Niezastosowanie się do tych zasad może skutkować usunięciem pobranych plików, karami za pobieranie i blokadą.
Przesyłanie obrazów na stronę w dziale Obrazy artystów:
1
. Zawsze przestrzegaj składni nazwiska autora - NAZWA- Następnie NAZWISKO
Przykład - Tomasz Kinkade- Prawidłowy, Kinkade Thomas
- Zło
Przykład - Iwan Szyszkin
- Prawidłowy, Szyszkin Iwan
- zło
Sprawdź pisownię nazwisk artystów na WIKIPEDIA.org
2 . W imieniu rosyjskich artystów nie ma potrzeby podawania drugiego imienia artysta
3
. Statystyki pobierania/wysyłania na stronie obowiązują tylko w dziale Obrazy artystów
Poza tą sekcją Pobieranie/Przesyłanie – bez ograniczeń
4 . Wszystkie zdjęcia są moderowane przez administratora.
5 . Proszę, nie pobieraj do witryny obrazy w ramach, przed wypełnieniem usuń ramki obrazów w programie Photoshop
6 . Dozwolone jest zamieszczanie obrazów na stronie za zgodą co najmniej 4 MP
7 . Zdjęcia, które przeszły moderację, są publikowane na stronie o godzinie 22.00 czasu moskiewskiego.
8 . Administrator nie jest mile widziany obrazy ze zbiorów Shutterstock, Fotolia, obrazy nieznani artyści, a także fotografie amatorskie.
9 . Administrator zastrzega sobie prawo do pozbawienia użytkownika pobrań za celowe oszustwo, spam i trolling.
Imię Róży owiane jest legendami. Był osobą pełną pasji i wszechstronnie utalentowaną, interesującą się nie tylko malarstwem i grafiką, ale także poezją, muzyką, śpiewem i sztuką dramatyczną. W ich dzieła poetyckie wyrażał refleksje nad życiem, wzniosły stosunek do sukcesu i uznania, do relacji ze szlachetnymi klientami, do twórczej niezależności, którą cenił ponad wszystko. O odwadze poglądów Rosy świadczy fakt, że jego satyry zostały później zakazane przez cenzurę watykańską. Równie jasne i odważne jak na tę epokę było malarstwo Rosy, w którym wyrażał idee filozoficzne, moralizujące. Słowa z jego satyry „Malarstwo”: „Książęta, mam ochotę krzyczeć, chociaż… przy was muszę milczeć i udawać” brzmią wyzywająco skierowane do przedstawicieli najwyższych kręgów, wobec których artysta, który zawsze bronił swojej godności, zachowywał się dość bezceremonialnie: ustalał wysokie ceny, odmawiał oddania dzieła lub wręcz przeciwnie, hojnie je podarował. Ze względu na drwiącą satyrę i ostrą alegorię obrazy Rose miała wielu wrogów.
Na odmowę przyjęcia go w poczet członków Akademii Rzymskiej św. Łukasza odpowiedział satyrą „Zawiść”, a na płótnie „Fortuna” (1658-1659, Londyn, Marlborough Gallery) przedstawił dary losu spływające na z róg obfitości, które nie trafiają do tych, którzy je otrzymują, ale do zwierząt, na których obrazach rozpoznało się wielu wpływowych ludzi. Ciągła ostra krytyka, a nawet uwaga Inkwizycji towarzyszyły mu przez całe życie.
Obrazy Rosy ukazywały jego wymagającą postawę życiową, ogromny temperament i miłość do życia. Urodził się w małej wiosce Arenella niedaleko Neapolu. W kolegium jezuickim studiował łacinę, historię, literaturę starożytną i włoską. Studiował malarstwo u swojego wujka A.D. Greco i trochę czasu w warsztacie Ribery. Od hiszpańskiego naśladowcy Caravaggia odziedziczył szeroki styl malarstwa z silnymi kontrastami światła i cienia, upodobanie do szorstkiego typu ludowego na płótnach o tematyce religijnej, mitologicznej i historycznej, w scenach „czarów” oraz wizerunkach zbójców i włóczęgów, co brzmiało jak wyzwanie dla wysokiej oficjalnej sztuki.
Jest informacja, że niezależna praca Rosa zaczynał od wykonania małych pejzaży, które pisał wędrując po górach lub pływając łodzie rybackie wzdłuż brzegów Zatoki Neapolitańskiej. Stale włączał te motywy do swoich dzieł. Krajobrazy i mariny Rosy przekazują charakterystyczne cechy neapolitańskiej przyrody: góry, skaliste wybrzeża, niekończąca się przestrzeń morska z żaglówkami, sylwetki wież i latarni morskich, postacie żeglarzy i rybaków. Artysta nadaje mu romantyczny wygląd, wprowadzając wizerunki tajemniczych podróżników, włóczęgów, odzianych w płaszcze żołnierzy, przedstawiające stare budynki, górskie potoki, suche drzewa, ostre półki skalne, jaskinie.
Czasem, jakby próbując powiązać swoją sztukę z „wysokim” stylem klasycystycznym, wprowadza do swoich obrazów uszlachetniony sztafaż mitologiczny, malując w spokojny, malarski sposób, ze stopniowymi przejściami światła i cienia („Pejzaż z Apollem i Sybillą z Cumae ”, Londyn, Kolekcja Wallace’a). Wyrażając swoje filozoficzne refleksje, Róża często wprowadza do krajobrazu postacie starożytnych mędrców: na obrazie „Gaj filozofów” (Florencja, Galeria Pitti) jego ulubiony bohater Diogenes wskazuje na chłopca pijącego wodę ze strumienia, wzywającego do wolności, o jedność z naturą.
Do Rzymu, gdzie pragnący sławy artysta przybył około 1630 roku, otrzymał rozkaz od kardynała Brancacciego, jednak ukończone dzieło nie zakończyło się sukcesem. Ale jego nazwisko stało się znane dzięki satyrze napisanej na temat słynnego rzymskiego rzeźbiarza i architekta L. Berniniego. W odpowiedzi przyjaciele Berniniego wystawili sztukę, w której Rosa została przedstawiona jako początkująca i włóczęga. Artystę przed skandalem uratowało zaproszenie do posługi we Florencji u przyszłego kardynała J.K. Medycyna.
Od 1640 roku Róża spędziła w Toskanii około dziesięciu lat. Tutaj pozyskał wpływowych przyjaciół i mecenasów. Artysta żartobliwie nazywał krąg wykształconych ludzi odwiedzających jego dom „Akademią Posiniaczonych”. Był duszą rozmów i sztuk, które komponowano i odgrywano pod postacią Pascariello. Na płótnie” Portret mężczyzny„(1640 r., Petersburg, Państwowe Muzeum Ermitażu) Rosa mógł przedstawić siebie jako Pascariello. To obraz żywego, ironicznego, mądra osoba zupełnie jak artysta. Z okresu pobytu we Florencji datuje się także „Autoportret” (ok. 1645, Londyn, National Gallery). Róża malowała się w płaszczu zarzuconym na ramię, z twarzą pełną goryczy i gniewu. Łaciński napis głosi: „Albo milcz, albo mów co lepsze niż cisza" Najwyraźniej oddaje nastrój tamtych lat, który przekazują także satyry.
W okresie florenckim wykonywano także sceny „bitew” (Bitwa chrześcijan z Turkami, ok. 1640, Florencja, Galeria Pitti), które artysta często wykorzystywał w malarstwie. Te barokowe kompozycje przekazują nie konkretne wydarzenie, ale dynamikę i patos walki. Postacie wojowników i koni łączą się w duże poruszające się masy. Zacięta walka toczy się na tle krajobrazu wyimaginowanych miast z wieżami fortec. Atmosfera światła i powietrza została namalowana ze wspaniałym kunsztem, nadając jedność planom i miękkości przejść światła i cienia, które podkreślają klarowność form plastycznych. Wyrazistość tych dużych płócien nadaje także rozwój tonalny kilku, ale bogate kolory. „Bitwy” nie przedstawiają prawdziwych wydarzeń historycznych, ale niosą ze sobą echo epoki pełnej przemocy, rozlewu krwi i okrucieństw. „Trzeba zaopatrzyć się w buty, bo wszystko jest zalane złem, wszędzie jest krew…” – pisał artysta w satyrycznej „Wojnie”.
Spiski i powstania biedoty w Neapolu za czasów Róży były żywą historią. Góry zostały zalane zbiegłymi rebeliantami, rabusiami, gotowymi wesprzeć bunt przeciwko Hiszpanom, którzy dominowali w Królestwie Neapolu. Rosa wprowadziła do swojej twórczości wizerunki tych ludzi; ten sam typ można znaleźć w serii rycin artysty Capricciego. Być może w młodości, podróżując po górach, spotkał tych ludzi. Na płótnie „Żołnierze grający w kości” (1650, Moskwa, Muzeum Państwowe Sztuki piękne nazwane na cześć. JAK. Puszkina) postacie są wpisane w pejzaż, z górami lub wirującymi chmurami, gesty są tajemnicze i teatralne, a sceny wyglądają jednocześnie bardzo realistycznie i fantastycznie, pełne romantycznego uniesienia.
Już w młodości artystę pociągało przedstawianie scen czarów, których początków należy doszukiwać się nie tyle w rozpowszechnionych od średniowiecza ulicznych misteriach i karnawałowych wróżbach, ile w zainteresowaniu typ ludowy związany z tymi zjawiskami. Takie kolorowe typy przyciągały wielu mistrzów, którzy odziedziczyli tę tradycję od Caravaggia. Motyw stare sceny Róża używała czarów na obrazach „wysokich” gatunek historyczny. Obraz „Saul u Czarodziejki z Endor” (Luwr) przedstawia przestraszonego króla Saula, który owinięty całunem upadł u stóp groźnego proroka Samuela, wezwanego z grobu przez czarodziejkę. Szkielet złowieszczo zamarł w niesamowitym śmiechu - obraz nieuchronnej, przerażającej śmierci. Historia biblijna Róża interpretuje groteskowo, pozbawiająco malarstwo historyczne patos „wysokiego stylu”. Kpi z przesądów i uprzedzeń swoich czasów, co stanowi śmiałe wyzwanie rzucone kręgom oficjalnym.
Wpływ Salvatora Rosy na czasy współczesne sztuka włoska był bardzo znaczący. Miał wielu naśladowców, którzy naśladowali jego styl. Wielu europejskich mistrzów romantyzmu także widziało w Róży swojego poprzednika.
Elena Fedotowa
K. Lorrain. „Poranek” (kopia), Muzeum Puszkina, Moskwa
Interesujący jest także cykl „Przystanie”, na który składa się kilka kompozycji. Dwie z nich – „Poranek w porcie” (lata czterdzieste XVII w.) i „Wieczór w porcie” (lata czterdzieste XVII w.) – eksponowane są w Ermitażu w Petersburgu. Obraz „Poranek w porcie” odniósł taki sukces, że artysta powtórzył go dwukrotnie. Jeden egzemplarz znajduje się w Alte Pinakothek w Monachium, drugi, z nieco zmodyfikowanym pierwszym planem, znajduje się w Muzeum Puszkina w Moskwie. Według badaczy postacie ludzkie wykonał flamandzki artysta J. Mil.
Wśród innych dzieł wymienić można obrazy „Świątynia w Delfach” (Galeria Doria Pamphili, Rzym), „Zaczarowany zamek” (1664, National Gallery, Londyn), „Przybycie Ulissesa na dwór Lycomedesa” (ok. 1670, Ermitaż, Petersburg), „Chrystus w drodze do Emaus” (Ermitaż, Sankt Petersburg) itp.
Claude Lorrain zmarł w Rzymie w wieku osiemdziesięciu dwóch lat. Jego wybitne krajobrazy stał się wzorem do naśladowania dla wielu europejskich artystów XVII–XIX w.
(1615–1673)
Salvator Rosa swoimi licznymi talentami budził podziw wśród współczesnych i potomków. Był nie tylko wybitnym malarzem, ale także znakomitym muzykiem, poetą i aktorem. Słynny niemiecki pisarz E. T. A. Hoffmann zadedykował swoje opowiadanie „Signor Formica” włoskiemu artyście XIX wieku. Twórczość Rosy wpłynęła nie tylko malarstwo świata(zwłaszcza kierunek romantyczny), ale także literaturę (jego pejzaże podziwiali W. Scott, W. Wadsworth, P. Shelley).
Włoski artysta Salvator Rosa urodził się w małym miasteczku Arenella niedaleko Neapolu. Jego ojciec, architekt prowincjonalny, był właścicielem małego majątku ziemskiego.
Mały Salvator spacerując po mieście mógł podziwiać zachwycający krajobraz. W oddali widział piękną zabudowę Neapolu, wyspę Capri, potężny Wezuwiusz, skałę San Elmo z fortecą Borgo di Arenella, którą wiele lat później ukazywał w wielu swoich pracach. Wszystko, co otaczało artystę od dzieciństwa, znalazło później odzwierciedlenie w jego pejzażach.
Mały Salwator nie tylko zachwycał się pięknem świata, ale to, co widział, starał się przenieść na papier (ołówek był wiernym towarzyszem spacerów chłopca).
Pierwszym nauczycielem Rosy był mąż jego siostry, artysta Francesco Fracanzano, którego uczył słynny Jusepe de Ribera. To Fracanzano jako pierwszy dostrzegł talent Salvatora i przepowiedział mu wspaniałą przyszłość.
W poszukiwaniu wrażeń Rosa wybrała się w podróż po górach Abruzji. Przyciągały go starożytne ruiny, dzikie skały, opuszczone doliny, tajemnicze groty i jaskinie. Na szkicach wykonanych w tych odległych miejscach często pojawiają się postacie ludzkie. Są to rabusie, włóczędzy, wyrzutki, którzy osiedlili się w starych, opuszczonych miastach, opuszczonych przez mieszkańców dawno temu ze względu na zagrożenie erupcjami wulkanów. Rysunki powstałe podczas jego podróży stały się podstawą emocjonalnych i romantycznie podekscytowanych pejzaży, które Rosa malowała po powrocie do domu.
Pierwszy raz do młodego artysty nie było to łatwe. Czasami nie miał pieniędzy na zakup płócien i malował olejami na zwykłym papierze.
Pewnego dnia pracę Rosy zauważyła sławna osoba Włoski artysta‑monumentalista Giovanni Lanfranco.
Zachęcał początkującego malarza i kupił kilka jego dzieł. Pochwała zainspirowała Salvatora i dodała mu sił.
W połowie lat trzydziestych XVII w. opuszczając Neapol, Róża udała się do Rzymu, który w tym czasie był centrum życie kulturalne Włochy. Tutaj artysta po raz pierwszy zapoznał się z twórczością wielkich mistrzów - Rafaela, Michała Anioła, Tycjana. Jego podziw wzbudziły obrazy portów morskich autorstwa Claude'a Lorraina. Pod wpływem sztuki Lorraina pojawiły się obrazy Rosy przedstawiające porty z łodziami i postaciami włoskich rybaków.
S. Róża. " Pejzaż morski„, Muzeum San Marino, Neapol
Pierwszy pobyt artysty w Rzymie nie trwał długo. Wkrótce zachorował i wrócił do domu, do Neapolu. Ale kilka lat później, w 1639 roku, Róża ponownie znalazła się w Wielkim Mieście. Ale teraz nie był to już nieznany młody artysta, ale znany malarz, muzyk i aktor. Biografowie Rosy opowiadają tę historię. Podczas corocznego rzymskiego karnawału Salvator przebrał się za prostego neapolitańskiego chłopa i przyjął imię Formica (mrówka). Zabawiał publiczność pięknym śpiewem, akompaniując sobie na gitarze.
Kiedy artysta zdjął maskę, publiczność wstrzymała oddech ze zdumienia. Nikt nie spodziewał się, że kryje się pod maską prostego chłopa znany malarz z Neapolu. Ten odcinek zyskał więcej fanów Rose.
Wkrótce mistrz otworzył teatr w willi niedaleko Porta del Popolo, w którym wystawiał przedstawienia. Podczas jednego z tych przedstawień pozwolił sobie na krytykę działającego na terenie Watykanu teatru słynnego architekta i rzeźbiarza Lorenza Berniniego, robiąc sobie tym wpływowych wrogów, którzy wynajęli zabójców, aby zniszczyć śmiałego artystę. Róża musiała opuścić Rzym. Udał się do Florencji, gdzie został zaproszony przez kardynała Giovanniego Carlo Medici. Artysta mieszkał we Florencji przez dziewięć lat. W jego domu gromadzili się znani włoscy pisarze, naukowcy, filozofowie i muzycy. Należy do okresu florenckiego doświadczenie literackie artysta, który napisał kilka dużych satyr poetyckich, które wkrótce zostały zilustrowane obrazy(„Poezja”, Galeria Narodowa, Rzym; „Kłamstwa”, Galeria Pitti, Florencja; „Muzyka”, Galeria Narodowa, Rzym).
Autoportret (Alegoria ciszy)
Galeria Narodowa w Londynie
Jakby ostrzegawczo, artysta spogląda na nas przez ramię ze smutnym i pogardliwym wyrazem twarzy. Istotnie, napis na tabliczce, którą trzyma w rękach, głosi: „Milcz, jeśli to, co chcesz powiedzieć, nie jest lepsze od milczenia”. Surowe znaczenie tego mrocznego autoportretu dodatkowo wzmacnia ciemny płaszcz i czarny kapelusz artysty, nadając mu niemal złowrogi wygląd. Wyłania się groźnie przed nami na tle dziwnego, pozbawionego horyzontu nieba. Duży wpływ na Rosę miał surowy realizm Jusepe Ribera, który pracował w Neapolu od 1616 roku. Salvator Rosa (20.6.1615–15.3.1673) urodził się w okolicach Neapolu, we wsi Arenella. Ojciec Rosy, Vito Antonio, był budowniczym lub geodetą, jej matka Giulia Greco była córką artysty Vito Greco i siostrą malarza Domenico Antonio Greco. Róża została wysłana do kolegium jezuickiego zgromadzenia Somasca w Neapolu, gdzie otrzymała dobro edukacja w zakresie sztuk wyzwolonych, studiując literaturę klasyczną, logikę, retorykę, historię. Od młodości interesował się muzyką, grą na harfie, flecie, gitarze i komponowaniem serenad. Salvator był właściwie samoukiem, ukształtowanym w kręgu mistrzów szkoły neapolitańskiej. Początkowo kopiował dzieła Francesco Fracanzano, którego dzieła cieszyły się dużym zainteresowaniem klientów i trafiały nawet na dwór hiszpański. Następnie uczył się w pracowni Agnello Falcone, znakomitego rysownika i malarza batalistycznego.
Salvator Rosa rozwijał się w środowisku neapolitańskim nie tylko jako artysta, ale także jako „wolnomyśliciel”. Południe Włoch było kolebką takich wybitne osobistości w historii kraju, jak Giordano Bruno, Tommaso Campanella, Cesare Vanini. Ci odważni ludzie bronili swojego narodu, znosząc ucisk cudzoziemców, buntowali się przeciwko terrorowi Inkwizycji w okresie, który nasilił się od drugiej połowa XVI stulecia kontrreformacji, marzył o społecznej równości ludzi. Nauczyciele Rosy, Agnello Falcone i Francesco Fracanzano, należeli do zwolenników tych „wolnomyślicieli”; obaj trafili w szeregi obrońców Tommaso Agnello, który przewodził powstaniu klas niższych przeciwko szlachcie (handel i szlachta). elita finansowa miasta) i baronowie (wielcy właściciele ziemscy). Bohaterami obrazów Rosy będą biedni – rybacy, ładowacze, włóczędzy lazzaroni, których widział ukrywających się przed pościgiem wojsk namiestnika, a czasem toczących z nimi bitwę i budzących strach szlachty nieoczekiwanymi atakami i rabunkami.
Krajobraz leśny
Pewnego dnia Giovanni Lanfranco zauważył wystawione na wystawie obrazy Rosy. słynny mistrz monumentalne malarstwo barokowe, które tworzyło w Neapolu. Kupił nawet kilka swoich dzieł. W 1635 r. odszedł Salwator Róża rodzinne miasto i przeniósł się do Rzymu, gdzie rozpoczęło się jego bogate życie. W latach 1640–1649 mieszkał we Florencji, a następnie przez cały kolejny okres (1649–1673) w Rzymie.
W Rzymie Rosa znalazła bogatego patrona w osobie niejakiego Girolamo Mercuriego, neapolitańczyka, majordomusa kardynała Brancacciego z Viterbo. Kardynał, dostrzegając talent artysty, zabrał go z domu Merkurego. Dla rezydencji arcybiskupa Viterbo Rosa stworzyła ołtarz w kościele San Sisto.
Opuszczając na jakiś czas Rzym, Salvator Rosa nadal wystawiał swoje prace na rzymskiej wystawie członków zgromadzenia Wirtuozów Panteonu (utworzonej w 1543 r.), odbywającej się corocznie 29 sierpnia z okazji dnia św. Jana II. Chrzciciel (San Giovanni Decolato) na dziedzińcu kościoła San Bartolomeo dei Padri Bergamaschi. W 1639 roku na tej wystawie duży sukces odniósł obraz Róży Tytius. Znacznie później, w latach pięćdziesiątych XVII wieku, Salvator Rosa po raz kolejny zadziwił rzymską publiczność podczas święta San Giovanni Decolato. Jego obraz Fortuna (1658–1659) stanie się skandaliczną sensacją, za którą będą próbowali postawić artystę przed sądem Inkwizycji.
„Alegoria fortuny” ok. 1658-59
Muzeum Getty'ego. Los Angeles Tylko interwencja kardynała Chigi uratuje go z więzienia. Róża przedstawiała boginię Losu rozdającą monety z róg obfitości, klejnoty, książki, które trafiają do świń, byka, osła, owcy, barana (u jej stóp leży paleta, dlatego jest to alegoria złego malarza), a wcale nie do godnych ludzi. Twarz Fortuny przypominała kobietę publiczną, do której pociągał szlachetny duchowny. Była to odważna aluzja do niesprawiedliwości w oddawania zaszczytów ludziom, którzy nie są tego godni, ale którzy osiągają sukces dzięki pochlebstwom, oszustwom i pochlebstwom.
W pejzażach i wierszach Rosy nawiązuje się do neapolitańskiej tradycji poetyckiej, wydają się nieco szorstkie w porównaniu z melodyjnym i słodkim stylem neapolitańskiego poety, współczesnego jej J.B. Marino, który zyskał sławę na dworach europejskich, czy pejzaże Nicolasa Poussina o ich uszlachetnionej i idealnie spokojnej przyrodzie. Obrazowość poezji Rosy odbiega od opisów „ogrodów błogości” w tekstach Marino. Również malarstwo pejzażowe artysty, w którym jego bogata wyobraźnia subtelnie łączy się z obserwacjami terenowymi, budzi zupełnie inne emocje niż pejzaże rzymskiej Kampanii Poussina. Jest to szczególne uczucie emocjonalne XIX wiek będziemy nazywać „romantycznym” postrzeganiem natury.
Postacie wędrowców czy wojowników wśród górskich wąwozów, podróżników w drodze, rybaków, ładowaczy, graczy w karty na wybrzeżu morskim przywołują na płótnach Salvatora Rosy skojarzenia nie z obrazy literackie, jak w obrazach Claude'a Lorraina, który uwielbiał umieszczać, podobnie jak na scenie, wśród scen w postaci drzew czy obiektów architektonicznych, postacie postaci z dzieł Wergiliusza, Owidiusza, ze Starego Testamentu. W pejzażach Rose zawsze dominuje przyroda, niezwykła i tajemnicza.
Anioł ukazuje się Hagar i Izmaelowi na pustyni.
Najwyraźniej sukces jego krajobrazów wśród klientów był częściowo ciężarem dla Salvatora Rosy. W satyrze „Malarstwo” pisał z sarkazmem: „Z wielkim zdumieniem... Zastanawiam się nad tym, że prawie każdy artysta traci swój talent, gdy zaczyna odnosić sukcesy, bo widzi, jak go zaszczycono i co łatwo namalował znaleźć dla siebie miejsce... Dlatego nie zawraca sobie już głowy nadmierną pracą i całkowicie leniwy, szczęśliwie zamienia się w osła. Artysta stał się jednak twórcą prawdziwych arcydzieł malarstwo pejzażowe XVII wiek. Jednym z jego najbardziej poetyckich wczesnych pejzaży jest płótno „Stary most” (ok. 1640).
„Krajobraz ze zniszczonym mostem” ok. 1640.
Olej na płótnie 106X127 cm.
Palazzo Pitti we Florencji.
W Rzymie Salvator Rosa zajął się malowaniem scen batalistycznych.
Bitwa chrześcijan z Turkami. Lata 50. XVII w. W swoich dużych kompozycjach panoramicznych na pierwszym planie umieścił scenę szalonej bitwy wojowników, a tłem były góry, ruiny świątyń, wież i pałaców. W satyrze „Wojna” (1647) artysta wyraził swój stosunek do powstania: „Spójrzcie, z jaką odwagą rybak, nikczemny, bosy, robak, w ciągu jednego dnia otrzymał tyle praw! Spójrz na to wysoka dusza w maluczkim, który dla ocalenia ojczyzny... głowy najwyższe w nicość nie pogrążył... Czyż dawne wartości nie odnawiają się, jeśli dziś pogardzany rybak daje przykład królom..." Rys. Salvatora Rosy przedstawiającego postacie jeźdźców, zachowały się fragmenty sceny batalistyczne. Ogółem zbiór jego rysunków nie jest zbyt duży, choć wśród mistrzów baroku uważany jest za płodnego rysownika.
Fragment ryciny ze zbioru Róża
Wśród jego rysunków znajdują się m.in. „Jeździec na upadłym koniu”, „Święty Jerzy zabijający smoka” oraz rycina „Jazon i smok” (wykonana na płótnie o tym samym tytule na podstawie sceny z „Metamorfoz” Owidiusza). A czasem obrazy jego rysunków są pełne liryzmu („Apollo i Daphne”), wnikliwej obserwacji („Lutnista pod drzewem”, „Dwie postacie w pejzażu”, „Rybak”).
Alegoria kłamstw
We Florencji powstały dwa wybitne dzieła Salvatora Rosy – wspomniany już „Autoportret” (ok. 1648 r.) i Alegoria kłamstw (lata czterdzieste XVII w.). Pozwalają ocenić jego postawę w latach 1640–1649, jego trudną relację ze światem pełnym rekwizytów teatralnych, a nie szczerości. Róża często malowała swoje odbicie w lustrze. W obrazie „Alegoria kłamstw” artysta wygląda starzej niż w londyńskim „Autoportrecie”.
„Autoportret” Olej na płótnie, 99 x 79 cm.
Metropolitalne Muzeum Sztuki. Nowy Jork. „Portret mężczyzny” został namalowany we Florencji (lata czterdzieste XVII w.). Podobno jest to także autoportret, na którym Rosa uchwyciła się w kostiumie Pascariello, jednej z jego ulubionych postaci z komedii dell'arte. Badacze jego twórczości dostrzegają także podobieństwa z artystą w obrazie starożytnego matematyka, projektanta i filozofa Arkity, przedstawianego trzymającego zaprojektowanego przez siebie mechanicznego gołębia („Arkita, filozof z Tarentu”).
Wśród portretów Salvatora Rosy warto zwrócić uwagę na „Portret mężczyzny” (lata 40. XVII w.), który przedstawia mężczyznę z niższej klasy, włóczęgę lub chłopa.
„Portret mężczyzny” z lat czterdziestych XVII w
Olej na płótnie, 78 x 65 cm.
Państwowe Muzeum Ermitażu. Sankt Petersburg. W łachmanach i bandażu na głowie przypomina rabusiów, których postaci artysta lubił wprowadzać w swoje pejzaże („Zbójcy w jaskini”). Przekonująco przekazane charakter kobiecy oraz w „Portrecie Lukrecji” ukochanej artysty. Rosa pozostała blisko florenckiej Lukrecji do końca jego dni, nazywając ją w swoich listach z wielkim szacunkiem „Signorą Lukrecją”.
Lukrecja.
Podczas pobytu we Florencji, a następnie w Rzymie Rosa tworzyła dzieła z gatunku tzw. „diableries” lub „stregonerie” (z włoskiego – stregonerie), czyli sceny czarów i diabelstwa.
„Demony i pustelnik”.
Czarownice przy swoich zaklęciach („Sabat czarownic”) Odwoływanie się do podobnych wątków przedstawiających czarownice, narzędzia czarów (stare księgi, instrumenty astronomiczne, przedmioty symboliczne) było powszechne w Malarstwo europejskie XVII w. („Kruchość ludzka”, 1657; „Autoportret z czaszką, 1656–1675”). Na pierwszym obrazie siedząca kobieta z dzieckiem na kolanach jest alegorią macierzyństwa. Dziecko pisze na zwoju, ale jego pióro prowadzi ręka śmierci, którą uosabia skrzydlaty, przerażający szkielet.
„Kruchość człowieka” Olej na płótnie, 199 x 134 cm.
Muzeum Fitzwilliama w Cambridge. Herma, zwieńczona wieńcem z gałązek cyprysu (drzewo cmentarzy i smutków), obelisk (symbol pamięci), kryształowa kula, na której siedzi kobieta (symbol losu życia), sowa (nocny ptak ), kolejne dziecko stojące w kołysce, zapalające koniec włóczki na końcu, kołowrotek (symbol kruchości życia, przewidziany już dla dziecka w kołysce), dwa noże (symbol przymusowej separacji), napis na zwoju („poczęcie jest grzechem, narodziny męką, życie żmudną pracą, śmierć fatalną nieuchronnością”) ze słynnego wiersza, którego wersy w pieśni przesłano artyście J.B. Ricciardi; Podpis Rose na ostrzu noża (alegoria rozłąki z wcześnie zmarłym synem) – cały ten skomplikowany zestaw symboli ukazuje głęboką tragedię jego przeżyć.
„Demokryt w medytacji” ok. 1650
Olej na płótnie, 344 x 214 cm.
Państwowe Muzeum Sztuki. Kopenhaga
„Pejzaż morski z wieżami” po 1645 r
Olej na płótnie, 102 x 127 cm.
Galeria Palatyn (Palazzo Pitti), Florencja.
We Florencji Salvator Rosa nadal tworzy sceny batalistyczne i maluje pejzaże (Pejzaż z Merkurym i drwalem, ok. 1650 r.; „Pejzaż z Apollem i Sybillą z Cumae” (1650 r.), „Pejzaż z kazaniem Jana Chrzciciela”, 1660).
Jan Chrzciciel głosi kazanie na pustyni.
Pod koniec lat czterdziestych i pięćdziesiątych XVII wieku w twórczości Salvatora Rosy nasiliły się tendencje klasycystyczne. Próbuje opanować techniki malarstwa „wysokiego stylu”, zwracając się do tematów historia starożytna i mitologii, aż po tematykę biblijną. Artystce trudno jednak pogodzić się z odrzuceniem gatunkowej interpretacji sztafażów, dlatego dydaktyka, z jaką ukazuje się moralny sens wątków, czasami wygląda na prymitywną. Dotyczy to takich obrazów jak „Powołanie Cyncynata”, „Gaj filozofów” (Pejzaż z trzema filozofami),
Filozofowie drewno „Hagar i Izmael na pustyni”, napisany przed przeprowadzką do Rzymu. Zwrócenie się ku gatunkowi historycznemu, ku stylistyce „wysokiego stylu” było sprzeczne z talentem artysty, dlatego nie zawsze udawało mu się na tej drodze osiągnąć pożądany sukces i uznanie.
W 1660 roku Salvator Rosa przeniósł się do Rzymu.
Coraz częściej Salvator Rosa sięga po historie z historia starożytna i mitologii, niosącej ze sobą znaczenie etyczne i moralne („ Syn marnotrawny” i „Astraea opuszcza ziemię”, lata 60. XVII w.). Idee stoicyzmu są szczególnie wyraźnie wyrażone w tym ostatnim. Bohaterami dzieł Róży są Diogenes, grecki filozof-cynik; Św. Paweł Eremita, pustelnik, święty chrześcijański, pierwszy z pustelników Egiptu, który w imię refleksji wybrał samotne życie; Demokryt, największy starożytny logik, poprzednik Arystotelesa.
Odyseusz i Nausicaa
Demokryt i Protagoras Rosa próbują filozoficznie zrozumieć historię w obrazach „Śmierć Atiliusza Regulusa” i „Spisek Katyliny” oraz rycinach „Belizariusz” i „Laomidont”. Zwraca się ku obrazom legendarna historia(„Saul u czarownicy z Endor”), tworzy cykl rycin „Capricci” (1656) i wreszcie pisze swoje słynne płótno „Prometeusz”, pełne głębokich myśli o zemście za cnotę i niesprawiedliwość świata.
Prometeusz Obraz „Sen Eneasza” jest ściśle powiązany z tematyką rzymską.
„Sen Eneasza” Nowy Jork. Metropolita. Róża nadaje filozoficzne znaczenie moralistyczne historycznemu obrazowi gatunkowemu „Aleksander Wielki i Diogenes”. Biedny stoicki filozof, który odważył się powiedzieć największemu z generałów: „Odsuń się i nie zasłaniaj mi słońca!”, wygląda jak ekscentryczny starzec, który wdał się w rozmowę z potężnym wojownikiem.
„Syn marnotrawny” 1651-55
Olej na płótnie, 254 x 201 cm.
Państwowe Muzeum Ermitażu. Sankt Petersburg.
Obraz Syn marnotrawny należy do arcydzieł artysty. W dziele tym Salvator Rosa jawi się jako jeden z najbardziej oczywistych i oryginalnych spadkobierców karawagizmu, który już w tym okresie stopniowo tracił swoją pozycję.
W późniejsze lata Salvator Rosa stworzył w swoim życiu wiele rysunków. Wśród nich znajdują się karykaturalne wizerunki osób odwiedzających jego dom, romantyczne wizerunki jego samego, napływy fantazji – reprodukcje postaci z cyklu Capricci, często przenoszone do obrazy. Po 1664 roku Róża nie zajmowała się już grawerowaniem ze względu na gwałtownie pogarszający się wzrok.
W 1668 roku na kolejnej wystawie w dniu San Giovanni Decolato Salvator Rosa wystawił obraz Duch Samuela, wezwany do Saula przez Czarodziejkę z Endor. Dramatyczna fabuła w malarstwie gatunku „wysokiego” nabrał w interpretacji artysty satyrycznej, wręcz farsowej interpretacji.
„Pojawienie się cienia proroka Samuela królowi Saulowi” 1668
Olej na płótnie, 275 x 191 cm.
Żaluzja. Paryż. Salvatore Rosa zmarł 15 marca 1673 roku w Rzymie na puchlinę. Przed śmiercią artysta poślubił swoją kochankę Lukrecję, z którą mieszkał przez wiele lat i wychował dwóch synów.
„Lukrecja jako poezja” 1640-1641
Olej na płótnie 1040 x 910 cm.
Muzeum Sztuki Wadsworth Ateneum. Znaczący wpływ na rozwój miał HartfordMajor włoski mistrz baroku Salvator Rosa Malarstwo włoskie. Pod wpływem jego sztuki ukształtował się talent Magnasco, Ricciego i wielu innych mistrzów. Sztuka Salvatore Rosa inspirowała także malarzy epoka romantyczna.
„Pitagoras i rybak” 1662
Olej na płótnie, 132 x 188 cm.
Muzeum Narodowe. Berlin
„Skalisty krajobraz z myśliwym i wojownikiem” ok. 1670
Olej na płótnie, 142 x 192 cm.
Żaluzja. Paryż
Krajobraz z Merkurym i Nieuczciwy Drwal
86.
„Bohaterska bitwa” 1652-64
Olej na płótnie, 214 x 351 cm.
Żaluzja. Paryż
Anioł wyprowadza św. Piotra
Diogenes wyrzuca swój kubek do picia. 1651
„Jazon urzeka smoka” wersja 2
„Krajobraz wieczorny” 1640-43
Olej na płótnie, 99 x 151 cm.
Kolekcja prywatna
„Krajobraz rzeczny z Apollem i Sybillą” ok. 1655
Olej na płótnie, 174 x 259 cm.
Kolekcja królewska. Windsor
„Jason urzeka smoka”, ok. 1665-1670
Muzeum sztuki piękne. Montreal
„Wojownik” Olej na płótnie
Galeria Uniwersytecka w Sienie
„Portret filozofa” Olej na płótnie, 119 x 93 cm.
Kolekcja prywatna
„Pitagoras wychodzi męt» 1662
Muzeum Sztuki Kimbel w Teksasie Fort Worth
„Diogenes odrzucający swój kielich”, lata pięćdziesiąte XVII wieku
Olej na płótnie, 219 x 148 cm.
Kolekcja prywatna
Heraklit i Demokryt
Autoportret Salvatora Rosy
„Jason urzeka smoka”
Demokryt
Będąc mistrzem XVII wieku, Salvator Rosa w swojej twórczości był w stanie głęboko ujawnić jedną z głównych cech estetyki baroku - syntezę tragizmu i komizmu. W satyrach i na płótnach opowiadał o obrazie prawdziwego „teatru życia” swojej epoki, sprawiał, że czytelnicy i widzowie poczuli głębię swojego daru dramatycznego i wrodzoną subtelną ironię w ocenie niedoskonałości życia.
Na podstawie książki E.D. Fedotova „Salvator Rosa” (seria „Mistrzowie malarstwa. Artyści zagraniczni") http://www.art-catalog.ru/article.php?id_article=568
Róża Salwator(20 czerwca 1615 - 15 marca 1673) Włoski artysta, rytownik, poeta i muzyk.
Róża urodzony w Renella pod Neapolem, wychował się w klasztorze i przygotowywał się do przyjęcia święceń kapłańskich, ale wkrótce Zbawiciel poczuł nieodparty pociąg do sztuki i zaczął studiować najpierw muzykę, a potem malarstwo. Mentorami byli najpierw jego szwagier ks. Francanzone, uczeń X. Ribery, potem sam Ribera i wreszcie malarz batalistyczny Aniello Falcone. Oprócz tych artystów rozwój talentów Zbawiciel Było to znacznie ułatwione dzięki samodzielnemu pisaniu szkiców z życia. Osiemnaście lat Zbawiciel wyruszył na wędrówkę po Apulii i Kalabrii, wpadł w ręce miejscowych zbójców i przez jakiś czas mieszkał wśród nich, studiując ich typy i zwyczaje, po czym pracował w Neapolu. W 1634 przeniósł się do Rzymu, gdzie dzięki dwóm obrazom: „Przemijanie” życie ludzkie” i „Bogini szczęścia, marnująca swoje dary na niegodnych”, zyskała sławę. Od 1650 do 1660 roku. Róża Salwator pracował we Florencji, na dworze wielkiego księcia J.-C. Medici, od czasu do czasu odwiedzając Rzym. Należący do kierunku przyrodników neapolitańskiej szkoły malarstwa, mający pewne powinowactwa ze swoimi nauczycielami, Riberą i Falcone, Zbawiciel Dzięki dużemu wyborowi tematów dokonał oryginalnej interpretacji. W malarstwie historycznym potrafił łączyć realizm ze szlachetnością żywa kompozycja. W pejzażach, które wyszły spod zarośli Zbawiciel podczas jego pobytu we Florencji koneserzy sztuki dostrzegają wpływ Claude Lorrain . Zbawiciel to znakomity, na wskroś oryginalny mistrz, przesiąknięty poezją, gdy przedstawia surowe góry, dzikie wąwozy, gęste leśne zarośla, zwłaszcza na małych płótnach. są obrazy, na których gra pejzaż drobna rola, a główną treść stanowią postacie ludzkie, zarówno żołnierza, jak i rabusia. W ostatnie lata twoje życie Zbawiciel ciężko pracuje przy grawerowaniu. W sumie wykonał 86 rycin własnej kompozycji, z których wiele można rozważyć najlepsze stworzenia artysty i w dobrych grafikach są bardzo cenione przez miłośników grafiki.