Peu de gens connaissent Vrubel comme un artiste polyvalent qui a fait preuve de maîtrise dans différents genres arts visuels. Sa vie fut courte, mais complexe et fructueuse. Il étudie les œuvres de maîtres anciens, développe ses propres techniques de travail, expérimente, en quête de beauté et de perfection. C'est un génie qui a créé une nouvelle étape dans l'art russe. Il a été en avance sur son temps en tant que peintre, sculpteur, décorateur, architecte, restaurateur, chercheur, expérimentateur...
Grâce à ses talents et à son travail acharné, de nombreux types d'art sont passés à une nouvelle étape de développement.
Connaître le fantastique peintures fabuleuses un artiste brillant doit commencer dès le plus jeune âge scolaire. Cependant, il faut progressivement comprendre l’art du maître, puisque la plupart de ses créations sont compréhensibles pour les enfants plus âgés.
En découvrant l’œuvre de Vrubel, il est important que les enseignants et les parents attirent l’attention des enfants sur son ingénieuse polyvalence (travaux graphiques, sculpturaux, de restauration, projets architecturaux...)
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Biographie
L'artiste est né en 1856 à Omsk, dans la famille de l'adjudant supérieur A. M. Vrubel. En 1859, sa mère Anna Grigorievna est décédée de consomption. En 1863, A. M. Vrubel épousa l'actrice E. H. Wessel, qui se consacra à son mari et à ses enfants. La famille de Vrubel se déplaçait constamment autour du lieu de service de son père. À l'âge de 5 ans, Mikhail commence à dessiner. À l'âge de 8 ans, il fréquente l'école de dessin pour étudiants libres de Saint-Pétersbourg (la famille vivait alors à Saint-Pétersbourg, A. M. Vrubel était étudiant volontaire à l'Académie de droit militaire de Saint-Pétersbourg). L'année suivante, les Vroubel déménagent à Saratov et Mikhaïl engage un professeur d'art du gymnase de Saratov, A. S. Godin. Une fois, une copie de la fresque de Michel-Ange a été apportée à Saratov " Jugement dernier», ce qui ne pouvait qu'impressionner le garçon. Après inspection, Vrubel a reproduit la fresque dans tous ses détails typiques.
À l'âge de dix ans, il s'intéresse au théâtre et à la musique.
En 1870, suite à une nouvelle mission de son père, la famille s'installe à Odessa. Mikhail était inscrit au gymnase Richelieu. Il excellait en littérature, en histoire, en sciences et en langues étrangères.
Dans une lettre à sa sœur Anna, Mikhaïl s'est plaint qu'il allait lire « Faust » pendant les vacances et suivre 50 leçons d'anglais du manuel, mais à la place, il a peint une copie à l'huile du tableau d'Aivazovsky « Coucher de soleil sur la mer ».
Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires (recevant une médaille d'or), Vroubel entre à l'Université de Saint-Pétersbourg. Au cours de ses années universitaires, il peint des illustrations pour des œuvres littéraires classiques et modernes. Une œuvre graphique de cette époque a été conservée : « Le rendez-vous d'Anna Karénine avec son fils ».
En 1880, Vrubel, sans obtenir de diplôme universitaire, effectue un court service militaire et devient étudiant volontaire à l'Académie des Arts.
De 1880 à 1884, il étudie simultanément dans l'atelier de P. P. Chistyakov, où étudient V. D. Polenov, V. I. Surikov, I. E. Repin, V. A. Serov. Ici, l'artiste travaille sans relâche, étudiant les lois de l'art des maîtres anciens. Parmi les académiciens, il était connu comme un maître de l'aquarelle et un étonnant compositeur de scènes de foule. En cela période au début La créativité de Vrubel crée des portraits véridiques qui traduisent avec précision l’état d’esprit d’une personne.
Au printemps 1883, la composition de Vroubel « Les Fiançailles de Marie avec Joseph » reçut une médaille d'argent de l'Académie. À l'automne 1883, le professeur A.V. Prakhov invita Vroubel, sur la recommandation de P.P. Chistyakov, à Kiev pour restaurer l'église Saint-Cyrille. Pendant 5 ans (de 1884 à 1889), l'artiste réalise un travail énorme : peindre l'église Saint-Cyrille, dessiner 150 figures de restauration et restaurer la coupole de la cathédrale Sainte-Sophie. Il a non seulement restauré les fresques, mais a également créé de nouvelles œuvres pour remplacer celles perdues.
C'est ce qu'écrit le célèbre critique d'art N.A. Dmitrieva à propos de cette étape la plus importante biographie artistique Rubel :
Une telle « co-auteur » avec les maîtres du XIIe siècle était inconnue d'aucun des grands artistes du XIX siècle. Seules les années 1880 se sont écoulées, la première recherche d'antiquités nationales commençait à peine, qui n'intéressait personne sauf les spécialistes, et même les spécialistes s'y intéressaient d'un point de vue plus historique qu'artistique.<…>Vrubel à Kiev a été le premier à construire un pont entre la recherche archéologique et la restauration jusqu'au monde vivant créativité moderne. En même temps, je n’ai pas pensé à la stylisation. Il se sentait simplement comme un participant au travail sérieux des maîtres anciens et essayait d'en être digne.
En 1889, Vrubel s'installe à Moscou, où il reçoit une commande de panneaux décoratifs. Les panneaux "Venise", "Espagne", "Princess Dreaming", "Mikula Selyaninovich" apparaissent...
A Moscou, il travaille dans le même atelier avec K. Korovin et V. Serov, aidant S.I. Mamontov à créer un cercle artistique. Dans les années 1890, l’artiste se tourne vers le thème du Démon et du mal.
Depuis 1890, Vroubel travaille au théâtre, créant des décors pour l'opéra privé de S. I. Mamontov.
En 1891, M. A. Vrubel voyage à travers l'Europe, visitant l'Italie, la France, l'Allemagne (1892), la Grèce et Constantinople. Durant ces années l'artiste écrit peintures de chevalet, aquarelles, panneaux décoratifs pour les demeures de Moscou, illustrations pour les œuvres de M. Yu. Ce sont les illustrations de Lermontov qui constituent le summum de la maîtrise graphique de Vroubel.
Au début de 1896, l’artiste vint de Moscou à Saint-Pétersbourg pour la première russe de l’opéra-conte « Hansel et Gretel » d’E. Humperdinck. Vrubel a été chargé de créer les décors et les costumes de l'opéra. Lors d'une des répétitions, Mikhaïl Alexandrovitch a entendu la magnifique voix de Nadezhda Ivanovna Zabela, qui jouait le rôle de Gretel. Le même jour, l'artiste lui a proposé. Le mariage a eu lieu en Suisse.
Depuis l'automne 1896, N.I. Zabela était engagé dans l'Opéra de Kharkov, et Mikhaïl Alexandrovitch n'avait alors aucune commande, et il s'est intéressé à la peinture théâtrale et à la conception de costumes. Vrubel aimait la musique et le théâtre depuis son enfance. Il a écouté l'opéra «Sadko», dans lequel N.I. Zabela a chanté le rôle de la princesse Volkhova 90 fois. Il a expliqué ainsi son intérêt pour la musique à sa femme :
«Je peux écouter l'orchestre sans fin, surtout la mer. Chaque fois que j’y trouve un nouveau charme, j’y vois des tons fantastiques.
En 1896-1898, Vroubel se tourne vers des sujets de contes de fées et mythologiques. Au très de célèbres tableaux Cette période comprend « Bogatyr », « Pan » et « The Swan Princess ».
De 1899 à 1900, Vroubel dirigea l'atelier de majolique d'Abramtsevo.
Vroubel exécute les commandes de compositions de poêles, crée une chapelle en majolique sur la tombe de A. Mamontov et développe un projet d'agrandissement de la maison des Mamontov dans le « style romano-byzantin ». La critique d’art N.A. Dmitrieva admire la polyvalence de l’artiste :
« Vroubel... s'est avéré indispensable, car il pouvait vraiment tout faire avec facilité, mais il ne composait pas de textes. Son talent a révélé des possibilités universelles. Sculpture, mosaïque, vitraux, majoliques, masques architecturaux, conceptions architecturales, décors de théâtre, costumes - partout il se retrouve dans son élément. Des motifs décoratifs et graphiques jaillissent d'une corne d'abondance - oiseaux sirènes, sirènes, divas des mers, chevaliers, elfes, fleurs, libellules, et tout a été réalisé « avec style », avec une compréhension des caractéristiques du matériau et de l'environnement. C'est à cette époque, à la recherche d'une « beauté pure et élégante », qui s'applique en même temps à la vie quotidienne, et donc au cœur du public, Vrubel devient l'un des créateurs de l'Art nouveau russe - que « "Nouveau style", qui s'est superposé au romantisme néo-russe du cercle Mamontov, en partie issu de celui-ci.
C'est la poterie d'Abramtsevo qui a joué le rôle le plus important dans la renaissance de l'art de la majolique en Russie. La céramique a donné à Vroubel l'occasion d'expérimenter librement les possibilités plastiques et picturales du matériau, et le manque de formation artisanale avec ses motifs lui a permis de réaliser librement ses fantasmes.
C'est intéressant
Les œuvres décoratives de Vrubel combinaient la peinture avec l'architecture, la sculpture et les arts appliqués. C’était la polyvalence des talents de l’artiste.
Son œuvre sculpturale la plus significative est la composition « gothique » « Robert et les nonnes », décorant la lanterne de l'escalier du manoir Morozov.
L’artiste A. Matveev a écrit à propos des sculptures de Vroubel : « sans Vroubel, il n’y aurait pas eu de Konenkov… ».
La littérature architecturale souligne le rôle exceptionnel de Vroubel dans la formation de l'apparence artistique des œuvres de l'Art nouveau de Moscou. Il est l'auteur de nombreuses œuvres de céramique architecturale (petites sculptures en majolique et tuiles), qui décorent d'importantes œuvres de l'Art nouveau et du style néo-russe (maison de Vasnetsov, gare de Iaroslavl, hôtel particulier de Yakunchikova...).
A l'Exposition universelle de Paris en 1900, il reçoit une médaille au département des arts appliqués pour les œuvres créées à l'atelier de poterie d'Abramtsevo.
En 1903-1906, l’artiste connaît de graves problèmes de santé mentale. En 1906, la cécité s’ajoute à la maladie mentale.
Vroubel n'avait ni étudiants ni adeptes. Il vivait de créativité et ne travaillait pas pour la récompense... Le succès lui est venu alors qu'il était désespérément malade.
V. A. Vroubel est décédé à l'âge de 54 ans le 14 avril 1910. Alexander Blok a prononcé un discours sur la tombe dans lequel il a qualifié l'artiste de « messager d'autres mondes » :
« Vroubel nous est venu comme messager que la nuit lilas était entrecoupée de l'or d'une soirée claire. Il nous a laissé ses Démons, comme lanceurs de sorts contre le mal violet, contre la nuit. Je ne peux que trembler devant ce que Vrubel et ses semblables révèlent à l’humanité une fois par siècle. Nous ne voyons pas les mondes qu’ils ont vus.
Les enfants d'âge scolaire primaire et secondaire peuvent être invités à regarder une vidéo sur la vie et l'œuvre de Vrubel.
La connaissance de l’œuvre de l’artiste doit commencer dès l’âge de l’école primaire. À l'aide d'exemples de peintures du genre conte de fées, les parents inculquent à leurs enfants goût artistique, forment une culture commune.
"Poêle" 1899
Le tableau représente le héros mythique Pan. Selon une ancienne légende, le dieu aux pieds de chèvre des forêts et des champs est tombé amoureux d'une belle nymphe et se précipite après elle. Par peur, la nymphe se transforme en roseau. Pan fabrique une pipe à partir de ce roseau et joue depuis lors une douce mélodie.
La peinture de Vroubel semble transmettre le contenu de ce beau conte de fées. Pan est comme un diable rusé. Son apparence ne fait pas du tout peur. D'une main, il tient la flûte, de l'autre, il repose sur son genou poilu. Des cornes noires recourbées sur son crâne chauve, des cheveux gris bouclés, une longue barbe, des sourcils et une moustache blancs, des pattes de chèvre avec une traînée de peluches... Il est comme une vieille souche envahie par la mousse. Pan est courbé par la vieillesse et fatigué de la vie. L'artiste a représenté un vieil homme sur fond de paysage nocturne avec la lune flottant à l'horizon. Les yeux bleus sournois de Pan ressemblent à l'eau claire d'un ruisseau forestier. Vrubel a réussi à incarner dans son héros de conte de fées l'esprit de la nature, en en faisant partie intégrante.
Racontez à votre enfant l'histoire grecque antique de la naissance de la première flûte.
Un jour, le dieu de la forêt Pan tomba amoureux de la belle nymphe Syringa. La vierge n'aimait pas le dieu aux pattes de chèvre, au caractère joyeux et au visage terrible. Elle a décidé de le fuir, mais Pan l'a presque rattrapée et Syringa a demandé à la rivière de la cacher. La rivière a transformé la belle jeune fille en roseau. Par ressentiment, le malheureux Pan coupa une tige de roseau et en fit une flûte à plusieurs pieds. Le son triste de cette flûte, semblable au cri d'un enfant, s'entend encore aujourd'hui dans les forêts de Grèce.
Attirez l'attention de l'enfant sur le fait qu'en Grèce, la flûte porte le nom de la nymphe - Syringa ; en Russie, cet instrument de musique s'appelle une flûte.
Après avoir présenté à votre fils (fille) le sort du héros du monde antique, demandez à l'enfant de décrire l'image.
"La Princesse Cygne" 1900
L'intrigue de l'image est tirée de l'œuvre de A. S. Pouchkine « Le Conte du tsar Saltan ».
"...On dit qu'il y a une princesse,
Ce que vous ne pouvez pas quitter des yeux :
Pendant la journée, la lumière de Dieu est éclipsée,
La nuit, la terre s'illumine -
La lune brille sous la faux,
Et sur le front brûle l'étoile.
Et elle-même est majestueuse,
Se comporte comme une paonne..."
Devant nous se trouve un portrait scénique de N. I. Zabela dans le rôle de la princesse cygne dans l'opéra de N. Rimsky-Korsakov «Le Conte du tsar Saltan». Une luxueuse couronne enfilée de perles brille comme une dentelle d'argent, des bagues scintillent aux doigts, une cape jetée sur les épaules est bordée de pierres précieuses. Des nuances de couleurs nacrées animent le tableau : la princesse cygne flotte sur la mer sombre, jetant un regard alarmant.
Pendant longtemps, le tableau a suscité la controverse - tous les critiques ne l'ont pas reconnu comme un chef-d'œuvre.
La critique d'art N.A. Dmitrieva a décrit le tableau comme suit :
"Il y a quelque chose d'alarmant là-dedans", ce n'est pas pour rien que c'était le tableau préféré de Blok. Dans le crépuscule de plus en plus profond avec une bande cramoisie du coucher du soleil, la princesse s'éloigne dans l'obscurité et seulement dans dernière fois se retourna pour faire son étrange geste d'avertissement. Il est peu probable que cet oiseau au visage de jeune fille devienne l’épouse obéissante de Guidon, et son triste regard d’adieu ne promet pas le bien-être. Elle ne ressemble pas à Nadezhda Ivanovna Zabela - une personne complètement différente, même si Zabela a joué ce rôle dans "Le Conte du tsar Saltan".
Lisez un conte de fées de A. S. Pouchkine à votre enfant. Dites-nous que dans les temps anciens, tous les contes de fées avaient des titres longs. Demandez de répéter le titre de ce conte de fées (« L'histoire du tsar Saltan, de son glorieux et puissant fils, le prince Guidon Saltanovich, et de la belle princesse cygne »).
Invitez votre fils (fille) à regarder le tableau « La princesse cygne » et demandez à trouver sa description dans le conte de fées de A. S. Pouchkine.
(Ici, elle bat des ailes,
Survolé les vagues
Et vers le rivage d'en haut
Elle s'enfonça dans les buissons.
J'ai démarré, je me suis secoué
Et elle s'est transformée en princesse.)
Attirez l’attention de l’enfant sur le fait que l’image montre le moment de la transformation de la princesse en cygne. (L'aile droite s'élève en mousse de perles de mer, celle de gauche est recouverte de plumage. L'artiste a réussi à représenter la fusion de l'image du Cygne et de la Princesse. Il y a deux créatures ici. La main de la Princesse, ornée d'anneaux , ressemble à un col de cygne allongé, les pierres précieuses des bagues ressemblent aux yeux d'un cygne. La magie se produit - la princesse, se tournant vers le spectateur, se transforme en cygne).
Proposez d'écouter l'opéra «Le Conte du tsar Saltan». Aidez votre enfant à ressentir l'animation du tableau sur la musique de N. Rimsky-Korsakov. Ce sera une confirmation du grand amour de l’artiste pour la musique et la littérature.
"Bogatyr" 1898-1899
Initialement, le tableau s'appelait « Ilya Muromets ».
héros épique épique présenté sur la photo comme l'incarnation de la force héroïque russe. Ilya Muromets ressemble à un rocher de pierre. Sa lourde armure brille comme des cristaux précieux. Il sert fidèlement la Patrie. De petits pins poussent autour du héros. Vroubel a exprimé les paroles de l'épopée dans son tableau :
"Un peu au-dessus de la forêt debout, un peu en dessous du nuage qui marche."
Le puissant cheval semblait « grandir » dans le sol, écoutant les bruits mystérieux de la forêt. La nuit est tombée sur la terre. La lueur du coucher du soleil flamboie de manière alarmante. Ilya Muromets personnifie les meilleurs traits des défenseurs de la terre russe : la fermeté, l'invincibilité et l'intrépidité.
Parlez à votre enfant du héros des contes populaires et des épopées, Ilya Muromets. Selon les épopées, il était le héros russe le plus puissant et le plus puissant. Il a défendu la terre russe contre les ennemis.
Demandez à votre fils (fille) de parler de vos sentiments pour le défenseur de la Russie.
La recherche moderne peut susciter l’intérêt d’un enfant pour le héros épique. Les chercheurs pensent qu'Ilya Muromets n'est pas un héros de fiction, mais un personnage historique. Il a vaincu le Rossignol le voleur, qui chassait le long de la route forestière menant à Kiev et a sifflé pour avertir sa bande de l'attaque.
Les enfants seront intéressés à apprendre l'histoire du miracle survenu dans la vie d'Ilya Muromets.
Le grand-père d'Elie était un païen (il ne reconnaissait pas le christianisme) et un jour il détruisit une icône, après quoi une malédiction tomba sur sa famille - les garçons naquirent infirmes. Ilya Muromets a été immobilisé pendant 33 ans et la guérison s'est soudainement produite. Des mendiants errants sont venus chez lui et lui ont demandé de l'eau. Ilya se leva et donna de l'eau aux aînés.
Cette affaire reste un mystère inexplicable pour de nombreux chercheurs.
Les peintures suivantes de Vroubel sont complexes et inhabituelles et vous devez commencer à les connaître dès l'âge du collège et du lycée.
Tableau "Princesse Rêve"
L'intrigue de l'image est tirée du drame écrivain français Edmond Rostand. Selon la légende, le troubadour Geoffroy Rudel, enchanté par les récits des pèlerins qui l'ont vue, tombe amoureux de la princesse Mélissinda et vit le rêve de la rencontrer... Avant sa mort, le poète entreprend un long voyage pour voir son rêver en réalité. Le chevalier meurt heureux, car son rêve est devenu réalité : il a vu sa belle Mélissinda.
Le troubadour Rudel est représenté dans le drame comme un chevalier de l'esprit. La chevalerie de Rudel s'apparente à l'obsession d'un rêve noble, à la recherche d'un idéal. On a toujours cru qu’un chevalier devait être un guerrier doté d’une force extraordinaire. L'écrivain Rostand présente son héros esprit fort, pas le corps. Rudel est épuisé, mais son amour est vivant et réel.
M. Gorki, dans un de ses articles, a écrit à propos de la pièce de Rostand :
"Cette pièce est une illustration de la puissance d'une idée et une image de la poursuite d'un idéal."
En Russie, la première de la pièce « Princesse des rêves » a eu lieu en 1896. La même année, S.I. Mamontov commande des panneaux décoratifs pour l'exposition panrusse à Nijni Novgorod. Vroubel crée des panneaux fabuleux : « Mikula Selyaninovich » et « Princess Dream ». Ces œuvres ont été rejetées par l'Académie des Arts et acquises par S.I. Mamontov. Bientôt, Mamontov expose les panneaux dans un nouveau pavillon construit à leur intention. La hauteur de la toile «Princesse des rêves» est de 7,5 mètres et sa longueur de 14 mètres.
Le tableau représente le chevalier Geoffroy Rudel jouant de la harpe. Il appelle son Rêve, pinçant les cordes instrument de musique. Dans le regard sans vie du héros se dessine l’espoir de rencontrer la princesse de ses rêves, Mélisinda. Melisinda vole vers lui comme une vision de la Beauté divine dans une robe transparente rose perle, avec de longs cheveux duveteux. La princesse regarde du ciel le Rudel rêveur, tenant un lys à la main en signe d'amour pur et sublime. Au dernier moment de sa vie, le chevalier est heureux : il voit sa bien-aimée.
L'artiste interprète l'intrigue de la légende de l'amour dans un esprit de symbolisme. Pour le prince Rudel mourant, la vie sur terre est un refuge temporaire et rencontrer Melisinda est impossible, mais leurs cœurs sont unis grâce à la musique magique de l'amour.
- Pourquoi Rudel est-il parti à la recherche de la princesse ?
- Que lui est-il arrivé pendant le voyage ?
- Comment Rudel a-t-il appelé sa bien-aimée ? (Il pinça les cordes de la harpe, jouant une musique douce)
- Comment Mélisinda lui est-elle apparue ? (Elle s'est envolée vers lui comme une vision).
- Quelle fleur Greza tenait-elle dans sa main ? Qu'est-ce que ça veut dire?
- Pourquoi Rudel était-il appelé chevalier ?
N'oubliez pas de conclure : Vroubel a représenté dans le tableau son idée de l'amour pur et sublime. Cette histoire d'amour n'a pas de fin heureuse. The Dream Princess est un conte de fées pour adultes, et ces contes de fées ont souvent une fin triste.
"Diseur de bonne aventure" 1895
Le tableau a été peint en un jour. Cette intrigue psychologique aiguë a été empruntée par l'artiste à l'opéra "Carmen". Le modèle du tableau était une femme cosaque sibérienne, amante de l’artiste. Une femme est assise devant un tapis rose lilas, avec des cartes étalées devant elle. Son regard de pierre est détourné sur le côté. Le visage est impénétrable. La diseuse de bonne aventure a appris le terrible secret du futur artiste grâce à l'as de pique tombé. Ses yeux brûlants anticipent un triste sort.
Faites découvrir à votre enfant la biographie de l'artiste. Demandez-lui de deviner ce que laisse présager le regard de la diseuse de bonne aventure dans la vie et l’œuvre de Vrubel. Posez des questions concernant la biographie de l'artiste :
- Quelle sera la prochaine Le chemin de la vie Vroubel ?
- Que prévoit-il ?
- L'artiste a-t-il cru aux prédictions ?
Attirez l'attention de l'enfant sur la texture de l'image. (Le tableau ressemble à une mosaïque. Les peintures sont appliquées avec un couteau à palette (un couteau pour gratter les peintures). La diseuse de bonne aventure dépasse de la toile comme une sculpture).
"Démon assis" 1890
Un triste géant est assis sur une montagne au milieu d’un espace vacillant alarmant. Il y a autour de lui une extraordinaire beauté cosmique : des fleurs multicolores s'épanouissent sous la forme d'énormes cristaux brillants.
Pourtant, ses genoux sont fléchis, ses bras sont tordus, sa tête est baissée, son regard est résigné. Une larme de chagrin coule sur ta joue.
Voici ce que Vroubel écrit à propos de ce tableau à sa sœur Anna le 22 mai 1890 :
...J'écris un Démon, c'est-à-dire pas exactement un Démon monumental, que j'écrirai au fil du temps, mais un Démon « démoniaque » - un jeune personnage à moitié nu, ailé, tristement pensif, assis, serrant ses genoux, sur fond de coucher de soleil et regarde la prairie fleurie d'où s'étendent vers elle des branches courbées sous les fleurs.
Selon Vroubel,
« Démon signifie « âme » et représente lutte éternelle un esprit humain inquiet, cherchant la réconciliation des passions qui l'accablent, la connaissance de la vie, et ne trouvant de réponse à ses doutes ni sur terre ni au ciel.
Dans ce tableau, Vroubel a montré l'habileté d'un monumentaliste. Il peint avec de larges traits qui, se transformant en taches de couleur, ressemblent à des pierres de mosaïque. Le choix des couleurs (lilas, bleu, noir, gris...) correspond état d'esprit l'artiste, soulignent sa mélancolie.
Le tableau est une sorte d'autoportrait de Vrubel, qui a capacités uniques, mais doutant de la vérité et méconnu. Ce travail central artiste. Le héros de Vroubel est complexe et symbolique. Il présente un démonisme particulier illustrant la souffrance générale des personnes impliquées dans la grande guerre russe. Culture du XIXème siècle siècle.
Regardez le héros de l'image avec votre enfant et décrivez-le. Posez quelques questions directrices :
- Comment l’artiste a-t-il présenté son héros ?
- Que ressent le Démon assis au sommet de la montagne ?
- Quelles couleurs Vroubel a-t-il utilisées dans la peinture : chaudes ou froides ?
- Pourquoi la figure du Démon est-elle coupée en haut et en bas ? (Ainsi, l'artiste représentait la solitude du héros).
Expliquez le sens des mots de Vroubel : « Le démon est un esprit puissant et majestueux. » Veuillez noter que le Démon n’a aucune pensée diabolique ou mauvaise. Il est comme une sculpture taillée dans une pierre précieuse. Vroubel y dépeint lui-même, son âme, ses expériences. L'artiste n'a pas été compris, ni apprécié.
"Le démon vaincu" 1902
C'est l'un des plus œuvres tragiques artiste. Il révèle sa biographie. Le démon, précipité des hauteurs et répandu sur les crêtes des montagnes, est toujours vivant. Ses bras sont cassés, des doigts pointus s'enfoncent dans son corps et le feu de la protestation brûle dans ses yeux en colère.
Montagnes couvertes glace éternelle, illuminé par les derniers rayons rafraîchissants du coucher de soleil.
La palette de couleurs sombres traduit l’épuisement mental du héros. Cette image incarne la tragédie d’une personnalité brisée. Un artiste déçu, qui n'a pas complètement dilapidé son énorme potentiel créatif, suite à la prémonition d'un proche mort tragique tombe dans l'agonie. Il lui est difficile de réaliser son terrible sort, puisqu'il n'a pas pleinement réalisé ses projets grandioses.
Parlez à votre enfant dernières années la vie de l'artiste. Le fils de l'artiste est décédé. Cette tragédie est devenue la cause de la maladie mentale de Vrubel. Le génie a perdu la paix dans la lutte contre la folie et a travaillé en permanence.
Les avis des chercheurs sur l'importance de l'œuvre de Vroubel dans l'art russe et mondial diffèrent. Selon N.A. Dmitrieva, la place de l’artiste dans l’histoire de l’art est « exclusive et isolée ».
Vrubel a créé plus de 200 travaux divers: peintures, portraits, illustrations, panneaux décoratifs, croquis de rideaux de théâtre... Il réalise des vitraux, peint des fresques, crée des pancartes, des décors de théâtre, s'adonne aux arts appliqués, à l'architecture...
Grâce à la polyvalence de Vroubel, un nouveau concept – l’artiste universel – s’est imposé pour la première fois dans l’art russe.
Vous pouvez vous familiariser plus en détail avec la biographie et l'œuvre de Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel, l'artiste le plus fantastique de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, en lisant le livre fascinant « Vrubel » de Vera Mikhailovna Domiteyeva de « La vie des personnes remarquables ». série.
Chers parents! Apprenez aux enfants à comprendre, comparer, évaluer, analyser, exprimer leur point de vue et percevoir émotionnellement l'art réel.
Il possède toute une époque de l’art ; les recherches de Vroubel sont comparées à la méthode de Léonard. Premier symboliste, son style de peinture était original et s'est avéré prophétique pour les nouvelles orientations de la peinture du XXe siècle.
Le père de l'artiste, Alexandre Mikhaïlovitch Vroubel, était un avocat militaire, ancien officier de combat, qui a participé à la campagne de Crimée et aux opérations militaires dans le Caucase. La mère de l'artiste, Anna Grigorievna Basargina, parente du célèbre décembriste, a donné naissance à quatre enfants et est décédée lorsque Misha avait quatre ans. En raison du service de son père, la famille déménageait fréquemment. SUIS. Vrubel épousera E.Kh. Wessel. La relation de Vrubel Jr. avec sa belle-mère s'est bien développée et grâce à sa vocation (elle était pianiste), l'artiste a grandi en écoutant de la musique classique.
En 1874, M. Vrubel est diplômé du célèbre gymnase Richelieu d'Odessa avec une médaille d'or.
Déjà à l'âge de cinq ans, le garçon dessinait avec enthousiasme et, arrivé à Saint-Pétersbourg, son père l'inscrivit à l'école de la Société pour l'encouragement des artistes. A Odessa, un garçon apprend le dessin à l'école de la Société beaux-Arts. A l'âge de neuf ans, M. Vrubel copiait Michel-Ange de mémoire. Cependant éducation artistique le père n'a inculqué à son fils que pour le développement général. Ainsi, en 1874, M. Vrubel étudia pour devenir avocat à l'Université de Saint-Pétersbourg. Mais le rêve de M. Vrubel reste la peinture ; il fréquente des expositions, étudie, participe à des débats sur la finalité de l’art et suit des cours du soir à l’Académie des Arts.
Après avoir obtenu son diplôme de l'Université de Saint-Pétersbourg et effectué son service militaire, M.A. Vroubel, en 1880, devient étudiant à l'Académie des Arts. Vroubel a développé une relation étroite avec un autre artiste russe de l'Académie, V. Serov. Et en 1886, il rencontra K. Korovine. Ses professeurs étaient P. Chistyakov et I. Repin. Il critiquait l'art moderne. Par exemple, il a dit en face au professeur Repin qu’il ne savait pas dessiner. Pour ses déclarations, Vrubel a reçu la réputation d'une personne arrogante, même s'il avait l'air modeste et timide. On sait d'après ses mémoires que Vrubel a joué dans diverses images. Soit il est un « noble gentleman » tiré à quatre épingles (son père était polonais), soit il est vêtu d'un costume de velours noir, d'un pantalon et de bas comme un vénitien d'après un tableau du Titien, soit il s'entoure gens étranges: snobs, fêtards, artistes de cirque, Italiens, pauvres, alcooliques (comme le disait son ami Korovine).
En 1884, Vrubel quitte l'Académie. Sur la recommandation de Chistiakov, il se rend à Kiev chez A. Prakhov pour restaurer les peintures anciennes de l'église Saint-Cyrille. A Kiev, l'artiste russe a passé six ans à étudier sous la direction de Prakhov Peinture d'icônes byzantines, travaille également à la cathédrale de Vladimir. L’audace iconographique de Vroubel a semé la confusion, c’est pourquoi en 1889 il a été écarté de cette œuvre. Puis il s'installe à Moscou. Ici, sa vie et sa quête sont liées à la maison et au domaine moscovites près de Moscou à Abramtsevo, propriété du célèbre amateur d'art, philanthrope et inspirateur du célèbre cercle d'art Sava Mamontov. En plus de la peinture, Vroubel se lance à cette époque dans la sculpture, se consacre à la céramique, au design, à la conception de productions théâtrales et aux panneaux décoratifs. En 1890, son tableau « Démon assis » voit le jour. Cette image a été conçue à Kiev. Le tableau est ensuite devenu un symbole de l'ère à venir - l'ère du symbolisme, du réformisme religieux, qui tentait la culture laïque de l'époque.
En 1896 eut lieu la première exposition de Vroubel, résultat d'un scandale. Les peintures commandées par Mamantov ont été rejetées par l'Académie des Arts, qualifiées de « non artistiques ». Il s'agissait de deux œuvres : « Princess Dream » et « Mikula Selyanovich ». En guise de protestation, Mamontov a organisé l'exposition « Panneaux Vrubel ».
Immédiatement après l'exposition, Vrubel a épousé la chanteuse Nadezhda Zabela ; les jeunes se sont mariés cet été à Genève. A l'invitation de Mamontov, Zabele devient l'artiste phare de son opéra privé.
Au cours des cinq années suivantes, l'artiste russe a créé toutes ses œuvres les plus célèbres - ce fut une période fructueuse de sa vie. Il expose beaucoup - aux expositions du « Monde de l'Art », de la Sécession viennoise, « 36 »... Même si le même A. Benois a toujours été très critique à l'égard de ses innovations picturales.
En 1899, Vroubel perd son père et en 1901 son fils Savva est né, avec une malformation congénitale - une « fente labiale » - qui a fait une impression douloureuse sur l'artiste. Au début de 1902, V. Bekhterev découvre qu'il a maladie incurable(goût de la moelle épinière), qui menaçait de folie. En 1903, le jeune fils de Vrubeby mourut, un an après la réalisation de son portrait. Vrubel devient donc un résident permanent des cliniques psychiatriques. Peu de temps auparavant, il avait peint un tableau terriblement funeste, « Le Démon vaincu ». Durant les périodes d’obscurité, l’artiste tombait soit dans la folie des grandeurs, soit dans l’abaissement total.
Avant 1906, il y a eu des périodes d’illumination où l’artiste a commencé à travailler de manière intensive. En 1905, il est élu académicien de peinture. Ce fut le dernier événement perçu par son esprit. En 1906, il devint aveugle.
La vie du célèbre artiste russe M.A. Vroubel s'est terminé dans l'enceinte de la clinique du Dr Bari à Saint-Pétersbourg. Lors des funérailles, A. Blok a qualifié l'artiste d'auteur de « dessins volés à l'éternité » et de « messager d'autres mondes ».
Vrubel était solitaire et perplexe en tant que personne, et ses peintures n'étaient ni comprises ni acceptées par les gens. Ce n'est qu'à la fin de sa vie, lorsqu'il se retrouva dans un hôpital psychiatrique, que ses peintures devinrent célèbres.
Tableaux célèbres de M.A. Vroubel
Le tableau « Pan » (1899) ouvre une série de « nocturnes » de l'artiste russe. La suite était les peintures "The Swan Princess" et "Lilac". N. Zabela était la nièce de N. Ge, qui a influencé les contes nocturnes de Vrubel. Ge était considéré comme un maître des couleurs nocturnes.
Pan est un personnage de la mythologie grecque, représenté cependant par Vroubel sous l'influence du folklore russe, qu'il aimait tant à cette époque. Pan, la divinité des forêts et des champs, est un symbole de la nuit, qui est une fenêtre sur d'autres mondes inaccessibles à la conscience diurne.
L’arrière-plan de l’image est un paysage russe. Dieu semble sortir d'une souche moussue, et autour de lui se trouvent des champs, des rivières et des bouleaux endormis dans le silence de la nuit. Les yeux de Dieu, bleus, lumineux, étonnent par leur infinité. De la mythologie grecque, seule la pipe est impliquée dans le tableau. Selon des récits mythologiques, Pan était juge dans les concours de calumet de berger. La demi-corne de la lune remplit l’espace du tableau d’une lumière fantastique, faisant simultanément écho aux cornes de la divinité.
Le tableau « Le Démon volant » (1899) est une œuvre inachevée. Le thème du démon a préoccupé Vroubel toute sa vie et il y revient dans cette œuvre. Cette photo est un hymne à la liberté et à la beauté. A cette époque, Vroubel lisait les œuvres de Nietzsche. Il est possible que le tableau n'ait pas été achevé par l'artiste car, dans un effort pour montrer sa liberté, il a représenté une image de malheur.
Le visage du démon évoque une prémonition de tragédie. Des yeux immenses, une pâleur mortelle, une détermination, une sculpture grossière du visage lui-même créent l'image du « chagrin du monde ». La figure allongée du démon donne la sensation d'un vol rapide. Caractéristiques distinctives Les peintures de Vroubel sont des tons violets et lilas, fond décoratif.
Le tableau de Vroubel "La Princesse Cygne" (1900) est dédié à N. Zabela, qui a joué le rôle de la Princesse Cygne dans la pièce "Le Conte du tsar Saltan". Le compositeur de la pièce était Rimski-Korsakov. Ce tableau est le résultat de l’amitié de l’artiste avec le compositeur, qui a reconnu N. Zabele. Dans cette œuvre, l'artiste a véhiculé une image musicale émouvante d'une créature fragile et extraterrestre jetée dans notre monde.
Affiché en arrière-plan décor de théâtre- des vitres orange en feu. Un kokochnik décoratif luxuriant issu du costume de scène de Zabela sur la tête de la princesse cygne. La virtuosité de l'utilisation du pinceau est visible à l'image du plumage, les rayons du soleil couchant jouent dessus. Des couleurs chatoyantes, des transitions subtiles de gris et de rose font que cette œuvre « sonne » presque vraiment comme une musique surnaturelle. Cette image est la percée vers l’au-delà que réclamaient les symbolistes.
Le tableau « Lilas » (1900) est associé à la ferme de N. Ge dans la province de Tchernigov, où Vroubel a vu des bosquets de lilas en fleurs. « Lilas » représentait la conception du langage pictural du symbolisme. C’est l’une des œuvres les plus complexes de Vrubel ; sens philosophique, à savoir combler le fossé entre la forme-apparence et l’essence-signification. Le tableau «Lilas» a réconcilié Vroubel avec A. Benois, qui a admis qu'en se tenant près du tableau, il avait senti les fleurs printanières.
Vroubel appelle l'héroïne du film Natasha, la reliant ainsi au monde de Pouchkine. La jeune fille incarne l'âme du lilas.
Chef-d'œuvre de Vrubel M.A. – tableau « Démon assis »
Le tableau « Démon assis » a été peint en 1890 et est en l'état Galerie Tretiakov, à Moscou. Cette image a été conçue par l’artiste russe alors qu’il travaillait à Kiev ; elle s’inspire du poème de Lermontov et s’inscrit dans l’ère du symbolisme. Vroubel a déjà travaillé sur le tableau à Moscou, dans la maison de Mamontov, dans l'atelier fourni. Vroubel a écrit à son père à propos de sa peinture : « Le démon n'est pas tant un mauvais esprit qu'un esprit de souffrance et de deuil, en même temps un esprit puissant et majestueux. » A. Blok est tombé amoureux du tableau, le qualifiant de « symbole de notre temps ». L'artiste écrit à sa sœur : « Ma recherche se situe exclusivement dans le domaine de la technologie. Le reste a déjà été fait avant moi, il suffit de choisir. Il entend par là l’appel de la peinture à la littérature. V. Vasnetsov a également dépeint avec sensibilité travaux littéraires dans ses tableaux.
Lorsque l’artiste a peint le démon, au début de l’œuvre, il s’inscrivait plutôt bien sur la toile. À la fin de l'œuvre, le démon avait tellement grandi que l'artiste a dû construire sur la toile ; dans la version finale, le Démon est représenté avec une tête coupée. Seul l’arrière-plan de cette image est réaliste. En même temps, cela semble théâtral - fantastique, immobile, décoratif. Cela fait écho au vide de l’âme. L’artiste lui-même a mentionné à plusieurs reprises que le démon est traduit du grec par « âme ». La coloration de l'image est un contraste de couleurs : la couleur lilas prédominante se bat avec la couleur orange-dorée occasionnelle. La manière dont Vroubel a écrit « le démon » ne pouvait être écrite par aucun de ses contemporains. L'artiste décompose avec audace une forme unique en facettes distinctes, transformant le monde qu'il a créé en une mosaïque de pierres précieuses savamment taillées. Le « démon » de Vroubel combine la beauté, l'intelligence, la grandeur, le pouvoir et en même temps l'impuissance, l'impuissance (comme le montrent ses mains désespérément jointes). Blok considérait le « démon » comme « un jeune homme dans l’oubli de « l’ennui ». Le corps entier du Démon est constitué de muscles métalliques.
- Vierge à l'Enfant
- Tamara dans un cercueil
- Tamara et le démon
» Douze
» Treize
» Quatorze
» Quinze
» Chestnad
» Dix-sept
» Huit
» Dix-neuf
» Vingt
» Porte une
» Porte deux
» Porte trois
» Double quart
» Double quinte
» Porte six
» Porte du septième
» Porte huit
» Porte neuf
» Trente
» Tr. premier
» Tr.seconde
» Tr. troisième
» Troisième jeudi
» Tr.cinquième
» Tr.sixième
» Septième partie L'historien de l'art A.M. Efros a dit un jour à propos de Vroubel que c'était comme s'il avait passé toute sa vie sans sortir d'un opéra magique, à contempler des créatures théâtralement inhabituelles. La remarque est injuste (car toute sa vie Vroubel a contemplé faune et des vivants), mais non sans exactitude non plus : il y a vraiment une sorte d'« opéra magique » dans ses peintures. Mais est-ce que cela les rend moins beaux ? Les arts ne sont pas séparés les uns des autres, et l’influence de la musique et du théâtre sur la peinture est tout aussi possible que n’importe quelle autre. Voici la Princesse des Mers : au lever du mois, elle se tient tranquillement parmi les bosquets de roseaux, portant une couronne de perles. De longs cheveux brun-roux se déversent doucement sur ses épaules et ses bras et coulent comme un ruisseau - ils s'apparentent à l'élément eau, tout comme la robe fluide de la princesse aux nuances délicates insaisissables, difficiles à nommer : de tels débordements se produisent sur le surface calme du lac par une soirée claire. Qu'est-ce que c'est - une princesse des mers des contes de fées russes, ou une image inspirée de la musique de « Sadko », ou un portrait de Zabela dans le rôle de Volkhova ? Très probablement, il s'agit d'une image dont l'artiste a rêvé, où les impressions des contes de fées, de la musique et de l'apparition de Zabela se sont fusionnées, et surtout, de la contemplation des marigots des rivières dans les heures calmes de la soirée, de l'observation des formes étonnantes. et les couleurs des plantes, des coquillages, des étoiles de mer et des nénuphars. Bien sûr, il ne s’agit pas d’un portrait de la femme de l’artiste dans le rôle de la princesse des mers, mais de la princesse des mers sous les traits de sa femme - il faut ressentir cette différence. Le concept du tableau contient une antithèse cachée au « Démon assis ». Ici comme là, une créature humanoïde fantastique est présentée face à face avec un mystérieux paysage crépusculaire, et dans les deux cas, le sens intérieur, le sous-texte de l'image est déterminé par la relation entre cette créature et la nature. Mais le Démon est rejeté par la nature, elle est pétrifiée pour lui, toute sa silhouette et son visage expriment la mélancolie et le désir. La princesse est en harmonie avec la nature. Regardez le calme dans sa posture, dans le demi-sourire à peine perceptible. Les mains sont abaissées et les doigts sont entrelacés presque de la même manière que ceux du Démon, mais il n'y a pas de tension douloureuse dans ce mouvement - les mains tombent facilement, comme les ailes tombent. La princesse est prête à disparaître, à déborder comme une rivière, et cela ne lui fait pas peur : elle-même est une rivière, elle-même est la nature. En fait, tout le thème du conte de fées et de l'épopée russe de Vroubel s'oppose au thème du Démon, comme le pôle opposé. Dans le Démon, tout est à la limite de la tension, tout est dramatique, mais ici la cantilène sonne doucement, ici la Fille des Neiges, comblée d'étoiles de neige, sourit tendrement et somnolente, salue langoureusement les petits oiseaux de la Source Rouge, dans la lueur de diamant du matin, trente-trois héros émergent de la mer.
La tragédie du Démon de Vroubel est la tragédie d'un intellect qui a perdu son sol, cette terre mère et humide sur laquelle Mikula Selyaninovich se tient fermement. Le démon est tourmenté par des questions insolubles sur le sens de l'existence ; les personnages de l'épopée populaire ne s'en posent pas. Ce sont des êtres élémentaires, leur existence est immergée dans l’existence de l’ensemble cosmique tout entier, dont ils ne se séparent pas : c’est la « musique de la personne entière ».
Ne discutons pas encore une fois de la justesse historique d’une telle compréhension ou d’un tel sentiment de l’antiquité légendaire russe. Ce n’est peut-être pas vrai, mais Vroubel a créé ses contes de fées, tout comme son Démon. Cela ne veut cependant pas dire qu’il n’a pas fouillé les sources primaires. En créant, par exemple, «Le Bogatyr», il s'est sincèrement habitué au monde des contes épiques. Sa toile a été peinte presque simultanément avec les « Bogatyrs » de Vasnetsov, qui ont fait sensation lors de l’exposition de 1899. Rimski-Korsakov, comme beaucoup, était ravi du travail de Vasnetsov. Dans ce tableau, les trois héros sont montrés cependant sans l'hyperbolisme caractéristique des épopées et en dehors de leur mode mélodieux majestueux. Vroubel cherchait à se rapprocher du style du folklore. Il a fait de son héros - Ilya Muromets - trapu, énorme, assis sur un cheval taureau. Un tel « montagnard paysan » peut se battre avec une massue « quatre-vingt-dix poud », boire un seau et demi de vin, comme le dit l'épopée ; il est « lourd à cause de la force, comme d'un lourd fardeau », mais il monte « un peu plus haut que la forêt debout, un peu plus bas que le nuage qui marche » - sur la photo, on peut voir la cime des sapins au les pieds du cheval. La forêt est d'une densité immaculée, deux faucons se cachent dans son épaisse ligature. Aux épaules larges, trapu, comme un ours, le héros regarde avec vigilance et perspicacité, écoute avec sensibilité, ses vêtements et son armure sont à motifs, élégants - également conformément à l'épopée, qui parle du panache du « vieux cosaque » Ilya :
Ilya a mis des chaussures en soie,
Il a mis une pochette de velours noir,
Il a mis un chapeau de terre grecque sur sa tête.
Après le chevalier de Vroubel, les héros de Vasnetsov sembleront probablement à la fois légers et quelque peu prosaïques. Mais Vroubel, si je puis dire, est allé trop loin dans la description de la puissance terrestre du héros. Il y a une sorte de gonflement artificiel dans la figure du chevalier et, surtout, de son cheval. (La sœur de Zabela a écrit dans son journal : « Son cheval est plus large que long. ») Vroubel ressentait la puissance de l'épopée héroïque, mais il était probablement plus proche d'images plus fragiles et lyriques, « fondant et glissant », comme celles-ci. sa femme a créé sur scène. Grande ligne contes de fées marié par deux de célèbres tableaux, dont se souviennent certainement tous ceux qui connaissent au moins certaines des peintures de Vroubel - "La Princesse Cygne" et "Pan". Tous deux ont été écrits au tournant du siècle : « Pan » en 1899, « The Swan Princess » en 1900.
Différentes opinions ont été exprimées sur les mérites de "The Swan Princess" - tout le monde n'est pas d'accord pour le considérer comme un chef-d'œuvre, mais "Pan" est unanimement reconnu comme le summum, sinon de toute l'œuvre de Vroubel, du moins de sa suite de contes de fées. Le résultat du travail artistique est souvent imprévisible et inattendu. Il arrive qu'un artiste consacre des mois, voire des années, à une idée qui lui tient à coeur, en la préparant, en réfléchissant, en l'écrivant et en la réécrivant soigneusement, mais que l'affaire ne se concrétise jamais. Et parfois, de grandes œuvres sont créées soudainement, comme impromptues. Vroubel a écrit "Pana" en deux ou trois jours, prenant, avec son impatience caractéristique, une toile avec un portrait de sa femme qu'il avait commencée. On dit que l’impulsion était la lecture du conte « Saint Satyre » d’A. France. Et l'artiste a d'abord appelé son tableau « Satyre ». Le dieu hellénique aux pieds de chèvre et le gobelin russe y sont unis en une seule personne. Mais il y a plus dans le diable - à la fois le paysage russe et l'apparence de Pan. D'où vient cette apparence, d'où l'artiste a-t-il obtenu cette remarquable tête chauve, ce visage rond, aux sourcils, aux yeux bleus, envahi par des boucles sauvages ? Habituellement, les héros des peintures de Vroubel ressemblent à un portrait de quelqu'un qu'il a connu, et les contemporains n'ont eu aucune difficulté à deviner qui servait de prototype. Mais « Pan » ne semble pas avoir été identifié ; de toute façon, personne n'a posé pour l'artiste et il n'y a pas eu de recherche de type. Vroubel a-t-il repéré un homme aussi âgé quelque part dans un village ukrainien ou l'a-t-il simplement imaginé ? nuit au clair de luneà la vue d'une vieille souche moussue - inconnu. Mais les téléspectateurs de différentes générations trouvent dans "Pan" une ressemblance avec quelqu'un qu'ils ont rencontré et que Vrubel n'a pas pu rencontrer - preuve de la vitalité et de la ténacité de ce grand-père de conte de fées.
Et en même temps, il est complètement fantastique, c'est le mort-vivant de la forêt, la personnification de ce qu'on imagine et de ce qu'on imagine lorsqu'on se perd la nuit. Une souche grise se met en mouvement, des cornes de bélier s'enroulent sous la mousse hirsute, une main noueuse se détache, agrippant un tuyau à plusieurs tiges, et soudain des yeux ronds et bleus s'ouvrent, comme des lucioles phosphorescentes. Comme pour répondre à l'appel silencieux du propriétaire de la forêt, la lune surgit lentement de derrière l'horizon, la surface de la rivière et une petite fleur bleue brillent d'une lueur bleue. Le gobelin est à la fois l’âme et le corps de ces bosquets et plaines marécageuses ; les boucles de sa fourrure sont comme un croissant qui s'élève, la courbe de son bras fait écho à la courbe d'un bouleau tordu, et il est tout noueux, brun, fait de terre, de mousse, d'écorce d'arbre et de racines. Le vide magique de ses yeux parle d'une sorte de sagesse animale ou végétale, étrangère à la conscience : cet être est complètement élémentaire, infiniment loin de ce reflet douloureux qui contracte les puissants muscles du Démon.
"La Princesse Cygne" est différent. Elle n'a pas la sérénité du « Sea Princess » - en monde féérique l’anxiété s’installe, les prémonitions prophétiques s’installent. A.P. Ivanov a parlé de cette image : « N'est-ce pas la Vierge du ressentiment elle-même qui, selon les mots d'un poème ancien, « éclabousse la mer bleue de ses ailes de cygne » avant les jours des grands désastres ?
Vroubel M.A. Autoportrait. 1904 - 1905. Papier, fusain, sanguine. Galerie nationale Tretiakov
Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel (5 mars 1856, Omsk, région des Kirghiz sibériens, Empire russe- 1er avril 1910, Saint-Pétersbourg) - Artiste russe du tournant des XIXe-XXe siècles, qui a travaillé dans presque tous les types et genres des beaux-arts : peinture, graphisme, sculpture décorative et art théâtral.
Une place particulière dans l'œuvre de M.A. Vrubel est occupé par la poésie de M.Yu. Lermontov, dont nombre de ses aspirations sont proches de la vision du monde de l’artiste. Pathos romantique, images rebelles puissantes (principalement l'image tragique du Démon), humanisme, protestation contre la suppression de l'individu, conviction dans le but noble de l'art (le thème du Prophète) - tout cela a trouvé une réponse dans les œuvres de M.A. Vroubel. Le thème de Lermontov apparaît dans son œuvre en 1884-1885 et se poursuit tout au long de sa vie.
Le premier était le dessin « Tête du Prophète » (crayon). L'émergence du thème du Prophète chez Vroubel est généralement associée à A.S. Pouchkine. En fait, le Prophète de Pouchkine et Le Prophète de Lermontov ont fourni l'impulsion artistique pour l'apparition de cette image. L’artiste a commencé à travailler sur les illustrations des poèmes de Pouchkine plus tard (en 1898-1899), et toutes les peintures sur ce sujet reflètent le moment de la rencontre du futur prophète avec les séraphins à six ailes. Du poème de Lermontov vient l'image d'un prophète solitaire accomplissant l'exploit qui lui est destiné.
Vroubel M.A. Prophète. 1898. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov
L'idée du tableau non réalisé «Un ange a volé dans le ciel de minuit» basé sur un poème de M.Yu remonte également à 1884-1885. Lermontov «Ange» (croquis au crayon).
Le thème du Démon revêt pour Vroubel une importance exceptionnelle. La première version du « Démon » (1885-1886) n’a pas survécu. En 1887 - 1888, l'artiste crée les premières versions du Démon sculptural. Selon lui, il s’agit d’un « esprit qui n’est pas tant mauvais que souffrant et douloureux, mais en même temps un esprit puissant… majestueux ».
Vroubel M.A. Tête de démon. 1889. Papier, fusain pressé, sanguine. Galerie nationale Tretiakov
Vroubel M.A. Tête de démon. 1890 - 1891. Papier, techniques mixtes
En 1890 apparaît le tableau « Démon assis », présenté pour la première fois en 1903 à l'exposition World of Art (huile). Une esquisse de ce tableau (aquarelle, badigeon, crayon) est également connue. Mais ce n’est pas encore le Démon « monumental » que Vroubel rêve d’écrire, mais, selon ses mots, seulement « démoniaque ».
Vroubel M.A. Démon assis. Esquisser. 1890
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Vroubel M.A. Démon assis. 1890. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov
«Le Démon assis», selon la juste observation de S. Durylin, est associé aux premières apparitions de cette image chez Lermontov, son vers de jeunesse. « Mon Démon » (1829 ; « ... parmi les vents engourdis, / Il est assis triste et sombre ») et l'une des premières éditions du poème « Démon » (1833 - 1834) : « Combien de fois sur le pic glacé / Seul entre ciel et terre / Sous le toit d’un arc-en-ciel de feu / Il était assis sombre et muet.
En 1889, l'attention de l'artiste est attirée par « Chanson sur... le marchand Kalachnikov ». Une seule illustration de M.A. est connue. Vroubel pour cette œuvre - « Kiribeevich à la fête du tsar » (aquarelle en couleurs ; collection privée).
Dans la même année 1889, sur proposition de P.P. Konchalovsky, rédacteur en chef des Œuvres Collectives anniversaire de M.Yu. Lermontov, Vroubel commence une série d'illustrations pour cette publication (1891, édition par I.N. Kushnerev). Le premier volume contenait 3 illustrations des paroles du poète : « Sirène » (aquarelle noire), « Mélodie juive » (aquarelle noire ; collection privée) et « Journaliste, lectrice et écrivain » (aquarelle noire). Dans la dernière illustration, Vrubel a donné aux trois personnages anonymes les caractéristiques spécifiques de V.G. Belinsky, I.I. Panaev et M.Yu. Lermontov, créant l'un des portraits posthumes les plus intéressants du poète. Le deuxième volume de la publication contenait des illustrations pour les poèmes « Le Démon », « Ismaël Bey » et le roman « Un héros de notre temps ».
Vroubel M.A. Sirène
Vroubel M.A. Mélodie juive. 1890
Vroubel M.A. Journaliste, lecteur et écrivain
Vrubel a réalisé plus de 20 dessins pour "Demon" (en comptant les variantes), mais seulement 11 ont été inclus : "Flying Demon" - écran de démarrage (aquarelle noire), "Les chameaux regardaient avec horreur" (aquarelle noire), "Un cheval se précipite plus vite que une biche » (aquarelle noire, badigeon ; crayon, croquis initial ; Maison de Lermontov), « Démon et Tamara » (« Ne pleure pas, enfant » ; aquarelle noire, badigeon de chaux), « Flying Demon » - écran de démarrage (aquarelle noire ; lieu d'origine inconnu), « Murs démoniaques du monastère » (aquarelle noire), « Démon et Tamara » (« Aime-moi ! » ; aquarelle noire, badigeon de chaux), « Tamara dans le cercueil » (aquarelle noire, badigeon de chaux), « Ange avec l'âme de Tamara et du Démon" (aquarelle noire), « Tête du Démon sur fond de montagnes » (aquarelle noire, badigeon de chaux), « Monastère de Kazbek » (aquarelle noire). Les illustrations suivantes n'étaient pas incluses dans l'édition de Kushnerev : « Démon regardant la vallée », « La danse de Tamara », « Un cheval court plus vite qu'une biche », « Démon devant les murs du monastère », « Aime-moi ! (deuxième et troisième options), « Tamara dans le cercueil » (deuxième option), « Tête du démon » (deuxième option), « Tête de Tamara », « Démon volant ».
Vroubel M.A. Tamara et Démon. 1890 - 1891. Papier, aquarelle noire, badigeon. Galerie nationale Tretiakov
Pénétration profonde dans la poésie de M.Yu. Lermontov a permis à l'artiste de créer une série d'illustrations qui transmettent le pathétique du poème ; la puissance et la tragédie du Démon de Vroubel correspondent à l'image de Lermontov. Cependant, dans certaines versions, il existe des traits de neurasthénie qui sont étrangers au héros du poème. Sans aucun doute, l’image de Tamara est en accord avec celle de Lermontov : la joie de vivre, le désespoir, la passion invincible, la paix de la mort – tous ces états contradictoires sont parfaitement exprimés par l’artiste. Travaillant sur des illustrations principalement à l'aquarelle noire, en introduisant avec parcimonie la chaux, l'encre et la sépia, Vrubel atteint un pittoresque étonnant ; la richesse des nuances crée une impression de multicolore. Illustrations de M.A. De Vroubel au « Démon », en termes de profondeur philosophique et de techniques innovantes, n'ont pas d'analogue parmi les illustrations créées par ses prédécesseurs, contemporains et artistes des temps ultérieurs.
Vroubel M.A. Démon volant. 1899
Sur le poème « Ismaël Bey » de M.A. Vroubel a complété une suite de trois illustrations (toutes reproduites dans le deuxième volume de Kushnerev) : « Le vieil homme tchétchène » (aquarelle noire), « Les adieux de Zara à Izmail Bey » (aquarelle noire, badigeon, sépia), « Le cadavre d'Izmail Bey »(aquarelle noire). Au centre de cette suite se trouve la scène des adieux, la tragédie de la séparation. La sévérité s'harmonise avec cette humeur paysage de montagne. L'artiste a également conçu une illustration pour le poème « Le Fugitif » - « Harun a couru plus vite qu'une biche » (l'emplacement de l'original est inconnu ; il n'a pas été reproduit).
Vroubel M.A. Les adieux de Zara à Izmail Bey. 1891
Vroubel M.A. Vieil homme tchétchène
Au « Héros de notre temps » de M.A. Vrubel a réalisé 4 illustrations (incluses dans le deuxième volume de Kushnerev) : pour « Bela » - « Kazbich et Azamat » (deux versions : la première - aquarelle noire, badigeon ; la seconde - aquarelle noire), pour « Princesse Mary » - « Pechorin” (aquarelle noire), il y avait aussi plus première version(aquarelle noire), « La princesse Marie et Grushnitsky à la source » (aquarelle noire, badigeon de chaux), « Duel de Pechorin avec Grushnitsky » (aquarelle noire, badigeon de chaux).
Vroubel M.A. Kazbich et Azamat. 1890 - 1891
Vroubel M.A. Princesse Mary et Grushnitsky. 1890 - 1891
La meilleure illustration du roman par Vroubel est la scène du duel. Construit comme une mise en scène d'un complexe œuvre dramatique(disposition des figures, poses, gestes), cela aide à comprendre le sens fin tragique. A l'image de Pechorin, Vroubel révèle des traits contrastés : masculinité et fierté, solitude et faiblesse, cruauté et réflexion constante.
Vroubel M.A. Duel entre Pechorin et Grushnitsky. 1890 - 1891
Les illustrations de Vroubel n'étaient ni appréciées ni comprises par ses contemporains et faisaient l'objet de critiques impitoyables (Pepo, S. Vasiliev). À l'éditeur P.P. Konchalovsky, avec le soutien de quelques artistes (principalement K.A. Korovine, L.O. Pasternak et V.A. Serov), réussit à peine à inclure les illustrations de Vroubel dans la publication de Kushnerev.
La sculpture polychrome « Tête du démon » de Vroubel date de 1894 ; elle a été exposée en 1898 à l'« Exposition des artistes russo-finlandais » à Saint-Pétersbourg. Dans les années 90 un bas-relief décoratif « Tête du Démon » (majolique polychrome) a été réalisé. Un visage aux traits aiguisés, à l'expression tendue et féroce - ce Démon est le plus proche de l'image dernière édition poème : « Et encore une fois il resta, arrogant, / Seul, comme avant, dans l'univers / Sans espoir ni amour !.. »
Vroubel M.A. Tête de démon. 1890. Plâtre peint. Musée d'État russe
De la fin de 1899 à 1900, Vroubel travaille sur la grande toile « Le Démon volant » (huile). Il s’agit du dernier démon « Lermontov » de Vroubel – un paria qui erre sans but siècle après siècle dans le désert du monde. Le tableau dans son ensemble n’était pas terminé ; Apparemment, seule la tête est terminée.
En 1901 - 1902, l'artiste réalise la toile monumentale « Le Démon vaincu » (huile), pour laquelle il réalise plusieurs esquisses préliminaires. La recherche s’est poursuivie sur la toile terminée : le visage du Démon a changé à plusieurs reprises. Dans cette dernière version, le Démon est l’incarnation de la souffrance, de la haine, du désespoir et de l’orgueil. "Le démon vaincu" - en colère, mais épuisé, avec des ailes brisées sur lesquelles il ne peut plus voler - n'est pas l'image de Lermontov. Chez M.Yu. Lermontov n'est pas là Démon vaincu: vaincu, ayant appris la futilité des rêves fous, il est toujours puissant...
Vroubel M.A. Le démon est vaincu. 1902
Au printemps 1902, le tableau est présenté à la 4e exposition du Monde de l'Art. Et ce travail de l'artiste n'a pas été compris par le public. Il y a eu des critiques hostiles dans la presse. Une critique positive appartenait à M. Sudkovsky. Al a également fait l'éloge de la photo. Benoît.
Tout au long de sa vie, l'artiste a porté une autre image de Lermontov : le Prophète. Y revenant en 1904, il réalise une œuvre de chevalet qui étonne par sa profondeur et sa force (fusain, crayon, badigeon, aquarelle ; la deuxième option est fusain, crayon, badigeon). C’est cette image tragique du Prophète, qui a déjà connu l’amertume du rejet, qui est la plus autobiographique dans l’œuvre de Vroubel. Ce n'est pas un hasard s'il ressemble à un autoportrait, également peint en 1904 (crayon italien, fusain, craie ; une autre option est le fusain, la sanguine).
Vroubel M.A. Chef du Prophète. 1904 - 1905. Papier sur carton, fusain, crayon graphite, aquarelle. Galerie nationale Tretiakov
Les œuvres de Vroubel sur les thèmes de Lermontov sont reproduites dans des éditions des œuvres du poète, des monographies sur l'artiste et des albums. Les meilleurs d'entre eux sont reproduits en fac-similé dans l'album « Vrubel. Dessins pour la production M. Yu. Lermontov" (1964).
Encyclopédie Lermontov. M., 1980. S. 94 - 95.
Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel (1856 - 1910) s'est distingué dans de nombreux genres artistiques. En peinture, il devient le fondateur du mouvement symbolique russe du style Art Nouveau. Vroubel a écrit un "Lilas" si sensationnel précisément dans ce style, mais à l'apogée de son activité créatrice, il n'avait pas de reconnaissance publique significative, n'était pas accepté par la communauté artistique et était condamné par la critique.
L'artiste ne fut reconnu officiellement que vers la fin de sa vie : en 1905, il devint académicien de la peinture.
Vroubel appartenait au cercle des « Mirsussniki », c'est-à-dire à l'association personnalités créatives autour du magazine "Monde de l'Art". Avec eux, captivé par les idées du slavophilisme, il chercha des manifestations de la beauté de l'âme russe, s'inspirant de la nature. « Lilas », créé en 1900 par M. A. Vrubel, a été exposé précisément grâce à cette association créative.
Son style d'écriture est généralement attribué à la direction symbolique de l'Art Nouveau. Mais les œuvres du maître ne ressemblent pas à d’autres de ce style ; il a sa propre reconnaissance, avec une luminosité caractéristique, une vision atypique et originale des personnages représentés.
Vroubel a imprégné l'intrigue du tableau « Lilas » d'un contenu philosophiquement significatif. Cette œuvre et ses autres œuvres sont comme des rêves. D'où le caractère fantastique et le symbolisme des personnages et des images de l'intrigue de son peintures, car ce n'est que dans les rêves que les images fantastiques créées par nos rêves et nos désirs sont si organiquement liées à la réalité.
On sait que Mikhaïl Alexandrovitch Vrubel souffrait de synesthésie - voir la musique en couleur. On pense que Vroubel a conçu « Lilas », créé en 1900, sous l’influence de la romance de Rachmaninov, que sa femme interprétait lors de ses concerts.
L’artiste a distingué des dizaines de nuances de blanc, alors que l’œil d’une personne ordinaire n’en voyait que sept. Et surtout, il avait un style de peinture si inimitable qu'il les protège encore des contrefaçons.
Circonstances de la peinture
En 1898, N.I. Zabela devint l'épouse de M.A. Vrubel, dont le fils était déjà marié à sa sœur. peintre célèbre Nikolaï Nikolaïevitch Ge (1831-1894). Les liens familiaux étroits des deux familles permirent en mai 1900 à Mikhaïl Alexandrovitch de rendre visite à la famille Ge dans une ferme de la province de Tchernigov, située près de la gare de Pliski. Il y avait beaucoup de lilas qui poussaient ici, ce que Vrubel a vu. Le tableau « Lilas » a été peint immédiatement, directement dans l'atelier de N. N. Ge, et la fleur elle-même est devenue le leitmotiv de plusieurs de ses créations.
La création a été écrite au sommet de l'activité créatrice. C’est alors que commencent à apparaître les premiers symptômes de la détérioration de la santé mentale de l’artiste. D'où les couleurs sombres de sa peinture, le mysticisme et l'anxiété des images, le malheur de son humeur.
« Lilas » de Vrubel : description
Dans le tableau, le maître nous montre un coin du jardin la nuit. Parmi l’obscurité et les contours flous, les inflorescences des buissons de lilas dans toutes leurs nuances de bleu et de violet attirent le regard comme des points lumineux.
Vroubel a représenté des lilas sur presque toute la surface du tableau, et il semble que cela continue au-delà de ses frontières. Il y a tellement de lilas qu’ils remplissent tout l’espace autour du spectateur. On commence même à sentir son arôme subtil.
Tissée dans l'obscurité de la nuit, une silhouette féminine surgit dans cette explosion de couleurs comme une ombre inquiétante jusqu'au premier plan de l'image. On voit les noirs cheveux longs, tombant en une vague épaisse sur les épaules et se mêlant à couleur sombre robes. Le personnage se déplace sereinement et lentement à travers le tableau. Clair de lune de faibles rayons éclairent sélectivement l'image de la jeune fille : mince et pâle, comme sans vie, ses mains touchant des fleurs lilas pleines de couleurs, devant lesquelles la jeune fille marche tranquillement et tristement, son visage sévère et pensif, à moitié couvert par les ombres de la nuit.
Les limites de l'image sont floues, créant l'illusion d'un point commun entre deux personnes : le buisson de lilas et la fille. L'ambiance de l'image est la mélancolie et la solitude, un sentiment de mort.
Symbolisme dans l'image
En décrivant « Lilas » de Vroubel, nous nous demandons qui est représentée sur la toile comme une fille en noir.
L'artiste a vu en elle l'âme du lilas et lui a donné un nom - Tatiana, en la comparant à l'héroïne de Pouchkine, dans laquelle, comme il semblait à l'artiste, l'âme du poète était imprimée. Les historiens de l’art retrouvent chez cette jeune fille les traits de l’épouse de Vroubel, qu’il représentait souvent sur ses toiles.
On pense que ce tableau fait écho à un autre - "Pan" de la série de nocturnes du "Cycle des contes de fées", à laquelle appartient "Lilas". Dans cette allitération, confirmée par le maître lui-même, on reconnaît dans la silhouette de la jeune fille la nymphe Syringa, dont le satyre est amoureux dans « Pan ».
Combien d’images ambiguës, complexes et profondes « Lilas » a rassemblées en elle-même ! Vroubel a peut-être effrayé ainsi ses contemporains, qui voulaient voir quelque chose de plus compréhensible, de plus familier dans ses peintures.
En accord avec cette œuvre, une autre toile a été conçue, mais jamais achevée - "Lilac Blossom" de 1901, que le peintre lui-même a qualifié d'œuvre plus sérieuse et réfléchie, où il entendait refléter plus pleinement son conception artistique, mis en œuvre dans le travail décrit.
Cependant, c’est lui qui était destiné à devenir un tournant dans le destin du peintre. Vroubel a montré son « Lilas » à l'exposition du Monde des Arts en 1900, à l'Académie des Arts. Là, elle fut remarquée par l'empereur Nikolaï Alexandrovitch, célèbre conservateur de l'art. Il s'est intéressé à elle et a laissé une critique favorable, ce qui a immédiatement changé l'attitude des critiques envers Mikhaïl Alexandrovitch, lui donnant renommée et gloire.
Résultats
Il existe des opinions opposées sur les œuvres de Vroubel et sur lui-même. Les partisans de l'un d'eux sont impressionnés par le mysticisme mystérieux de ses tableaux, reconnus comme chefs-d'œuvre de la peinture. D’autres vénéraient son génie pour sa médiocrité qui se cache derrière des sujets et des techniques de dessin hors normes. Ainsi, A. N. Benois dans « L'Histoire de la peinture russe au XIXe siècle » a écrit que « pendant de nombreuses années, Vroubel était la risée de tous, et seule une infime poignée de personnes le prenaient au sérieux et admiraient son énorme talent de peintre ».
Aujourd'hui, en Russie, les œuvres du maître peuvent être vues au Musée d'État russe de Saint-Pétersbourg, à la Galerie nationale Tretiakov et au Musée beaux-Arts nommé d'après M.A. Vrubel à Omsk.