Σβετλάνα Ομπούχοβα
Δεν έχει απομείνει σχεδόν κανένα στοιχείο για τη ζωή του Κρητικού Δομήνικου Θεοτοκόπουλου, του καλλιτέχνη που κατέκτησε το ισπανικό Τολέδο με το όνομα Ελ Γκρέκο, δηλαδή του Έλληνα. Οι «ανοησίες» του χαρακτήρα του και ο παράξενος ζωγραφικός τρόπος του εξέπληξαν πολλούς και τους ανάγκασαν να πιάσουν το στυλό του - αλλά μόνο λίγα γράμματα έχουν διασωθεί. Ένα από αυτά περιέχει τις ακόλουθες γραμμές: «... ο καιρός ήταν όμορφος, ο ανοιξιάτικος ήλιος έλαμπε απαλά. Έδωσε χαρά σε όλους, και η πόλη έμοιαζε γιορτινή. Φανταστείτε την έκπληξή μου όταν μπήκα στο στούντιο του El Greco και είδα ότι τα παντζούρια στα παράθυρα ήταν κλειστά, και επομένως ήταν δύσκολο να δω τι υπήρχε τριγύρω. Ο ίδιος ο Ελ Γκρέκο κάθισε σε ένα σκαμνί, χωρίς να κάνει τίποτα, παρά μόνο ξύπνιος. Δεν ήθελε να βγει μαζί μου γιατί, σύμφωνα με τον ίδιο, ηλιακό φωςπαρενέβαινε στο εσωτερικό του φως...»
Δεν υπάρχουν σχεδόν αποδείξεις για τον άνδρα Domenico, μόνο αντηχούν: ότι ζούσε με μεγαλοπρεπή στυλ, ότι διατηρούσε μια πλούσια βιβλιοθήκη, διάβαζε πολλούς φιλοσόφους και επίσης έκανε μήνυση σε πελάτες (τον αγαπούσαν, αλλά τις περισσότερες φορές δεν τον καταλάβαιναν), πέθανε σχεδόν σε φτώχεια - όπως οι λεπτές ακτίνες του φωτός της ημέρας διαπερνούν τις ρωγμές στα «κλειστά παραθυρόφυλλα» της ζωής του. Αλλά δεν αποσπούν την προσοχή από το κύριο πράγμα - από το εσωτερικό φως που γεμίζει τους πίνακες του καλλιτέχνη El Greco. Ειδικά πορτραίτα.
Δεν υπάρχουν τοπία που ανοίγουν πίσω από το πρόσωπο που απεικονίζεται, δεν υπάρχει αφθονία λεπτομερειών που προσελκύουν ένα περίεργο βλέμμα. Ακόμα και το όνομα του ήρωα μένει συχνά εκτός εικόνας. Γιατί όλα αυτά θα σε εμπόδιζαν να δεις το πρόσωπο. Και μάτια, βαθιά, σκοτεινά, που σε κοιτούν κατευθείαν. Είναι δύσκολο να απομακρυνθείς από αυτούς και αν αναγκάσεις τον εαυτό σου, είναι να δεις τη χειρονομία και να σταματήσεις ξανά σε σκέψεις.
Πρόκειται για το «Πορτρέτο ενός Καβαλιέρου με το χέρι στο στήθος» (1577-1579), ζωγραφισμένο από τον πλοίαρχο λίγο μετά τη μετακόμισή του στο Τολέδο. Αυτό το πορτρέτο αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα ισπανική ζωγραφική XVI αιώνα. Ο ξένος Ελ Γκρέκο δημιούργησε «ζωντανές εικόνες της ισπανικής ζωής και ιστορίας», που αποτυπώνουν «γνήσια ζωντανά όντα, συνδυάζοντας μέσα τους ό,τι αξίζει να θαυμάσει ο λαός μας, κάθε τι ηρωικό και αδάμαστο, με εκείνες τις αντίθετες ιδιότητες που δεν μπορούν παρά να αντικατοπτρίζονται. χωρίς να καταστρέφεται η ίδια η ουσία του» (Α. Σεγκόβια). Αριστοκράτες από τις αρχαίες οικογένειες του Τολέδο έγιναν οι αληθινοί ήρωες του Ελ Γκρέκο, τους είδε Εσωτερικό Φως- η αρχοντιά και η αξιοπρέπειά τους, η πίστη στο καθήκον, η εξυπνάδα, η εκλέπτυνση των τρόπων, το θάρρος, η εξωτερική εγκράτεια και η εσωτερική τους ορμή, η δύναμη της καρδιάς, που ξέρει για τι ζει και πεθαίνει...
Μέρα με τη μέρα, οι επισκέπτες της γκαλερί Πράδο σταματούν μπροστά στον άγνωστο ιδάλγο, έκπληκτοι, με τα λόγια: «Σαν ζωντανός...» Ποιος είναι αυτός, αυτός ο ιππότης; Γιατί ανοίγει την καρδιά του με τόση ειλικρίνεια; Γιατί τα μάτια του είναι τόσο ελκυστικά; Και αυτή η χειρονομία του όρκου; Και η λαβή του σπαθιού;.. Ίσως από αυτές τις ερωτήσεις γεννήθηκε ένας θρύλος ότι το πρόσωπο που απεικονίζεται στο πορτρέτο είναι ένας άλλος σπουδαίος Ισπανός: ο Μιγκέλ ντε Θερβάντες. Ένας πολεμιστής και συγγραφέας που είπε στον κόσμο την ιστορία ενός ιππότη με θλιβερή εικόνα, στον οποίο δόθηκε το ίδιο θείο δώρο με τον Ελ Γκρέκο - να βλέπει τους ανθρώπους όπως πρέπει, να βλέπει το εσωτερικό τους φως...
Και άλλοι πίνακες από το Μουσείο Πράδο στο Ερμιτάζ...
Ελ Γκρέκο «Ο Χριστός αγκαλιάζει τον Σταυρό» 1600 - 1605
Απεικονίζεται με φόντο έναν θυελλώδη ουρανό, χαρακτηριστικό του Ελ Γκρέκο, ο Χριστός αγκαλιάζει τον σταυρό με τα χαριτωμένα χέρια του, κοιτάζοντας προς τα πάνω με ήρεμη καταστροφή. Ο πίνακας είχε μεγάλη επιτυχία και πολλές εκδοχές του δημιουργήθηκαν στο εργαστήριο του Ελ Γκρέκο.
Δομήνικος Θεοτοκόπουλος" Αγία οικογένειααπό το St. Η Άννα και ο μικρός Ιωάννης ο Βαπτιστής» περίπου 1600 - 1605
Η ύστερη περίοδος της δουλειάς του Ελ Γκρέκο χαρακτηρίζεται από τη χρήση διαπεραστικών χρωμάτων και φλας. ο χώρος είναι εντελώς γεμάτος με φιγούρες που συσκοτίζουν τον ορίζοντα. Οι φόρμες που βάφονται με μια δονούμενη πινελιά χάνουν την υλικότητά τους. Ο μικρός Ιωάννης ο Βαπτιστής καλεί τον θεατή σε σιωπή για να μην διαταραχθεί η γαλήνη του βρέφους Χριστού...
Velasquez - Portrait of Philip IV Portrait of King Philip IV. 1653-1657
Τα βασικά του ψυχολογικού πορτραίτου στο Ευρωπαϊκή τέχνηιδρύθηκε από τον Ισπανό ζωγράφο Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Γεννήθηκε σε μια φτωχή ευγενή οικογένεια στη Σεβίλλη και σπούδασε με τον Ερέρα τον Πρεσβύτερο και τον Πατσέκο. Το 1622 ήρθε για πρώτη φορά στη Μαδρίτη. Από πρακτική άποψη, αυτό το ταξίδι δεν ήταν πολύ επιτυχημένο - ο Velazquez δεν βρήκε ένα αντάξιο μέρος για τον εαυτό του. Ήλπιζε να συναντήσει τον νεαρό βασιλιά Φίλιππο Δ', αλλά η συνάντηση δεν έγινε. Ωστόσο, φήμες για νεαρός καλλιτέχνηςέφτασε στην αυλή και τον επόμενο χρόνο, το 1623, ο πρώτος υπουργός, Δούκας ντε Ολιβάρες (επίσης γέννημα θρέμμα της Σεβίλλης), κάλεσε τον Βελάσκεθ στη Μαδρίτη για να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο του βασιλιά. Αυτό το έργο, που δεν έφτασε σε εμάς, έκανε τόσο ευχάριστη εντύπωση στον μονάρχη που πρόσφερε αμέσως στον Βελάσκεζ τη θέση του καλλιτέχνη της αυλής. Σύντομα αναπτύχθηκαν αρκετά φιλικές σχέσεις μεταξύ του βασιλιά και του Βελάσκεθ, κάτι που δεν ήταν πολύ χαρακτηριστικό για την τάξη που βασίλευε στην ισπανική αυλή. Ο βασιλιάς, που κυβέρνησε τη μεγαλύτερη αυτοκρατορία του κόσμου, δεν θεωρούνταν άνδρας, αλλά θεότητα και ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να υπολογίζει καν σε ευγενή προνόμια, αφού κέρδιζε το ψωμί του με εργασία. Εν τω μεταξύ, ο Φίλιππος διέταξε να ζωγραφίζει πλέον μόνο ο Βελάσκεθ τα πορτρέτα του. Ο μεγάλος μονάρχης ήταν εκπληκτικά γενναιόδωρος και υποστηρικτικός προς τον Βελάσκεθ. Το στούντιο του καλλιτέχνη βρισκόταν στα βασιλικά διαμερίσματα και μια καρέκλα εγκαταστάθηκε εκεί για την Αυτού Μεγαλειότητα. Ο βασιλιάς, που είχε το κλειδί του εργαστηρίου, ερχόταν εδώ σχεδόν κάθε μέρα για να παρακολουθήσει το έργο του καλλιτέχνη, ενώ βρισκόταν στη βασιλική υπηρεσία από το 1623 έως το 1660, ο Βελάσκεθ ζωγράφισε περίπου δώδεκα πορτρέτα του κυρίου του. Από αυτούς, λίγο περισσότεροι από 10 πίνακες έχουν φτάσει σε εμάς. Έτσι, κατά μέσο όρο, ο Βελάσκεθ ζωγράφιζε τον άρχοντα του περίπου μία φορά κάθε τρία χρόνια. Το να ζωγραφίζει πορτρέτα του βασιλιά ήταν δουλειά του Βελάσκεθ και την έκανε τέλεια. Χάρη σε αυτό, έχουμε ένα σύμπλεγμα έργων που είναι μοναδικό με τον δικό του τρόπο: τα πορτρέτα του Velazquez ανιχνεύουν την πορεία της ζωής του βασιλιά Φιλίππου τόσο ξεκάθαρα, όπως αργότερα έγινε έθιμο μόνο στην εποχή της φωτογραφίας. Η εξέλιξη είναι ξεκάθαρα ορατή στους πίνακες του καλλιτέχνη. Πρώτον, ο ίδιος ο βασιλιάς αλλάζει, 18 ετών στο πρώτο πορτρέτο και 50 ετών στο τελευταίο φέρει το αποτύπωμα της ηλικίας και των πνευματικών αλλαγών. Δεύτερον, η αντίληψη του καλλιτέχνη για το μοντέλο του βαθαίνει, μετατρέποντας από επιφανειακή σε διορατική. Με τον καιρό αλλάζει ο τρόπος παρουσίασης του μοντέλου και οι καλλιτεχνικές τεχνικές. Ο τρόπος του Velazquez μεταμορφώνεται υπό την επίδραση της δικής του δημιουργικής ανάπτυξης, καθώς και υπό την επίδραση των σύγχρονων εγχώριων και ξένων παραδόσεων. Αυτό το πορτρέτο κάτω από το στήθος απεικονίζει τον Φίλιππο Δ' σε σκούρο φόντο, φορώντας μαύρα ρούχα με λευκό γιακά που τονίζει ξεκάθαρα το πρόσωπο του μονάρχη. Ο Βελάσκεθ αποφεύγει την επιδεικτικότητα στο πορτρέτο του βασιλιά και δείχνει το «ανθρώπινο πρόσωπο» του μονάρχη χωρίς καμία κολακεία ή αυλική πονηριά. Νιώθουμε ξεκάθαρα ότι το άτομο που μας κοιτάζει από τον καμβά είναι δυστυχισμένο, τα τελευταία χρόνιαΗ βασιλεία δεν ήταν εύκολη για τον βασιλιά. Αυτός είναι ένας άνθρωπος που γνώρισε την απογοήτευση, αλλά ταυτόχρονα, ένας άνθρωπος του οποίου η σάρκα είναι γεμάτη με έμφυτο μεγαλείο, που τίποτα δεν μπορεί να ταρακουνήσει. Αλλο σπουδαίος καλλιτέχνης, Ισπανός μέχρι το μεδούλι - ο Πάμπλο Ρουίς Πικάσο λέει το εξής για την εικόνα του Ισπανού βασιλιά: «Δεν μπορούμε να φανταστούμε άλλο Φίλιππο Δ' εκτός από αυτόν που δημιούργησε ο Βελάσκεθ...»
"Πορτρέτο του βασιλιά Φιλίππου Δ'" (περίπου 1653 - 1657)
Ένα από τα τελευταία πορτρέτα του μονάρχη. Είναι ενδιαφέρον να σημειωθεί ότι δεν υπάρχει ούτε ένα στοιχείο εδώ που να μιλά για τη βασιλική ιδιότητα του προσώπου που απεικονίζεται. Ο Βελάσκεθ υπηρέτησε τον Φίλιππο Δ' για σχεδόν σαράντα χρόνια - από το 1623 μέχρι το θάνατό του, ζωγραφίζοντας πορτρέτα του βασιλιά και της οικογένειάς του, μεγάλους θεματικούς καμβάδες για τη Βασιλική Συλλογή.
Diego Velazquez «Πορτρέτο του γελωτοποιού Don Diego de Acedo» (El Primo) γ. 1644
Diego Velazquez "Πορτρέτο της βασίλισσας Μαριάννας της Αυστρίας" 1652-1653
Τιτσιάνο (Tiziano Vecellio) "Η Αφροδίτη με τον Έρωτα και τον Οργανιστή" 1555
Ο μουσικός παίζει, κάθεται στα πόδια της Αφροδίτης και θαυμάζει το γυμνό σώμα της θεάς, παίζοντας αποσπασματικά με τον Έρως. Κάποιοι είδαν αυτόν τον πίνακα ως ένα καθαρά ερωτικό έργο, ενώ άλλοι τον αντιλήφθηκαν συμβολικά - ως αλληγορία συναισθημάτων, όπου η όραση και η ακοή λειτουργούν ως εργαλεία για τη γνώση της ομορφιάς και της αρμονίας. Ο Τιτσιάν έγραψε πέντε εκδοχές αυτού του θέματος.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Penitent Mary Magdalene" 1583
Μετά τη μεταστροφή της, η Μαρία η Μαγδαληνή αφιέρωσε τη ζωή της στη μετάνοια και την προσευχή, αποσυρόμενη από τον κόσμο. Σε αυτόν τον πίνακα απεικονίζεται να κοιτάζει τους ουρανούς και λουσμένη στο θείο φως. Ο πίνακας είναι ζωγραφισμένος σε πυκνά σκούρα χρώματα, χαρακτηριστικό του στυλ του Βερονέζε στην ύστερη περίοδο της δουλειάς του. Πριν εισέλθει στις Ισπανικές Βασιλικές Συλλογές, το έργο ανήκε στον Άγγλο βασιλιά Κάρολο Α' (εκτελέστηκε το 1649)
Anthony Van Dyck "Πορτρέτο ενός άνδρα με λαούτο" 1622-1632
Ο Anthony Van Dyck οφείλει τη φήμη του ακριβώς στο είδος της προσωπογραφίας, που κατείχε μια μάλλον χαμηλή θέση στην ιεραρχία της ευρωπαϊκής ζωγραφικής. Ωστόσο, στη Φλάνδρα εκείνη την εποχή είχε ήδη αναπτυχθεί μια παράδοση τέχνη πορτρέτου. Ο Van Dyck ζωγράφισε εκατοντάδες πορτρέτα, αρκετές αυτοπροσωπογραφίες και έγινε ένας από τους δημιουργούς του στυλ τελετουργικών πορτρέτων του 17ου αιώνα. Σε πορτρέτα των συγχρόνων του, έδειξε τον πνευματικό, συναισθηματικό κόσμο, την πνευματική ζωή και τον ζωντανό ανθρώπινο χαρακτήρα τους.
Το παραδοσιακό μοντέλο για αυτό το πορτρέτο είναι ο Jacob Gautier, ένας Λουτενίστας στην αγγλική αυλή από το 1617 έως το 1647, αλλά η παρουσία του ξίφους και σε μεγαλύτερο βαθμό τα στιλιστικά χαρακτηριστικά του έργου δείχνουν ότι πρέπει να χρονολογείται πολύ νωρίτερα από του Van Dyck. ταξίδι στο Λονδίνο, που θέτει υπό αμφισβήτηση αυτή τη θεωρία. Η παρουσία ενός μουσικού οργάνου δεν σημαίνει απαραίτητα ότι το μοντέλο ήταν μουσικός. Ως σύμβολο, τα μουσικά όργανα απεικονίζονταν συχνά σε πορτρέτα ως ένδειξη της πνευματικής επιτήδευσης και της ευαισθησίας του θέματος.
Juan Bautista Maino "Λατρεία των Ποιμένων" 1612-1614
Ένα από τα αριστουργήματα του Maino. Στη συλλογή Κρατικό ΕρμιτάζΥπάρχει μια άλλη εκδοχή αυτής της ιστορίας που γράφτηκε από τον Maino. Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στην Παστράνα (Γκουανταλαχάρα) και έζησε στη Ρώμη από το 1604 έως το 1610. Αυτό το έργο, που γράφτηκε μετά την επιστροφή του στην Ισπανία, δείχνει την επιρροή του Καραβάτζιο και του Οράζιο Τζεντιλέσκι. Το 1613, ο Maino έγινε μέλος του Τάγματος των Δομινικανών και ο πίνακας συμπεριλήφθηκε στον κύκλο του βωμού της Μονής του Αγίου Πέτρου του Μάρτυρα στο Τολέδο.
Georges de Latour «Ο τυφλός μουσικός με ένα Hurdy-Hurdy» περ. 1625- 1630
Ο Latour απεικονίζει έναν ηλικιωμένο τυφλό μουσικό να παίζει ένα hurdy-gurdy. Επανέλαβε αυτή την πλοκή αρκετές φορές. Ο καλλιτέχνης, που εργάστηκε υπό την επίδραση του στυλ του Καραβάτζιο, αναπαράγει με ενθουσιασμό λεπτομέρειες - το μοτίβο που διακοσμεί μουσικό όργανο, ρυτίδες στο πρόσωπο ενός τυφλού, τα μαλλιά του.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Freeing Andromeda" Περίπου. 1639-1640
Francisco de Goya "Πορτρέτο του Φερδινάνδου Ζ'" 1814-1815
Μετά την ήττα του Ναπολέοντα το 1814, ο Φερδινάνδος Ζ΄ επέστρεψε στον ισπανικό θρόνο. Το πορτρέτο τον δείχνει με βασιλικό ιμάτιο επενδεδυμένο με ερμίνα, με σκήπτρο και τις διαταγές του Κάρλος Γ' και του Χρυσόμαλλου Δέρας.
Ο Φερδινάνδος Ζ΄, ο οποίος κυβέρνησε τη χώρα μέχρι το 1833, ίδρυσε το Μουσείο Πράδο το 1819.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Η Maria von Santa Cruz, σύζυγος του πρώτου διευθυντή του Prado, ήταν μια από τις πιο σεβαστές γυναίκες στην Ισπανία της εποχής της.
Στο πορτρέτο του 1805, η Γκόγια απεικόνισε τη Μαρκησία ως τη μούσα της λυρικής ποίησης, την Ευτέρπη, ξαπλωμένη σε έναν καναπέ και κρατώντας μια λύρα στο αριστερό της χέρι. Η επιλογή της συγκεκριμένης εικόνας οφείλεται στο πάθος της μαρκησίας για την ποίηση.
Francisco Goya - "Φθινόπωρο (Συγκομιδή σταφυλιών)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - "Συγκομιδή σταφυλιών" θραύσμα
Το 1775 - 1792, ο Γκόγια δημιούργησε επτά σειρές ταπετσαριών από χαρτόνι για τα ανάκτορα Escorial και Prado στα περίχωρα της Μαδρίτης. Αυτός ο πίνακας συγκεκριμένα ανήκει στη σειρά των εποχών και προοριζόταν για την τραπεζαρία του Πρίγκιπα της Αστούριας στο Πράδο. Ο Γκόγια απεικόνισε την κλασική πλοκή ως μια καθημερινή σκηνή, η οποία αντανακλά τη φύση της σχέσης μεταξύ διαφορετικών τάξεων - ο πίνακας απεικονίζει τους ιδιοκτήτες ενός αμπελώνα με τον γιο και την υπηρέτριά τους.
Francisco Goya "Πορτρέτο του στρατηγού José de Urrutia" (περίπου 1798)
Ο José de Urrutia (1739 - 1809) - ένας από τους πιο εξέχοντες Ισπανούς στρατιωτικούς ηγέτες και ο μοναδικός αξιωματικός του στρατού μη αριστοκρατικής καταγωγής τον 18ο αιώνα που έφτασε στο βαθμό του λοχαγού - απεικονίζεται με το Τάγμα του Αγίου Γεωργίου, το οποίο Του απονεμήθηκε από τη Ρωσίδα Αυτοκράτειρα Αικατερίνη τη Μεγάλη για τη συμμετοχή του στη σύλληψη του Οτσάκοφ κατά τη διάρκεια της εκστρατείας στην Κριμαία του 1789.
Πίτερ Πολ Ρούμπενς «Πορτρέτο της Μαρί ντε Μεδίκι». ΕΝΤΑΞΕΙ. 1622-1625.
Η Maria Medici (1573 - 1642) ήταν κόρη του Μεγάλου Δούκα της Τοσκάνης Francesco I. Το 1600 έγινε σύζυγος του Γάλλου βασιλιά Ερρίκου Δ'. Από το 1610 ήταν αντιβασιλέας για τον μικρό γιο της, τον μελλοντικό βασιλιά Λουδοβίκο ΙΓ'. Παρήγγειλε μια σειρά έργων στον Ρούμπενς που δοξάζουν τον εαυτό της και τον εκλιπόντα σύζυγό της. Το πορτρέτο δείχνει τη βασίλισσα να φορά την κόμμωση μιας χήρας και ένα ημιτελές φόντο.
Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" Περίπου. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Πορτρέτο του Felix Maximo Lopez, πρώτος οργανίστας του Βασιλικού Παρεκκλησίου" 1820
Ισπανός νεοκλασικός ζωγράφος, ο οποίος διατήρησε ίχνη του ροκοκό στυλ. Ο Λόπεζ θεωρούνταν ένας από τους καλύτερους προσωπογράφους της εποχής του, δεύτερος μόνο μετά τον Φρανσίσκο ντε Γκόγια. Άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική στη Βαλένθια σε ηλικία 13 ετών και μέσα σε τέσσερα χρόνια κέρδισε πολλά πρώτα βραβεία στην Ακαδημία του Σαν Κάρλος, κερδίζοντας του μια υποτροφία για σπουδές στη διάσημη Βασιλική Ακαδημία της πρωτεύουσας. καλές τέχνεςΣαν Φερνάντο. Μετά την ολοκλήρωση των σπουδών του, ο Lopez εργάστηκε για αρκετά χρόνια στο εργαστήριο του Mariano Salvador Maella, του δασκάλου του. Μέχρι το 1814, μετά τη γαλλική κατοχή, ο Λόπεζ ήταν ήδη αρκετά καλά διάσημος καλλιτέχνης, έτσι ο Ισπανός βασιλιάς Φερδινάνδος Ζ΄ τον κάλεσε στη Μαδρίτη και τον διόρισε επίσημο καλλιτέχνη της αυλής, παρά το γεγονός ότι «ο πρώτος βασιλικός καλλιτέχνης«Εκείνη την εποχή ήταν ο ίδιος ο Φρανσίσκο Γκόγια. Ο Vicente Lopez ήταν ένας παραγωγικός καλλιτέχνης, ζωγράφιζε θρησκευτικά, αλληγορικά, ιστορικά και μυθολογικές ιστορίες, αλλά, πάνω απ' όλα, ήταν φυσικά προσωπογράφος. Κατά τη διάρκεια της μακρόχρονης καριέρας του ζωγράφισε πορτρέτα σχεδόν όλων διάσημο πρόσωποστην Ισπανία το πρώτο μισό του 19ου αιώνα.
Αυτό το πορτρέτο του πρώτου οργανίστα του βασιλικού παρεκκλησίου και διάσημος μουσικόςκαι ο συνθέτης γράφτηκε λίγο πριν τον θάνατο του καλλιτέχνη, και τον ολοκλήρωσε ο μεγαλύτερος γιος του Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Πορτρέτο της Μαρίας Λουίζας της Πάρμας, Πριγκίπισσας της Αστούριας" 1766
Juan Sanchez Cotan "Νεκρή φύση με κυνήγι, λαχανικά και φρούτα" 1602
Ο Δον Ντιέγκο ντε Ασέδο βρισκόταν στο δικαστήριο από το 1635. Εκτός από την «υπηρεσία των μπουφών», υπηρέτησε ως βασιλικός αγγελιοφόρος και ήταν υπεύθυνος για τη σφραγίδα του βασιλιά. Προφανώς, τα βιβλία, τα χαρτιά και τα εργαλεία γραφής που απεικονίζονται στην εικόνα μιλούν για αυτές τις δραστηριότητες. Πιστεύεται ότι το πορτρέτο ζωγραφίστηκε στη Φράγκα, στην επαρχία της Ουέσκα, κατά τη διάρκεια του ταξιδιού του Φίλιππου Δ' στην Αραγονία, στο οποίο συνοδευόταν από τον Ντιέγκο ντε Ασέδο. Στο βάθος υψώνεται η κορυφή Malicios της οροσειράς Guadarrama.
Ιερώνυμος Μπος «Εξαγωγή της πέτρας της τρέλας» γ. 1490
Η σατυρική σκηνή με φιγούρες σε φόντο τοπίου απεικονίζει μια επιχείρηση αφαίρεσης της «πέτρας της βλακείας». Η επιγραφή με γοτθική γραμματοσειρά γράφει: «Δάσκαλε, αφαιρέστε γρήγορα την πέτρα με λένε Λούμπερτ Ντας». Το Lubbert είναι ένα κοινό ουσιαστικό που δηλώνει άγνοια και απλότητα. Ένας χειρούργος που φορά ένα κάλυμμα κεφαλής σε μορφή ανεστραμμένου χωνιού, που συμβολίζει την άγνοια, «αφαιρεί» μια πέτρα (νούφαρο) από το κεφάλι ενός ευκολόπιστου ασθενή και απαιτεί από αυτόν μια γενναιόδωρη πληρωμή. Τότε οι απλοϊκοί πίστευαν ότι για τη βλακεία τους έφταιγε μια πέτρα στο κεφάλι. Αυτό εκμεταλλεύτηκαν οι τσαρλατάνοι.
Ραφαήλ (Ραφαέλλο Σάντι) «Η Αγία Οικογένεια με ένα Αρνί» 1507
Η Μαρία βοηθάει τον μικρό Χριστό να καθίσει στο αρνί - χριστιανικό σύμβολοτα επερχόμενα Πάθη του Χριστού και ο Αγ. Ο Ιωσήφ τους παρακολουθεί. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε στη Φλωρεντία, όπου ο καλλιτέχνης μελέτησε το έργο του Λεονάρντο ντα Βίντσι, επηρεασμένος από τις συνθέσεις του με την Αγία Οικογένεια. Στο Μουσείο Πράδο αυτό είναι το μοναδικό έργο του Ραφαήλ που ζωγράφισε την πρώιμη περίοδο.
Άλμπρεχτ Ντύρερ «Πορτρέτο ενός άγνωστου ανθρώπου» Περίπου. 1521
Το πορτρέτο ανήκει σε όψιμη περίοδοςΗ δημιουργικότητα του Dürer. Γραμμένο με τρόπο παρόμοιο με το στυλ Ολλανδοί καλλιτέχνες. Καπέλο με φαρδύ γείσοεφιστά την προσοχή στο πρόσωπο του προσώπου που απεικονίζεται, το φως που πέφτει από τα αριστερά συγκεντρώνει την προσοχή του θεατή σε αυτό. Το δεύτερο επίκεντρο της προσοχής στο πορτρέτο είναι τα χέρια, και κυρίως το αριστερό, στο οποίο ο άγνωστος κρατά ένα ειλητάριο - προφανώς εξηγώντας την κοινωνική του θέση.
Rogier van der Weyden "Lamentation" Περίπου. 1450
Το μοντέλο ήταν το τρίπτυχο του βωμού για το μοναστήρι Miraflores (φυλάσσεται μέσα γκαλερί τέχνηςΒερολίνο), που δημιουργήθηκε από τον Van der Weyden νωρίτερα από το 1444 και επαναλήφθηκε με κάποιες διαφορές. Σε αυτή την έκδοση με προσθήκη σε άγνωστη περίοδο πάνω μέροςΜαρία, Χριστός, Αγ. Στον ίδιο χώρο εικονίζονται ο Γιάννης και ο δωρητής (πελάτης του πίνακα) - μέλος της οικογένειας Broers. Η καλλιτέχνης μεταφέρει εκφραστικά τη θλίψη της Θεοτόκου, σφίγγοντας στο στήθος της το σώμα του νεκρού γιου της. Η τραγική ομάδα στα αριστερά αντιπαραβάλλεται με τη μορφή του δωρητή, που χωρίζεται από μια πέτρα. Βρίσκεται σε κατάσταση συγκέντρωσης προσευχής. Εκείνη την εποχή, οι πελάτες ζητούσαν συχνά να απεικονίσουν τον εαυτό τους σε πίνακες ζωγραφικής. Αλλά οι εικόνες τους ήταν πάντα δευτερεύουσες - κάπου στο βάθος, στο πλήθος κ.λπ. Εδώ ο δωρητής απεικονίζεται σε πρώτο πλάνο, αλλά χωρίζεται από την κύρια ομάδα με πέτρα και χρώμα.
Alonso Cano «Dead Christ supported by an angel» γ. 1646 - 1652
Με φόντο ένα τοπίο λυκόφωτος, ένας άγγελος στηρίζει το άψυχο σώμα του Χριστού. Η ασυνήθιστη εικονογραφία αυτού του πίνακα εξηγείται από το γεγονός ότι δεν συνδέεται με ευαγγελικά κείμενα, αλλά με τον λεγόμενο Χριστό του Αγ. Γρηγόριος. Σύμφωνα με το μύθο, ο Πάπας Γρηγόριος ο Μέγας είδε ένα όραμα του νεκρού Χριστού που υποστηρίχθηκε από δύο αγγέλους. Ο Κάνο ερμήνευσε αυτή την πλοκή διαφορετικά - μόνο ένας άγγελος υποστηρίζει το ακίνητο σώμα του Χριστού.
Bartolome Esteban Murillo «Η Παναγία του Ροδαρίου» Περίπου. 1650 -1655
Το έργο του Bartolome Esteban Murillo τελειώνει τη χρυσή εποχή της ισπανικής ζωγραφικής. Τα έργα του Murillo είναι άψογα ακριβή στη σύνθεση, πλούσια και αρμονικά στο χρώμα και όμορφα με την υψηλότερη έννοια της λέξης. Τα συναισθήματά του είναι πάντα ειλικρινή και ευαίσθητα, αλλά στους πίνακες του Murillo δεν υπάρχει πλέον αυτή η πνευματική δύναμη και το βάθος που είναι τόσο συγκλονιστικό στα έργα των παλαιότερων συγχρόνων του. Η ζωή του καλλιτέχνη συνδέεται με την πατρίδα του τη Σεβίλλη, αν και έπρεπε να επισκεφτεί τη Μαδρίτη και άλλες πόλεις. Έχοντας εκπαιδευτεί κάτω από τον τοπικό ζωγράφο Juan del Castillo (1584-1640), ο Murillo εργάστηκε εκτενώς κατόπιν παραγγελιών από μοναστήρια και ναούς. Το 1660 έγινε πρόεδρος της Ακαδημίας Καλών Τεχνών της Σεβίλλης.
Με τους πίνακές του με θρησκευτικά θέματα, ο Murillo προσπάθησε να φέρει παρηγοριά και σιγουριά. Δεν είναι τυχαίο ότι πολύ συχνά ζωγράφιζε την εικόνα της Μητέρας του Θεού. Η εικόνα της Μαίρης πέρασε από ζωγραφική σε ζωγραφική με τη μορφή ενός υπέροχου νεαρού κοριτσιού με κανονικά χαρακτηριστικά προσώπου και ήρεμο βλέμμα. Η αθώα εμφάνισή της έμελλε να προκαλεί ένα αίσθημα γλυκιάς τρυφερότητας στον θεατή. Σε αυτόν τον πίνακα, ο Bartolome Murillo απεικόνισε τη Madonna και τον Ιησού με το ροζάριο, το παραδοσιακό καθολικό κομπολόι, η προσευχή του οποίου δόθηκε μεγάλη σημασία στην εποχή του καλλιτέχνη. Σε αυτό το έργο, τα χαρακτηριστικά του νατουραλισμού που κυριάρχησαν στα έργα των εκπροσώπων της σχολής της Σεβίλλης στο πρώτο μισό του 17ου αιώνα είναι ακόμα αισθητά, αλλά το ζωγραφικό στυλ του Murillo είναι ήδη πιο ελεύθερο από ό,τι στο δικό του πρώιμη εργασία. Αυτός ο ελεύθερος τρόπος είναι ιδιαίτερα εμφανής στην απεικόνιση του πέπλου της Παναγίας. Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί έντονο φως για να τονίσει τις φιγούρες σε σκούρο φόντο και να δημιουργήσει μια αντίθεση ανάμεσα στους λεπτούς τόνους του προσώπου της Παναγίας και του σώματος του παιδιού Χριστού και στις βαθιές σκιές στις πτυχές των υφασμάτων.
Στην Ανδαλουσία του 17ου αιώνα, η εικόνα της Παναγίας και του Βρέφους ήταν ιδιαίτερα περιζήτητη. Ο Murillo, του οποίου η δημιουργική ζωή πέρασε στη Σεβίλλη, ζωγράφισε πολλούς τέτοιους πίνακες, εμποτισμένους με τρυφερότητα. Στην περίπτωση αυτή η Θεοτόκος απεικονίζεται με κομποσκοίνι. Και εδώ, όπως μέσα πρώτα χρόνιατου έργου του, ο καλλιτέχνης παραμένει πιστός στο πάθος του για αντιθέσεις φωτός και σκιάς.
Bartolome Esteban Murillo «Ο καλός βοσκός» 1655-1660
Η εικόνα είναι εμποτισμένη με βαθύ λυρισμό και ευγένεια. Ο τίτλος προέρχεται από το Ευαγγέλιο του Ιωάννη: «Εγώ είμαι ο καλός ποιμένας». Αυτό λέει ότι ο πίνακας απεικονίζει τον Χριστό, αν και στο μεγαλύτερο μέρος Νεαρή ηλικία. Όλα στην ταινία του Murillo είναι όμορφα και απλά. Ο καλλιτέχνης αγαπούσε να ζωγραφίζει παιδιά και έβαλε όλη αυτή την αγάπη στην ομορφιά της εικόνας αυτού του αγοριού-Θεού. Στη δεκαετία του 1660-1670, κατά τη διάρκεια της ακμής των ζωγραφικών του δεξιοτήτων, ο Murillo προσπάθησε να ποιήσει τους χαρακτήρες του και συχνά κατηγορήθηκε για κάποιο συναισθηματισμό στις εικόνες του και την εσκεμμένη ομορφιά τους. Ωστόσο, αυτές οι μομφές δεν είναι απολύτως δίκαιες. Το παιδί που απεικονίζεται στον πίνακα φαίνεται ακόμα και σήμερα τόσο στη Σεβίλλη όσο και στα γύρω χωριά. Και ήταν ακριβώς σε αυτό που εκδηλώθηκε ο δημοκρατικός προσανατολισμός του έργου του καλλιτέχνη - εξισώνοντας την ομορφιά της Madonna με την ομορφιά της συνηθισμένης Ισπανίδες, και η ομορφιά του γιου της, του μικρού Χριστού, με την ομορφιά των αχινών.
Alonso Sanchez Coelho «Πορτρέτο των νηπίων Isabella Clara Eugenia and Catalina Micaela» 1575
Το πορτρέτο δείχνει την πριγκίπισσα, οκτώ και εννέα ετών, να κρατά ένα στεφάνι από λουλούδια. Ο Sánchez Coelho ζωγράφιζε πορτρέτα νηπίων - των αγαπημένων κόρες του βασιλιά Φιλίππου Β' και της τρίτης συζύγου του Isabella Valois - από πολύ νωρίς. Όλα τα πορτρέτα είναι κατασκευασμένα σύμφωνα με τους κανόνες ενός πορτραίτου της αυλής - κορίτσια με υπέροχα ρούχα και με απαθείς εκφράσεις προσώπου.
Άντον Ραφαέλ Μενγκς. Πορτρέτο του βασιλιά Carlos III. 1767
Ο Κάρολος Γ΄ ονομαζόταν ίσως ο μόνος αληθινά φωτισμένος μονάρχης στην ιστορία της Ισπανίας. Ήταν αυτός που ίδρυσε το Μουσείο Πράδο το 1785, πρώτα ως μουσείο φυσικής ιστορίας. Ο Κάρολος Γ' ονειρευόταν ότι το Μουσείο Πράδο, μαζί με τους κοντινούς βοτανικούς κήπους, θα γινόταν κέντρο επιστημονικής εκπαίδευσης.
Έχοντας ανέβει στο θρόνο, άρχισε να πραγματοποιεί σοβαρές πολιτικές και οικονομικές μεταρρυθμίσεις, τις οποίες η χώρα είχε τόσο μεγάλη ανάγκη εκείνη την εποχή. Ωστόσο, οι προσπάθειές του ήταν μάταιες - ο γιος του Κάρολος Δ' δεν συμμεριζόταν τις προοδευτικές απόψεις του πατέρα του και μετά το θάνατο του Καρόλου Γ', οι μεταρρυθμίσεις τελείωσαν.
Αυτό το πορτρέτο είναι απολύτως χαρακτηριστικό της εποχής του. Με κάθε λεπτομέρεια, ο καλλιτέχνης εφιστά την προσοχή στη θέση που κατέχει το μοντέλο: ένας μανδύας διακοσμημένος με ερμίνα, ένας μαλτέζος σταυρός επικαλυμμένος με κοσμήματα, λαμπερή πανοπλία - απαραίτητα χαρακτηριστικά του βασιλικού μεγαλείου. Πλούσια κουρτίνα και παραστάδα (στοιχ κλασική αρχιτεκτονική) είναι ένα παραδοσιακό υπόβαθρο για τέτοια πορτρέτα.
Αλλά ήδη σε αυτό το πορτρέτο προκαλεί έκπληξη το πώς παρουσιάζεται το πρόσωπο του μοντέλου. Ο Μενγκς δεν κάνει καμία προσπάθεια να αδυνατίσει τη βολβώδη μύτη του βασιλιά ή να εξομαλύνει τις πτυχές στα ζαρωμένα μάγουλά του. Χάρη στη μέγιστη ατομικότητα, αυτός ο πίνακας δημιουργεί μια αίσθηση ζωής που οι προκάτοχοι του Μενγκ δεν μπορούσαν να επιτύχουν. Το πορτρέτο σε κάνει να νιώθεις συμπάθεια για τον Carlos III, ο οποίος είναι έτοιμος να «δείξει» την ατελή εμφάνισή του.
Antoine Watteau «Γιορτή στο πάρκο» περ. 1713 - 1716
Αυτή η γοητευτική σκηνή είναι χαρακτηριστικό παράδειγμα των «γαλαντόμων διακοπών» του Watteau. Μια ελαφριά ομίχλη που θολώνει τα περιγράμματα, ένα άγαλμα του Ποσειδώνα σχεδόν κρυμμένο στο φύλλωμα πάνω από το σιντριβάνι και ένα ξεθωριασμένο χρυσό χρώμα - όλα αυτά μεταφέρουν μια ατμόσφαιρα οξείας αλλά φευγαλέα απόλαυσης.
Ο πίνακας ανήκε στην Isabella Farnese, τη δεύτερη σύζυγο του βασιλιά Philip V.
Antonio Carnicero "Rising the Hot Air Balloon in Aranjuez" γ. 1784
Ο πίνακας ανατέθηκε από τον Δούκα και τη Δούκισσα του Haussouin και αποτυπώνει το πνεύμα της Εποχής του Διαφωτισμού, που προκάλεσε ενδιαφέρον για τα επιτεύγματα της επιστημονικής προόδου. Απεικονίζεται ένα πραγματικό γεγονός: το 1784, στους Βασιλικούς Κήπους του Aranjuez, παρουσία του μονάρχη, μελών της οικογένειάς του και αυλικών, έγινε μια πτήση με αερόστατο. Ο Antonio Carnicero ήταν γνωστός για την υπέροχη του σκηνές του είδους, και αυτός ο πίνακας είναι ένα από τα πιο φιλόδοξα έργα του.
Jose de Madrazo y Agudo "Heavenly Love and Earthly Love" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Lamb of God" 1635-1640
Ένα αρνί ξαπλώνει σε ένα γκρίζο τραπέζι, ξεχωρίζοντας έντονα στο σκούρο φόντο στο έντονα εστιασμένο έντονο φως. Οποιοσδήποτε στον 17ο αιώνα θα τον είχε αναγνωρίσει αμέσως ως τον «αμνό του Θεού» και θα είχε καταλάβει ότι αυτό ήταν μια νύξη στην αυτοθυσία του Χριστού. Το μαλλί του αρνιού είναι υπέροχα φιλοτεχνημένο και φαίνεται τόσο μαλακό που είναι δύσκολο να πάρεις τα μάτια σου από το ζώο και θέλεις να το αγγίξεις.
Juan Pantoja de la Cruz «Πορτρέτο της βασίλισσας Ισαβέλλας του Βαλουά» γ. 1604 – 1608
Ο Pantoja de la Cruz ζωγράφισε αυτό το πορτρέτο, επαναλαμβάνοντας το έργο της Sofonisba Angishola - το πρωτότυπο που κάηκε στο παλάτι το 1604. Ο καλλιτέχνης πρόσθεσε μόνο μια κάπα από γούνα μαρμότας στο ντύσιμο της βασίλισσας.
Η Sofonisba Angishola ήταν καλλιτέχνης από την Κρεμόνα που εργάστηκε στην ισπανική αυλή. Αυτό ήταν το πρώτο πορτρέτο της νεαρής βασίλισσας σε μια σειρά από τον καλλιτέχνη. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε με τρόπο κοντά στα ισπανικά, αλλά σε πιο ζεστά και ανοιχτά χρώματα.
Jean Rann "Πορτρέτο του Carlos III ως παιδί" 1723
Luis Melendez "Νεκρή φύση με ένα κουτί με γλυκά, κουλουράκια και άλλα αντικείμενα" 1770
Ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης της ισπανικής νεκρής φύσης του 18ου αιώνα, ο Luis Melendez γεννήθηκε στην Ιταλία, στην οικογένεια ενός μικρογράφου καλλιτέχνη από την Αστούρια. Το 1717, η οικογένεια μετακόμισε στη Μαδρίτη, όπου ο νεαρός μπήκε στο προπαρασκευαστικό τμήμα της Ακαδημίας του San Fernando και πήρε την πρώτη θέση μεταξύ των πιο προικισμένων μαθητών της. Ωστόσο, το 1747 αναγκάστηκε να εγκαταλείψει την Ακαδημία, ακολουθώντας τον πατέρα του, ο οποίος εκδιώχθηκε από αυτήν ως αποτέλεσμα της σύγκρουσης. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Melendez επισκέπτεται ξανά την Ιταλία. Βοηθώντας αρχικά τον πατέρα του, έγινε μινιατούρας και αφού επέστρεψε από την Ιταλία, προσκλήθηκε από τον Φερδινάνδο ΣΤ' να εικονογραφήσει βιβλία στο Βασιλικό Παρεκκλήσι της Μαδρίτης. Στο είδος της νεκρής φύσης, στο οποίο στράφηκε ο καλλιτέχνης στις αρχές της δεκαετίας του 1760, εμφανίστηκε μια νέα πτυχή του έργου του.
Αυτή η νεκρή φύση ζωγραφίστηκε κατά την ώριμη περίοδο του καλλιτέχνη. Αυτή τη στιγμή, αντικείμενα πολυτελείας εμφανίστηκαν στις συνθέσεις του, ασημικά. Ωστόσο, ο καλλιτέχνης εξακολουθεί να εμμένει στα ιδανικά του και να εργάζεται σύμφωνα με την παράδοση του είδους. Η υλική απτή του καθενός από τα αντικείμενα που είναι ζωγραφισμένα σε καμβά μας κάνει να ανακαλούμε τα καλύτερα παραδείγματα νεκρής φύσης στην παγκόσμια τέχνη. Το απτό διαφανές γυαλί του γυαλιού αντανακλάται στη ματ γυαλιστερή επιφάνεια του ασημένιου βάζου. Ένα απαλό κουλουράκι σε μια λευκή χαρτοπετσέτα που μοιάζει να μυρίζει σαν φρεσκοψημένο ψωμί. Ο λαιμός ενός σφραγισμένου μπουκαλιού λάμπει θαμπό. Ένα ασημί πιρούνι προεξέχει ελαφρώς πέρα από την άκρη του φωτισμένου τραπεζιού. Στη σύνθεση αυτής της νεκρής φύσης δεν υπάρχει ασκητική διάταξη αντικειμένων σε μια σειρά, χαρακτηριστικό, για παράδειγμα, των νεκρών φύσεων του Zurbaran. Ίσως έχει κάτι κοινό με τα ολλανδικά δείγματα. Αλλά ο τόνος είναι πιο σκούρος, υπάρχουν λιγότερα αντικείμενα και η σύνθεση είναι πιο απλή.
Juan de Arellano "Καλάθι με λουλούδια" 1670
Ισπανός ζωγράφος μπαρόκ, ειδικευμένος στην απεικόνιση λουλουδιών, γεννημένος στη Σαντόρκα το 1614. Στην αρχή σπούδασε στο στούντιο ενός άγνωστου πλέον καλλιτέχνη, αλλά σε ηλικία 16 ετών μετακόμισε στη Μαδρίτη, όπου σπούδασε με τον Juan de Solis, έναν καλλιτέχνη που έκανε παραγγελίες για τη βασίλισσα Ισαβέλλα. Ο Juan de Arellano έζησε για πολύ καιρό με μικρές παραγγελίες, συμπεριλαμβανομένων τοιχογραφιών, μέχρι που αποφάσισε να επικεντρωθεί αποκλειστικά στη ζωγραφική λουλουδιών και έγινε ένας αξεπέραστος δεξιοτέχνης σε αυτόν τον τομέα. Πιστεύεται ότι ο πλοίαρχος ξεκίνησε αντιγράφοντας τα έργα άλλων, ιδιαίτερα Ιταλών, φλαμανδών νεκρών φύσεων πρόσθεσαν κομψότητα και αυστηρότητα στο στυλ του. Αργότερα, σε αυτόν τον συνδυασμό πρόσθεσε τις δικές του συνθετικές ιδέες και μια χαρακτηριστική χρωματική παλέτα.
Η μάλλον απλή σύνθεση αυτής της νεκρής φύσης είναι χαρακτηριστική του Arellano. Τα καθαρά, έντονα φυτικά χρώματα αναδεικνύονται έντονα σε ένα ουδέτερο καφέ φόντο λόγω του έντονου φωτισμού.
Δεν έχει απομείνει σχεδόν κανένα στοιχείο για τη ζωή του Κρητικού Δομήνικου Θεοτοκόπουλου, του καλλιτέχνη που κατέκτησε το ισπανικό Τολέδο με το όνομα Ελ Γκρέκο, δηλαδή του Έλληνα. Οι «ανοησίες» του χαρακτήρα του και ο παράξενος ζωγραφικός τρόπος του εξέπληξαν πολλούς και τους ανάγκασαν να πιάσουν το στυλό του - αλλά μόνο λίγα γράμματα έχουν διασωθεί. Ένα από αυτά περιέχει τις ακόλουθες γραμμές: «... ο καιρός ήταν όμορφος, ο ανοιξιάτικος ήλιος έλαμπε απαλά. Έδωσε χαρά σε όλους, και η πόλη έμοιαζε γιορτινή. Φανταστείτε την έκπληξή μου όταν μπήκα στο στούντιο του El Greco και είδα ότι τα παντζούρια στα παράθυρα ήταν κλειστά, και επομένως ήταν δύσκολο να δω τι υπήρχε τριγύρω. Ο ίδιος ο Ελ Γκρέκο κάθισε σε ένα σκαμνί, χωρίς να κάνει τίποτα, παρά μόνο ξύπνιος. Δεν ήθελε να βγει μαζί μου γιατί, σύμφωνα με τον ίδιο, το φως του ήλιου παρενέβαινε στο εσωτερικό του φως...»
Δεν υπάρχουν σχεδόν αποδείξεις για τον άνδρα Domenico, μόνο αντηχούν: ότι ζούσε με μεγαλοπρεπή στυλ, ότι διατηρούσε μια πλούσια βιβλιοθήκη, διάβαζε πολλούς φιλοσόφους και επίσης έκανε μήνυση σε πελάτες (τον αγαπούσαν, αλλά τις περισσότερες φορές δεν τον καταλάβαιναν), πέθανε σχεδόν σε φτώχεια - όπως οι λεπτές ακτίνες του φωτός της ημέρας διαπερνούν τις ρωγμές στα «κλειστά παραθυρόφυλλα» της ζωής του. Αλλά δεν αποσπούν την προσοχή από το κύριο πράγμα - από το εσωτερικό φως που γεμίζει τους πίνακες του καλλιτέχνη El Greco. Ειδικά πορτραίτα.
Δεν υπάρχουν τοπία που ανοίγουν πίσω από το πρόσωπο που απεικονίζεται, δεν υπάρχει αφθονία λεπτομερειών που προσελκύουν ένα περίεργο βλέμμα. Ακόμα και το όνομα του ήρωα μένει συχνά εκτός εικόνας. Γιατί όλα αυτά θα σε εμπόδιζαν να δεις το πρόσωπο. Και μάτια, βαθιά, σκοτεινά, που σε κοιτούν κατευθείαν. Είναι δύσκολο να απομακρυνθείς από αυτούς και αν αναγκάσεις τον εαυτό σου να δει τη χειρονομία, θα σταματήσεις ξανά σε σκέψεις.
Πρόκειται για το «Πορτρέτο ενός Καβαλιέρου με το χέρι στο στήθος» (1577-1579), ζωγραφισμένο από τον πλοίαρχο λίγο μετά τη μετακόμισή του στο Τολέδο. Αυτό το πορτρέτο αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα στην ισπανική ζωγραφική του 16ου αιώνα. Ο ξένος Ελ Γκρέκο δημιούργησε «ζωντανές εικόνες της ισπανικής ζωής και ιστορίας», που αποτυπώνουν «γνήσια ζωντανά όντα, συνδυάζοντας μέσα τους ό,τι αξίζει να θαυμάσει ο λαός μας, κάθε τι ηρωικό και αδάμαστο, με εκείνες τις αντίθετες ιδιότητες που δεν μπορούν παρά να αντικατοπτρίζονται. χωρίς να καταστρέφεται η ίδια η ουσία του» (Α. Σεγκόβια). Οι αριστοκράτες από τις αρχαίες οικογένειες του Τολέδο έγιναν οι αληθινοί ήρωες του Ελ Γκρέκο, είδε το εσωτερικό τους φως - την αρχοντιά και την αξιοπρέπειά τους, την πίστη στο καθήκον, την ευφυΐα, την τελειοποίηση των τρόπων, το θάρρος, τον εξωτερικό περιορισμό και την εσωτερική παρόρμηση, τη δύναμη της καρδιάς που ξέρει για τι ζει και πεθαίνει..
Μέρα με τη μέρα, οι επισκέπτες της γκαλερί Πράδο σταματούν μπροστά στον άγνωστο ιδάλγο, έκπληκτοι, με τα λόγια: «Σαν ζωντανός...» Ποιος είναι αυτός, αυτός ο ιππότης; Γιατί ανοίγει την καρδιά του με τόση ειλικρίνεια; Γιατί τα μάτια του είναι τόσο ελκυστικά; Και αυτή η χειρονομία του όρκου; Και η λαβή του σπαθιού;.. Ίσως από αυτές τις ερωτήσεις γεννήθηκε ένας θρύλος ότι το πρόσωπο που απεικονίζεται στο πορτρέτο είναι ένας άλλος σπουδαίος Ισπανός: ο Μιγκέλ ντε Θερβάντες. Ένας πολεμιστής και συγγραφέας που είπε στον κόσμο την ιστορία ενός ιππότη με θλιβερή εικόνα, στον οποίο δόθηκε το ίδιο θείο δώρο με τον Ελ Γκρέκο - να βλέπει τους ανθρώπους όπως πρέπει, να βλέπει το εσωτερικό τους φως...
στο περιοδικό «Άνθρωπος Χωρίς Σύνορα»
El caballero de la mano en el pecho«Ιππότης με το χέρι στο στήθος»- ζωγραφική Ισπανός καλλιτέχνης El Greco, γραμμένο στο Τολέδο γύρω στο 1580. Το πιο γνωστό στη σειρά κοσμικά πορτρέταάγνωστοι καμπαγιέροι με μαύρα ρούχα και λευκά κόφτες σε σκούρο φόντο. Αυτή τη στιγμή αποθηκεύεται στο Prado.
Η πόζα καμπαγιέρο μπορεί να σημαίνει ότι δίνεις όρκο ή δείχνεις εμπιστοσύνη κατά τη σύναψη ενός συμβολαίου ή την ευγενή καταγωγή ενός χαρακτήρα ή ακόμα και ένα μυστικό υπό όρους σήμα. Ένα χρυσό ξίφος και ένα μενταγιόν υποδηλώνουν πλούτο και ανήκειν υψηλή κοινωνία. Η εμφάνιση του χαρακτήρα είναι χαρακτηριστική για έναν ευγενή από την Ισπανική Χρυσή Εποχή. Κατά την αποκατάσταση του πίνακα, αποδείχθηκε ότι αρχικά το φόντο δεν ήταν μαύρο, αλλά ανοιχτό γκρι, αλλά με την πάροδο του χρόνου ο πίνακας σκουραίνει. Ο πλούτος των αποχρώσεων στα σκούρα ρούχα υποδηλώνει την επίδραση της βενετικής σχολής ζωγραφικής στον Ελ Γκρέκο.
Παλαιότερα πίστευαν ότι «Ο Ιππότης με το χέρι του στο στήθος του» είναι ένα πορτρέτο του Θερβάντες, αλλά τώρα οι περισσότεροι ιστορικοί τέχνης τείνουν να πιστεύουν ότι το πορτρέτο απεικονίζει τον Juan de Silva y Ribera, τρίτο Μαρκήσιο του Montemayor και alcalde του Alcazar του Τολέδο. Ο κριτικός τέχνης Alex Burghart και ο καλλιτέχνης Robert Shrive επιτρέπουν την πιθανότητα ότι πρόκειται για αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη.
Γράψε μια αξιολόγηση για το άρθρο "Ιππότης με το χέρι στο στήθος του"
Σημειώσεις
Απόσπασμα που χαρακτηρίζει τον Ιππότη με το χέρι στο στήθος
«Αντίθετα, όλα φαίνονται καλά, μαμά ξαδέρφη», είπε ο Πιέρ με αυτή τη συνήθεια του παιχνιδιάρικου που απέκτησε ο Πιέρ, ο οποίος πάντα άντεχε με αμήχανα τον ρόλο του ως ευεργέτης μπροστά στην πριγκίπισσα, απέκτησε για τον εαυτό του σε σχέση με αυτήν.- Ναι, είναι καλό... καλή σου ζέση! Σήμερα η Βαρβάρα Ιβάνοβνα μου είπε πόσο διαφορετικά είναι τα στρατεύματά μας. Μπορείτε σίγουρα να το αποδώσετε σε τιμή. Και ο κόσμος έχει επαναστατήσει εντελώς, σταματά να ακούει. Το κορίτσι μου άρχισε επίσης να είναι αγενές. Σε λίγο θα αρχίσουν να μας χτυπούν και εμάς. Δεν μπορείς να περπατήσεις στους δρόμους. Και το πιο σημαντικό, οι Γάλλοι θα είναι εδώ αύριο, τι να περιμένουμε! «Εγώ ένα πράγμα ρωτάω, αδερφέ», είπε η πριγκίπισσα, «διέταξε να με πάνε στην Αγία Πετρούπολη: ό,τι κι αν είμαι, δεν μπορώ να ζήσω υπό την κυριαρχία του Βοναπάρτη».
- Έλα, μαμά ξαδέρφη, από πού παίρνεις τις πληροφορίες σου; Κατά…
- Δεν θα υποκύψω στον Ναπολέοντα σου. Άλλοι το θέλουν... Αν δεν θέλεις να το κάνεις...
- Ναι, θα το κάνω, θα το παραγγείλω τώρα.
Η πριγκίπισσα προφανώς ενοχλήθηκε που δεν υπήρχε κανένας να θυμώσει. Κάθισε σε μια καρέκλα, ψιθυρίζοντας κάτι.
«Αλλά αυτό σας μεταφέρεται λανθασμένα», είπε ο Πιέρ. «Όλα είναι ήσυχα στην πόλη και δεν υπάρχει κανένας κίνδυνος». Μόλις τώρα διάβαζα...» Ο Πιερ έδειξε στην πριγκίπισσα τις αφίσες. – Ο Κόμης γράφει ότι απαντά με τη ζωή του ότι ο εχθρός δεν θα είναι στη Μόσχα.
«Ω, αυτός ο κόμης σου», είπε θυμωμένη η πριγκίπισσα, «είναι ένας υποκριτής, ένας κακός που ο ίδιος υποκίνησε τον λαό να επαναστατήσει». Δεν ήταν αυτός που έγραφε σε αυτές τις ηλίθιες αφίσες ότι όποιος κι αν ήταν, σύρετέ τον από την κορυφή μέχρι την έξοδο (και πόσο ανόητος)! Όποιος το πάρει, λέει, θα έχει τιμή και δόξα. Έτσι ήμουν αρκετά χαρούμενος. Η Βαρβάρα Ιβάνοβνα είπε ότι οι δικοί της παραλίγο να τη σκοτώσουν επειδή μιλούσε γαλλικά...
«Ναι, έτσι είναι... Τα παίρνεις όλα πολύ κατάκαρδα», είπε ο Πιέρ και άρχισε να παίζει πασιέντζα.
Παρά το γεγονός ότι η πασιέντζα είχε δουλέψει, ο Πιέρ δεν πήγε στο στρατό, αλλά παρέμεινε στην άδεια Μόσχα, ακόμα στην ίδια αγωνία, αναποφασιστικότητα, με φόβο και ταυτόχρονα στη χαρά, περιμένοντας κάτι τρομερό.
Την επόμενη μέρα, η πριγκίπισσα έφυγε το βράδυ και ο επικεφαλής μάνατζέρ του ήρθε στον Πιέρ με την είδηση ότι τα χρήματα που απαιτούσε για να εξοπλίσει το σύνταγμα δεν θα μπορούσαν να αποκτηθούν αν δεν πουληθεί ένα κτήμα. Ο γενικός διευθυντής γενικά υποστήριξε στον Pierre ότι όλες αυτές οι επιχειρήσεις του συντάγματος υποτίθεται ότι τον κατέστρεφαν. Ο Πιερ δυσκολευόταν να κρύψει το χαμόγελό του καθώς άκουγε τα λόγια του διευθυντή.
«Λοιπόν, πουλήστε το», είπε. - Τι να κάνω, δεν μπορώ να αρνηθώ τώρα!
Ο άνθρωπος στον καθρέφτη της τέχνης: είδος πορτρέτου
Πορτρέτο(Γαλλικό πορτρέτο) - μια εικόνα ενός συγκεκριμένου ατόμου ή μιας ομάδας ανθρώπων. Το είδος του πορτρέτου έγινε ευρέως διαδεδομένο στην αρχαιότητα στη γλυπτική, και στη συνέχεια στη ζωγραφική και τα γραφικά. Αλλά εξωτερική ομοιότητααυτό δεν είναι το μόνο πράγμα που πρέπει να μεταφέρει ένας καλλιτέχνης. Είναι πολύ πιο σημαντικό όταν ο πλοίαρχος μεταφέρει την εσωτερική ουσία ενός ατόμου στον καμβά και μεταφέρει την ατμόσφαιρα του χρόνου. Διακρίνωμπροστινή πόρταΚαι θάλαμος - Δωμάτιο πορτραίτα. Υπάρχουν πορτρέταδιπλασιάζεται Και ομάδα. Προορίζονται να διακοσμήσουν τις κρατικές αίθουσες και να επαινέσουν ορισμένα πρόσωπα και να διατηρήσουν τη μνήμη των ανθρώπων που ενώνονται με επαγγελματικούς, πνευματικούς και οικογενειακούς δεσμούς. Ειδική κατηγορίαανέρχεται σε αυτοπροσωπογραφία, στην οποία ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον εαυτό του.
Οποιοδήποτε από τα πορτρέτα μπορεί να αποδοθεί είτε σε ψυχολογικό πορτρέτο είτε
σε ένα πορτρέτο-χαρακτήρα, ή σε ένα πορτρέτο-βιογραφία.
Η τέχνη βοηθά να γνωρίσεις έναν άνθρωπο. Όχι μόνο για να δει την εξωτερική του εμφάνιση
πρόσωπο, αλλά και να κατανοήσει την ουσία, τον χαρακτήρα, τη διάθεσή του κ.λπ. Το πορτρέτο είναι σχεδόν
πάντα ρεαλιστική. Άλλωστε κύριος στόχος της είναι η αναγνώριση του εικονιζόμενουυπάρχει ένα άτομο σε αυτό. Ωστόσο, συνήθως το καθήκον του καλλιτέχνη δεν είναι να με ακρίβειααντιγραφή των εξωτερικών χαρακτηριστικών ενός μοντέλου, όχι μίμηση της φύσης, αλλά «εικονική αναδημιουργία» της εικόνας ενός ατόμου. Δεν είναι τυχαίο που προκύπτει η επιθυμίαΑπλώς αναγνωρίστε τον εαυτό σας στο πορτρέτο και ίσως ανακαλύψετε κάτι νέοστον εαυτό του.
Ο θεατής μεταφέρει άθελά του τη στάση του καλλιτέχνη απέναντι στο μοντέλο. Σπουδαίος
είναι ό,τι εκφράζει συναισθήματα, στάση ζωής, προς ανθρώπους: εκφράσεις προσώπου
απεικονιζόμενο πρόσωπο, έκφραση ματιών, γραμμή χειλιών, στροφή κεφαλιού, στάση,
χειρονομία.
Συχνά ερμηνεύουμε ένα έργο από την οπτική ενός ανθρώπου σήμερα
ημέρα, αποδίδουμε στα χαρακτηριστικά του χαρακτήρα που είναι εντελώς ασυνήθιστα για την εποχή του, δηλαδή προσπαθούμε να κατανοήσουμε το άγνωστο μέσω του γνωστού.
Είναι επίσης πολύ σημαντικό να δείξουμε την κοινωνική θέση του ατόμου που απεικονίζεται, να δημιουργήσουμε μια τυπική εικόνα ενός εκπροσώπου μιας συγκεκριμένης εποχής.
Ως είδος, η προσωπογραφία εμφανίστηκε πριν από αρκετές χιλιάδες χρόνια στην αρχαία τέχνη. Ανάμεσα στις τοιχογραφίες του περίφημου Παλατιού της Κνωσού, που βρέθηκαν από αρχαιολόγους κατά τη διάρκεια ανασκαφών στο νησί της Κρήτης, υπάρχει ολόκληρη γραμμήεικονογραφικές εικόνες γυναικών που σχετίζονται με XVI αιώναΠΡΟ ΧΡΙΣΤΟΥ. Αν και οι ερευνητές ονόμασαν αυτές τις εικόνες «κυρίες της αυλής», δεν γνωρίζουμε ποιες προσπαθούσαν να δείξουν οι Κρήτες κύριοι - θεές, ιέρειες ή ευγενείς κυρίες ντυμένες με κομψά φορέματα.
"Παρισινός". Τοιχογραφία από το Ανάκτορο της Κνωσού, 16ος αιώνας π.Χ.
Το πιο διάσημο πορτρέτο μιας νεαρής γυναίκας, που οι επιστήμονες αποκαλούν «Παριζιάνα». Βλέπουμε μπροστά μας μια εικόνα προφίλ (σύμφωνα με τις παραδόσεις της τέχνης εκείνης της εποχής) μιας νεαρής γυναίκας, πολύ ερωτευμένης και χωρίς να παραμελεί τα καλλυντικά, όπως μαρτυρούν τα μάτια της, με σκούρο περίγραμμα και έντονα βαμμένα χείλη.
Οι καλλιτέχνες που δημιούργησαν πορτρέτα νωπογραφιών των συγχρόνων τους δεν εμβάθυναν στα χαρακτηριστικά των μοντέλων και η εξωτερική ομοιότητα σε αυτές τις εικόνες είναι πολύ σχετική.
Θρησκευτικές ιδέες στην Αρχαία Αίγυπτο που συνδέονται με τη λατρεία
νεκρός, καθόρισε την επιθυμία να μεταφέρει μια ομοιότητα πορτρέτου σε μια γλυπτική εικόνα ενός ατόμου: η ψυχή του νεκρού έπρεπε να βρει το δοχείο της.
Στις αρχές του 20ου αιώνα. Οι αρχαιολόγοι ανακάλυψαν ένα υπέροχο πορτρέτο της βασίλισσας Νεφερτίτης σε όλο τον κόσμο.
Δημιουργήθηκε σε XIV αιώνα προ ΧΡΙΣΤΟΥ μι.,αυτή η εικόνα εκπλήσσει με την ομαλότητα των γραμμών προφίλ, τη χάρη του εύκαμπτου λαιμού, την ευάερη ελαφρότητα και τις ρευστές μεταβάσεις των ακανόνιστων αλλά γοητευτικών χαρακτηριστικών του γυναικείου προσώπου.
Η Νεφερτίτη δεν ήταν μόνο η βασίλισσα της Αιγύπτου, αλλά και ως θεά. Η πιο διάσημη και ίσως η πιο όμορφη από τις συζύγους των Αιγυπτίων Φαραώ ζούσε με τον εστεμμένο σύζυγό της σε ένα τεράστιο πολυτελές παλάτι την Ανατολική ακτήΗ Νίλα.
Στην τέχνη Αρχαία Ελλάδαιδιαίτερη θέση καταλαμβάνουν γενικευμένες, εξιδανικευμένες εικόνες ηρώων ή θεών. Στη συγχώνευση πνευματικού και σωματικούκαλλιτέχνες και γλύπτες είδαν την ενσάρκωσηομορφιά και αρμονία του ανθρώπου. 
Στο περίφημο «Discoball» του, ο γλύπτης του 5ου αιώνα. προ ΧΡΙΣΤΟΥ Το e Miron προσπαθεί, πρώτα απ' όλα, να μεταδώσει μια αίσθηση κίνησης με σταθερότητα και μνημειακότητα των γραμμών του σώματος, χωρίς να εστιάζει την προσοχή του κοινού στα χαρακτηριστικά του προσώπου. 
Ιδιαίτερη τρυφερότητα και ζεστασιά αποπνέει το άγαλμα της Αφροδίτης, της θεάς του έρωτα και της ομορφιάς, που σμιλεύτηκε από τον γλύπτη Πραξιτέλη τον 4ο αιώνα. ΠΡΟ ΧΡΙΣΤΟΥ. για ναό στο νησί της Κρήτης. Δεν υπάρχει θεϊκό μεγαλείο σε αυτή την εικόνα, η εικόνα αναπνέεικαταπληκτική ειρήνη και αγνότητα. 
Το πορτρέτο του Καρακάλλα αποτυπώνει την εικόνα ενός δυνατού, κακού και εγκληματία άνδρα. Τα πλεκτά φρύδια, το ζαρωμένο μέτωπο, το καχύποπτο, στραβοκοιτάρικο βλέμμα και τα αισθησιακά χείλη είναι εντυπωσιακά στη δύναμη των χαρακτηριστικών τους. Ένα δυνατό κεφάλι είναι τοποθετημένο σε έναν παχύ, μυώδη λαιμό. Οι απότομες μπούκλες των μαλλιών πιέζονται σφιχτά στο κεφάλι και τονίζουν το στρογγυλό σχήμα τους. Δεν έχουν διακοσμητικό χαρακτήρα, όπως την προηγούμενη περίοδο. Μεταφέρεται μια ελαφρά ασυμμετρία του προσώπου: το δεξί μάτι είναι μικρότερο και τοποθετημένο κάτω από το αριστερό, η γραμμή του στόματος είναι λοξή. Ο γλύπτης που δημιούργησε αυτό το πορτρέτο διέθετε όλο τον πλούτο των βιρτουόζων τεχνικών επεξεργασίας του μαρμάρου, όλη του η δεξιοτεχνία στόχευε στη δημιουργία ενός έργου που μεταφέρει με απόλυτη εκφραστικότητα τα σωματικά και ψυχικά χαρακτηριστικά της προσωπικότητας του Caracalla.
Το ρωμαϊκό πορτρέτο συνδέεται με τη λατρεία των προγόνων, με την επιθυμία να διατηρηθεί η εμφάνισή τους για τους επόμενους. Αυτό συνέβαλε στην ανάπτυξη της ρεαλιστικής προσωπογραφίας. Διακρίνεται από τα ατομικά χαρακτηριστικά ενός ατόμου: μεγαλείο,
εγκράτεια ή σκληρότητα και δεσποτισμός, πνευματικότητα ή αλαζονεία.
Η ακμή του είδους του πορτρέτου ξεκίνησε κατά την Αναγέννηση, όταν κύρια αξίαο κόσμος έχει γίνει ένα δραστήριο και στοχευμένο άτομο, ικανό να αλλάξει αυτόν τον κόσμο και να πάει κόντρα στις πιθανότητες. Τον 15ο αιώνα, οι καλλιτέχνες άρχισαν να δημιουργούν ανεξάρτητα πορτρέτα, τα οποία έδειχναν μοντέλα με φόντο πανοραμικά μαγευτικά τοπία.
B. Pinturicchio. «Πορτρέτο ενός αγοριού», Πινακοθήκη, Δρέσδη
Πιντουρίκιο (Pinturicchio) (περ. 1454-1513) Ιταλός ζωγράφος της Πρώιμης Αναγέννησης, γνωστός κυρίως για τις αξιόλογες τοιχογραφίες του.
Πρόκειται για το «Πορτρέτο ενός αγοριού» του B. Pinturicchio. Ωστόσο, η παρουσία θραυσμάτων της φύσης στα πορτρέτα δεν δημιουργεί ακεραιότητα, η ενότητα ενός ατόμου και του κόσμου γύρω του φαίνεται να συσκοτίζει φυσικό τοπίο. Μόνο σε πορτρέτα του 16ου αιώνα αναδύεται η αρμονία, ένα είδος μικρόκοσμου
Η τέχνη των πορτρέτων της Αναγέννησης φαίνεται να συνδυάζεται
διαθήκες της Αρχαιότητας και του Μεσαίωνα. Ακούγεται και πάλι πανηγυρικό
ένας ύμνος σε έναν ισχυρό άνδρα με τη μοναδική του εμφάνιση, τον πνευματικό κόσμο, τα ατομικά χαρακτηριστικά του χαρακτήρα και την ιδιοσυγκρασία του.
Αναγνωρισμένος κύριος του είδους πορτρέτου ήταν ο Γερμανός καλλιτέχνης Άλμπρεχτ Ντύρερ, του οποίου οι αυτοπροσωπογραφίες εξακολουθούν να ευχαριστούν τους θεατές και να χρησιμεύουν ως παράδειγμα για τους καλλιτέχνες.
στο "Αυτοπροσωπογραφία" Άλμπρεχτ Ντύρερ(1471–1528) η επιθυμία μαντεύεται καλλιτέχνης να βρει μια εξιδανικευμένη ήρωας. Εικόνες καθολικών μεγαλοφυιών του 16ου αιώνα, δασκάλων της Υψηλής Εποχής Αναγέννηση - Λεονάρντο ντα Βίντσι και Rafael Santi - προσωποποιώ ιδανικό άτομοεκείνη τη φορά.
Michelangelo da Caravaggio(1573-1610) Ιταλικός «Λαούτορας» Αγία Πετρούπολη, Κρατικό Μουσείο Ερμιτάζ
Ανάμεσα στα διάσημα αριστουργήματα πορτρέτου εκείνης της εποχής είναι το "The Lute Player" Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), όπου ο καλλιτέχνης αναπτύσσει ένα μοτίβο βγαλμένο από την πραγματική καθημερινή ζωή.
Δομήνικος Θεοτοκόπουλος(1541-1614) Ισπανία. Πορτρέτο ενός άνδραμε το χέρι στο στήθος
Στα τέλη του 16ου αιώνα στο έργο του Ισπανού καλλιτέχνη Δομήνικος Θεοτοκόπουλος
(1541-1614) προκύπτει νέου τύπουένα πορτρέτο που μεταφέρειη συνήθης εσωτερική συγκέντρωση ενός ατόμου, η έντασή τουπνευματική ζωή, απορρόφηση στον εαυτό του εσωτερικός κόσμος. Για να γίνει αυτό, ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί έντονες αντιθέσεις φωτισμού, πρωτότυπεςχρώμα, σπασμωδικές κινήσεις ή παγωμένες στάσεις. Πνευματικότητα και ΜΟΝΑΔΙΚΗ ΟΜΟΡΦΙΑτα χλωμό μακρόστενα που συνέλαβε είναι διαφορετικάπρόσωπα με τεράστια σκοτεινά, φαινομενικά απύθμενα μάτια.Τον 17ο αιώνα, μια σημαντική θέση στην ευρωπαϊκή ζωγραφική κατείχε ένα οικείο (θάλαμο) πορτρέτο, σκοπός του οποίου ήταν να δείξει τη νοητική κατάσταση ενός ατόμου, τα συναισθήματα και τα συναισθήματά του. Ένας αναγνωρισμένος κύριος αυτού του τύπου πορτρέτου ήταν Ολλανδός καλλιτέχνηςΡέμπραντ, ο οποίος ζωγράφισε πολλές εικόνες ψυχής.
Το "Portrait of an Old Lady" (1654) είναι εμποτισμένο με ειλικρινή αίσθηση. Αυτά τα έργα παρουσιάζουν στον θεατή απλούς ανθρώπους που δεν έχουν ούτε ευγενείς προγόνους ούτε πλούτο. Αλλά για τον Ρέμπραντ, ο οποίος άνοιξε μια νέα σελίδα στην ιστορία του είδους πορτρέτου, ήταν σημαντικό να μεταφέρει την πνευματική ευγένεια του μοντέλου του, τις αληθινά ανθρώπινες ιδιότητές της.
Τον 17ο αιώνα το κύριο κριτήριο της καλλιτεχνίας γίνεται ο υλικός κόσμος, που γίνεται αντιληπτός μέσω των αισθήσεων. Στο πορτρέτο, η μίμηση της πραγματικότητας αντικατέστησε το ακατανόητο και ανεξήγητο των ψυχικών εκδηλώσεων ενός ατόμου και τις ποικίλες πνευματικές του παρορμήσεις. Η γοητεία του απαλού βελούδου και του αέρινου μεταξιού, της χνουδωτής γούνας και του εύθραυστου γυαλιού, του μαλακού, ματ δέρματος και του αστραφτερού σκληρού μετάλλου μεταφέρεται αυτή τη στιγμή με την υψηλότερη δεξιοτεχνία.
Πορτρέτα του μεγάλου Ολλανδού Ρέμπραντ(1606-1669) δεν θεωρούνται χωρίς λόγο το αποκορύφωμα της τέχνης πορτρέτων. Δικαίως έλαβαν το όνομα των πορτρέτων-βιογραφιών. Ο Ρέμπραντ ονομάστηκε ποιητής του πόνου και της συμπόνιας. Άνθρωποι σεμνοί, άποροι, ξεχασμένοι από όλους είναι κοντά και αγαπητοί του. Ο καλλιτέχνης αντιμετωπίζει τους «ταπεινωμένους και προσβεβλημένους» με ιδιαίτερη αγάπη. Ως προς τη φύση της δημιουργικότητάς του συγκρίνεται με τον Φ. Ντοστογιέφσκι. Οι προσωπογραφίες-βιογραφίες του αντικατοπτρίζουν μια σύνθετη μοίρα γεμάτη κακουχίες και κακουχίες απλοί άνθρωποιπου παρά τις σκληρές δοκιμασίες που τους έπληξαν δεν έχουν χάσει την ανθρώπινη αξιοπρέπεια και ζεστασιά τους.
Έχοντας μόλις περάσει το κατώφλι που χώριζε τον 17ο αιώνα. από το XVIII, θα δούμε στα πορτρέτα μια διαφορετική φυλή ανθρώπων, διαφορετική από τους προκατόχους τους. Η ευγενική αριστοκρατική κουλτούρα έφερε στο προσκήνιο το στυλ ροκοκό με τις εκλεπτυσμένες, σαγηνευτικές, στοχαστικά άτονες, ονειρεμένα απούσα.
Σχεδιάζοντας πορτρέτα καλλιτεχνών Αντουάν Watteau(1684-1721), Φρανσουά Μπουσέρ(1703-1770) και άλλα είναι ελαφριά, ευκίνητα, το χρώμα τους είναι γεμάτο χαριτωμένες αποχρώσεις και χαρακτηρίζεται από έναν συνδυασμό εξαιρετικών ημίτονων.
Διαφάνεια 27 Α. Watteau. (1684-1721)Mezzeten
Ζωγραφική της εποχής του Ροκοκό και του Νεοκλασικού.
Πίνακας του Γάλλου ζωγράφου Antoine Watteau «Mezzeten». Την περίοδο 1712-1720, ο Watteau άρχισε να ενδιαφέρεται για τη συγγραφή σκηνών από τη θεατρική ζωή. Ο Watteau χρησιμοποίησε σκίτσα με τις πόζες, τις χειρονομίες και τις εκφράσεις του προσώπου των ηθοποιών που του άρεσαν, τα οποία έκανε στο θέατρο, τα οποία έγιναν γι 'αυτόν καταφύγιο ζωντανών συναισθημάτων. Η ρομαντική και μελαγχολική εικόνα του ήρωα είναι γεμάτη ερωτική ποίηση δίκαιο θέατρο, ένας ηθοποιός που εκτελεί μια σερενάτα στην ταινία "Mezzeten".
Μνημείο Πέτρου Α' από Γάλλο γλύπτη Etienne Maurice Falconet
Η αναζήτηση του ηρωικού, σημαντικού, μνημειακού στην τέχνη συνδέεται με τον 18ο αιώνα. με την εποχή των επαναστατικών αλλαγών. Ένα από τα έξυπνα γλυπτά πορτρέτα της παγκόσμιας τέχνης είναι το μνημείο
Peter I του Γάλλου γλύπτη Etienne Maurice Falconet(1716-1791), που ανεγέρθηκε στην Αγία Πετρούπολη το 1765-1782 Προορίζεται ως εικόνα ιδιοφυΐας και δημιουργού. Η αδάμαστη ενέργεια, που τονίζεται από την ταχεία κίνηση του αλόγου και του αναβάτη, εκφράζεται με την επιβλητική χειρονομία ενός απλωμένου χεριού, στο θαρραλέο ανοιχτό ένα πρόσωπο στο οποίο η αφοβία, η θέληση, η διαύγεια του πνεύματος.
XIX αιώνα εισήγαγε τη μεταβλητότητα των καλλιτεχνικών γεύσεων και τη σχετικότητα της έννοιας της ομορφιάς στην τέχνη της προσωπογραφίας. Οι καινοτόμες αναζητήσεις στη ζωγραφική κατευθύνονται πλέον προς την προσέγγιση με την πραγματικότητα, προς την αναζήτηση της διαφορετικότητας των εικόνων.
Ευγένιος Ντελακρουά(1798-1863). Πορτρέτο του Φ. Σοπέν
Κατά την περίοδο του ρομαντισμού, ένα πορτρέτο γίνεται αντιληπτό ως εικόνα του εσωτερικού «εγώ» ενός ατόμου προικισμένου με ελεύθερη βούληση. Πραγματικό ρομαντικό πάθος εμφανίζεται στο πορτρέτο του Φ. Σοπέν των Γάλλων
ρομαντικός καλλιτέχνης Ευγένιος Ντελακρουά(1798-1863).
Μπροστά μας είναι ένα πραγματικό ψυχολογικό πορτρέτο, που μεταφέρει το πάθος, τη θέρμη της φύσης του συνθέτη, την εσωτερική του ουσία. Η εικόνα είναι γεμάτη με γρήγορη, δραματική κίνηση. Αυτό το εφέ επιτυγχάνεται με το γύρισμα της φιγούρας του Σοπέν, τον έντονο χρωματισμό της εικόνας, το chiaroscuro με αντίθεση, τις γρήγορες, έντονες πινελιές,
Η καλλιτεχνική δομή του πορτρέτου του Ντελακρουά είναι σύμφωνη με τη μουσική του Etude
Λα μείζονα για πιάνο από τον Σοπέν. Πίσω από αυτό υπάρχει μια πραγματική εικόνα - για-
εποχές της Πατρίδας. Άλλωστε, μια μέρα, όταν ο αγαπημένος του μαθητής έπαιζε αυτό το etude,
Ο Σοπέν σήκωσε τα χέρια ψηλά με το επιφώνημα: «Ω, Πατρίδα μου!»
Η μελωδία του Σοπέν, γνήσια και δυνατή, ήταν το βασικό εκφραστικό του μέσο, η γλώσσα του. Η δύναμη της μελωδίας του βρίσκεται στη δύναμή της
αντίκτυπο στον ακροατή. Είναι σαν μια αναπτυσσόμενη σκέψη, η οποία μοιάζει με το ξετύλιγμα της πλοκής μιας ιστορίας ή το περιεχόμενο ιστορικά σημαντικών
ου μηνυμάτων.
Στην τέχνη πορτρέτων του XX-XXI αιώνα. Υπό όρους, μπορούν να διακριθούν δύο κατευθύνσεις. Ο ένας συνεχίζει τις κλασικές παραδόσεις της ρεαλιστικής τέχνης, δοξάζοντας την ομορφιά και το μεγαλείο του Ανθρώπου, ο άλλος αναζητά νέες αφηρημένες μορφές και τρόπους έκφρασης του εσωτερικού του κόσμου.
Στο είδος του πορτραίτου στράφηκαν και εκπρόσωποι των μοντερνιστικών κινημάτων που εμφανίστηκαν τον 20ό αιώνα. Ο διάσημος Γάλλος καλλιτέχνης Πάμπλο Πικάσο μας άφησε πολλά πορτρέτα. Από αυτά τα έργα μπορεί κανείς να εντοπίσει πώς το έργο του πλοιάρχου αναπτύχθηκε από το λεγόμενο. μπλε περίοδος στον κυβισμό.
Slide 32 Picasso (1881-1973) «Πορτρέτο του Ambroise Vollard».
Οι ιδέες του αναλυτικού κυβισμού βρήκαν την αρχική τους ενσάρκωση στο έργο του Πικάσο «Πορτρέτο του Ambroise Vollard».
Δημιουργικές εργασίες
Βρείτε τα πορτρέτα που αναφέρονται στο κείμενο. Συγκρίνετε το ένα με το άλλο, εντοπίστε παρόμοια και διαφορετικά χαρακτηριστικά. Δώστε τη δική σας ερμηνεία των εικόνων τους.
Ποια πορτρέτα θα ταξινομούσατε ως παραδοσιακή κλασική τέχνη και ποια ως αφηρημένη τέχνη; Να αιτιολογήσετε τη γνώμη σας.
Ταίριαξε τη γλώσσα διάφορες κατευθύνσειςζωγραφική πορτρέτου. Προσδιορίστε την εκφραστικότητα των γραμμών, το χρώμα, το χρώμα, το ρυθμό, τη σύνθεση καθενός από αυτά.
Ακούω μουσικές συνθέσεις. Αντιστοιχίστε τα πορτρέτα με εκείνα τα έργα που είναι σύμφωνα με τις εικόνες που αποτυπώνονται σε αυτά.
Καλλιτεχνικό και δημιουργικό έργο
Ετοιμάστε ένα άλμπουμ, εφημερίδα, αλμανάκ, παρουσίαση υπολογιστή (προαιρετικά) με θέμα «Το είδος της προσωπογραφίας στον πολιτισμό διαφορετικών εποχών».
Συμπεριλάβετε πληροφορίες για καλλιτέχνες, γλύπτες, γραφίστες, καθώς και ποιήματα, αποσπάσματα πεζογραφίας και κομμάτια μουσικών έργων που συνάδουν με τις εικόνες της γκαλερί πορτρέτων σας.
ΑκούωΜουσικά έργα:Σοπέν Νυχτερινό σε β ελάσσονα; F. Chopin etude σε μι μείζονα.
El Greco - "Πορτρέτο ενός κυρίου με το χέρι του στο στήθος του"Σβετλάνα Ομπούχοβα
Δεν έχει απομείνει σχεδόν κανένα στοιχείο για τη ζωή του Κρητικού Δομήνικου Θεοτοκόπουλου, του καλλιτέχνη που κατέκτησε το ισπανικό Τολέδο με το όνομα Ελ Γκρέκο, δηλαδή του Έλληνα. Οι «ανοησίες» του χαρακτήρα του και ο παράξενος ζωγραφικός τρόπος του εξέπληξαν πολλούς και τους ανάγκασαν να πιάσουν το στυλό του - αλλά μόνο λίγα γράμματα έχουν διασωθεί. Ένα από αυτά περιέχει τις ακόλουθες γραμμές: «... ο καιρός ήταν όμορφος, ο ανοιξιάτικος ήλιος έλαμπε απαλά. Έδωσε χαρά σε όλους, και η πόλη έμοιαζε γιορτινή. Φανταστείτε την έκπληξή μου όταν μπήκα στο στούντιο του El Greco και είδα ότι τα παντζούρια στα παράθυρα ήταν κλειστά, και επομένως ήταν δύσκολο να δω τι υπήρχε τριγύρω. Ο ίδιος ο Ελ Γκρέκο κάθισε σε ένα σκαμνί, χωρίς να κάνει τίποτα, παρά μόνο ξύπνιος. Δεν ήθελε να βγει μαζί μου γιατί, σύμφωνα με τον ίδιο, το φως του ήλιου παρενέβαινε στο εσωτερικό του φως...»
Δεν υπάρχουν σχεδόν αποδείξεις για τον άνδρα Domenico, μόνο αντηχούν: ότι ζούσε με μεγαλοπρεπή στυλ, ότι διατηρούσε μια πλούσια βιβλιοθήκη, διάβαζε πολλούς φιλοσόφους και επίσης έκανε μήνυση σε πελάτες (τον αγαπούσαν, αλλά τις περισσότερες φορές δεν τον καταλάβαιναν), πέθανε σχεδόν σε φτώχεια - όπως οι λεπτές ακτίνες του φωτός της ημέρας διαπερνούν τις ρωγμές στα «κλειστά παραθυρόφυλλα» της ζωής του. Αλλά δεν αποσπούν την προσοχή από το κύριο πράγμα - από το εσωτερικό φως που γεμίζει τους πίνακες του καλλιτέχνη El Greco. Ειδικά πορτραίτα.
Δεν υπάρχουν τοπία που ανοίγουν πίσω από το πρόσωπο που απεικονίζεται, δεν υπάρχει αφθονία λεπτομερειών που προσελκύουν ένα περίεργο βλέμμα. Ακόμα και το όνομα του ήρωα μένει συχνά εκτός εικόνας. Γιατί όλα αυτά θα σε εμπόδιζαν να δεις το πρόσωπο. Και μάτια, βαθιά, σκοτεινά, που σε κοιτούν κατευθείαν. Είναι δύσκολο να απομακρυνθείς από αυτούς και αν αναγκάσεις τον εαυτό σου, είναι να δεις τη χειρονομία και να σταματήσεις ξανά σε σκέψεις.
Πρόκειται για το «Πορτρέτο ενός Καβαλιέρου με το χέρι στο στήθος» (1577-1579), ζωγραφισμένο από τον πλοίαρχο λίγο μετά τη μετακόμισή του στο Τολέδο. Αυτό το πορτρέτο αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα στην ισπανική ζωγραφική του 16ου αιώνα. Ο ξένος Ελ Γκρέκο δημιούργησε «ζωντανές εικόνες της ισπανικής ζωής και ιστορίας», που αποτυπώνουν «γνήσια ζωντανά όντα, συνδυάζοντας μέσα τους ό,τι αξίζει να θαυμάσει ο λαός μας, κάθε τι ηρωικό και αδάμαστο, με εκείνες τις αντίθετες ιδιότητες που δεν μπορούν παρά να αντικατοπτρίζονται. χωρίς να καταστρέφεται η ίδια η ουσία του» (Α. Σεγκόβια). Οι αριστοκράτες από τις αρχαίες οικογένειες του Τολέδο έγιναν οι αληθινοί ήρωες του Ελ Γκρέκο, είδε το εσωτερικό τους φως - την αρχοντιά και την αξιοπρέπειά τους, την πίστη στο καθήκον, την ευφυΐα, την τελειοποίηση των τρόπων, το θάρρος, τον εξωτερικό περιορισμό και την εσωτερική παρόρμηση, τη δύναμη της καρδιάς που ξέρει για τι ζει και πεθαίνει..
Μέρα με τη μέρα, οι επισκέπτες της γκαλερί Πράδο σταματούν μπροστά στον άγνωστο ιδάλγο, έκπληκτοι, με τα λόγια: «Σαν ζωντανός...» Ποιος είναι αυτός, αυτός ο ιππότης; Γιατί ανοίγει την καρδιά του με τόση ειλικρίνεια; Γιατί τα μάτια του είναι τόσο ελκυστικά; Και αυτή η χειρονομία του όρκου; Και η λαβή του σπαθιού;.. Ίσως από αυτές τις ερωτήσεις γεννήθηκε ένας θρύλος ότι το πρόσωπο που απεικονίζεται στο πορτρέτο είναι ένας άλλος σπουδαίος Ισπανός: ο Μιγκέλ ντε Θερβάντες. Ένας πολεμιστής και συγγραφέας που είπε στον κόσμο την ιστορία ενός ιππότη με θλιβερή εικόνα, στον οποίο δόθηκε το ίδιο θείο δώρο με τον Ελ Γκρέκο - να βλέπει τους ανθρώπους όπως πρέπει, να βλέπει το εσωτερικό τους φως...
Και άλλοι πίνακες από το Μουσείο Πράδο στο Ερμιτάζ...
Ελ Γκρέκο «Ο Χριστός αγκαλιάζει τον Σταυρό» 1600 - 1605
Απεικονίζεται με φόντο έναν θυελλώδη ουρανό, χαρακτηριστικό του Ελ Γκρέκο, ο Χριστός αγκαλιάζει τον σταυρό με τα χαριτωμένα χέρια του, κοιτάζοντας προς τα πάνω με ήρεμη καταστροφή. Ο πίνακας είχε μεγάλη επιτυχία και πολλές εκδοχές του δημιουργήθηκαν στο εργαστήριο του Ελ Γκρέκο.
Ελ Γκρέκο «Αγία Οικογένεια με την Αγία Άννα και τον μικρό Ιωάννη τον Βαπτιστή» γ. 1600 - 1605
Η ύστερη περίοδος της δουλειάς του Ελ Γκρέκο χαρακτηρίζεται από τη χρήση διαπεραστικών χρωμάτων και φλας. ο χώρος είναι εντελώς γεμάτος με φιγούρες που συσκοτίζουν τον ορίζοντα. Οι φόρμες που βάφονται με μια δονούμενη πινελιά χάνουν την υλικότητά τους. Ο μικρός Ιωάννης ο Βαπτιστής καλεί τον θεατή σε σιωπή για να μην διαταραχθεί η γαλήνη του βρέφους Χριστού...
Velasquez - Portrait of Philip IV Portrait of King Philip IV. 1653-1657
Τα θεμέλια του ψυχολογικού πορτρέτου στην ευρωπαϊκή τέχνη έθεσε ο Ισπανός ζωγράφος Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Γεννήθηκε σε μια φτωχή ευγενή οικογένεια στη Σεβίλλη και σπούδασε με τον Ερέρα τον Πρεσβύτερο και τον Πατσέκο. Το 1622 ήρθε για πρώτη φορά στη Μαδρίτη. Από πρακτική άποψη, αυτό το ταξίδι δεν ήταν πολύ επιτυχημένο - ο Velazquez δεν βρήκε ένα αντάξιο μέρος για τον εαυτό του. Ήλπιζε να συναντήσει τον νεαρό βασιλιά Φίλιππο Δ', αλλά η συνάντηση δεν έγινε. Ωστόσο, οι φήμες για τον νεαρό καλλιτέχνη έφτασαν στο δικαστήριο και ήδη τον επόμενο χρόνο, το 1623, ο πρώτος υπουργός, Δούκας ντε Ολιβάρες (επίσης γέννημα θρέμμα της Σεβίλλης), κάλεσε τον Βελάσκεθ στη Μαδρίτη για να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο του βασιλιά. Αυτό το έργο, που δεν έφτασε σε εμάς, έκανε τόσο ευχάριστη εντύπωση στον μονάρχη που πρόσφερε αμέσως στον Βελάσκεζ τη θέση του καλλιτέχνη της αυλής. Σύντομα αναπτύχθηκαν αρκετά φιλικές σχέσεις μεταξύ του βασιλιά και του Βελάσκεθ, κάτι που δεν ήταν πολύ χαρακτηριστικό για την τάξη που βασίλευε στην ισπανική αυλή. Ο βασιλιάς, που κυβέρνησε τη μεγαλύτερη αυτοκρατορία του κόσμου, δεν θεωρούνταν άνδρας, αλλά θεότητα και ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να υπολογίζει καν σε ευγενή προνόμια, αφού κέρδιζε το ψωμί του με εργασία. Εν τω μεταξύ, ο Φίλιππος διέταξε να ζωγραφίζει πλέον μόνο ο Βελάσκεθ τα πορτρέτα του. Ο μεγάλος μονάρχης ήταν εκπληκτικά γενναιόδωρος και υποστηρικτικός προς τον Βελάσκεθ. Το στούντιο του καλλιτέχνη βρισκόταν στα βασιλικά διαμερίσματα και μια καρέκλα εγκαταστάθηκε εκεί για την Αυτού Μεγαλειότητα. Ο βασιλιάς, που είχε το κλειδί του εργαστηρίου, ερχόταν εδώ σχεδόν κάθε μέρα για να παρακολουθήσει το έργο του καλλιτέχνη, ενώ βρισκόταν στη βασιλική υπηρεσία από το 1623 έως το 1660, ο Βελάσκεθ ζωγράφισε περίπου δώδεκα πορτρέτα του κυρίου του. Από αυτούς, λίγο περισσότεροι από 10 πίνακες έχουν φτάσει σε εμάς. Έτσι, κατά μέσο όρο, ο Βελάσκεθ ζωγράφιζε τον άρχοντα του περίπου μία φορά κάθε τρία χρόνια. Το να ζωγραφίζει πορτρέτα του βασιλιά ήταν δουλειά του Βελάσκεθ και την έκανε τέλεια. Χάρη σε αυτό, έχουμε ένα σύμπλεγμα έργων που είναι μοναδικό με τον δικό του τρόπο: τα πορτρέτα του Velazquez ανιχνεύουν την πορεία της ζωής του βασιλιά Φιλίππου τόσο ξεκάθαρα, όπως αργότερα έγινε έθιμο μόνο στην εποχή της φωτογραφίας. Η εξέλιξη είναι ξεκάθαρα ορατή στους πίνακες του καλλιτέχνη. Πρώτον, ο ίδιος ο βασιλιάς αλλάζει, 18 ετών στο πρώτο πορτρέτο και 50 ετών στο τελευταίο φέρει το αποτύπωμα της ηλικίας και των πνευματικών αλλαγών. Δεύτερον, η αντίληψη του καλλιτέχνη για το μοντέλο του βαθαίνει, μετατρέποντας από επιφανειακή σε διορατική. Με τον καιρό αλλάζει ο τρόπος παρουσίασης του μοντέλου και οι καλλιτεχνικές τεχνικές. Ο τρόπος του Velazquez μεταμορφώνεται υπό την επίδραση της δικής του δημιουργικής ανάπτυξης, καθώς και υπό την επίδραση των σύγχρονων εγχώριων και ξένων παραδόσεων. Αυτό το πορτρέτο κάτω από το στήθος απεικονίζει τον Φίλιππο Δ' σε σκούρο φόντο, φορώντας μαύρα ρούχα με λευκό γιακά που τονίζει ξεκάθαρα το πρόσωπο του μονάρχη. Ο Βελάσκεθ αποφεύγει την επιδεικτικότητα στο πορτρέτο του βασιλιά και δείχνει το «ανθρώπινο πρόσωπο» του μονάρχη χωρίς καμία κολακεία ή αυλική πονηριά. Αισθανόμαστε ξεκάθαρα ότι το άτομο που μας κοιτάζει από τον καμβά είναι δυστυχισμένο τα τελευταία χρόνια της βασιλείας του δεν ήταν εύκολα για τον βασιλιά. Αυτός είναι ένας άνθρωπος που γνώρισε την απογοήτευση, αλλά ταυτόχρονα, ένας άνθρωπος του οποίου η σάρκα είναι γεμάτη με έμφυτο μεγαλείο, που τίποτα δεν μπορεί να ταρακουνήσει. Ένας άλλος σπουδαίος καλλιτέχνης, ένας Ισπανός μέχρι το μεδούλι, ο Πάμπλο Ρουίζ Πικάσο, λέει το εξής για την εικόνα του Ισπανού βασιλιά: «Δεν μπορούμε να φανταστούμε άλλον Φίλιππο Δ' εκτός από αυτόν που δημιούργησε ο Βελάσκεθ...»
"Πορτρέτο του βασιλιά Φιλίππου Δ'" (περίπου 1653 - 1657)
Ένα από τα τελευταία πορτρέτα του μονάρχη. Είναι ενδιαφέρον να σημειωθεί ότι δεν υπάρχει ούτε ένα στοιχείο εδώ που να μιλά για τη βασιλική ιδιότητα του προσώπου που απεικονίζεται. Ο Βελάσκεθ υπηρέτησε τον Φίλιππο Δ' για σχεδόν σαράντα χρόνια - από το 1623 μέχρι το θάνατό του, ζωγραφίζοντας πορτρέτα του βασιλιά και της οικογένειάς του, μεγάλους θεματικούς καμβάδες για τη Βασιλική Συλλογή.
Diego Velazquez «Πορτρέτο του γελωτοποιού Don Diego de Acedo» (El Primo) γ. 1644
Diego Velazquez "Πορτρέτο της βασίλισσας Μαριάννας της Αυστρίας" 1652-1653
Τιτσιάνο (Tiziano Vecellio) "Η Αφροδίτη με τον Έρωτα και τον Οργανιστή" 1555
Ο μουσικός παίζει, κάθεται στα πόδια της Αφροδίτης και θαυμάζει το γυμνό σώμα της θεάς, παίζοντας αποσπασματικά με τον Έρως. Κάποιοι είδαν αυτόν τον πίνακα ως ένα καθαρά ερωτικό έργο, ενώ άλλοι τον αντιλήφθηκαν συμβολικά - ως αλληγορία συναισθημάτων, όπου η όραση και η ακοή λειτουργούν ως εργαλεία για τη γνώση της ομορφιάς και της αρμονίας. Ο Τιτσιάν έγραψε πέντε εκδοχές αυτού του θέματος.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Penitent Mary Magdalene" 1583
Μετά τη μεταστροφή της, η Μαρία η Μαγδαληνή αφιέρωσε τη ζωή της στη μετάνοια και την προσευχή, αποσυρόμενη από τον κόσμο. Σε αυτόν τον πίνακα απεικονίζεται να κοιτάζει τους ουρανούς και λουσμένη στο θείο φως. Ο πίνακας είναι ζωγραφισμένος σε πυκνά σκούρα χρώματα, χαρακτηριστικό του στυλ του Βερονέζε στην ύστερη περίοδο της δουλειάς του. Πριν εισέλθει στις Ισπανικές Βασιλικές Συλλογές, το έργο ανήκε στον Άγγλο βασιλιά Κάρολο Α' (εκτελέστηκε το 1649)
Anthony Van Dyck "Πορτρέτο ενός άνδρα με λαούτο" 1622-1632
Ο Anthony Van Dyck οφείλει τη φήμη του ακριβώς στο είδος της προσωπογραφίας, που κατείχε μια μάλλον χαμηλή θέση στην ιεραρχία της ευρωπαϊκής ζωγραφικής. Ωστόσο, εκείνη τη στιγμή είχε ήδη αναπτυχθεί στη Φλάνδρα μια παράδοση της τέχνης πορτρέτων. Ο Van Dyck ζωγράφισε εκατοντάδες πορτρέτα, αρκετές αυτοπροσωπογραφίες και έγινε ένας από τους δημιουργούς του στυλ τελετουργικών πορτρέτων του 17ου αιώνα. Σε πορτρέτα των συγχρόνων του, έδειξε τον πνευματικό, συναισθηματικό κόσμο, την πνευματική ζωή και τον ζωντανό ανθρώπινο χαρακτήρα τους.
Το παραδοσιακό μοντέλο για αυτό το πορτρέτο είναι ο Jacob Gautier, ένας Λουτενίστας στην αγγλική αυλή από το 1617 έως το 1647, αλλά η παρουσία του ξίφους και σε μεγαλύτερο βαθμό τα στιλιστικά χαρακτηριστικά του έργου δείχνουν ότι πρέπει να χρονολογείται πολύ νωρίτερα από του Van Dyck. ταξίδι στο Λονδίνο, που θέτει υπό αμφισβήτηση αυτή τη θεωρία. Η παρουσία ενός μουσικού οργάνου δεν σημαίνει απαραίτητα ότι το μοντέλο ήταν μουσικός. Ως σύμβολο, τα μουσικά όργανα απεικονίζονταν συχνά σε πορτρέτα ως ένδειξη της πνευματικής επιτήδευσης και της ευαισθησίας του θέματος.
Juan Bautista Maino "Λατρεία των Ποιμένων" 1612-1614
Ένα από τα αριστουργήματα του Maino. Η συλλογή του Κρατικού Ερμιτάζ περιέχει μια άλλη εκδοχή αυτής της ιστορίας, γραμμένη από τον Maino. Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στην Παστράνα (Γκουανταλαχάρα) και έζησε στη Ρώμη από το 1604 έως το 1610. Αυτό το έργο, που γράφτηκε μετά την επιστροφή του στην Ισπανία, δείχνει την επιρροή του Καραβάτζιο και του Οράζιο Τζεντιλέσκι. Το 1613, ο Maino έγινε μέλος του Τάγματος των Δομινικανών και ο πίνακας συμπεριλήφθηκε στον κύκλο του βωμού της Μονής του Αγίου Πέτρου του Μάρτυρα στο Τολέδο.
Georges de Latour «Ο τυφλός μουσικός με ένα Hurdy-Hurdy» περ. 1625- 1630
Ο Latour απεικονίζει έναν ηλικιωμένο τυφλό μουσικό να παίζει ένα hurdy-gurdy. Επανέλαβε αυτή την πλοκή αρκετές φορές. Ο καλλιτέχνης, ο οποίος εργάστηκε υπό την επίδραση του στυλ του Καραβάτζιο, αναπαράγει με ενθουσιασμό λεπτομέρειες - το σχέδιο που διακοσμεί ένα μουσικό όργανο, τις ρυτίδες στο πρόσωπο ενός τυφλού, τα μαλλιά του.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Freeing Andromeda" Περίπου. 1639-1640
Francisco de Goya "Πορτρέτο του Φερδινάνδου Ζ'" 1814-1815
Μετά την ήττα του Ναπολέοντα το 1814, ο Φερδινάνδος Ζ΄ επέστρεψε στον ισπανικό θρόνο. Το πορτρέτο τον δείχνει με βασιλικό ιμάτιο επενδεδυμένο με ερμίνα, με σκήπτρο και τις διαταγές του Κάρλος Γ' και του Χρυσόμαλλου Δέρας.
Ο Φερδινάνδος Ζ΄, ο οποίος κυβέρνησε τη χώρα μέχρι το 1833, ίδρυσε το Μουσείο Πράδο το 1819.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Η Maria von Santa Cruz, σύζυγος του πρώτου διευθυντή του Prado, ήταν μια από τις πιο σεβαστές γυναίκες στην Ισπανία της εποχής της.
Στο πορτρέτο του 1805, η Γκόγια απεικόνισε τη Μαρκησία ως τη μούσα της λυρικής ποίησης, την Ευτέρπη, ξαπλωμένη σε έναν καναπέ και κρατώντας μια λύρα στο αριστερό της χέρι. Η επιλογή της συγκεκριμένης εικόνας οφείλεται στο πάθος της μαρκησίας για την ποίηση.
Francisco Goya - "Φθινόπωρο (Συγκομιδή σταφυλιών)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - "Συγκομιδή σταφυλιών" θραύσμα
Το 1775 - 1792, ο Γκόγια δημιούργησε επτά σειρές ταπετσαριών από χαρτόνι για τα ανάκτορα Escorial και Prado στα περίχωρα της Μαδρίτης. Αυτός ο πίνακας συγκεκριμένα ανήκει στη σειρά των εποχών και προοριζόταν για την τραπεζαρία του Πρίγκιπα της Αστούριας στο Πράδο. Ο Γκόγια απεικόνισε την κλασική πλοκή ως μια καθημερινή σκηνή, η οποία αντανακλά τη φύση της σχέσης μεταξύ διαφορετικών τάξεων - ο πίνακας απεικονίζει τους ιδιοκτήτες ενός αμπελώνα με τον γιο και την υπηρέτριά τους.
Francisco Goya "Πορτρέτο του στρατηγού José de Urrutia" (περίπου 1798)
Ο José de Urrutia (1739 - 1809) - ένας από τους πιο εξέχοντες Ισπανούς στρατιωτικούς ηγέτες και ο μοναδικός αξιωματικός του στρατού μη αριστοκρατικής καταγωγής τον 18ο αιώνα που έφτασε στο βαθμό του λοχαγού - απεικονίζεται με το Τάγμα του Αγίου Γεωργίου, το οποίο Του απονεμήθηκε από τη Ρωσίδα Αυτοκράτειρα Αικατερίνη τη Μεγάλη για τη συμμετοχή του στη σύλληψη του Οτσάκοφ κατά τη διάρκεια της εκστρατείας στην Κριμαία του 1789.
Πίτερ Πολ Ρούμπενς «Πορτρέτο της Μαρί ντε Μεδίκι». ΕΝΤΑΞΕΙ. 1622-1625.
Η Maria Medici (1573 - 1642) ήταν κόρη του Μεγάλου Δούκα της Τοσκάνης Francesco I. Το 1600 έγινε σύζυγος του Γάλλου βασιλιά Ερρίκου Δ'. Από το 1610 ήταν αντιβασιλέας για τον μικρό γιο της, τον μελλοντικό βασιλιά Λουδοβίκο ΙΓ'. Παρήγγειλε μια σειρά έργων στον Ρούμπενς που δοξάζουν τον εαυτό της και τον εκλιπόντα σύζυγό της. Το πορτρέτο δείχνει τη βασίλισσα να φορά την κόμμωση μιας χήρας και ένα ημιτελές φόντο.
Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" Περίπου. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Πορτρέτο του Felix Maximo Lopez, πρώτος οργανίστας του Βασιλικού Παρεκκλησίου" 1820
Ισπανός νεοκλασικός ζωγράφος, ο οποίος διατήρησε ίχνη του ροκοκό στυλ. Ο Λόπεζ θεωρούνταν ένας από τους καλύτερους προσωπογράφους της εποχής του, δεύτερος μόνο μετά τον Φρανσίσκο ντε Γκόγια. Άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική στη Βαλένθια σε ηλικία 13 ετών και μέσα σε τέσσερα χρόνια κέρδισε πολλά πρώτα βραβεία στην Ακαδημία του Σαν Κάρλος, κερδίζοντας του μια υποτροφία για σπουδές στη διάσημη Βασιλική Ακαδημία Καλών Τεχνών της πρωτεύουσας του Σαν Φερνάντο. Μετά την ολοκλήρωση των σπουδών του, ο Lopez εργάστηκε για αρκετά χρόνια στο εργαστήριο του Mariano Salvador Maella, του δασκάλου του. Το 1814, μετά τη γαλλική κατοχή, ο Λόπες ήταν ήδη γνωστός καλλιτέχνης, έτσι ο Ισπανός βασιλιάς Φερδινάνδος Ζ' τον κάλεσε στη Μαδρίτη και τον διόρισε ως επίσημο καλλιτέχνη της αυλής, παρά το γεγονός ότι ο «πρώτος βασιλικός καλλιτέχνης» εκείνη την εποχή ήταν ο Φρανσίσκο. Ο ίδιος ο Γκόγια. Ο Vicente Lopez ήταν ένας πολυγραφότατος καλλιτέχνης, ζωγράφιζε πίνακες με θρησκευτικά, αλληγορικά, ιστορικά και μυθολογικά θέματα, αλλά, πάνω απ' όλα, ήταν φυσικά προσωπογράφος. Κατά τη διάρκεια της μακρόχρονης καριέρας του, ζωγράφισε πορτρέτα σχεδόν όλων των διάσημων προσώπων στην Ισπανία το πρώτο μισό του 19ου αιώνα.
Αυτό το πορτρέτο του πρώτου οργανίστα του βασιλικού παρεκκλησίου και του διάσημου μουσικού και συνθέτη ζωγραφίστηκε λίγο πριν τον θάνατο του καλλιτέχνη και ολοκληρώθηκε από τον μεγαλύτερο γιο του Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Πορτρέτο της Μαρίας Λουίζας της Πάρμας, Πριγκίπισσας της Αστούριας" 1766
Juan Sanchez Cotan "Νεκρή φύση με κυνήγι, λαχανικά και φρούτα" 1602
Ο Δον Ντιέγκο ντε Ασέδο βρισκόταν στο δικαστήριο από το 1635. Εκτός από την «υπηρεσία των μπουφών», υπηρέτησε ως βασιλικός αγγελιοφόρος και ήταν υπεύθυνος για τη σφραγίδα του βασιλιά. Προφανώς, τα βιβλία, τα χαρτιά και τα εργαλεία γραφής που απεικονίζονται στην εικόνα μιλούν για αυτές τις δραστηριότητες. Πιστεύεται ότι το πορτρέτο ζωγραφίστηκε στη Φράγκα, στην επαρχία της Ουέσκα, κατά τη διάρκεια του ταξιδιού του Φίλιππου Δ' στην Αραγονία, στο οποίο συνοδευόταν από τον Ντιέγκο ντε Ασέδο. Στο βάθος υψώνεται η κορυφή Malicios της οροσειράς Guadarrama.
Ιερώνυμος Μπος «Εξαγωγή της πέτρας της τρέλας» γ. 1490
Η σατυρική σκηνή με φιγούρες σε φόντο τοπίου απεικονίζει μια επιχείρηση αφαίρεσης της «πέτρας της βλακείας». Η επιγραφή με γοτθική γραμματοσειρά γράφει: «Δάσκαλε, αφαιρέστε γρήγορα την πέτρα με λένε Λούμπερτ Ντας». Το Lubbert είναι ένα κοινό ουσιαστικό που δηλώνει άγνοια και απλότητα. Ένας χειρούργος που φορά ένα κάλυμμα κεφαλής σε μορφή ανεστραμμένου χωνιού, που συμβολίζει την άγνοια, «αφαιρεί» μια πέτρα (νούφαρο) από το κεφάλι ενός ευκολόπιστου ασθενή και απαιτεί από αυτόν μια γενναιόδωρη πληρωμή. Τότε οι απλοϊκοί πίστευαν ότι για τη βλακεία τους έφταιγε μια πέτρα στο κεφάλι. Αυτό εκμεταλλεύτηκαν οι τσαρλατάνοι.
Ραφαήλ (Ραφαέλλο Σάντι) «Η Αγία Οικογένεια με ένα Αρνί» 1507
Η Μαρία βοηθά τον μικρό Χριστό να καθίσει πάνω στο αρνί - ένα χριστιανικό σύμβολο του ερχόμενου Πάθους του Χριστού, και ο Αγ. Ο Ιωσήφ τους παρακολουθεί. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε στη Φλωρεντία, όπου ο καλλιτέχνης μελέτησε το έργο του Λεονάρντο ντα Βίντσι, επηρεασμένος από τις συνθέσεις του με την Αγία Οικογένεια. Στο Μουσείο Πράδο αυτό είναι το μοναδικό έργο του Ραφαήλ που ζωγράφισε την πρώιμη περίοδο.
Άλμπρεχτ Ντύρερ «Πορτρέτο ενός άγνωστου ανθρώπου» Περίπου. 1521
Το πορτρέτο ανήκει στην ύστερη περίοδο του έργου του Dürer. Ζωγραφισμένο με τρόπο παρόμοιο με το στυλ των Ολλανδών καλλιτεχνών. Ένα καπέλο με φαρδύ γείσο εφιστά την προσοχή στο πρόσωπο του ατόμου που απεικονίζεται το φως που πέφτει από τα αριστερά συγκεντρώνει την προσοχή του θεατή σε αυτό. Το δεύτερο επίκεντρο της προσοχής στο πορτρέτο είναι τα χέρια, και κυρίως το αριστερό, στο οποίο ο άγνωστος κρατά ένα ειλητάριο - προφανώς εξηγώντας την κοινωνική του θέση.
Rogier van der Weyden "Lamentation" Περίπου. 1450
Το μοντέλο ήταν το τρίπτυχο του βωμού για το μοναστήρι Miraflores (φυλάσσεται στη γκαλερί τέχνης του Βερολίνου), που δημιουργήθηκε από τον Van der Weyden νωρίτερα από το 1444 και επαναλήφθηκε με ορισμένες διαφορές. Σε αυτή την έκδοση, με το πάνω μέρος να προστίθεται σε άγνωστη περίοδο, η Μαρία, ο Χριστός, ο Αγ. Στον ίδιο χώρο εικονίζονται ο Γιάννης και ο δωρητής (πελάτης του πίνακα) - μέλος της οικογένειας Broers. Η καλλιτέχνης μεταφέρει εκφραστικά τη θλίψη της Θεοτόκου, σφίγγοντας στο στήθος της το σώμα του νεκρού γιου της. Η τραγική ομάδα στα αριστερά αντιπαραβάλλεται με τη μορφή του δωρητή, που χωρίζεται από μια πέτρα. Βρίσκεται σε κατάσταση συγκέντρωσης προσευχής. Εκείνη την εποχή, οι πελάτες ζητούσαν συχνά να απεικονίσουν τον εαυτό τους σε πίνακες ζωγραφικής. Αλλά οι εικόνες τους ήταν πάντα δευτερεύουσες - κάπου στο βάθος, στο πλήθος κ.λπ. Εδώ ο δωρητής απεικονίζεται σε πρώτο πλάνο, αλλά χωρίζεται από την κύρια ομάδα με πέτρα και χρώμα.
Alonso Cano «Dead Christ supported by an angel» γ. 1646 - 1652
Με φόντο ένα τοπίο λυκόφωτος, ένας άγγελος στηρίζει το άψυχο σώμα του Χριστού. Η ασυνήθιστη εικονογραφία αυτού του πίνακα εξηγείται από το γεγονός ότι δεν συνδέεται με ευαγγελικά κείμενα, αλλά με τον λεγόμενο Χριστό του Αγ. Γρηγόριος. Σύμφωνα με το μύθο, ο Πάπας Γρηγόριος ο Μέγας είδε ένα όραμα του νεκρού Χριστού που υποστηρίχθηκε από δύο αγγέλους. Ο Κάνο ερμήνευσε αυτή την πλοκή διαφορετικά - μόνο ένας άγγελος υποστηρίζει το ακίνητο σώμα του Χριστού.
Bartolome Esteban Murillo «Η Παναγία του Ροδαρίου» Περίπου. 1650 -1655
Το έργο του Bartolome Esteban Murillo τελειώνει τη χρυσή εποχή της ισπανικής ζωγραφικής. Τα έργα του Murillo είναι άψογα ακριβή στη σύνθεση, πλούσια και αρμονικά στο χρώμα και όμορφα με την υψηλότερη έννοια της λέξης. Τα συναισθήματά του είναι πάντα ειλικρινή και ευαίσθητα, αλλά στους πίνακες του Murillo δεν υπάρχει πλέον αυτή η πνευματική δύναμη και το βάθος που είναι τόσο συγκλονιστικό στα έργα των παλαιότερων συγχρόνων του. Η ζωή του καλλιτέχνη συνδέεται με την πατρίδα του τη Σεβίλλη, αν και έπρεπε να επισκεφτεί τη Μαδρίτη και άλλες πόλεις. Έχοντας εκπαιδευτεί κάτω από τον τοπικό ζωγράφο Juan del Castillo (1584-1640), ο Murillo εργάστηκε εκτενώς κατόπιν παραγγελιών από μοναστήρια και ναούς. Το 1660 έγινε πρόεδρος της Ακαδημίας Καλών Τεχνών της Σεβίλλης.
Με τους πίνακές του με θρησκευτικά θέματα, ο Murillo προσπάθησε να φέρει παρηγοριά και σιγουριά. Δεν είναι τυχαίο ότι πολύ συχνά ζωγράφιζε την εικόνα της Μητέρας του Θεού. Η εικόνα της Μαίρης πέρασε από ζωγραφική σε ζωγραφική με τη μορφή ενός υπέροχου νεαρού κοριτσιού με κανονικά χαρακτηριστικά προσώπου και ήρεμο βλέμμα. Η αθώα εμφάνισή της έμελλε να προκαλεί ένα αίσθημα γλυκιάς τρυφερότητας στον θεατή. Σε αυτόν τον πίνακα, ο Bartolome Murillo απεικόνισε τη Madonna και τον Ιησού με το ροζάριο, το παραδοσιακό καθολικό κομπολόι, η προσευχή του οποίου δόθηκε μεγάλη σημασία στην εποχή του καλλιτέχνη. Σε αυτό το έργο, τα χαρακτηριστικά του νατουραλισμού που κυριάρχησαν στα έργα των εκπροσώπων της σχολής της Σεβίλλης στο πρώτο μισό του 17ου αιώνα είναι ακόμα αισθητά, αλλά το στυλ ζωγραφικής του Murillo είναι ήδη πιο ελεύθερο από ό,τι στο πρώιμο έργο του. Αυτός ο ελεύθερος τρόπος είναι ιδιαίτερα εμφανής στην απεικόνιση του πέπλου της Παναγίας. Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί έντονο φως για να τονίσει τις φιγούρες σε σκούρο φόντο και να δημιουργήσει μια αντίθεση ανάμεσα στους λεπτούς τόνους του προσώπου της Παναγίας και του σώματος του παιδιού Χριστού και στις βαθιές σκιές στις πτυχές των υφασμάτων.
Στην Ανδαλουσία του 17ου αιώνα, η εικόνα της Παναγίας και του Βρέφους ήταν ιδιαίτερα περιζήτητη. Ο Murillo, του οποίου η δημιουργική ζωή πέρασε στη Σεβίλλη, ζωγράφισε πολλούς τέτοιους πίνακες, εμποτισμένους με τρυφερότητα. Στην περίπτωση αυτή η Θεοτόκος απεικονίζεται με κομποσκοίνι. Και εδώ, όπως και τα πρώτα χρόνια της δουλειάς του, ο καλλιτέχνης παραμένει πιστός στο πάθος του για αντιθέσεις φωτός και σκιάς.
Bartolome Esteban Murillo «Ο καλός βοσκός» 1655-1660
Η εικόνα είναι εμποτισμένη με βαθύ λυρισμό και ευγένεια. Ο τίτλος προέρχεται από το Ευαγγέλιο του Ιωάννη: «Εγώ είμαι ο καλός ποιμένας». Αυτό υποδηλώνει ότι ο πίνακας απεικονίζει τον Χριστό, αν και σε πολύ μικρή ηλικία. Όλα στην ταινία του Murillo είναι όμορφα και απλά. Ο καλλιτέχνης αγαπούσε να ζωγραφίζει παιδιά και έβαλε όλη αυτή την αγάπη στην ομορφιά της εικόνας αυτού του αγοριού-Θεού. Στη δεκαετία του 1660-1670, κατά τη διάρκεια της ακμής των ζωγραφικών του δεξιοτήτων, ο Murillo προσπάθησε να ποιήσει τους χαρακτήρες του και συχνά κατηγορήθηκε για κάποιο συναισθηματισμό στις εικόνες του και την εσκεμμένη ομορφιά τους. Ωστόσο, αυτές οι μομφές δεν είναι απολύτως δίκαιες. Το παιδί που απεικονίζεται στον πίνακα φαίνεται ακόμα και σήμερα τόσο στη Σεβίλλη όσο και στα γύρω χωριά. Και ήταν ακριβώς σε αυτό που εκδηλώθηκε ο δημοκρατικός προσανατολισμός του έργου του καλλιτέχνη - εξισώνοντας την ομορφιά της Madonna με την ομορφιά των απλών Ισπανών γυναικών και την ομορφιά του γιου της, του μικρού Χριστού, με την ομορφιά των αχινών.
Alonso Sanchez Coelho «Πορτρέτο των νηπίων Isabella Clara Eugenia and Catalina Micaela» 1575
Το πορτρέτο δείχνει την πριγκίπισσα, οκτώ και εννέα ετών, να κρατά ένα στεφάνι από λουλούδια. Ο Sánchez Coelho ζωγράφιζε πορτρέτα νηπίων - των αγαπημένων κόρες του βασιλιά Φιλίππου Β' και της τρίτης συζύγου του Isabella Valois - από πολύ νωρίς. Όλα τα πορτρέτα είναι κατασκευασμένα σύμφωνα με τους κανόνες ενός πορτραίτου της αυλής - κορίτσια με υπέροχα ρούχα και με απαθείς εκφράσεις προσώπου.
Άντον Ραφαέλ Μενγκς. Πορτρέτο του βασιλιά Carlos III. 1767
Ο Κάρολος Γ΄ ονομαζόταν ίσως ο μόνος αληθινά φωτισμένος μονάρχης στην ιστορία της Ισπανίας. Ήταν αυτός που ίδρυσε το Μουσείο Πράδο το 1785, πρώτα ως μουσείο φυσικής ιστορίας. Ο Κάρολος Γ' ονειρευόταν ότι το Μουσείο Πράδο, μαζί με τους κοντινούς βοτανικούς κήπους, θα γινόταν κέντρο επιστημονικής εκπαίδευσης.
Έχοντας ανέβει στο θρόνο, άρχισε να πραγματοποιεί σοβαρές πολιτικές και οικονομικές μεταρρυθμίσεις, τις οποίες η χώρα είχε τόσο μεγάλη ανάγκη εκείνη την εποχή. Ωστόσο, οι προσπάθειές του ήταν μάταιες - ο γιος του Κάρολος Δ' δεν συμμεριζόταν τις προοδευτικές απόψεις του πατέρα του και μετά το θάνατο του Καρόλου Γ', οι μεταρρυθμίσεις τελείωσαν.
Αυτό το πορτρέτο είναι απολύτως χαρακτηριστικό της εποχής του. Με κάθε λεπτομέρεια, ο καλλιτέχνης εφιστά την προσοχή στη θέση που κατέχει το μοντέλο: ένας μανδύας διακοσμημένος με ερμίνα, ένας μαλτέζος σταυρός επικαλυμμένος με κοσμήματα, λαμπερή πανοπλία - απαραίτητα χαρακτηριστικά του βασιλικού μεγαλείου. Η πλούσια κουρτίνα και η παραστάδα (στοιχείο της κλασικής αρχιτεκτονικής) είναι ένα παραδοσιακό σκηνικό για τέτοια πορτρέτα.
Αλλά ήδη σε αυτό το πορτρέτο προκαλεί έκπληξη το πώς παρουσιάζεται το πρόσωπο του μοντέλου. Ο Μενγκς δεν κάνει καμία προσπάθεια να αδυνατίσει τη βολβώδη μύτη του βασιλιά ή να εξομαλύνει τις πτυχές στα ζαρωμένα μάγουλά του. Χάρη στη μέγιστη ατομικότητα, αυτός ο πίνακας δημιουργεί μια αίσθηση ζωής που οι προκάτοχοι του Μενγκ δεν μπορούσαν να επιτύχουν. Το πορτρέτο σε κάνει να νιώθεις συμπάθεια για τον Carlos III, ο οποίος είναι έτοιμος να «δείξει» την ατελή εμφάνισή του.
Antoine Watteau «Γιορτή στο πάρκο» περ. 1713 - 1716
Αυτή η γοητευτική σκηνή είναι χαρακτηριστικό παράδειγμα των «γαλαντόμων διακοπών» του Watteau. Μια ελαφριά ομίχλη που θολώνει τα περιγράμματα, ένα άγαλμα του Ποσειδώνα σχεδόν κρυμμένο στο φύλλωμα πάνω από το σιντριβάνι και ένα ξεθωριασμένο χρυσό χρώμα - όλα αυτά μεταφέρουν μια ατμόσφαιρα οξείας αλλά φευγαλέα απόλαυσης.
Ο πίνακας ανήκε στην Isabella Farnese, τη δεύτερη σύζυγο του βασιλιά Philip V.
Antonio Carnicero "Rising the Hot Air Balloon in Aranjuez" γ. 1784
Ο πίνακας ανατέθηκε από τον Δούκα και τη Δούκισσα του Haussouin και αποτυπώνει το πνεύμα της Εποχής του Διαφωτισμού, που προκάλεσε ενδιαφέρον για τα επιτεύγματα της επιστημονικής προόδου. Απεικονίζεται ένα πραγματικό γεγονός: το 1784, στους Βασιλικούς Κήπους του Aranjuez, παρουσία του μονάρχη, μελών της οικογένειάς του και αυλικών, έγινε μια πτήση με αερόστατο. Ο Antonio Carnicero ήταν γνωστός για τις όμορφες σκηνές του και αυτός ο πίνακας είναι ένα από τα πιο φιλόδοξα έργα του.
Jose de Madrazo y Agudo "Heavenly Love and Earthly Love" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Lamb of God" 1635-1640
Ένα αρνί ξαπλώνει σε ένα γκρίζο τραπέζι, ξεχωρίζοντας έντονα στο σκούρο φόντο στο έντονα εστιασμένο έντονο φως. Οποιοσδήποτε στον 17ο αιώνα θα τον είχε αναγνωρίσει αμέσως ως τον «αμνό του Θεού» και θα είχε καταλάβει ότι αυτό ήταν μια νύξη στην αυτοθυσία του Χριστού. Το μαλλί του αρνιού είναι υπέροχα φιλοτεχνημένο και φαίνεται τόσο μαλακό που είναι δύσκολο να πάρεις τα μάτια σου από το ζώο και θέλεις να το αγγίξεις.
Juan Pantoja de la Cruz «Πορτρέτο της βασίλισσας Ισαβέλλας του Βαλουά» γ. 1604 – 1608
Ο Pantoja de la Cruz ζωγράφισε αυτό το πορτρέτο, επαναλαμβάνοντας το έργο της Sofonisba Angishola - το πρωτότυπο που κάηκε στο παλάτι το 1604. Ο καλλιτέχνης πρόσθεσε μόνο μια κάπα από γούνα μαρμότας στο ντύσιμο της βασίλισσας.
Η Sofonisba Angishola ήταν καλλιτέχνης από την Κρεμόνα που εργάστηκε στην ισπανική αυλή. Αυτό ήταν το πρώτο πορτρέτο της νεαρής βασίλισσας σε μια σειρά από τον καλλιτέχνη. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε με τρόπο κοντά στα ισπανικά, αλλά σε πιο ζεστά και ανοιχτά χρώματα.
Jean Rann "Πορτρέτο του Carlos III ως παιδί" 1723
Luis Melendez "Νεκρή φύση με ένα κουτί με γλυκά, κουλουράκια και άλλα αντικείμενα" 1770
Ο μεγαλύτερος δεξιοτέχνης της ισπανικής νεκρής φύσης του 18ου αιώνα, ο Luis Melendez γεννήθηκε στην Ιταλία, στην οικογένεια ενός μικρογράφου καλλιτέχνη από την Αστούρια. Το 1717, η οικογένεια μετακόμισε στη Μαδρίτη, όπου ο νεαρός μπήκε στο προπαρασκευαστικό τμήμα της Ακαδημίας του San Fernando και πήρε την πρώτη θέση μεταξύ των πιο προικισμένων μαθητών της. Ωστόσο, το 1747 αναγκάστηκε να εγκαταλείψει την Ακαδημία, ακολουθώντας τον πατέρα του, ο οποίος εκδιώχθηκε από αυτήν ως αποτέλεσμα της σύγκρουσης. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Melendez επισκέπτεται ξανά την Ιταλία. Βοηθώντας αρχικά τον πατέρα του, έγινε μινιατούρας και αφού επέστρεψε από την Ιταλία, προσκλήθηκε από τον Φερδινάνδο ΣΤ' να εικονογραφήσει βιβλία στο Βασιλικό Παρεκκλήσι της Μαδρίτης. Στο είδος της νεκρής φύσης, στο οποίο στράφηκε ο καλλιτέχνης στις αρχές της δεκαετίας του 1760, εμφανίστηκε μια νέα πτυχή του έργου του.
Αυτή η νεκρή φύση ζωγραφίστηκε κατά την ώριμη περίοδο του καλλιτέχνη. Εκείνη την εποχή, στις συνθέσεις του εμφανίστηκαν είδη πολυτελείας και ασημικά. Ωστόσο, ο καλλιτέχνης εξακολουθεί να εμμένει στα ιδανικά του και να εργάζεται σύμφωνα με την παράδοση του είδους. Η υλική απτή του καθενός από τα αντικείμενα που είναι ζωγραφισμένα σε καμβά μας κάνει να ανακαλούμε τα καλύτερα παραδείγματα νεκρής φύσης στην παγκόσμια τέχνη. Το απτό διαφανές γυαλί του γυαλιού αντανακλάται στη ματ γυαλιστερή επιφάνεια του ασημένιου βάζου. Ένα απαλό κουλουράκι σε μια λευκή χαρτοπετσέτα που μοιάζει να μυρίζει σαν φρεσκοψημένο ψωμί. Ο λαιμός ενός σφραγισμένου μπουκαλιού λάμπει θαμπό. Ένα ασημί πιρούνι προεξέχει ελαφρώς πέρα από την άκρη του φωτισμένου τραπεζιού. Στη σύνθεση αυτής της νεκρής φύσης δεν υπάρχει ασκητική διάταξη αντικειμένων σε μια σειρά, χαρακτηριστικό, για παράδειγμα, των νεκρών φύσεων του Zurbaran. Ίσως έχει κάτι κοινό με τα ολλανδικά δείγματα. Αλλά ο τόνος είναι πιο σκούρος, υπάρχουν λιγότερα αντικείμενα και η σύνθεση είναι πιο απλή.
Juan de Arellano "Καλάθι με λουλούδια" 1670
Ισπανός ζωγράφος μπαρόκ, ειδικευμένος στην απεικόνιση λουλουδιών, γεννημένος στη Σαντόρκα το 1614. Στην αρχή σπούδασε στο στούντιο ενός άγνωστου πλέον καλλιτέχνη, αλλά σε ηλικία 16 ετών μετακόμισε στη Μαδρίτη, όπου σπούδασε με τον Juan de Solis, έναν καλλιτέχνη που έκανε παραγγελίες για τη βασίλισσα Ισαβέλλα. Ο Juan de Arellano έζησε για πολύ καιρό με μικρές παραγγελίες, συμπεριλαμβανομένων τοιχογραφιών, μέχρι που αποφάσισε να επικεντρωθεί αποκλειστικά στη ζωγραφική λουλουδιών και έγινε ένας αξεπέραστος δεξιοτέχνης σε αυτόν τον τομέα. Πιστεύεται ότι ο πλοίαρχος ξεκίνησε αντιγράφοντας τα έργα άλλων, ιδιαίτερα Ιταλών, φλαμανδών νεκρών φύσεων πρόσθεσαν κομψότητα και αυστηρότητα στο στυλ του. Αργότερα, σε αυτόν τον συνδυασμό πρόσθεσε τις δικές του συνθετικές ιδέες και μια χαρακτηριστική χρωματική παλέτα.
Η μάλλον απλή σύνθεση αυτής της νεκρής φύσης είναι χαρακτηριστική του Arellano. Τα καθαρά, έντονα φυτικά χρώματα αναδεικνύονται έντονα σε ένα ουδέτερο καφέ φόντο λόγω του έντονου φωτισμού.