Chaque semaine, certaines histoires surgissent et se développent dans les médias sérieux, surtout s'il y a une première sérieuse et que tous les départements culturels écrivent sur la même chose. Cette semaine, tout le monde a écrit sur la principale première du ballet de la saison.
En utilisant l'exemple de la première au Théâtre Bolchoï, on peut retracer l'algorithme habituel de travail des départements de culture médiatique, généralement qualifiés de sérieux.
Le ballet « Illusions perdues », mis en scène sur une musique spécialement commandée par Leonid Desyatnikov, était attendu depuis longtemps et avec une grande appréhension.
La réputation de Desyatnikov, comme celle de Ratmansky, est la plus évidente : si ce n’est pas eux, alors qui ? Par conséquent, la préparation artistique avant-première a commencé il y a longtemps. De plus, tout au long de la dernière saison, le compositeur et le chorégraphe ont été des acteurs constants de l'actualité. Et pas toujours de leur plein gré.
Ratmansky a été particulièrement chanceux, dont les ballets sont apparus cette année sur la scène de la capitale avec une régularité étonnante. Et ici, tout d'abord, il convient de rappeler la représentation du festival de la pièce "Anna Karénine", apportée du Théâtre Mariinsky, ainsi que la tournée de l'American Ballet Theatre (dans le cadre du Festival commémoratif de Rostropovitch), qui a montré dans son programme l'un des derniers travaux chorégraphe - .
Ce week-end, le Théâtre Bolchoï a accueilli avec grand succès la première des « Saisons russes », un ballet en un acte d'Alexei Ratmansky sur la musique de Leonid Desyatnikov. Il s'agit de la dernière production de Ratmansky en tant que chorégraphe en chef du principal théâtre du pays. Les « Saisons russes » ont été créées pour la première fois il y a deux ans à New York, après quoi Ratmansky, la fierté et le principal espoir de l'école chorégraphique russe, a reçu de nombreuses offres alléchantes. Dans son interview, Alexeï Ratmanski refuse de résumer son « règne » au Bolchoï, mais il évoque volontiers le sort du ballet moderne.
Ratmansky, cependant, est un homme qui danse et non un homme qui parle, c'est pourquoi le compositeur, l'un des principaux intellectuels publics de la scène artistique actuelle, a dû prendre le coup pour l'idée d'un « chef-d'œuvre invisible ».
Ici, nous devrions faire une parenthèse et dire que les médias actuels écrivent sur la même chose, le copier-coller intellectuel fleurit et sent, ce qui remet en question nos critiques. tâche importante en isolant le résidu sec (« rema »). C’est pourquoi cette revue et les suivantes contiendront principalement des détails et des citations « exclusifs » qui ne sont pas répétés dans d’autres publications. Après tout travail culturel tout est question d'échange réel, et non des informations imaginaires.
Car lorsque, à la veille d'un événement, tel ou tel artiste est contraint de donner des dizaines d'interviews, les répétitions sont inévitables. Et ici, bien sûr, beaucoup dépend de la personnalité de l’intervieweur. Après tout, vous pouvez toujours demander quelque chose de spécial.
Leonid Desyatnikov a résisté avec honneur au fardeau de parler publiquement de son idée. Le compositeur a donné l'une de ses premières grandes interviews au site GZT.Ru, où Olga Romantsova, entre autres choses, lui a demandé pourquoi, en fait, s'engager dans un métier aussi dépassé que la composition de ballets :
- « À notre époque, absolument tout est dépassé, l’art et la culture sont dépassés. Tout ce que nous faisons, nous le faisons contrairement à l’ordre des choses existant. C'est une question de choix : soit vous le faites, soit vous abandonnez tout, faites des affaires ou autre chose. Et il est certain que personne n’en a besoin.»
Deux de ses interviews ont été publiées simultanément la veille de la première dans des suppléments d'annonce de Kommersant et de Vedomosti.
Sergueï Khodnev a demandé dans Weekend pourquoi des poèmes de F. Tioutchev, chantés en russe et en français, étaient inclus dans la partition :
- - Comme un texte vocal. Il existe deux poèmes de Tioutchev, tous deux écrits en français. Au début du premier acte, le premier poème est entendu dans l'original, le second apparaît à la fin du deuxième acte dans la traduction russe, brillante et sympathique de Mikhaïl Kudinov, et tous deux - dans une image miroir - sont entendu à la fin du troisième acte. Vous voyez, il y a beaucoup de choses dans le ballet qui pourraient être qualifiées de frivoles. Des galops, des mazurkas en tout genre...
- Plus de cachucha, probablement.
- Il y a de la cachucha, oui. C'est-à-dire qu'il y a là des rudiments de genre, sans lesquels ce ballet ne peut se passer. Et il m'a semblé nécessaire d'opposer cela à un tout autre pôle. La recherche d'un texte approprié m'a finalement conduit à Tioutchev. Les poèmes sont français, le poète est russe - même si l'Année de la France - la Russie est terminée depuis longtemps. Il me semble que ces versets étaient tout simplement parfaits pour mes objectifs.
- « Le spectacle met en vedette 68 musiciens et 48 danseurs de ballet. Les parties principales ont été répétées par 5 interprètes, 3 compositions de Coralie-Lyusenov-Florin ont atteint la finale : Lunkina-Lantratov-Shipulina, Osipova-Vasiliev-Meskova, Stashkevich-Lopatin-Rebetskaya. Le casting est très intéressant, car les artistes assignés au même rôle sont si différents en termes de tempérament, d'apparence et de rôle qu'au lieu d'une représentation, il y en aura trois différentes. Ainsi, les danseurs expérimentés, les balletomanes enthousiastes, les journalistes partiaux, le public inexpérimenté et les personnes influentes - en un mot, le monde théâtral tout entier, si vivement représenté dans Illusions perdues et qui n'a pratiquement pas changé au cours des 180 dernières années, verront certainement sur la scène du Bolchoï, au moins certains de vos favoris et idoles. Et j’espère qu’il ne perdra pas ses illusions.
Le souhait du journaliste ne s’est toutefois pas réalisé. Les critiques sur la performance ont été modérément aigres. Cependant, avant d'y passer, citons une autre interview de Desyatnikov, enregistrée par Piotr Pospelov pour « Vendredi » (il m'a semblé, ou le compositeur répond-il vraiment aux questions de son collègue avec fatigue ou une certaine réticence ? Bien qu'il raconte beaucoup de choses des choses intéressantes - Pospelov lui-même écrit de la musique d'hommage, c'est pourquoi il pose des questions extrêmement précises).
- - Votre héros, le compositeur Lucien, crée deux partitions de ballet basées sur l'intrigue. Le résultat est un art sur l’art, du théâtre dans le théâtre, du ballet dans le ballet. Y a-t-il quelque chose dans votre musique qui reste à la portée d'un simple auditeur émotif, peu habitué à la réflexion ?
Je n'accepte catégoriquement pas cette question. Votre « simple auditeur émotionnel » est l’incarnation musicale de ce qu’on appelle l’homme ordinaire, composé et animé par l’agitprop soviétique. Je parle d'un phénomène décrit par Olga Sedakova avec la passion et la compétence inhérentes à un autre entomologiste exceptionnel - Vladimir Nabokov. Êtes-vous préoccupé par les besoins esthétiques d’un auditeur qui n’est pas habitué à la réflexion ? Eh bien, le monde entier lui appartient aujourd’hui. Ne puis-je pas être triste de son sort, du moins au moment de notre conversation ?
Votre collègue Vladimir Martynov m'a dit un jour que si le métier de compositeur existe encore, c'est uniquement parce que le contact tactile avec le papier à musique n'a pas disparu. Vous aussi, vous écrivez toujours à la main, tandis que la plupart des compositeurs saisissent les notes directement dans l'ordinateur. Quelles sont vos raisons ?
Il y en a beaucoup, je n'en citerai que deux - pas les plus importants, mais significatifs. Premièrement, l'imperfection des programmes de notation musicale. Ils ont apparemment été développés par des personnes peu familiarisées avec la notation musicale. Deuxièmement, je m'inquiète de ma propre dépendance à Internet et je veux au moins passer mes heures de travail loin de l'ordinateur.
Après Bon vendredi arrivé Fête sainteÀ Pâques, le Théâtre Bolchoï a présenté au public la première troupe d'interprètes, et les observateurs des médias de la capitale ont pris une pause jusqu'à mercredi (tel est le cycle technologique), pesant soigneusement leurs formules de révision.
Les premiers à se lancer dans la bataille, comme toujours, furent les blogueurs, dont les évaluations variaient de l'admiration inconditionnelle (comme le décrit _Harlequin_, habituellement sceptique) au rejet complet avec une moquerie active dans les commentaires (particulièrement révélateur de Dolchev, l'un des opéras et des plus cohérents). pogroms de ballet).
À propos, _Harlequin_ semble être le seul critique à avoir noté le travail vraiment merveilleux du scénographe.
- «J'étais prêt à voir un chef-d'œuvre et, surtout après le Mariinsky Anna Karénine, autre chose. Mais je ne m'attendais toujours pas à cela dans un ballet d'intrigue basé sur l'original Musique moderne tout peut s’assembler si parfaitement. « Lost Illusions » est un luxe sans kitsch et une sophistication sans maniérisme. Concernant les décors (artiste Jérôme Kaplan), on ne peut pas dire qu'ils sont modestes - ils sont « riches » dans le meilleur et correct sens du terme, mais si élégants que le design semble minimaliste, et c'est effectivement le cas si le minimalisme est compris au sens large. , comme l'absence de quoi que ce soit était superflue ; et en même temps, chaque tableau se joue dans un nouveau décor, salles et couloirs, rues et places - tout est indiqué avec précision, objectivement. Pendant ce temps, l’action n’est pas interrompue par une réorganisation du décor grâce à une barrière immatérielle qui sert de toile de fond aux épisodes d’intermèdes.
Eh bien, Dolchev, dont l'ensemble de préférences immuables lui permettrait soi-disant de briser et de ne pas comprendre tout ce qui n'a pas été fait par ses favoris comme Nikolai Tsiskaridze, selon le principe « tout est de la merde sauf l'urine », ne s'est jamais soucié d'analyse. Son masque « fromage » lui permet de gronder tout ce qui chante et bouge dans un registre émotionnel exacerbé (à la limite).
- "On ne sait pas très bien pourquoi ce ballet est au Théâtre Bolchoï... Pas un seul danseur ne brillera de nouvelles couleurs, ne brillera d'aucune facette de son talent, et personne ne les regardera d'un autre point de vue. voir.
Ivan Vasiliev, tout comme le Spartak, personne ne se souviendra de Lucien.
Osipova, tout comme Kitri l'était avec un tambourin et un éventail, ils iront donc dans "Lost Illusions" et écriront ensuite " comment je veux que Natasha danse Kitri ».
Krysanova a reçu un rôle qui n'existe pratiquement pas dans ce ballet ; à moins que l'argent ne soit payé pour la performance de la ballerine.
Et pour Ovcharenko, le jeu est tout à fait conforme à son talent, mais il n’a toujours pas sauté par-dessus la tête ici.
La première des critiques « officielles » à riposter fut Maya Krylova de Gazeta.Ru, qui s'est abstenue de toute évaluation directe et sans ambiguïté.
- « Ce ballet vaut la peine d’être écouté avant tout. Desyatnikov, qui dit honnêtement que « ma musique est inspirée par celle de quelqu'un d'autre », voulait que nous nous souvenions à la fois des grands auteurs romantiques et des compositeurs de « musique » de ballet simple. Les mélodies touchantes du piano et des cordes, interprétant les opus de Liszt et Schumann, sont entrecoupées de l'ironie des instruments à vent ; à d’autres moments, des tonnerres carrément grotesques venant de la fosse d’orchestre. Mais il y a des épisodes où les mineurs de l’auteur à la manière du nocturne de Chopin pénètrent de part en part, au début et à la fin du ballet. voix féminine chante les poèmes de Tioutchev avec mélancolie. Peut-être que la partition luxueuse, interprétée par le chef d'orchestre Alexander Vedernikov, est une illusion calculée de sincérité ?
Le chorégraphe résout alors ses propres problèmes. Il est clair pourquoi Ratmansky considère le livret précédent comme « très théâtral » : au fur et à mesure que l'action progresse, le public voit deux « ballets dans le ballet » avec différents types"couleur locale" romantique. Le premier, la sublimement rêveuse « La Sylphide » (également une pièce sur la perte des illusions), Lucien l'écrit pour sa bien-aimée, l'idéaliste Coralie. Le deuxième et joyeux opus folklorique «Dans les montagnes de Bohême», cédant à la faiblesse, compose pour la rivale de Coralie, l'insidieuse Florina. Les connaisseurs se souviendront que la base de l'affrontement entre les héroïnes est la véritable rivalité entre les grandes ballerines du XIXe siècle - Maria Taglioni et Fanny Elsler."
De la même manière, les Izvestia et Moskovskie Novosti ont rendu compte de manière tout à fait neutre, dans l’esprit d’une « approche objective ». Svetlana Naborshchikova dans « Balzac et les rêves », la seule à écrire sur le ballet, a inclus dans le titre du texte (« Izvestia ») le nom de l'auteur du roman sur lequel un ballet russe a été mis en scène pour la première fois, puis un autre. n’a jamais été étrangère aux intentions pédagogiques).
- « L’attachement à la dynamique scénique et la réticence à imposer la « psychologie » au spectateur sont un autre point commun des co-auteurs. Les événements s'enchaînent avec la dynamique d'un bon film hollywoodien. Digressions lyriques- le minimum requis. En fait, dans le ballet en trois actes, il n'y a que deux grandes généralisations - le premier duo-explication de Lucien et Coralie et le trio magistral : Coralie la Sylphide danse avec la première danseuse, et Lucien, comme dans un miroir, répète son mouvements. Le reste des résumés de l'auteur tient en quelques mesures et gestes, et parfois cela ne suffit pas. Le final, par exemple, fait appel à un autre duo entre Coralie et Lucien. Un duo-souvenir, un duo-adieu, un duo-pardon, on ne sait jamais où les mènera l’imagination remarquable des auteurs.
Anna Gordeeva, dans le journal Moscou News récemment mis à jour, devenu quotidien, rend hommage à tous les créateurs de la pièce, soulignant les erreurs de casting.
- « C'est surprenant qu'avec une telle idée, le chorégraphe ait choisi pour la soirée de première deux artistes, pour qui l'énergie est l'essentiel dans leur existence sur scène. Le rôle de Coralie a été confié à Natalia Osipova, le rôle de Lucien a été confié à Ivan Vasiliev. Osipova est l'héroïne des fouettés records et des sauts scéniques, mais ni l'une ni l'autre n'apparaissent dans ce rôle. En fait, la ballerine conviendrait bien mieux au rôle de la deuxième héroïne, Florina, celle qui a éloigné le compositeur de la giroflée lyrique. Pour cette dame, Ratmansky a organisé un superbe tour : le fouetté sur la table de jeu. Mais Ekaterina Krysanova est devenue Florina - et, je dois dire, elle a interprété le rôle avec brio. Et Osipova a essayé très fort d'indiquer la noblesse, le silence intérieur de l'héroïne, mais elle a mieux réussi dans la scène où la ballerine, qui ne s'est pas encore séparée de son riche patron, le trompe en cachant son nouvel amant.
Ivan Vasiliev est aujourd'hui le meilleur Spartak du théâtre, un roturier et un rebelle. Le rôle du jeune compositeur lui convenait un peu mieux - oui, il n'y a aucune trace de rébellion chez Lucien, mais l'artiste a plutôt bien réussi à jouer un niais captivé par la grande ville. Certes, il semble que le rôle n'ait pas été chorégraphié pour ce danseur - il contient trop de petits détails pour lesquels il n'est pas doué. Et aussi : un tel niais pourrait-il composer la partition de La Sylphide (comme le suggère le livret) ? Mais c’est probablement une question qui s’adresse aux librettistes de longue date, et pas seulement aux auteurs et artistes d’aujourd’hui.»
Cependant, les principales plaintes concernant la production ont été exprimées dans Kommersant et Vedomosti et, conformément aux spécificités de leurs publications, les critiques des deux journaux ont prêté attention à des choses différentes.
Anna Galaida et Piotr Pospelov de Vedomosti ont concentré leur critique sur les moments musicaux, et Tatyana Kuznetsova de Kommersant s'est concentrée sur les défauts de la chorégraphie (leur pathétique ressort clairement du titre - "Spent Illusions").
- « Comme les danses de Ratmansky étaient cette fois si simples, la musique est devenue le héros du spectacle. Mais elle a aussi plus d’intelligence que de véritable créativité. Desyatnikov a écrit la musique de Desyatnikov. Les ingrédients de la musique française (y compris Chopin) et soviétique (y compris Khachaturian) sont recouverts, comme des œufs brouillés, d'une couche reconnaissable de paternité. Comme c'était le cas dans l'opéra « Les Enfants de Rosenthal », l'omelette incluait des sources primaires qui n'étaient impliquées ni dans Balzac ni dans le ballet soviétique des années 1930. Par exemple, la musique avant la dispute entre Lucien et Coralie est comme deux pois dans une cosse rappelant l'introduction de la scène au groove de " Dame de pique" La scène dans le grenier de Lucien est exactement la même que celle du tableau « Chez Persil », et le solo de piano dans l’orchestre est exactement le même. Le ballet « Dans les montagnes de Bohême », où joue la trompette et le tuba cancane - pourquoi pas La Ballerine et le Maure ? Comme une bardane, Tchaïkovski et Stravinsky s'en sont tenus à l'intrigue de quelqu'un d'autre, et Desyatnikov, n'osant pas couper l'inutile, a réduit l'éclat du jeu culturel. Intentionnellement dépourvu de son orchestral complet, le tissu musical est formé d'un système d'ensembles instrumentaux - ce qui rend la partition similaire aux exemples du haut modernisme européen et fonctionne ainsi également en dehors du thème. La musique elle-même n'est pas aussi naturelle que dans d'autres œuvres de Desyatnikov, considérées comme des chefs-d'œuvre. Dans le troisième acte, où se crée l’ambiance mélancolique préférée du compositeur, de belles pages se succèdent : Desyatnikov réussit toujours dans les scènes où souffre un compositeur solitaire, que ce soit Lucien ou Wolfgang Amadeus. Les poèmes de Tioutchev, chantés depuis la fosse, donnent du volume au plan, mais ne remplacent pas l'idée centrale qui manque au projet.
Ratmansky et Desyatnikov, ayant choisi l'intrigue et le nom, semblaient avoir déclaré que le ballet dramatique du type des années 30 n'est nulle part plus cool aujourd'hui. Mais ils n’ont pas expliqué pourquoi. Leur opus ne veut ni nous éclairer, ni nous mettre en colère, ni nous intriguer. Il veut nous laisser tranquille. Et le vainqueur fut Balzac, dont le nom universel décrit désormais les sentiments de ceux qui espéraient assister à un ballet décent au Théâtre Bolchoï.»
- www.vedomosti.ru
- « Le chorégraphe Ratmansky lui-même est intervenu. Réputé pour sa musicalité, non seulement il n'a pas exploité les possibilités de la partition. Le chorégraphe a mis en scène son ballet le plus peu musical. Et pas seulement selon la lettre tempo-rythmique, même si les arabesques anémiques de hareng dans lesquelles les héros du ballet « Dans les montagnes de Bohême » tremblent sous la coda incendiaire des castagnettes font aussi mal à l'œil ; et une semi-pantomime naïve du dénouement, interprétée sur un air sincère basé sur les poèmes de Tioutchev (il aurait été préférable que les personnages ne bougent pas du tout !) ; et des incohérences fréquentes entre la musique et l'amplitude des mouvements. Le plus grave est que la banalité de ces mouvements contredit l'esprit même de la musique. Il semblait que le chorégraphe remplissait le temps de scène de clichés restés gravés dans sa mémoire depuis l'université. En tout cas, jamais auparavant l'inventeur Ratmansky ne s'était permis de lancer une série entière de pas de bourre - pas de cha d'écolier, jamais il n'avait répété aussi souvent la même combinaison. La messe habituelle de Ratmansky se déroule de coulisses en coulisses et l'exécution alternative des mêmes pas par le corps de ballet a ici dépassé toutes les normes de composition, plongeant dans le chaos à la fois la scène de la mascarade et la représentation du ballet La Sylphide, que nous avons observé comme depuis les coulisses. .
L'espoir que le maître de la stylisation Ratmansky jouerait un ballet romantique s'est effondré dès que les sylphes qu'il a inventées ont commencé à remuer avec leurs mains, comme des algues dans une tempête, et ont commencé à sauter avec force et à donner des coups de pied comme des ouvriers du cancan. . La sylphe principale, la ballerine Coralie, dansait « sur scène » à peu près de la même manière que « dans la vie ». Et même si elle a beaucoup dansé, la chorégraphe n'a pas mis en scène une seule variation gagnante pour l'héroïne. Ses duos d'amour avec Lucien, pleins de toutes sortes de « bûches », de « passages » et d'élévations, semblaient également plutôt amorphes (cependant, l'érotisme n'a jamais été le point fort de Ratmansky - il a toujours un « avant » et un « après »). En raison de l'incompréhensibilité du rôle de Coralie, sa rivale s'est imposée : Florine a au moins une variation complète et, en plus, 32 fouettés exécutés sur la table - le seul épisode du ballet qui a suscité des applaudissements unanimes.
Néanmoins, pour une raison quelconque, les évaluateurs du personnel n'étaient pas pressés de donner leurs évaluations, préférant, conformément à la logique cycle de production, attendez le milieu de la semaine.
Cependant, il est clair pourquoi - l'éventail des notes pour la performance est si large que personne ne voulait devancer les autres et s'asseoir dans une flaque d'eau avec des éloges exorbitants ou des critiques enragées. Les performances en solo sont toujours à la vue de tous, tandis qu'un chœur ponctuel neutralise toute impression contradictoire.
Malheureusement, une image similaire ne s’observe pas seulement dans la critique du ballet et de la musique.
Le Ballet du Bolchoï de Balzac
GRANDES COMMANDES LA MUSIQUE
En 2005, 28 ans après les événements de dernière fois, Le Théâtre Bolchoï a présenté la première d'une œuvre spécialement commandée - l'opéra «Les Enfants de Rosenthal», qui a reçu la reconnaissance des amateurs d'opéra non seulement dans notre pays, mais aussi à l'étranger - en Lettonie et en Finlande. Presque déjà à ce moment-là, il fut décidé que l'alliance créative avec son auteur, le compositeur très intéressant et très populaire Leonid Desyatnikov, se poursuivrait dans le domaine du ballet.
Jérôme Kaplan, chef décorateur de la pièce :
En Europe, il est très difficile de trouver un compositeur capable d'écrire bonne musique pour un ballet narratif complet. Je pense que tout le monde a simplement oublié comment faire. J'aime beaucoup la musique de M. Desyatnikov - elle est à la fois romantique et parfois pas du tout romantique, étrange, mais envoûtante. Leonid a définitivement trouvé la clé pour créer le monde musical de Lost Illusions.
Alexeï Ratmanski :
Ceci est écrit très sincèrement. C'est comme si cela avait simplement été retiré de l'âme, du cœur. La musique raconte tout ce qui se passe dans l'histoire.
EXCURSION DANS UNE HISTOIRE PRESQUE COMPLÈTEMENT DIFFÉRENTE
L'histoire du ballet russe connaît une représentation basée sur les intrigues du roman de Balzac. En 1936, le ballet « Illusions perdues » est créé au Théâtre Kirov (aujourd'hui Mariinsky). La musique appartenait à Boris Asafiev, la chorégraphie à Rostislav Zakharov. Régnait l'ère du ballet dramatique, qui s'appuyait sur une littérature grande et, bien sûr, progressiste et prescrivait la danse uniquement lorsque l'intrigue l'exigeait. Balzac, avec son rejet actif du philistinisme, du pouvoir de l'argent et du bourgeois en tant que type de personnalité, pourrait certainement être considéré dans une certaine mesure comme un écrivain progressiste. Et le merveilleux artiste de théâtre Vladimir Dmitriev, qui a écrit le livret basé sur le roman, a préparé le terrain pour la danse en transformant le personnage principal, le journaliste Lucien, en compositeur de ballet et en faisant des héroïnes - actrices dramatiques - ballerines de l'Opéra de Paris.
Sans oublier de décrire l'influence pernicieuse de l'environnement sur le héros instable, constatant qu'il avait glissé dans son œuvre « dans la banalité et le formalisme », Dmitriev a néanmoins voulu entreprendre une merveilleuse expérience, en introduisant deux petits ballets romantiques stylisés (au musique de Lucien) dans la trame chorégraphique du spectacle et dans la production de l'Opéra de Paris), qui, en substance, pourrait refléter l'essence de l'art et l'intensité de la lutte entre deux grandes ballerines rivales du XIXe siècle - Maria Taglioni et Fanny Elsler. Cependant, "Illusions" s'est toujours avéré être un ballet "piéton" ; les danses n'ont pas brillé de succès, tout comme leur musique elle-même n'a pas brillé. Et ils ont très vite perdu leur place dans le répertoire, ne laissant aucun souvenir vif - à l'exception des œuvres d'acteur, en premier lieu Galina Ulanova, qui a interprété le rôle personnage principal Coralie.
NOUVELLE PERFORMANCE DU GRAND
Le spectacle du Bolchoï est un nouveau ballet, avec une nouvelle musique et seulement une chorégraphie originale, et s'il a quelques réminiscences - indirectes - du patrimoine, alors il s'agit du patrimoine universel de la romance européenne. théâtre de ballet XIXème siècle. Mais c'est au vieux livret qu'il doit sa naissance.
Alexei Ratmansky est tombé sur les Illusions perdues de Dmitriev en parcourant la collection Cent livrets de ballet et a immédiatement remarqué à quel point ils étaient dramatiquement bien faits et attrayants pour lui personnellement. (Un bon livret est une chose unique et constitue une trouvaille extrêmement réussie pour le réalisateur). Le livret de Dmitriev a ensuite été très apprécié par le consultant en direction de ballet Guillaume Gallienne, acteur et directeur du célèbre théâtre français Comédie Française, et le décorateur, le célèbre artiste de théâtre Jérôme Kaplan. (Même si la patine de cohérence idéologique soviétique de ce texte a bien sûr dû être effacée).
ÉQUIPE
Alexey Ratmansky a déjà travaillé avec la musique de Desyatnikov, notamment au Théâtre Bolchoï - il a mis en scène le ballet « Old Women Falling Out » sur la musique du cycle vocal « Love and Life of a Poet » (2007) et « Russian Seasons » (2008). ). Un an avant la première au Bolchoï, en 2007, Ratmansky a mis en scène « Les Saisons » au Ballet national néerlandais. Puis à Amsterdam, Jérôme Kaplan les a regardés et s'en est beaucoup inspiré. L'idée est née de travailler ensemble - et l'année dernière, elle s'est concrétisée dans la même troupe néerlandaise qui, grâce à cette coopération, a reçu une nouvelle édition du ballet Don Quichotte. Pour incarner "Illusions" ceci artiste français, selon le chorégraphe, était idéal. Et Jérôme Kaplan a personnellement invité l'éclairagiste Vincent Millet et le consultant « dramatique » Guillaume Gallien à participer à la production. C’est ainsi que cette équipe s’est constituée.
NOTRE CONTEMPORAIN HONNEUR BALZAC
Le pouvoir de l'argent, le pouvoir de la vulgarité et du glamour - et la perte de toutes les illusions : un roman très actuel pour notre époque, qui devrait relire Balzac avec beaucoup d'intérêt et de sympathie.
Alexeï Ratmanski :
Cette histoire est pour toujours. Il montre des situations intemporelles, il y a des motivations pour des actions compréhensibles par tous. C'est un roman sur la nature humaine.
Quant à la vie et à la morale de notre ballet, l'aide de Guillaume Gallien nous a été très utile. Il sait avec quel argent les personnages doivent payer, comment transmettre le sens de la scène aux acteurs en un mot, par exemple, pour ajouter du drame à la course - il suffit de dire « Courez comme si vous vouliez vous jeter dans le Seine."
LUCIÈNE
Alexeï Ratmanski :
Comment une personne peut ou ne peut pas faire face à ses désirs, quels choix elle fait dans la vie, comment l'environnement l'influence et qu'arrive-t-il à ses merveilleuses inclinations s'il n'y a pas de volonté... Tout au long du ballet, Lucien change beaucoup et commet des erreurs fatales. . Mais nous l’aimons parce qu’il n’y a aucun cynisme en lui. Tout ce qu'il fait, il le fait avec beaucoup de sincérité.
Léonid Dessiatnikov :
Le Lucien de Balzac mérite certainement une certaine condamnation. Mais Lucien dans le ballet n'est qu'un jeune agité, et cela veut tout dire.
Le piano solo, instrument de Lucien, joue un rôle important dans l'orchestre. Parfois, cela ressemble presque à un concerto pour piano et orchestre. Mais lorsque Lucien écrit « Dans les montagnes de Bohême » – par contrainte et non « par volonté du cœur » – le piano se tait.
TRÈS NUAGEUX
Jérôme Kaplan :
L’idée scénographique principale est très simple. J'ai décidé de jouer avec le nom et suis arrivé à la conclusion que la conception de la scène devait donner naissance à l'image de quelque chose d'insaisissable, d'instable et de vague, comme des souvenirs. C'est de là que viennent les nuages. Mais j’ai voulu associer ces nuages éphémères à un décor absolument réaliste – avec le bâtiment de l’Opéra, les appartements de Coralie ou le palais du Duc. Autrement dit, il y a de l'architecture partout, mais cette architecture est toujours peinte de nuages. Et, si réel, sous ces nuages, il perd soudain sa matérialité pour entrer dans le royaume des souvenirs. Travailler à la conception d'un ballet historique et narratif comporte toujours le danger de tomber dans un matérialisme excessif, en créant le même décor réaliste que celui fait pour le cinéma. Nous devons créer quelque chose de différent : le monde de ce ballet. Mais pour moi, le monde de Lost Illusions est quelque chose d’aussi flou que des nuages.
Pour la même raison, lors du choix de la couleur principale, j'ai décidé d'utiliser le sépia. La scène a commencé à ressembler à une vieille carte postale, à des photographies jaunies de votre famille, sur lesquelles vous voyez votre grand-mère enfant. Ceci est également important. À mon avis, cela donne de la profondeur au passé, aux illusions qui l’accompagnaient et aux merveilleux souvenirs qu’il en laisse.
Et j'ai suivi une idée complètement différente lors de la création de costumes. Les costumes devraient être plus « explicites », « évidents ». Cela est particulièrement vrai pour les personnages principaux. Vous devez les identifier instantanément ; vous n’avez souvent tout simplement pas beaucoup de temps pour une « reconnaissance à long terme ». Tout le monde devrait avoir une peinture déterminante. Coralie est couleur rose. Florina a plus de rouge et d'orange (la couleur est ambiguë et provocante). Lucien est toujours bleu. Le Duc est vert, ce qui, à mon avis, n'est pas mauvais pour une mauvaise personne.
Il y a une grande première sur la scène du Bolchoï. a été créé spécifiquement pour le Théâtre Bolchoï. Le spectacle met en vedette quatre groupes de solistes. Le premier montera sur scène dimanche soir.
Le roman "Illusions perdues" de Balzac a été transformé en ballet dans les années 30 du siècle dernier. Au Théâtre d'opéra et de ballet de Kirov - comme s'appelait alors le Théâtre Mariinsky - Rostislav Zakharov a mis en scène un spectacle sur la musique de Boris Asafiev. Cette première moscovite n’est pas une restauration de la production de Léningrad. Il s'agit d'un ballet avec une nouvelle musique, qui... Et une nouvelle chorégraphie d'Alexei Ratmansky.
Tous deux connaissent bien les artistes du Théâtre Bolchoï. Desyatnikov était le directeur musical ici la saison dernière. Ratmansky a dirigé la troupe de ballet du Bolchoï pendant cinq ans – maintenant. C'est lui qui, en parcourant le recueil « Cent livrets de ballet », est tombé sur « Illusions perdues ».
« J'ai été étonné que le livret ait été écrit de telle manière qu'il puisse être utilisé aujourd'hui. Malgré cette époque et le fait qu'il y avait inévitablement des clichés idéologiques dans le texte, nous les avons coupés. Mais l'intrigue est restée, et cela fonctionne. parfaitement aujourd'hui», - dit le chorégraphe Alexeï Ratmanski.
Il est vrai que Balzac n'aurait probablement pas reconnu ses personnages. Personnage principal Lucien est passé de poète à compositeur. Coralie et Florina, issues d'actrices, se sont reconverties en ballerines et danseuses à l'Opéra de Paris. Leonid Desyatnikov terminait la partition alors que les répétitions battaient déjà leur plein. Au Bolchoï, on plaisante même maintenant que Ratmansky dansait pendant que Desyatnikov composait.
«C'est un phénomène rare à notre époque, où presque jamais de musique n'est créée spécifiquement pour le ballet. Les chorégraphes utilisent généralement de la musique écrite dans un autre but. Mais au XIXe siècle, c'était une pratique courante. Et, disons, avec la collaboration de Petipa. avec Tchaïkovski, c'était assez des conditions difficiles et le cadre que Petipa a fixé pour Tchaïkovski », dit le compositeur lui-même.
Ratmansky n’a pas fixé de limites strictes. Il a également donné la liberté à l'artiste. Jérôme Kaplan a décidé de jouer avec le nom.
"Il y a des nuages partout, symbole d'illusions perdues. La scène elle-même ressemble à une vieille carte postale, une photographie jaunie et les costumes, au contraire, sont lumineux et chaque personnage a sa propre couleur", explique le chef décorateur Jérôme Kaplan. .
L'ambitieux Lucien - en bleu. Fragile Coralie - en rose tendre. Florina passionnée - en rouge vif.
Pour Desyatnikov et Ratmansky, « Illusions perdues » est le troisième collaboration. Ils en prévoient déjà un nouveau. Aucun secret n'est révélé. On dit que pour l’instant c’est un rêve, une illusion. Que l’on ne veut pas perdre, mais incarner.
Saison russe au Grand Opéra de Paris. Le Théâtre Bolchoï n'a présenté qu'une seule représentation dans la capitale française : « Illusions perdues ». Décors historiques à grande échelle, parties de danse complexes, solistes de premier plan et stars invitées - des spectateurs sophistiqués regardent le spectacle de trois heures d'un seul coup.L'Opéra de Paris commence Nouvelle année une grande première dans le vrai sens du terme. L'un des plus grands théâtres du monde, le Bolchoï, a présenté un ballet insolite à l'Opéra Garnier. Une histoire que les gens ici semblent connaître par cœur. "Illusions perdues", d'après Balzac, raconte ce qui s'est passé dans les coulisses de cette scène légendaire dans les années 30 de l'année dernière, le 19e siècle.« Nous sommes heureux d'accueillir le Théâtre Bolchoï avec une nouvelle production. Pour de nombreux Français, cela a été une surprise. Nous poursuivons la tradition des échanges entre nos théâtres », déclare. directeur artistique troupe de ballet Opéra de Paris Brigitte Lefebvre."Le public parisien adore, voire regrette, les artistes du Théâtre Bolchoï. Et notre précédente visite a été une tournée incroyable, ce fut un véritable triomphe, une salle pleine et un succès", déclare Sergueï Filine, directeur artistique du Théâtre Bolchoï. Ballet.Tout ce qui est nouveau, comme nous le savons, est bien oublié. C’est ce qu’a pensé le chorégraphe Alexeï Ratmanski. « Illusions perdues » a déjà été joué au Théâtre Kirov de Leningrad en 1936. Mais la performance, malgré la participation de la légendaire Galina Ulanova, s'est avérée faible et n'a pas duré longtemps. "Lost Illusions" dans la nouvelle production est un ballet complètement différent de la musique moderne du compositeur Leonid Desyatnikov."Le nom Desyatnikov n'est pas accidentel. C'est l'un des les plus beaux compositeurs moderne. Sa musique est non seulement fraîche et rythmée, ce qui est important pour le ballet, mais aussi très moderne », note le chorégraphe Alexei Ratmansky.Le monde qui nous entoure est encore plein d’illusions, prêtes à se dissoudre en une seconde, comme des nuages flottant au-dessus de la scène. Le compositeur Lucien veut créer. Pour la prima du théâtre parisien Coralie, il écrit le beau ballet La Sylphide. Le succès, la gloire et l'amour d'une jeune ballerine lui viennent du jour au lendemain.
OpenSpace.ru, 27 avril 2011 Dmitri Renanski, Anna Gordeeva"Illusions perdues" au Bolchoï
Dmitry Renansky explique comment a été réalisé Les Illusions perdues de Leonid Desyatnikov, et Anna Gordeeva explique comment Alexei Ratmansky a reflété sa relation avec le théâtre dans ce ballet dramatique. 
A la recherche du temps perdu
L'œuvre précédente de Leonid Desyatnikov dans le domaine du théâtre musical, également initiée par le Bolchoï, était Les Enfants de Rosenthal (2005). Malgré les différences extérieures visibles (où, semble-t-il, un opéra selon Sorokin, et où un ballet selon Balzac), « Les Enfants de Rosenthal » et « Illusions perdues » (LL) forment une duologie : l'intrigue des deux partitions est un travail pas tellement avec langage musical et la technique de composition, ainsi qu'avec les paradigmes culturels.
La clé de la nouvelle partition de Leonid Desyatnikov doit être recherchée dans les circonstances de sa commande : Alexei Ratmansky, comme on le sait, a invité le compositeur à écrire la musique du livret terminé créé par Vladimir Dmitriev pour le ballet dramatique de Boris Asafiev et Rostislav Zakharov. Si UI-1936 avait été écrit comme un remake théâtral roman du même nom Honoré de Balzac, les auteurs de l'UI-2011 ne partaient alors pas tant d'un texte précis ou histoire, combien de leurs réflexions (et distorsions) dans des prismes historiques et culturels.
Dans l'UI-1936, l'art imite la vie, dans l'UI-2011, il n'imite que l'art : si Dmitriev - Asafiev - Zakharov a raconté l'intrigue de Balzac en langage musical et théâtral, alors Desyatnikov travaille plutôt selon la recette de Sebastian Knight de Nabokov (et de son gourou Igor Stravinsky) : « Je veux vous montrer non pas une image d'un paysage, mais une image de diverses façons des images d'un certain paysage, et je crois que leur fusion harmonieuse révélera dans le paysage ce que je voulais vous y montrer».
L’intrigue des « Enfants de Rosenthal » était l’impossibilité de l’existence de l’opéra dans le monde d’aujourd’hui et finalement sa mort. Considérant que dans la hiérarchie des genres musicaux (et même dans la hiérarchie culture européenne) l’opéra occupe la position la plus élevée, il devient clair que dans « Les Enfants de Rosenthal », Desyatnikov a parlé de l’élément fondamental artiste contemporain impossibilité création— sur la perte des dernières illusions sur la fameuse possibilité d'énonciation. Dans UI, il ne parle pas tant qu'il raconte, il ne crée pas tant qu'il reconstruit.
Rôle confession interpréter des poèmes français de Fiodor Tioutchev mis en musique : interprétés par la mezzo-soprano transcendantale Svetlana Shilova, ils sonnent dans l'original et dans la traduction russe de Mikhaïl Kudinov dans le prologue et l'épilogue - comme les guillemets de l'auteur entourant la musique du ballet . " Et je demande du temps : oh, ne cours pas, attends" - cette devise UI résume les principaux idée corrigée de toutes les œuvres de Desyatnikov depuis « The Gift » et « Lead Echo » : une observation fascinée du passage du temps (dans dans ce cas- le temps culturel), le désir et l'impossibilité de l'arrêter.
Tioutchevskaïa " l'abîme entre nous - / Entre toi et moi" - c'est l'abîme entre la situation culturelle aujourd'hui et le passé de l'art, sur lequel Desyatnikov a toujours plané et qu'il a tenté de surmonter tout au long de sa carrière. Par conséquent, le principal moyen d'expression et le principal Matériau de construction L’UI devient cantilène : c’est elle » nœud, ruban adhésif, piège, crochet, clé, chaîne», capable non seulement de relier une note à une autre, mais aussi de construire des ponts dans le temps musical et historique, par lesquels Desyatnikov tente encore d'arrêter tempo rubato et des notes de grâces, des retenues, des chants et des répétitions sans fin.
Dans le grand adagio du premier acte de UI, il y a une valse, entièrement construite sur une répétition obstinée du même court motif (bonjour les « Valses oubliées » de Liszt). Cette tentative, accrochée à un fragment de pensée musicale, de se souvenir de quelque chose de presque perdu est un modèle miniature de l'ensemble de l'œuvre : Desyatnikov a écrit un ballet-mémoire de romantisme musical, qui vient du moderne contexte culturel semble être cette même illusion perdue. Ainsi, dans l'UI, il n'y a le plus souvent pas de conflit entre l'original et l'emprunté qui organise la dramaturgie des œuvres de Desyatnikov : ce qui est composé est assimilé à ce qui a été recomposé, « le sien » absorbe ce qui est « étranger » (on voudrais continuer : après tout, dans les mémoires, la fiction est le plus souvent indissociable de fatti réel, et subjectif - de la réalité).
Pour cette raison, il y a si peu de citations et d’allusions attribuées avec précision dans l’interface utilisateur. Il y en a en effet quelques-uns pour les deux heures de musique pure : des variations sur le thème de l'introduction de la sixième scène de « La Dame de Pique » (Lisa au Canal d'Hiver) et une réplique incrustée de cloches. de la coda du deuxième mouvement du Concerto en sol majeur de Maurice Ravel. Il y a aussi, bien sûr, la figure tourbillonnante de la « Valse du flocon de neige » de « Casse-Noisette », les vagues du finale de la Dix-septième Sonate de Beethoven, un accompagnement arpégé de « Le Cygne » de Saint-Saëns et les accords parallèles d'Erik Satie - mais Desyatnikov les utilise comme figures communes discours musical, sans juger nécessaire de retoucher la paternité originale et de se référer à la source originale.
Pour l’apparence de l’interface utilisateur, le vecteur romantique global de l’essai est bien plus important. La partition de ce ballet pourrait bien devenir un concerto pour piano, l'un des principaux genres musicaux du XIXe siècle : la partie soliste virtuose, dans laquelle peut-être le meilleur des jeunes pianistes russes Lukas Geniušas se sent comme un poisson dans l'eau, incarne un sentiment généralisé. idiome romantique, dans lequel sont synthétisés ceux de Chopin, de Liszt et de Schumann. Une identification précise est volontairement difficile : ayant limité le champ de jeu de style de l'interface utilisateur, Desyatnikov évite en même temps la pureté du style et préfère ne pas répondre directement aux questions qui se posent au public - après tout, en s'appuyant sur la mémoire (même le mémoire auditive de l'humanité), on ne peut être sûr de rien.
Par conséquent, le leitmotiv clé de l’interface utilisateur est un prélude de piano interrogateur suspendu dans les airs ; Par conséquent, Alexei Ratmansky a fait du saut un élément clé du vocabulaire chorégraphique du spectacle - comme une tentative de surmonter la gravité, une tentative de planer entre les deux. C'est peut-être pour cette raison que Desyatnikov choisit la tradition musicale française, avec sa liberté harmonique, rythmique et intonative, comme dominante dans l'Institut ; avec son instabilité fondamentale, sa variabilité et son désir constant de dépasser le cadre orthodoxe de la pensée musicale austro-allemande.
Zum Raum sera ici dans le Zeit— on ne peut rien dire de mieux sur l’UI que la phrase de Wagner du point culminant du premier acte de Parsifal (« L’espace est devenu le temps »). Le sujet de cette partition est la rencontre de trois époques et de trois modèles culturels. Depuis le postmoderne d'aujourd'hui, Desyatnikov regarde le romantisme du XIXe siècle et l'époque décrite par Balzac à travers le néo-romantisme nostalgique du XXe siècle, qui venait de désillusionner les idéaux de la jeunesse moderniste (c'est pourquoi l'un des principaux Les sources de l'UI, soulignées avec sensibilité par le directeur musical de la production Alexander Vedernikov, sont le romantisme du défunt Prokofiev). La partition de Desyatnikov est imprégnée de deux siècles d’expérience européenne de perte des illusions culturelles – et c’est pourquoi elle est si insupportablement amère.
Pas de fin
"Lost Illusions est important pour chacun de nous", a déclaré Alexei Ratmansky lors d'une conférence de presse précédant la première. "Pour la génération, pour le pays, pour l'art du ballet dans son ensemble." Et quelques minutes plus tard, répondant à la question de savoir si le spectacle qu'il mettait en scène avait beaucoup de points communs avec le roman d'Honoré de Balzac, il notait : « Le social, si fort chez Balzac, n'est pas le domaine du ballet. Le domaine du ballet est le mouvement de l’âme. Le soir de la première, on découvrit que la deuxième phrase avait bien plus à voir avec le produit final - le ballet Illusions perdues, mis en scène par le chorégraphe au Théâtre Bolchoï - que la première. Il n’y a rien là sur la génération et le pays ; sur les mouvements de l'âme du chorégraphe Ratmansky, qui a travaillé pendant cinq ans comme directeur artistique au Théâtre Bolchoï - trois actes. Trois heures avec deux entractes.
Dans le roman de Balzac, un jeune poète tente de conquérir Paris en s'adonnant, entre autres, au journalisme théâtral - et ce métier méprisable le conduit à l'effondrement moral et matériel. Vladimir Dmitriev, en 1936, en écrivant un livret pour le compositeur Boris Asafiev et le chorégraphe Rostislav Zakharov, a changé le métier de héros : de journaliste, créature sans valeur, selon les gens du théâtre, il est devenu un créateur - un compositeur. Lucien - le nom est resté du roman - a apporté la partition du ballet nouvellement écrit La Sylphide à l'Opéra de Paris, où le metteur en scène l'a d'abord accueilli avec mépris, mais a ensuite accepté le ballet pour la production, sous l'influence de la prima Coralie, qui j'ai aimé la musique. Vient ensuite une liaison avec Coralie ; la colère de son riche mécène, abandonné par la ballerine au profit du jeune créateur ; l’intrigue de la rivale de Coralie au théâtre, Florina, qui souhaitait elle aussi se procurer un tout nouveau ballet, pour elle personnellement. Et enfin, la chute du compositeur : il quitte la très douée Coralie pour la technique mais vide Florina et écrit pour elle une musique pleine d’entrain, pas très spirituelle. Tourment créatif, repentance - mais Jours heureux vous ne le rendrez pas ; Lucien arrive trop tard à l'appartement de Coralie : la jeune fille déçue est revenue auprès de son papa qui s'est occupé d'elle.
L'histoire se déroule au théâtre, à proximité du théâtre et avec les gens du théâtre connecté. Et Ratmansky, ayant décidé de raconter à nouveau cette histoire (sur une musique complètement nouvelle écrite par Leonid Desyatnikov), a repris exactement ce vieux livret. Il avait quelque chose à dire sur le théâtre.
Les "Illusions perdues" de Ratmansky - peu importe ce qu'il dit du pays (dans lequel, bien sûr, il n'y a plus d'illusions) - est l'histoire de sa relation personnelle avec le théâtre. Et cela semble malheureusement s'appliquer au théâtre en général, et pas seulement à celui qui est en rénovation depuis dix ans au centre de la capitale russe. De ce point de vue, plusieurs sont importants scènes clés performance.
Première arrivée de Lucien (dans le premier casting - le potelé Ivan Vassiliev, dans le second - le plus romantique Vladislav Lantratov) à l'Opéra. L'artiste Jérôme Kaplan, qui a choisi pour tout - costumes, décors - couleurs légèrement fanées, légèrement gravées, effet vieille photographie, se souvient clairement Degas, ses ballerines dans la classe. Les ballerines s'entraînent au centre de la scène, à distance le premier ministre s'échauffe à la barre, et tout semble en ordre, mais dès que la musique s'arrête (et que la classe travaille au violon, comme c'était l'habitude au 19ème siècle, et non au piano, comme à notre époque), un troupeau de déesses blanches comme neige se transforme en poules bourdonnantes, s'approchant du chorégraphe-tuteur qui donnait la leçon, avec des affirmations bruyantes - elles parlent et crient sur scène. Et le Premier ministre (Artem Ovcharenko, le lendemain soir - Alexander Volchkov), qui venait de faire des pas gracieux, se dispute avec l'auteur à cause d'un texte trop complexe dans lequel il semble peu rentable, et puis je me souviens immédiatement de toutes les discussions qui J'ai eu des rencontres avec les premiers ministres au Bolchoï Ratmansky. (Le résultat de ces disputes fut que, tant à l’époque du règne du chorégraphe au Bolchoï qu’aujourd’hui, aucun des dirigeants de la « vieille garde » n’est impliqué dans le spectacle.)
La première représentation d'un ballet composé par Lucien. La scène n'est pas montrée, elle se situe quelque part derrière les vraies coulisses droites, la lumière y brille et de faux bouquets volent de là. Mais un arbre en carton est montré, derrière lequel se cache l'auteur, observant le déroulement de la représentation. De là, hors de la lumière, des troupeaux de danseurs s'enfuient, de là s'envole Coralie, cette fille surnaturelle dont il tombe immédiatement amoureux (Natalya Osipova, dans le deuxième casting est Svetlana Lunkina). Le héros a le vertige, et lorsque la première en kilt s'envole sur scène (ils dansent La Sylphide, on s'en souvient), Lucien éprouve ce sursaut d'émotion qui n'arrive que lors d'une première réussie.
Les danses de la première et de Lucien sont mises en scène de manière synchrone - dans les mêmes mouvements, ils se déplacent l'un en face de l'autre et l'un à côté de l'autre : Lucien se voit très clairement, son incarnation, dans le danseur. (Il est peu probable que cela se produise directement avec les compositeurs, mais il faut interroger Desyatnikov à ce sujet, mais se traduire en interprète est une chose naturelle pour un chorégraphe.) Et à ce moment de bonheur, de triomphe, Lucien ne se souvient plus comment, c'est un euphémisme, il s'est comporté de manière désagréable en tant que Premier ministre lors des répétitions. Et c'est la vérité de la vie : au moment de la représentation, les nuances de la relation entre le directeur artistique-patron et l'artiste-subordonné disparaissent. Il suffit que la performance soit réussie.
Le théâtre est encore plein de charme pour Lucien, il est prêt à tout regarder (c'est-à-dire que le spectateur est invité à regarder) avec émotion : même deux ouvriers qui traînent sur scène au mauvais moment des bêtises en bois. Mais le charme disparaîtra très vite.
Au deuxième acte du carnaval, l'insidieuse Florine séduit Lucien pour le forcer à lui écrire un ballet : la « romance » est bien sûr ici importante, mais au fond, il s'agit ici d'une autre tentation. Le livret de 1936 suggérait que Coralie et Florine avaient de vrais prototypes: Maria Taglioni et Fanny Elsler, deux merveilleuses ballerines, dont la première est devenue célèbre comme prima lyrique, la seconde comme prima de bravoure. La scène du carnaval est une tentation pour le compositeur avec bravoure : et même si dans les « époques décrites » le fouetté n'avait pas encore été inventé, Florina (Ekaterina Krysanova, puis Ekaterina Shipulina) joue du fouetté sur la table de jeu. Il me semble qu'il était important pour Ratmansky que ce soit après ce fouetté qu'éclatent les premiers applaudissements du public. « Ce qu'il fallait prouver » : le public réagit à un pur truc, et non à des arabesques lyriques. Autrement dit, c'est le public qui séduit le compositeur, et non Florin.
Le troisième acte est un ballet dans le ballet « Dans les montagnes de Bohême ». Au lieu de sylphes sophistiqués sur scène (maintenant cela nous est entièrement révélé, et les chaises ont été placées, et les claqueurs sont assis dessus et crient aux bons moments), il y a un divertissement de cabaret avec des voleurs moustachus. Un sketch si mignon avec des gestes exagérés, quelque chose comme une parodie de tous les ballets d'aventures à la fois (vous vous souvenez, par exemple, "Le Corsaire", que Ratmansky a réalisé avec Yuri Burlaka). Bon, des blagues et des blagues, mais ce n'est pas pour rien que Lucien, qui a « composé » cette musique, se précipite sur scène. Ce n'est même pas qu'il n'aime pas ce qu'il a proposé - cela arrive. Et c'est que le chorégraphe qui a mis en scène ce ballet, un personnage comique âgé, est nettement plus enthousiasmé par ces absurdités que par le précédent La Sylphide. La personne qui vient de mettre en scène pour vous la musique la plus importante se consacre désormais avec passion à la musique « du cheval » (folklore théâtral sur lequel marchent les chevaux du cirque). Autrement dit, il n'y a pas de critères : on ne sait pas clairement ce qui est bien et ce qui est mal et pour qui sens artistique peut faire confiance. C'est pourquoi on peut devenir fou et se précipiter sur l'avant-scène (« quai brumeux de la Seine »), en décidant de se noyer ou d'attendre.
Le ballet n'a pas de fin. Autrement dit, il l'est : Lucien est assis près de la porte ouverte par laquelle vient de sortir Coralie (sa muse ? son talent ?) ; Il s'assoit et regarde dans le vide. On ne sait pas exactement s’il y aura quelque chose à venir.
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