Cycle de piano (1874)
Orchestré par Maurice Ravel (1922)
Composition d'orchestre : 3 flûtes, flûte piccolo, 3 hautbois, cor anglais, 2 clarinettes, clarinette basse, 2 bassons, contrebasson, saxophone alto, 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba, timbales, triangle, caisse claire, fouet, hochet, cymbales, grosse caisse, tam-tam, cloches, cloche, xylophone, célesta, 2 harpes, cordes.
Histoire de la création
1873 fut une année difficile pour Moussorgski. Les amis ont cessé de se rassembler le soir à L.I. Shestakova, la sœur de Glinka, qui est tombée gravement malade. V. Stasov, qui a toujours soutenu moralement le compositeur, a longtemps quitté Saint-Pétersbourg. Le coup final fut la mort subite de l'artiste Victor Hartmann (1834-1873), dans la fleur de l'âge et de son talent. « Quelle horreur, quelle douleur ! - Moussorgski a écrit à Stasov. - Lors de la dernière visite de Victor Hartmann à Petrograd, nous avons marché avec lui après la musique dans la rue Furshtadtskaya ; près d'une ruelle, il s'arrêta, pâlit, s'appuya contre le mur d'une maison et ne put reprendre son souffle. Alors je n'ai pas donné d'une grande importance ce phénomène... Après avoir pas mal bricolé l'étouffement et les battements de coeur... J'imaginais que c'était le sort des natures nerveuses, principalement, mais je me suis cruellement trompé - il s'avère que... Cet imbécile médiocre fauche la mort sans raisonnement..."
L'année suivante, 1874, à l'initiative du retour de Stasov, une exposition posthume des œuvres de Hartmann fut organisée, qui présentait ses œuvres à l'huile, à l'aquarelle, aux croquis d'après nature, aux croquis décor de théâtre et costumes, projets architecturaux. Il y avait aussi quelques produits fabriqués par les mains de l'artiste - des pinces pour casser des noix, une horloge en forme de cabane sur des cuisses de poulet, etc.
L'exposition a fait une énorme impression sur Moussorgski. Il décide d'écrire une suite programmatique pour piano, dont le contenu serait les œuvres du défunt artiste. Le compositeur les interprète à sa manière. Ainsi, un croquis du ballet "Trilby", représentant de minuscules poussins dans des coquilles, se transforme en "Ballet des poussins non éclos", un casse-noix en forme de gnome aux jambes arquées devient la base du portrait de ce créature de conte de fées, et l'horloge de la cabane inspire le musicien à créer une pièce représentant le vol de Baba Yaga sur un balai.
Le cycle pour piano fut créé très rapidement - en trois semaines de juin 1874. Le compositeur a rapporté à Stasov : « Hartmann bouillonne, tout comme Boris bouillonnait - des sons et des pensées pendent dans l'air, j'avale et je mange trop, j'ai à peine le temps de gratter sur du papier... Je veux le faire plus rapidement et de manière plus fiable. . Mon visage est visible dans les intermèdes... Quel bon travail. Par « physionomie », visible dans les intermèdes, le compositeur entendait les liens entre les nombres – images de Hartmann. Dans ces séquences, appelées « Marche », Moussorgski se représente en train de se déplacer dans l’exposition, passant d’une exposition à l’autre. Le compositeur a terminé l'œuvre le 22 juin et l'a dédiée à V.V. Stasov.
Au même moment, au cours de l'été 1874, le compositeur préparait pour publication des «Images» sous-titrées «Mémoires de Victor Hartmann», mais ne furent publiées qu'en 1886, après la mort du compositeur. Il faudra encore plusieurs années pour que cette œuvre profondément originale et sans précédent entre dans le répertoire des pianistes.
La luminosité des images, leur pittoresque et la coloration du piano ont poussé à une incarnation orchestrale des « Images ». Une page de l'orchestration d'une des parties du cycle « Le Vieux Château » a été conservée dans les archives Rimski-Korsakov. Plus tard, M. Touchmalov, élève de Rimski-Korsakov, réalisa une orchestration, mais celle-ci resta inexécutée. En 1922, Maurice Ravel, fervent admirateur de l'œuvre de Moussorgski, se tourne également vers cette œuvre. Sa brillante version orchestrale de « Pictures at an Exhibition » a rapidement conquis la scène du concert et est devenue aussi populaire que la version originale pour piano de l’œuvre. La partition a été publiée pour la première fois par la Maison d'édition musicale russe à Paris en 1927.
Musique
Le premier morceau - "Walk" - est basé sur une large mélodie en caractère folklorique russe, avec la métrique variable caractéristique des chansons folkloriques, interprétée d'abord par une trompette solo, puis soutenue par un chœur. cuivres. Peu à peu, d'autres instruments se joignent à eux, et après le son du tutti, le deuxième morceau commence sans interruption.
C'est "Gnome". Il se caractérise par des intonations bizarres et brisées, des sauts brusques, des pauses soudaines, des harmonies tendues, une orchestration transparente utilisant le célesta et la harpe. Tout cela peint avec vivacité une image fantastique et mystérieuse.
"Walk", considérablement raccourci par rapport à l'original, amène l'auditeur à l'image suivante - "Le Vieux Château". Le basson, soutenu avec parcimonie par le son solitaire du deuxième basson et le pizzicato des contrebasses, chante une sérénade mélancolique. La mélodie passe au saxophone avec son timbre expressif caractéristique, puis est chantée par d'autres instruments avec un accompagnement qui imite le son d'un luth.
Une courte « Promenade » mène au « Jardin des Tuileries » (son sous-titre est « Querelle d’enfants après le jeu »). C'est un scherzo vif et joyeux, imprégné de brouhaha joyeux, de courses et de roucoulements bon enfant des nounous. Cela passe vite, laissant place à un contraste éclatant.
L'image suivante s'appelle "Bovins". Hartmann a représenté sous ce nom une lourde charrette tirée par des bœufs sur d'énormes roues. Le mouvement mesuré avec des accords lourds domine ici ; sur son fond, un tuba commence à chanter une chanson longue et mélancolique, dans laquelle on sent cependant un sentiment sombre pouvoir caché. Petit à petit, la sonorité s'amplifie, grandit, puis s'efface, comme si une charrette disparaissait au loin.
La prochaine « Promenade » sous une forme modifiée - avec le thème dans un registre de flûte aigu - prépare le « Ballet des poussins non éclos » - un scherzino charmant et gracieux avec des harmonies fantaisistes, une orchestration transparente et de nombreuses notes d'agrément imitant le gazouillis de des oiseaux.
Juste après ce numéro se trouve une scène quotidienne très contrastée, « Samuel Goldenberg et Shmuile », généralement appelée « Deux Juifs – riches et pauvres ». Stasov a écrit à son sujet : « Deux juifs dessinés sur le vif par Hartmann en 1868 lors de ses voyages : le premier est un juif riche et gros, suffisant et joyeux, l'autre est pauvre, maigre et se plaint, pleurant presque. Moussorgski admirait beaucoup l'expressivité de ces tableaux, et Hartmann les donna immédiatement à son ami... » La scène est basée sur une comparaison d'intonations énergiques impérieuses dans les unissons de bois et de bois. groupes de chaînes et une trompette solo avec une sourdine - avec un mouvement général en petits triolets, avec des mordants et des appoggiatures, une vigne frisée, comme si elle s'étouffait avec un virelangue plaintif. Ces thèmes, initialement tenus séparément, résonnent ensuite simultanément, en contrepoint dans des tonalités différentes, créant un duo aux couleurs uniques.
« Limoges. Marché. ( Grande nouvelle)" - le nom du prochain numéro. Dans un premier temps, le compositeur lui présente un petit programme : « Grande nouvelle : M. Pusanjou vient de retrouver sa vache Runaway. Mais les commères de Limoges ne sont pas tout à fait d'accord sur ce cas, car Madame Ramboursac a acquis de belles dents de porcelaine, tandis que le nez de M. Panta-Pantaléon, qui le gêne, reste tout le temps rouge, comme une pivoine. Il s'agit d'un capriccio brillant, basé sur un mouvement continu et capricieux avec des intonations capricieuses, changeantes et taquines, des appels d'instruments, des changements fréquents de dynamique, se terminant par tutti fortissimo - les commérages ont atteint l'extase dans leur bavardage. Mais tout se termine brusquement avec le fortissimo des trombones et des tubas entonnant un seul son - si.
Sans interruption, attacca, le numéro suivant entre en contraste frappant - "Catacombes (Tombeau romain)". Il ne s'agit que de 30 mesures d'accords sombres, tantôt calmes, tantôt forts, représentant un donjon sombre sous la lumière mystérieuse d'une lanterne. Dans le tableau, selon Stasov, l'artiste se représentait, une lanterne à la main, examinant les catacombes. Ce numéro est comme une introduction au suivant, qui arrive sans interruption : « Avec les morts dans une langue morte ». Dans le manuscrit, le compositeur écrit : « Texte latin : avec les morts dans une langue morte. Ce serait bien d'avoir le texte latin : l'esprit créatif du défunt Hartmann me conduit vers les crânes, les appelle, les crânes brillent tranquillement. En si mineur lugubre, un thème de marche modifié se fait entendre, encadré par des trémolos silencieux et des accords de cor rappelant un choral.
« La cabane sur des cuisses de poulet » est encore une fois un contraste accentué. Son début représente le vol rapide de Baba Yaga sur un balai : de larges sauts, alternés de pauses, se transforment en mouvements incontrôlables. L'épisode du milieu - au son plus intime - est rempli de bruissements mystérieux et de sons méfiants. L’orchestration est originale : sur fond de sons continus et tremblants de flûtes, le thème de Baba Yaga, composé de chants courts et formé dans la première section, est entonné par un basson et des contrebasses. Puis il apparaît sur le tuba et les cordes graves, accompagnés de cordes trémolo et pizzicato, d'accords individuels de célesta, tandis que la harpe en sonne une version modifiée. Couleurs inhabituelles donner une nuance particulière de sorcellerie et de magie. Et encore un vol rapide.
Sans interruption, attacca, commence la finale - "La porte Bogatyr (dans la capitale Kiev)." C'est l'incarnation musicale de la conception architecturale des portes de la ville de Kiev, que Hartmann a vue dans Style russe ancien, avec un arc décoré d'un casque antique et une porte d'église. Son premier thème, majestueux, semblable à un chant épique, au son puissant des cuivres et des bassons avec un contrebasson, n'est pas sans rappeler le thème de « Walking ». Il s'étend de plus en plus, remplissant tout l'espace sonore, entrecoupé de l'ancien chant znamenny de l'église « Soyez baptisés en Christ », présenté de manière plus intime, à quatre voix strictes. instruments en bois. Le numéro, comme l'ensemble du cycle, se termine par un tintement de cloches solennel et festif, véhiculé par le son plein de l'orchestre.
L. Mikheeva
En 1922, Maurice Ravel achève l'orchestration des Tableaux d'une exposition de Moussorgski, œuvre d'une originalité extraordinaire tant par la musique elle-même que par son incarnation pianistique. Certes, dans "Pictures", il y a de nombreux détails qui peuvent être imaginés dans un son orchestral, mais pour cela, il fallait trouver sur votre palette des couleurs qui se confondent organiquement avec l'original. Ravel a réalisé cette synthèse et créé une partition qui reste un exemple d'habileté et de sensibilité stylistique.
L'orchestration des Tableaux d'une exposition est réalisée non seulement avec une ingéniosité exceptionnelle, mais aussi avec une fidélité au caractère de l'original. De petites modifications y ont été apportées, mais presque toutes sont liées au son spécifique des instruments. Pour l’essentiel, cela se résumait à un changement de nuances, une variation dans les répétitions, une coupure d’un « Walk » répétée deux fois, et l’ajout d’une mesure dans l’accompagnement de la mélodie. Château ancien" ; une durée plus longue que dans l'original de la section d'orgue du « Bogatyr Gate » et l'introduction d'un nouveau rythme dans les parties de cuivres épuisent la liste des modifications apportées à la partition. Tout cela ne viole pas le caractère général de la musique de Moussorgski ; des changements de détails sont survenus au cours du travail sur la partition, et ils ont été minimes.
L'orchestration des Tableaux d'une exposition, comme toujours chez Ravel, repose sur un calcul précis et la connaissance de chaque instrument et des combinaisons de timbres possibles. L'expérience et l'ingéniosité ont suggéré au compositeur de nombreux détails caractéristiques de la partition. Rappelons le glissando des cordes (« Le Nain »), le magnifique solo de saxophone alto (« Le Vieux Château »), la coloration fantastique du « Ballet des poussins non éclos », le son grandiose du finale. Malgré tout leur caractère inattendu, les découvertes orchestrales de Ravel transmettent l'essence intérieure de la musique de Moussorgski et s'intègrent de manière très organique dans la structure de ses images. Cependant, comme nous l'avons déjà noté, la texture pianistique des « Tableaux » présente des caractéristiques orchestrales ; cela crée des conditions favorables au travail d'un artiste réfléchi et inspiré, comme Ravel.
Ravel s'est tourné vers l'orchestration des Tableaux d'une exposition, ayant déjà travaillé sur la partition de Khovanshchina. De plus, il était l'auteur d'éditions orchestrales de ses propres œuvres pour piano, et ces partitions étaient perçues comme des originales et non comme des transcriptions. De telles affirmations sont impossibles à propos des Tableaux d’une exposition, mais la haute dignité de l’orchestration de l’œuvre brillante de Moussorgski est indéniable. Cela confirme son succès continu auprès du public depuis sa première représentation, qui eut lieu à Paris le 3 mai 1923, sous la direction de S. Koussevitzky (Cette date est donnée par N. Slonimsky dans son livre « La musique depuis 1900 ». A . Prunier en indique un autre - 8 mai 1922.).
L'orchestration des « Tableaux d'une exposition » par Ravel a également suscité quelques commentaires critiques : on lui a reproché de ne pas être suffisamment conforme à l'esprit de l'original, de ne pas s'accorder avec les changements intervenus dans plusieurs mesures, etc. Ces reproches s'entendent parfois dans notre temps. Cependant, l'orchestration reste toujours la meilleure parmi d'autres ; elle est entrée à juste titre dans le répertoire des concerts : elle a été et continue d'être jouée par les meilleurs orchestres et chefs d'orchestre de tous les pays.
Il est impossible d'imaginer sans la célèbre série « Tableaux d'une exposition ». Des solutions musicales audacieuses et véritablement innovantes ont été mises en œuvre par le compositeur en cet essai. Brillant images satiriques, la théâtralité – voilà ce qui caractérise ce cycle.
Histoire de la création "Tableaux lors d'une exposition" Moussorgski, contenu des œuvres et bien d'autres faits intéressants lire sur notre page.
Histoire de la création
Modeste Moussorgski était par nature une personne sympathique, c'est pourquoi les gens étaient attirés par lui et essayaient d'établir des relations amicales avec lui. L'un des meilleurs amis du compositeur était un artiste et architecte talentueux Victor Hartman . Ils passaient beaucoup de temps à discuter et se rencontraient souvent pour discuter d'art. La mort d'une personne aussi fermée a horrifié le musicien. Après un événement tragique Moussorgski rappelé que lorsque dernière réunion Je n’ai pas prêté attention au terrible état de santé de l’architecte. Il pensait que de telles crises respiratoires étaient la conséquence d'une activité nerveuse, ce qui est si caractéristique des créatifs.
Un an après le décès Hartmann , à la demande de Stasov, une immense exposition a été organisée, qui comprenait les œuvres d'un maître talentueux, des aquarelles aux huiles. Bien entendu, Modest Petrovich ne pouvait pas manquer cet événement. L'exposition a été un succès. Ouvrages d'art a fait une forte impression sur le compositeur, il a donc immédiatement commencé à composer un cycle d'œuvres. Au printemps 1874, l'écrivain se limite à l'improvisation, mais l'été dernier, toutes les miniatures sont prêtes en trois semaines seulement.
Faits intéressants
- Le cycle n'a jamais été publié du vivant de l'auteur. La première publication a eu lieu cinq ans seulement après sa mort.
- Il y a 19 orchestrations de cette suite.
- Modeste Moussorgski a écrit ce cycle d'œuvres pour piano ; le célèbre compositeur a réussi à créer l'orchestration la plus réussie ; Maurice Ravel . La sélection des timbres correspond entièrement aux images. La première de la version orchestrée eut lieu à l'automne 1922 à Paris. Après la première représentation, les « Tableaux d'une exposition » oubliés ont retrouvé leur popularité. De nombreux chefs d’orchestre de renommée mondiale souhaitaient interpréter ce cycle.
- Le gnome de Hartmann est un casse-noix aux pattes tordues.
- Environ quatre cents pièces différentes ont été présentées à l'exposition. Moussorgski n'a choisi que quelques-uns des tableaux les plus frappants, à son avis.
- Malheureusement, les échantillons de dessins à partir desquels les miniatures ont été peintes ont été perdus.
- Malgré le fait que l'inspiration était le travail Hartmann , le cycle était dédié à Stasov, qui a apporté une aide et une assistance considérables dans la mise en œuvre des plans de Moussorgski.
- Les éditeurs du premier recueil publié sous forme imprimée appartiennent au génie Rimski-Korsakov . Parallèlement, en tant que professeur au conservatoire, le compositeur s’efforce de corriger toutes sortes d’« erreurs » de l’auteur. Ainsi, les œuvres ont beaucoup perdu, elles ont perdu leur innovation. Néanmoins, le tirage s'est vendu assez rapidement. La deuxième édition était sous la direction de Stasov, qui n'a rien changé aux manuscrits. La popularité de cette édition n'a pas été à la hauteur des espoirs des critiques ; les pianistes l'ont jugée trop difficile à exécuter.
« Tableaux d'une exposition » est une suite unique tissée à partir de miniatures de piano. L'auteur aide l'auditeur à se sentir comme un visiteur de l'exposition de Hartmann. Les images changent les unes après les autres, unissant tout le cycle" Marcher " Malgré le fait que la suite ait un programme, la musique peint des images et des intrigues assez libres, reliées entre elles par le matériel musical du premier numéro. Cela change en fonction de l’attitude de l’auteur face à ce qu’il voit. De cette manière, la forme de l’œuvre peut être retracée de bout en bout et elle se développe continuellement. L'alternance des nombres s'effectue selon le principe du contraste.
Marcher . Le premier numéro semble dessiner des étapes. La mélodie rappelle le russe chanson populaire, non seulement par mètre variable, mais aussi par sa propre largeur et profondeur. Le héros entra dans la salle d'exposition. Petit à petit, il se rapproche, la sonorité augmente, menant au point culminant. Dans les lettres adressées à Stasov, vous pouvez lire que l'auteur se représente en train d'examiner diverses expositions. Lumière, propreté et espace sont les sensations que procure la musique. Comme mentionné précédemment, le thème de la promenade imprégnera la suite du début à la fin, en constante évolution. La seule chose qui restera inchangée est le style folklorique et la majesté.
"Marcher" (écouter)
Nain. Numéro drôle et en même temps touchant. Une créature fantastique, légèrement absurde, caractérisée par des sauts et des angles constants dans la mélodie, et qui sait également ressentir le monde. Les intonations plaintives montrent que le gnome est triste. Ce portrait psychologique révèle la polyvalence de l'image. Le développement de l'image est rapide. Après avoir atteint le point culminant, le compositeur renvoie à nouveau le thème « Walk », considérablement raccourci par rapport à la première version, il relie les deux numéros.
ancienne serrure . Le héros lyrique s'approche de l'œuvre d'art suivante, une aquarelle écrite en Italie. Ce qu'il voit : un vieux château médiéval, devant lequel chante un troubadour amoureux. Une triste mélodie coule des lèvres jeune musicien. La réflexion, l'excitation et la tristesse imprègnent numéro musical. La basse qui se répète constamment permet de reproduire la musique du Moyen Âge, le thème varie, rappelant le chant live. La partie médiane est remplie de lumière, qui cède à nouveau la place à des nuances sombres. Tout se calme peu à peu, seule la dernière phrase en fortissimo détruit le silence. Une courte promenade jusqu'à l'image suivante vous permet de moduler dans la tonalité du numéro suivant en si majeur.
« Vieux Château » (écouter)
Jardin des Tuileries. Un jardin luxueux près du palais des Tuileries à Paris est rempli de lumière et de joie. Les petits enfants s'ébattent et profitent de la vie en compagnie des nounous. Le rythme est tout à fait cohérent avec les teasers et les comptines pour enfants. L'œuvre est polyphonique, deux thèmes sont réalisés simultanément, l'un est l'image des enfants, et l'autre des nounous.
Bétail. La pièce commence par un fortissimo aigu, c'est un fort contraste. Un lourd chariot bouge. La mesure à deux temps souligne la simplicité et la rugosité de la mélodie. On entend le grincement des roues des lourdes charrettes, le mugissement des bœufs et le chant triste d'un paysan. Peu à peu, la musique s'estompe, la charrette est partie loin, très loin. Le thème du premier numéro entre en jeu, mais il sonne dans une tonalité mineure. Il transmet l'ambiance héros lyrique, il est perdu dans ses propres pensées.
Ballet des poussins non éclos. Le héros n'a pas immédiatement prêté attention à la prochaine exposition. Croquis vifs pour le ballet "Trilby". Un scherzo léger et serein écrit sous forme de da capo en trois mouvements. C'est la danse des petits canaris. La comédie et la naïveté imprègnent littéralement le numéro.
«Ballet des poussins non éclos» (écouter)
Samuel Goldberg et Shmuile ou Deux Juifs - riches et pauvres. Modeste Petrovitch Moussorgski a particulièrement admiré deux tableaux de l'exposition. L'expressivité figurative était évidente dans ce numéro musical. Une saveur particulière est créée en utilisant la palette de couleurs gitane. Le deuxième thème est rempli d'intonations plaintives. À l’avenir, les thèmes seront connectés et sonneront ensemble. Dans l’histoire, un juif pauvre demande de l’aide à un homme riche, mais celui-ci n’est pas d’accord. Le dernier mot s'avère être derrière l'homme riche. Ce nombre est caractérisé par la polytonalité.
« Deux Juifs – riches et pauvres » (écoutez)
La première partie du cycle se termine une marche, qui répète presque complètement matériel musical premier numéro.
Limoges. Dans une petite ville de France, les commères les plus notoires se sont rassemblées au marché. Le bourdonnement des conversations ne s’arrête pas une seconde. Il y règne un esprit d’agitation et de plaisir partout. L'un des numéros les plus joyeux et joyeux de la suite. Mais le regard du héros lyrique se pose sur une autre image, la musique s’arrête et un autre numéro commence.
Catacombes. Tout semble figé, le désespoir et la douleur dominent cette œuvre. La tonalité de si mineur a toujours été un symbole de destin tragique. L'intonation de la plainte traduit l'horreur de ce qu'il a vu. L'instabilité tonale détermine le caractère dramatique du numéro de suite. Le compositeur semble vouloir transmettre le sentiment irréparable de perte apparu après la mort du talentueux artiste Hartmann. La suite de ce numéro « Avec les morts dans une langue morte » sonne. Le thème est basé sur une promenade qui semble lente et tragique. Le sentiment de chagrin est véhiculé par des harmonies dissonantes. Le trémolo dans les registres aigus crée une atmosphère de tension. Peu à peu, il y a une modulation vers le majeur, ce qui signifie que la personne a accepté le sort qui lui était préparé.
Cabane sur Cuisses de Poulet ou Baba Yaga. Le numéro « La cabane sur les cuisses de poulet » peut être considéré comme une transition assez douce vers la finale festive. Le fabuleux et la mythologie se manifestent clairement dans la pièce. La tonalité de do majeur est enrichie de pas modifiés, ce qui ajoute de la morosité. L'atmosphère inquiétante est véhiculée à l'aide d'accords brisés, tout à l'image de la sorcière est anguleux et fantastique. La musique est écrite dans le genre de la chanson folklorique russe, qui définit le folklore et la proximité avec culture nationale. Le numéro dynamique se termine par le décollage. Les accords du finale apparaissent avec netteté.
« La Cabane sur Cuisses de Poulet » (écouter)
Porte Bogatyrski. Le premier thème joué rappelle à bien des égards la mélodie de «Walk», maintenant il sonne encore plus fier et majestueux. La musique remplit l’espace, gagnant en force et en puissance. Comme un héros se lève pour défendre la patrie. Le thème alterne avec un chant d'église strict, qui sonne chambre, émouvant et touchant. De tels contrastes permettent l’expression d’un riche spectre émotionnel. Le numéro se termine par une sonnerie festive.
Beaucoup réalisateurs célèbres utilisent activement des numéros individuels de la série « Tableaux d’une exposition » de Moussorgski. Chaque numéro musical a une image clairement exprimée. La précision de l'imagerie musicale permet de restituer avec précision l'atmosphère des films répertoriés :
- Les Simpson (2016) ;
- « Arbre de vie » (2011) ;
- « Fétiche » (2008) ;
- « Brûler après lecture » (2008) ;
- « La curiosité de George » (2008) ;
- « Je suis très défoncé » (2007) ;
- « Looney Tunes : retour aux affaires » (2003) ;
- « Hystérie » (2000) ;
- « Chaque dimanche » (1999) ;
- "Le spectacle Ren et Stimpy" (1994);
- "Wittgenstein" (1992);
- « La Petite Sirène » (1992) ;
- "Café atomique" (1982);
- "Hôpital psychiatrique" (1972).
« Photos de l'exposition" est une œuvre qui permet d'immortaliser un instant. Moussorgski réussi à révéler une variété de images artistiques et des intrigues avec une variété de couleurs musicales.
Vidéo : écoutez « Tableaux d’une exposition » de Moussorgski
La Suite de tableaux d'une exposition a été écrite par Modeste Moussorgski en 1874 en hommage à son amitié avec l'artiste et architecte Victor Hartmann (décédé avant l'âge de quarante ans). C’est l’exposition posthume des peintures de son ami qui donna à Moussorgski l’idée de créer cette composition.
Ce cycle peut être appelé une suite - une séquence de dix pièces indépendantes, réunies plan général. Comme chaque pièce - image musicale, reflétant l’impression de Moussorgski, inspiré par l’un ou l’autre dessin de Hartmann.
Il y a des images lumineuses du quotidien, des croquis pertinents de personnages humains, des paysages et des images de contes de fées et d'épopées russes. Les miniatures individuelles contrastent les unes avec les autres dans leur contenu et moyens expressifs.
Le cycle commence par la pièce « Walk », qui personnifie la propre promenade du compositeur à travers la galerie, de tableau en tableau, donc ce sujet répété entre les descriptions de peintures.
L'œuvre se compose de dix parties dont chacune véhicule l'image d'un tableau.
Espagnol Sviatoslav Richter
Marcher 00h00
I.Gnome 01:06
Marche 03:29
II. Château médiéval 04:14
Marche 08:39
III.Jardin de la Thuile 09:01
IV. Bovins 09:58
Marche 12:07
V. Ballet des poussins non éclos 12:36
VI. Deux Juifs, riches et pauvres 13:52
Marche 15:33
VII. Limoges. Marché 16h36
VIII. Catacombes. Tombeau romain 17h55.
IX. Cabane sur cuisses de poulet 22:04
X. Porte Bogatyr. Dans la capitale Kiev 25h02
La première image est « Gnome ». Le dessin de Hartmann représentait un casse-noix sous la forme d'un gnome maladroit. Moussorgski confère au gnome des traits de caractère humains dans sa musique, tout en conservant l'apparence d'une créature fabuleuse et fantaisiste. Dans cette petite pièce, on peut entendre une profonde souffrance, et elle capture également la démarche anguleuse du sombre gnome.
Dans l'image suivante - "Vieux Château" - le compositeur a transmis paysage de nuit et des accords calmes, créant une saveur fantomatique et mystérieuse. ambiance calme et enchantée. Sur fond de station d'orgue tonique, la triste mélodie du troubadour représenté dans le tableau de Hartmann résonne. La chanson change
Le troisième tableau – « Le jardin des Tuileries » – contraste fortement avec les pièces précédentes. Elle représente des enfants jouant dans l'un des parcs de Paris. Tout est joyeux et ensoleillé dans cette musique. Un rythme rapide et des accents fantaisistes transmettent l'animation et le plaisir des jeux d'enfants en arrière-plan jour d'été.
La quatrième image s'appelle "Bétail". Le dessin de Hartmann montre une charrette de paysan sur de hautes roues, tirée par deux bœufs tristes. Dans la musique, vous pouvez entendre les bœufs marcher avec fatigue et lourdement, et la charrette traîner lentement et grinçant. 
Et encore une fois, le caractère de la musique change brusquement : les dissonances dans le registre aigu sont jouées de manière provocante et stupide, déplacées, en alternance avec des accords, et le tout à un rythme rapide. Le dessin de Hartmann était une conception de costumes pour le ballet Trilby. Il représente de jeunes étudiants école de ballet, effectuant danse des personnages. Habillés en poussins, ils ne se sont pas encore complètement libérés de leur coquille. D’où le drôle de titre de la miniature, « Ballet des poussins non éclos ». 
La pièce « Deux Juifs » dépeint une conversation entre un homme riche et un homme pauvre. Ici, le principe de Moussorgski était incarné : exprimer le plus fidèlement possible le caractère d’une personne en musique à travers les intonations de la parole. Et bien qu'il n'y ait pas de partie vocale dans cette chanson, il n'y a pas de paroles, dans les sons du piano, vous pouvez sans aucun doute entendre la voix rauque et arrogante de l'homme riche et la voix timide, humiliée et suppliante du pauvre. Pour le discours de l'homme riche, Moussorgski a trouvé des intonations impérieuses, dont le caractère décisif est rehaussé par le registre grave. Le discours du pauvre homme contraste profondément avec cela – calme, tremblant, intermittent, dans un registre aigu.
Le tableau « Marché de Limoges » représente une foule hétéroclite sur le marché. Dans la musique, le compositeur exprime bien les paroles discordantes, les cris, l'agitation du bazar du sud. 
La miniature « Catacombes » a été peinte d’après le dessin de Hartmann « Catacombes romaines ». Des accords résonnent, tantôt calmes et lointains, comme des échos perdus au fond d'un labyrinthe, tantôt aigus, clairs, comme le tintement soudain d'une goutte qui tombe, le cri menaçant d'un hibou... A l'écoute de ces accords qui durent, il est facile d'imaginer le crépuscule froid d'un cachot mystérieux, la lumière floue d'une lanterne, l'éclat des murs humides, une prémonition vague et alarmante. 
L'image suivante - «La cabane sur des cuisses de poulet» - dépeint une image de conte de fées de Baba Yaga. L'artiste représente une horloge en forme de cabane de conte de fées. Moussorgski a repensé l'image. Sa musique n'incarne pas une belle cabane de jouets, mais son propriétaire, Baba Yaga. Alors elle siffla et se précipita dans son mortier vers tous les diables, les poursuivant avec un balai. La pièce dégage une ampleur épique et des prouesses russes. Ce n'est pas pour rien que le thème principal de cette image fait écho à la musique de la scène près de Kromy dans l'opéra « Boris Godounov ». 
Une parenté encore plus grande avec la musique folklorique russe et avec les images d'épopées se fait sentir dans le dernier tableau - "La Porte Bogatyr". Moussorgski a écrit cette pièce en s'inspirant du croquis architectural de Hartmann « Les portes de la ville de Kiev ». La musique est proche du russe dans les intonations et son langage harmonique chansons folkloriques. Le personnage de la pièce est majestueusement calme et solennel. Ainsi, la dernière image, symbolisant le pouvoir des autochtones, complète naturellement tout le cycle.
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Le sort de ce cycle de piano est très intéressant.
Sur le manuscrit des « Images », il y a l'inscription « Pour impression. Moussorgski. 26 juillet 74 Petrograd", cependant, du vivant du compositeur, les "Images" n'ont pas été publiées ni interprétées, bien qu'elles aient reçu l'approbation de " Puissant groupe" Ils ont été publiés seulement cinq ans après la mort du compositeur par V. Bessel en 1886, tels que révisés par N. A. Rimsky-Korsakov. 
Couverture de la première édition de Tableaux d'une exposition
Comme ce dernier était sûr que les notes de Moussorgski contenaient des erreurs et des omissions qui devaient être corrigées, cette publication ne correspondait pas exactement au manuscrit de l'auteur ; elle possédait un certain « génie » éditorial. Le tirage était épuisé et un an plus tard, la deuxième édition était publiée, avec une préface de Stasov. Cependant, l'œuvre n'était pas largement connue à cette époque ; les pianistes l'ont longtemps rejetée, n'y trouvant pas la virtuosité « habituelle » et la considérant comme non concertante et non pianistique. Bientôt, M. M. Tushmalov (1861-1896), avec la participation de Rimsky-Korsakov, orchestre les parties principales des "Images", la version orchestrale est publiée, la première a lieu le 30 novembre 1891 et, sous cette forme, elles sont assez souvent joué à Saint-Pétersbourg et à Pavlovsk, la finale étant interprétée par un orchestre et en tant que pièce distincte. En 1900, un arrangement pour piano à quatre mains apparaît ; en février 1903, le cycle est joué pour la première fois à Moscou par le jeune pianiste G. N. Beklemishev ; en 1905, « Pictures » est joué à Paris lors d'une conférence de M. Calvocoressi sur Moussorgski.
Mais la reconnaissance du grand public ne vint qu'après que Maurice Ravel, basé sur la même édition de Rimski-Korsakov, créa sa célèbre orchestration en 1922, et qu'en 1930 son premier enregistrement fut publié.
Pourtant, le cycle a été écrit spécifiquement pour le piano !
Malgré toute la richesse de l’orchestration de Ravel, il a perdu ces traits profondément russes de la musique de Moussorgski que l’on entend spécifiquement dans l’interprétation au piano.
Et ce n’est qu’en 1931, à l’occasion du cinquantième anniversaire de la mort du compositeur, que les « Tableaux d’une exposition » ont été publiés conformément au manuscrit de l’auteur dans la publication académique « Muzgiza », puis sont devenus partie intégrante du répertoire des pianistes soviétiques.
Depuis lors, deux traditions d’interprétation pianistique des « Images » coexistent. Parmi les partisans de la version originale de l'auteur figurent des pianistes tels que Sviatoslav Richter (voir ci-dessus) et Vladimir Ashkenazy.
D'autres, comme Vladimir Horowitz, dans ses enregistrements et performances du milieu du XXe siècle, ont tenté de reproduire l'incarnation orchestrale des « Tableaux » au piano, c'est-à-dire de faire un « arrangement inversé » de Ravel.
Piano : Vladimir Horowitz Enregistré : 1951.
(00:00) 1. Promenade
(01:21) 2. Le Gnome
(03:41) 3. Promenade
(04:31) 4. Le vieux château
(08:19) 5. Promenade
(08:49) 6. Les Tuileries
(09:58) 7.Bydlo
(12:32) 8. Promenade
(13:14) 9. Ballet de poussins non éclos
(14:26) 10. Samuel Goldenberg et Schmuÿle
(16:44) 11. La Place du Marché de Limoges
(18:02) 12. Les Catacombes
(19:18) 13. Cum mortuis en lingua mortua
(21:39) 14. La Cabane sur pattes de poule (Baba-Yaga)
(24:56) 15. La Grande Porte de Kiev
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Photos de l'exposition avec animation de sable.
Version rock de Pictures at an Exhibition.
Vassily Kandinsky. Synthèse des Arts.
L'étape de Kandinsky vers la réalisation de l'idée de « l'art monumental » fut la production des « Tableaux d'une exposition » de Modest Moussorgski « avec ses propres paysages et personnages – lumière, couleur et formes géométriques ».
C'était la première et la seule fois qu'il acceptait de travailler à partir d'une partition terminée, ce qui témoignait clairement de son plus profond intérêt.
La première, le 4 avril 1928, au Théâtre Friedrich de Dessau fut un succès retentissant. La musique était jouée au piano. La production était très lourde, car elle impliquait des décors en mouvement constant et un éclairage changeant de la salle, ce à propos duquel Kandinsky a laissé Instructions détaillées. Par exemple, l’un d’eux a déclaré qu’il fallait un fond noir, sur lequel les « profondeurs sans fond » du noir devaient se transformer en violet, alors que les gradateurs (rhéostats) n’existaient pas encore.
Les « Tableaux d’une exposition » de Modest Moussorgski ont plus d’une fois inspiré des artistes à créer des vidéos émouvantes. En 1963, le chorégraphe Fiodor Lopukhov met en scène le ballet « Images d'une exposition » à Théâtre musical Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko. Aux États-Unis, au Japon, en France et en URSS, des dessins animés talentueux ont été créés sur le thème des « Tableaux d'une exposition ».
Aujourd'hui, on peut se plonger dans la « synthèse des arts » en assistant à un concert du pianiste français Mikhaïl Rudy. Dans son projet célèbre« Modeste Moussorgski / Vassily Kandinsky. Avec Tableaux d'une exposition, il combine la musique du compositeur russe avec une animation abstraite et une vidéo, basée sur les aquarelles et les instructions de Kandinsky.
Les capacités de l'ordinateur incitent les artistes à créer des animations 2D et 3D. Un autre des plus expériences intéressantes créant des peintures « émouvantes » de Vassily Kandinsky.
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texte provenant de nombreuses sources
PHOTOS DE L'EXPOSITION
ancienne serrure
« Tableaux d'une exposition » est une suite bien connue de M. P. Moussorgski de 10 pièces avec intermèdes, créée en 1874 à la mémoire de l'ami de Moussorgski, l'artiste et architecte V. A. Hartmann. Initialement écrit pour piano, il a été arrangé à plusieurs reprises pour orchestre par divers compositeurs et travaillé dans une grande variété de styles musicaux.
Architecte et parlant langue moderne, le designer Viktor Aleksandrovich Hartman est entré dans l'histoire art du 19ème siècle siècle comme l’un des fondateurs du « style russe » en architecture. Il se distinguait par un désir d’identité russe et une richesse d’imagination.
Fin 1870, dans la maison de Stasov, Moussorgski rencontra pour la première fois l’artiste de 36 ans. Hartmann avait un caractère vif et une facilité de communication amicale, et une amitié chaleureuse et un respect mutuel s'établissaient entre lui et Moussorgski. Par conséquent, la mort subite de Hartmann au cours de l’été 1873, à l’âge de 39 ans, a profondément choqué Moussorgski.
En février-mars 1874, à l'Académie impériale des arts, à l'initiative de Stasov et avec l'aide de la Société des architectes de Saint-Pétersbourg, fut organisée une exposition posthume d'environ 400 œuvres de Hartmann, réalisées en 15 ans - dessins, aquarelles, dessins architecturaux, croquis de décors et de costumes de théâtre, croquis de produits artistiques. L'exposition comprenait de nombreux croquis rapportés de voyages à l'étranger.
La visite de Moussorgski à l'exposition a donné l'impulsion à la création d'une « promenade » musicale à travers une galerie d'exposition imaginaire. Le résultat est une série peintures musicales, qui ne ressemblent que partiellement aux œuvres vues ; Fondamentalement, les pièces étaient le résultat du vol libre de l’imagination éveillée du compositeur. Comme base de « l’exposition », Moussorgski a pris les dessins « étrangers » de Hartmann, ainsi que deux de ses croquis sur des thèmes russes. Les œuvres exposées ont été vendues, de sorte qu’on ignore aujourd’hui où se trouvent la plupart d’entre elles. Parmi les dessins mentionnés dans la série, six peuvent désormais être restaurés.
L'idée de créer une suite pour piano surgit lors de l'exposition, et déjà au printemps 1874, certaines « images » du futur cycle sont improvisées par l'auteur. Mais le projet a finalement pris forme cet été. L’ensemble du cycle a été écrit dans un élan créatif en seulement trois semaines, du 2 au 22 juin 1874. Le titre provisoire de la suite était « Hartmann ». Il dédia la suite à Stasov, dont l'aide comptait beaucoup pour Moussorgski.
Du vivant de Moussorgski, les « Tableaux » n’étaient ni publiés ni joués, bien qu’ils aient reçu l’approbation de la « Grande Poignée ». Ils furent publiés seulement cinq ans après la mort du compositeur, en 1886, tels que révisés par N. A. Rimsky-Korsakov. Mais la reconnaissance du grand public ne vint qu'après que Maurice Ravel, utilisant la même édition de Rimski-Korsakov, créa sa célèbre orchestration en 1922, et en 1930 son premier enregistrement fut publié.
La suite est un exemple frappant de musique à programme avec ses propres caractéristiques. Il combine des images de vrai vie avec une fantaisie de conte de fées et des images du passé. Les pièces de théâtre - « images » sont reliées par le thème-interlude « Promenade », décrivant un passage à travers la galerie et le passage de peinture en peinture. De tels thèmes et constructions de la suite sont uniques dans la littérature musicale classique.
Moussorgski, selon ses contemporains, était un excellent pianiste, il captivait littéralement les auditeurs lorsqu'il s'asseyait devant l'instrument et pouvait tout représenter. Cependant, il compose relativement peu de musique instrumentale ; il est surtout attiré par l'opéra. Moussorgski se donne pour tâche de créer portrait psychologique, pénétrant au plus profond de ses personnages, ce qui distingue fondamentalement son œuvre des simples croquis de Hartmann.
Le thème de la Promenade est répété plusieurs fois tout au long de la suite. Cela rappelle les chants folkloriques russes : la mélodie commence par une seule voix (le chanteur principal) et est reprise par le chœur. Dans ce thème, Moussorgski se représente simultanément, passant d'image en image : « Ma physionomie est visible dans les intermèdes », écrit-il à Stasov. Ligne mélodique La plupart des intermèdes sont joués avec lourdeur, ce qui est parfois perçu comme une imitation de la démarche de l’auteur.
Le thème de « La Promenade » varie, montrant le changement d'humeur de l'auteur ; la tonalité change également, modulant pour préparer l'auditeur au morceau suivant.
La pièce est basée sur une aquarelle peinte par Hartmann alors qu'il étudiait l'architecture en Italie (le croquis n'a pas survécu car les œuvres exposées ont été vendues, de sorte que l'on ignore aujourd'hui où se trouvent la plupart d'entre elles, y compris le vieux château). Dans le programme accompagnant la suite de Moussorgski, Stasov a écrit que cette pièce représente « un château médiéval devant lequel le troubadour chante sa chanson ». Mais Hartmann n'avait de troubadour dans aucun de ses deux tableaux représentant un paysage médiéval avec un château.. Il a été inventé par Moussorgski, faisant revivre le paysage. Une mélodie réfléchie et douce résonne sur fond d'accompagnement mesuré et monotone. Il évoque une ambiance lyrique contemplative. La chanson du troubadour sent le Moyen Âge chevaleresque - la musique transmet ce que l'artiste a représenté en peinture.
La partie médiane, passant en majeur, crée un vide, qui laisse ensuite à nouveau place à la tristesse, puis le premier thème revient, s'effaçant peu à peu, comme s'il s'enfonçait dans le sommeil. Une finale étonnamment bruyante termine la pièce par un court au revoir.
Le compositeur français M. Ravel a réalisé un merveilleux arrangement orchestral de la suite. Dans son instrumentation, "Pictures at an Exhibition" est souvent joué lors de concerts symphoniques.
Présentation
Inclus:
1. Présentation, ppsx ;
2. Des sons de musique :
Moussorgski. Photos de l'exposition :
Marche (performance symphonique), mp3 ;
Vieux Château (en 2 versions : symphonique et piano), mp3 ;
3. Article d'accompagnement, docx ;
4. Partition pour interprétation par le professeur, jpg.