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Historia General del Arte
Del consejo editorial
origen del arte
Las principales etapas en el desarrollo del arte primitivo.
Arte de Asia occidental (I. Loseva)
Introducción
La cultura más antigua de las tribus y pueblos de Mesopotamia (cuarto – principios del tercer milenio antes de Cristo)
Arte de Sumeria (siglos 27-25 a.C.)
Arte de Acad (siglos XXIV-XXIII a.C.)
Arte de Sumeria (siglos XXII a.C.)
Arte de Babilonia (siglos XIX-XII a.C.)
Arte de los hititas y Mitanni (siglos XVIII-VIII a.C.)
Arte de Asiria (siglos IX-VII a.C.)
Arte del Reino Neobabilónico (siglos VII-VI a.C.)
El arte del antiguo Egipto (M. Mathieu)
Introducción
Suma arte egipcio antiguo(IV milenio antes de Cristo)
Arte Reino antiguo(3200 – 2400 aC)
Arte del Reino Medio (siglo XXI - principios del siglo XIX a. C.)
Arte de la primera mitad del Imperio Nuevo (siglos XVI-XV a.C.)
El arte de la época de Akenatón y sus sucesores (finales del siglo XV - principios del XIV a. C.)
Arte de la segunda mitad del Reino Nuevo (siglos XIV-II a.C.)
Arte Tardío (siglo XI – 332 a.C.)
Arte Grecia antigua(Yu. Kolpinsky)
Características generales cultura y arte de la antigua Grecia
Arte de la Grecia homérica
Arte griego arcaico
Arte clásicos griegos(Principios del siglo V – mediados del siglo IV a.C.)
Arte de los Clásicos Tempranos (La llamada “calma estricta” 490 – 450 a.C.)
Alto Arte Clásico (450 – 410 a.C.)
Arte Clásico Tardío (Desde el final de las Guerras del Peloponeso hasta el surgimiento del Imperio Macedonio)
Arte helenístico (E. Rotenberg)
Arte helenístico
El arte de la antigua Roma (N. Britova)
Arte de la antigua Roma
Este arte ruso
Arte de la República Romana
Arte del Imperio Romano siglo I. norte. mi.
Arte del Imperio Romano siglo II. ANUNCIO
Arte de las provincias romanas de los siglos II-III. ANUNCIO
Arte del Imperio Romano siglos III-IV
Arte de la costa norte del Mar Negro
Arte de la antigua Transcaucasia
Arte del antiguo Irán (I. Loseva, M. Dyakonov)
Arte Asia central
Arte de la antigua India
Arte China antigua
Historia General del Arte
Volumen uno
Del consejo editorial
B.V. Weimarn, B.R. Vipper, A.A. Guber, M.V. Dobroklonsky, A.D.
“Historia General del Arte” elaborado por el Instituto de Teoría e Historia bellas artes Academia de las Artes de la URSS con la participación de científicos e historiadores del arte de otros instituciones científicas y museos: el Hermitage Estatal, el Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A. S. Pushkin, etc.
"Historia General del Arte" es una historia de la pintura, el dibujo, la escultura, la arquitectura y artes aplicadas de todos los siglos y pueblos desde el arte primitivo hasta el arte de nuestros días inclusive. Este material está organizado en seis volúmenes (siete libros) de la siguiente manera:
Volumen uno. Arte mundo antiguo: arte primitivo, arte de Asia occidental, antiguo Egipto, arte del Egeo, arte de la antigua Grecia, arte helenístico, arte de la antigua Roma, región del norte del Mar Negro, Transcaucasia, Irán, antigua Asia central, arte antiguo India y China.
Volumen dos. Arte de la Edad Media. Libro 1: arte de Bizancio, Balcanes medievales, arte ruso antiguo (hasta el siglo XVII inclusive), arte de Armenia, Georgia, países árabes, Turquía, arte merovingio y carolingio. Europa occidental, Arte románico y gótico de Francia, Inglaterra, Países Bajos, Alemania, República Checa, Polonia, Estonia, Letonia, Italia y España. Libro 2: arte de Asia Central del siglo VI al XVIII, Azerbaiyán, Irán, Afganistán; India del siglo VII al XVIII, Ceilán, Birmania, Tailandia, Camboya, Laos, Vietnam, Indonesia; China del siglo III al XVIII, Corea, Japón. El mismo libro contiene el arte de los pueblos de la Antigua América y la Antigua África.
Volumen tres. Arte renacentista: arte de Italia de los siglos XIII al XVI, Países Bajos, Alemania, Francia, Inglaterra, España, República Checa, Polonia de los siglos XV - XVI.
Volumen cuatro. Arte de los siglos XVII-XVIII en Europa y América: arte de Italia siglos XVII-XVIII, España, Flandes, Holanda siglo XVII, Francia siglos XVII-XVIII, Rusia siglo XVIII, Inglaterra siglos XVII-XVIII, Estados Unidos siglo XVIII, América Latina Siglos XVII - XVIII y otros países.
Volumen cinco. Arte del siglo XIX: arte de los pueblos de Rusia, Francia, Inglaterra, España, Estados Unidos, Alemania, Italia, Suecia, Noruega, Dinamarca, Finlandia, Bélgica, Holanda, Austria, República Checa, Polonia, Rumania, Hungría, Bulgaria. Serbia y Croacia, América Latina, India, China y otros países.
Volumen seis. Arte de finales del siglo XIX y XX: arte ruso de 1890-1917, arte de Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Alemania y otros países de Europa occidental y América de finales del siglo XIX y principios del XX. arte soviético, arte contemporáneo de Europa occidental y América, democracias populares, China, India y otros países del Este.
El sexto volumen contendrá una detallada bibliografía consolidada sobre toda la historia mundial del arte.
Además de ilustraciones en tablas y dibujos en el texto de cada capítulo, se proporcionarán mapas que indiquen los lugares de los hallazgos arqueológicos, centros artísticos y ubicación de estructuras arquitectónicas.
La Historia General del Arte busca caracterizar y evaluar el arte de todos los pueblos de la tierra que han contribuido a la historia mundial del arte. Por eso, en el libro, junto con el arte de los pueblos y países de Europa, gran lugar arte de los pueblos de Asia, África y América. La atención principal al trabajar en la "Historia general del arte" la ocuparon aquellas épocas de la historia del arte en las que hubo un florecimiento particularmente alto del arte realista: el arte de la antigua Grecia. arte chino Siglos X-XIII, arte renacentista, maestros realistas de Europa siglos XVII-XIX, etc.
La Historia General del Arte pretende dar un resumen estado actual ciencia mundial del arte. También contiene una serie de estudios originales de historiadores del arte soviéticos en diversos campos de la historia del arte.
El origen del arte - N. A. Dmitrieva.
Las principales etapas en el desarrollo del arte primitivo - V.V.
Arte de Asia occidental - I. M. Loseva.
El arte del Antiguo Egipto – M.E-Mathieu.
Arte del Egeo - N. N. Britova.
El arte de la antigua Grecia - Yu. D. Kolpinsky.
El arte de la era helenística - E. I. Rotenberg.
El arte de la antigua Roma - N. N. Britova.
Arte de la costa norte del Mar Negro - N. N. Britova.
El arte de Transcaucasia en la antigüedad - V.V.
El arte del antiguo Irán: I. M. Loseva (Irán aqueménida) y M. M. Dyakonov (Irán sasánida).
Arte de la antigua Asia Central - M. M. Dyakonov.
El arte de la antigua India - N. A. Vinogradova y O. S. Prokofiev.
El arte de la antigua China - N. A. Vinogradova.
B.V. Weimarn (arte de Asia occidental, Irán, Asia central, China) y E.I. Rotenberg (arte romano) participaron en la edición de algunos capítulos del primer volumen.
La selección de ilustraciones y la maquetación del volumen estuvieron a cargo de A. D. Chegodaev y R. B. Klimov con la participación de T. P. Kaptereva, A. G. Podolsky y E. I. Rotenberg.
Los mapas fueron realizados por el artista G. G. Fedorov, los dibujos del texto fueron realizados por los artistas Yu A. Vasilyev y M. N. Mashkovtsev.
El índice fue elaborado por N. I. Bespalova y A. G. Podolsky, las explicaciones de las ilustraciones por E. I. Rotenberg.
Las consultas y revisiones fueron realizadas por el Instituto de Historia del Arte de la Academia de Ciencias de la URSS, Instituto de Historia. cultura material Academia de Ciencias de la URSS, sector Antiguo Oriente Instituto de Estudios Orientales de la Academia de Ciencias de la URSS, Instituto de Historia del Arte de Georgia de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Georgia, Instituto de Arquitectura y Arte de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Azerbaiyán, Sector de Historia del Arte de Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Armenia, Instituto de Teoría e Historia de la Arquitectura de la Academia de Arquitectura de la URSS, Departamento de Historia del Arte de la Universidad Estatal de Moscú. M. V. Lomonosov, Instituto Estatal de Arte de Moscú. V.I. Surikov y el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura que lleva su nombre. I. E. Repin, Museo Estatal del Hermitage, Museo Estatal de Bellas Artes. A. S. Pushkin, Museo de Culturas Orientales, Museo Estatal artes de Georgia.
El consejo editorial expresa su agradecimiento a los científicos que prestaron gran ayuda con sus consejos y críticas en la preparación del primer volumen: M. V. Alpatov, Sh. Ya. Arakelyan, M. I. Artamonov, A. V. Bank, V. D. Blavatsky, A. Ya. Bryusov, Wang Xun, A. I. Voshchinina, O. N. Glukhareva, Guo Bao-jun, I. M. Dyakonov, A. A. Jessen, R. V. Kinzhalov, T. N. Knipovich, M. M. Kobylina, M. N. Krechetova, V. N. Lazarev, M. I. Maksimova, V. K. Nikolsky, A. P. Okladnikov, V. V. Pavlov, A. A. Peredolskaya, B. B. Piotrovsky, V. V. Struve, Xia Nai, Tang Lan, S. P. Tolstov, K. V. Trever, S. I. Tyulyaev, N. D. Flittner, Han Shou-xuan, Chen Meng-chia.
arte primitivo
origen del arte
N. Dmitriev
El arte como área especial de la actividad humana, con sus propias tareas independientes, cualidades especiales, atendidas por artistas profesionales, sólo se hizo posible sobre la base de la división del trabajo. Engels dice sobre esto: “... la creación de las artes y las ciencias; todo esto sólo fue posible con la ayuda de una división mejorada del trabajo, que se basaba en una gran división del trabajo entre las masas dedicadas al trabajo físico simple y los unos pocos privilegiados que dirigen el trabajo, se ocupan del comercio, de los asuntos estatales y, más tarde, también de la ciencia y el arte. La forma más simple y completamente espontánea de esta división del trabajo fue precisamente la esclavitud" ( F. Engels, Anti-Dühring, 1951, pág.).
Pero desde actividad artística es una forma única de conocimiento y trabajo creativo, entonces sus orígenes son mucho más antiguos, ya que la gente trabajó y en el proceso de este trabajo aprendió el mundo que nos rodea mucho antes de la división de la sociedad en clases. Los descubrimientos arqueológicos de los últimos cien años han revelado numerosas obras bellas artes hombre primitivo, cuya edad se estima en decenas de miles de años. Éstas son pinturas rupestres; figuritas de piedra y hueso; imágenes y patrones ornamentales, tallada sobre trozos de asta de ciervo o sobre losas de piedra. Se encuentran en Europa, Asia y África. Se trata de obras que aparecieron mucho antes de que pudiera surgir una idea consciente de creatividad artística. Muchos de ellos, que reproducen principalmente figuras de animales (ciervos, bisontes, caballos salvajes, mamuts), son tan vitales, tan expresivos y fieles a la naturaleza que no sólo son preciosos. monumentos historicos, sino que también conservan su poder artístico hasta el día de hoy.
El carácter material y objetivo de las obras de arte determina condiciones especialmente favorables para los investigadores de los orígenes de las bellas artes en comparación con los historiadores que estudian los orígenes de otros tipos de artes. Si las etapas iniciales de la épica, la música y la danza deben juzgarse principalmente por datos indirectos y por analogía con la creatividad de las tribus modernas en las primeras etapas del desarrollo social (la analogía es muy relativa, y sólo se puede confiar en ella con gran cautela), ), luego la infancia de la pintura, la escultura y la gráfica nos confrontan con nuestros propios ojos.
No coincide con la infancia de la sociedad humana, es decir, las épocas más antiguas de su formación. De acuerdo a ciencia moderna, el proceso de humanización de los ancestros simiescos del hombre comenzó incluso antes de la primera glaciación del Cuaternario y, por tanto, la “edad” de la humanidad es de aproximadamente un millón de años. Los primeros vestigios de arte primitivo se remontan al Paleolítico Superior (Tardío), que comenzó aproximadamente varias decenas de miles de años antes de Cristo. la llamada época auriñaciense( Las etapas chelesiana, achelense, musteriense, auriñaciense, solutrense y magdaleniense de la Edad de Piedra Antigua (Paleolítico) llevan el nombre de los lugares de los primeros hallazgos.) Esta fue una época de relativa madurez del sistema comunal primitivo: el hombre de esta época, en su constitución física, no se diferenciaba de hombre moderno, ya hablaba y sabía fabricar herramientas bastante complejas a partir de piedra, hueso y cuerno. Dirigió una caza colectiva de animales grandes con la ayuda de lanzas y dardos. Los clanes se unieron en tribus y surgió el matriarcado.
Debieron pasar más de 900 mil años entre gente antigua de un tipo de hombre moderno, antes de que la mano y el cerebro estuvieran maduros para la creación artística.
Mientras tanto, la fabricación de herramientas de piedra primitivas se remonta a épocas mucho más antiguas del Paleolítico Inferior y Medio. Sinanthropus (cuyos restos fueron encontrados cerca de Beijing) ya había alcanzado un nivel bastante alto en la fabricación de herramientas de piedra y sabía utilizar el fuego. Las personas del último tipo neandertal procesaron las herramientas con más cuidado, adaptándolas a propósitos especiales. Sólo gracias a esta "escuela", que duró muchos milenios, se desarrolló la necesaria flexibilidad de la mano, la fidelidad del ojo y la capacidad de generalizar lo visible, resaltando sus rasgos más significativos y característicos, es decir, todos aquellos. cualidades que aparecían en los maravillosos dibujos de la cueva de Altamira. Si una persona no hubiera ejercitado y refinado su mano, procesando para obtener alimentos un material tan difícil de procesar como la piedra, no habría podido aprender a dibujar: sin dominar la creación de formas utilitarias, habría No habría podido crear una forma artística. Si muchas, muchas generaciones no hubieran concentrado su capacidad de pensamiento en capturar a la bestia, la principal fuente de vida del hombre primitivo, no se les habría ocurrido representar a esta bestia.
Entonces, en primer lugar, “el trabajo es más viejo que el arte“(Esta idea fue argumentada brillantemente por G. Plejánov en sus “Cartas sin dirección”) y, en segundo lugar, el arte debe su surgimiento al trabajo. Pero ¿qué provocó el paso de la producción de herramientas exclusivamente útiles y prácticamente necesarias a la producción, junto con ellas, de imágenes “inútiles”? Fue esta cuestión la que más debatió y confundió a los científicos burgueses que intentaron a toda costa aplicar la tesis de Immanuel Kant sobre la “falta de propósito”, el “desinterés” y el “valor inherente” de la actitud estética hacia el mundo al arte primitivo. Quienes escribieron sobre el arte primitivo, K. Bücher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Vreul, W. Gausenstein y otros, argumentaron que gente primitiva Se dedicaban al “arte por el arte”; el primer y determinante estímulo de la creatividad artística era el deseo humano innato de jugar.
Las teorías del "juego" en sus diversas variedades se basaron en la estética de Kant y Schiller, según la cual la característica principal de la experiencia estética y artística es precisamente el deseo de un "juego libre con las apariencias", libre de cualquier objetivo práctico, de lógica. y evaluación moral.
“El impulso estético creativo”, escribió Friedrich Schiller, “construye imperceptiblemente, en medio del terrible reino de las fuerzas y en medio del sagrado reino de las leyes, un tercer y alegre reino del juego y de la apariencia, en el que aleja del hombre los grilletes de todas las relaciones y lo libera de todo lo que se llama coerción tanto física como moralmente"( F. Schiller, Artículos sobre estética, pág.).
Schiller aplicó este principio básico de su estética a la cuestión del surgimiento del arte (mucho antes de los descubrimientos de auténticos monumentos de la creatividad paleolítica), creyendo que el “alegre reino del juego” se estaba erigiendo ya en los albores de la sociedad humana: “ ... ahora los antiguos alemanes buscan pieles de animales más brillantes, cuernos más magníficos, vasijas más elegantes, y los caledonios buscan las conchas más hermosas para sus festividades. No contento con introducir un excedente de estética en lo necesario, el libre impulso de jugar finalmente rompe completamente con los grilletes de la necesidad, y la belleza misma se convierte en objeto de las aspiraciones humanas. Él mismo se adorna. El placer gratuito se cuenta entre sus necesidades, y lo inútil pronto se convierte en la mejor parte de su alegría". F. Schiller, Artículos sobre estética, págs. 289, 290.). Sin embargo, este punto de vista es refutado por los hechos.
En primer lugar, es absolutamente increíble que hombres de las cavernas, que pasaban sus días en la más dura lucha por la existencia, indefensos ante las fuerzas naturales que los enfrentaban como algo extraño e incomprensible, sufriendo constantemente por la falta de fuentes de alimento, podían dedicar tanta atención y energía a los “placeres libres”. " Además, estos "placeres" requerían mucha mano de obra: se necesitaba mucho trabajo para tallar grandes relieves en piedra, como el friso escultórico del refugio bajo la roca de Le Roc de Cerre (cerca de Angoulême, Francia). Finalmente, numerosos datos, incluidos los etnográficos, indican directamente que a las imágenes (así como a las danzas y diversos tipos de acciones dramáticas) se les dio un significado extremadamente importante y puramente práctico. A ellos se les asociaban ceremonias rituales, destinadas a asegurar el éxito de la caza; es posible que hicieran sacrificios asociados con el culto al tótem, es decir, a la bestia, el santo patrón de la tribu. Se han conservado dibujos que reproducen una recreación de una caza, imágenes de personas con máscaras de animales, animales atravesados por flechas y sangrando.
Incluso los tatuajes y la costumbre de usar todo tipo de joyas no fueron causados por el deseo de "jugar libremente con las apariencias": fueron dictados por la necesidad de intimidar a los enemigos, protegieron la piel de las picaduras de insectos o desempeñaron nuevamente el papel de amuletos sagrados o testimonio de las hazañas de un cazador, por ejemplo, un collar hecho con dientes de oso podría indicar que el portador participó en la caza del oso. Además, en las imágenes sobre trozos de asta de ciervo, sobre pequeños azulejos, se pueden ver los inicios de la pictografía ( La pictografía es la forma principal de escritura en forma de imágenes de objetos individuales.), es decir, un medio de comunicación. Plejánov en “Cartas sin dirección” cita la historia de un viajero que “una vez encontró en la arena costera de uno de los ríos brasileños, dibujada por los nativos, la imagen de un pez que pertenecía a una de las razas locales. Ordenó a los indios que lo acompañaban que echaran una red y sacaron varios trozos de peces de la misma especie que están representados en la arena. Es claro que al realizar esta imagen, el nativo quiso llamar la atención de sus compañeros que tal o cual pez fue encontrado en este lugar"( G. V. Plejánov. Arte y Literatura, 1948, pág.). Es obvio que los pueblos del Paleolítico usaban letras y dibujos de la misma manera.
Hay muchos relatos de testigos presenciales sobre danzas de caza de tribus australianas, africanas y de otras tribus y sobre rituales de “matar” imágenes pintadas de animales, y estas danzas y rituales combinan elementos ritual mágico con ejercicio de acciones adecuadas, es decir, con una especie de ensayo, preparación práctica para la caza. Varios hechos indican que las imágenes del Paleolítico tenían propósitos similares. En la cueva de Montespan en Francia, en la región del norte de los Pirineos, se encontraron numerosas esculturas de arcilla de animales (leones, osos, caballos) cubiertas con huellas de golpes de lanza, aparentemente infligidos durante algún tipo de ceremonia mágica ( Véase la descripción, según Beguin, en el libro de A. S. Gushchin “El origen del arte”, L.-M., 1937, p.).
La indiscutibilidad y la multiplicidad de tales hechos obligaron a los investigadores burgueses posteriores a reconsiderar la "teoría de los juegos" y proponer como complemento una "teoría mágica". Al mismo tiempo, la teoría del juego no fue descartada: la mayoría de los científicos burgueses continuaron argumentando que, aunque las obras de arte se utilizaban como objetos de acción mágica, el impulso para su creación residía en la tendencia innata a jugar, imitar, imitar. decorar.
Es necesario señalar otra versión de esta teoría, que afirma el carácter biológico innato del sentido de la belleza, supuestamente característico no sólo de los humanos, sino también de los animales. Si el idealismo de Schiller interpretaba el "juego libre" como una propiedad divina espíritu humano- específicamente humano - entonces los científicos, propensos al positivismo vulgar, vieron la misma propiedad en el mundo animal y, en consecuencia, conectaron los orígenes del arte con los instintos biológicos de la autodecoración. La base de esta afirmación fueron algunas observaciones y afirmaciones de Darwin sobre los fenómenos de la selección sexual en los animales. Darwin, señalando que en algunas razas de aves los machos atraen a las hembras con el brillo de su plumaje, que, por ejemplo, los colibríes decoran sus nidos con objetos multicolores y brillantes, etc., sugirió que las emociones estéticas no son ajenas a los animales.
Los hechos establecidos por Darwin y otros naturalistas no están en sí mismos sujetos a duda. Pero no hay duda de que es tan ilegítimo deducir de ello el origen del arte de la sociedad humana como explicar, por ejemplo, los motivos de los viajes y descubrimientos geográficos, realizado por personas, por ese instinto que impulsa a las aves a sus migraciones estacionales. La actividad humana consciente es lo opuesto a la actividad instintiva e inconsciente de los animales. El color, el sonido y otros estímulos bien conocidos en realidad tienen una cierta influencia en la esfera biológica de los animales y, al consolidarse en el proceso de evolución, adquieren el significado de reflejos incondicionados (y solo en algunos casos relativamente raros, la naturaleza de estos estímulos coinciden con los conceptos humanos de lo bello, lo armonioso).
No se puede negar que los colores, las líneas, así como los sonidos y los olores afectan al cuerpo humano, algunos de forma irritante y repulsiva, otros, por el contrario, fortaleciendo y favoreciendo su correcto y activo funcionamiento. Esto de una forma u otra lo tiene en cuenta una persona en su actividad artística, pero de ninguna manera constituye su base. Los motivos que obligaron al hombre del Paleolítico a dibujar y tallar figuras de animales en las paredes de las cuevas, por supuesto, no tienen nada que ver con impulsos instintivos: este es un acto creativo consciente y decidido de una criatura que hace mucho tiempo rompió las cadenas de los ciegos. instinto y se ha embarcado en el camino de dominar las fuerzas de la naturaleza y, por tanto, de comprender estas fuerzas.
Marx escribió: “La araña realiza operaciones que recuerdan a las del tejedor, y la abeja, con la construcción de sus células de cera, avergüenza a algunos arquitectos humanos. Pero incluso el peor arquitecto se diferencia de la mejor abeja desde el principio en que, antes de construir una celda de cera, ya la ha construido en su cabeza. Al final del proceso laboral se obtiene un resultado que ya estaba en la mente del trabajador al inicio de este proceso, es decir, ideal. Un trabajador se diferencia de una abeja no solo en que cambia la forma de lo que le da la naturaleza: en lo que le da la naturaleza, al mismo tiempo realiza su objetivo consciente, que, como una ley, determina el método y el carácter de sus acciones y a las que debe subordinar su voluntad"( ).
Para poder realizar una meta consciente, una persona debe saber objeto natural, con el que se ocupa, debe comprender sus propiedades naturales. La capacidad de saber tampoco aparece de inmediato: pertenece a esas "fuerzas latentes" que se desarrollan en una persona en el proceso de su influencia sobre la naturaleza. Como manifestación de esta capacidad, surge el arte: surge justo cuando el trabajo mismo ya se ha alejado de las “primeras formas instintivas de trabajo animal”, “liberado de su forma primitiva e instintiva” ( K. Marx, El capital, vol. I, 1951, pág.). El arte y, en particular, las bellas artes, en sus orígenes, fue uno de los aspectos del trabajo que se desarrolló hasta un cierto nivel de conciencia.
Un hombre dibuja un animal: con ello sintetiza sus observaciones del mismo; reproduce cada vez con mayor confianza su figura, sus hábitos, sus movimientos y sus diversos estados. Formula sus conocimientos en este dibujo y los consolida. Al mismo tiempo, aprende a generalizar: una imagen de un ciervo transmite características observadas en toda una serie de ciervos. Esto en sí mismo da un enorme impulso al desarrollo del pensamiento. Es difícil sobreestimar el papel progresivo de la creatividad artística en el cambio de la conciencia humana y su relación con la naturaleza. Este último ya no le resulta tan oscuro ni tan encriptado; poco a poco, siempre al tacto, lo estudia.
Así, las bellas artes primitivas son al mismo tiempo embriones de la ciencia o, más precisamente, del conocimiento primitivo. Está claro que en esa etapa infantil y primitiva del desarrollo social, estas formas de conocimiento aún no podían ser desmembradas, como lo fueron en épocas posteriores; Al principio actuaron juntos. todavía no era arte en su totalidad Este concepto no era conocimiento en el sentido propio de la palabra, sino algo en el que los elementos primarios de ambos estaban inseparablemente combinados.
En este sentido, resulta comprensible por qué el arte paleolítico presta tanta atención a la bestia y relativamente poca al hombre. Su objetivo principal es comprender la naturaleza externa. Al mismo tiempo que ya han aprendido a representar animales de forma sorprendentemente realista y vívida, las figuras humanas casi siempre se representan de una manera muy primitiva y simplemente inepta, con la excepción de algunas raras excepciones, como los relieves de Lossel.
1 6. Mujer con cuerno. Cazador. Relieves de Loselle (Francia, departamento de Dordoña). Caliza. Altura aprox. 0,5 metros. Paleolítico superior, época auriñaciense.
En el arte paleolítico aún no existe ese interés primario por el mundo de las relaciones humanas que distingue al arte, que delimitaba su ámbito del de la ciencia. De los monumentos del arte primitivo (al menos de las bellas artes) es difícil aprender algo sobre la vida de una comunidad tribal más allá de su caza y los rituales mágicos relacionados; El lugar más importante lo ocupa el objeto de la caza: el animal. Fue su estudio el de mayor interés práctico, ya que era la principal fuente de existencia, y el enfoque utilitario-cognitivo de la pintura y la escultura se reflejó en el hecho de que representaban principalmente animales y especies cuya extracción era especialmente importante y al mismo tiempo difícil y peligroso, y por lo tanto requiere un estudio particularmente cuidadoso. Rara vez se representaban pájaros y plantas.
Por supuesto, la gente del Paleolítico aún no podía comprender correctamente tanto los patrones del mundo natural que los rodeaba como los patrones de sus propias acciones. Todavía no había una conciencia clara de la diferencia entre lo real y lo aparente: lo visto en un sueño probablemente parecía ser la misma realidad que lo visto en la realidad. De todo este caos de ideas fabulosas surgió la magia primitiva, que fue consecuencia directa del extremo subdesarrollo, la extrema ingenuidad y la inconsistencia de la conciencia del hombre primitivo, que mezcló lo material con lo espiritual, que por ignorancia se atribuyó la existencia material. a hechos inmateriales de la conciencia.
Al dibujar la figura de un animal, una persona, en cierto sentido, realmente "dominaba" al animal, ya que lo conocía, y el conocimiento es la fuente del dominio sobre la naturaleza. La necesidad vital del conocimiento figurativo fue la razón del surgimiento del arte. Pero nuestro antepasado entendió este “dominio” en un sentido literal y realizó rituales mágicos en torno al dibujo que realizó para asegurar el éxito de la caza. Repensó fantásticamente los verdaderos motivos racionales de sus acciones. Es cierto que es muy probable que la creatividad visual no siempre haya tenido un propósito ritual; aquí, obviamente, también intervinieron otros motivos, que ya se mencionaron anteriormente: la necesidad de intercambio de información, etc. Pero, en cualquier caso, no se puede negar que la mayoría de las pinturas y esculturas también tenían propósitos mágicos.
La gente empezó a dedicarse al arte mucho antes de que tuvieran un concepto de arte y mucho antes de que pudieran comprender su significado real, sus beneficios reales.
Aunque se dominaba la capacidad de representar el mundo visible, la gente tampoco se daba cuenta del verdadero significado social de esta habilidad. Sucedió algo similar al desarrollo posterior de las ciencias, que también se fueron liberando gradualmente del cautiverio de ideas fantásticas e ingenuas: los alquimistas medievales buscaron encontrar la "piedra filosofal" y dedicaron años de duro trabajo a ello. Nunca encontraron la piedra filosofal, pero adquirieron experiencia más valiosa en el estudio de las propiedades de los metales, ácidos, sales, etc., que prepararon el posterior desarrollo de la química.
Al decir que el arte primitivo era una de las formas originales de conocimiento, el estudio del mundo circundante, no debemos suponer que, por tanto, no tenía nada de estético en el sentido propio de la palabra. Lo estético no es algo completamente opuesto a lo útil.
Ya los procesos de trabajo asociados con la fabricación de herramientas y, como sabemos, que comenzaron muchos milenios antes que las ocupaciones de dibujo y modelado, prepararon en cierta medida la capacidad de juicio estético de una persona, le enseñaron el principio de conveniencia y correspondencia de forma al contenido. Las herramientas más antiguas son casi informes: son piezas de piedra, talladas por un lado, y luego por ambos lados: servían para diferentes propósitos: para cavar, para cortar, etc. A medida que las herramientas se van especializando según su función (puntas puntiagudas aparecen raspadores, cortadores, agujas), adquieren una forma más definida y consistente y, por tanto, más elegante: en este proceso se realiza el significado de la simetría, las proporciones y se desarrolla ese sentimiento. la medida necesaria, que es tan importante en el arte. Y cuando las personas que buscaban aumentar la eficiencia de su trabajo y aprendieron a apreciar y sentir el significado vital de una forma determinada, abordaron la transferencia de formas complejas del mundo viviente, pudieron crear obras que ya eran estéticamente muy significativas. y eficaz.
Trazos económicos y audaces y grandes manchas de pintura roja, amarilla y negra transmitían el cadáver monolítico y poderoso del bisonte. La imagen estaba llena de vida: se podía sentir el temblor de los músculos tensos, la elasticidad de las piernas cortas y fuertes, se podía sentir la disposición de la bestia a correr hacia adelante, inclinando su enorme cabeza, sacando los cuernos y mirando por debajo de las cejas. con los ojos inyectados en sangre. Probablemente el pintor recreó vívidamente en su imaginación su pesada carrera por la espesura, su furioso rugido y los gritos bélicos de la multitud de cazadores que lo perseguían.
En numerosas imágenes de ciervos y gamos, los artistas primitivos transmitieron muy bien las esbeltas figuras de estos animales, la gracia nerviosa de su silueta y esa alerta sensible que se refleja en el giro de la cabeza, en las orejas erguidas, en las curvas de el cuerpo cuando escuchan para ver si están en peligro. Al representar con asombrosa precisión tanto al formidable y poderoso bisonte como a la elegante gama, la gente no pudo evitar asimilar estos mismos conceptos (fuerza y gracia, aspereza y gracia), aunque, tal vez, todavía no sabían cómo formularlos. Y una imagen ligeramente posterior de una madre elefante, cubriendo a su cría con su trompa del ataque de un tigre, ¿no indica que el artista estaba empezando a interesarse por algo más que apariencia bestia, que observaba de cerca la vida misma de los animales y sus diversas manifestaciones le parecían interesantes e instructivos. Notó momentos conmovedores y expresivos en el mundo animal, manifestaciones del instinto maternal. En una palabra, las experiencias emocionales de una persona sin duda fueron refinadas y enriquecidas con la ayuda de su actividad artística ya en estas etapas de su desarrollo.
Sobre el libro
"Historia General del Arte" en seis volúmenes
Consejo editorial
Academia de Artes de la URSS Instituto de Teoría e Historia de las Bellas Artes
"Historia General del Arte" volumen uno
Arte del mundo antiguo bajo la dirección general de A.D. Chegodaev
Editorial Estatal "Art" Moscú 1956
VII volumen 1
"Historia General del Arte" Tomo I
Editor R. B. Klimov
Diseño del artista I. F. Rerberg
Editor de arte V.D. Karandashov
Editor técnico A. A. Sidorova
Los correctores N. Ya. Korneeva y A. A. Pozin
Pronunciado el 15 de noviembre de 1955. Sub. a la estufa 25/IX 1956 Formulario, papel 84x108 1/16
Pech. l. 58 (condicional 95.12). Educación académica. l. 77.848. Circulación 75000. III 11453.
"Arte", Moscú, I-51,
Bulevar Tsvetnoy, 25. Editorial. No. 13524. Zak. tipo. No 4.
Ministerio de Cultura de la URSS. Dirección General de la Industria Gráfica.
Imprenta número 21 que lleva el nombre. Ivan Fedorov, Leningrado, calle Zvenigorodskaya, 11
Precio 70 rublos.
"La Historia General de las Artes" fue preparada por el Instituto de Teoría e Historia de las Bellas Artes de la Academia de las Artes de la URSS con la participación de científicos e historiadores del arte de otras instituciones científicas y museos: el Hermitage Estatal, el Museo Estatal de Bellas Artes. lleva el nombre de A. S. Pushkin, etc. “La Historia General del Arte” es la historia de la pintura, la gráfica, la escultura, la arquitectura y las artes aplicadas de todos los siglos y pueblos, desde el arte primitivo hasta el arte de nuestros días inclusive. Volumen uno. Arte del mundo antiguo: arte primitivo, arte de Asia occidental, antiguo Egipto, arte del Egeo, arte de la antigua Grecia, arte helenístico, arte de la antigua Roma, región del norte del Mar Negro, Transcaucasia, Irán, antigua Asia central, el arte antiguo de la India y China.
Del consejo editorial
B.V. Weimarn, B.R. Vipper, A.A. Guber, M.V. Dobroklonsky, A.D.
La "Historia general del arte" fue preparada por el Instituto de Teoría e Historia de las Bellas Artes de la Academia de las Artes de la URSS con la participación de científicos e historiadores del arte de otras instituciones científicas y museos: el Hermitage Estatal, el Museo Estatal de Bellas Artes llamado después de A. S. Pushkin, etc.
“Historia General del Arte” es una historia de la pintura, la gráfica, la escultura, la arquitectura y las artes aplicadas de todos los siglos y pueblos, desde el arte primitivo hasta el arte de nuestros días, inclusive. Este material está organizado en seis volúmenes (siete libros) de la siguiente manera:
Volumen uno. Arte del mundo antiguo: arte primitivo, arte de Asia occidental, antiguo Egipto, arte del Egeo, arte de la antigua Grecia, arte helenístico, arte de la antigua Roma, región del norte del Mar Negro, Transcaucasia, Irán, antigua Asia central, el arte antiguo de la India y China.
Volumen dos. Arte de la Edad Media. Libro 1: el arte de Bizancio, los Balcanes medievales, el arte ruso antiguo (hasta el siglo XVII inclusive), el arte de Armenia, Georgia, los países árabes, Turquía, el arte merovingio y carolingio de Europa occidental, el arte románico y gótico de Francia , Inglaterra, Países Bajos, Alemania, República Checa, Polonia, Estonia, Letonia, Italia y España. Libro 2: arte de Asia Central del siglo VI al XVIII, Azerbaiyán, Irán, Afganistán; India del siglo VII al XVIII, Ceilán, Birmania, Tailandia, Camboya, Laos, Vietnam, Indonesia; China del siglo III al XVIII, Corea, Japón. El mismo libro contiene el arte de los pueblos de la Antigua América y la Antigua África.
Volumen tres. Arte renacentista: arte de Italia de los siglos XIII al XVI, Países Bajos, Alemania, Francia, Inglaterra, España, República Checa, Polonia de los siglos XV - XVI.
Volumen cuatro. Arte de los siglos XVII-XVIII en Europa y América: arte de Italia siglos XVII-XVIII, España, Flandes, Holanda siglo XVII, Francia siglos XVII-XVIII, Rusia siglo XVIII, Inglaterra siglos XVII-XVIII, Estados Unidos siglo XVIII, América Latina Siglos XVII - XVIII y otros países.
Volumen cinco. Arte del siglo XIX: arte de los pueblos de Rusia, Francia, Inglaterra, España, Estados Unidos, Alemania, Italia, Suecia, Noruega, Dinamarca, Finlandia, Bélgica, Holanda, Austria, República Checa, Polonia, Rumania, Hungría, Bulgaria. Serbia y Croacia, América Latina, India, China y otros países.
Volumen seis. Arte de finales del siglo XIX y XX: arte ruso de 1890-1917, arte de Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Alemania y otros países de Europa occidental y América de finales del siglo XIX y principios del XX, arte soviético, arte contemporáneo de Europa occidental. y Estados Unidos, las democracias populares, China, India y otros países del Este.
El sexto volumen contendrá una detallada bibliografía consolidada sobre toda la historia mundial del arte.
Además de ilustraciones en tablas y dibujos en el texto de cada capítulo, se proporcionarán mapas que indiquen los lugares de los hallazgos arqueológicos, centros artísticos y ubicación de estructuras arquitectónicas.
La Historia General del Arte busca caracterizar y evaluar el arte de todos los pueblos de la tierra que han contribuido a la historia mundial del arte. Por eso, en el libro, junto con el arte de los pueblos y países de Europa, se concede un gran lugar al arte de los pueblos de Asia, África y América. La atención principal al trabajar en la "Historia general del arte" estuvo ocupada por aquellas épocas de la historia del arte en las que hubo un florecimiento particularmente alto del arte realista: el arte de la antigua Grecia, el arte chino de los siglos X al XIII, el arte del Renacimiento, maestros realistas de Europa de los siglos XVII al XIX, etc.
"Historia General del Arte" pretende ofrecer un resumen del estado actual de la ciencia del arte mundial. También contiene una serie de estudios originales de historiadores del arte soviéticos en diversos campos de la historia del arte.
El origen del arte - N. A. Dmitrieva.
Las principales etapas en el desarrollo del arte primitivo - V.V.
Arte de Asia occidental - I. M. Loseva.
El arte del Antiguo Egipto - M.E-Mathieu.
Arte del Egeo - N. N. Britova.
El arte de la antigua Grecia - Yu. D. Kolpinsky.
El arte de la era helenística - E. I. Rotenberg.
El arte de la antigua Roma - N. N. Britova.
Arte de la costa norte del Mar Negro - N. N. Britova.
El arte de Transcaucasia en la antigüedad - V.V.
El arte del antiguo Irán: I. M. Loseva (Irán aqueménida) y M. M. Dyakonov (Irán sasánida).
Arte de la antigua Asia Central - M. M. Dyakonov.
El arte de la antigua India - N. A. Vinogradova y O. S. Prokofiev.
El arte de la antigua China - N. A. Vinogradova.
B.V. Weimarn (arte de Asia occidental, Irán, Asia central, China) y E.I. Rotenberg (arte romano) participaron en la edición de algunos capítulos del primer volumen.
La selección de ilustraciones y la maquetación del volumen estuvieron a cargo de A. D. Chegodaev y R. B. Klimov con la participación de T. P. Kaptereva, A. G. Podolsky y E. I. Rotenberg.
Los mapas fueron realizados por el artista G. G. Fedorov, los dibujos del texto fueron realizados por los artistas Yu A. Vasilyev y M. N. Mashkovtsev.
El índice fue elaborado por N. I. Bespalova y A. G. Podolsky, las explicaciones de las ilustraciones por E. I. Rotenberg.
Realizaron consultas y exámenes el Instituto de Historia del Arte de la Academia de Ciencias de la URSS, el Instituto de Historia de la Cultura Material de la Academia de Ciencias de la URSS, el Sector del Antiguo Oriente del Instituto de Estudios Orientales de la URSS Academia de Ciencias de la URSS, el Instituto de Historia del Arte de Georgia de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Georgia, el Instituto de Arquitectura y Arte de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Azerbaiyán, el Sector de Historia de las Artes de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Armenia, Instituto de Teoría e Historia de la Arquitectura de la Academia de Arquitectura de la URSS, Departamento de Historia del Arte de la Universidad Estatal de Moscú. M. V. Lomonosov, Instituto Estatal de Arte de Moscú. V.I. Surikov y el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura que lleva su nombre. I. E. Repin, Museo Estatal del Hermitage, Museo Estatal de Bellas Artes. A. S. Pushkin, Museo de Culturas Orientales, Museo Estatal de Artes de Georgia.
El consejo editorial expresa su agradecimiento a los científicos que prestaron gran ayuda con sus consejos y críticas en la preparación del primer volumen: M. V. Alpatov, Sh. Ya. Arakelyan, M. I. Artamonov, A. V. Bank, V. D. Blavatsky, A. Ya. Bryusov, Wang Xun, A. I. Voshchinina, O. N. Glukhareva, Guo Bao-jun, I. M. Dyakonov, A. A. Jessen, R. V. Kinzhalov, T. N. Knipovich, M. M. Kobylina, M. N. Krechetova, V. N. Lazarev, M. I. Maksimova, V. K. Nikolsky, A. P. Okladnikov, V. V. Pavlov, A. A. Peredolskaya, B. B. Piotrovsky, V. V. Struve, Xia Nai, Tang Lan, S. P. Tolstov, K. V. Trever, S. I. Tyulyaev, N. D. Flittner, Han Shou-xuan, Chen Meng-chia.
Historia general del arte. Volumen 1
Arte del mundo antiguo: arte primitivo, arte de Asia occidental, antiguo Egipto, arte del Egeo, arte de la antigua Grecia, arte helenístico, arte de la antigua Roma, región del norte del Mar Negro, Transcaucasia, Irán, antigua Asia central, el arte antiguo de la India y China.
*Del consejo editorial
*Arte primitivo
o Origen del arte
o Las principales etapas en el desarrollo del arte primitivo.
* Arte de Asia occidental (I. Loseva)
o Introducción
o La cultura más antigua de las tribus y pueblos de Mesopotamia (cuarto - principios del tercer milenio antes de Cristo)
o Arte de Sumeria (siglos 27-25 a.C.)
o Arte de Acad (siglos XXIV - XXIII a.C.)
o Arte de Sumeria (siglos XXIII a.C.)
o Arte de Babilonia (siglos XIX - XII a.C.)
o Arte de los hititas y Mitanni (siglos XVIII - VIII a.C.)
o Arte de Asiria (siglos IX-VII a.C.)
o Arte del Reino Neobabilónico (siglos VII - VI a.C.)
* El arte del antiguo Egipto (M. Mathieu)
o Introducción
o Formación del arte egipcio antiguo (IV milenio antes de Cristo)
o Arte del Reino Antiguo (3200 - 2400 a.C.)
o Arte del Reino Medio (siglo XXI - principios del siglo XIX a.C.)
o Arte de la primera mitad del Reino Nuevo (siglos XVI - XV a.C.)
o El arte de la época de Akenatón y sus sucesores (finales del siglo XV - principios del XIV a. C.)
o Arte de la segunda mitad del Reino Nuevo (siglos XIV-II a.C.)
o Arte Tardío (siglo XI - 332 a.C.)
* Arte del Egeo
* Arte de la Antigua Grecia (Yu. Kolpinsky)
o Características generales de la cultura y el arte de la Antigua Grecia
o Arte de la Grecia homérica
o Arte Arcaico Griego
o El arte de los clásicos griegos (principios del siglo V - mediados del siglo IV a. C.)
o El arte de los primeros clásicos (la llamada “calma estricta” 490 - 450 a. C.)
o Alto Arte Clásico (450 - 410 a.C.)
o Arte Clásico Tardío (Desde el final de las Guerras del Peloponeso hasta el surgimiento del Imperio Macedonio)
* Arte helenístico (E. Rotenberg)
o Arte helenístico
* El arte de la antigua Roma (N. Britova)
o El arte de la antigua Roma
o arte etrusco
o Arte de la República Romana
o Arte del Imperio Romano siglo I. norte. mi.
o Arte del Imperio Romano siglo II. ANUNCIO
o Arte de las provincias romanas 2 - 3 siglos. ANUNCIO
o Arte del Imperio Romano siglos III - IV
* Arte de la costa norte del Mar Negro
* Arte de la antigua Transcaucasia
* Arte del antiguo Irán (I. Loseva, M. Dyakonov)
* Arte de Asia Central
* Arte de la antigua India
* Arte de la antigua China
arte primitivo
origen del arte
N. Dmitriev
El arte como área especial de la actividad humana, con sus propias tareas independientes, cualidades especiales, atendidas por artistas profesionales, sólo se hizo posible sobre la base de la división del trabajo. Engels dice sobre esto: “... la creación de las artes y las ciencias; todo esto sólo fue posible con la ayuda de una división mejorada del trabajo, que se basaba en una gran división del trabajo entre las masas dedicadas al trabajo físico simple y los unos pocos privilegiados que dirigen el trabajo, se ocupan del comercio, de los asuntos estatales y, más tarde, también de la ciencia y el arte. La forma más simple y completamente espontánea de esta división del trabajo fue precisamente la esclavitud" ( F. Engels, Anti-Dühring, 1951, pág.).
Pero dado que la actividad artística es una forma única de conocimiento y trabajo creativo, sus orígenes son mucho más antiguos, ya que las personas trabajaban y en el proceso de este trabajo aprendieron sobre el mundo que los rodeaba mucho antes de la división de la sociedad en clases. Los descubrimientos arqueológicos de los últimos cien años han revelado numerosas obras de creatividad visual del hombre primitivo, cuya edad se estima en decenas de miles de años. Éstas son pinturas rupestres; figuritas de piedra y hueso; imágenes y motivos ornamentales tallados en trozos de asta de ciervo o en losas de piedra. Se encuentran en Europa, Asia y África. Se trata de obras que aparecieron mucho antes de que pudiera surgir una idea consciente de creatividad artística. Muchos de ellos, que reproducen principalmente figuras de animales (ciervos, bisontes, caballos salvajes, mamuts), son tan vitales, tan expresivos y fieles a la naturaleza que no sólo son preciosos monumentos históricos, sino que también conservan su poder artístico hasta el día de hoy.
El carácter material y objetivo de las obras de arte determina condiciones especialmente favorables para los investigadores de los orígenes de las bellas artes en comparación con los historiadores que estudian los orígenes de otros tipos de artes. Si las etapas iniciales de la épica, la música y la danza deben juzgarse principalmente por datos indirectos y por analogía con la creatividad de las tribus modernas en las primeras etapas del desarrollo social (la analogía es muy relativa, y sólo se puede confiar en ella con gran cautela), ), luego la infancia de la pintura, la escultura y la gráfica nos confrontan con nuestros propios ojos.
No coincide con la infancia de la sociedad humana, es decir, las épocas más antiguas de su formación. Según la ciencia moderna, el proceso de humanización de los ancestros simiescos del hombre comenzó incluso antes de la primera glaciación del Cuaternario y, por tanto, la “edad” de la humanidad es de aproximadamente un millón de años. Los primeros vestigios de arte primitivo se remontan al Paleolítico Superior (Tardío), que comenzó aproximadamente varias decenas de miles de años antes de Cristo. la llamada época auriñaciense( Las etapas chelesiana, achelense, musteriense, auriñaciense, solutrense y magdaleniense de la Edad de Piedra Antigua (Paleolítico) llevan el nombre de los lugares de los primeros hallazgos.) Esta fue una época de relativa madurez del sistema comunal primitivo: el hombre de esta época en su constitución física no se diferenciaba del hombre moderno, ya hablaba y podía fabricar herramientas bastante complejas a partir de piedra, hueso y cuerno. Dirigió una caza colectiva de animales grandes con la ayuda de lanzas y dardos. Los clanes se unieron en tribus y surgió el matriarcado.
Tuvieron que pasar más de 900 mil años, separando a los pueblos más antiguos del hombre moderno, antes de que la mano y el cerebro estuvieran maduros para la creatividad artística.
Mientras tanto, la fabricación de herramientas de piedra primitivas se remonta a épocas mucho más antiguas del Paleolítico Inferior y Medio. Sinanthropus (cuyos restos fueron encontrados cerca de Beijing) ya había alcanzado un nivel bastante alto en la fabricación de herramientas de piedra y sabía utilizar el fuego. Las personas del último tipo neandertal procesaron las herramientas con más cuidado, adaptándolas a propósitos especiales. Sólo gracias a esta "escuela", que duró muchos milenios, se desarrolló la necesaria flexibilidad de la mano, la fidelidad del ojo y la capacidad de generalizar lo visible, resaltando sus rasgos más significativos y característicos, es decir, todos aquellos. cualidades que aparecían en los maravillosos dibujos de la cueva de Altamira. Si una persona no hubiera ejercitado y refinado su mano, procesando para obtener alimentos un material tan difícil de procesar como la piedra, no habría podido aprender a dibujar: sin dominar la creación de formas utilitarias, habría No habría podido crear una forma artística. Si muchas, muchas generaciones no hubieran concentrado su capacidad de pensamiento en capturar a la bestia, la principal fuente de vida del hombre primitivo, no se les habría ocurrido representar a esta bestia.
Entonces, en primer lugar, "el trabajo es más antiguo que el arte" (esta idea fue argumentada brillantemente por G. Plejánov en sus "Cartas sin dirección") y, en segundo lugar, el arte debe su aparición al trabajo. Pero ¿qué provocó el paso de la producción de herramientas exclusivamente útiles y prácticamente necesarias a la producción, junto con ellas, de imágenes “inútiles”? Fue esta cuestión la que más debatió y confundió a los científicos burgueses que intentaron a toda costa aplicar la tesis de Immanuel Kant sobre la “falta de propósito”, el “desinterés” y el “valor inherente” de la actitud estética hacia el mundo al arte primitivo. Quienes escribieron sobre el arte primitivo, K. Bücher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Vreul, V. Gausenstein y otros, argumentaron que los pueblos primitivos se dedicaban al "arte por el arte", que el estímulo primero y determinante para La creatividad artística era el deseo humano innato de jugar.
Las teorías del "juego" en sus diversas variedades se basaron en la estética de Kant y Schiller, según la cual la característica principal de la experiencia estética y artística es precisamente el deseo de un "juego libre con las apariencias", libre de cualquier objetivo práctico, de lógica. y evaluación moral.
“El impulso estético creativo”, escribió Friedrich Schiller, “construye imperceptiblemente, en medio del terrible reino de las fuerzas y en medio del sagrado reino de las leyes, un tercer y alegre reino del juego y de la apariencia, en el que aleja del hombre los grilletes de todas las relaciones y lo libera de todo lo que se llama coerción tanto física como moralmente"( F. Schiller, Artículos sobre estética, pág.).
Schiller aplicó este principio básico de su estética a la cuestión del surgimiento del arte (mucho antes de los descubrimientos de auténticos monumentos de la creatividad paleolítica), creyendo que el “alegre reino del juego” se estaba erigiendo ya en los albores de la sociedad humana: “ ... ahora los antiguos alemanes buscan pieles de animales más brillantes, cuernos más magníficos, vasijas más elegantes, y los caledonios buscan las conchas más hermosas para sus festividades. No contento con introducir un excedente de estética en lo necesario, el libre impulso de jugar finalmente rompe completamente con los grilletes de la necesidad, y la belleza misma se convierte en objeto de las aspiraciones humanas. Él mismo se adorna. El placer gratuito se cuenta entre sus necesidades, y lo inútil pronto se convierte en la mejor parte de su alegría". F. Schiller, Artículos sobre estética, págs. 289, 290.). Sin embargo, este punto de vista es refutado por los hechos.
En primer lugar, es absolutamente increíble que los cavernícolas, que pasaron sus días en la más dura lucha por la existencia, indefensos ante las fuerzas naturales que los enfrentaban como algo extraño e incomprensible, sufriendo constantemente por la falta de fuentes de alimento, pudieran dedicar tanta atención y energía a los “placeres libres”. Además, estos "placeres" requerían mucha mano de obra: se necesitaba mucho trabajo para tallar grandes relieves en piedra, como el friso escultórico del refugio bajo la roca de Le Roc de Cerre (cerca de Angoulême, Francia). Finalmente, numerosos datos, incluidos los etnográficos, indican directamente que a las imágenes (así como a las danzas y diversos tipos de acciones dramáticas) se les dio un significado extremadamente importante y puramente práctico. A ellos se les asociaban ceremonias rituales, destinadas a asegurar el éxito de la caza; es posible que hicieran sacrificios asociados con el culto al tótem, es decir, a la bestia, el santo patrón de la tribu. Se han conservado dibujos que reproducen una recreación de una caza, imágenes de personas con máscaras de animales, animales atravesados por flechas y sangrando.
Incluso los tatuajes y la costumbre de usar todo tipo de joyas no fueron causados por el deseo de "jugar libremente con las apariencias": fueron dictados por la necesidad de intimidar a los enemigos, protegieron la piel de las picaduras de insectos o desempeñaron nuevamente el papel de amuletos sagrados o testimonio de las hazañas de un cazador, por ejemplo, un collar hecho con dientes de oso podría indicar que el portador participó en la caza del oso. Además, en las imágenes sobre trozos de asta de ciervo, sobre pequeños azulejos, se pueden ver los inicios de la pictografía ( La pictografía es la forma principal de escritura en forma de imágenes de objetos individuales.), es decir, un medio de comunicación. Plejánov en “Cartas sin dirección” cita la historia de un viajero que “una vez encontró en la arena costera de uno de los ríos brasileños, dibujada por los nativos, la imagen de un pez que pertenecía a una de las razas locales. Ordenó a los indios que lo acompañaban que echaran una red y sacaron varios trozos de peces de la misma especie que están representados en la arena. Es claro que al realizar esta imagen, el nativo quiso llamar la atención de sus compañeros que tal o cual pez fue encontrado en este lugar"( G. V. Plejánov. Arte y Literatura, 1948, pág.). Es obvio que los pueblos del Paleolítico usaban letras y dibujos de la misma manera.
Hay muchos relatos de testigos presenciales sobre danzas de caza de tribus australianas, africanas y otras y de rituales de “matar” imágenes pintadas de animales, y estas danzas y rituales combinan elementos de un ritual mágico con el ejercicio de las acciones correspondientes, es decir, con un especie de ensayo, preparación práctica para la caza. Varios hechos indican que las imágenes del Paleolítico tenían propósitos similares. En la cueva de Montespan en Francia, en la región del norte de los Pirineos, se encontraron numerosas esculturas de arcilla de animales (leones, osos, caballos) cubiertas con huellas de golpes de lanza, aparentemente infligidos durante algún tipo de ceremonia mágica ( Véase la descripción, según Beguin, en el libro de A. S. Gushchin “El origen del arte”, L.-M., 1937, p.).
La indiscutibilidad y la multiplicidad de tales hechos obligaron a los investigadores burgueses posteriores a reconsiderar la "teoría de los juegos" y proponer como complemento una "teoría mágica". Al mismo tiempo, la teoría del juego no fue descartada: la mayoría de los científicos burgueses continuaron argumentando que, aunque las obras de arte se utilizaban como objetos de acción mágica, el impulso para su creación residía en la tendencia innata a jugar, imitar, imitar. decorar.
Es necesario señalar otra versión de esta teoría, que afirma el carácter biológico innato del sentido de la belleza, supuestamente característico no sólo de los humanos, sino también de los animales. Si el idealismo de Schiller interpretaba el “juego libre” como una propiedad divina del espíritu humano -es decir, del espíritu humano-, entonces los científicos inclinados al positivismo vulgar vieron la misma propiedad en el mundo animal y, en consecuencia, conectaron los orígenes del arte con los instintos biológicos de la autodeterminación. decoración. La base de esta afirmación fueron algunas observaciones y afirmaciones de Darwin sobre los fenómenos de la selección sexual en los animales. Darwin, señalando que en algunas razas de aves los machos atraen a las hembras con el brillo de su plumaje, que, por ejemplo, los colibríes decoran sus nidos con objetos multicolores y brillantes, etc., sugirió que las emociones estéticas no son ajenas a los animales.
Los hechos establecidos por Darwin y otros naturalistas no están en sí mismos sujetos a duda. Pero no hay duda de que es tan ilegítimo deducir de ello el origen del arte de la sociedad humana como explicar, por ejemplo, las razones de los viajes y de los descubrimientos geográficos realizados por los hombres, por el instinto que impulsa a los pájaros a sus estaciones estacionales. migraciones. La actividad humana consciente es lo opuesto a la actividad instintiva e inconsciente de los animales. El color, el sonido y otros estímulos bien conocidos en realidad tienen una cierta influencia en la esfera biológica de los animales y, al consolidarse en el proceso de evolución, adquieren el significado de reflejos incondicionados (y solo en algunos casos relativamente raros, la naturaleza de estos estímulos coinciden con los conceptos humanos de lo bello, lo armonioso).
No se puede negar que los colores, las líneas, así como los sonidos y los olores afectan al cuerpo humano, algunos de forma irritante y repulsiva, otros, por el contrario, fortaleciendo y favoreciendo su correcto y activo funcionamiento. Esto de una forma u otra lo tiene en cuenta una persona en su actividad artística, pero de ninguna manera constituye su base. Los motivos que obligaron al hombre del Paleolítico a dibujar y tallar figuras de animales en las paredes de las cuevas, por supuesto, no tienen nada que ver con impulsos instintivos: este es un acto creativo consciente y decidido de una criatura que hace mucho tiempo rompió las cadenas de los ciegos. instinto y se ha embarcado en el camino de dominar las fuerzas de la naturaleza y, en consecuencia, de comprender estas fuerzas.
Marx escribió: “La araña realiza operaciones que recuerdan a las del tejedor, y la abeja, con la construcción de sus células de cera, avergüenza a algunos arquitectos humanos. Pero incluso el peor arquitecto se diferencia de la mejor abeja desde el principio en que, antes de construir una celda de cera, ya la ha construido en su cabeza. Al final del proceso laboral se obtiene un resultado que ya estaba en la mente del trabajador al inicio de este proceso, es decir, ideal. Un trabajador se diferencia de una abeja no solo en que cambia la forma de lo que le da la naturaleza: en lo que le da la naturaleza, al mismo tiempo realiza su objetivo consciente, que, como una ley, determina el método y el carácter de sus acciones y a las que debe subordinar su voluntad"( ).
Para poder realizar un objetivo consciente, una persona debe conocer el objeto natural con el que está tratando, debe comprender sus propiedades naturales. La capacidad de saber tampoco aparece de inmediato: pertenece a esas "fuerzas latentes" que se desarrollan en una persona en el proceso de su influencia sobre la naturaleza. Como manifestación de esta capacidad, surge el arte: surge justo cuando el trabajo mismo ya se ha alejado de las “primeras formas instintivas de trabajo animal”, “liberado de su forma primitiva e instintiva” ( K. Marx, El capital, vol. I, 1951, pág.). El arte y, en particular, las bellas artes, en sus orígenes, fue uno de los aspectos del trabajo que se desarrolló hasta un cierto nivel de conciencia.
Un hombre dibuja un animal: con ello sintetiza sus observaciones del mismo; reproduce cada vez con mayor confianza su figura, sus hábitos, sus movimientos y sus diversos estados. Formula sus conocimientos en este dibujo y los consolida. Al mismo tiempo, aprende a generalizar: una imagen de un ciervo transmite características observadas en toda una serie de ciervos. Esto en sí mismo da un enorme impulso al desarrollo del pensamiento. Es difícil sobreestimar el papel progresivo de la creatividad artística en el cambio de la conciencia humana y su relación con la naturaleza. Este último ya no le resulta tan oscuro ni tan encriptado; poco a poco, siempre al tacto, lo estudia.
Así, las bellas artes primitivas son al mismo tiempo embriones de la ciencia o, más precisamente, del conocimiento primitivo. Está claro que en esa etapa infantil y primitiva del desarrollo social, estas formas de conocimiento aún no podían ser desmembradas, como lo fueron en épocas posteriores; Al principio actuaron juntos. Todavía no era arte en el alcance completo de este concepto y no era conocimiento en el sentido propio de la palabra, sino algo en el que los elementos primarios de ambos estaban inseparablemente combinados.
En este sentido, resulta comprensible por qué el arte paleolítico presta tanta atención a la bestia y relativamente poca al hombre. Su objetivo principal es comprender la naturaleza externa. En una época en la que los animales ya han aprendido a representar de manera notablemente realista y vívida, las figuras humanas casi siempre se representan de una manera muy primitiva y simplemente inepta, con raras excepciones, como los relieves de Lossel.
1 6. Mujer con cuerno. Cazador. Relieves de Loselle (Francia, departamento de Dordoña). Caliza. Altura aprox. 0,5 m. Paleolítico superior, época Auriñaciense.
En el arte paleolítico aún no existe ese interés primario por el mundo de las relaciones humanas que distingue al arte, que delimitaba su ámbito del de la ciencia. De los monumentos del arte primitivo (al menos de las bellas artes) es difícil aprender algo sobre la vida de una comunidad tribal más allá de su caza y los rituales mágicos relacionados; El lugar más importante lo ocupa el objeto de la caza: la bestia. Fue su estudio el de mayor interés práctico, ya que era la principal fuente de existencia, y el enfoque utilitario-cognitivo de la pintura y la escultura se reflejó en el hecho de que representaban principalmente animales y especies cuya extracción era especialmente importante y al mismo tiempo difícil y peligroso, y por lo tanto requiere un estudio particularmente cuidadoso. Rara vez se representaban pájaros y plantas.
Por supuesto, la gente del Paleolítico aún no podía comprender correctamente tanto los patrones del mundo natural que los rodeaba como los patrones de sus propias acciones. Todavía no había una conciencia clara de la diferencia entre lo real y lo aparente: lo visto en un sueño probablemente parecía ser la misma realidad que lo visto en la realidad. De todo este caos de ideas fabulosas surgió la magia primitiva, que fue consecuencia directa del extremo subdesarrollo, la extrema ingenuidad y la inconsistencia de la conciencia del hombre primitivo, que mezcló lo material con lo espiritual, que por ignorancia se atribuyó la existencia material. a hechos inmateriales de la conciencia.
Al dibujar la figura de un animal, una persona, en cierto sentido, realmente "dominaba" al animal, ya que lo conocía, y el conocimiento es la fuente del dominio sobre la naturaleza. La necesidad vital del conocimiento figurativo fue la razón del surgimiento del arte. Pero nuestro antepasado entendió este “dominio” en un sentido literal y realizó rituales mágicos en torno al dibujo que realizó para asegurar el éxito de la caza. Repensó fantásticamente los verdaderos motivos racionales de sus acciones. Es cierto que es muy probable que la creatividad visual no siempre haya tenido un propósito ritual; aquí, obviamente, también intervinieron otros motivos, que ya se mencionaron anteriormente: la necesidad de intercambio de información, etc. Pero, en cualquier caso, no se puede negar que la mayoría de las pinturas y esculturas también tenían propósitos mágicos.
La gente empezó a dedicarse al arte mucho antes de que tuvieran un concepto de arte y mucho antes de que pudieran comprender su significado real, sus beneficios reales.
Aunque se dominaba la capacidad de representar el mundo visible, la gente tampoco se daba cuenta del verdadero significado social de esta habilidad. Sucedió algo similar al desarrollo posterior de las ciencias, que también se fueron liberando gradualmente del cautiverio de ideas fantásticas e ingenuas: los alquimistas medievales buscaron encontrar la "piedra filosofal" y dedicaron años de duro trabajo a ello. Nunca encontraron la piedra filosofal, pero adquirieron una valiosa experiencia en el estudio de las propiedades de los metales, ácidos, sales, etc., que prepararon el camino para el posterior desarrollo de la química.
Al decir que el arte primitivo era una de las formas originales de conocimiento, el estudio del mundo circundante, no debemos suponer que, por tanto, no tenía nada de estético en el sentido propio de la palabra. Lo estético no es algo completamente opuesto a lo útil.
Ya los procesos de trabajo asociados con la fabricación de herramientas y, como sabemos, que comenzaron muchos milenios antes que las ocupaciones de dibujo y modelado, prepararon en cierta medida la capacidad de juicio estético de una persona, le enseñaron el principio de conveniencia y correspondencia de forma al contenido. Las herramientas más antiguas son casi informes: son piezas de piedra, talladas por un lado, y luego por ambos lados: servían para diferentes propósitos: para cavar, para cortar, etc. A medida que las herramientas se van especializando según su función (puntas puntiagudas aparecen raspadores, cortadores, agujas), adquieren una forma más definida y consistente, y por lo tanto más elegante: en este proceso se comprende la importancia de la simetría y las proporciones, y se desarrolla ese sentido de la proporción adecuada, que es tan importante en el arte. . Y cuando las personas que buscaban aumentar la eficiencia de su trabajo y aprendieron a apreciar y sentir el significado vital de una forma determinada, abordaron la transferencia de formas complejas del mundo viviente, pudieron crear obras que ya eran estéticamente muy significativas. y eficaz.
Trazos económicos y audaces y grandes manchas de pintura roja, amarilla y negra transmitían el cadáver monolítico y poderoso del bisonte. La imagen estaba llena de vida: se podía sentir el temblor de los músculos tensos, la elasticidad de las piernas cortas y fuertes, se podía sentir la disposición de la bestia a correr hacia adelante, inclinando su enorme cabeza, sacando los cuernos y mirando por debajo de las cejas. con los ojos inyectados en sangre. Probablemente el pintor recreó vívidamente en su imaginación su pesada carrera por la espesura, su furioso rugido y los gritos bélicos de la multitud de cazadores que lo perseguían.
En numerosas imágenes de ciervos y gamos, los artistas primitivos transmitieron muy bien las esbeltas figuras de estos animales, la gracia nerviosa de su silueta y esa alerta sensible que se refleja en el giro de la cabeza, en las orejas erguidas, en las curvas de el cuerpo cuando escuchan para ver si están en peligro. Al representar con asombrosa precisión tanto al formidable y poderoso bisonte como a la elegante gama, la gente no pudo evitar asimilar estos mismos conceptos (fuerza y gracia, aspereza y gracia), aunque, tal vez, todavía no sabían cómo formularlos. Y una imagen ligeramente posterior de una madre elefante, cubriendo con su trompa a su cría de elefante del ataque de un tigre, ¿no indica que el artista empezaba a interesarse por algo más que la apariencia del animal, que estaba observar de cerca la vida misma de los animales y sus diversas manifestaciones le pareció interesante e instructivo. Notó momentos conmovedores y expresivos en el mundo animal, manifestaciones del instinto maternal. En una palabra, las experiencias emocionales de una persona sin duda fueron refinadas y enriquecidas con la ayuda de su actividad artística ya en estas etapas de su desarrollo.
4. Imágenes pintorescas en el techo de la cueva de Altamira (España, provincia de Santander). Vista general. Paleolítico superior, época del Magdaleniense.
No podemos negar al arte visual paleolítico su incipiente capacidad compositiva. Es cierto que las imágenes en las paredes de las cuevas están dispuestas en su mayor parte al azar, sin una correlación adecuada entre sí y sin un intento de transmitir el fondo o el entorno (por ejemplo, la pintura en el techo de la cueva de Altamira. ¿Pero dónde? los dibujos se colocaron en una especie de marco natural (por ejemplo, en astas de ciervo, en herramientas de hueso, en los llamados "bastones de líderes", etc.), encajan con bastante habilidad en este marco. tienen una forma oblonga, pero son bastante anchas, la mayoría de las veces están talladas en fila, uno tras otro, caballos o ciervos. En las más estrechas, peces o incluso serpientes, se colocan imágenes escultóricas de animales en el mango de un cuchillo. alguna herramienta, y en estos casos se les dan posturas características del animal en cuestión y al mismo tiempo adaptadas en forma a la finalidad del mango. Aquí, por tanto, nacen con su mismo los elementos del futuro “arte aplicado”. subordinación inevitable de los buenos principios al propósito práctico del objeto (il. 2 a).
2 6. Una manada de ciervos. Talla de un hueso de águila procedente de la gruta del Ayuntamiento de Tayges (Francia, departamento de Dordoña). Paleolítico superior.
Cabeza de auriga de Delfos. Comienzo siglo quinto ANTES DE CRISTO mi. Delfos, Museo.
MV Alpatov
Historia general del arte. Arte del Mundo Antiguo y la Edad Media
volumen 1
PREFACIO
Al compilar una historia general del arte, el autor tuvo que abarcar un extenso material histórico y artístico, desde la antigüedad hasta la actualidad. Hizo todo lo posible para no omitir nada esencial. Por todo eso, no quiso convertir su libro en una lista de hechos, monumentos, nombres y, para que esta lista sea completa, reducir las características del arte de determinados períodos. Se enfrentó a la tarea de crear una historia del arte que pudiera servir también como introducción al estudio del arte.
La experiencia pedagógica del autor lo convenció de que el estudio de la historia del arte es fructífero sólo cuando el conocimiento de los monumentos y los maestros, la memorización de nombres y fechas van acompañados del éxito en la comprensión del arte y el desarrollo. gusto artístico. Esta confianza del autor determinó la estructura de su libro. Apela no sólo a las capacidades mentales y a la memoria del lector, sino también a su sentido estético, a su instinto crítico. Debe leerse no sólo para asimilar los puntos expresados en él disposiciones generales y memorizar la información que transmite, pero ante todo para comprender los principales caminos del desarrollo histórico. cultura artística humanidad y aprender a comprender y apreciar el arte antiguo y moderno. Esto obligó al autor a desviarse un poco del tipo generalmente aceptado de historia del arte, con su abundancia de todo tipo de información, que a menudo sólo sobrecarga la memoria, pero no desarrolla la vista ni la capacidad crítica.
Este libro puede ser utilizado por principiantes para estudiar arte. Es posible que en algunos casos sea el primer libro sobre arte en manos del lector. En interés de dicho lector, el autor se ha esforzado por lograr la mayor claridad en la presentación. Evitó términos poco conocidos y no utilizó muchos conceptos de historia del arte, cuyo contenido aún no ha sido comprendido completamente por los especialistas. Al mismo tiempo, el libro menciona los nombres de artistas y escritores, acontecimientos historicos, topónimos y términos científicos que pueden resultar desconocidos para el lector. El autor no les dio explicaciones, esperando que el propio lector las encontrara en cualquier diccionario enciclopédico, y que el hábito de utilizar el libro de referencia será el primer paso en su camino trabajo independiente sobre un libro científico.
Esta obra de cuatro volúmenes está concebida como una descripción general de las principales secciones de la historia general del arte (y los dos últimos volúmenes estarán dedicados al arte ruso). En su obra, el autor no consideró posible limitarse a volver a contar opiniones generalmente aceptadas y hechos notorios. En muchas secciones del libro, ofrece al lector nuevas opiniones y valoraciones históricas y artísticas. A veces tenía que presentar en pocas palabras las conclusiones de investigaciones ya realizadas, a veces consideraba posible presentar al lector suposiciones que requerían una mayor justificación científica. En algunos casos, esto convirtió su presentación en un resumen del trabajo ya realizado o en un plan para futuras investigaciones.
Es natural que narrativa histórica sobre el desarrollo del arte ocupa el lugar principal en el libro. Sin embargo, este libro no proporciona ningún resumen completo de todo el material. Los especialistas notarán que en él se omiten muchos hechos conocidos; muchos monumentos y nombres de artistas no se mencionan. El autor se esforzó por incluir sólo los fenómenos más importantes dentro del estrecho marco del libro para poder caracterizarlos con suficiente exhaustividad. Por esta razón, no sobrecargó su presentación con fechas y listas de nombres (las fechas de los monumentos reproducidos se colocan únicamente en la lista de ilustraciones). Se limitó a las fechas de nacimiento y muerte de los maestros más importantes y mencionó únicamente los nombres de aquellos artistas cuya personalidad se revelaba claramente en sus creaciones. Partió de la posición de que la primera tarea de un estudiante de historia del arte es aprender a conectar los hechos individuales entre sí y con el curso general de la historia y así imaginar el panorama general del desarrollo del arte.
El autor del libro pagó. gran atención ilustraciones. Lo impulsaba el deseo de reproducir los más significativos. desarrollo historico y los monumentos de mayor valor artístico. Trató de evitar muchos monumentos inmerecidamente glorificados, como el Apolo del Belvedere o la Catedral de Colonia, y, por el contrario, citó algunas obras maestras conocidas sólo por un estrecho círculo de especialistas. La tarea del autor era combinar su presentación con ilustraciones y, por lo tanto, reprodujo principalmente aquellos monumentos de los que era posible hablar en el texto. En aquellos casos en los que no podía entrar en su consideración detallada, disponía las ilustraciones de tal manera que incitaba al lector a compararlas entre sí. Los epígrafes de los capítulos individuales sirven como ilustraciones del texto. Se presentan sin mucha explicación con la esperanza de que un lector atento pueda captar su conexión interna con los capítulos correspondientes del libro.
Durante la realización del trabajo, el autor encontró muchas dificultades. Naturalmente, no se sentía igualmente seguro en todos los ámbitos de la historia general del arte. Si muchos de los errores e inexactitudes de su trabajo fueron eliminados en el manuscrito, se lo debe a la ayuda camarada de V. F. Asmus, V. D. Blavatsky, B. V. Weymarn, S. V. Kiselev, V. F. Levinson-Lessing, V.V Pavlova, A.A. B.I. Tyulyaev y especialmente I.I Romanov, quienes se tomaron la molestia de leer el manuscrito completo.
Moscú, 1941-1942
INTRODUCCIÓN
Las artes estaban representadas en la antigüedad en forma de hermosas hermanas que formaban una sola familia. cuando esto imagen poética dejó de satisfacer a los teóricos, surgió la necesidad de una clasificación más estricta de los tipos individuales de arte, como la que Linneo sentó como base para el estudio de la naturaleza. La atención principal no se prestó tanto al parentesco interno. varios tipos artes, hasta aquí sus diferencias. Su diferenciación se consideró la base para una clasificación correcta. Sin embargo, no se han resuelto desacuerdos importantes para resolver este problema. Esto se debió principalmente al hecho de que las clasificaciones se construyeron sobre bases diferentes.
La clasificación más común se basó en los medios de expresión: las artes se dividieron en espaciales y temporales. El primero de ellos recurre a percepción visual, usa volumen, espacio, línea, color, estos últimos recurren al oído y usan sonido y palabras. Esta división de las artes se vio cimentada por una larga tradición de su desarrollo. La arquitectura, la escultura y la pintura a menudo entraron en colaboración directa, ya que pintores y escultores tuvieron que decorar los edificios con murales y esculturas. Además, estas tres artes se organizaron en los tiempos modernos en las llamadas academias. bellas artes. Por el contrario, la música conservó su conexión original con la poesía y la palabra. El verso tiene una musicalidad claramente expresada; en un romance, el cantante se expresa tanto en sonidos como en palabras. Esta clasificación generalmente aceptada no podría verse alterada ni siquiera por la existencia de artes en las que el principio visual se combine con lo temporal, como el teatro y la danza, o artes en las que la pintura, la arquitectura, la poesía y la música se fusionen, como la ópera.
Este libro mantiene esta división convencional. Se dedica a la arquitectura, la escultura y la pintura. Sin embargo, aún es necesario señalar la fluidez de las fronteras entre las artes y, en este sentido, la convencionalidad de esta división.
Además de la división según los medios de expresión, la división según la naturaleza del material traducido al imagen artística. En este caso, la proporción de tipos de artes será diferente. Entonces tendremos que dividir las artes en bellas artes y no bellas artes. Las bellas artes incluyen la pintura, la escultura y la literatura, y las no bellas artes incluyen la arquitectura y la música. Cuando se habla de la imagen de una persona o de un paisaje en el arte, hay que comparar la pintura y la escultura con la poesía y la prosa contemporáneas. Por otro lado, la comprensión de la belleza y la paz se manifiesta en los ritmos tanto de la música como de la arquitectura del mismo período o de períodos adyacentes, cuando un tipo está por delante del otro en su desarrollo. En este sentido, conviene recordar la conocida definición de arquitectura como música congelada.
Dependiendo de qué aspectos del arte tener en cuenta, los teóricos han clasificado los tipos de arte de diferentes maneras.
Al oponerse a la llamada poesía descriptiva, que amenazaba con privar a toda poesía de su carácter especial, Lessing se rebeló contra el acercamiento de la pintura y la literatura; Fue él quien propuso el tiempo y el espacio como criterios para la división de las artes. Muchos siglos antes de Lessing, este tema fue abordado por el antiguo artista chino Wang Wei, quien tenía puntos de vista opuestos. "La pintura", dice Van Wei, "es un poema en colores, la poesía es una imagen en palabras".
Los ecos de estas discrepancias se encuentran en los tiempos modernos. Sin embargo, no parecerán tan insuperables si tenemos en cuenta las razones del cambio de opiniones sobre este tema. al principio siglo XIX La búsqueda de un gran arte holístico dio lugar al deseo de ir más allá. medios artísticos ciertos tipos de artes. La música se convirtió en el punto de atracción de todas las artes. Muchos autores, empezando por los románticos, han hablado de la musicalidad de la poesía. comienzo musical en pintura fueron proclamados por Delacroix y Fromentin. En respuesta a esto, a finales del siglo XIX, surgió un movimiento para respetar los límites del arte, se expresó el deseo de que todo artista se esforzara ante todo por expresarse a través de los medios característicos de su arte. Pero este deseo pronto se vio imbuido de pedantería, que interfirió con la verdadera creatividad artística.
Los apoyos de los defensores de la separación de las formas artísticas y de los defensores de su fusión nos permiten sacar una conclusión.
La “pureza de los medios artísticos” está lejos de ser el criterio principal para determinar el valor artístico de una obra. Lo importante no es la observancia o no de los límites entre las artes: qué tareas empujan al artista más allá de los límites de su arte y en qué medida satisfacen necesidades avanzadas es de importancia decisiva. desarrollo artístico. Cuando la violación de los límites del arte está justificada por estas necesidades, enriquece a los artistas y crean obras de mayor valor que aquellos artistas que observan estrictamente estas leyes, pero desconocen el verdadero impulso creativo. El escultor Pavel Trubetskoy, con su “forma suelta”, sigue siendo objeto de ataques por parte de los partidarios de la “plasticidad pura”. Sin embargo, en su escultura pictórica, así como en Rodin, hay mucho más vitalidad, poesía y...
“Historia General del Arte” es una historia de la pintura, la gráfica, la escultura, la arquitectura y las artes aplicadas de todos los siglos y pueblos, desde el arte primitivo hasta el arte de nuestros días, inclusive. Este material está organizado en seis volúmenes (siete libros) de la siguiente manera:
Volumen uno. Arte del mundo antiguo: arte primitivo, arte de Asia occidental, antiguo Egipto, arte del Egeo, arte de la antigua Grecia, arte helenístico, arte de la antigua Roma, región del norte del Mar Negro, Transcaucasia, Irán, antigua Asia central, el arte antiguo de la India y China.
El arte como área especial de la actividad humana, con sus propias tareas independientes, cualidades especiales, atendidas por artistas profesionales, sólo se hizo posible sobre la base de la división del trabajo. Engels dice sobre esto: “... la creación de las artes y las ciencias; todo esto sólo fue posible con la ayuda de una división mejorada del trabajo, que se basaba en una gran división del trabajo entre las masas dedicadas al trabajo físico simple y los unos pocos privilegiados que dirigen el trabajo, se dedican al comercio, a los asuntos estatales y, más tarde, también a la ciencia y al arte. La forma más simple y completamente espontánea de esta división del trabajo fue precisamente la esclavitud" (F. Engels, Anti-Dühring, 1951, p. 170).
Pero dado que la actividad artística es una forma única de conocimiento y trabajo creativo, sus orígenes son mucho más antiguos, ya que las personas trabajaban y en el proceso de este trabajo aprendieron sobre el mundo que los rodeaba mucho antes de la división de la sociedad en clases. Los descubrimientos arqueológicos de los últimos cien años han revelado numerosas obras de creatividad visual del hombre primitivo, cuya edad se estima en decenas de miles de años. Éstas son pinturas rupestres; figuritas de piedra y hueso; imágenes y motivos ornamentales tallados en trozos de asta de ciervo o en losas de piedra. Se encuentran en Europa, Asia y África. Se trata de obras que aparecieron mucho antes de que pudiera surgir una idea consciente de creatividad artística. Muchos de ellos, que reproducen principalmente figuras de animales (ciervos, bisontes, caballos salvajes, mamuts), son tan vitales, tan expresivos y fieles a la naturaleza que no sólo son preciosos monumentos históricos, sino que también conservan su poder artístico hasta el día de hoy.
Tabla de contenido
Sobre el libro
Del consejo editorial
arte primitivo
origen del arte
Las principales etapas en el desarrollo del arte primitivo.
Arte de Asia occidental (I. Loseva)
Introducción
La cultura más antigua de las tribus y pueblos de Mesopotamia (cuarto - principios del tercer milenio antes de Cristo)
Arte de Sumeria (siglos 27-25 a.C.)
Arte de Acad (siglos XXIV - XXIII a.C.)
Arte de Sumeria (siglos XXIII a.C.)
Arte de Babilonia (siglos XIX - XII a.C.)
Arte de los hititas y Mitanni (siglos XVIII - VIII a. C.)
Arte de Asiria (siglos IX-VII a.C.)
Arte del Reino Neobabilónico (siglos VII-VI a.C.)
El arte del antiguo Egipto (M. Mathieu)
Introducción
La composición del arte egipcio antiguo (cuarto milenio antes de Cristo)
Arte del Reino Antiguo (3200 - 2400 a.C.)
Arte del Reino Medio (siglo XXI - principios del siglo XIX a. C.)
Arte de la primera mitad del Imperio Nuevo (siglos XVI - XV a.C.)
El arte de la época de Akenatón y sus sucesores (finales del siglo XV - principios del XIV a. C.)
Arte de la segunda mitad del Reino Nuevo (siglos XIV-II a.C.)
Arte Tardío (siglo XI - 332 a.C.)
arte egeo
Arte de la antigua Grecia (Yu. Kolpinsky)
Características generales de la cultura y el arte de la Antigua Grecia.
Arte de la Grecia homérica
Arte arcaico griego
Arte clásico griego (principios del siglo V - mediados del siglo IV a. C.)
Arte de los Clásicos Tempranos (La llamada “calma estricta” 490 - 450 a.C.)
Alto Arte Clásico (450 - 410 a.C.)
Arte Clásico Tardío (Desde el final de las Guerras del Peloponeso hasta el surgimiento del Imperio Macedonio)
Arte helenístico (E. Rotenberg)
Arte helenístico
El arte de la antigua Roma (N. Britova)
Arte de la antigua Roma
arte etrusco
Arte de la República Romana
Arte del Imperio Romano siglo I. norte. mi.
Arte del Imperio Romano siglo II. ANUNCIO
Arte de las provincias romanas de los siglos II-III. ANUNCIO
Arte del Imperio Romano siglos III-IV
Arte de la costa norte del Mar Negro
Arte de la antigua Transcaucasia
Arte del antiguo Irán (I. Loseva, M. Dyakonov)
Arte de Asia Central
Arte de la antigua India
Arte de la antigua China.
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Historia General del Arte
Volumen uno
Del consejo editorial
B.V. Weimarn, B.R. Vipper, A.A. Guber, M.V. Dobroklonsky, A.D.
La "Historia general del arte" fue preparada por el Instituto de Teoría e Historia de las Bellas Artes de la Academia de las Artes de la URSS con la participación de científicos e historiadores del arte de otras instituciones científicas y museos: el Hermitage Estatal, el Museo Estatal de Bellas Artes llamado después de A. S. Pushkin, etc.
“Historia General del Arte” es una historia de la pintura, la gráfica, la escultura, la arquitectura y las artes aplicadas de todos los siglos y pueblos, desde el arte primitivo hasta el arte de nuestros días, inclusive. Este material está organizado en seis volúmenes (siete libros) de la siguiente manera:
Volumen uno. Arte del mundo antiguo: arte primitivo, arte de Asia occidental, antiguo Egipto, arte del Egeo, arte de la antigua Grecia, arte helenístico, arte de la antigua Roma, región del norte del Mar Negro, Transcaucasia, Irán, antigua Asia central, el arte antiguo de la India y China.
Volumen dos. Arte de la Edad Media. Libro 1: el arte de Bizancio, los Balcanes medievales, el arte ruso antiguo (hasta el siglo XVII inclusive), el arte de Armenia, Georgia, los países árabes, Turquía, el arte merovingio y carolingio de Europa occidental, el arte románico y gótico de Francia , Inglaterra, Países Bajos, Alemania, República Checa, Polonia, Estonia, Letonia, Italia y España. Libro 2: arte de Asia Central del siglo VI al XVIII, Azerbaiyán, Irán, Afganistán; India del siglo VII al XVIII, Ceilán, Birmania, Tailandia, Camboya, Laos, Vietnam, Indonesia; China del siglo III al XVIII, Corea, Japón. El mismo libro contiene el arte de los pueblos de la Antigua América y la Antigua África.
Volumen tres. Arte renacentista: arte de Italia de los siglos XIII al XVI, Países Bajos, Alemania, Francia, Inglaterra, España, República Checa, Polonia de los siglos XV - XVI.
Volumen cuatro. Arte de los siglos XVII-XVIII en Europa y América: arte de Italia siglos XVII-XVIII, España, Flandes, Holanda siglo XVII, Francia siglos XVII-XVIII, Rusia siglo XVIII, Inglaterra siglos XVII-XVIII, Estados Unidos siglo XVIII, América Latina Siglos XVII - XVIII y otros países.
Volumen cinco. Arte del siglo XIX: arte de los pueblos de Rusia, Francia, Inglaterra, España, Estados Unidos, Alemania, Italia, Suecia, Noruega, Dinamarca, Finlandia, Bélgica, Holanda, Austria, República Checa, Polonia, Rumania, Hungría, Bulgaria. Serbia y Croacia, América Latina, India, China y otros países.
Volumen seis. Arte de finales del siglo XIX y XX: arte ruso de 1890-1917, arte de Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Alemania y otros países de Europa occidental y América de finales del siglo XIX y principios del XX, arte soviético, arte contemporáneo de Europa occidental. y Estados Unidos, las democracias populares, China, India y otros países del Este.
El sexto volumen contendrá una detallada bibliografía consolidada sobre toda la historia mundial del arte.
Además de ilustraciones en tablas y dibujos en el texto de cada capítulo, se proporcionarán mapas que indiquen los lugares de los hallazgos arqueológicos, centros artísticos y ubicación de estructuras arquitectónicas.
La Historia General del Arte busca caracterizar y evaluar el arte de todos los pueblos de la tierra que han contribuido a la historia mundial del arte. Por eso, en el libro, junto con el arte de los pueblos y países de Europa, se concede un gran lugar al arte de los pueblos de Asia, África y América. La atención principal al trabajar en la "Historia general del arte" estuvo ocupada por aquellas épocas de la historia del arte en las que hubo un florecimiento particularmente alto del arte realista: el arte de la antigua Grecia, el arte chino de los siglos X al XIII, el arte del Renacimiento, maestros realistas de Europa de los siglos XVII al XIX, etc.
"Historia General del Arte" pretende ofrecer un resumen del estado actual de la ciencia del arte mundial. También contiene una serie de estudios originales de historiadores del arte soviéticos en diversos campos de la historia del arte.
El origen del arte - N. A. Dmitrieva.
Las principales etapas en el desarrollo del arte primitivo - V.V.
Arte de Asia occidental - I. M. Loseva.
El arte del Antiguo Egipto - M.E-Mathieu.
Arte del Egeo - N. N. Britova.
El arte de la antigua Grecia - Yu. D. Kolpinsky.
El arte de la era helenística - E. I. Rotenberg.
El arte de la antigua Roma - N. N. Britova.
Arte de la costa norte del Mar Negro - N. N. Britova.
El arte de Transcaucasia en la antigüedad - V.V.
El arte del antiguo Irán: I. M. Loseva (Irán aqueménida) y M. M. Dyakonov (Irán sasánida).
Arte de la antigua Asia Central - M. M. Dyakonov.
El arte de la antigua India - N. A. Vinogradova y O. S. Prokofiev.
El arte de la antigua China - N. A. Vinogradova.
B.V. Weimarn (arte de Asia occidental, Irán, Asia central, China) y E.I. Rotenberg (arte romano) participaron en la edición de algunos capítulos del primer volumen.
La selección de ilustraciones y la maquetación del volumen estuvieron a cargo de A. D. Chegodaev y R. B. Klimov con la participación de T. P. Kaptereva, A. G. Podolsky y E. I. Rotenberg.
Los mapas fueron realizados por el artista G. G. Fedorov, los dibujos del texto fueron realizados por los artistas Yu A. Vasilyev y M. N. Mashkovtsev.
El índice fue elaborado por N. I. Bespalova y A. G. Podolsky, las explicaciones de las ilustraciones por E. I. Rotenberg.
Realizaron consultas y exámenes el Instituto de Historia del Arte de la Academia de Ciencias de la URSS, el Instituto de Historia de la Cultura Material de la Academia de Ciencias de la URSS, el Sector del Antiguo Oriente del Instituto de Estudios Orientales de la URSS Academia de Ciencias de la URSS, el Instituto de Historia del Arte de Georgia de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Georgia, el Instituto de Arquitectura y Arte de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Azerbaiyán, el Sector de Historia de las Artes de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Armenia, Instituto de Teoría e Historia de la Arquitectura de la Academia de Arquitectura de la URSS, Departamento de Historia del Arte de la Universidad Estatal de Moscú. M. V. Lomonosov, Instituto Estatal de Arte de Moscú. V.I. Surikov y el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura que lleva su nombre. I. E. Repin, Museo Estatal del Hermitage, Museo Estatal de Bellas Artes. A. S. Pushkin, Museo de Culturas Orientales, Museo Estatal de Artes de Georgia.
El consejo editorial expresa su agradecimiento a los científicos que prestaron gran ayuda con sus consejos y críticas en la preparación del primer volumen: M. V. Alpatov, Sh. Ya. Arakelyan, M. I. Artamonov, A. V. Bank, V. D. Blavatsky, A. Ya. Bryusov, Wang Xun, A. I. Voshchinina, O. N. Glukhareva, Guo Bao-jun, I. M. Dyakonov, A. A. Jessen, R. V. Kinzhalov, T. N. Knipovich, M. M. Kobylina, M. N. Krechetova, V. N. Lazarev, M. I. Maksimova, V. K. Nikolsky, A. P. Okladnikov, V. V. Pavlov, A. A. Peredolskaya, B. B. Piotrovsky, V. V. Struve, Xia Nai, Tang Lan, S. P. Tolstov, K. V. Trever, S. I. Tyulyaev, N. D. Flittner, Han Shou-xuan, Chen Meng-chia.
arte primitivo
origen del arte
N. Dmitriev
El arte como área especial de la actividad humana, con sus propias tareas independientes, cualidades especiales, atendidas por artistas profesionales, sólo se hizo posible sobre la base de la división del trabajo. Engels dice sobre esto: “... la creación de las artes y las ciencias; todo esto sólo fue posible con la ayuda de una división mejorada del trabajo, que se basaba en una gran división del trabajo entre las masas dedicadas al trabajo físico simple y los unos pocos privilegiados que dirigen el trabajo, se ocupan del comercio, de los asuntos estatales y, más tarde, también de la ciencia y el arte. La forma más simple y completamente espontánea de esta división del trabajo fue precisamente la esclavitud" ( F. Engels, Anti-Dühring, 1951, pág.).
Pero dado que la actividad artística es una forma única de conocimiento y trabajo creativo, sus orígenes son mucho más antiguos, ya que las personas trabajaban y en el proceso de este trabajo aprendieron sobre el mundo que los rodeaba mucho antes de la división de la sociedad en clases. Los descubrimientos arqueológicos de los últimos cien años han revelado numerosas obras de creatividad visual del hombre primitivo, cuya edad se estima en decenas de miles de años. Éstas son pinturas rupestres; figuritas de piedra y hueso; imágenes y motivos ornamentales tallados en trozos de asta de ciervo o en losas de piedra. Se encuentran en Europa, Asia y África. Se trata de obras que aparecieron mucho antes de que pudiera surgir una idea consciente de creatividad artística. Muchos de ellos, que reproducen principalmente figuras de animales (ciervos, bisontes, caballos salvajes, mamuts), son tan vitales, tan expresivos y fieles a la naturaleza que no sólo son preciosos monumentos históricos, sino que también conservan su poder artístico hasta el día de hoy.