Korzenie pop-artu sięgają odległej przeszłości, której ślady można odnaleźć w sztuce Egiptu, Grecji, Rzymu; jego elementy obecne są w przedstawieniach wędrownych komediantów-bufonów (Rosja), szpilmanowa (Niemcy), żonglerów (Francja), dandysów (Polska), przebierańców (Azja Środkowa) itp.

Satyra na życie miejskie i moralność, ostre dowcipy na tematy polityczne, krytyczny stosunek do władzy, kuplety, sceny komiczne, żarty, gry, pantomima klauna, żonglerka i muzyczne dziwactwa były początkiem przyszłych gatunków pop, zrodzonych w zgiełku karnawału i kwadratowe rozrywki.

Barkerzy, którzy za pomocą dowcipów, dowcipów i zabawnych kupletów sprzedawali dowolny produkt na placach i rynkach, później stali się poprzednikami artysty. Wszystko to miało charakter masowy i zrozumiały, co było niezbędnym warunkiem istnienia wszystkich gatunków pop. Nie występowali wszyscy średniowieczni artyści karnawałowi.

W Rosji początki gatunków popowych przejawiały się w błazeńskiej zabawie, zabawie i masowej kreatywności, festiwalach folklorystycznych. Ich przedstawicielami są raus jokers z obowiązkową brodą, którzy bawili i zapraszali publiczność z górnej platformy rausu, pietruszkowi, raeshnicy, przywódcy „uczonych” niedźwiedzi, aktorzy-bufony wykonujący „szkice” i „powtórki” wśród tłum, grający na piszczałkach, harfie, pociągający nosem i zabawiający ludzi.

Sztukę różnorodną charakteryzują takie cechy, jak otwartość, lakonizm, improwizacja, świąteczność, oryginalność i rozrywka.

Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Sam nastrój święta powstał dzięki zabawom zewnętrznym, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, zmianie kształtu przestrzeni scenicznej itp. Pomimo tego, że scenę charakteryzuje różnorodność form i gatunków, można ją podzielić na trzy grupy:

Scena koncertowa (dawniej zwana „divertissement”) łączy wszystkie rodzaje występów w różnorodne koncerty;

Scena teatralna (przedstawienia kameralne teatrów miniaturowych, teatrów kabaretowych, teatrów kawiarnianych lub wielkoformatowych rewii koncertowych, sal muzycznych, z liczną obsadą sceniczną i pierwszorzędną technologią sceniczną);

Scena świąteczna (uroczystości ludowe, święta na stadionach, pełna występów sportowych i koncertowych, a także balów, karnawałów, maskarad, festiwali itp.).

Są też takie:

3. 1. TEATRY ROZMIAROWE

3.1.1.SALE MUZYCZNE

Jeśli podstawą spektaklu rozrywkowego jest ukończony numer, to recenzja, jak każda akcja dramatyczna, wymagała podporządkowania fabuły wszystkiemu, co dzieje się na scenie. To z reguły nie łączyło się organicznie i prowadziło do osłabienia jednego ze składników spektaklu: albo liczby, albo postaci, albo fabuły. Stało się to podczas realizacji „Cuda XX wieku” – spektakl rozpadł się na kilka niezależnych, luźno powiązanych epizodów. Tylko zespół baletowy i kilka pierwszorzędnych występów cyrkowych odniosło sukces wśród publiczności. Zespół baletowy w inscenizacji Goleizovsky'ego wykonał trzy numery: „Hej, krzyczmy!”, „Moskwa w deszczu” i „30 angielskich dziewcząt”. Szczególnie imponujący był występ „Snake”. Wśród występów cyrkowych najlepsi byli: Tea Alba oraz „Australian Lumberjacks” Jackson i Laurer. Alba jednocześnie prawą i lewą ręką pisała kredą na dwóch tablicach różne słowa. Drwale na końcu pomieszczenia ścigali się, by ściąć dwie grube kłody. Niemiecki Strodi pokazał doskonałe balansowanie na drucie. Wykonywał salta na linie. Spośród artystów radzieckich, jak zawsze, wielki sukces odnieśli Smirnow-Sokolski i ditties V. Glebova i M. Darskaya. Wśród występów cyrkowych wyróżniał się występ Zoe i Marty Koch na dwóch równoległych drutach.

We wrześniu 1928 r. odbyło się otwarcie Leningradzkiej Sali Muzycznej.

3. 1.2. TEATR MINIATUR – zespół teatralny zajmujący się przede wszystkim małymi formami: małymi przedstawieniami, skeczami, operami, operetkami oraz numerami wariacyjnymi (monologami, kupletami, parodiami, tańcami, pieśniami). W repertuarze dominuje humor, satyra, ironia, nie wyklucza się liryzmu. Zespół jest niewielki, możliwy jest teatr jednego lub dwóch aktorów. Lakoniczne w swej stylistyce spektakle przeznaczone są dla stosunkowo małej publiczności i stanowią swego rodzaju mozaikowe płótno.

3. 1.3. GATUNKI KONWERSACYJNE na scenie - symbol gatunków kojarzonych przede wszystkim ze słowami: artysta estradowy, pokaz poboczny, skecz, skecz, opowiadanie, monolog, feuilleton, mikrominiatura (żart inscenizowany), burime.

Animator - animator może być sparowany, pojedynczy lub masowy. Gatunek konwersacyjny budowany zgodnie z prawami „jedności i walki przeciwieństw”, czyli przejścia od ilości do jakości zgodnie z zasadą satyryczną.

Różnorodny monolog może mieć charakter satyryczny, liryczny lub humorystyczny.

Interludium to scena komiksowa lub utwór muzyczny o charakterze humorystycznym, wykonywany jako niezależny numer.

Szkic to mała scena, w której szybko rozwija się intryga, gdzie najprostsza fabuła opiera się na niespodziewanych zabawnych, przejmujących sytuacjach, zwrotach akcji, pozwalając na powstanie całej serii absurdów w trakcie akcji, ale gdzie wszystko zwykle kończy się szczęśliwym rozwiązaniem. 1-2 aktorzy(ale nie więcej niż trzy).

Miniatura to najpopularniejszy gatunek mówiony na scenie. Na dzisiejszej scenie popularny żart (niepublikowany, nie drukowany - z języka greckiego) to krótka, tematyczna opowieść ustna z nieoczekiwanym dowcipnym zakończeniem.

Gra słów to żart oparty na komicznym użyciu podobnie brzmiących, ale inaczej brzmiących słów, aby odtworzyć podobieństwo brzmieniowe równoważnych słów lub kombinacji.

Repryza to najpopularniejszy gatunek krótkich konwersacji.

Kuplety to jeden z najbardziej zrozumiałych i popularnych rodzajów konwersacji. Kupletysta stara się ośmieszyć to lub inne zjawisko i wyrazić swój stosunek do niego. Musi mieć poczucie humoru

Gatunki muzyczne i konwersacyjne obejmują kuplet, ditty, chansonette i muzyczny felieton.

Parodia powszechnie występująca na scenie może mieć charakter „rozmówczy”, wokalny, muzyczny lub taneczny. Kiedyś do gatunków mowy zaliczały się recytacje, recytacje melodyczne, montaże literackie i „czytanie artystyczne”.

Niemożliwe jest podanie dokładnie zarejestrowanej listy gatunków mowy: nieoczekiwane syntezy słów z muzyką, tańcem, gatunkami oryginalnymi (transformacja, ventrologia itp.) Rodzą nowe formacje gatunkowe. Żywa praktyka nieustannie dostarcza wszelkiego rodzaju odmian; to nie przypadek, że na starych plakatach zwyczajowo dopisano „w swoim gatunku” do nazwiska aktora.

Każdy z powyższych gatunków mowy ma swoją własną charakterystykę, swoją historię i strukturę. Rozwój społeczeństwa i warunków społecznych podyktował pojawienie się tego czy innego gatunku. Właściwie tylko artystę urodzonego w kabarecie można uznać za gatunek „różnorodny”. Reszta pochodziła z budek, teatrów i ze stron magazynów humorystycznych i satyrycznych. Gatunki mowy, w odróżnieniu od innych, które skłaniają się ku innowacjom zagranicznym, rozwijały się zgodnie z rodzimą tradycją, w ścisłym powiązaniu z teatrem i literaturą humorystyczną.

Rozwój gatunków mowy jest związany z poziomem literatury. Za aktorem stoi autor, który „umiera” w performerze. Jednak samoistna wartość aktorstwa nie umniejsza wagi autora, od którego w dużej mierze zależy powodzenie aktu. Autorami często stali się sami artyści. Tradycje I. Gorbunowa przejęli popowi gawędziarze - Smirnow-Sokolski, Afonin, Nabatow i inni stworzyli własny repertuar. Aktorzy, którzy nie mieli talentu literackiego, zwrócili się o pomoc do autorów, którzy pisali z nadzieją na ustne wykonanie uwagę na maskę performera. Autorzy ci z reguły pozostawali „bezimienni”. Od wielu lat w prasie trwa dyskusja, czy utwór napisany z myślą o występie scenicznym można uznać za literaturę. Na początku lat 80. powstały Ogólnounijne, a następnie Ogólnorosyjskie Stowarzyszenia Autorów Popowych, które pomogły w legitymizacji tego typu działalność literacka. „Anonimowość” autora należy już do przeszłości; na scenę wyszli zresztą sami autorzy. Pod koniec lat 70. ukazał się program „Za kulisami śmiechu”, skomponowany na wzór koncertu, ale wyłącznie z występów autorów popu. Jeśli w poprzednich latach własne programy prezentowali tylko indywidualni pisarze (Averchenko, Ardov, Laskin), teraz zjawisko to stało się powszechne. Do sukcesu w ogromnym stopniu przyczynił się fenomen M. Żwaneckiego. Zaczynając w latach 60. jako autor Leningradzkiego Teatru Miniatur, omijając cenzurę, zaczął czytać swoje krótkie monologi i dialogi podczas zamkniętych wieczorów w Domach Twórczej Inteligencji, które podobnie jak pieśni Wysockiego rozprzestrzeniły się po całym kraju.

3. JAZZ NA STANIE

Pod pojęciem „jazz” powszechnie rozumie się: 1) rodzaj sztuki muzycznej opartej na improwizacji i szczególnym natężeniu rytmicznym, 2) orkiestry i zespoły wykonujące tę muzykę. Do określenia grup używa się również terminów „zespół jazzowy”, „zespół jazzowy” (czasami wskazujących liczbę wykonawców - trio jazzowe, kwartet jazzowy, „orkiestra jazzowa”, „big band”).

4. PIOSENKA NA STANIE

Miniatura wokalna (wokalno-instrumentalna), szeroko stosowana w praktyce koncertowej. Na scenie często rozwiązuje się to jako miniaturę sceniczną „gry” za pomocą tworzyw sztucznych, kostiumów, światła, mise-en-scène („teatr pieśni”); Duże znaczenie nabiera osobowość, cechy talentu i umiejętności wykonawcy, który w niektórych przypadkach staje się „współautorem” kompozytora.

Gatunki i formy pieśni są zróżnicowane: romans, ballada, pieśń ludowa, dwuwiersz, ditty, chansonette itp.; Różnorodne są także sposoby wykonania: solo, zespołowo (duety, chóry, zespoły wokalno-instrumentalne).

Wśród muzyków popowych istnieje również grupa kompozytorska. Są to Antonow, Pugaczowa, Gazmanow, Łoza, Kuźmin, Dobrynin, Kornelyuk i inni. Poprzednia piosenka była głównie piosenką kompozytorską, obecna jest piosenką „wykonawczą”.

Współistnieje ze sobą wiele stylów, obyczajów i trendów – od sentymentalnego kiczu i miejskiego romansu po punk rock i rap. Tym samym dzisiejsza piosenka jest wielokolorowym i wielostylowym panelem, zawierającym dziesiątki kierunków, od imitacji rodzimego folkloru po napary kultur afroamerykańskich, europejskich i azjatyckich.

5. TANIEC NA STANIE

To jest krótkie numer taneczny, solo lub w grupie, prezentowane na ogólnopolskich koncertach muzyki pop, widowiskach, salach muzycznych, teatrach miniaturowych; towarzyszy i uzupełnia program wokalistów, szereg oryginalnych, a nawet gatunków mowy. Powstał na bazie tańca ludowego, codziennego (towarzyskiego), baletu klasycznego, tańca współczesnego, gimnastyki sportowej, akrobatyki, na skrzyżowaniu wszelkiego rodzaju obcych wpływów i tradycje narodowe. Charakter plastyczności tańca podyktowany jest współczesnymi rytmami i kształtuje się pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.

Tańce ludowe były początkowo włączane do występów zespołów stołecznych. W repertuarze znalazły się przedstawienia teatralne urozmaicające życie wiejskie, miejskie i wojskowe, suity wokalne i taneczne z języka rosyjskiego pieśni ludowe i taniec.

W latach 90. taniec na scenie był ostro spolaryzowany, jakby powracał do sytuacji z lat 20. Grupy taneczne zajmujące się show-biznesem, jak Erotic Dance i inne, opierają się na erotyce – występy w nocnych klubach dyktują własne prawa.

6. LALKI NA STOJAKU

Od czasów starożytnych w Rosji ceniono rękodzieło, kochano zabawki i szanowano zabawne gry z lalkami. Pietruszka rozprawił się z żołnierzem, policjantem, księdzem, a nawet samą śmiercią, odważnie wymachiwał pałką, zabijał tych, których lud nie lubił, obalał zło i utwierdzał moralność ludu.

Pietruszkowicze wędrowali samotnie, czasem razem: lalkarz i muzyk, sami komponowali sztuki, sami byli aktorami, sami byli reżyserami - starali się zachować ruchy lalek, mise-en-scène i lalki wydziwianie. Lalkarze byli prześladowani.

Były też inne przedstawienia, w których występowały lalki. Na drogach Rosji można było zobaczyć samochody dostawcze wyładowane lalkami na sznurkach – marionetkami. A czasem z pudełkami ze szczelinami w środku, przez które lalki były przesuwane od dołu. Takie skrzynki nazywano szopkami. Lalki opanowały sztukę naśladowania. Uwielbiali wcielać się w śpiewaków, kopiowali akrobatów, gimnastyczek i klaunów.

7. PARODIA NA SCENIE

Jest to numer lub performans oparty na ironicznym naśladowaniu (naśladowaniu) zarówno indywidualnej maniery, stylu, charakterystycznych cech i stereotypów pierwowzoru, jak i całych kierunków i gatunków w sztuce. Amplituda komiksu: od ostro satyrycznego (obraźliwego) do humorystycznego (przyjaznego komiksu) zależy od stosunku parodysty do oryginału. Parodia ma swoje korzenie w sztuce starożytnej, w Rosji od dawna jest obecna w błazenskich zabawach i farsowych przedstawieniach.

8. TEATRY MAŁYCH FORM

Tworzenie teatrów kabaretowych w Rosji „Nietoperz”, „Zakrzywione lustro” itp.

Zarówno „Krzywe lustro”, jak i „Nietoperz” były silnymi zawodowo grupami aktorskimi, których poziom kultury teatralnej był niewątpliwie wyższy niż w licznych teatrach miniaturowych (z moskiewskich Pietrowski wyróżniał się bardziej niż inne, reżyserem był D.G. Gutman , Mamonowski, kultywujący sztukę dekadencką, gdzie Aleksander Wertyński zadebiutował podczas I wojny światowej, Nikolski – artysta i reżyser A.P. Pietrowski wśród Petersburga – Troitsky A.M. Fokina – reżyser V.R. Rappoport, gdzie z ditties i V.O artysta teatru artystycznego, z powodzeniem występujący jako artysta estradowy.

4. Gatunki muzyczne na scenie. Podstawowe zasady, techniki i reżyseria.

Wyróżnia się gatunki pop:

1 Muzyka latynoamerykańska

Muzyka latynoamerykańska (hiszp. musica latinoamericana) to uogólniona nazwa stylów i gatunków muzycznych krajów Ameryki Łacińskiej, a także muzyki ludzi z tych krajów, którzy zamieszkują zwarte terytoria innych państw i tworzą duże społeczności Ameryki Łacińskiej (np. przykład w USA). W mowie potocznej często używa się skróconej nazwy „muzyka latynoska” (hiszp. musica latina).

Muzyka latynoamerykańska, której rola w życiu codziennym Ameryki Łacińskiej jest bardzo duża, jest fuzją wielu kultur muzycznych, jednak opiera się na trzech komponentach: kulturze muzycznej Hiszpanii (lub Portugalii), Afryki i Indii. Z reguły piosenki latynoamerykańskie wykonywane są w języku hiszpańskim lub portugalskim, rzadziej po francusku. Artyści z Ameryki Łacińskiej mieszkający w Stanach Zjednoczonych są zazwyczaj dwujęzyczni i często używają tekstów w języku angielskim.

Właściwie muzyka hiszpańska i portugalska nie należy do muzyki latynoamerykańskiej, jest jednak z nią ściśle związana dużą liczbą powiązań; Co więcej, wpływ muzyki hiszpańskiej i portugalskiej na muzykę latynoamerykańską jest wzajemny.

Pomimo tego, że muzyka latynoamerykańska jest niezwykle niejednorodna, a każdy kraj Ameryki Łacińskiej ma swoją własną charakterystykę, stylistycznie można ją podzielić na kilka głównych stylów regionalnych:

* Muzyka andyjska;

* Muzyka środkowoamerykańska;

* Muzyka karaibska;

* Muzyka argentyńska;

* Muzyka meksykańska;

* Muzyka brazylijska.

Należy jednak mieć na uwadze, że taki podział jest bardzo arbitralny, a granice tych stylów muzycznych są bardzo niewyraźne.

Blues (angielski blues od niebieskich diabłów) to gatunek muzyki, który rozpowszechnił się w latach 20. XX wieku. Jest to jedno z osiągnięć kultury afroamerykańskiej. Powstał z takich etnicznych ruchów muzycznych społeczeństwa afroamerykańskiego, jak „pieśń pracy”, „duchowość” i cholera. Pod wieloma względami wywarł wpływ na współczesną muzykę popularną, zwłaszcza na takie gatunki jak „pop” (angielski rock’n’roll), „jazz” (angielski jazz), „rock and roll” (angielski rock’n’roll). Dominującą formą bluesa jest 4/4, gdzie pierwsze 4 takty są często grane na harmonii tonicznej, po 2 na subdominancie i tonice oraz po 2 na dominacji i tonice. Ta zmiana jest również znana jako progresja bluesa. Często stosowany jest rytm trójek ósemkowych z pauzą – tzw. shuffle. Cechą charakterystyczną bluesa są „niebieskie nuty”. Często muzyka budowana jest w oparciu o strukturę „pytanie – odpowiedź”, wyrażającą się zarówno w treści lirycznej utworu, jak i w treści muzycznej, często zbudowanej na dialogu między instrumentami. Blues to improwizacyjna forma gatunku muzycznego, w której kompozycje często korzystają jedynie z głównego wspierającego „szkieletu”, jakim są instrumenty solowe. Oryginalny motyw bluesowy opiera się na zmysłowym społecznym elemencie życia populacji afroamerykańskiej, jego trudnościach i przeszkodach, które pojawiają się na drodze każdego czarnego człowieka.

Jazz to forma sztuki muzycznej, która powstała w r koniec XIX- początek XX wieku w USA w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej, a następnie rozpowszechnił się. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu były początkowo improwizacja, polirytmia oparta na rytmach synkopowanych oraz unikalny kompleks techniki wykonywania faktury rytmicznej – swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych wzorców rytmicznych i harmonicznych.

Muzyka country łączy w sobie dwa rodzaje amerykańskiego folkloru – muzykę białych osadników, którzy osiedlili się w Nowym Świecie w XVII-XVIII w. oraz kowbojskie ballady Dzikiego Zachodu. Muzyka ta ma silne dziedzictwo madrygałów elżbietańskich, irlandzkich i szkockich muzyka ludowa. Głównymi instrumentami muzycznymi tego stylu są gitara, banjo i skrzypce.

„The Little Old Log Cabin in the Lane” to pierwsza „udokumentowana” piosenka country, napisana w 1871 roku przez Willa Heissa z Kentucky. 53 lata później Fiddin John Carson nagrał tę kompozycję na płytę. W październiku 1925 roku rozpoczął działalność program radiowy Grand Ole Opry, w którym do dziś transmitowane są na żywo koncerty gwiazd country.

Muzyka country jako przemysł muzyczny zaczęła nabierać rozpędu pod koniec lat czterdziestych XX wieku. dzięki sukcesowi Hanka Williamsa (1923-53), który nie tylko ugruntował wizerunek piosenkarza country na kilka następnych pokoleń, ale także nakreślił typowe dla tego gatunku tematy – tragiczną miłość, samotność i trudy życia zawodowego. Już wtedy w country panowały różne style: western swing, który przejął zasady aranżacyjne z Dixielandu – tutaj królem gatunku był Bob Wills i jego Texas Playboys; bluegrass, zdominowany przez założyciela Billa Monroe; Styl muzyków takich jak Hank Williams nazywano wówczas „hillbilly”. W połowie lat pięćdziesiątych. muzyka country, wraz z elementami innych gatunków (ewangelia, rytm i blues), dała początek rock and rollowi. Od razu wyłonił się gatunek z pogranicza – rockabilly – to właśnie z nim swoje kariery twórcze rozpoczęli tacy piosenkarze jak Elvis Presley, Carl Perkins czy Johnny Cash – to nie przypadek, że wszyscy nagrywali w tym samym studiu w Memphis, Sun Records. Dzięki sukcesowi albumu Marty’ego Robbinsa Gunfighter Ballads and Trail Songs (1959) wyłonił się jako gatunek gatunek country i western, w którym dominowały opowieści z życia Dzikiego Zachodu.

Chanson (francuski chanson - „piosenka”) to gatunek muzyki wokalnej; słowo to jest używane w dwóch znaczeniach:

2) Francuska piosenka popowa w stylu kabaretowym (po rosyjsku się pochyla).

Piosenka Blatna?ya (folklor blatnoy, blatnyak) to gatunek pieśni gloryfikujący życie i zwyczaje środowiska przestępczego, pierwotnie przeznaczony dla środowiska więźniów i osób bliskich światu przestępczemu. Powstał w Imperium Rosyjskie i rozpowszechnił się w Związku Radzieckim, a następnie w krajach WNP. Z czasem zaczęto pisać piosenki z gatunku muzyki kryminalnej, które wykraczają poza temat kryminalny, ale go zachowują cechy(melodia, żargon, narracja, światopogląd). Od lat 90. piosenka kryminalna w rosyjskim przemyśle muzycznym sprzedawana jest pod nazwą „Russian chanson” (por. stacja radiowa i nagrody o tej samej nazwie).

Romans w muzyce to utwór wokalny napisany na podstawie krótkiego wiersza o treści lirycznej, głównie miłosnej.

Pieśń autorska, czyli muzyka bardów, to gatunek pieśni, który powstał w połowie XX wieku w ZSRR. Gatunek rozwinął się w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku. z przedstawień amatorskich, niezależnie od polityki kulturalnej władz sowieckich, szybko zyskała szeroką popularność. Główny nacisk położony jest na poezję tekstu.

6 Muzyka elektroniczna

Muzyka elektroniczna (z języka angielskiego Muzyka elektroniczna, potocznie także „elektronika”) to szeroki gatunek muzyczny, oznaczający muzykę tworzoną przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych. Choć pierwsze instrumenty elektroniczne pojawiły się na początku XX wieku, muzyka elektroniczna jako gatunek rozwinęła się w drugiej połowie XX wieku i początek XXI stulecia obejmuje dziesiątki odmian.

7 Muzyka rockowa

Muzyka rockowa to ogólna nazwa wielu dziedzin muzyki popularnej. Słowo „skałać” – kołysać się – w w tym przypadku wskazuje na wrażenia rytmiczne charakterystyczne dla tych kierunków, związane z pewną formą ruchu, przez analogię do „przewracania się”, „skręcania”, „huśtania”, „potrząsania” itp. Takie oznaki muzyki rockowej, jak użycie elektrycznych instrumentów muzycznych , twórcza samowystarczalność (muzycy rockowi zazwyczaj wykonują własne kompozycje) są drugorzędne i często wprowadzają w błąd. Z tego powodu kwestionowana jest tożsamość niektórych stylów muzycznych jako rocka. Rock jest także szczególnym zjawiskiem subkulturowym; Subkultury takie jak modowie, hipisi, punki, metalowcy, goci, emo są nierozerwalnie związane z określonymi gatunkami muzyki rockowej.

Muzyka rockowa ma duża liczba kierunki: od lekkich gatunków, takich jak dance rock and roll, pop rock, britpop po gatunki brutalne i agresywne - death metal i hardcor. Treść piosenek waha się od jasnej i swobodnej po mroczną, głęboką i filozoficzną. Muzykę rockową często przeciwstawia się muzyce pop i tzw. „pop”, choć pomiędzy pojęciami „rock” i „pop” nie ma wyraźnej granicy, a wiele zjawisk muzycznych balansuje na granicy między nimi.

Początki muzyki rockowej sięgają bluesa, z którego wywodzą się pierwsze gatunki rockowe – rock and roll i rockabilly. Pierwsze podgatunki muzyki rockowej powstały w ścisłym związku z ówczesną muzyką folkową i popową - przede wszystkim folk, country, skiffle i musichall. W czasie jej istnienia podejmowano próby łączenia muzyki rockowej z niemal wszystkimi możliwymi rodzajami muzyki - z muzyką akademicką (art rock, pojawia się pod koniec lat 60.), jazzem (jazz rock, pojawia się w przełomie lat 60. i 70.), muzyką latynoską muzyka (rock latynoski, pojawia się pod koniec lat 60.), muzyka indyjska (rock raga, pojawia się w połowie lat 60.). W latach 60. i 70. pojawiły się prawie wszystkie główne gatunki muzyki rockowej, z których najważniejszymi, oprócz wymienionych, są hard rock, punk rock i rock awangardowy. Na przełomie lat 70. i 80. pojawiły się takie gatunki muzyki rockowej, jak post-punk, nowa fala, rock alternatywny (choć pierwsi przedstawiciele tego kierunku pojawili się już pod koniec lat 60.), hardcor (duży podgatunek punk rocka), a także a także brutalne podgatunki metalu - death metal, black metal. W latach 90. szeroko rozwinęły się gatunki grunge (pojawił się w połowie lat 80.), Britpop (pojawił się w połowie lat 60.) i metal alternatywny (pojawił się pod koniec lat 80.).

Głównymi ośrodkami powstania i rozwoju muzyki rockowej są Stany Zjednoczone i Europa Zachodnia (zwłaszcza Wielka Brytania). Większość tekstów jest w języku angielskim. Jednak choć z reguły z pewnym opóźnieniem, narodowa muzyka rockowa pojawiła się w prawie wszystkich krajach. Rosyjskojęzyczna muzyka rockowa (tzw. rock rosyjski) pojawiła się w ZSRR już w latach 60. i 70. XX wieku. i osiągnął swój szczyt w latach 80. XX wieku, a następnie rozwijał się w latach 90.

8 Ska, rocksteady, reggae

Ska to styl muzyczny, który pojawił się na Jamajce pod koniec lat pięćdziesiątych XX wieku. Pojawienie się tego stylu wiąże się [źródło nieokreślone 99 dni] z pojawieniem się systemów dźwiękowych, które umożliwiły taniec na ulicy.

Instalacje dźwiękowe to nie tylko głośniki stereo, ale specyficzna forma dyskotek ulicznych z DJ-ami i ich mobilnymi systemami stereo, przy rosnącej konkurencji między tymi DJ-ami w zakresie najlepszy dźwięk, najlepszy repertuar i tak dalej.

Styl charakteryzuje się wahadłowym rytmem 2/4, w którym gitara gra na parzystych uderzeniach perkusji, a kontrabas lub gitara basowa podkreśla nieparzyste. Melodię wykonują instrumenty dęte, takie jak trąbka, puzon i saksofon. Wśród melodii ska można znaleźć melodie jazzowe.

Rocksteady („rocksteady”, „rocksteady”) to styl muzyczny, który istniał na Jamajce i w Anglii w latach 60. XX wieku. Podstawą stylu są rytmy karaibskie w metrum 4/4, ze zwiększoną uwagą na instrumenty klawiszowe i gitary.

Reggae (angielskie reggae, inna pisownia „reggae” i „reggae”), jamajska muzyka popularna, została po raz pierwszy wspomniana pod koniec lat sześćdziesiątych. Czasami używana jako ogólna nazwa całej muzyki jamajskiej. Ściśle powiązany z innymi gatunkami jamajskimi - rocksteady, ska i innymi.

Dub to gatunek muzyczny, który pojawił się na Jamajce na początku lat 70. XX wieku. Początkowo nagrania tego gatunku były utworami reggae z (czasami częściowo) usuniętym wokalem. Od połowy lat 70. dub stał się zjawiskiem niezależnym, uważanym za eksperymentalną i psychodeliczną formę reggae. Muzyczny i ideologiczny rozwój dubu dał początek technologii i kulturze remiksów, a także bezpośrednio lub pośrednio wpłynął na rozwój Nowa fala oraz gatunki takie jak hip-hop, house, bębny i basy, trip-hop, dub-techno, dubstep i inne.

Muzyka pop (angielski: Pop-music z Popular music) to kierunek muzyki współczesnej, rodzaj współczesnej kultury masowej.

Termin „muzyka pop” ma podwójne znaczenie. W szerokim znaczeniu jest to każda muzyka masowa (m.in. rock, elektronika, jazz, blues). W wąskim znaczeniu - odrębny gatunek muzyka popularna, bezpośrednio muzyka popowa z pewnymi cechami.

Główne cechy muzyki pop jako gatunku to prostota, melodia, oparcie się na wokalu i rytmie, przy mniejszym skupieniu na partii instrumentalnej. Główną i praktycznie jedyną formą kompozycji w muzyce pop jest piosenka. Teksty muzyki pop zwykle dotyczą osobistych uczuć.

Muzyka pop obejmuje podgatunki, takie jak europejski pop, muzyka latynoska, disco, electropop, muzyka taneczna i inne.

10 Rap (Hip-Hop)

Hip-hop (angielski) hip hop) to ruch kulturalny, który powstał wśród klasy robotniczej Nowego Jorku 12 listopada 1974 roku. DJ Afrika Bambaataa jako pierwszy zdefiniował pięć filarów kultury hip-hopowej: MCing, DJing, breaking, pisanie graffiti) i wiedzę. Inne elementy to beatboxing, moda hip-hopowa i slang.

Pochodzący z południowego Bronksu hip-hop stał się w latach 80. częścią kultury młodzieżowej w wielu krajach na całym świecie. Od końca lat 90. z ulicznego undergroundu o silnej orientacji społecznej hip-hop stopniowo przekształcał się w część przemysłu muzycznego, a już w połowie pierwszej dekady tego stulecia subkultura stała się „modna” i „ głównego nurtu”. Jednak pomimo tego wiele postaci hip-hopu nadal kontynuuje swoją „główną linię” – protestuje przeciwko nierówności i niesprawiedliwości, sprzeciwia się obowiązującej władzy.

Wiadomo, że reżyseria spektaklu rozrywkowego dzieli się na reżyserię spektaklu rozrywkowego i reżyserię spektaklu rozrywkowego.

Metodologia pracy nad różnorodnym wykonaniem (koncert, przegląd, pokaz) z reguły nie obejmuje zadania tworzenia liczb, z których się składa. Reżyser łączy gotowe liczby z fabułą, jednym tematem, buduje od początku do końca akcję spektaklu, porządkuje jego strukturę temporalno-rytmiczną, rozwiązuje problemy oprawy muzycznej, scenograficznej i oświetleniowej. Oznacza to, że staje przed całym szeregiem problemów artystycznych i organizacyjnych, które wymagają rozwiązania w programie jako całości i nie są bezpośrednio związane z samą ustawą odmianową. Stanowisko to potwierdza teza słynnego reżysera rozrywkowych I. Szarojewa, który napisał, że „najczęściej reżyser rozrywkowy przyjmuje spektakle od specjalistów różnych gatunków, a następnie tworzy z nich program rozrywkowy. Pokój charakteryzuje się dużą niezależnością.”

Praca nad spektaklem rozrywkowym wymaga od reżysera rozwiązania szeregu specyficznych problemów, z którymi nie spotyka się w przedstawieniu. duży program. To przede wszystkim umiejętność wydobycia indywidualności twórcy, budowania dramaturgii aktu, pracy z repryzą, trikiem, gagiem, znajomości i uwzględnienia natury specyficznych środków wyrazu aktu oraz wiele więcej.

Wiele postulatów metodologicznych tworzenia spektaklu opiera się na wspólnych, podstawowych zasadach obowiązujących w teatrze dramatycznym, muzycznym i cyrku. Ale potem na fundamencie budowane są zupełnie inne konstrukcje. Zauważalna jest swoistość reżyserii scenicznej, zdeterminowana przede wszystkim typologią gatunkową aktu odmiany.

Na scenie reżyser jako twórca osiąga w spektaklu ostateczny cel każdej sztuki – stworzenie obrazu artystycznego, który stanowi twórczą stronę zawodu. Ale w procesie inscenizacji spektaklu specjalista pracuje nad technologią środków wyrazu. Wynika to z samej natury niektórych gatunków: powiedzmy, większość podgatunków sportu i cyrku wymaga prób i treningów z trenerem w zakresie elementów sportowych i specjalnych trików; praca nad numerem wokalnym nie jest możliwa bez lekcji u specjalistycznego nauczyciela śpiewu; W gatunku choreograficznym istotna jest rola choreografa-wychowawcy.

Czasami ci specjaliści techniczni głośno nazywają siebie reżyserami scenicznymi, choć w rzeczywistości ich działalność ogranicza się jedynie do budowania specjalnego wyczynu kaskaderskiego lub technicznego elementu rutyny - nie ma znaczenia, czy jest to akrobatyka, taniec czy śpiew. Trudno tu mówić o kreowaniu obrazu artystycznego. Kiedy czołowi mistrzowie popu (zwłaszcza gatunków oryginalnych) dzielą się w drukach tajnikami swoich umiejętności, opisują głównie techniki magicznych sztuczek, akrobatyki, żonglerki itp.

Jeszcze raz pragnę podkreślić, że struktura artystyczna aktu odmiany jest złożona, różnorodna, a często konglomeratywna. Dlatego inscenizacja numeru popowego jest jedną z najważniejszych gatunki złożone działalności dyrektora. „Bardzo trudno jest dać dobry występ, nawet jeśli trwa tylko kilka minut. I wydaje mi się, że te trudności są niedoceniane. Może dlatego tak szanuję i cenię sztukę tych, których czasami nieco lekceważąco nazywa się artystami, przyznając im niezbyt honorowe miejsce w niepisanej skali zawodów. Te słowa S. Jutkiewicza po raz kolejny potwierdzają wagę analizy struktury artystycznej aktu odmianowego, której ostatecznym celem jest poznanie podstaw metodologii jego tworzenia, zwłaszcza pod kątem pracy reżyserskiej i inscenizacyjnej.

Wniosek.

SZTUKA RÓŻNORODNOŚCI (z francuskiego estrada - platforma, elewacja) to syntetyczny rodzaj sztuki scenicznej, łączący w sobie małe formy dramatu, komedii, muzyki, a także śpiewu, sztuki. czytanie, choreografia, ekscentryczność, pantomima, akrobatyka, żonglerka, iluzjonizm itp. Mimo międzynarodowego charakteru zachowuje swoje ludowe korzenie, które nadają mu szczególny narodowy charakter. Wywodzące się z renesansu na scenie ulicznej i począwszy od klaunady, prymitywnych fars, bufonady, E. i. w różnych krajach ewoluował inaczej, preferując ten czy inny gatunek, ten czy inny obraz maski. W różnorodnych programach salonów, kół i klubów, które powstały później, w kabinach, salach muzycznych, kawiarniach, kabaretach, teatrach miniaturowych i na zachowanych ogrodach różnorodnych, wesoły humor, dowcipne parodie i karykatury, zjadliwa satyra społeczna, ostrożna hiperbola i Dominuje bufonada, groteskowa, figlarna ironia, uduchowione teksty, modny taniec i muzyczne rytmy. Poszczególne numery polifonicznej odmiany rozrywki często spajane są na scenie przez artystę lub prostą fabułę, a teatry jedno- lub dwuosobowe, zespoły (baletowe, muzyczne itp.) - autorskim repertuarem, własną dramaturgią. Sztuka różnorodna jest skierowana do jak najszerszego grona odbiorców i opiera się przede wszystkim na umiejętnościach wykonawców, technice transformacji, umiejętności tworzenia efektownej rozrywki przy użyciu lakonicznych środków i bystrym charakterze - często komediowo-negatywnym niż pozytywnym. Eksponując swoich antybohaterów, zwraca się ku metaforycznym rysom i szczegółom, ku dziwacznemu splotowi prawdopodobieństwa i karykatury, rzeczywistej i fantastycznej, przyczyniając się tym samym do stworzenia atmosfery odrzucenia ich życiowych prototypów, sprzeciwu wobec ich dobrobytu w rzeczywistości. Sztukę popularną charakteryzuje aktualność, połączenie w najlepszych przykładach rozrywki z poważnymi treściami, funkcjami edukacyjnymi, gdy zabawę uzupełnia różnorodna paleta emocjonalna, a czasem patos społeczno-polityczny, obywatelski. Show-biznesowi, wytworzonemu przez burżuazyjną kulturę masową, brakuje tej drugiej cechy. Prawie wszystkie operacyjne odmiany „małe”, „lekkie”, w tym „kapusta pospolita”, charakteryzują się stosunkowo krótką żywotnością, szybką amortyzacją masek, która uzależniona jest od wyczerpania się aktualności tematu, realizacji porządków społecznych, zmiany zainteresowań i potrzeb odbiorców. Będąc jedną z najbardziej dynamicznych form sztuki, a zarazem sztuką starszą, pop-art narażony jest na chorobę stemplowania, spadek wartości artystycznej i estetycznej utalentowanych znalezisk, aż do ich przekształcenia w kicz. Na rozwój duży wpływ mają takie sztuki „techniczne”, jak kino, a zwłaszcza telewizja, które często włączają do swoich programów programy rozrywkowe i koncerty. Dzięki temu tradycyjne formy i techniki sceniczne zyskują nie tylko większą skalę i powszechność, ale także głębię psychologiczną (wykorzystanie zbliżeń, innych wizualnych i wyrazistych środków sztuki ekranowej) oraz żywą rozrywkę.

W systemie sztuk performatywnych muzyka pop zajmuje dziś zdecydowanie odrębne miejsce, reprezentując niezależne zjawisko kultury artystycznej. Popularność muzyki pop wśród najszerszej i najbardziej zróżnicowanej publiczności zmusza ją do odpowiadania na sprzeczne potrzeby estetyczne różnych grup ludności pod względem składu społecznego, wiekowego, edukacyjnego, a nawet narodowego. Ta cecha pop-artu w dużej mierze wyjaśnia obecność negatywnych aspektów w wartościach zawodowych, estetycznych i gustownych dzieł pop. Ogromna liczebność publiczności pop-artu w przeszłości i obecnie, jej heterogeniczność, konieczność łączenia funkcji rozrywkowej i edukacyjnej w pop-artie, nakłada na twórców dzieł pop-artu specyficzne wymagania i nakłada na nich szczególną odpowiedzialność.

Złożoność badania dzieł popowych, a także opracowywania metodologicznych podejść do ich tworzenia wynika z faktu, że jako całość jest to konglomerat różne sztuki. Syntetyzuje aktorstwo, muzykę instrumentalną, wokal, choreografię, malarstwo (na przykład gatunek „artysta natychmiastowy”). Sport (akrobacje i ćwiczenia gimnastyczne) oraz nauka są wplecione w tę syntezę sztuk (wśród gatunków popowych znajduje się akt matematyczny). - „żywa maszyna licząca”). Ponadto istnieją gatunki różnorodne oparte na elemencie kaskaderskim, który wymaga manifestacji unikalnych zdolności i możliwości danej osoby (na przykład szereg podgatunków różnorodności i cyrku, hipnoza, eksperymenty psychologiczne). Wielość środków wyrazu, ich nieoczekiwane i niezwykłe połączenia w różnych syntetycznych formach na scenie są często bardziej zróżnicowane niż w innych sztukach performatywnych.

Wykaz używanej literatury.

Konkurs odmianowy Bermonta E. //Teatr. 1940, nr 2, s. 75-78

Birzhenyuk G.M., Buzene L.V., Gorbunova N.A.

Kober. Najważniejszy punkt programu: Tłum. z nim. L., 1928. S. 232-233; Stanishevsky Yu. Liczba i kultura prezentacji // SEC. 1965. Nr 6.

Konnikov A. Świat różnorodności. M., 1980.

Ozhegov S.I. i Shvedova N.Yu. Słownik objaśniający języka rosyjskiego: 80 000 słów i wyrażeń frazeologicznych

Rozovsky M. Reżyser spektaklu. M., 1973.

Rosyjska scena radziecka // Eseje o historii. Reprezentant. wyd. doktor. twierdzić, prof. E. Uvarova. W 3 T. M., 1976, 1977, 1981.

Uvarova E. Teatr rozmaitości: Miniatury, recenzje, sale muzyczne (1917-1945). M., 1983; Arkadij Raikin. M., 1986; Jak się bawili w rosyjskich stolicach. Petersburg, 2004.

Sharoev I. Reżyseria sceniczna i występy masowe. M., 1986; Wiele twarzy sceny. M., 1995.

Jeśli na miejscu przede mną siedzi jakiś zbyt wysoki mężczyzna, zaczynam mieć wrażenie, że mam problemy ze słuchem. W każdym razie taka muzyka przestaje być dla mnie muzyką pop. Zdarza się jednak, że to, co dzieje się na scenie, jest wyraźnie widoczne, mimo to jednak nie staje się faktem pop-artu; w końcu niektórzy artyści i reżyserzy skupiają wszystkie swoje wysiłki na zadowalaniu naszych uszu, nie troszcząc się zbytnio o nasze oczy. Szczególnie często spotykasz się z niedocenianiem spektakularnej strony pop-artu gatunki muzyczne, ale objawy tej samej choroby można zaobserwować u lektura artystyczna i na konferencjach.

„No cóż” – powiesz – „znowu mówimy o rzeczach znanych od dawna, że ​​wielu artystom popowym brakuje kultury scenicznej, że ich występy są czasami pozbawione plastycznej ekspresji i wizualnie monotonne”.

Rzeczywiście wszystkie te poważne niedociągnięcia, których sztuka różnorodności nie została jeszcze przezwyciężona, często pojawiają się w recenzjach, artykułach problematycznych i twórczych dyskusjach. W pewnym stopniu zostaną one poruszone w tym artykule. Chciałbym jednak zadać pytanie szerzej. Oczywiście nie chodzi tu tylko o brak umiejętności jako takich. Ta wada dotyczy nawet tych gatunków pop, które przemawiają tylko do wizji. Akrobaci, żonglerzy, iluzjoniści (nawet najlepsi z nich, wielcy mistrzowie swojego rzemiosła) grzeszą najczęściej tą samą wizualną monotonią, brakiem kultury plastycznej. Wszystkie odmiany tego gatunku sprowadzają się z reguły do ​​naprzemienności w akcie mniej więcej jednego kręgu wykonywanych sztuczek i technik. Powtarzające się z roku na rok klisze (np. akrobatyczna para mężczyzn, wysocy i niscy, pracujący w wolnym tempie, wykonujący ruchy siłowe, czy melancholijny kuglarz ubrany w smoking z cygarem i kapeluszem itp.) tylko wzmacniają i legitymizują spektakularne gatunki biednego popu. Tradycje, raz ożywione, stają się hamulcami rozwoju sztuki.

Podam przykład dwóch żonglerów – zwycięzców niedawnej 3. edycji Ogólnorosyjska konkurencja artyści popowi. I. Kożewnikow, nagrodzony drugą nagrodą, prezentuje opisany właśnie typ żonglera: melonik, cygaro, laska tworzą paletę performansu wykonanego z nienaganną kunsztem. Laureat pierwszej nagrody E. Shatov pracuje z aparatem cyrkowym – grzędą, na której końcu znajduje się wąska przezroczysta rurka o średnicy piłki tenisowej. Balansując na głowie, Szatow wrzuca piłki do tuby. Za każdym razem okoń rośnie, stopniowo osiągając prawie dziesięć metrów wysokości. Z każdą nową sekcją spektaklu wykonanie numeru staje się wizualnie ostrzejsze i bardziej wyraziste. Wreszcie długość grzędy staje się taka, że ​​nie mieści się w wysokości sceny (nawet tak wysokiej jak w Teatrze Rozmaitości). Żongler wychodzi na przód sceny, balansując nad głowami widzów w pierwszych rzędach. Piłka leci w górę, niemal gubi się na tle sufitu i ląduje w rurze. Numer ten, oprócz niezwykłej czystości, z jaką jest wykonany, wyróżnia się tym, że zmieniająca się co jakiś czas skala wizualna, jest odbierana przez siedzących na widowni w całkowitej jedności. Dzięki temu spektakularny efekt jest niezwykły. Co więcej, jest to rozrywka specyficznie popowa. Wyobraź sobie numer Shatova w telewizji lub kinie! Nie mówiąc już o tym, że w nakręconej z wyprzedzeniem fabule telewizyjnej czy filmowej wykluczony jest element nieprzewidywalności (w związku z czym scena i cyrk nigdy nie staną się organiczne na ekranie!), stałość skali podyktowana przez stałość wielkości ekranu i naszej odległości od niego, pozbawi pokój Shatova i jego uroków.

Sztuka Szatowa (w znacznie większym stopniu niż, powiedzmy, twórczość Kożewnikowa) traci, jeśli zostanie przeniesiona w sferę innej sztuki. To pierwszy dowód na jego prawdziwą różnorodność. Jeśli taki transfer da się łatwo przeprowadzić bez oczywistych strat, to śmiało można powiedzieć, że dzieło i jego twórca grzeszą przeciwko prawom pop-artu. Jest to szczególnie odkrywcze w przypadku gatunków muzycznych i mowy w radiu pop. Wielu naszych piosenkarze pop a śpiewaków najlepiej słuchać w radiu, gdzie uwalniają się od konieczności szukania plastycznego odpowiednika wykonywanej melodii. Piosenkarka, dla której scena jest prawdziwą udręką, czuje się świetnie przed radiowym mikrofonem. Natomiast piosenkarz popowy z natury doświadcza w radiu pewnej niedogodności: ogranicza go nie tylko brak kontaktu z publicznością, ale także fakt, że wiele niuansów wykonawczych obecnych w wizualnej stronie utworu obraz będzie nieobecny w dźwięku. Wiąże się to oczywiście z wyczerpaniem efektu. Pamiętam pierwsze nagrania piosenek Yvesa Montanda, które przywiózł z Paryża Siergiej Obrazcow. O ile głębszy i bardziej znaczący okazał się sam artysta, gdy zobaczyliśmy go śpiewającego na scenie: do uroku muzyki i słów dodano urok aktora, który tworzy najbardziej wyrazistą plastyczność ludzki wizerunek. Stanisławski lubił powtarzać: widz idzie do teatru dla podtekstu, tekst może przeczytać w domu. Coś podobnego można powiedzieć o scenie: widz chce zobaczyć spektakl ze sceny, może uczyć się tekstu (a nawet muzyki) pozostając w domu. Przynajmniej podczas słuchania w radiu. Czy warto wybrać się na przykład na koncert, żeby posłuchać Jurija Fiodorszczewa, który ze wszystkich sił stara się przywrócić Paulowi Robesonowi wykonanie utworu „Mississippi”? Myślę, że Fedorishchev osiągnąłby swój cel w radiu znacznie lepiej. Słuchając w radiu „Mississippi” mogliśmy zachwycać się trafnością uchwycenia intonacji muzycznych murzyńskiej piosenkarki, a jednocześnie nie mielibyśmy okazji zauważyć całkowitej bezwładności plastycznej Fiodorszczewa, sprzecznej z oryginałem.

Reżyserzy programu, w którym słyszałem Fiodorszczewa, starali się rozjaśnić wizualną monotonię jego śpiewu. Podczas wykonania francuskiej piosenki „Alone at Night”, przed wersetem, w którym rozpoczyna się temat cywilny - temat walki o pokój, światła w sali nagle gasną, pozostawiając jedynie czerwone światło. W najbardziej żałosnej części utworu, wymagającej błyskotliwej techniki aktorskiej, widz zmuszony jest stać się jedynie słuchaczem, ponieważ widzi tylko czarną, nieruchomą sylwetkę na przyćmionym czerwonym tle. Tym samym reżyseria, chcąc urozmaicić przedstawienie dla publiczności, wyrządza prawdziwą „szkodę” wykonawcom i całemu dziełu. Jedną z chorób naszej sceny jest zdumiewający niedostatek technik oświetleniowych, który w opisanym powyżej przypadku doprowadził do przesunięcia akcentów. System efektów świetlnych zbudowany jest albo na prostej zasadzie ilustracyjnej (temat walki o pokój z pewnością kojarzy się z kolorem czerwonym, nie mniej!), albo na zasadzie salonowego piękna (chęć „przedstawienia” performera niezależnie od treści artystycznej aktu, jego stylu). W rezultacie najciekawsze możliwości oświetleniowe nadal nie są wykorzystywane. To samo można powiedzieć o kostiumie: rzadko służy on wzmocnieniu obrazu wizualnego. Jeśli istnieją dobre tradycje wykorzystywania kostiumu dla podkreślenia pochodzenia roli (powiedzmy aksamitna marynarka z kokardą N. Smirnowa-Sokolskiego czy kostium mima L. Engibarowa), to prosty i w miarę prosty Jednocześnie pomoc w odsłonięciu wizerunku kostiumu jest niezwykle rzadka Ostatnio miałam okazję być świadkiem, jak nietrafiony kostium znacząco osłabił wrażenie, jakie wywołuje numer. Mówimy o Kapigolinie Lazarenko: jaskrawoczerwona sukienka z dużymi biustami ograniczała piosenkarkę i wyraźnie nie odpowiadała delikatnej, lirycznej piosence „Come Back”.

Oświetlenie, kostiumy i inscenizacja to trzy filary, na których opiera się spektakularna strona różnorodnego przedstawienia. Każdy z tych tematów zasługuje na osobną dyskusję, czego oczywiście mój artykuł nie może rościć. Dotknę tutaj jedynie tej strony specyficznego popowego mise-en-scène, której nie da się odpowiednio odtworzyć na ekranach telewizora i kina. Scena rządzi się swoimi prawami przestrzeni i czasu: zbliżenia, kąta kamery, montażu w kinie (i telewizji), które naruszają jedność tych kategorii, a raczej ich integralność, tworzą nową przestrzeń i nowy czas, nie w każdym sposób odpowiedni na scenę. Scena charakteryzuje się ciągłym ujęciem, gdyż odległość wykonawcy do każdego z widzów nieznacznie się różni, tylko na tyle, na ile aktor może wejść w głąb sceny. To samo trzeba powiedzieć o montażu: zachodzi on na scenie (jeśli w ogóle występuje) w ramach całości, która jest na scenie stale obecna. Montaż ten może zostać zrealizowany albo za pomocą oświetlenia (technika z powodzeniem stosowana w pracowni performatywnej Uniwersytetu Moskiewskiego), albo też powstaje w umyśle widza. Mówiąc najprościej, w swoim postrzeganiu obrazu wizualnego wyodrębnia pewne części, jednocześnie utrzymując całość w polu widzenia.

Aby nie wydawać się bezpodstawnym, podam przykład. Spektakl „Nasz dom jest Twoim domem” studia odmianowego Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego. Grupa ta prowadzi bardzo ciekawe poszukiwania wyrazistości spektaklu. Jednocześnie liryczna poezja lub alegoria, oparta na skojarzeniach skojarzeniowych, okazuje się często głównym elementem opowieści. Warto jednak zauważyć, że zarówno poezja, jak i alegoria w performansach studia zamieniają się w formę figuratywnego, wizualnego opowiadania historii (np. namalowane figury geometryczne w jednym z numerów pomagają ujawnić satyryczne znaczenie wielu ważnych pojęć). W scenie opowiadającej o organizacji czasu wolnego młodzieży („Klub Młodzieży”) czterech demagogów-krzyczących, usadowionych niczym na trybunie, na czterech masywnych cokołach, wymawia po kolei strzępy fraz, które razem tworzą niesamowitą abrakadabrę bezsensowne gadaniny i biurokracja. Uwaga widza zostaje natychmiast przeniesiona z jednego krzyczącego na drugiego: mówiący towarzyszy swoim słowom gestem (czasem w skomplikowanym kontrapunkcie ze słowem), pozostali pozostają w bezruchu, wyobrażam sobie tę scenę sfilmowaną. Wydaje się, że jego tekst i mise-en-scène niezmiennie antycypują przyszły montaż. Każda linia to zbliżenie. Ogień z karabinu maszynowego zbliżeń, uwagi, gesty. Ale są dwie znaczące straty. Po pierwsze brak akompaniamentu do poszczególnych wersów: zamrożone pozy pozostałych postaci. Drugim jest przekształcenie wszystkich linii w naprzemienne frazy bez przenoszenia naszej uwagi z jednego znaku na drugi. Kontrapunkt, który staje się w tej scenie najpotężniejszą bronią autorów, nieuchronnie znika w filmie.

Błędem byłoby stwierdzenie, że rozbieżność, kontrapunkt między słowem a obrazem jest cechą wyłącznie pop-artu. Znają go i scena teatralna i ekran. Ale sposoby osiągnięcia tego efektu są wszędzie różne. A na scenie są bardzo ważni. Tutaj zostaje wyeksponowany kontrapunkt, ukazany jako celowe zderzenie przeciwieństw, mające na celu wywołanie iskry śmiechu. Podam przykład wykonawców, którzy nieustannie, z roku na rok, doskonalą swoje mistrzostwo w tej różnorodnej broni. Mam na myśli kwartet wokalny „Yur” (Yu. Osintsev, Yu. Makoveenko, Yu. Bronstein, Yu. Diktovich; reżyser Boris Sichkin). W utworze „Business Travel” kwartet śpiewa, a tymczasem dłonie artystów zamieniają się w certyfikaty podróży (otwarta dłoń) i pieczątki instytucjonalne (zaciśnięta pięść), przyklejane są znaczki, rozdawane są pieniądze itp. To wszystko się nie dzieje w formie iluzji – układy tekstu, ale do niego równoległe, czasami tylko zbieżne, ale przeważnie w serii kontrapunktowej. W rezultacie z nieoczekiwanego zderzenia słów i gestów wyłania się nowe, nieoczekiwane znaczenie. Na przykład osoby podróżujące służbowo w różne strony nie mają nic do roboty poza grą w domino w pociągu. Ręce przerzucające kostki domina „nakładają się” na tekst, który mówi, że pieniądze ludzi są lekkomyślnie wydawane na podróże służbowe. To sprawia, że ​​gest rąk mieszających w powietrzu wyimaginowane kości jest bardzo wymowny.

Najnowsze dzieło kwartetu „Telewizja” jest zdecydowanie największym jego dziełem. twórcze szczęście w stosowaniu środków wyrazu wizualnego na scenie. Członkowie kwartetu występują tu zarówno w roli parodystów, czytelników, mimów, jak i aktorów dramatycznych. Poza tym wykazują się niezwykłym kunsztem choreograficznym: jednym słowem jesteśmy świadkami syntetycznego gatunku, w którym słowo, muzyka ściśle splatają się z pantomimą, tańcem itp. Co więcej, swoboda zestawień i błyskawiczne przejścia z jednego medium afektu do drugiego jest tak wspaniała, jak tylko może być w pop-arcie. W trakcie emisji prawie wszystkie gatunki istniejące na świecie przechodzą w parodię.
telewizja. Ich zmiana, a także zmiana środków stosowanych przez artystów tworzy niezwykle malowniczy spektakl. Różnorodność niewątpliwie należy do spektakularnych form sztuki. Ale sztuk performatywnych jest wiele: teatr, kino, cyrk, a teraz także telewizja, która kryje w sobie znaczny potencjał estetyczny. Jakie są relacje w obrębie tej grupy sztuk? Wydaje się, że teatr pop nadal pozostaje w ramach sztuki teatralne, chociaż ma wiele podobieństw z niektórymi innymi formami. Naturalnie teatr (w szerokim tego słowa znaczeniu) nieustannie zmienia swoje granice, które w pewnym sensie stają się dla sceny zbyt ciasne. Jednak pewne cechy pop-artu, mimo znacznej ewolucji, pozostają niezmienione. Należą do nich przede wszystkim zasady organizacji wizualnej formy widowiska. A jeśli mówimy o formie, to we współczesnej muzyce pop (w tym w niektórych gatunkach muzycznych) najważniejszy pozostaje obraz.

W tym artykule nie było możliwe uwzględnienie wszystkich aspektów tematu. Moje zadanie było skromniejsze: zwrócić uwagę na pewne teoretyczne problemy pop-artu, które w dużej mierze determinują jego pozycję wśród innych sztuk i wyjaśniają charakter poszukiwań twórczych naszych mistrzów pop-artu. Teoretyczne zasady, jak wiemy, pozostają zasadami, które obowiązują wszystkich tylko do dnia, w którym pojawia się błyskotliwy, innowacyjny artysta i przekracza granice, które jeszcze wczoraj wydawały się nie do pokonania. Dziś mamy do czynienia z syntetycznymi gatunkami sztuki rozrywkowej: kanony przeszłości nie wytrzymują naporu nowych odkryć. Warto zaznaczyć, że zachodzące zmiany opierają się na stale zmieniającej się, choć zasadniczo niezmiennej zasadzie sceny jako spektaklu.

A. VARTANOV, kandydat historii sztuki

Radziecki magazyn cyrkowy. Marzec 1964

Scena- rodzaj sztuki scenicznej, który implikuje zarówno odrębny gatunek, jak i syntezę gatunków: śpiew, taniec, autorskie performansy, sztuka cyrkowa, iluzje.

Muzyka popowa - rodzaj rozrywkowej sztuki muzycznej adresowanej do najszerszego grona słuchaczy.

Ten rodzaj muzyki osiągnął największy rozwój w XX wieku. Zwykle obejmuje muzykę taneczną, różne pieśni, utwory na popowe orkiestry symfoniczne i zespoły wokalno-instrumentalne.

Często muzykę pop utożsamia się z dotychczasowym pojęciem „muzyki rozrywkowej”, czyli łatwej do zrozumienia, dostępnej dla publiczności. W historycznie Do muzyki rozrywkowej zalicza się muzykę prostą w treści, która zyskała powszechną popularność. dzieła klasyczne np. sztuki F. Schuberta i J. Brahmsa, F. Lehára i J. Offenbacha, walce J. Straussa i A. K. Głazunowa, „Mała nocna serenada” W. A. ​​Mozarta.

W tym rozległym, a jednocześnie niezwykle zróżnicowanym pod względem charakteru i poziomu estetycznego polu twórczości muzycznej, z jednej strony stosowane są te same środki wyrazu, co w muzyce poważnej, z drugiej zaś własne, specyficzne.

Termin „orkiestra popowa” został zaproponowany pod koniec lat 40. przez L. O. Utesova, co umożliwiło oddzielenie dwóch pojęć:
sama muzyka pop i jazz.

Współczesną muzykę pop i jazz mają wiele cech wspólnych: obecność stałej pulsacji rytmicznej wykonywanej przez sekcję rytmiczną; głównie taneczny charakter utworów wykonywanych przez zespoły popowe i jazzowe. Ale jeśli muzykę jazzową charakteryzuje improwizacja, szczególna właściwość rytmiczna - swing, a formy współczesnego jazzu są czasami dość trudne do dostrzeżenia, to muzykę pop wyróżnia dostępność języka muzycznego, melodii i skrajna prostota rytmiczna.

Jednym z najpowszechniejszych typów popowych kompozycji instrumentalnych jest popowa orkiestra symfoniczna (ESO) lub jazz symfoniczny. W naszym kraju powstanie i rozwój ESO wiąże się z nazwiskami V. N. Knushevitsky'ego, N. G. Minkha, Yu V. Silantyev. Repertuar popowych orkiestr symfonicznych jest niezwykle obszerny: od oryginalnych sztuk orkiestrowych i fantazji na znane tematy po akompaniament pieśni i operetek.

Oprócz niezbędnej sekcji rytmicznej i pełnego składu dętego big bandu (grupa saksofonowa i grupa dęta), w skład ESO wchodzą tradycyjne grupy instrumentów Orkiestra symfoniczna- instrumenty dęte drewniane, rogi i smyczki (skrzypce, altówki, wiolonczele). Proporcje grup w ESO są zbliżone do orkiestry symfonicznej: dominuje grupa smyczkowa, co wynika z przeważającej melodyjności muzyki ESO; Dużą rolę odgrywają instrumenty dęte drewniane; Sama zasada orkiestracji jest bardzo zbliżona do tej przyjętej w orkiestrze symfonicznej, chociaż obecność stale pulsującej sekcji rytmicznej i bardziej aktywna rola sekcji dętej (a czasem saksofonów) przypominają czasem brzmienie orkiestry jazzowej. Ważną rolę kolorystyczną w ESO pełni harfa, wibrafon i kotły.

ESO cieszą się w naszym kraju dużą popularnością. Ich występy transmitowane są w radiu i telewizji, najczęściej wykonują muzykę filmową oraz biorą udział w dużych koncertach i festiwalach popowych. Wielu radzieckich kompozytorów pisze muzykę specjalnie dla ESO. Są to A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Lyudvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter-letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky i inni.

Gatunek muzyki pop obejmuje różne rodzaje piosenek pop: tradycyjny romans, współczesną piosenkę liryczną, piosenkę w rytmach tanecznych z rozwiniętym akompaniamentem instrumentalnym. Najważniejszą rzeczą, która łączy wiele rodzajów piosenek pop, jest pragnienie ich autorów, aby jak największa przystępność i zapamiętywanie melodii. Korzenie takiej demokracji sięgają stary romans oraz we współczesnym folklorze miejskim.

Piosenka popowa nie ogranicza się do czystej rozrywki. Tak więc radzieckie piosenki pop zawierają tematykę obywatelstwa, patriotyzmu, walki o pokój itp. Nie bez powodu piosenki I. O. Dunaevsky'ego, wiceprezesa Sołowjowa-Sedoja, M. I. Blantera, A. N. Pakhmutovej, D. F. Tuchmanowa i innych sowieckich kompozytorzy są kochani nie tylko w naszym kraju, ale także daleko poza jego granicami. Piosenka Sołowjowa-Sedoja „Moskiewskie wieczory” zyskała naprawdę światowe uznanie. W XX wieku Różne rodzaje muzyki tanecznej zastępowały się nawzajem. Tak więc tango, rumba, foxtrot zostały zastąpione przez rock and rolla, zastąpione zostały przez twist and shake, a rytmy samby i bossa novy były bardzo popularne. Przez wiele lat styl disco był szeroko rozpowszechniony w muzyce pop i dance. Powstała z połączenia czarnej muzyki instrumentalnej z elementami śpiewu i plastyczności, charakterystycznymi dla piosenkarzy popowych z Ameryki Łacińskiej, w szczególności z Jamajki. Ściśle powiązana w Europie Zachodniej i USA z przemysłem nagraniowym i praktyką dyskotekową, muzyka disco okazała się jednym z najszybciej rozwijających się trendów w muzyce pop i dance drugiej połowy XX wieku.

Do kompozytorów radzieckich, którzy ustanowili krajowe tradycje w gatunku muzyki tanecznej, należą A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky i inni.

Nowoczesną muzykę rockową można zaliczyć do muzyki pop. W kulturze muzycznej Zachodnia Europa a USA to ruch bardzo zróżnicowany na poziomie ideologicznym i artystycznym zasady estetyczne. Reprezentują ją zarówno dzieła wyrażające protest przeciwko niesprawiedliwości społecznej, militaryzmowi, wojnie, jak i dzieła głoszące anarchizm, niemoralność i przemoc. Równie różnorodny jest styl muzyczny zespołów reprezentujących ten nurt. Mają jednak wspólną podstawę i pewne cechy charakterystyczne.

Jedną z tych cech jest wykorzystanie śpiewu solowego i zespołowego, a co za tym idzie tekstu niosącego niezależną treść oraz głosu ludzkiego jako szczególnego zabarwienia barwy. Członkowie zespołów lub grup często łączą funkcje instrumentalistów i wokalistów. Instrumentami wiodącymi są gitary, a także różne instrumenty klawiszowe, rzadziej instrumenty dęte. Dźwięk instrumentów wzmacniany jest różnymi przetwornikami dźwięku i wzmacniaczami elektronicznymi. Muzyka rockowa różni się od muzyki jazzowej bardziej podzieloną strukturą metrorytmiczną.

W naszym kraju elementy muzyki rockowej znajdują odzwierciedlenie w twórczości zespołów wokalno-instrumentalnych (VIA).

Radziecka muzyka pop, ze względu na swój masowy urok i dużą popularność, odegrała znaczącą rolę w edukacji estetycznej młodego pokolenia.

1.1 Historia pop-artu

Słowo „scena” (od łacińskiego warstwy) oznacza podłogę, podest, elewację, podest.

Najtrafniejszą definicję pop-artu jako sztuki łączącej różne gatunki podaje słownik D.N. Uszakowa: „Różnorodność to sztuka małych form, obszar widowiskowo-muzycznych występów na otwartej scenie. Jej specyfika polega na łatwości zdolność przystosowania się do różnych warunków publicznych demonstracji i krótkotrwałych działań, w środkach artystycznych i ekspresyjnych, sztuka, która przyczynia się do żywej identyfikacji indywidualność twórcza wykonawca, pod względem aktualności, ostrej aktualności społeczno-politycznej poruszanych tematów, z przewagą elementów humoru, satyry, dziennikarstwa”.

Encyklopedia radziecka definiuje muzykę pop jako wywodzącą się z francuskiej estrady - formę sztuki obejmującą drobne formy sztuki dramatycznej i wokalnej, muzykę, choreografię, cyrk, pantomimę itp. Na koncertach występują oddzielne pełne liczby, które łączy artysta i fabuła . Jako sztuka niezależna pojawiła się pod koniec XIX wieku.

Istnieje również następująca definicja etapu:

Powierzchnia sceniczna, stała lub tymczasowa, przeznaczona na występy koncertowe artysty.

Pop-art ma swoje korzenie w odległej przeszłości, można je doszukać się w sztuce Starożytny Egipt I Starożytna Grecja. Choć scena ściśle współdziała z innymi sztukami, takimi jak muzyka, Teatr Dramatu, choreografia, literatura, kino, cyrk, pantomima, jest samodzielną i specyficzną formą sztuki. Podstawą pop-artu jest „Numer Jego Królewskiej Mości” - jak powiedział N. Smirnov-Sokolsky 1.

Performance to niewielki występ jednego lub kilku artystów, mający własną fabułę, punkt kulminacyjny i rozwiązanie. Specyfiką performansu jest bezpośrednia komunikacja artysty z publicznością, w jego imieniu lub za pośrednictwem postaci.

W sztuce średniowiecznej artystów podróżujących, teatry farsowe w Niemczech, bufony na Rusi, teatr masek we Włoszech itp. istniało już bezpośrednie zwracanie się artysty do publiczności, co pozwalało kolejnemu artyście stać się bezpośrednim uczestnikiem akcji. Krótki czas trwania spektaklu (nie więcej niż 15-20 minut) wymaga ekstremalnej koncentracji środków wyrazu, lakonizmu i dynamiki. Numery odmian są klasyfikowane według cech w czterech grupach. Pierwsza grupa typów obejmuje numery konwersacyjne (lub mowy). Są też numery muzyczne, plastyczno-choreograficzne, mieszane, „oryginalne”.

Sztuka komedii zbudowana została na otwartym kontakcie z publicznością del- sztuka (maska) XVI- s.XVII wiek.

Przedstawienia były zazwyczaj improwizowane w oparciu o standardowe sceny fabularne. Dźwięki muzyczne w postaci przerywników (wstawek): pieśni, tańców, numerów instrumentalnych lub wokalnych - były bezpośrednim źródłem aktu wariacyjnego.

Pojawiły się w XVIII wieku opera komiczna I wodewil. Wodewile były ekscytującymi występami z muzyką i dowcipami. Ich głównymi bohaterami są prości ludzie- zawsze pokonywał głupich i złośliwych arystokratów.

W połowie XIX wieku narodził się ten gatunek operetka(dosłownie mała opera): rodzaj sztuki teatralnej łączącej wokal i muzyka instrumentalna, taniec, balet, elementy pop-artu, dialogi. Operetka jako gatunek niezależny pojawiła się we Francji w 1850 roku. „Ojcem” francuskiej operetki i operetki w ogóle był Jacques Offenbach (1819-1880). Później gatunek ten rozwinął się we włoskiej „komedii masek”.

Scena jest ściśle związana z życiem codziennym, z folklorem, z tradycjami. Co więcej, są one przemyślane, unowocześnione, „ekstradyzowane”. Różne kształty różnorodność sztuki jest wykorzystywana jako rozrywka.

To nie przypadek. W Anglii puby (publiczne instytucje publiczne) powstały w XVIII wieku i stały się prototypami sal muzycznych (sal muzycznych). Puby stały się miejscami rozrywki dla szerokich, demokratycznych grup społeczeństwa. W przeciwieństwie do salonów arystokratycznych, gdzie grano głównie muzykę klasyczną, w pubach wykonywano pieśni i tańce przy akompaniamencie fortepianu, występowali komicy, mimowie, akrobaci, pokazywano sceny z popularnych przedstawień składających się z imitacji i parodii. Nieco później, w pierwszej połowie XIX w., upowszechniły się koncerty kawiarniane, początkowo mające charakter kawiarni literackich i artystycznych, w których swoje improwizacje wykonywali poeci, muzycy i aktorzy. W różnych modyfikacjach rozprzestrzeniły się po całej Europie i stały się znane jako kabaret (cukinia). Rozrywka nie wyklucza czynnika duchowości, dla artysty popowego szczególnie ważna jest postawa obywatelska.

Łatwe dostosowywanie pop-artu do publiczności niesie ze sobą niebezpieczeństwo flirtu z publicznością i ulegania złemu gustowi. Aby nie wpaść w otchłań wulgarności i wulgarności, artysta potrzebuje prawdziwego talentu, smaku i polotu. Reżyser ułożył program z poszczególnych numerów popowych, co też było mocne wyraziste środki. Bezpłatne połączenie instalacyjne o małych kształtach, oddzielone od różnych typów kreatywność artystyczna i samo się zagoiło, co doprowadziło do narodzin sztuki kolorowej pokaz odmian. Sztuka widowiska jest ściśle związana z teatrem i cyrkiem, jednak w odróżnieniu od teatru nie wymaga zorganizowanej akcji dramatycznej. Konwencjonalność fabuły, brak rozwinięcia akcji (głównego dramatu) to także cechy charakterystyczne dużego przedstawienia rewia(z francuskiego - recenzja). Poszczególne części rewii łączy wspólna idea performatywna i społeczna. Rewia, jako gatunek dramatu muzycznego, łączy w sobie elementy kabaretu, baletu i rozrywkowego show. W występach rewiowych dominuje muzyka, śpiew i taniec. Program odmian ma swoje własne modyfikacje:

- pokaz odmian z oddzielnych numerów

- pokaz odmian

- kabaret taneczny

- recenzja

W XX wieku rewia stała się wystawnym widowiskiem rozrywkowym. W USA pojawiły się odmiany rewii tzw pokazywać.

Na scenie muzycznej znalazły się różne gatunki muzyki rozrywkowej: pieśni, fragmenty operetek, musicale, występy rozrywkowe w różnorodnych aranżacjach utworów instrumentalnych. W XX wieku scenę wzbogacił jazz i muzyka popularna.

Tym samym pop-art przeszedł długą drogę i dziś możemy obserwować ten gatunek w innej formie i wykonaniu, co sugeruje, że jego rozwój nie stoi w miejscu.

Amatorska twórczość muzyczna autora polega na tworzeniu i wykonywaniu utworów muzycznych przez autora w sposób amatorski. Zgodnie z tradycją, która rozwinęła się w naszym kraju, AMST jest najczęściej rozumiany jako kompozycja przede wszystkim pieśni (tj....

Charakterystyka akustyczna ukulele

Rysunek 1 Ukulele to miniaturowe ukulele czterostrunowe, które pojawiło się pod koniec XIX wieku na wyspach archipelagu hawajskiego, położonych w północnej części Oceanu Spokojnego. Jej twórcami są portugalscy imigranci...

Problem wartość artystyczna muzyka

Muzyka... Co to jest? Jaka jest jej siła? Ludzie zaczęli o tym myśleć bardzo dawno temu. "Wszystko dźwięki muzyczne pochodzą z ludzkiego serca; muzyka jest związana z relacją międzyosobową. ...Dlatego trzeba rozumieć głosy...

Niezwykle szybkie zmiany warunków Nowoczesne życie wymagają od ludzi dokonywania odpowiednich ocen i szybkich decyzji, aby skuteczniej realizować swój potencjał...

Proces kształtowania zdolności muzycznych i twórczych uczestników amatorskich grup popowych

Wiek młodości od 17 do 20 lat zajmuje ważną fazę w ogólnym procesie kształtowania się osoby jako jednostki, gdy w procesie budowania nowego charakteru, struktury i kompozycji działań nastolatka powstają podstawy świadomego zachowania. położony...

Rozwój gustu muzycznego u małych dzieci wiek szkolny na lekcjach muzyki

Bardzo poważnie wpływają na rozwój gustu muzycznego uczniów różne kierunki nowoczesna muzyka. To muzyka rockowa, techno, pop, rap i inne kierunki. Jedno z pierwszych pytań zadawanych podczas spotkania...

Problematyka opery narodowej zajmuje centralne miejsce we wszystkich działaniach Webera. 3 on najlepsze opery- „Free Shooter”, „Euryanthe”, „Oberon” wskazywały ścieżki i różne kierunki...

Muzyka pop jako środek rozwijania gustu muzycznego młodzieży

Różnorodność to rodzaj sztuki scenicznej, który zakłada zarówno odrębny gatunek, jak i syntezę gatunków. Obejmował śpiew, taniec, autorskie występy, sztuki cyrkowe, iluzje...

Pierwsze przedstawienia teatralne odbywały się kiedyś bezpośrednio na ulicy. Zasadniczo przedstawienia wystawiali podróżujący artyści. Mogli śpiewać, tańczyć, zakładać różne kostiumy, portretować zwierzęta. Każdy zrobił to, co potrafił najlepiej. Nowy rodzaj Sztuka stopniowo się rozwijała, aktorzy doskonalili swoje umiejętności.

Pierwszy teatr na świecie

Słowo „teatr” w tłumaczeniu z języka greckiego oznacza miejsce wystawiania spektakli i samo widowisko. Pierwsza taka instytucja kulturalna powstała podobno w Grecji. Stało się to w V-IV wieku p.n.e. mi. Epokę tę nazwano „klasyczną”. Charakteryzuje się harmonią i równowagą wszystkich elementów i komponentów. Teatr starożytnej Grecji powstał z kultu różnych bogów.

Teatr Dionizosa jest najstarszym budynkiem teatralnym. Bóg wina, roślinności i natury był bardzo czczony przez starożytnych Greków. Dionizosowi poświęcono kultowe rytuały, które stopniowo przekształciły się w prawdziwe tragedie i komedie. Rytualne uroczystości zamieniły się w prawdziwe przedstawienia teatralne. Konstrukcja była przestrzenią na świeżym powietrzu. Widzowie początkowo siedzieli na drewnianych siedzeniach. był tak czczony w starożytnej Grecji, że władze dawały biednym obywatelom pieniądze na występy. Zamężnym kobietom nie wolno było oglądać przedstawień.

Pierwsza świątynia sztuki składała się z trzech głównych części:

• orkiestra – występowali tam tancerze i chór;
• widownia – zlokalizowana wokół orkiestry;
• Budynek Skena, w którym znajdowały się pokoje dla artystów.

Nie było kurtyny ani zwykłej sceny, a wszystkie role kobiece grali mężczyźni. Aktorzy podczas jednego przedstawienia kilkukrotnie zmieniali role, dlatego musieli znakomicie tańczyć i śpiewać. Wygląd aktorów zmieniono za pomocą masek. Obok budynku znajdowała się świątynia Dionizosa.

Teatr starożytny położył podwaliny i istotę teatru współczesnego. Najbliższy gatunek można nazwać teatrem dramatycznym. Z biegiem czasu pojawiało się coraz więcej różnych gatunków.

Gatunki teatralne

Gatunki teatralne we współczesnym świecie są tak różnorodne. Sztuka ta stanowi syntezę literatury, muzyki, choreografii, wokalu, sztuka. Wyrażają różne emocje i sytuacje. Ludzkość stale się rozwija. W związku z tym pojawiają się różne gatunki. Zależą one od kraju, z którego pochodzą, m.in rozwój kulturowy populacji, od nastroju publiczności i jej próśb.

Wymieńmy niektóre rodzaje gatunków: dramat, komedia, monodram, wodewil, ekstrawagancja, parodia, mim, farsa, moralitet, pastoralny, musical, tragikomedia, melodramat i inne.

Gatunki sztuki teatralnej nie mogą ze sobą konkurować. Każdy z nich jest interesujący na swój sposób. Widzowie, którzy kochają teatr operowy, z nie mniejszą przyjemnością odwiedzają teatr komediowy.

Najbardziej popularne typy gatunki teatralne to dramat, komedia, tragikomedia, musical, parodia i wodewil.

W dramacie można zobaczyć zarówno momenty tragiczne, jak i komiczne. Obserwowanie pracy aktorów tutaj jest zawsze bardzo interesujące. Role tego gatunku nie są łatwe i łatwo angażują widza w empatię i analizę.

Celem przedstawień komediowych jest przede wszystkim rozśmieszenie publiczności. Aby ośmieszyć pewne sytuacje, aktorzy również muszą się bardzo postarać. W końcu widz musi im wierzyć! Role komediowe są równie trudne do zagrania jak role dramatyczne. Element satyry ułatwia oglądanie spektaklu.

Tragedia zawsze wiąże się z sytuacją konfliktową i o tym jest spektakl. Gatunek ten jako jeden z pierwszych pojawił się w starożytnej Grecji. Podobnie jak komedia.

Musical ma wielu fanów. To zawsze świetna akcja z tańcem, piosenkami, ciekawą fabułą i dawką humoru. Drugą nazwą tego gatunku jest komedia muzyczna. W USA pojawił się pod koniec XIX wieku.

Odmiany

Rodzaje teatrów są bezpośrednio powiązane z gatunkami, które są w nich prezentowane. Chociaż wyrażają nie tyle gatunek, co formę gry aktorskiej. Wymieńmy niektóre z nich:

• operowy;
• dramatyczny;
• dziecięce;
• autorski;
• teatr jednoosobowy;
• teatr światła;
• komedia muzyczna;
• teatr satyry;
• teatr poetycki;
• teatr tańca;
• Muzyka pop;
• teatr robotów;
• balet;
• teatr zwierząt;
• teatr dla osób niepełnosprawnych;
• poddany;
• gra cieni;
• teatr pantomimy;
• teatr piosenki;
• ulica.

Teatr Opery i Baletu

Opera i balet pojawiły się we Włoszech w okresie renesansu. Pierwszy pojawił się w Wenecji w 1637 roku. Balet wyłonił się we Francji jako odrębny gatunek teatralny, przekształcając się z tańców dworskich. Bardzo często tego typu teatry są łączone w jednym miejscu.

Operze i baletowi towarzyszy orkiestra symfoniczna. Muzyka staje się integralną częścią tych produkcji. Oddaje nastrój i atmosferę wszystkiego, co dzieje się na scenie i podkreśla grę aktorów. Śpiewacy operowi pracują głosem i emocjami, a tancerze baletowi przekazują wszystko poprzez ruch. Teatry opery i baletu to zawsze najpiękniejsze instytucje teatralne. Mieszczą się one w najbogatszych budynkach miasta o unikalnej architekturze. Luksusowe wyposażenie, piękna kurtyna, duże orkiestrony – tak to wygląda od środka.

Teatr Dramatyczny

Tutaj główne miejsce zajmują aktorzy i reżyser. To oni tworzą osobowości bohaterów, przekształcając się w niezbędne obrazy. Reżyser przekazuje swoją wizję i kieruje zespołem. Teatr dramatyczny nazywany jest teatrem „doświadczeń”. K. S. Stanisławski pisał swoje dzieła studiując twórczość aktorów dramatycznych. Organizują nie tylko spektakle - zabawy o skomplikowanych fabułach. Teatr dramatyczny ma w swoim repertuarze komedie, musicale i inne przedstawienia muzyczne. Wszystkie spektakle oparte są wyłącznie na literaturze dramatycznej.

Teatr na każdy gust

Teatr Muzyczny to miejsce, w którym można obejrzeć dowolne przedstawienie teatralne. Znajdują się tu opery, komedie, operetki, musicale i wszystkie te przedstawienia, które zawierają dużo muzyki. Pracują tu tancerze baletowi, muzycy i aktorzy. Teatr muzyczny łączy teatry opery, baletu i operetki. Każdy rodzaj sztuki teatralnej związany z muzyką popularną czy klasyczną może znaleźć w tym teatrze swoich fanów.

Przedstawienie kukiełkowe

To szczególne miejsce. Tutaj zanurzysz się w świat dzieciństwa i radości. Dekoracja jest tu zawsze kolorowa i przyciąga uwagę najmłodszych widzów. Teatr lalek jest często pierwszym teatrem, do którego uczęszczają dzieci. A od tego, jakie wrażenie zrobi na niedoświadczonym widzu, zależy od przyszłego stosunku dziecka do teatru. Różnorodne akcje teatralne opierają się na wykorzystaniu różnego rodzaju lalek.

W Ostatnio Aktorzy-lalkarze nie chowają się za ekranami, lecz wchodzą w interakcję z lalkami na scenie. Pomysł ten należy do słynnego S.V. Obraztsova. Włożył na rękę kukiełkę w rękawiczce o imieniu Tyapa i znakomicie grał na scenie miniatury, wcielając się w rolę swojego ojca.

Początki tego rodzaju teatru sięgają daleko w starożytną Grecję. Tworząc lalki do rytuałów, ludzie nie wiedzieli, że rozwinie się to w prawdziwą sztukę. Teatr lalek to nie tylko wstęp do sztuki, ale także metoda psychologicznej korekty najmłodszych.

Teatr Komedia

Połączeni aktorzy, którzy potrafią śpiewać i tańczyć. Powinny bez problemu się zmieścić obrazy komediowe i nie bój się być zabawny. Bardzo często można zobaczyć „Teatry Dramatu i Komedii”, „Teatry Komedii Muzycznej”. Połączenie kilku gatunków w jednym teatrze nie przeszkadza w zachowaniu jego pikanterii. W repertuarze mogą znajdować się operetki, komedie satyryczne, musicale, dramaty, produkcje muzyczne dla dzieci. Ludzie z przyjemnością chodzą do teatru komediowego. Sala jest zawsze pełna.

Teatrzyk rewiowy

Uzupełnienie typów teatrów stosunkowo niedawno. I publiczność od razu się w nim zakochała. Pierwszy teatr popowy pojawił się w połowie ubiegłego wieku. Stał się teatrem w Leningradzie, który został otwarty w 1939 roku. W 2002 roku otrzymał nazwę „Teatr Rozmaitości im. AI Raikin.” Różni artyści obejmują współczesnych śpiewaków, tancerzy, prezenterów. Artyści różnorodni to gwiazdy show-biznesu, tancerze i showmani, jak się ich obecnie nazywa.

W różnych teatrach często odbywają się koncerty solowe, koncerty poświęcone pamiętnym datom i występy współczesnych autorów. Humoryści organizują tu koncerty, sceniczne przedstawienia komiksowe i przedstawienia dzieł klasycznych. Teatr muzyczny może oferować podobne przedstawienia.

Teatr Satyry

Bardzo kochamy publiczność! Od chwili pojawienia się odzwierciedla życie mieszczan, pokazując wszystkie niedociągnięcia i ośmieszając je. Aktorzy byli zawsze znani z widzenia, grali doskonałe role komiczne nie tylko na scenie, ale także w filmach. Teatry satyryczne zawsze znajdowały się w czołówce tych, którym zakazano wystawiania niektórych przedstawień. Było to spowodowane cenzurą. Śmiać się z strony negatywne ludzkich zachowań często można było przekroczyć granicę dopuszczalności. Zakazy przyciągnęły jeszcze więcej widzów. Wspaniali aktorzy teatru satyrycznego, którzy są dobrze znani: A. A. Mironow, Olga Aroseva, Spartak Mishulin, Michaił Derzhavin, Alexander Shirvindt. Dzięki tym ludziom teatry satyryczne pokochały publiczność.

Z biegiem czasu pojawiają się typy teatrów, które albo już dawno zostały zapomniane, albo zupełnie nie przypominają niczego, co istnieje.

Nowe trendy

Nowe typy świątyń sztuki zaskakują najbardziej wyrafinowanego widza. Niedawno w Polsce pojawił się pierwszy Teatr Robotów. Przedstawia aktorów-robotów, którzy za pomocą oczu i gestów przekazują swoje emocje. Spektakle przeznaczone są obecnie dla dziecięcej widowni, jednak liderzy projektu zamierzają stale poszerzać repertuar.

Latem przedstawienia teatralne odbywają się na świeżym powietrzu. Stało się to już tradycją. W tym roku wiele festiwali odbyło się na świeżym powietrzu. Tuż obok teatrów zbudowano małe sceny, na których odbywało się całe przedstawienie. Nawet artyści opery i baletu wychodzą już poza teatr, aby przyciągnąć jak najwięcej widzów.