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MINISTÈRE DE LA CULTURE DE LA RÉGION DE CHELYABINSK

Établissement d'enseignement budgétaire de l'État

l'enseignement supérieur

"Institut des arts de l'État de l'Oural du Sud, nommé d'après. PI. Tchaïkovski"

GBOU IL SUSURGIA im. PI. Tchaïkovski

Études extra-muros

TEST

dans la discipline Dramaturgie

sujet Fondamentaux du théâtre

Introduction

La théorie du théâtre est l'une des sciences les plus anciennes liées aux problèmes de la créativité artistique. DANS période ancienne de son existence, elle a agi comme une philosophie de l'art.

La théorie du drame traite de la dramaturgie dans ses relations avec le théâtre et processus littéraires. Il comprend donc l'étude de l'unité idéologique et artistique des faits théâtraux et dramatiques.

La théorie dramatique explore :

· quelque chose qui est le produit de la créativité (travail)

· quel est le résultat du développement de cette branche de la production spirituelle.

La théorie dramatique explore les modèles qui déterminent le texte dramatique et les modèles qui déterminent les spécificités du processus théâtral.

La tâche de la théorie dramatique est tout d’abord d’être capable de peaufiner de manière créative travail né; deuxièmement, évaluer et apprécier les œuvres d'art, le savoir-faire avec lequel elles sont réalisées ; troisièmement, développer les compétences de pensée indépendante et indépendante.

1. La dramaturgie comme type de littérature

comédie genre tragédie conflit

Au cours du développement de la littérature, trois manières principales de refléter la vie ont progressivement émergé : l'épopée, la lyrique et le dramatique, ou trois types de littérature : l'épopée, la lyrique et le drame.

Épique - le terme vient du grec epos - « mot » et a deux significations : 1) ce sont des poèmes populaires et des contes de fées ; 2) un type de littérature basé sur une forme particulière de représentation de la vie.

Paroles - le terme vient du latin et du grec - lyrikos - nom instrument de musique- la lyre, accompagnée de laquelle les poèmes lyriques étaient à l'origine chantés. L'image lyrique offre une révélation directe du monde intérieur de la part de l'auteur.

Drame – Le terme vient du mot grec drao, qui signifie « agir ». Une reproduction dramatique de la vie combine la présentation d'événements et de faits extérieurs et la révélation du monde intérieur des personnages sans médiation auctoriale.

Contrairement à la poésie épique et lyrique, qui n'ont que des moyens linguistiques pour créer des images, le théâtre a aussi les moyens que la scène donne à l'écrivain. Divulgation pleine et entière des images œuvre dramatique associé à son incarnation scénique.

La principale différence entre une œuvre dramatique est l’absence de parole du narrateur. La révélation des personnages et le développement de l'action se donnent dans le drame en dialogue, à travers les sentiments, les pensées, les actions, les expériences des personnages et le développement des relations entre nous.

La principale caractéristique qui distingue la représentation d'une personne dans le drame est la représentation d'une personne dans un état de tension particulière et la montée de toutes ses forces internes, provoquées par la nécessité d'une lutte intense avec les obstacles qui font obstacle au cheminement. but. La représentation d'un tel état et des situations de la vie qui le provoquent reçoit une clarté et une importance particulières précisément dans le drame qu'elles sont généralement qualifiées de dramatiques ; D’où le terme dramatisme, qui a été établi pour désigner une tension particulière dans les forces internes d’une personne.

L’état dans lequel une personne est représentée dans le drame est indiqué avec une clarté particulière dans ses actions, ses pensées et ses expériences. Se distinguant par moins de polyvalence dans la représentation de la vie humaine que dans l'épopée, réduisant sa représentation à montrer uniquement les côtés qui conduisent directement à la mise en œuvre intensive d'un conflit donné, le drame diffère de l'épopée par sa précision plus nette dans la représentation du personnage.

Mais, si dans une épopée toutes les caractéristiques énumérées de l'image d'une personne peuvent être décrites, alors dans un drame, dépourvu du discours du narrateur, en montrant passions humaines c'est l'action.

Le théâtre, comme l'épopée, dépeint des événements historiques et contemporains se produisant dans une communauté sociale particulière. Mais le sujet de la dramaturgie est toujours précisé. Le dramaturge reflète dans son œuvre les aspects de la vie dans lesquels il voit les manifestations les plus aiguës des contradictions de la vie, les conflits sociaux et psychologiques les plus aigus.

La particularité de la dramaturgie est le réalisme de l'image, qui repose sur le réalisme des relations humaines. Des intrigues et des personnages fantastiques et féeriques, les conventions du décor et du temps scénique seront compréhensibles et intéressantes si elles sont basées sur de vraies relations humaines, une vraie situation humaine. Le drame convainc le spectateur en sympathisant avec les personnages, et on ne peut sympathiser qu'avec ce qui est reconnaissable, ce qui suscite l'empathie et qui a des analogies avec des situations de vie familières au spectateur. Par conséquent, la reconnaissabilité, et donc la réalité des relations humaines dans une œuvre dramatique, est une exigence impérative du théâtre.

Pour le théâtre, il faut une modernité qui n’est pas égale à la modernité chronologique et calendaire. La modernité du théâtre est la modernité des problèmes.

2. La tragédie comme genre dramatique

Tragédie - a toujours exploré la vie et la lutte esprit humain avec le monde environnant et les circonstances fatidiques du destin. La tragédie s'appelait genre élevé, et il était destiné aux aristocrates, pas aux gens ordinaires.

La tragédie implique une action majestueuse de nature triste ou terrible. La tragédie montre la grandeur de la souffrance humaine au nom d'objectifs élevés, la sublimité d'un acte noble qui nécessite de grands sacrifices de la part d'une personne. Par conséquent, seules les personnes dotées d’une grande force morale et d’une âme héroïque peuvent être des héros positifs d’une tragédie.

Le contenu initial de la tragédie est la résistance au destin, à son destin destructeur et inévitable, que ni les mortels ni les dieux ne peuvent éviter. La seconde est une image du conflit d’un individu protestant contre la violence de l’État contemporain contre les sentiments humains.

Dans les tragédies anciennes et chrétiennes, nous voyons souvent l’intervention directe d’une ou plusieurs divinités. Le rocher révèle son visage dans l'apparition d'ombres, de créatures fantastiques, dans des visions et des miracles, dans des phénomènes naturels surnaturels.

1. La force maximale de la personnalité représentée dans la tragédie.

Les anciens appelaient le héros tragique un terme qui désigne un certain maximum spirituel.

La force exceptionnelle du héros tragique se manifeste dans le fait qu'il surmonte les obstacles d'une personnalité exceptionnelle.

2. La fatalité des aspirations individuelles.

La tragédie, comme l'a souligné Aristote, dépeint une erreur désastreuse ; C'est là qu'il diffère du drame héroïque. Le héros de la tragédie se trompe, il est coupable sans culpabilité.

Le héros tragique agit sans mauvaise intention et la « culpabilité tragique » – opposition au destin, à Dieu, à la société, à l’État, à la nécessité historique – est associée à une erreur de conscience.

3. Un dialogue réfléchi et riche sur le plan idéologique.

L’essence artistique de la tragédie est formée par une rhétorique vivante et presque continue et des discussions animées. La pression frénétique qui distingue les héros de la tragédie se manifeste non seulement par des actions énergiques, mais aussi par une ingéniosité intellectuelle et rhétorique. Les actions décisives alternent avec une éloquence irrésistible. Dans la tragédie, le sens efficace du mot dramatique apparaît avec une clarté particulière.

4. Déviation de la réalité quotidienne et historique.

Dans le traitement du matériel historique, la tragédie, en s'efforçant d'obtenir un maximum d'énergie, a écarté de nombreux détails et concentré les événements, traitant parfois les faits historiques assez librement.

3. La comédie comme genre dramatique

Comédie - rien de moins genre ancien qui trouve son origine dans la culture populaire. Décider les questions les plus difficiles pour sa survie physique et celle de sa famille, une personne simple devait disposer d'une sorte d'exutoire pour changer de conscience et se détendre. Les scènes jouées sur les places et les stands étaient drôles dans leurs situations et familières aux spectateurs ordinaires. À travers la comédie, une personne simple semblait se regarder de l'extérieur et, en riant, confirmait avec son âme que la vie n'était pas si terrible et qu'il y avait de l'espoir pour le meilleur.

Dans la structure de la comédie ancienne de sa période classique, ces caractéristiques du genre sont clairement exprimées, qui plus tard constituent invariablement l'essentiel dans tous ses meilleurs exemples, créés à différentes époques.

Les comédies d'Aristophane se composaient de plusieurs parties :

· le prologue commençait la comédie, mettant en avant sujet principal, déterminant le contenu de la lutte des héros ;

· le défilé suivait le prologue et mettait en scène la dispute même des héros ;

· Agon - la partie principale de la comédie, se compose d'un certain nombre de scènes construites autour de la dispute des héros sur des questions d'actualité sujets politiques;

· escod est la conclusion générale d'une comédie et fournit souvent des résultats très contrastés d'un débat sur des personnages positifs et négatifs.

Les comédies d'Aristophane dépeignent l'homme dans sa vie sociale, vie politique, montrer la lutte sociale partis politiques, conflits de la vie sociale.

Le développement de la comédie, comme d'autres genres dramatiques, s'est poursuivi tout au long des siècles d'existence de ce genre.

Dans la plupart des cas, le spectateur d'une comédie est placé par le dramaturge dans une position « au-dessus » des événements et des personnages, grâce à laquelle il a la possibilité de percevoir des choses terribles comme comiques. L'auteur s'efforce de nous faire regarder le monde de sa pièce, l'auteur, avec des yeux ironiques.

La comédie classique russe est extrêmement diversifiée dans ses thèmes et ses caractéristiques artistiques. Au centre de la comédie classique russe se trouve souvent un héros positif, essayant seul de combattre les « ulcères » de la société. Certaines comédies n'ont pas héros positif. Les auteurs de ces comédies stigmatisent les vices, laissant le spectateur tirer les conséquences et chercher lui-même l'antidote.

Nous pouvons donner la définition suivante de la comédie : la comédie est une représentation dramatique d'un conflit provoqué par une aspiration nuisible à la société et qui génère le rire.

4. Composition d'une œuvre dramatique

Composition (lat.compositio-composition, connexion) - ce concept est pertinent pour tous les types d'arts. Il s’agit de la relation entre les parties d’une œuvre d’art. La composition dramatique peut être définie comme la manière dont s’organise une œuvre dramatique, comme l’organisation de l’action dans l’espace et dans le temps.

Le sujet de la représentation dans une œuvre dramatique est le conflit social.

L'histoire du théâtre montre que pour créer une vision holistique image artistiqueévénement conflictuel, respecter une condition simple, montrer non seulement le début du conflit, mais aussi son développement et son résultat, n'est pas facile. La difficulté réside dans la recherche du seul développement dramatique correct, puis dans l'achèvement de la situation initiale.

Principalement en raison de la complexité compositionnelle de la création d’une œuvre dramatique, on a cru à juste titre que le théâtre était le type de littérature le plus complexe.

Pour faire face aux difficultés de composition, le dramaturge doit avoir une bonne compréhension de sa tâche artistique et connaître les éléments de base de la dramaturgie. Bien entendu, aucune œuvre d’art n’est écrite selon un modèle prédéterminé. Le plus original cet essai, mieux ce sera.

Car sans les éléments fondamentaux de la composition dramatique - l'image du début de la lutte, le déroulement de la lutte et le résultat de la lutte - il est impossible de créer image complèteévénement conflictuel - leur présence et la séquence d'arrangement nommée dans une œuvre dramatique sont nécessaires, au sens plein du terme, élémentaires exigence artistique l'art dramatique

5. Conflit dramatique

L'œuvre dramatique comme type fiction représente une action, ou plus précisément, décrit des conflits, c'est-à-dire des actions qui conduisent à une confrontation, à une contre-action.

Conflit - de lat. conflictus - collision.

Les causes du conflit résident dans la vision du monde du personnage, dans son monde intérieur, mais des raisons sociales doivent également être prises en compte.

Parlant de conflit dramatique, il faut surtout souligner sa nature artistique. Le conflit généralise et caractérise la contradiction que le dramaturge observe dans la vie. La représentation d'un conflit dans une œuvre dramatique est une manière de révéler l'un ou l'autre contradiction sociale sur exemple spécifique lutte.

Ainsi, le conflit dans la pièce a deux faces :

1. objectif - par origine, reflétant le conflit social objectivement existant dans la société ;

2. subjectif, reflété dans le comportement et les caractères des héros.

Initialement, le conflit existe avant les événements présentés dans la pièce. Puis survient un événement qui bouleverse l’équilibre existant, et le conflit se déroule en prenant une forme visible. A partir de ce moment, la pièce commence. Tous actions supplémentaires revient à l’établissement d’un nouvel équilibre suite à la victoire d’une partie en conflit sur l’autre. Le conflit se résout traditionnellement à la fin de la pièce. Mais il existe un certain nombre de pièces dans lesquelles nous pouvons observer le caractère non résolu du conflit principal. C'est précisément l'idée principale de telles pièces.

6. Le héros comme créateur de conflits

Les conflits sociaux représentés dans les œuvres dramatiques sont nombreux et variés. Cependant, les méthodes de construction compositionnelle d'un conflit dramatique sont typiques. On peut parler d'une typologie de structure conflit dramatique, sur les trois principaux types de sa construction.

Le héros est le public ; les œuvres satiriques sont généralement basées sur un tel conflit. Le public nie le comportement et la moralité en riant héros satiriques jouer sur scène.

Le héros est l'environnement auquel il s'oppose. Dans ce cas, l'auteur et le public sont pour ainsi dire dans une troisième position, observant à la fois le héros et l'environnement, suivant les vicissitudes de cette lutte, sans nécessairement rejoindre l'un ou l'autre des camps opposés.

La division des conflits dramatiques selon le type de leur construction n’est pas absolue. Dans de nombreux travaux, on peut observer une combinaison de deux types de construction de conflits. Ainsi, par exemple, si dans une pièce satirique, à côté des personnages négatifs, il y a aussi des héros positifs, en plus du conflit principal Héros - Auditorium, nous observerons également un autre conflit Héros - Héros, un conflit entre héros positifs et négatifs sur scène.

7. Action dans une œuvre dramatique

En dramaturgie, l’action est considérée comme le développement d’événements. Conformément à cela, il est possible de classer les actions selon des paramètres externes et internes. L'action le long de la ligne extérieure se développe particulièrement souvent dans les romans policiers et les sitcoms. Si, dans une œuvre dramatique, de graves problèmes surviennent derrière des situations simples ou ordinaires, si des changements se produisent non pas tant dans la position situationnelle des personnages, mais dans leur psychologie, leurs personnages et leur vision du monde, qui sont inclus dans le concept de l'intrigue de la pièce, l'action peut être qualifiée d'interne. Cependant, la division entre actions externes et internes est tout à fait arbitraire ; ce sont les deux faces d’une même médaille, et elles ne peuvent exister isolément.

8. Analyse idéologique et thématique d'une œuvre dramatique

L'analyse idéologique et thématique identifie le sens principal d'une œuvre sous les concepts de thème et d'idée.

Le thème doit être compris comme un certain matériau de vie (environnement) et un certain objet image.

Dans la compréhension du problème, l'auteur pose des questions auxquelles il aimerait trouver une réponse, qui le concernent le plus, qui, selon lui, sont au cœur du problème. Après avoir sélectionné le plus questions intéressantes, l'auteur formule peu à peu lui-même ce dont il aimerait parler dans son œuvre. C'est ainsi que le thème apparaît.

Cependant, dans une œuvre dramatique, il existe plusieurs thèmes : le thème principal et les thèmes secondaires. Le thème principal du drame est son action unifiée ; les thèmes secondaires sont les aspirations des personnages, influençant d'une manière ou d'une autre le développement de ce conflit.

Si nous partons du fait que le thème est ce que l'écrivain dépeint et que l'idée est ce qu'il veut dire à propos du représenté, son évaluation, alors le thème et l'idée représentent deux facettes de l'approche unifiée du dramaturge de la réalité. Une idée ne peut être développée sans sujet, et un sujet ne peut apparaître sans idée. On peut dire qu'une œuvre dramatique a une base idéologique et thématique, c'est-à-dire qu'elle montre un certain côté de la vie, compris idéologiquement par le dramaturge.

Une idée est ce que l'auteur a voulu dire à ses lecteurs, téléspectateurs, auditeurs, quelle attitude envers ceci ou cela phénomènes sociaux et les événements qu'il veut leur inculquer, ce qu'il veut les encourager à faire, à quoi les appeler, ou - de quelles actions ou croyances il veut les mettre en garde, les détourner.

L'idée est subjective. Il appartient à cet auteur. L’idée est donc la raison pour laquelle l’œuvre a été écrite.

Une idée peut s'exprimer dans la formulation d'un certain nombre de problèmes, et la solution à ces problèmes dépendra du temps, qui leur apportera de la clarté, ou des lecteurs, spectateurs qui sauront interpréter l'œuvre qu'ils ont lue ou vue.

9. Héros dans une œuvre dramatique

Le héros d'une œuvre dramatique est toujours un fils de son temps, et de ce point de vue, le choix d'un héros pour une œuvre dramatique est aussi de nature historique, déterminé par les circonstances historiques et sociales. À l’aube du drame soviétique, il était facile pour les auteurs de trouver un personnage positif et négatif. Héros négatif il y avait tous ceux qui ont tenu bon hier - représentants de l'appareil tsariste, nobles, propriétaires terriens, marchands, généraux de la Garde blanche, officiers, parfois même soldats, mais en tout cas tous ceux qui ont combattu contre le jeune gouvernement soviétique. En conséquence, il était facile de trouver un héros positif dans les rangs des révolutionnaires, des chefs de parti, des héros guerre civile. Aujourd'hui, dans une période de paix relative, la tâche de trouver un héros est beaucoup plus difficile, car les conflits sociaux ne s'expriment pas aussi clairement qu'ils l'étaient pendant les années de la révolution et de la guerre civile, ou plus tard, pendant la Grande Guerre patriotique. .

Un héros « positif » réside aussi dans le fait que dans le théâtre, comme dans la littérature en général, dans bien des cas le héros avec lequel on sympathise n'est pas un exemple à suivre, un modèle de comportement et de position de vie. Nous sympathisons sincèrement avec eux en tant que victimes d'une société vivant selon les lois de la moralité animale, mais nous rejetons naturellement leur façon de lutter contre leur manque de droits et leur humiliation. L'essentiel est que dans la vie, il n'y a pas de personnes absolument positives ou absolument négatives. Ainsi, dans la vie, une personne « positive » n’aurait aucune raison ni opportunité de se révéler « négative » et vice versa : l’art perdrait son sens.

Le héros d'une œuvre dramatique, contrairement au héros de prose, que l'auteur décrit habituellement en détail et de manière exhaustive, se caractérise, selon les mots de L. M. Gorki, « tout seul », par ses actions, sans l'aide du description de l'auteur. Cela ne veut pas dire que des remarques ne peuvent pas être faites brèves caractéristiques héros. Mais il ne faut pas oublier que les mises en scène sont écrites pour le metteur en scène et l'interprète. Le public du théâtre ne les entendra pas.

10. Dramaturgie historique et documentaire

La dramaturgie documentaire, qui occupe désormais tant lieu important en littérature pour la scène et le cinéma, a été généré par la Grande Révolution d'Octobre révolution socialiste. Le jeune gouvernement soviétique a révélé les archives secrètes des régimes antipopulaires précédents et a fait de leur contenu la composante la plus importante de la propagande révolutionnaire, de son travail idéologique et éducatif.

Mais à cette époque, il existait un obstacle apparemment insurmontable à la propagande documentaire : l’analphabétisme de la majorité de la population de l’ancienne Russie tsariste. Par conséquent, même les documents publiés, même ceux publiés dans les journaux, restaient pratiquement inaccessibles au grand public. La question s'est posée des formes intelligibles et efficaces de lecture des documents exposant le régime tsariste renversé et la contre-révolution opérant contre le pouvoir soviétique. A cette époque, l’art révolutionnaire et, surtout, le théâtre documentaire vinrent au secours de la propagande révolutionnaire.

Le théâtre documentaire est né au milieu des masses, dans les clubs de l'Armée rouge et des ouvriers. Montages littéraires et musicaux, lecture théâtrale de la transcription.

À ce stade initial de son développement, le drame documentaire n’est pas devenu une réalité dans le théâtre professionnel.

Après le début de la Seconde Guerre mondiale nouvelle étape dans le développement de l'art documentaire. Le regain d’intérêt pour le cinéma documentaire a été provoqué par de graves facteurs sociaux. Et cette fois, les événements politiques qui ont secoué le monde ont joué un rôle majeur dans l’émergence d’un intérêt exceptionnel pour le fait documenté.

Le XXe siècle a été marqué par des tragédies de masse sans précédent pour l’humanité. Deux guerres mondiales, le fascisme, les bombardements atomiques, les guerres locales en cours dans de vastes régions du globe.

Les exigences du spectateur et du lecteur quant à l’authenticité des œuvres littéraires et artistiques se sont considérablement accrues. L’art et la littérature ont ressenti profondément et subtilement l’émergence de nouveaux besoins et possibilités cognitifs et esthétiques. Ils y ont répondu avec des œuvres du genre documentaire. De plus, la gravité et l'ampleur du besoin émergent d'œuvres qui documentent la réalité ont donné lieu à l'émergence d'un nouveau genre : les œuvres « sous document », mettant une intrigue fictive sous forme documentaire.

La naissance du genre - « sous le document » - indique que l'intérêt et la confiance du lecteur et du spectateur dans le récit documentaire sont si grands que même la forme de présentation documentaire elle-même, même lorsque son contenu ne remonte pas à des matériaux documentaires , est capable d'exercer sur eux un effet persuasif, de créer l'effet d'authenticité de ce qui est écrit ou montré sur scène et à l'écran.

La non-fiction moderne n’est pas née de nulle part. Le désir de l’homme de voir dans l’art, c’est-à-dire dans la compréhension artistique de la réalité, une image fiable du monde est aussi vieux que l’art lui-même.

Même dans les œuvres anciennes de la littérature religieuse, les descriptions de « faits » tels que les miracles essayaient toujours de s'appuyer sur de « vrais » témoins oculaires, sur de vraies personnes « guéries ». Les gens ont toujours essayé de donner l’une ou l’autre image réelle de Dieu lui-même.

La fiction s'efforçait également de rechercher la vraisemblance et l'authenticité de ses images.

Au XIXe siècle, la littérature, et en particulier la littérature russe, était sur le point d’utiliser des faits documentaires et des documents historiques pour renforcer l’effet d’authenticité.

Quant aux œuvres en prose et dramatiques basées sur du matériel documentaire, elles sont entièrement liées à la fiction. D’abord parce que l’œuvre documentaire n’est nullement dénuée de fiction

L'auteur d'une œuvre documentaire historique doit non seulement bien connaître le matériel historique qu'il utilise, mais aussi imaginer profondément et clairement la période de l'histoire à laquelle ce matériel se rapporte, doit devenir un historien de l'époque qu'il dépeint. Utiliser un document sans prendre en compte l’ensemble des faits historiques auxquels il se rapporte peut grandement déformer le tableau historique.

Il ne reste plus qu'à ajouter qu'il n'existe pas de documents « non historiques ». Tout fait certifié par un document appartient déjà au passé. On ne peut parler que du degré d’éloignement de ce passé. Toute œuvre documentaire est essentiellement historique et documentaire.

Les œuvres documentaires sont classées le plus précisément comme celles dans lesquelles la reproduction de documents originaux est l'élément principal. médium artistique l'impact sur le lecteur et le spectateur constitue la texture principale, l'essence de l'œuvre.

Un document est une arme tranchante. Son authenticité contribue à créer l'effet d'authenticité de l'œuvre. Cependant, l'authenticité même des documents utilisés ne constitue en aucun cas une garantie de l'objectivité et de la véracité de l'image du passé historique représentée dans l'œuvre documentaire.

La seule garantie de l'objectivité et de la véracité de l'image représentée dans une œuvre documentaire est l'objectivité position de l'auteur, l'honnêteté civile de l'auteur, ainsi qu'un niveau suffisant de ses connaissances.

Conclusion

Le drame moderne, quelle que soit l’époque, présente un problème difficile à définir. Le temps met parfois des accents complètement différents de ceux des contemporains. La même chose se produira probablement à notre époque. Nous pouvons désormais citer des dizaines de dramaturges célèbres et célèbres. Mais combien en reste-t-il dans l’histoire du théâtre ?

Certains chercheurs proposent de définir les frontières du théâtre moderne, en les établissant depuis la Seconde Guerre mondiale jusqu'à la fin du XXe siècle.

Le nom général de la scène moderne est le drame de la fin du XXe siècle. Elle se caractérise par un sentiment d'apocalypse, une perte des valeurs spirituelles et la domination des valeurs matérielles.

La dramaturgie moderne est un processus vivant et en développement dans lequel interagissent des dramaturges de différentes générations et de différentes directions créatives.

Bibliographie

1. Al D.N. Fondements du théâtre / manuel pour les étudiants de l'Institut de la culture, Leningrad 1988

2. Sazonova E.V. Théorie du théâtre et bases de l'écriture de scénario / Barnaoul / Maison d'édition de l'Académie nationale de la culture et des arts de l'Altaï 2012

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"Drame? l'un des principaux types de fiction... couvrant des œuvres habituellement destinées à être jouées sur scène. Ce jugement, le plus courant, est une définition purement pratique du drame, qui non seulement n’explique pas son essence, mais le classe également dans la littérature. Regardons la définition du théâtre dans une publication spécialisée : le théâtre est « un type d'œuvre littéraire sous forme dialogique destinée à être jouée sur scène ». On tente ici de définir un principe structurel, mais malheureusement un seul (la forme dialogique), et néanmoins, de cette définition découle la conclusion que le drame n'est qu'un genre littéraire.

L’essence du drame réside dans le conflit, la lutte, qui se produit sous nos yeux et se transforme en une qualité différente. Le drame met l'accent sur les tensions et les conflits existence humaine, et ils disent que c'est naturel pour une personne et l'accompagne constamment.

Deuxièmement, le drame ? Il s’agit d’un texte écrit pour différents rôles, basé sur des actions contradictoires. Hegel écrivait à ce sujet : « L’expression des individus dans la lutte de leurs intérêts et dans la discorde des caractères et des passions de ces individus est dramatique au sens propre. »

Troisièmement, le terme drame est parfois utilisé pour définir un genre particulier de drame (drame bourgeois, drame lyrique, drame romantique).

La « dramaturgie » est, d’une part, une forme d’art et, d’autre part, une forme de littérature et de théâtre. La dramaturgie est aussi parfois comprise comme l'ensemble, un ensemble de pièces de théâtre (œuvres destinées à incarnation sur scène) du tout.

La dramaturgie surgit au moment de la naissance et de l'émergence du théâtre, car c'est un produit de la créativité des premiers dramaturges.

Le théâtre, à ses débuts, avait une base rituelle. Sa genèse rituelle ne fait aucun doute. La base rituelle du théâtre ?? c'est avant tout une institution de mystère païen. Dans leurs idées, le drame occupait une place très particulière et avait une signification sacrée.

Le drame connecte ? selon Hegel ? l'objectivité de l'épopée avec le début subjectif des paroles. Mais il arrive ensuite à une contradiction : qualifiant de poésie dramatique, il note néanmoins que « le besoin du drame en général réside dans une représentation visuelle d'actions et de relations, accompagnée de déclarations verbales de personnes exprimant l'action ».

Khalizev, dans son livre « Le drame comme phénomène de l'art », considère le drame comme une forme littéraire et artistique avec un certain contenu. Il écrit : « ... le drame en tant que forme significative d'art verbal est sujet principal notre travail." L'auteur examine les possibilités artistiques du théâtre en s'appuyant d'abord sur son nature verbale, et deuxièmement, de son utilisation prévue pour la scène. Il me semble que cette position est largement incorrecte, car... le théâtre est avant tout écrit comme une œuvre destinée à être mise en scène, ce qui impose certains contours à ses formes. Aristote a également écrit à ce sujet : « … lorsqu'on rassemble des légendes et qu'on les exprime avec des mots, il faut les imaginer sous nos yeux aussi [vivement] que possible : alors [le poète], comme s'il était lui-même présent aux événements, les verra plus clairement et pourra trouver tout ce qui est pertinent et ne laisser passer aucune contradiction.

Ainsi, le théâtre fait passer les techniques et les moyens d'expression verbale et artistique à travers les filtres des exigences scéniques. M.Ya. a écrit sur cette corrélation entre la structure du drame et l'exécution scénique, et l'a qualifié de première exigence pour un dramaturge. Polyakov dans sa « Poétique ». Selon lui, la « théorie du drame » explore et considère le drame comme une sorte de base verbale. travail théâtral. Cette définition est plus proche du concept de « drame », mais ce n'est pas seulement une base verbale, mais aussi une base efficace, et cela ne doit pas être oublié ou ignoré.

À notre avis, c'est V.M. qui a parlé le plus précisément de l'essence du drame. Wolkenstein dans l'article « Les destins des œuvres dramatiques » : « Je crois que les drames « à lire » (c'est-à-dire uniquement à lire) n'existent pas ; Qu'est-ce qu'un drame qui ne peut pas être joué ? non pas un drame, mais soit un traité, soit un poème sous forme dialogique, et si c'est un drame, alors c'est un drame raté... Je... vois dans le drame un matériau scénique naturel, une littérature de possibilités théâtrales. .. une pièce de théâtre est à la fois un matériau de scène et une œuvre d’art achevée. Dramaturgie? C'est précisément la littérature des possibilités théâtrales ; ce n'est pas une sorte de littérature, ni une forme littéraire et artistique, et certainement pas la forme la plus élevée de la poésie.

La Poétique d'Aristote, le premier et le plus important traité sur la théorie du drame. Les principes définis par Aristote dans sa Poétique ont dominé la théorie et la pratique du théâtre occidental jusqu’au XXe siècle. Ils ont même reçu des noms tels que « action de type aristotélicien ».

Aristote divise toutes les scènes de tragédie en trois groupes :

• 1) Des scènes où alternent « bonheur » et « malheur » ;
• 2) Scènes de reconnaissance ;
• 3) Scènes de pathos, scènes de souffrance violente.

Les scènes où alternent le « bonheur » et le « malheur » du héros sont des scènes de ses succès et de ses échecs, de ses victoires et de ses défaites, où les moments de domination de « l'action unique » sur la « contre-action » alternent fortement avec des moments de sens opposé. Autrement dit, ce sont les scènes que l’on peut appeler des scènes de bataille.

Aristote appelle les scènes de véritable reconnaissance des scènes de reconnaissance. Dans de nombreuses tragédies anciennes, le moment décisif de la lutte – la catastrophe – coïncide avec la reconnaissance (par exemple, la reconnaissance de sa culpabilité est une catastrophe pour Œdipe). Scènes de double spectacle - lorsqu'un procès se déroule sur scène, représentation théâtrale etc., et certains personnages contemplent la performance avec salle, ? sont généralement des scènes de reconnaissance.

Brecht a inventé le terme « théâtre aristotélicien » pour désigner la dramaturgie et le théâtre fondés sur le principe de l'illusion et de l'identification. Mais, à notre avis, Brecht a identifié une des caractéristiques de l’action avec l’ensemble du concept d’Aristote. En principe, les raisons de l'émergence de ce terme sont associées à la tentative de nombreux metteurs en scène et ouvriers du théâtre du XXe siècle de s'éloigner des techniques classiques de production, d'aller au-delà du canon et de détruire le cadre habituel de la représentation. Ces recherches ont donné naissance à un certain nombre de directions très intéressantes (le théâtre épique de Brecht, le théâtre de la cruauté d'Artaud, etc.).

Avec l'avènement de la mise en scène, le dramaturge et la dramaturgie sont progressivement relégués au second plan, puis l'acteur. Le dramaturge passe à une position subordonnée et le drame devient, selon la définition de Wolkenstein, « la littérature des possibilités théâtrales ».

Notre position sur cette question est la suivante : le drame est une certaine action littéraire, fixée par le texte de la pièce sous une forme ou une autre (qui est un genre). Le texte (base littéraire) n'est pas, à notre avis, primordial par rapport à la définition du « drame » ou du « drame » ; Le drame d'abord ? Il s'agit d'une œuvre scénique (destinée à la représentation scénique). Bien que dans l'histoire du théâtre, il y ait eu des pièces qui n'étaient pas destinées à la scène.

Il y a un drame méthode indépendante littéraire? représentation scénique de la vie, dont le sujet est une action holistique, se développant du début à la fin (de l'exposition au dénouement) grâce aux efforts volontaires des héros qui entrent en combat avec d'autres personnages et circonstances objectives. Le théâtre fait partie du processus théâtral global ; La dramaturgie est l'art d'écrire des drames et l'intégralité des drames écrits. Il n'est possible d'écrire une pièce de théâtre avec compétence qu'avec une bonne connaissance des lois de la dramaturgie.

Aristote parlait simplement du « début, du milieu et de la fin d’une pièce ». Évidemment, une pièce qui commence par hasard et se termine parce que deux heures et demie se sont écoulées ne sera pas une pièce de théâtre. Son début et sa fin, la construction cohérente de toutes ses parties, sont déterminés par la nécessité d'une expression concrète du concept qui constitue le thème de la pièce.

Lope de Vega, écrivant en 1609 sur « Le nouvel art de l'écriture comique », a donné un résumé bref mais utile de la structure de la pièce : « Dans le premier acte, exposez le cas. Dans le deuxième, les événements s'entrelacent de telle sorte que jusqu'au milieu du troisième acte, il est impossible de deviner le dénouement. Subvertissez toujours les attentes.

Selon Dumas le Fils, « Avant de créer une situation, le dramaturge doit se poser trois questions. Que ferais-je dans une situation similaire ? Que feraient les autres ? Que dois-je faire? Un auteur qui ne se sent pas enclin à une telle analyse devrait quitter le théâtre, car il ne deviendra jamais dramaturge.»

Le dramaturge doit supposer qu’il écrit pour des gens qui ne connaissent absolument rien de son matériel, à l’exception de quelques sujets historiques. Et si tel est le cas, alors le dramaturge doit faire comprendre au public le plus rapidement possible :

1) qui sont ses personnages, 2) où ils se trouvent, 3) quand l'action se déroule, 4) qu'est-ce qui sert exactement d'intrigue dans les relations présentes et passées de ses personnages.

Le début de la pièce n’est pas un début absolu ; ce n’est qu’un moment dans un complexe d’actions plus vaste ; c'est un moment qui peut être défini avec précision et qui est certainement un moment très important dans le déroulement de l'intrigue, car c'est le moment où les décisions sont prises (lourdes de conséquences). C’est le moment d’éveiller la volonté rationnelle d’un conflit intense poursuivant un objectif précis. Le drame est un combat ; l'intérêt pour le théâtre, c'est d'abord l'intérêt pour la lutte, pour son issue.

Le dramaturge maintient le lecteur en haleine, retardant le moment de la résolution de la bataille, introduisant de nouvelles complications, ce qu'on appelle le « dénouement imaginaire », calmant temporairement le lecteur et l'incitant à nouveau à une soudaine et violente poursuite de la lutte. Nous sommes fascinés par le théâtre – avant tout – en tant que compétition, en tant qu'image de la guerre.

La dramaturgie exige action croissante, le manque de préparation de l'action rend instantanément le drame ennuyeux. Même si beaucoup de temps s'écoule entre les actions, le dramaturge ne nous dépeint que des moments d'affrontements qui tournent vers le désastre.

Scène obligatoire Climax. L’intérêt constant avec lequel le spectateur suit l’action peut être défini comme une anticipation mêlée d’incertitude. Les personnages de la pièce ont pris une décision ; le spectateur doit comprendre cette décision et imaginer son résultat possible.

Le spectateur anticipe la réalisation de ces possibilités, la collision attendue. Le dramaturge s'efforce de rendre l'action inévitable. Il réussira s'il captive le public et éveille ses sentiments. Mais le public est captivé par le déroulement de l'action tout autant qu'il croit en la véracité de chaque nouvelle révélation de la réalité qui affecte les objectifs des personnages.

Puisque le public ne sait pas à l’avance quel sera le point culminant, il ne peut pas vérifier l’action à la lumière du point culminant. Mais ils l’éprouvent à la lumière de leurs attentes, qui se concentrent sur ce qu’ils considèrent comme le résultat inévitable de l’action, c’est-à-dire la scène obligatoire.

Le point culminant d’un drame est l’événement principal qui provoque la montée en puissance de l’action. Scène obligatoire- c'est le but immédiat vers lequel se développe la pièce.

Le point culminant est le moment de la pièce où l'action atteint tension la plus élevée, l’étape la plus critique du développement, après quoi vient le dénouement.

Au moment de la résolution, on observe dans de nombreux drames une construction correspondant au principe de concentration des forces sur un point décisif à un moment décisif. Dans de nombreuses pièces, le moment catastrophique survient avec la participation - et une tension volontaire maximale - de tous ou presque tous les personnages principaux. Ce sont par exemple scènes finales de nombreuses pièces de Shakespeare, par exemple le final d'Othello, Hamlet et Les Voleurs de Schiller. Il convient de noter que la catastrophe, qui dans la tragédie ancienne est suivie d'un dénouement, coïncide dans de nombreux drames nouveaux avec le dénouement.

DANS dénouement le destin de tous les personnages principaux doit être accompli.

- (par ceci, voir page précédente). Écrivain d'œuvres dramatiques. Dictionnaire mots étrangers, inclus dans la langue russe. Chudinov A.N., 1910. DRAMATURG grec. dramaturges; étymologie voir Dramaturgie. Écrivain dramatique. Explication de 25 000 étrangers... Dictionnaire des mots étrangers de la langue russe

Cm … Dictionnaire de synonymes

dramaturge- a, m. gr. dramaturgos l'auteur du drame. Les dramaturges sont bons ou mauvais. Les premiers écrivent de mauvaises pièces, les seconds n’écrivent pas de pièces. S. Guitry. // Borohov. Trois tâches du dramaturge : la première est de créer une situation, la seconde est d'y amener l'action... Dictionnaire historique des gallicismes de la langue russe

DRAMATURGE, dramaturge, mari. (dramaturges grecs) (lit.). Un écrivain qui écrit des œuvres dramatiques. Dictionnaire explicatif d'Ouchakov. D.N. Ouchakov. 1935 1940... Dictionnaire explicatif d'Ouchakov

dramaturgie- le nom de la famille féminine... Dictionnaire orthographique de la langue ukrainienne

Le Wiktionnaire a une entrée pour « dramaturge » Dramaturge (grec ancien... Wikipédia

dramaturges- [درمترگي] 1. dramaturgie mansub ba 2. dramaturge amal va shugli : dramaturges mahorati, dramaturges faoliyati... Farhangi tafsiriya zaboni tokiki

dramaturge - grand dramaturge … Dictionnaire des expressions idiomatiques russes

dramaturge- DRAMATURGE, a, m Un écrivain qui crée des œuvres littéraires du genre tragique, comique ou dramatique, destinées à être produites sur scène. Et immédiatement, le dramaturge Korneichuk a expliqué dans sa pièce "Front" que les échecs de la guerre étaient associés à des bêtises... ... Dictionnaire explicatif des noms russes

M. Un écrivain qui crée des œuvres dramatiques. Dictionnaire explicatif d'Éphraïm. T.F. Efremova. 2000... Moderne Dictionnaire Langue russe Efremova

Livres

• Dramaturge Pouchkine, St. Rassadin. L’originalité du langage et du contenu des drames de A. S. Pouchkine est analysée par l’auteur de ce livre. Il prouve qu'en créant ses drames, Pouchkine ouvre un type fondamentalement nouveau, non seulement de drame, mais...
• Dramaturge de tous les temps, E. Kholodov. Il y a sept cent vingt-huit personnages dans les quarante-sept pièces d'Ostrovsky. 47, ce ne sont pas seulement de merveilleuses œuvres à lire et pour la scène, 728, ce ne sont pas seulement d'excellents rôles pour acteurs et...

Un concept imaginatif pour une telle œuvre.

La dramaturgie est également appelée l'ensemble des œuvres dramatiques d'un écrivain, d'un pays ou d'un peuple, d'une époque.

La compréhension des éléments de base d'une œuvre dramatique et des principes de la dramaturgie est historiquement variable. Le drame était interprété comme une action se déroulant (et non déjà accomplie) avec l'interaction du personnage et la position extérieure des personnages.

Une action représente un changement connu sur une certaine période de temps. A un changement de drame correspond un changement de destin, joyeux dans la comédie et triste dans la tragédie. La période peut s'étendre sur plusieurs heures, comme dans le drame classique français, ou sur plusieurs années, comme dans Shakespeare.

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  Le nécessaire esthétique repose sur la péripétie unité d'action, composé de moments qui non seulement se succèdent dans le temps (chronologiquement), mais se déterminent également en tant que cause et effet, uniquement dans ce dernier cas le spectateur a une illusion complète de l'action qui se déroule sous ses yeux. L'unité de l'action, la plus importante des exigences esthétiques du drame, n'est pas contredite par les épisodes qui y sont introduits (par exemple, l'histoire de Max et Tekla dans « Wallenstein » de Schiller ») ni même par des actions parallèles, comme un autre drame inséré, dans lequel leur unité doit être observée (par exemple, Shakespeare a un drame dans la maison de Gloucester à côté d'un drame dans la maison de Lear).

  Un drame en un seul acte était appelé simple, avec deux actes ou plus - complexe. Le premier groupe comprend principalement les œuvres françaises anciennes et « classiques », le deuxième groupe comprend la plupart des œuvres espagnoles (surtout les comédies, où l'action des laquais copie les maîtres) et anglaises, notamment Shakespeare. La demande pour ce qu'on appelle « unité de temps et de lieu » dans le drame. C'est-à-dire:

  1) la durée réelle de l'action ne doit pas dépasser la durée de sa reproduction sur scène ou, en tout cas, ne doit pas dépasser une journée ;

  2) l'action représentée sur scène doit se dérouler toujours au même endroit.

  Des œuvres dramatiques où plusieurs années s'écoulent au cours de la pièce (comme dans « » de Shakespeare Conte d'hiver") ou l'action est transférée du château à un champ ouvert ("Macbeth"), étaient considérées comme illégales selon cette théorie, puisque le spectateur devait les transférer mentalement à travers des périodes de temps significatives et de vastes espaces. Le succès de tels drames a cependant prouvé que l'imagination, même dans de tels cas, se prête facilement à l'allusion, si seulement la motivation psychologique des actions et des caractères des personnages est maintenue et correspond également aux conditions extérieures.

  Nature et conditions

  Les deux derniers facteurs peuvent être considérés comme les principaux leviers de l’action en cours ; en eux, ces raisons qui donnent au spectateur la possibilité de spéculer sur le résultat attendu, entretiennent un intérêt dramatique pour celui-ci ; Eux, en forçant le personnage à agir et à parler de cette façon et pas autrement, constituent le destin dramatique du « héros ». Si vous détruisez le lien de causalité dans des moments d'action individuels, l'intérêt sera remplacé par une simple curiosité et la place du destin sera prise par le caprice et l'arbitraire. Les deux sont également peu dramatiques, même s’ils peuvent encore être tolérés dans la comédie, dont le contenu, selon Aristote, devrait représenter une « incongruité inoffensive ». Une tragédie dans laquelle le lien causal entre un acte et le destin est détruit outrage plutôt qu'elle ne touche le spectateur, comme une image d'une cruauté sans cause et insensée ; Ce sont par exemple en allemand littérature dramatique soi-disant tragédie du destin (Schicksalstragödien de Müllner, Werner, etc.). Puisque l'action procède des causes aux conséquences (progressivement), alors au début du dialogue les premières sont exposées, puisqu'elles sont données dans les caractères des personnages et dans leur position (exposition, expositio) ; les conséquences finales (dénouement) se concentrent à la fin de D. (catastrophe). Le moment intermédiaire où un changement se produit pour le meilleur ou pour le pire est appelé péripétie. Ces trois parties, nécessaires dans chaque acte, peuvent être désignées sous forme de sections spéciales (actes ou actions) ou se côtoyer, de manière indissociable (actes en un seul acte). Entre eux, à mesure que l'action se développe, d'autres actes sont introduits (généralement nombre impair, le plus souvent 5 ; en indien D. plus, en chinois jusqu'à 21). L'action est compliquée par des éléments qui la ralentissent et l'accélèrent. Pour obtenir une illusion complète, l'action doit être reproduite spécifiquement (dans une représentation théâtrale), et cela dépend de l'auteur s'il se soumet ou non à l'une ou l'autre des exigences du monde théâtral contemporain. Lorsque des conditions culturelles particulières sont représentées dans D. - comme par exemple dans le D. historique - il est nécessaire de reproduire le plus fidèlement possible le décor, les vêtements, etc.

  Types de drames

  Les types de D. sont classés soit par forme, soit par contenu (intrigue). Dans le premier cas, les théoriciens allemands distinguent les traits de caractère et les positions, selon la manière dont sont expliqués les discours et les actions des héros ; qu'il s'agisse de conditions internes (caractère) ou externes (hasard, destin). La première catégorie appartient à ce qu'on appelle. moderne D. (Shakespeare et ses imitateurs), au second - le soi-disant. antique (dramaturges anciens et leurs imitateurs, « classiques » français, Schiller dans « La Fiancée de Messine », etc.). En fonction du nombre de participants, on distingue les monodrames, les duodrames et les polydrames. Par répartition par parcelle, on entend : 1) la nature de la parcelle, 2) son origine. Selon Aristote, la nature de l'intrigue peut être sérieuse (dans une tragédie) - alors la compassion (pour le héros D.) et la peur (pour soi-même : nihil humani a nobis alienum !) doivent être éveillées chez le public - ou inoffensives pour le héros et drôle pour le spectateur (en comédie). Dans les deux cas, un changement pour le pire se produit : dans le premier cas, nuisible (décès ou malheur grave de la personne principale), dans le second - inoffensif (par exemple, une personne intéressée ne reçoit pas le profit attendu, un le fanfaron subit la disgrâce, etc.). Si le passage du malheur au bonheur est représenté, nous avons, dans le cas d'un véritable bénéfice pour le héros, D. au sens strict du terme ; si le bonheur n’est qu’illusoire (par exemple, la fondation du royaume de l’air dans « Les Oiseaux » d’Aristophane), alors le résultat est une plaisanterie (farce). Sur la base de l'origine (sources) du contenu (intrigue), les groupes suivants peuvent être distingués : 1) D. avec un contenu de monde fantastique(D. poétique ou féerique, jeux de magie) ; 2) D. avec un complot religieux (mimique, D. spirituel, mystère) ; 3) Un drame avec une intrigue tirée de la vie réelle (une pièce réaliste, laïque et quotidienne) et le passé historique ou le présent peuvent être représentés. D., illustrant le sort d'un individu, sont appelés types biographiques, décrivant le genre ; les deux peuvent être historiques ou contemporains.

  Dans le drame antique, le centre de gravité réside dans les forces extérieures (dans position), dans le drame du New Age - dans monde intérieur héros (dans son personnage ). Les classiques du drame allemand (Goethe et Schiller) ont tenté de rapprocher ces deux principes. Le nouveau drame se distingue par un plan d'action plus large, une diversité et des traits de caractère individuels, ainsi qu'un plus grand réalisme dans la représentation de la vie extérieure ; les contraintes de l'ancien chœur ont été écartées ; les motifs des discours et des actions des personnages sont plus nuancés ; la plastique du drame antique est remplacée par le pittoresque, le beau se conjugue avec l'intéressant, la tragédie avec le comique et vice versa. La différence entre le drame anglais et espagnol est que dans le second, avec les actions du héros, un incident ludique dans une comédie et la miséricorde ou la colère d'une divinité dans une tragédie jouent un rôle dans le premier, le sort du drame ; Le héros découle entièrement de son caractère et de ses actions. L'art populaire espagnol a atteint son apogée à Lope de Vega et l'art artistique à Calderon ; Le point culminant du drame anglais est Shakespeare. Grâce à Ben Johnson et à ses étudiants, les influences espagnoles et françaises pénètrent en Angleterre. En France, les modèles espagnols se sont battus avec les anciens ; Grâce à l'académie fondée par Richelieu, ce dernier prend le dessus, et une tragédie (pseudo) classique française est créée sur la base des règles d'Aristote, mal comprises par Corneille. Le meilleur côté de ce drame était l'unité et l'exhaustivité de l'action, la motivation claire et la clarté du conflit interne des personnages ; mais en raison du manque d'action extérieure, la rhétorique s'est développée en elle et le désir d'exactitude a contraint le naturel et la liberté d'expression. Ils occupent la place la plus élevée dans le classique. des tragédies des Français Corneille, Racine et Voltaire et des comédies de Molière. Philosophie du XVIIIe siècle. a fait un changement dans le français D. et a provoqué ce qu'on appelle. la tragédie petite-bourgeoise en prose (Diderot), qui traitait de la représentation de la tragédie de la vie quotidienne, et la comédie de genre (quotidienne) (Beaumarchais), dans laquelle le système social moderne était ridiculisé. Cette tendance s'étend également à la D. allemande, où dominait jusqu'alors le classicisme français (Gottsched à Leipzig, Sonnenfels à Vienne). Lessing, avec son « Drame de Hambourg », met fin au faux classicisme et crée le drame allemand (tragédie et comédie) à l'instar de Diderot. Citant à la fois les Anciens et Shakespeare comme exemples à suivre, il poursuivit son chemin en silence. le drame classique, dont l'apogée fut l'époque de Goethe (qui fut d'abord influencé par Shakespeare, puis par les Anciens et enfin, chez Faust, par les mystères médiévaux) et du dramaturge national allemand Schiller. Après cela, aucune nouvelle tendance originale n'est apparue dans la poésie, mais des exemples artistiques de tous types d'autres poésies sont apparus. L'imitation de Shakespeare la plus remarquable parmi les romantiques allemands (G. Kleist, Grabbe, etc.). Grâce à l'imitation de Shakespeare et du théâtre espagnol, une révolution s'opère également dans le théâtre français. nouvelle vie qui inclut également le développement de problèmes sociaux (V. Hugo, A. Dumas, A. de Vigny). Des échantillons de pièces de théâtre ont été donnés par Scribe ; les comédies morales de Beaumarchais furent relancées dans les films dramatiques de morale d'A. Dumas fils, E. Ogier, V. Sardou, Palieron et autres.

  La dramaturgie est un type de littérature

  Drame - 2

  Drame en Russie - 4

  Drame - 5

  Types de drames - 8

  Drame

  Le drame (grec Δρα´μα) est l'un des types de littérature (avec les paroles, l'épopée et l'épopée lyrique). Il diffère des autres types de littérature dans la manière dont il transmet l'intrigue - non pas à travers une narration ou un monologue, mais à travers des dialogues entre personnages. Tout a trait au drame d'une manière ou d'une autre Travail littéraire, construit sous une forme dialogique, comprenant la comédie, la tragédie, le drame (en tant que genre), la farce, le vaudeville, etc.

  Depuis l'Antiquité, il existe dans le folklore ou forme littéraire parmi divers peuples; Les Grecs de l’Antiquité, les Indiens de l’Antiquité, les Chinois, les Japonais et les Indiens d’Amérique ont créé leurs propres traditions dramatiques indépendamment les unes des autres.

  DANS grec le mot « drame » reflète un événement ou une situation triste et désagréable d'une personne en particulier.

  Les débuts du drame se situent dans la poésie primitive, dans laquelle les éléments ultérieurs du lyrisme, de l'épopée et du drame se confondent en relation avec la musique et les mouvements du visage. Plus tôt que dans d’autres pays, le drame type particulier la poésie s'est formée parmi les hindous et les grecs.

  Le drame grec, développant des intrigues religieuses et mythologiques sérieuses (tragédie) et des intrigues drôles tirées de la vie moderne (comédie), atteint une haute perfection et constitue au XVIe siècle un modèle pour le drame européen, qui jusqu'alors traitait naïvement les intrigues narratives religieuses et profanes. (mystères, drames scolaires et spectacles, fastnachtspiel, sottises).

  Les dramaturges français, imitant les grecs, respectaient strictement certaines dispositions considérées comme immuables pour la dignité esthétique du drame, telles que : l'unité de temps et de lieu ; la durée de l'épisode représenté sur scène ne doit pas dépasser une journée ; l'action doit se dérouler au même endroit ; le drame doit se développer correctement en 3 à 5 actes, depuis le début (clarification de la position initiale et des caractères des personnages) en passant par les vicissitudes médianes (changements de positions et de relations) jusqu'au dénouement (généralement une catastrophe) ; le nombre de caractères est très limité (généralement de 3 à 5) ; Ce sont exclusivement les plus hauts représentants de la société (rois, reines, princes et princesses) et leurs plus proches serviteurs-confidents, qui sont introduits depuis la scène pour faciliter le dialogue et les remarques. Telles sont les principales caractéristiques du théâtre classique français (Cornel, Racine).

  La rigueur des exigences du style classique n'est plus observée dans les comédies (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais), qui passent progressivement de la convention à la représentation de la vie ordinaire (genre). Libérée des conventions classiques, l’œuvre de Shakespeare a ouvert de nouvelles voies au théâtre. La fin du XVIIIe et la première moitié du XIXe siècle sont marquées par l'apparition des drames romantiques et nationaux : Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe.

  Dans la seconde moitié du XIX siècle, le réalisme prend le dessus dans le drame européen (Dumas le fils, Ogier, Sardou, Palleron, Ibsen, Sudermann, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein).

  À la fin quart du XIX siècle, sous l'influence d'Ibsen et de Maeterlinck, le symbolisme commence à envahir la scène européenne (Hauptmann, Przebyshevsky, Bahr, D'Annunzio, Hofmannsthal).

  Drame en Russie

  Le théâtre est venu d’Occident en Russie à la fin du XVIIe siècle. La littérature dramatique indépendante n'apparaît qu'à la fin du XVIIIe siècle. Jusqu'au premier quart du XIXe siècle, la direction classique prédominait dans le drame, tant dans la tragédie que dans la comédie et l'opéra comique ; meilleurs auteurs: Lomonossov, Kniazhnin, Ozerov ; La tentative de I. Lukin d'attirer l'attention des dramaturges sur la représentation de la vie et de la morale russes est restée vaine : toutes leurs pièces sont sans vie, guindées et étrangères à la réalité russe, à l'exception des célèbres « Le Mineur » et « Le Brigadier » de Fonvizin, « The Sneaker » de Kapnist et quelques comédies.

  Au début du XIXe siècle, Chakhovskaya, Khmelnitsky, Zagoskin devinrent des imitateurs du drame et de la comédie français légers, et le représentant du drame patriotique guindé était le Marionnettiste. La comédie de Griboïedov « Malheur de l'esprit », plus tard « L'Inspecteur général », le « Mariage » de Gogol sont devenus le fondement de la Russie. drame domestique. Après Gogol, même dans le vaudeville (D. Lensky, F. Koni, Sollogub, Karatygin), on sent une envie de se rapprocher de la vie.

  Ostrovsky a donné un certain nombre de merveilleuses chroniques historiques et de comédies quotidiennes. Après lui, le drame russe reposait sur des bases solides ; les dramaturges les plus remarquables : A. Sukhovo-Kobylin, A. Potekhin, A. Palm, V. Dyachenko, I. Chernyshev, V. Krylov, N. Chaev, gr. A. Tolstoï, gr. L. Tolstoï, D. Averkiev, P. Boborykin, Prince Sumbatov, Novezhin, N. Gnedich, Shpazhinsky, Evt. Karpov, V. Tikhonov, I. Shcheglov, Vl. Nemirovich-Danchenko, A. Tchekhov, M. Gorky, L. Andreev et autres

  Dramaturgie

  La dramaturgie (du grec ancien δραματουργία « composer ou mettre en scène des œuvres dramatiques ») est la théorie et l'art de construire une œuvre dramatique, ainsi que le concept d'intrigue d'une telle œuvre.

  La dramaturgie est également appelée l'ensemble des œuvres dramatiques d'un écrivain, d'un pays ou d'un peuple, d'une époque.

  La compréhension des éléments de base d'une œuvre dramatique et des principes de la dramaturgie est historiquement variable. Le drame était interprété comme une action se déroulant (et non déjà accomplie) avec l'interaction du personnage et la position extérieure des personnages.

  Une action représente un changement connu sur une certaine période de temps. A un changement de drame correspond un changement de destin, joyeux dans la comédie et triste dans la tragédie. La période peut s'étendre sur plusieurs heures, comme dans le drame classique français, ou sur plusieurs années, comme dans Shakespeare.

  L'unité d'action esthétiquement nécessaire repose sur des péripéties, constituées de moments qui non seulement se succèdent dans le temps (chronologiquement), mais se déterminent également en tant que cause et effet, ce n'est que dans ce dernier cas que le spectateur obtient une illusion complète de l'action ; l'action se déroule sous ses yeux. L'unité de l'action, la plus importante des exigences esthétiques du drame, n'est pas contredite par les épisodes qui y sont introduits (par exemple, l'histoire de Max et Tekla dans Wallenstein de Schiller) ni même par une action parallèle, comme un autre drame inséré, dans dont son unité doit être maintenue (par exemple, Shakespeare a un drame dans la maison de Gloucester à côté d'un drame dans la maison de Lear).

  Un drame en un seul acte était appelé simple, avec deux ou plusieurs actes - complexe. Les premiers comprennent principalement le français ancien et « classique », les seconds - la plupart des espagnols (surtout dans la comédie, où l'action des laquais copie les maîtres) et l'anglais, notamment dans Shakespeare. L’exigence de ce qu’on appelle « l’unité de temps et de lieu » dans le drame repose sur un malentendu (à savoir sur la « Poétique » mal comprise d’Aristote), c’est-à-dire

  1) afin que la durée réelle de l'action n'excède pas la durée de sa reproduction sur scène ou, en tout cas, ne dépasse pas une journée ; 2) pour que l’action représentée sur scène se déroule toujours au même endroit.

  Des drames comme « Macbeth » ou « Le Roi Lear » de Shakespeare (scènes en Angleterre ou en France) étaient considérés comme illégaux selon cette théorie, puisque le spectateur devait être transporté mentalement à travers des périodes de temps significatives et de vastes espaces. Le succès de tels drames a cependant suffisamment prouvé que, même dans de tels cas, l'imagination se prête facilement à l'allusion, si seulement la motivation psychologique des actions des personnages, de leur caractère et des conditions extérieures est maintenue.

  Les deux derniers facteurs peuvent être considérés comme les principaux leviers de l’action en cours ; en eux, ces raisons qui donnent au spectateur la possibilité de spéculer sur le résultat attendu, entretiennent un intérêt dramatique pour celui-ci ; Eux, en forçant le personnage à agir et à parler de cette façon et pas autrement, constituent le destin dramatique du « héros ». Si vous détruisez le lien de causalité dans des moments d'action individuels, l'intérêt sera remplacé par une simple curiosité et la place du destin sera prise par le caprice et l'arbitraire. Les deux sont également peu dramatiques, même s’ils peuvent encore être tolérés dans la comédie, dont le contenu, selon Aristote, devrait représenter une « incongruité inoffensive ». Une tragédie dans laquelle le lien causal entre un acte et le destin est détruit outrage plutôt qu'elle ne touche le spectateur, comme une image d'une cruauté sans cause et insensée ; Ce sont par exemple ce qu'on appelle dans la littérature dramatique allemande. tragédie du destin (Schicksalstragödien de Müllner, Werner, etc.). Puisque l'action procède des causes aux conséquences (progressivement), alors au début du dialogue les premières sont exposées, puisqu'elles sont données dans les caractères des personnages et dans leur position (exposition, expositio) ; les conséquences finales (dénouement) se concentrent à la fin de D. (catastrophe). Le moment intermédiaire où un changement se produit pour le meilleur ou pour le pire est appelé péripétie. Ces trois parties, nécessaires dans chaque acte, peuvent être désignées sous forme de sections spéciales (actes ou actions) ou se côtoyer, de manière indissociable (actes en un seul acte). Entre eux, à mesure que l'action se développe, d'autres actes sont introduits (généralement un nombre impair, le plus souvent 5 ; dans les lois indiennes, plus, en chinois jusqu'à 21). L'action est compliquée par des éléments qui la ralentissent et l'accélèrent. Pour obtenir une illusion complète, l'action doit être reproduite spécifiquement (dans une représentation théâtrale), et cela dépend de l'auteur s'il se soumet ou non à l'une ou l'autre des exigences du monde théâtral contemporain. Lorsque des conditions culturelles particulières sont représentées dans D. - comme par exemple dans le D. historique - il est nécessaire de reproduire le plus fidèlement possible le décor, les vêtements, etc.

  Types de drames

  Les types de drames sont classés soit par forme, soit par contenu (intrigue). Dans le premier cas, les théoriciens allemands distinguent les traits de caractère et les positions, selon la manière dont sont expliqués les discours et les actions des héros ; qu'il s'agisse de conditions internes (caractère) ou externes (hasard, destin). La première catégorie appartient à ce qu'on appelle. moderne D. (Shakespeare et ses imitateurs), au second - le soi-disant. antique (dramaturges anciens et leurs imitateurs, « classiques » français, Schiller dans « La Fiancée de Messine », etc.). En fonction du nombre de participants, on distingue les monodrames, les duodrames et les polydrames. Par répartition par parcelle, on entend : 1) la nature de la parcelle, 2) son origine. Selon Aristote, la nature de l'intrigue peut être sérieuse (dans une tragédie) - alors la compassion (pour le héros D.) et la peur (pour soi-même : nil humani a nobis alienum !) doivent être éveillées chez le public - ou inoffensives pour le héros et drôle pour le spectateur (en comédie). Dans les deux cas, un changement pour le pire se produit : dans le premier cas, nuisible (décès ou malheur grave de la personne principale), dans le second - inoffensif (par exemple, une personne intéressée ne reçoit pas le profit attendu, un le fanfaron subit la disgrâce, etc.). Si le passage du malheur au bonheur est représenté, nous avons, dans le cas d'un véritable bénéfice pour le héros, D. au sens strict du terme ; si le bonheur n’est qu’illusoire (par exemple, la fondation du royaume de l’air dans « Les Oiseaux » d’Aristophane), alors le résultat est une plaisanterie (farce). Sur la base de l'origine (sources) du contenu (intrigue), les groupes suivants peuvent être distingués : 1) D. avec un contenu du monde fantastique (poétique ou conte de fées D., jeux magiques) ; 2) D. avec un complot religieux (mimique, D. spirituel, mystère) ; 3) Un drame avec une intrigue tirée de la vie réelle (une pièce réaliste, laïque et quotidienne) et le passé historique ou le présent peut être représenté. D., illustrant le sort d'un individu, sont appelés types biographiques, décrivant le genre ; les deux peuvent être historiques ou contemporains.

  Dans le drame ancien, le centre de gravité réside dans les forces extérieures (en position), dans le drame moderne - dans le monde intérieur du héros (dans son personnage). Les classiques du drame allemand (Goethe et Schiller) ont tenté de rapprocher ces deux principes. Le nouveau drame se distingue par un plan d'action plus large, une diversité et des traits de caractère individuels, ainsi qu'un plus grand réalisme dans la représentation de la vie extérieure ; les contraintes de l'ancien chœur ont été écartées ; les motifs des discours et des actions des personnages sont plus nuancés ; la plastique du drame antique est remplacée par le pittoresque, le beau se conjugue avec l'intéressant, la tragédie avec le comique et vice versa. La différence entre le drame anglais et espagnol est que dans le second, avec les actions du héros, un incident ludique dans une comédie et la miséricorde ou la colère d'une divinité dans une tragédie jouent un rôle dans le premier, le sort du drame ; Le héros découle entièrement de son caractère et de ses actions. L'art populaire espagnol a atteint son apogée à Lope de Vega et l'art artistique à Calderon ; le point culminant du dialogue anglais est Shakespeare. Grâce à Ben Jonson et à ses étudiants, les influences espagnoles et françaises pénètrent en Angleterre. En France, les modèles espagnols se sont battus avec les anciens ; Grâce à l'académie fondée par Richelieu, ce dernier prend le dessus, et une tragédie (pseudo) classique française est créée sur la base des règles d'Aristote, mal comprises par Corneille. Le meilleur côté de ce drame était l'unité et l'exhaustivité de l'action, la motivation claire et la clarté du conflit interne des personnages ; mais en raison du manque d'action extérieure, la rhétorique s'est développée en elle et le désir d'exactitude a contraint le naturel et la liberté d'expression. Ils occupent la place la plus élevée dans le classique. des tragédies des Français Corneille, Racine et Voltaire et des comédies de Molière. Philosophie du XVIIIe siècle. a fait un changement dans le français D. et a provoqué ce qu'on appelle. la tragédie petite-bourgeoise en prose (Diderot), qui traitait de la représentation de la tragédie de la vie quotidienne, et la comédie de genre (quotidienne) (Beaumarchais), dans laquelle le système social moderne était ridiculisé. Cette tendance s'étend également à la D. allemande, où dominait jusqu'alors le classicisme français (Gottsched à Leipzig, Sonnenfels à Vienne). Lessing, avec son « Drame de Hambourg », met fin au faux classicisme et crée le drame allemand (tragédie et comédie) à l'instar de Diderot. Citant à la fois les Anciens et Shakespeare comme exemples à suivre, il poursuivit son chemin en silence. le drame classique, dont l'apogée fut l'époque de Goethe (qui fut d'abord influencé par Shakespeare, puis par les Anciens et enfin, chez Faust, par les mystères médiévaux) et du dramaturge national allemand Schiller. De nouvelles directions originales après cela dans D. n'est pas apparu, mais des exemples artistiques de tous types d'autres poésies sont apparus. L'imitation la plus notable de Shakespeare parmi les romantiques allemands (G. Kleist, Grabbe, etc.). Grâce à l'imitation de Shakespeare et du théâtre espagnol, une révolution s'opère également dans le drame français, auquel l'évolution des problèmes sociaux (V. Hugo, A. Dumas, A. de Vigny) apporte un nouveau souffle. Des échantillons de pièces de théâtre ont été donnés par Scribe ; les comédies morales de Beaumarchais furent relancées dans les films dramatiques de morale d'A. Dumas fils, E. Ogier, V. Sardou, Palieron et autres.