थे। उनके साथ, 18वीं शताब्दी में, त्रिकोणीय शरीर वाले उपकरण अधिक से अधिक बार दिखाई देने लगे। उनकी छवियाँ विभिन्न लोकप्रिय प्रिंटों में दिखाई गई हैं। चतुष्कोणीय और समलम्बाकार शरीर वाले वाद्ययंत्र थे, जिनमें 2 से 5 (तांबा या आंत) तक कई तार होते थे। यंत्र बनाने की सामग्री विभिन्न प्रकार की लकड़ी और दक्षिणी क्षेत्रों में कद्दू थी। बालिका के प्रकार उनकी ट्यूनिंग में भिन्न थे। चौथी, पाँचवीं, मिश्रित चौथी-पाँचवीं और तीसरी ट्यूनिंग की तीन-तार वाली बालालिकाएँ थीं। गर्दन पर 4-5 चल झल्लाहटें बंधी हुई थीं।

लोगों के बीच उपयोग में आने वाले आदिम बालालिकों को हस्तकला बनाया गया था, उनके पास डायटोनिक पैमाने और बहुत सीमित क्षमताएं थीं;

बालिका के आयाम अक्सर ऐसे होते थे कि उन्हें एक गोफन पर रखना पड़ता था: चौड़ाई 0 1 फुट, तथाकथित। लगभग 30.5 सेमी, लंबाई - 1.5 फीट (46 सेमी), और गर्दन "शरीर की लंबाई से कम से कम 4 गुना" अधिक थी, यानी। 1.5 मीटर तक पहुंच गया. बालालिका को अलग-अलग तारों को तोड़कर, खनककर और पल्ट्रम की मदद से बजाया जाता था - जो 18वीं शताब्दी में बजाने का एक विशिष्ट तरीका था।

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के दौरान, यह वाद्ययंत्र शौकीनों और पेशेवर संगीतकारों दोनों के बीच फैल गया। लोगों के बीच इसके व्यापक उपयोग के साथ, बालिका इस अवधि के दौरान पहले से ही "प्रसिद्ध" घरों में पाई जाती थी और यहां तक ​​कि उत्सव के दरबार समारोहों की संगीत व्यवस्था में भी भाग लेती थी। उस समय शहर बालालिका वादकों के प्रदर्शनों की सूची में न केवल लोक गीत और नृत्य शामिल थे, बल्कि तथाकथित धर्मनिरपेक्ष संगीत के काम भी शामिल थे: अरियास, मिनुएट्स, पोलिश नृत्य, साथ ही "एंडांटे, एलेग्रो और प्रेस्टो के काम।"

पेशेवर शहरी बालिका खिलाड़ियों का उद्भव इसी समय से हुआ है। उनमें से पहले का नाम शानदार वायलिन वादक इवान इवस्टाफिविच खांडोश्किन (1747 - 1804) रखा जाना चाहिए। इस संगीतकार द्वारा बालिका के लिए रचनाएँ रचने की संभावना से इंकार नहीं किया गया है। खांडोश्किन वायलिन और बालालाइका दोनों पर रूसी लोक गीतों का एक बेजोड़ कलाकार था; उन्होंने लंबे समय तक पहले गुणी बालिका खिलाड़ी की प्रतिष्ठा बरकरार रखी। यह ज्ञात है कि यह खांडोश्किन ही थे जिन्होंने पोटेमकिन और नारीशकिन जैसे उच्च श्रेणी के रईसों को अपने वाद्य यंत्र से "संगीत उन्माद" में लाया था। सबसे पहले, खांडोशकिन ने एक लोक-शैली बालालिका बजाया, जो लौकी से बना था और अंदर से टूटे हुए क्रिस्टल से चिपका हुआ था, जिसने वाद्ययंत्र को एक विशेष मधुरता प्रदान की, और बाद में उन्होंने उल्लेखनीय वायलिन निर्माता इवान बटोव द्वारा बनाया गया वाद्ययंत्र बजाया। यह बहुत संभव है कि बटोव की बालालिका में न केवल एक बेहतर शरीर हो सकता था, बल्कि मोर्टिज़ फ़्रीट्स भी हो सकते थे। ए.एस. के वाद्य कार्य में फैमिनत्सिन "डोमरा और संबंधित संगीत वाद्ययंत्र", पेंटिंग " लोक कलाकार 19वीं सदी की शुरुआत की एक त्रिकोणीय बालालिका के साथ, जिस पर संगीतकार सात मोर्टिज़ फ़्रीट्स के साथ एक बेहतर बालालिका बजाता है।

प्रसिद्ध पेशेवर बालालिका वादकों में कैथरीन द्वितीय आई.एफ. के कोर्ट वायलिन वादक का नाम लिया जा सकता है, जो न केवल वायलिन में, बल्कि बालिका में भी खांडोश्किन के छात्र थे। निस्संदेह, इस वाद्ययंत्र के लिए रचना करने वाले उत्कृष्ट बालाकला वादक मॉस्को वायलिन वादक, संगीतकार और कंडक्टर व्लादिमीर इलिच रेडिविलोव (1805 - 1863) थे। समकालीन लोग इस बात की गवाही देते हैं कि रेडिविलोव ने बालिका में सुधार किया, इसे चार-तार वाला बना दिया, और "इसे बजाने में उन्होंने इतनी पूर्णता हासिल की कि उन्होंने जनता को आश्चर्यचकित कर दिया।" सभी प्रस्तुतियाँ उनकी अपनी रचनाएँ थीं।

सीमांत XVIII - XIX सदियोंबालिका वादन की कला का उत्कर्ष काल है।

इस अवधि के दस्तावेज़ों में, बालिका खिलाड़ियों के बीच पेशेवर कलाकारों के अस्तित्व की पुष्टि करने वाली जानकारी दिखाई देती है, जिनमें से अधिकांश गुमनाम रहे।

हमें उत्कृष्ट बालिका खिलाड़ी एम.जी. के बारे में जानकारी प्राप्त हुई है। ख्रुनोव, जिन्होंने "विशेष डिज़ाइन" की बालिका की भूमिका निभाई। इस सामान्य वाद्ययंत्र के प्रति उपेक्षापूर्ण रवैये के बावजूद, समकालीन लोग संगीतकार के वादन का उत्कृष्ट मूल्यांकन करते हैं।

मुद्रित प्रकाशनों में कई और बालालिका वादकों के नामों का उल्लेख है जो इस वाद्ययंत्र में निपुण थे। यह पी.ए. बेयर और ए.एस. पास्किन टवर प्रांत के एक ज़मींदार हैं, साथ ही एक असाधारण कलाकार हैं, एक एन्क्रिप्टेड उपनाम (पी.ए. लाकी) के साथ एक ओरीओल ज़मींदार, जिन्होंने अद्वितीय तकनीक के साथ "बालालिका" बजाया, विशेष रूप से अपने हार्मोनिक्स का प्रदर्शन करते हुए। ये संगीतकार सर्वश्रेष्ठ कारीगरों द्वारा बनाये गये वाद्ययंत्र बजाते थे।

शहर में मौजूद बालिकाएं आम लोगों से भिन्न थीं; प्रदर्शन ही अलग था. वी.वी. एंड्रीव ने लिखा कि शहर में उन्हें सात-फ्रेट उपकरण मिले, और ए.एस. पास्किन ने मूल तकनीकी तकनीकों और खोजों से परिपूर्ण अपने पेशेवर खेल से सचमुच उन्हें आश्चर्यचकित कर दिया।

गांवों में, पार्टियों में, बालिका खिलाड़ी के प्रदर्शन का भुगतान पूलिंग द्वारा किया जाता था। कई में ज़मींदारों की संपत्तिउनके पास एक बालिका वादक था जो घरेलू मनोरंजन के लिए खेलता था।

19वीं सदी की शुरुआत में, बालिका के लिए एक रचना सामने आई - रूसी लोक गीत "एलनिक, माई स्प्रूस फ़ॉरेस्ट" की थीम पर विविधताएँ। यह रचना बालालिका के एक महान प्रेमी, प्रसिद्ध द्वारा लिखी गई थी ओपेरा गायकमरिंस्की थिएटर एन.वी. लावरोव (असली नाम चिरकिन)। विविधताएँ फ़्रेंच में प्रकाशित हुईं और तत्कालीन प्रसिद्ध संगीतकार ए.ए. को समर्पित थीं। एल्याबयेव। शीर्षक पृष्ठ इंगित करता है कि यह कार्य तीन-तार वाली बालिका के लिए लिखा गया था। यह उस काल में तीन तार वाले वाद्य यंत्र की व्यापक लोकप्रियता को दर्शाता है।

ऐतिहासिक दस्तावेज़ इस तथ्य की पुष्टि करते हैं कि बालिका ने लोक संगीत वाद्ययंत्रों के साथ विभिन्न संयोजनों में एक सामूहिक वाद्ययंत्र के रूप में काम किया - एक सीटी, बैगपाइप, अकॉर्डियन, हॉर्न के साथ युगल में; एक तिकड़ी में - एक ड्रम और चम्मच के साथ; वायलिन, गिटार और टैम्बोरिन से युक्त छोटे ऑर्केस्ट्रा में; बांसुरी और वायलिन के साथ समूह में। ओपेरा प्रदर्शन में बालालिका का उपयोग भी जाना जाता है। इस प्रकार, एम.एम. सोकोलोव्स्की के ओपेरा "द मिलर, द सॉसरर, द डिसीवर एंड द मैचमेकर" में, तीसरे एक्ट "द ओल्ड मैन एंड द ओल्ड वुमन वॉकड" से मिलर का अरिया बालालिका की संगत में प्रदर्शित किया गया था।

व्यापक जनता के बीच बालिका की लोकप्रियता दोनों में परिलक्षित होती है लोक संगीत, और कल्पना में। इस उपकरण का उल्लेख ए.एस. पुश्किन, एम.यू. लेर्मोंटोव, एफ.आई. के कार्यों में किया गया है। दोस्तोवस्की, एल.एन. टॉल्स्टॉय, ए.पी. चेखव, आई. तुर्गनेवा, एन.वी. गोगोल और अन्य।

19वीं सदी के मध्य तक, एक सामूहिक वाद्ययंत्र के रूप में बालालिका की लोकप्रियता फीकी पड़ने लगी। अपने आदिम रूप में, बालिका अब पूरी तरह से नई सौंदर्य संबंधी मांगों को पूरा नहीं कर सकी। सबसे पहले, सात-तार वाले गिटार और फिर हारमोनिका ने लोक घरेलू संगीत वादन से बालिका की जगह ले ली। लोक संगीत जीवन में बालिका के धीरे-धीरे गायब होने की प्रक्रिया शुरू होती है। सर्वव्यापी होने से, यह वाद्य यंत्र तेजी से संगीत पुरातत्व का विषय बन गया।