चित्रफलक पेंटिंग के लागू प्रकारों में से एक नाटकीय और सजावटी पेंटिंग है - पात्रों की वेशभूषा और मिसे-एन-सीन के रेखाचित्र।
स्मारकीय पेंटिंग - इमारतों की पेंटिंग
स्मारकीय पेंटिंग उस स्थान से अलग नहीं हो सकती जहां वह प्रदर्शित की जाती है। इस प्रकार की पेंटिंग 16वीं-19वीं शताब्दी में बहुत लोकप्रिय थी, जब भव्य मंदिर बनाए गए थे, और सर्वश्रेष्ठ कलाकारउनकी तिजोरियों को रंगा। सबसे आम प्रकार फ्रेस्को है, गीले प्लास्टर पर पानी आधारित पेंट से पेंटिंग।सूखे प्लास्टर पर पेंटिंग - सेको - भी आम थी, लेकिन ऐसे काम आज तक कम ही बचे हैं। सबसे प्रसिद्ध स्मारकीय पेंटिंग सिस्टिन चैपल की बड़े पैमाने की पेंटिंग है, जिसमें माइकल एंजेलो ने भाग लिया था। आलोचकों के अनुसार, चैपल के भित्तिचित्रों की तुलना दुनिया के आठवें आश्चर्य से की जा सकती है।
स्मारकीय चित्रकला की सबसे प्राचीन कृतियाँ प्रथम लोगों की शैलचित्र हैं।
सजावटी पेंटिंग - अनुप्रयुक्त कला
सजावटी पेंटिंग का सजावटी और व्यावहारिक कलाओं से गहरा संबंध है। यह विभिन्न वस्तुओं को सजाने में सहायक भूमिका निभाता है। सजावटी पेंटिंग विभिन्न प्रकार के पैटर्न और आभूषण हैं जो घरेलू वस्तुओं, फर्नीचर और वास्तुकला को सजाते हैं। इस प्रकार की पेंटिंग के लेखक अज्ञात हो सकते हैं - किसान घरों और फर्नीचर की साधारण पेंटिंग भी इसी प्रकार की हैं।लघु पेंटिंग - प्यारी छोटी चीजें
प्रारंभ में, लघु चित्रकला पुस्तक डिजाइनों का प्रतिनिधित्व करती थी। प्राचीन पुस्तकें बहुत सावधानी से बनाई जाती थीं और बहुत महंगी होती थीं। उन्हें सजाने के लिए विशेष कारीगरों को काम पर रखा गया, जिन्होंने अध्यायों के बीच शीर्षक कार्ड, कवर और हेडबैंड को खूबसूरती से डिजाइन किया। ऐसे प्रकाशन कला के वास्तविक कार्य थे। ऐसे कई स्कूल थे जो लघु चित्रकला के सख्त सिद्धांतों का पालन करते थे।बाद में, लघुचित्रों को किसी भी छोटे पैमाने की पेंटिंग कहा जाने लगा। उनका उपयोग स्मृति चिन्ह और यादगार उपहार के रूप में किया जाता था। अपने छोटे आकार के बावजूद, इस प्रकार की पेंटिंग के लिए अत्यधिक सटीकता और कौशल की आवश्यकता होती है। स्मारिका लघुचित्रों के लिए सबसे लोकप्रिय सामग्री हड्डी, पत्थर और धातु की प्लेटें थीं।
टिप 2: चित्रफलक किस प्रकार के होते हैं: बुनियादी और लोकप्रिय
रचनात्मकता में ड्राइंग सबसे दिलचस्प क्षेत्रों में से एक है। लेकिन किसी चित्र को चित्रित करने के लिए, आपको सही ब्रश और पेंट के साथ-साथ एक चित्रफलक भी चुनना होगा।
कुछ लोगों के लिए, रचनात्मकता, अर्थात् ड्राइंग, एक शौक के रूप में जीवन का एक अभिन्न अंग है व्यावसायिक गतिविधि. कलाकार और शौकीन उन सामग्रियों और उपकरणों को विशेष महत्व देते हैं जिनके साथ वे काम करते हैं। चूँकि चित्रफलक रचनात्मक प्रक्रिया का एक अभिन्न अंग हैं, इसलिए इन सहायक वस्तुओं पर अधिक विस्तार से विचार करने की आवश्यकता है।
तो, फिलहाल तीन मुख्य प्रकार हैं: तिपाई चित्रफलक, ऊर्ध्वाधर पैनल चित्रफलक (स्थिर), और स्केचबुक। प्रत्येक प्रकार के चित्रफलक में है विशेषणिक विशेषताएं. उदाहरण के लिए, तिपाई को जोड़ना और उपयोग करना बहुत आसान है। इस तरह के चित्रफलक को हमेशा अलग किया जा सकता है, और जब मोड़ा जाता है, तो यह उपकरण बहुत कम जगह लेता है।
साथ ही, ऊर्ध्वाधर पैनल चित्रफलक बहुत सुविधाजनक होते हैं, जिनमें ऊंचाई और झुकाव के कोण को समायोजित करने का कार्य होता है, लेकिन वे अपनी स्थिर प्रकृति के कारण बहुत अधिक जगह लेते हैं। कागज बन्धन का सिद्धांत या फैला हुआ कैनवासइस प्रकार के चित्रफलकों में व्यावहारिक रूप से अपरिवर्तित है। नीचे उपभोग्य सामग्रियों के भंडारण के लिए एक छोटा पैनल है: पेंसिल, पेंट, ब्रश और बहुत कुछ।
स्केचबुक का उपयोग बाहर प्रकृति से चित्र बनाने के लिए किया जा सकता है। उसी समय, इकट्ठे होने पर, यह उपकरण एक छोटे सूटकेस में बदल जाता है, जिसके साथ आप उस स्थान तक लंबी यात्रा कर सकते हैं जहां कैनवास को चित्रित किया गया है।
सर्वाधिक लोकप्रिय चित्रफलक
तिपाई चित्रफलक सबसे लोकप्रिय हैं। यह उनकी सुविधा और सघनता के कारण है। इसके अलावा, यदि आप इसे खरीदने पर पैसे खर्च नहीं करना चाहते हैं तो आप ऐसा चित्रफलक स्वयं बना सकते हैं।
स्टूडियो में या घर पर काम के लिए, चित्रफलक-टेबल, यानी ऊर्ध्वाधर पैनल वाले चित्रफलक, अक्सर उपयोग किए जाते हैं। एक ही स्थान पर काम करते समय यह प्रकार सुविधाजनक होता है, क्योंकि वस्तु को छोटे भागों में अलग करने और फिर उसे फिर से इकट्ठा करने में असमर्थता के कारण इसका परिवहन बाधित होता है। इसके अलावा, प्रत्येक प्रकार का चित्रफलक एक विशिष्ट इच्छित उपयोग के लिए होता है, लेकिन तिपाई को सही मायने में सबसे सार्वभौमिक माना जा सकता है, क्योंकि इसका उपयोग स्टूडियो में निरंतर काम के लिए और प्रकृति में प्रकृति से काम करने के लिए किया जा सकता है, निश्चित रूप से, यदि यह बहुत बड़ा नहीं है.
स्रोत:
- चित्रफलक का वर्गीकरण
सतहों को पेंट और ब्रश से सजाने की कला को कलात्मक पेंटिंग कहा जाता है। पेंटिंग की अवधारणा पेंटिंग से गंभीर रूप से भिन्न है, क्योंकि यह कलाकार द्वारा कल्पना की गई जगह का हिस्सा है।
कलात्मक पेंटिंग शुरू में किसी भी सस्ती और आसानी से प्राप्त सामग्री पर लागू की गई थी: चमड़ा, लकड़ी, प्राकृतिक कपड़े, मिट्टी, आदि। कौशल पीढ़ी-दर-पीढ़ी उस्तादों और विशिष्ट लोगों द्वारा हस्तांतरित किए जाते थे कलात्मक तकनीकें, जिससे उत्पादों को मदद मिली। समय के साथ, आभूषण का सबसे सार्थक और अभिव्यंजक अनुप्रयोग चुना गया। वास्तुकला में, चित्रों का उपयोग छत, तहखानों, दीवारों, बीमों को सजाने के लिए किया जाता था और रोजमर्रा की जिंदगी में, सजावट को घरेलू वस्तुओं पर लागू किया जाता था।
विभिन्न प्रकार की पेंटिंग का व्यवस्थितकरण सबसे पहले 1876 में प्रोफेसर ए.ए. द्वारा शुरू किया गया था। इसेव ने अपनी दो खंडों वाली पुस्तक "मॉस्को प्रांत की प्रक्रियाएं" में लिखा है। कलात्मक पेंटिंग उद्यम वर्तमान में रूस और विदेशों के बाजारों में मांग को पूरा करने के लिए अपना व्यवसाय विकसित कर रहे हैं।
खोखलोमा पेंटिंग
अमीरों में पुष्प आभूषणमठों से आए बढ़िया ब्रशवर्क के कौशल का उपयोग किया गया। यहीं से यह रहस्य पता चला कि सोने का उपयोग किए बिना बर्तनों को सोने से कैसे रंगा जाए। चित्रकला में आज तक कोई बदलाव नहीं आया है और यह प्रक्रिया प्राचीन काल से लेकर आज तक वैसी ही है। टेबलवेयर को एक खराद पर लकड़ी से तैयार किया जाता है, फिर विशेष रूप से तैयार मिट्टी के घोल से प्राइम किया जाता है या कृत्रिम प्राइमर का उपयोग किया जाता है। बर्तनों को टिन या चांदी पर आधारित पेंट से लेपित किया जाता है, कम अक्सर - एल्यूमीनियम पर। उन्हें इच्छित रूपांकन के अनुसार चित्रित किया जाता है और ओवन में सुखाया जाता है, फिर वार्निश किया जाता है और फिर से गर्म सुखाया जाता है।
चूंकि उत्पाद को कई बार गहन ताप उपचार से गुजरना पड़ता है, इसलिए पेंट उन रंगों में से चुने गए जिनकी चमक उच्च तापमान से प्रभावित नहीं होती थी। यह काला, सोना और सिनेबार है।
गज़ेल चीनी मिट्टी के बरतन
गज़ल अद्वितीय है, क्योंकि प्रत्येक कलाकार, शास्त्रीय और परिचित रूपांकनों का उपयोग करके, व्यक्तिगत रूप से तकनीक बनाता है। मुख्य भूमिका गुरु के अनुभव और उसके ब्रश की गति की है। उसी समय, सफेदी पर, एक झटके से, गहरे नीले से नरम नीले रंग में सामंजस्यपूर्ण परिवर्तन दिखाई देते हैं। केवल एक पेंट का उपयोग किया जाता है, कोबाल्ट, और ड्राइंग पहली बार बहुत जल्दी की जाती है।
matryoshka
विभिन्न आकारों की ये मूर्तियाँ, एक दूसरे के अंदर समाई हुई, जापान से आई हैं। 1900 में पेरिस में एक प्रदर्शनी के बाद इन गुड़ियों को काफी लोकप्रियता मिली। मुख्य उत्पादन पोल्खोव्स्की मैदान गांव में हुआ, जो पेंटिंग और टर्नर दोनों के लिए प्रसिद्ध था - आखिरकार, घोंसले के शिकार गुड़िया के आकार को अभी भी तराशना बाकी था।
पोल्खोव्स्काया में विशिष्ट विशेषताएं हैं जिनके द्वारा उसे दूसरों के बीच पहचाना जा सकता है। उसका चेहरा छोटे-छोटे स्ट्रोक्स में रंगा हुआ है और उसके माथे पर स्प्रूस गुलाब का फूल है। स्कार्फ का रंग सुंड्रेस के रंग से भिन्न होता है, और पीछे से मैत्रियोश्का गुड़िया 2/3 लाल या हरे रंग की होती है। एप्रन अंडाकार है और गर्दन से जमीन तक फैला हुआ है।
प्रोसेस करने में सबसे कठिन, व्याटका की भूसे से बनी मैत्रियोश्का गुड़िया।
लगभग हर लड़की, अगर वह खाली समयपढ़ाई या डेटिंग का अधिक बोझ न हो, एक या अधिक शौक हों। उनमें से कुछ थोड़े समय के लिए अपनी मौलिकता से उसे मोहित कर लेते हैं, अन्य जीवन भर के लिए साथी बन जाते हैं।
निर्देश
महिलाओं के सबसे आम प्रकार के शौक को सभी प्रकार की सुईवर्क कहा जा सकता है: क्रॉचिंग, मैक्रैम, सिलाई, कढ़ाई। यह शौक कहीं से भी पैदा नहीं होता है; यह परंपरागत रूप से उन माताओं और दादी से आता है जो अपनी बेटियों और पोतियों की उपस्थिति में इसमें शामिल होती हैं। छोटी लड़की को दिलचस्पी हो जाती है, और वह वयस्कों से उसे लूप, गांठें, सिलाई या चेन सिलाई दिखाने के लिए कहती है। पहले तो यह काम नहीं करता है, और वह कुछ समय के लिए अपना नया शौक छोड़ भी सकती है, लेकिन कुछ वर्षों के बाद प्रकृति अपना काम करेगी, और अब किशोर लड़की अपनी पहली जींस सिलेगी या बेरी बुनेगी।
फूलों की खेती में इतना समय नहीं लगता, शाम को अन्य गतिविधियों के लिए खाली छोड़ देना ही फूलों की खेती है। सभी महिलाओं को फूल बहुत पसंद होते हैं और जो फूल स्वयं उगाए जाते हैं उनमें सबसे अधिक रुचि होती है। अंकुरों की उपस्थिति, उनके आकार में वृद्धि और उसके बाद फूल आने की निगरानी करना मातृत्व के समान है, यही कारण है कि यह निष्पक्ष सेक्स के कई प्रतिनिधियों को खुशी देता है। यदि आपके पास गुलाब और वायलेट की देखभाल करने का धैर्य नहीं है, तो आप क्लोरोफाइटम, या साधारण कैक्टि से शुरुआत कर सकते हैं।
एक छोटे बच्चे में सबसे पहले जो शौक विकसित होते हैं उनमें चित्रकारी करना और संगीत सीखना शामिल होता है। यदि आपके पास उनके लिए प्रतिभा है, तो आपके उपक्रम खो नहीं जाएंगे, बल्कि बाहरी प्रदर्शन करने की क्षमता विकसित हो जाएगी भीतर की दुनियापेंटिंग और नृत्य के माध्यम से। यदि कोई प्रतिभा नहीं है, लेकिन आत्मा लगातार अपने सभी आवेगों की अभिव्यक्ति की मांग करती है, तो लड़की एक अच्छी फोटोग्राफर बन जाती है। उनकी तस्वीरों में अक्सर रिश्तेदार और दोस्त, महत्वपूर्ण स्थान और प्रकृति के कोने शामिल होते हैं जो कल्पना को आकर्षित करते हैं।
अपनी क्षमता का एहसास करने का एक अन्य तरीका विभिन्न सामग्रियों से शिल्प बनाना है। इसमें क्ले मॉडलिंग और साबुन बनाना, नक्काशी और डिजाइन शामिल हैं। उत्तरार्द्ध एक पेशे में बदल सकता है और पैसा कमाने का एक अच्छा तरीका बन सकता है। और नक्काशी को एक सामान्य, लेकिन सर्वव्यापी शौक - खाना पकाने से दूर की एक किस्म कहा जा सकता है। लगभग हर लड़की सबसे सरल दलिया और सूप पका सकती है, रेफ्रिजरेटर में मौजूद हर चीज से पिज्जा बना सकती है, लेकिन उनमें से केवल कुछ के पास ही मूल व्यंजन तैयार करने की कला होती है।
और अंत में, सभी उम्र की महिलाओं का व्यापक जुनून सामाजिक श्रेणियाँ- यह भाग्य बताने वाला है। अधिकतर कार्डों पर, लेकिन परिणाम प्राप्त करने के लिए इनका भी उपयोग किया जाता है, कॉफ़ी की तलछट, हस्तरेखा विज्ञान और अन्य अटकल विधियाँ। अतीत और भविष्य के बारे में सीखना कभी भी उबाऊ नहीं होता है, और किसी विशेष प्रकार में विशेषज्ञता एक लड़की को वास्तविक गुरु में बदल सकती है।
गोल और चपटा, एक लकड़ी के हैंडल और एक प्लास्टिक के हैंडल के साथ, मार्टन और टट्टू। विभिन्न प्रकार के आकार और प्रकार के ब्रश कलाकार को कैनवास या कागज पर उत्कृष्ट कृतियाँ बनाने में मदद करते हैं। उदाहरण के लिए, एक गिलहरी ब्रश का उपयोग मुख्य रूप से जल रंग पेंट के साथ काम करने के लिए किया जाता है, और एक रैखिक ब्रश का उपयोग शिलालेख लगाने के लिए किया जाता है।
ब्रश के आकार
सबसे आम और बहुमुखी ब्रश आकृतियों में से एक गोल है। ऐसे ब्रश का बंडल एक गोल क्लिप, आमतौर पर धातु, में तय किया जाता है। ब्रश हो सकते हैं विभिन्न आकार. छोटे बीम का उपयोग लघुचित्र बनाने के लिए किया जाता है, और बड़े बीम का उपयोग बड़े परिदृश्यों के लिए किया जाता है। एक गोल ब्रश समान मोटाई की एक समान रेखा बनाता है, हालांकि एक कुशल कलाकार इसमें बदलाव कर सकता है।
फ़्लैट ब्रश किसी रचना के बड़े क्षेत्रों पर काम करने के लिए अच्छे होते हैं; वे बहुत सारे पेंट धारण करते हैं। ऐसे ब्रश के स्ट्रोक चिकने और चौड़े होते हैं।
एक ब्रश जिसे " बिल्ली जैसे आँखें"एक अंडाकार या गुंबददार आकार है। यह ब्रश उपयोग में बहुत व्यक्तिगत है और इसे गोल या चपटे ब्रश की तरह ही इस्तेमाल किया जा सकता है।
फ्लैट ब्रश का एक उपप्रकार समोच्च ब्रश है; उनका आकार समान होता है, लेकिन बीम छोटा होता है और, तदनुसार, अधिक लोचदार होता है। ऐसे ब्रशों का उपयोग तेल चित्रकला तकनीकों के लिए किया जाता है; इनसे सपाट स्ट्रोक और स्पष्ट आकृतियाँ बनाना आसान होता है।
टाइप ब्रश में पतले, नुकीले सिरे वाला एक लंबा गोल ब्रश होता है, जो आपको शिलालेख बनाने और रूपरेखा लागू करने की अनुमति देता है। इन ब्रशों का उपयोग तरल पेंट के साथ किया जाता है।
रीटचिंग ब्रश भी एक प्रकार के फ्लैट ब्रश होते हैं; उनकी ख़ासियत एक कोण पर कटे हुए सिरे की होती है। इन ब्रशों का उपयोग बहुत पतले स्ट्रोक और एक रंग से दूसरे रंग में सहज और सटीक संक्रमण बनाने के लिए किया जाता है। यह पतली और नुकीली नोक के कारण बनाया गया है।
रैखिक ब्रश, साथ ही फ़ॉन्ट ब्रश, एक लंबे गोल आकार के होते हैं और शिलालेख लगाने और लंबे बनाने के लिए उपयोग किए जाते हैं सीधे पंक्तियां. रैखिक ब्रश टाइप ब्रश की तुलना में छोटे होते हैं, लेकिन गोल ब्रश की तुलना में लंबे और पतले होते हैं।
पेंटिंग के अलावा, बांसुरी ब्रश का उपयोग मेकअप लगाने के लिए किया जाता है, अर्थात् पाउडर या ब्लश। ये मुलायम ब्रश जलरंगों से मुक्तहस्त पेंटिंग के लिए डिज़ाइन किए गए हैं। उनमें बहुत सारा पानी होता है, इसलिए वे बिना किसी रुकावट के लंबी, निरंतर, एक समान रेखाएँ खींच सकते हैं।
फैन ब्रश में एक पतला, पंखे के आकार का गुच्छा होता है। इनका उपयोग सूक्ष्म रंग विस्तार, रंग संक्रमण और कंट्रास्ट बनाने के लिए किया जाता है।
ब्रश के प्रकार
आकार और साइज़ के अलावा, ब्रश के प्रकारों के बीच भी एक महत्वपूर्ण अंतर होता है, अर्थात्, बंडल किस प्रकार के बालों से बना होता है। ब्रश का सबसे आम प्रकार गिलहरी है। ऐसे ब्रश संसाधित गिलहरी की पूंछ के बालों से बनाए जाते हैं, क्योंकि पूंछ में सबसे लंबे बाल होते हैं। गिलहरी ब्रश बहुत नरम और नाजुक होते हैं, इसलिए उन्हें विशेष देखभाल की आवश्यकता होती है। इनका उपयोग जलरंग पेंट या अन्य जल-आधारित पेंट के साथ काम करने के लिए किया जाता है।
कोलिंस्की ब्रश प्रसंस्कृत कोलिंस्की टेल पाइल से बनाए जाते हैं। ये ब्रश काफी मुलायम होते हैं और साथ ही लोचदार भी होते हैं। इसीलिए इनका प्रयोग किया जाता है
चित्रकला विभिन्न शैलियों और प्रकारों से भिन्न होती है। प्रत्येक शैली विषयों की अपनी सीमा तक सीमित है: एक व्यक्ति की छवि (चित्र), आसपास की दुनिया (परिदृश्य), आदि।
पेंटिंग की किस्में (प्रकार) उनके उद्देश्य में भिन्न होती हैं।
इस संबंध में, पेंटिंग कई प्रकार की होती है, जिसके बारे में हम आज बात करेंगे।
चित्रफलक पेंटिंग
सबसे लोकप्रिय और ज्ञात प्रजातियाँपेंटिंग - चित्रफलक पेंटिंग। इसे इस प्रकार कहा जाता है क्योंकि यह एक मशीन - एक चित्रफलक - पर किया जाता है। आधार लकड़ी, कार्डबोर्ड, कागज है, लेकिन अक्सर कैनवास स्ट्रेचर पर फैला होता है। चित्रफलक पेंटिंग है एक स्वतंत्र कार्यएक निश्चित शैली में बनाया गया। इसमें रंग की प्रचुरता है.
तैलीय रंग
अधिकतर, चित्रफलक पेंटिंग तेल पेंट से की जाती है। आप कैनवास, लकड़ी, कार्डबोर्ड, कागज और धातु पर ऑयल पेंट का उपयोग कर सकते हैं।
तैलीय रंग
तेल पेंट सुखाने में अकार्बनिक रंगद्रव्य और भराव के निलंबन हैं वनस्पति तेलया सुखाने वाले तेल या एल्केड रेजिन पर आधारित, कभी-कभी सहायक पदार्थों के अतिरिक्त के साथ। पेंटिंग में या लकड़ी, धातु और अन्य सतहों पर पेंटिंग के लिए उपयोग किया जाता है।
वी. पेरोव "दोस्तोवस्की का चित्र" (1872)। कैनवास, तेल
लेकिन टेम्पेरा, गौचे, पेस्टल और वॉटर कलर का उपयोग करके भी एक सुरम्य चित्र बनाया जा सकता है।
आबरंग
जलरंग पेंट्स
वॉटरकलर (फ़्रेंच एक्वारेले - पानीदार; इटालियन एक्वारेलो) एक पेंटिंग तकनीक है जो विशेष वॉटरकलर पेंट का उपयोग करती है। पानी में घुलने पर, वे महीन रंगद्रव्य का एक पारदर्शी निलंबन बनाते हैं, जो हल्कापन, वायुहीनता और सूक्ष्म रंग संक्रमण का प्रभाव पैदा करता है।
जे. टर्नर "फ़िरवाल्डस्टैट लेक" (1802)। जलरंग। टेट ब्रिटेन (लंदन)
गौचे
गौचे (फ्रेंच गौचे, इटालियन गुआज़ो वॉटर पेंट, स्प्लैश) एक प्रकार का चिपकने वाला पानी में घुलनशील पेंट है, जो पानी के रंग की तुलना में सघन और अधिक मैट होता है।
गौचे पेंट्स
गौचे पेंट सफेद रंग के साथ पिगमेंट और गोंद से बनाए जाते हैं। सफेद रंग का मिश्रण गौचे को एक मैट मखमली गुणवत्ता देता है, लेकिन सूखने पर रंग कुछ हद तक सफेद (हल्के) हो जाते हैं, जिसे कलाकार को ड्राइंग प्रक्रिया के दौरान ध्यान में रखना चाहिए। गौचे पेंट का उपयोग करके आप गहरे रंगों को हल्के रंगों से ढक सकते हैं।
विंसेंट वान गॉग "कॉरिडोर एट असुलम" (गुलाबी कागज पर काली चाक और गौचे)
पेस्टल [ई]
पेस्टल (लैटिन पास्ता से - आटा) एक कलात्मक सामग्री है जिसका उपयोग ग्राफिक्स और पेंटिंग में किया जाता है। अक्सर यह क्रेयॉन या रिमलेस पेंसिल के रूप में आता है, जिसका आकार गोल या चौकोर क्रॉस-सेक्शन वाली सलाखों जैसा होता है। पेस्टल तीन प्रकार के होते हैं: सूखा, तेल और मोम।
I. लेविटन "नदी घाटी" (पेस्टल)
टेम्पेरे
टेम्पेरा (इतालवी टेम्पेरा, लैटिन टेम्परेरा से - पेंट्स को मिलाने के लिए) - सूखे पाउडर पिगमेंट के आधार पर तैयार किए गए पानी आधारित पेंट। टेम्पेरा पेंट्स के लिए बाइंडर चिकन अंडे की जर्दी है जिसे पानी या पूरे अंडे से पतला किया जाता है।
टेम्पेरा पेंट्स सबसे पुराने में से एक हैं। 15वीं-17वीं शताब्दी तक तेल पेंट के आविष्कार और प्रसार से पहले। चित्रफलक पेंटिंग के लिए टेम्परा पेंट मुख्य सामग्री थी। इनका उपयोग 3 हजार से अधिक वर्षों से किया जा रहा है। प्राचीन मिस्र के फिरौन के ताबूत की प्रसिद्ध पेंटिंग टेम्पेरा पेंट से बनाई गई थीं। टेम्पेरा पेंटिंग मुख्य रूप से बीजान्टिन मास्टर्स द्वारा की गई थी। रूस में, टेम्पेरा पेंटिंग की तकनीक 17वीं शताब्दी के अंत तक प्रमुख थी।
आर. स्ट्रेल्टसोव "कैमोमाइल और वायलेट्स" (टेम्परा)
मटचिनिया
एनकास्टिक (प्राचीन ग्रीक ἐγκαυστική से - जलाने की कला) एक पेंटिंग तकनीक है जिसमें मोम पेंट को बांधने वाली मशीन है। पेंटिंग पिघले हुए पेंट से की जाती है। कई प्रारंभिक ईसाई चिह्न इस तकनीक का उपयोग करके चित्रित किए गए थे। प्राचीन ग्रीस में उत्पन्न हुआ।
"देवदूत"। एनकास्टिक तकनीक
हम इस तथ्य पर आपका ध्यान आकर्षित करते हैं कि आप एक और वर्गीकरण पा सकते हैं, जिसके अनुसार पानी के रंग, गौचे और कागज और पानी-आधारित पेंट का उपयोग करने वाली अन्य तकनीकों को ग्राफिक्स के रूप में वर्गीकृत किया गया है। वे पेंटिंग की विशेषताओं (स्वर की समृद्धि, रंग के साथ रूप और स्थान का निर्माण) और ग्राफिक्स (छवि के निर्माण में कागज की सक्रिय भूमिका, पेंटिंग की सतह की ब्रशस्ट्रोक विशेषता की विशिष्ट राहत की अनुपस्थिति) को जोड़ते हैं।
स्मारकीय पेंटिंग
स्मारकीय पेंटिंग वास्तुशिल्प संरचनाओं या अन्य नींवों पर पेंटिंग है। यह चित्रकला का सबसे पुराना प्रकार है, जिसे पुरापाषाण काल से जाना जाता है। इसकी स्थिरता और स्थायित्व के लिए धन्यवाद, विकसित वास्तुकला का निर्माण करने वाली लगभग सभी संस्कृतियों से इसके कई उदाहरण बचे हैं। स्मारकीय पेंटिंग की मुख्य तकनीकें फ्रेस्को, सेको, मोज़ेक और सना हुआ ग्लास हैं।
फ्रेस्को
फ़्रेस्को (इतालवी फ़्रेस्को से - ताज़ा) - पानी के पेंट से गीले प्लास्टर पर पेंटिंग, दीवार पेंटिंग तकनीकों में से एक। सूखने पर, प्लास्टर में मौजूद चूना एक पतली पारदर्शी कैल्शियम फिल्म बनाता है, जो फ्रेस्को को टिकाऊ बनाता है।
फ़्रेस्को की सतह सुखद मैट है और यह इनडोर परिस्थितियों में टिकाऊ है।
गेलती मठ (जॉर्जिया)। गिरजाघर भगवान की पवित्र मां. आर्क डी ट्रायम्फ के ऊपरी और दक्षिणी किनारे पर फ़्रेस्को
एक सेको
और सेको (इतालवी से सेको - सूखा) दीवार पेंटिंग है, जो भित्तिचित्रों के विपरीत, कठोर, सूखे प्लास्टर पर, फिर से गीला करके किया जाता है। पेंट का उपयोग किया जाता है, वनस्पति गोंद, अंडे पर पीसकर या चूने के साथ मिलाया जाता है। सेको आपको फ्रेस्को पेंटिंग की तुलना में एक कार्य दिवस में एक बड़े सतह क्षेत्र को पेंट करने की अनुमति देता है, लेकिन यह तकनीक उतनी टिकाऊ नहीं है।
ए सेको तकनीक मध्यकालीन चित्रकला में फ़्रेस्को के साथ विकसित हुई और 17वीं-18वीं शताब्दी में यूरोप में विशेष रूप से व्यापक थी।
लियोनार्डो दा विंची "द लास्ट सपर (1498)। तकनीक एक सेको
मौज़ेक
मोज़ेक (फ़्रेंच मोज़ेक, लैटिन से इतालवी मोज़ेको (ओपस) मुसिवम - (म्यूज़ को समर्पित कार्य) विभिन्न शैलियों की सजावटी, लागू और स्मारकीय कला है। मोज़ेक में छवियां सतह पर बहुरंगी पत्थरों, स्माल्ट, सिरेमिक टाइलों और अन्य सामग्रियों को व्यवस्थित करने, सेट करने और फिक्स करने से बनती हैं।
मोज़ेक पैनल "बिल्ली"
रंगीन कांच
सना हुआ ग्लास (फ्रेंच विट्रे - खिड़की का शीशा, लैटिन विट्रम से - ग्लास) रंगीन कांच का एक काम है। सना हुआ ग्लास का उपयोग चर्चों में लंबे समय से किया जाता रहा है। पुनर्जागरण के दौरान, सना हुआ ग्लास कांच पर पेंटिंग के रूप में मौजूद था।
मेज़सोयुज़्नी पैलेस ऑफ़ कल्चर (मरमंस्क) की सना हुआ ग्लास खिड़की
पेंटिंग के प्रकारों में डायरैमा और पैनोरमा भी शामिल हैं।
चित्रावली
सेवस्तोपोल में डियोरामा "7 मई, 1944 को सैपुन पर्वत का तूफान" का निर्माण
डायोरमा - रिबन के आकार का, अर्धवृत्त में घुमावदार दर्शनीय चित्रकारीएक अग्रभूमि विषय के साथ. प्राकृतिक स्थान में दर्शक की उपस्थिति का भ्रम पैदा होता है, जो कलात्मक और तकनीकी साधनों के संश्लेषण द्वारा प्राप्त किया जाता है।
डायोरमास कृत्रिम प्रकाश व्यवस्था के लिए डिज़ाइन किए गए हैं और मुख्य रूप से विशेष मंडपों में स्थित हैं। अधिकांश डियोरामा ऐतिहासिक लड़ाइयों को समर्पित हैं।
सबसे प्रसिद्ध डियोरामा: "सैपुन माउंटेन का तूफान" (सेवस्तोपोल), "सेवस्तोपोल की रक्षा" (सेवस्तोपोल), "रेजेव के लिए लड़ाई" (रेजेव), "लेनिनग्राद की घेराबंदी तोड़ना" (सेंट पीटर्सबर्ग), "बर्लिन का तूफान" ” (मास्को), आदि।
चित्रमाला
पेंटिंग में, पैनोरमा एक गोलाकार दृश्य वाला चित्र होता है, जिसमें एक सपाट चित्रात्मक पृष्ठभूमि को त्रि-आयामी विषय अग्रभूमि के साथ जोड़ा जाता है। पैनोरमा क्षितिज के पूर्ण घेरे में दर्शक के चारों ओर वास्तविक स्थान का भ्रम पैदा करता है। पैनोरमा का उपयोग मुख्य रूप से एक बड़े क्षेत्र को कवर करने वाली घटनाओं को चित्रित करने के लिए किया जाता है बड़ी संख्याप्रतिभागियों.
पैनोरमा संग्रहालय "बोरोडिनो की लड़ाई" (संग्रहालय भवन)
रूस में, सबसे प्रसिद्ध पैनोरमा पैनोरमा संग्रहालय "बोरोडिनो की लड़ाई", "वोलोचेव की लड़ाई", "स्टेलिनग्राद में नाजी सैनिकों की हार" पैनोरमा संग्रहालय में हैं। स्टेलिनग्राद की लड़ाई", "सेवस्तोपोल की रक्षा", ट्रांस-साइबेरियन रेलवे का पैनोरमा।
फ्रांज रूबो. पैनोरमा कैनवास "बोरोडिनो की लड़ाई"
नाटकीय और सजावटी पेंटिंग
दृश्यावली, वेशभूषा, मेकअप, प्रॉप्स प्रदर्शन (फिल्म) की सामग्री को और अधिक प्रकट करने में मदद करते हैं। दृश्यावली कार्रवाई के स्थान और समय का अंदाजा देती है, और मंच पर क्या हो रहा है, इसके बारे में दर्शकों की धारणा को सक्रिय करती है। थिएटर कलाकार पात्रों के व्यक्तिगत चरित्र को तीव्रता से व्यक्त करने के लिए वेशभूषा और श्रृंगार के रेखाचित्रों में प्रयास करता है सामाजिक स्थिति, युग की शैली और भी बहुत कुछ।
रूस में, नाटकीय और सजावटी कला का उत्कर्ष 19वीं और 20वीं शताब्दी के मोड़ पर हुआ। इस समय, उत्कृष्ट कलाकार एम.ए. ने थिएटर में काम करना शुरू किया। व्रुबेल, वी.एम. वासनेत्सोव, ए.या. गोलोविन, एल.एस. बक्स्ट, एन.के. रोएरिच.
एम. व्रुबेल "सिटी ऑफ़ लॉलीपॉप"। ओपेरा के लिए सेट डिज़ाइन एन.ए. द्वारा मॉस्को में रूसी निजी ओपेरा के लिए रिमस्की-कोर्साकोव की "द टेल ऑफ़ ज़ार साल्टन"। (1900)
लघु
लघुचित्र छोटे-छोटे रूपों की एक सचित्र कृति है। पोर्ट्रेट लघुचित्र विशेष रूप से लोकप्रिय थे - एक छोटे प्रारूप (1.5 से 20 सेमी तक) का एक चित्र, लेखन की एक विशेष सूक्ष्मता, एक अद्वितीय निष्पादन तकनीक और केवल इस सचित्र रूप में निहित साधनों के उपयोग से प्रतिष्ठित।
लघुचित्रों के प्रकार और प्रारूप बहुत विविध हैं: उन्हें पानी के रंग, गौचे, विशेष कलात्मक एनामेल्स या का उपयोग करके चर्मपत्र, कागज, कार्डबोर्ड, हाथीदांत, धातु और चीनी मिट्टी के बरतन पर चित्रित किया गया था। तैलीय रंग. लेखक अपने निर्णय के अनुसार या ग्राहक के अनुरोध पर छवि को एक वृत्त, अंडाकार, समचतुर्भुज, अष्टकोण आदि में अंकित कर सकता है। एक क्लासिक पोर्ट्रेट लघुचित्र को पतली हाथीदांत प्लेट पर बना लघुचित्र माना जाता है।
सम्राट निकोलस प्रथम. जी. मोर्सेली द्वारा एक लघुचित्र का टुकड़ा
कई लघु तकनीकें हैं.
लाह लघुचित्र (फ़ेडोस्किनो)
राजकुमारी जिनेदा निकोलायेवना के चित्र के साथ लघुचित्र (जुसुपोव आभूषण)
XVII-XVIII सदियों में। यूरोपीय चित्रकला के विकास की प्रक्रिया और अधिक जटिल हो गई। फ़्रांस (जे. डे ला टूर, एफ. शैंपेन, एन. पॉसिन, ए. वट्टू, जे.बी.एस. चार्डिन, जे.ओ. फ्रैगोनार्ड, जे.एल. डेविड), इटली (एम. कारवागियो, डी. फेटी, जे.बी. टाईपोलो, जे.एम. क्रेस्पी) में राष्ट्रीय स्कूलों का गठन किया गया। , एफ. गार्डी), स्पेन (एल ग्रीको, डी. वेलाज़क्वेज़, एफ. ज़ुर्बरन, बी. ई. मुरिलो, एफ. गोया), फ़्लैंडर्स (पी. पी. रूबेन्स, जे. जोर्डेन्स, ए. वैन डाइक, एफ. स्नाइडर्स), हॉलैंड (एफ. हेल्स, रेम्ब्रांट, जे. वर्मर 
, जे. वैन रुइसडेल, जी. टेरबोर्च, के. फैब्रिकियस), ग्रेट ब्रिटेन (जे. रेनॉल्ड्स, टी. गेन्सबोरो, डब्ल्यू. होगार्थ), रूस (एफ.एस. रोकोतोव, डी.जी. लेवित्स्की, वी.एल. बोरोविकोवस्की)। पेंटिंग ने नए सामाजिक और नागरिक आदर्शों की घोषणा की, अपने आंदोलन और विविधता में वास्तविक जीवन के अधिक विस्तृत और सटीक चित्रण की ओर रुख किया, विशेष रूप से किसी व्यक्ति के रोजमर्रा के वातावरण (परिदृश्य, आंतरिक, घरेलू सामान); मनोवैज्ञानिक समस्याएँ गहरी हो गईं, व्यक्ति और आसपास की दुनिया के बीच एक संघर्षपूर्ण रिश्ते की भावना सन्निहित हो गई। 17वीं सदी में शैलियों की प्रणाली का विस्तार हुआ और स्पष्ट रूप से आकार लिया गया। XVII-XVIII सदियों में। स्मारकीय और सजावटी पेंटिंग (विशेष रूप से बारोक शैली में) के उत्कर्ष के साथ-साथ, जो मूर्तिकला और वास्तुकला के साथ घनिष्ठ एकता में मौजूद थी और एक भावनात्मक वातावरण बनाया जिसने लोगों को सक्रिय रूप से प्रभावित किया, चित्रफलक पेंटिंग ने एक प्रमुख भूमिका निभाई। विभिन्न चित्रकला प्रणालियों का गठन किया गया, दोनों में समान शैलीगत विशेषताएं थीं (अपनी विशिष्ट खुली, सर्पिल-आकार की संरचना के साथ गतिशील बारोक पेंटिंग; एक स्पष्ट, सख्त और स्पष्ट डिजाइन के साथ क्लासिकिज़्म पेंटिंग; रंग, प्रकाश और फीकी की उत्कृष्ट बारीकियों के खेल के साथ रोकोको पेंटिंग) टोन), और किसी विशिष्ट शैली ढांचे में फिट नहीं होते। दुनिया की रंगीनता, प्रकाश-वायु वातावरण को पुन: पेश करने का प्रयास करते हुए, कई कलाकारों ने टोनल पेंटिंग प्रणाली में सुधार किया। इससे बहु-परत तेल चित्रकला की तकनीकी तकनीकों का वैयक्तिकरण हुआ। चित्रफलक कला की वृद्धि और अंतरंग चिंतन के लिए डिज़ाइन किए गए कार्यों की बढ़ती आवश्यकता के कारण चैम्बर, सूक्ष्म और हल्की पेंटिंग तकनीकों - पेस्टल, जल रंग, स्याही और विभिन्न प्रकार के चित्र लघुचित्रों का विकास हुआ।
19 वीं सदी में यूरोप और अमेरिका में यथार्थवादी चित्रकला के नये राष्ट्रीय विद्यालय उभर रहे थे। यूरोप और दुनिया के अन्य हिस्सों में चित्रकला के बीच संबंधों का विस्तार हुआ, जहां यूरोपीय यथार्थवादी चित्रकला के अनुभव को एक मूल व्याख्या मिली, जो अक्सर स्थानीय प्राचीन परंपराओं (भारत, चीन, जापान और अन्य देशों में) पर आधारित थी; यूरोपीय चित्रकला सुदूर पूर्वी देशों (मुख्य रूप से जापान और चीन) की कला से प्रभावित थी, जो चित्रात्मक विमान के सजावटी और लयबद्ध संगठन के लिए तकनीकों के नवीनीकरण में परिलक्षित हुई थी। 19 वीं सदी में पेंटिंग ने जटिल और गंभीर विश्वदृष्टि समस्याओं को हल किया और सार्वजनिक जीवन में सक्रिय भूमिका निभाई; चित्रकला में सामाजिक यथार्थ की तीखी आलोचना महत्वपूर्ण हो गई। पूरे 19वीं सदी में. चित्रकला में, शिक्षावाद के सिद्धांतों, जीवन से दूर, और छवियों के अमूर्त आदर्शीकरण की भी खेती की गई; प्रकृतिवाद की प्रवृत्तियाँ उत्पन्न हुईं। देर से क्लासिकवाद और सैलून शिक्षावाद की अमूर्तता के खिलाफ लड़ाई में, रोमांटिकतावाद की पेंटिंग इतिहास और आधुनिकता की नाटकीय घटनाओं, चित्रात्मक भाषा की ऊर्जा, प्रकाश और छाया के विपरीत, रंग की समृद्धि (टी) में अपनी सक्रिय रुचि के साथ विकसित हुई। फ्रांस में गेरिकॉल्ट, ई. डेलाक्रोइक्स; जर्मनी में एफ. ओ. रूंज और के. डी. फ्रेडरिक; कई मायनों में रूस में ओ. ए. किप्रेंस्की, सिल्वेस्टर शेड्रिन, के. पी. ब्रायलोव, ए. ए. इवानोव)। यथार्थवादी चित्रकला, वास्तविकता की विशिष्ट घटनाओं के प्रत्यक्ष अवलोकन पर आधारित, जीवन का अधिक पूर्ण, ठोस रूप से विश्वसनीय, दृश्यात्मक रूप से ठोस चित्रण करती है (ग्रेट ब्रिटेन में जे. कॉन्स्टेबल; सी. कोरोट, बारबिजोन स्कूल के मास्टर, फ्रांस में ओ. ड्यूमियर) ; रूस में ए.जी. वेनेत्सियानोव, पी. ए. फेडोटोव)। यूरोप में क्रांतिकारी और राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन के उदय के दौरान, लोकतांत्रिक यथार्थवाद की पेंटिंग (फ्रांस में जी. कौरबेट, जे.एफ. मिलेट; हंगरी में एम. मुनकासी, रोमानिया में एन. ग्रिगोरेस्कु और आई. एंड्रीस्कु, ए. मेन्ज़ेल, वी. लीब्ली) जर्मनी में, आदि) ने लोगों के जीवन और कार्य, उनके अधिकारों के लिए उनके संघर्ष को दिखाया और सबसे महत्वपूर्ण घटनाओं को संबोधित किया राष्ट्रीय इतिहास, बनाया था ज्वलंत छवियां आम लोगऔर उन्नत लोकप्रिय हस्ती; कई देशों में राष्ट्रीय यथार्थवादी परिदृश्य के स्कूल उभरे। यात्रा करने वालों और उनके करीबी कलाकारों की पेंटिंग, रूसी क्रांतिकारी डेमोक्रेट - वी.जी.
वह 1870 के दशक की शुरुआत में आसपास की दुनिया की स्वाभाविकता और निरंतर परिवर्तनशीलता के कलात्मक अवतार में आए। इंप्रेशनिस्ट पेंटिंग (फ्रांस में ई. मानेट, सी. मोनेट, ओ. रेनॉयर, सी. पिस्सारो, ए. सिसली, ई. डेगास), जिसने चित्रात्मक सतह को व्यवस्थित करने की तकनीक और तरीकों को अद्यतन किया, शुद्ध रंग और बनावट की सुंदरता को प्रकट किया प्रभाव. 19 वीं सदी में यूरोप में, चित्रफलक तेल चित्रकला का बोलबाला था, कई मामलों में इसकी तकनीक ने एक व्यक्तिगत, स्वतंत्र चरित्र प्राप्त कर लिया, धीरे-धीरे अपनी अंतर्निहित सख्त व्यवस्थितता खो दी (जो नए कारखाने-निर्मित पेंट के प्रसार से भी सुगम हुई); पैलेट का विस्तार हुआ (नए रंगद्रव्य और बाइंडर्स बनाए गए); 19वीं सदी की शुरुआत में गहरे रंग की मिट्टी के बजाय। सफेद मिट्टी का पुनः प्रचलन हुआ। स्मारकीय और सजावटी पेंटिंग, जिसका उपयोग 19वीं शताब्दी में किया गया था। लगभग विशेष रूप से गोंद या तेल पेंट खराब हो गए। 19वीं सदी के अंत में - 20वीं सदी की शुरुआत में। स्मारकीय पेंटिंग को पुनर्जीवित करने और विभिन्न प्रकार की पेंटिंग को सजावटी और व्यावहारिक कला और वास्तुकला के कार्यों के साथ एक एकल समूह (मुख्य रूप से "आधुनिक" कला) में विलय करने का प्रयास किया जा रहा है; तकनीकी साधनों को बड़े पैमाने पर अद्यतन किया जा रहा है सजावटी पेंटिंगसिलिकेट पेंटिंग तकनीक विकसित की जा रही है।
XIX - XX सदियों के अंत में। चित्रकला का विकास विशेष रूप से जटिल और विरोधाभासी हो जाता है; विभिन्न यथार्थवादी और आधुनिकतावादी आंदोलन सह-अस्तित्व में हैं और संघर्ष करते हैं। आदर्शों से प्रेरित अक्टूबर क्रांति 1917, विधि से सुसज्जित समाजवादी यथार्थवाद, यूएसएसआर और अन्य समाजवादी देशों में पेंटिंग गहन रूप से विकसित हो रही है। एशिया, अफ्रीका, ऑस्ट्रेलिया और लैटिन अमेरिका के देशों में चित्रकला के नए स्कूल उभर रहे हैं।
यथार्थवादी पेंटिंगदेर से XIX - XX सदियों। सामाजिक वास्तविकता में होने वाली गहरी प्रक्रियाओं के सार को प्रकट करने के लिए, दुनिया को उसके सभी विरोधाभासों में समझने और दिखाने की इच्छा से प्रतिष्ठित है, जिसमें कभी-कभी पर्याप्त दृश्य उपस्थिति नहीं होती है; वास्तविकता की कई घटनाओं का प्रतिबिंब और व्याख्या अक्सर व्यक्तिपरक, प्रतीकात्मक चरित्र प्राप्त कर लेती है। 20वीं सदी की पेंटिंग चित्रण की दृश्यमान वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक विधि के साथ, वह व्यापक रूप से दृश्यमान दुनिया की व्याख्या के नए (साथ ही पुरातनता से जुड़े), पारंपरिक सिद्धांतों का उपयोग करता है। पहले से ही प्रभाववाद के बाद की पेंटिंग में (पी. सेज़ेन, डब्लू. वैन गॉग, पी. गौगुइन, ए. टूलूज़-लॉट्रेक) और आंशिक रूप से "आधुनिक" की पेंटिंग में, ऐसी विशेषताएं उभरीं जिन्होंने 20वीं सदी के कुछ आंदोलनों की विशेषताओं को निर्धारित किया। शतक। (दुनिया के प्रति कलाकार के व्यक्तिगत रवैये की सक्रिय अभिव्यक्ति, भावनात्मकता और रंग की साहचर्यता, जिसका प्राकृतिक रंगीन रिश्तों, अतिरंजित रूपों, सजावट से बहुत कम संबंध है)। 19वीं सदी के आखिर और 20वीं सदी की शुरुआत के रूसी चित्रकारों की कला में वी. ए. सेरोव, एम. ए. व्रुबेल, के. ए. कोरोविन की पेंटिंग्स में दुनिया की एक नए तरीके से व्याख्या की गई थी।
20 वीं सदी में वास्तविकता विरोधाभासी है, और अक्सर पूंजीवादी देशों के सबसे बड़े कलाकारों के चित्रों में गहराई से व्यक्तिपरक रूप से महसूस और अनुवादित किया जाता है: फ्रांस में पी. पिकासो, ए. मैटिस, एफ. लेगर, ए. मार्क्वेट, ए. डेरैन; मेक्सिको में डी. रिवेरा, जे.सी. ओरोज्को, डी. सिकिरोस; इटली में आर. गुट्टूसो; संयुक्त राज्य अमेरिका में जे. बेलोज़, आर. केंट। चित्रों, दीवार चित्रों और सुरम्य पैनलों में, वास्तविकता के दुखद विरोधाभासों की सच्ची समझ व्यक्त की गई, जो अक्सर पूंजीवादी व्यवस्था की विकृतियों के प्रदर्शन में बदल जाती है। नए, "तकनीकी" युग की सौंदर्य बोध के साथ जुड़ा हुआ जीवन के औद्योगिकीकरण के मार्ग का प्रतिबिंब है, ज्यामितीय, "मशीन" रूपों की पेंटिंग में प्रवेश, जिसमें कार्बनिक रूप अक्सर कम हो जाते हैं, उन लोगों की खोज जो विश्वदृष्टिकोण के अनुरूप आधुनिक आदमीनए फॉर्म जिनका उपयोग किया जा सकता है सजावटी कला, वास्तुकला और उद्योग। 20वीं सदी की शुरुआत से, चित्रकला में व्यापक रूप से, मुख्य रूप से पूंजीवादी देशों में। बुर्जुआ समाज की संस्कृति के सामान्य संकट को दर्शाते हुए विभिन्न आधुनिकतावादी आंदोलन प्राप्त हुए; हालाँकि, आधुनिकतावादी चित्रकला भी अप्रत्यक्ष रूप से हमारे समय की "बीमार" समस्याओं को दर्शाती है। कईयों की पेंटिंग्स में आधुनिकतावादी आंदोलन(फौविज्म, क्यूबिज्म, फ्यूचरिज्म, दादावाद और बाद में अतियथार्थवाद) दृश्यमान दुनिया के अलग-अलग कम या ज्यादा आसानी से पहचाने जाने योग्य तत्व खंडित या ज्यामितीय होते हैं, अप्रत्याशित, कभी-कभी अतार्किक संयोजनों में दिखाई देते हैं, जो कई संघों को जन्म देते हैं, और विशुद्ध रूप से अमूर्त रूपों में विलीन हो जाते हैं। आगे का विकासइनमें से कई आंदोलनों के कारण प्रतिनिधित्व का पूर्ण परित्याग हुआ, जिससे अमूर्त चित्रकला (सार कला देखें) का उदय हुआ, जिसने वास्तविकता को प्रतिबिंबित करने और समझने के साधन के रूप में चित्रकला के पतन को चिह्नित किया। 60 के दशक के मध्य से। पश्चिमी यूरोप और अमेरिका में, पेंटिंग कभी-कभी पॉप कला के तत्वों में से एक बन जाती है।
20 वीं सदी में स्मारकीय और सजावटी पेंटिंग की भूमिका, दोनों आलंकारिक (उदाहरण के लिए, मेक्सिको में क्रांतिकारी लोकतांत्रिक स्मारकीय पेंटिंग) और गैर-आलंकारिक, आमतौर पर सपाट, आधुनिक वास्तुकला के ज्यामितीय रूपों के अनुरूप, बढ़ रही है।
20 वीं सदी में पेंटिंग तकनीकों (मोम और टेम्पेरा सहित; स्मारकीय पेंटिंग के लिए नए पेंट का आविष्कार किया जा रहा है - सिलिकॉन, सिलिकॉन रेजिन आदि) के क्षेत्र में अनुसंधान में रुचि बढ़ रही है, लेकिन तेल चित्रकला अभी भी प्रमुख है।
बहुराष्ट्रीय सोवियत पेंटिंगसाम्यवादी विचारधारा के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ा हुआ है, पार्टी भावना और कला की राष्ट्रीयता के सिद्धांतों के साथ, यह गुणात्मक रूप से प्रतिनिधित्व करता है नया मंचचित्रकला का विकास, जो समाजवादी यथार्थवाद की पद्धति की विजय से निर्धारित होता है। यूएसएसआर में, सभी संघ और स्वायत्त गणराज्यों में पेंटिंग विकसित हो रही है, और पेंटिंग के नए राष्ट्रीय स्कूल उभर रहे हैं। सोवियत चित्रकला की विशेषता वास्तविकता की गहरी समझ, दुनिया की भौतिकता और इसकी छवियों की आध्यात्मिक समृद्धि है। समाजवादी वास्तविकता को उसकी सारी जटिलता और संपूर्णता में अपनाने की इच्छा ने कई शैली रूपों के उपयोग को जन्म दिया है जो नई सामग्री से भरे हुए हैं। पहले से ही 20 के दशक से। ऐतिहासिक-क्रांतिकारी विषय विशेष महत्व प्राप्त करता है (एम.बी. ग्रीकोव, ए.ए. डेनेका, के.एस. पेत्रोव-वोडकिन, बी.वी. इओगानसन, आई.आई. ब्रोडस्की, ए.एम. गेरासिमोव द्वारा कैनवास)। फिर देशभक्तिपूर्ण पेंटिंग दिखाई देती हैं, जो रूस के वीरतापूर्ण अतीत के बारे में बताती हैं, 1941-45 के महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के ऐतिहासिक नाटक, सोवियत व्यक्ति की आध्यात्मिक दृढ़ता को दर्शाती हैं।
सोवियत चित्रकला के विकास में चित्र प्रमुख भूमिका निभाता है: सामूहिक छवियाँलोगों के लोग, जीवन के क्रांतिकारी पुनर्गठन में भागीदार (ए.ई. आर्किपोव, जी.जी. रिज़्स्की, आदि); मनोवैज्ञानिक चित्र, आंतरिक दुनिया को दिखाते हुए, सोवियत व्यक्ति का आध्यात्मिक श्रृंगार (एम. वी. नेस्टरोव, एस. वी. माल्युटिन, पी. डी. कोरिन, आदि)।
सोवियत लोगों के जीवन का विशिष्ट तरीका परिलक्षित होता है शैली पेंटिग, नए लोगों और जीवन के एक नए तरीके की काव्यात्मक रूप से ज्वलंत छवि दे रहा है। सोवियत चित्रकला की विशेषता समाजवादी निर्माण (एस. वी. गेरासिमोव, ए. ए. प्लास्टोव, यू. आई. पिमेनोव, टी. एन. याब्लोन्स्काया, आदि) के मार्ग से प्रेरित बड़े कैनवस हैं। संघ और स्वायत्त गणराज्यों के जीवन के अनूठे रूपों की सौंदर्यवादी पुष्टि सोवियत चित्रकला (एम.एस. सरियन, एल. गुडियाश्विली, एस.ए. चुइकोव, यू. तानसिकबाएव, टी. सलाखोव, ई. इल्टनर, एम.) में विकसित हुए राष्ट्रीय विद्यालयों के आधार पर है। ए. सावित्स्की, ए. गुडाईटिस, ए. ए. शोवकुनेंको, जी. ऐटिव, आदि), जो एकल के घटकों का प्रतिनिधित्व करते हैं। कलात्मक संस्कृतिसोवियत समाजवादी समाज.
लैंडस्केप पेंटिंग में, अन्य शैलियों की तरह, राष्ट्रीय कलात्मक परंपराओं को प्रकृति की आधुनिक समझ के साथ कुछ नए की खोज के साथ जोड़ा जाता है। रूसी परिदृश्य चित्रकला (वी.एन. बक्शेव, एन.पी. क्रिमोव, एन.एम. रोमाडिन, आदि) की गीतात्मक पंक्ति औद्योगिक परिदृश्य के विकास से इसकी तीव्र लय के साथ, रूपांतरित प्रकृति के रूपांकनों (बी.एन. याकोवलेव, जी.जी. निस्की) से पूरित है। उच्च स्तरस्थिर जीवन पेंटिंग हासिल की (आई. आई. माशकोव, पी. पी. कोंचलोव्स्की, एम. एस. सरियन)।
विकास सामाजिक कार्यचित्रकला के साथ-साथ चित्रात्मक संस्कृति का सामान्य विकास भी होता है। एकल यथार्थवादी पद्धति की सीमाओं के भीतर, सोवियत चित्रकला विभिन्न प्रकार के कलात्मक रूपों, तकनीकों और व्यक्तिगत शैलियों को प्राप्त करती है। निर्माण के व्यापक दायरे, बड़े सार्वजनिक भवनों और स्मारक समूहों के निर्माण ने विकास में योगदान दिया स्मारकीय और सजावटीपेंटिंग (वी. ए. फेवोर्स्की, ई. ई. लांसरे, पी. डी. कोरिन द्वारा कार्य), टेम्पेरा पेंटिंग, भित्तिचित्र और मोज़ाइक की तकनीक का पुनरुद्धार। 60 के दशक में - 80 के दशक की शुरुआत में। स्मारकीय और चित्रफलक चित्रकला का पारस्परिक प्रभाव बढ़ गया है, अधिकतम उपयोग करने और समृद्ध करने की इच्छा बढ़ गई है अभिव्यक्ति का साधनपेंटिंग (सोवियत समाजवादी गणराज्य संघ और सोवियत संघ गणराज्यों पर लेख भी देखें)।
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). हालाँकि, इस लेख के प्रयोजनों के लिए हम केवल वस्तु कला पर विचार करेंगे।
ऐतिहासिक रूप से, सभी शैलियों को उच्च और निम्न में विभाजित किया गया था। को उच्च शैली या ऐतिहासिक चित्रकला में स्मारकीय प्रकृति के कार्य शामिल थे, जिनमें कुछ प्रकार की नैतिकता थी, सार्थक विचार, धर्म, पौराणिक कथाओं या कल्पना से जुड़ी ऐतिहासिक, सैन्य घटनाओं का प्रदर्शन।
को निम्न शैलीइसमें रोजमर्रा की जिंदगी से जुड़ी हर चीज शामिल है। ये स्थिर जीवन हैं, चित्र हैं, घरेलू पेंटिंग, परिदृश्य, पशुता, नग्न लोगों की छवियां, आदि।
पशुवाद (अव्य. पशु - पशु)
पशुवत शैली प्राचीन काल में उत्पन्न हुई, जब पहले लोगों ने चट्टानों पर शिकारी जानवरों को चित्रित किया। धीरे-धीरे, यह दिशा एक स्वतंत्र शैली में विकसित हुई, जिसका अर्थ किसी भी जानवर का अभिव्यंजक चित्रण था। पशुपालकों को आमतौर पर जानवरों की दुनिया में बहुत रुचि होती है, उदाहरण के लिए, वे उत्कृष्ट घुड़सवार हो सकते हैं, पालतू जानवर रख सकते हैं, या बस लंबे समय तक उनकी आदतों का अध्ययन कर सकते हैं। कलाकार के इरादों के परिणामस्वरूप, जानवर यथार्थवादी या कलात्मक छवियों के रूप में दिखाई दे सकते हैं।
रूसी कलाकारों में, कई लोग घोड़ों में पारंगत थे, उदाहरण के लिए, और। इस प्रकार, वासनेत्सोव की प्रसिद्ध पेंटिंग "बोगटायर्स" में, वीर घोड़ों को सबसे बड़े कौशल के साथ चित्रित किया गया है: जानवरों के रंग, व्यवहार, लगाम और सवारों के साथ उनके संबंध पर सावधानीपूर्वक विचार किया गया है। सेरोव को लोग पसंद नहीं थे और वह कई मायनों में घोड़े को इंसान से बेहतर मानते थे, यही वजह है कि वह अक्सर इसे विभिन्न दृश्यों में चित्रित करते थे। हालाँकि उन्होंने जानवरों को चित्रित किया, लेकिन वे खुद को पशुवादी नहीं मानते थे, इसलिए भालू उनके थे प्रसिद्ध पेंटिंग"सुबह हो रही है पाइन के वन” पशुविज्ञानी के. सावित्स्की द्वारा बनाया गया था।
ज़ारिस्ट काल में, पालतू जानवरों के चित्र, जो मनुष्य को प्रिय थे, विशेष रूप से लोकप्रिय हो गए। उदाहरण के लिए, पेंटिंग में महारानी कैथरीन द्वितीय अपने प्यारे कुत्ते के साथ दिखाई दीं। अन्य रूसी कलाकारों के चित्रों में भी जानवर मौजूद थे।
रोजमर्रा की शैली में प्रसिद्ध रूसी कलाकारों द्वारा चित्रों के उदाहरण
इतिहास चित्रकारी
इस शैली में स्मारकीय पेंटिंग शामिल हैं जो समाज को एक भव्य योजना, कुछ सच्चाई, नैतिकता, या महत्वपूर्ण घटनाओं को प्रदर्शित करने के लिए डिज़ाइन की गई हैं। इसमें ऐतिहासिक, पौराणिक, धार्मिक विषयों, लोककथाओं के साथ-साथ सैन्य दृश्यों पर काम शामिल हैं।
प्राचीन राज्यों में, मिथकों और किंवदंतियों को लंबे समय तक अतीत की घटनाएं माना जाता था, इसलिए उन्हें अक्सर भित्तिचित्रों या फूलदानों पर चित्रित किया जाता था। बाद में, कलाकारों ने घटित घटनाओं को कल्पना से अलग करना शुरू कर दिया, जो मुख्य रूप से छवि में व्यक्त की गई थी युद्ध के दृश्य. में प्राचीन रोम, मिस्र और ग्रीस में, दुश्मन पर अपनी विजय प्रदर्शित करने के लिए अक्सर विजयी योद्धाओं की ढालों पर वीरतापूर्ण लड़ाई के दृश्य चित्रित किए जाते थे।
मध्य युग में, चर्च हठधर्मिता के प्रभुत्व के कारण, धार्मिक विषय प्रचलित थे; पुनर्जागरण में, समाज मुख्य रूप से अपने राज्यों और शासकों का महिमामंडन करने के उद्देश्य से अतीत की ओर मुड़ गया, और 18 वीं शताब्दी के बाद से, इस शैली को अक्सर बदल दिया गया है। युवाओं को शिक्षित करने के उद्देश्य से. रूस में, यह शैली 19वीं शताब्दी में व्यापक हो गई, जब कलाकार अक्सर रूसी समाज के जीवन का विश्लेषण करने की कोशिश करते थे।
रूसी कलाकारों के कार्यों में, युद्ध चित्रकला प्रस्तुत की गई थी, उदाहरण के लिए, और। उन्होंने अपने चित्रों में पौराणिक और धार्मिक विषयों को छुआ। ऐतिहासिक चित्रकला इनमें प्रमुख है, लोककथाएँ - इनमें।
ऐतिहासिक चित्रकला की शैली में प्रसिद्ध रूसी कलाकारों द्वारा चित्रों के उदाहरण
स्थिर जीवन (फ्रांसीसी प्रकृति - प्रकृति और मोर्टे - मृत)
चित्रकला की यह शैली निर्जीव वस्तुओं के चित्रण से जुड़ी है। वे फूल, फल, व्यंजन, खेल, रसोई के बर्तन और अन्य वस्तुएँ हो सकते हैं, जिनसे कलाकार अक्सर अपनी योजना के अनुसार एक रचना बनाता है।
पहला स्थिर जीवन प्राचीन देशों में दिखाई दिया। में प्राचीन मिस्रविभिन्न व्यंजनों के रूप में देवताओं को चढ़ाए गए प्रसाद को चित्रित करने की प्रथा थी। उसी समय, वस्तु की पहचान सबसे पहले हुई, इसलिए प्राचीन कलाकारों ने काइरोस्कोरो या स्थिर जीवन वस्तुओं की बनावट के बारे में विशेष रूप से परवाह नहीं की। प्राचीन ग्रीस और रोम में, फूल और फल आंतरिक सजावट के लिए चित्रों और घरों में पाए जाते थे, इसलिए उन्हें अधिक प्रामाणिक और चित्रात्मक रूप से चित्रित किया गया था। इस शैली का निर्माण और उत्कर्ष 16वीं और 17वीं शताब्दी में हुआ, जब स्थिर जीवन में छिपे हुए धार्मिक और अन्य अर्थ शामिल होने लगे। उसी समय, छवि के विषय (पुष्प, फल, वैज्ञानिक, आदि) के आधार पर कई किस्में सामने आईं।
रूस में, स्थिर जीवन चित्रकला केवल 20वीं शताब्दी में ही फली-फूली, क्योंकि इससे पहले इसका उपयोग मुख्य रूप से शैक्षिक उद्देश्यों के लिए किया जाता था। लेकिन यह विकास तीव्र गति से हुआ और अमूर्त कला सहित इसकी सभी दिशाओं पर कब्जा कर लिया गया। उदाहरण के लिए, उन्होंने फूलों की सुंदर रचनाएँ बनाईं, पसंद कीं, काम किया और अक्सर अपने स्थिर जीवन को "पुनर्जीवित" किया, जिससे दर्शकों को यह आभास हुआ कि व्यंजन मेज से गिरने वाले थे या सभी वस्तुएँ घूमना शुरू करने वाली थीं। .
बेशक, कलाकारों द्वारा चित्रित वस्तुएं उनके सैद्धांतिक विचारों या विश्वदृष्टि और मन की स्थिति से प्रभावित थीं। इस प्रकार, ये उनके द्वारा खोजे गए गोलाकार परिप्रेक्ष्य के सिद्धांत के अनुसार चित्रित वस्तुएं थीं, और अभिव्यक्तिवादी अभी भी अपने नाटक से चकित थे।
कई रूसी कलाकारों ने स्थिर जीवन का उपयोग मुख्य रूप से शैक्षिक उद्देश्यों के लिए किया। इस प्रकार, उन्होंने न केवल अपने कलात्मक कौशल को निखारा, बल्कि कई प्रयोग भी किए, वस्तुओं को विभिन्न तरीकों से व्यवस्थित किया, प्रकाश और रंग के साथ काम किया। रेखा के आकार और रंग के साथ प्रयोग किया गया, या तो यथार्थवाद से दूर शुद्ध आदिमवाद की ओर ले जाया गया, या दोनों शैलियों को मिलाया गया।
अन्य कलाकारों ने स्थिर जीवन में जो कुछ उन्होंने पहले चित्रित किया था उसे अपनी पसंदीदा चीज़ों के साथ जोड़ दिया। उदाहरण के लिए, चित्रों में आप उनका पसंदीदा फूलदान, शीट संगीत और उनकी पत्नी का चित्र पा सकते हैं जो उन्होंने पहले बनाया था, और उन्होंने बचपन से अपने पसंदीदा फूलों को चित्रित किया था।
कई अन्य रूसी कलाकारों ने एक ही शैली में काम किया, उदाहरण के लिए, और अन्य।
स्थिर जीवन शैली में प्रसिद्ध रूसी कलाकारों द्वारा चित्रों के उदाहरण
नग्न (फ्रेंच न्यूडाइट - नग्नता, संक्षिप्त रूप में नू)
इस शैली का उद्देश्य नग्न शरीर की सुंदरता को चित्रित करना है और यह हमारे युग से पहले प्रकट हुई थी। में प्राचीन विश्व बहुत ध्यान देनाशारीरिक विकास के लिए भुगतान किया गया, क्योंकि संपूर्ण मानव जाति का अस्तित्व इस पर निर्भर था। इस प्रकार, प्राचीन ग्रीस में, एथलीट पारंपरिक रूप से नग्न प्रतिस्पर्धा करते थे ताकि लड़के और युवा अपने सुविकसित शरीर को देख सकें और उसी शारीरिक पूर्णता के लिए प्रयास कर सकें। लगभग 7वीं-6वीं शताब्दी के आसपास। ईसा पूर्व इ। नग्न पुरुष मूर्तियाँ भी दिखाई दीं, जो मनुष्य की शारीरिक शक्ति को दर्शाती हैं। इसके विपरीत, महिला आकृतियाँ, उजागर होने के बाद से हमेशा दर्शकों के सामने वस्त्र पहनकर आती थीं महिला शरीरस्वीकार नहीं किया गया.
बाद के युगों में, नग्नता के प्रति दृष्टिकोण बदल गया। इस प्रकार, हेलेनिज़्म के दौरान (छठी शताब्दी ईसा पूर्व के अंत से), धीरज पृष्ठभूमि में फीका पड़ गया, जिससे पुरुष छवि की प्रशंसा का मार्ग प्रशस्त हुआ। उसी समय, पहली महिला नग्न आकृतियाँ दिखाई देने लगीं। बारोक युग में, सुडौल आकृति वाली महिलाओं को आदर्श माना जाता था; रोकोको युग में, कामुकता सर्वोपरि हो गई थी, और 19वीं-20वीं शताब्दी में, नग्न शरीर (विशेष रूप से पुरुष वाले) वाली पेंटिंग या मूर्तियों पर अक्सर प्रतिबंध लगा दिया गया था।
रूसी कलाकारों ने बार-बार अपने कार्यों में नग्न शैली की ओर रुख किया है। तो, ये नाटकीय विशेषताओं वाले नर्तक हैं, ये स्मारकीय दृश्यों के केंद्र में लड़कियों या महिलाओं को प्रस्तुत कर रहे हैं। इसमें बहुत सारी कामुक महिलाएँ हैं, जिनमें जोड़े भी शामिल हैं, इसमें चित्रों की एक पूरी श्रृंखला है जिसमें विभिन्न गतिविधियों में नग्न महिलाओं को दर्शाया गया है, और इसमें मासूमियत से भरी लड़कियाँ हैं। उदाहरण के लिए, कुछ ने पूरी तरह से नग्न पुरुषों को चित्रित किया, हालांकि उनके समय के समाज द्वारा ऐसे चित्रों का स्वागत नहीं किया गया था।
नग्न शैली में प्रसिद्ध रूसी कलाकारों की पेंटिंग के उदाहरण
लैंडस्केप (फ़्रेंच पेसेज़, पेज़ से - इलाक़ा)
इस शैली में, प्राथमिकता प्राकृतिक या मानव निर्मित पर्यावरण का चित्रण है: प्राकृतिक क्षेत्र, शहरों, गांवों, स्मारकों आदि के दृश्य। चुनी गई वस्तु के आधार पर, प्राकृतिक, औद्योगिक, समुद्री, ग्रामीण, गीतात्मक और अन्य परिदृश्य प्रतिष्ठित हैं।
प्राचीन कलाकारों द्वारा सबसे पहले भूदृश्यों की खोज कहाँ की गई थी? चट्टान कलानवपाषाण युग और पेड़ों, नदियों या झीलों की छवियां थीं। बाद में, घर को सजाने के लिए प्राकृतिक रूपांकनों का उपयोग किया जाने लगा। मध्य युग में, परिदृश्य को लगभग पूरी तरह से धार्मिक विषयों से बदल दिया गया था, और पुनर्जागरण में, इसके विपरीत, मनुष्य और प्रकृति के बीच सामंजस्यपूर्ण संबंध सामने आया।
रूस में, लैंडस्केप पेंटिंग 18वीं शताब्दी से विकसित हुई और शुरू में सीमित थी (उदाहरण के लिए, परिदृश्य इस शैली में बनाए गए थे), लेकिन बाद में प्रतिभाशाली रूसी कलाकारों की एक पूरी श्रृंखला ने विभिन्न शैलियों और आंदोलनों की तकनीकों के साथ इस शैली को समृद्ध किया। तथाकथित कम महत्वपूर्ण परिदृश्य का निर्माण किया, अर्थात्, शानदार दृश्यों का पीछा करने के बजाय, उन्होंने रूसी प्रकृति में सबसे अंतरंग क्षणों को चित्रित किया। और एक गीतात्मक परिदृश्य सामने आया जिसने दर्शकों को अपनी सूक्ष्मता से संप्रेषित मनोदशा से चकित कर दिया।
और यह एक महाकाव्य परिदृश्य है, जब दर्शक को आसपास की दुनिया की सारी भव्यता दिखाई जाती है। अंतहीन रूप से पुरातनता की ओर मुड़ते हुए, ई. वोल्कोव जानते थे कि किसी भी विवेकशील परिदृश्य को एक काव्यात्मक चित्र में कैसे बदलना है, परिदृश्यों में अपनी अद्भुत रोशनी से दर्शकों को चकित कर देते हैं, और जंगल के कोनों, पार्कों, सूर्यास्तों की अंतहीन प्रशंसा कर सकते हैं और इस प्यार को दर्शक तक पहुंचा सकते हैं।
प्रत्येक परिदृश्य चित्रकार ने अपना ध्यान उस परिदृश्य पर केंद्रित किया जिसने उसे विशेष रूप से दृढ़ता से आकर्षित किया। कई कलाकार बड़े पैमाने पर निर्माण परियोजनाओं को नजरअंदाज नहीं कर सके और उन्होंने कई औद्योगिक और शहरी परिदृश्यों को चित्रित किया। उनमें से कार्य हैं,
पेंटिंग का सार
वैज्ञानिकों के अनुसार सबसे प्राचीन शैल चित्र लगभग 40 हजार वर्ष पूर्व बनाये गये थे। प्रागैतिहासिक काल की कला दीर्घाएँ प्राकृतिक रंगों - मिट्टी, लकड़ी का कोयला, चाक, आदि का उपयोग करके चित्रित दीवारों वाली गुफाएँ हैं। ऐसे "संग्रहालय" यूरोप, एशिया, अमेरिका, ऑस्ट्रेलिया में पाए जाते हैं।
प्राचीन कलाकारों के चित्रों में ललित कला के वास्तविक कार्यों की सभी विशेषताएं मौजूद हैं। आप पर्यवेक्षक की तेज़ नज़र, ड्राफ्ट्समैन के स्थिर हाथ और रंग संयोजन की अभिव्यक्ति को महसूस कर सकते हैं। कई साल पहले अकल्पनीय संख्या में बनाई गई पेंटिंग की शैलियाँ पूरे मानव इतिहास में प्रासंगिक रहेंगी, और वे अब भी महत्वपूर्ण हैं: मनुष्यों और जानवरों की छवियां, शांति और युद्ध के दृश्य...
ललित कला का सार भी कई शताब्दियों तक अपरिवर्तित रहा है: दृश्य छवियों का निर्माण जो मानव निर्माता की छाप को दर्शाता है वस्तुनिष्ठ संसारऔर घटना आध्यात्मिक व्यवस्था, कलात्मक कालक्रम ऐतिहासिक घटनाओंविभिन्न पैमानों का, कल्पना और कल्पना का खेल, जो काम और प्रतिभा पर आधारित है। ऐसी समस्याओं को हल करने के लिए, कलाकारों ने लंबे समय से पेंटिंग की विभिन्न शैलियों और शैलियों का विकास किया है। उनकी संख्या बड़ी है, और उनकी विशेषताएं विशिष्ट गुरुओं की रचनात्मकता से निर्धारित होती हैं।
स्मारकीय और चित्रफलक पेंटिंग
किसी पेंटिंग के कलात्मक प्रभाव की ताकत उन कारकों पर निर्भर करती है जिनकी अक्सर कोई स्पष्ट परिभाषा नहीं होती है। किसी ललित कला के काम के पैमाने का आकलन करते समय पेंटिंग का आकार सबसे पारंपरिक मानदंडों में से एक है। एक पोस्टकार्ड आकार का जल रंग हजारों अक्षरों वाले मल्टी-मीटर पैनल की तुलना में दुनिया के बारे में अधिक बता सकता है।
पेंटिंग का स्मारकीय और चित्रफलक में विभाजन कलाकार द्वारा हल किए गए रचनात्मक कार्यों की महानता की बात नहीं करता है, बल्कि यह प्रदर्शनी की पद्धति को निर्धारित करता है; महलों और गिरिजाघरों की दीवारों पर भित्तिचित्र, विशाल हॉल की पेंटिंग पुनर्जागरण के दिग्गजों के काम में एक महत्वपूर्ण स्थान रखती हैं - माइकल एंजेलो द्वारा चित्रित सिस्टिन चैपल की छत, हर मायने में स्मारकीय है। लेकिन कौन कहेगा कि 70 x 53 सेमी मापने वाले चिनार के बोर्ड पर चित्रित मोना लिसा नामक फ्लोरेंटाइन महिला का चित्र विश्व कला के लिए कम महत्वपूर्ण है?
अलग-अलग कैनवस, शीट, बोर्ड पर बनाई गई पेंटिंग, जिनमें "गतिशीलता" होती है, आमतौर पर चित्रफलक पेंटिंग के काम कहलाती हैं। स्मारकीय पेंटिंग हमेशा वास्तुकला के साथ, आंतरिक डिजाइन के साथ जुड़ी होती है, इसलिए, सांता मारिया डेले ग्राज़ी के मठ की रेफेक्ट्री की दीवार पर लियोनार्डो के फ्रेस्को "द लास्ट सपर" को देखने के लिए, आपको मिलान जाना होगा।
चित्रकला की मुख्य शैलियाँ
प्रत्येक नया ऐतिहासिक युग विशिष्ट दृश्य छवियों को जन्म देता है, स्वामी उन्हें प्रदर्शित करने के एक अनूठे तरीके के साथ प्रकट होते हैं, इसलिए कला के इतिहास में "वाद" की संख्या बहुत बड़ी है।
चित्रकला की शैलियों को थोड़ी कम संख्या में परिभाषित किया गया है - कार्यों का विभाजन ललित कलाउस विषय पर निर्भर करता है जिसमें कलाकार-चित्रकार की रुचि है। लैंडस्केप, स्थिर जीवन, चित्र, कथा या आलंकारिक पेंटिंग, अमूर्तता ललित कला के सबसे महत्वपूर्ण शैली क्षेत्र हैं।
शैलियों का जीवन
हर चीज का इतिहास की अवधि के साथ स्पष्ट संबंध है, और शैलियों का भी - वे पैदा होते हैं, मिश्रित होते हैं, बदलते हैं या गायब हो जाते हैं। उदाहरण के लिए, केवल विशेषज्ञ ही 18वीं शताब्दी की वेदुता, रोसिका या पहले की वैनिटास जैसी चित्रकला शैलियों को जानते हैं। वास्तव में, ये केवल परिदृश्य, चित्र और स्थिर जीवन की किस्में हैं।
वेदुता (इतालवी वेदुता - "दृश्य") - विस्तृत विवरण के साथ शहर के परिदृश्य का एक दृश्य, वेनिस में पैदा हुआ; सबसे प्रतिभाशाली गुरु वेदुतिस्ट कैनेलेटो (1697-1768) हैं। रॉसिका सेंट पीटर्सबर्ग आए पश्चिमी यूरोपीय चित्रकारों द्वारा बनाए गए चित्रों को दिया गया नाम है।
वनितास एक रूपक स्थिर जीवन है (फ्रेंच: नेचर मोर्टे - "मृत प्रकृति"), जिसके केंद्र में हमेशा एक मानव खोपड़ी की छवि होती है। यह नाम लैटिन शब्द वैनिटास से आया है, जिसका अर्थ है वैनिटी, वैनिटी।
प्रायः चित्रों के विषय अलग-थलग होते हैं राष्ट्रीय चरित्र. उदाहरण के लिए, हुआ-न्याओ ("फूलों और पक्षियों की छवियाँ") और इसकी शैलीगत गतिविधियाँ: मो-झू ("स्याही से रंगा हुआ बांस") और मो-मेई ("खिलता हुआ बेर, स्याही से रंगा हुआ") सभी शैलियाँ हैं चीनी पेंटिंगहोना वैश्विक महत्व. उनके सर्वोत्तम उदाहरण किसी भी दर्शक को ड्राइंग की उत्कृष्ट सटीकता और विशेष आध्यात्मिकता से प्रसन्न कर सकते हैं, लेकिन वे केवल वातावरण में ही पैदा हो सकते हैं प्राचीन संस्कृतिदिव्य साम्राज्य.
प्राकृतिक दृश्य
फ़्रेंच से अनुवादित, भुगतान एक देश, एक इलाका है। यहीं से सबसे लोकप्रिय चित्रकला शैलियों में से एक - लैंडस्केप - का नाम आता है। यद्यपि आसपास की प्रकृति को व्यक्त करने का पहला प्रयास शैल चित्रों में पाया जाता है, और जापान और चीन के स्वामी हमारे युग से बहुत पहले आकाश, पानी और पौधों को चित्रित करने में अकल्पनीय ऊंचाइयों तक पहुंच गए थे, क्लासिक परिदृश्यअपेक्षाकृत युवा शैली मानी जा सकती है।
यह तकनीकी सूक्ष्मताओं के कारण है। खुली हवा में स्केचबुक और ट्यूबों में पेंट के साथ बाहर जाने की क्षमता - प्राकृतिक प्रकाश में प्रकृति से पेंटिंग करने की क्षमता - का चित्रकला की सभी शैलियों पर प्रभाव पड़ा। प्रभाववादियों के काम का अध्ययन करते समय आप परिदृश्य के अभूतपूर्व विकास के उदाहरण देख सकते हैं। यह क्लाउड मोनेट (1840-1926) द्वारा चित्रित ले हावरे के पास नदी पर सूर्योदय की पेंटिंग थी - "इंप्रेशन" ("इंप्रेशन") - जिसने पेंटिंग में एक आंदोलन का नाम दिया जिसने मौलिक रूप से दृश्य को बदल दिया कला के लक्ष्य और साधन।
लेकिन बाद के इतिहास में महान परिदृश्य चित्रकारों के नाम भी संरक्षित हैं। यदि मध्य युग के चिह्नों और चित्रों में प्रकृति मुख्य छवि के लिए एक योजनाबद्ध और सपाट पृष्ठभूमि है, तो प्रारंभिक पुनर्जागरण के बाद से, परिदृश्य दर्शकों के साथ बातचीत का एक सक्रिय साधन रहा है। जियोर्जियोन ("थंडरस्टॉर्म"), टिटियन ("मिस्र में उड़ान"), एल ग्रीको ("टोलेडो का दृश्य") - इन मास्टर्स के चित्रों में, प्रकृति के दृश्य कैनवास की मुख्य सामग्री बन जाते हैं, और के परिदृश्य में पीटर ब्रूगल द एल्डर (1525-1569) के अनुसार आसपास की दुनिया में इंसानों के स्थान की समझ एक लौकिक पैमाने तक पहुँचती है।
रूसी चित्रकला में, लैंडस्केप मास्टर्स की उत्कृष्ट कृतियाँ प्रसिद्ध हैं। आई. आई. शिश्किन द्वारा "मॉर्निंग इन ए पाइन फ़ॉरेस्ट", आई. आई. लेविटन द्वारा "एबव इटरनल पीस", ए. आई. कुइंदज़ी द्वारा "मूनलाइट नाइट ऑन द नीपर", ए. अलग मौसम की स्थिति. संगीत की तरह, वे दर्शकों में नए विचार, मजबूत भावनाएँ और भावनाएँ पैदा कर सकते हैं और उच्च सामान्यीकरण और सच्चाई की ओर ले जा सकते हैं।
परिदृश्य के प्रकार: शहरी, समुद्री चित्रकला
शहरी परिदृश्य (वेदुता, बाद में औद्योगिक) कलाकारों और इस कला दिशा के प्रेमियों दोनों के बीच सक्रिय अनुयायियों के उदाहरणों के साथ पेंटिंग की शैलियां हैं। आप जॉन वर्मीर (1632-1675) द्वारा लिखित "डेल्फ़्ट शहर का दृश्य" की प्रशंसा कैसे नहीं कर सकते?!
जल तत्व ने हमेशा लोगों, विशेषकर कलाकारों को आकर्षित किया है। मैरिनास, यानी, पेंटिंग की किस्में जहां मुख्य विषययह समुद्र है, जो हॉलैंड में 17वीं शताब्दी की शुरुआत से सामान्य परिदृश्यों से अलग होना शुरू हुआ। सबसे पहले ये केवल "जहाजों के चित्र" थे, लेकिन फिर समुद्र ही मुख्य वस्तु बन गया जिसने यथार्थवादी और रोमांटिक दोनों को आकर्षित किया। इसने चित्रकला की अन्य शैलियों का पूरक बनना शुरू कर दिया। समुद्री विषय के उपयोग के उदाहरण रेम्ब्रांट, डच युद्ध चित्रकारों, डेलाक्रोइक्स और प्रभाववादियों के धार्मिक और पौराणिक चित्रों को देखकर पाए जा सकते हैं। महान मास्टर समुद्री चित्रकार अंग्रेज विलियम टर्नर (1775-1851) थे।
कभी धोखा नहीं दिया समुद्री विषयआई.के. ऐवाज़ोव्स्की (1817-1900), जो समुद्र के महानतम कलाकार-कवि बने। "द नाइंथ वेव", "द ब्लैक सी" और 6 हजार से अधिक पेंटिंग अभी भी मरीना के नायाब उदाहरण हैं।
चित्र
किसी विशिष्ट, मौजूदा या मौजूदा व्यक्ति की बाहरी उपस्थिति की छवि, और उपस्थिति के माध्यम से - उसकी आंतरिक सामग्री की अभिव्यक्ति - इस प्रकार कोई सबसे महत्वपूर्ण सचित्र शैलियों में से एक का सार निर्धारित कर सकता है। यह सार बना रहा, हालांकि फैशन बदल गया, पेंटिंग की नई शैलियाँ सामने आईं और पुरानी शैलियाँ अतीत की बात बन गईं, क्योंकि मुख्य बात व्यक्तित्व, व्यक्ति की विशिष्टता ही रही। इसी समय, चित्र शैली में लोहे की सीमाएँ नहीं होती हैं, यह कथा और आलंकारिक चित्रों का एक तत्व हो सकता है और इसमें कई शैली उपप्रकार होते हैं।
किसी महान व्यक्ति का चित्रण चित्रकला की एक ऐतिहासिक शैली है। "यह कैसा है?" पाठक पूछेंगे। एक नायक जो किसी विशिष्ट व्यक्ति के साथ बाहरी और आंतरिक समानता रखता है, वह "उच्च" शैली के अनुरूप वातावरण से संपन्न होता है। चित्रांकन के अन्य उपप्रकारों में वेशभूषा (पौराणिक, रूपक), विशिष्ट, पारिवारिक और समूह चित्र शामिल हैं।
में से एक महानतम कृतियाँ, जो साढ़े तीन सदियों से अपने रहस्यों को पूरी तरह से उजागर नहीं कर पाया है, रेम्ब्रांट की "नाइट वॉच" है। यह पेंटिंग एक सैन्य पुलिस टुकड़ी का एक समूह चित्र है, जहां प्रत्येक पात्र है विशिष्ट नामऔर चरित्र. वे एक ऐसी बातचीत में प्रवेश करते हैं जो एक ऐसी कहानी को जन्म देती है जो 17वीं सदी के लोगों के चेहरों पर गौर करने वाले किसी भी व्यक्ति को उत्साहित कर देती है।
रेम्ब्रांट हर्मेंस वान रिजन (1608-1669) को कई स्व-चित्रों के लेखक के रूप में भी जाना जाता है, जिनसे कलाकार के भाग्य का पता लगाया जा सकता है, जो दुखद आघात और संक्षिप्त सुखद अवधियों से भरा है। उनमें से कई में कोई भी देख सकता है रोजमर्रा की शैलीपेंटिंग में, यदि आप जानबूझकर साधारण परिवेश और कपड़ों को महत्व देते हैं। लेकिन गुरु की प्रतिभा स्व-चित्रों को लौकिक सामग्री से भर देती है। यह शैली विविधताकौशल और प्रतिभा के महानतम शिखरों के उदाहरणों से भरा है, क्योंकि कौन लेखक से बेहतरक्या आप इस मामले में चित्रित किये जा रहे व्यक्ति को जानते हैं?
स्थिर वस्तु चित्रण
सबसे लोकप्रिय शैलियों में से एक इसकी विषय सामग्री के चित्रण के माध्यम से दुनिया की व्यक्तिगत और सामाजिक समझ की अभिव्यक्ति है। एक सच्चे कलाकार के लिए, स्थिर जीवन के घटकों का चुनाव सबसे छोटे विवरण तक महत्वपूर्ण है - यहीं से एक आकर्षक कहानी शुरू होती है, जो विशुद्ध रूप से पूरक है कलात्मक साधन: रचना, डिज़ाइन, रंग, आदि। शैलीगत मौलिकता स्थिर जीवन शैली में विशेष रूप से स्पष्ट रूप से व्यक्त की जाती है: इसमें चयनित प्रकाश व्यवस्था आदि के साथ स्थिर प्रकृति पर सावधानीपूर्वक सोचा-समझा काम शामिल होता है।
धार्मिक और शैली रचनाओं के एक अभिन्न अंग के रूप में अपना इतिहास शुरू करने के बाद, स्थिर जीवन जल्द ही अपने आप में एक मूल्यवान शैली बन गया। डच स्थिर जीवन (इस्पात-जीवन - « शांत जीवन") कला के इतिहास में एक विशेष पृष्ठ है। फूलों और भोजन की शानदार रचनाएँ या बौद्धिक प्रकृति के तपस्वी रूपक, "ट्रिक्स"... हाँ, डच अभी भी जीवन XVII सदी में स्थापित उप-प्रजातियाँ हैं।
इस शैली की उत्कृष्ट कृतियाँ सभी महत्वपूर्ण शैलियों और आंदोलनों के कलाकारों के कार्यों में पाई जा सकती हैं। इनमें आई. एफ. ख्रुत्स्की (1810-1885) की अकादमिक सजावटी पेंटिंग, सीज़ेन (1839-1906) और प्रभाववादियों की गहरी और सार्थक प्रस्तुतियाँ, वान गाग की "सनफ्लावर" और आई. आई. माशकोव की प्रचुर "मॉस्को फ़ूड" (1881) शामिल हैं। -1944) "जैक ऑफ डायमंड्स" से, क्यूबिस्ट और एंडी वारहोल के सूप के डिब्बे की आलंकारिक खोज।
उच्च और निम्न प्रकार की चित्रकारी
क्लासिकवाद की अवधि के दौरान, चित्रकला में उच्च और निम्न शैलियों में विभाजन को फ्रांसीसी ललित कला अकादमी द्वारा समेकित किया गया था। पदानुक्रम में, जिसका धीरे-धीरे सभी प्रमुख कला अकादमियों ने पालन करना शुरू कर दिया, मुख्य को ऐतिहासिक शैली - भव्य शैली घोषित किया गया। इसमें न केवल लड़ाइयों और अतीत की अन्य घटनाओं की छवियां शामिल थीं, बल्कि रूपक और साहित्यिक विषयों पर पेंटिंग भी शामिल थीं। पौराणिक शैलीचित्रकारी। यह ठीक ऐसे विषय थे जिन्हें ललित कला के वास्तविक उस्तादों के लिए योग्य माना जाता था।
पेटिट शैली - "निम्न शैली" - शामिल (घटते क्रम में): चित्र, चित्रकला में रोजमर्रा की शैली, परिदृश्य, समुद्री दृश्य, जानवरों की छवियां (पशु चित्रकला) और स्थिर जीवन।
पुरानी और नई शैलियाँ
कैनवस चालू ऐतिहासिक विषय, मुख्य रूप से सैन्य लड़ाइयों, धार्मिक और बहु-आकृति वाली रचनाओं का चित्रण पौराणिक कहानियाँ 19वीं सदी के अंत तक कई कला अकादमियों में प्रशिक्षण का परिणाम थे। के. पी. ब्रायलोव (1799-1852) की "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" जैसी पेंटिंग एक वैश्विक घटना थीं, उन्होंने अपनी अवधारणा के दायरे और उनके कार्यान्वयन के कौशल से आश्चर्यचकित कर दिया।
शैलियों में अकादमिक विभाजन का उन लोगों द्वारा विरोध किया गया जिन्होंने नए क्षितिज खोले - प्रभाववादियों ने। यह वे ही थे जिन्होंने किन दृश्यों पर कैनवस बनाए साधारण जीवन, सामान्य नगरवासियों और किसानों के काम और अवकाश के दृश्यों ने उच्च कला की वस्तु का महत्व प्राप्त कर लिया।
बाद में, ऐसे स्वामी प्रकट हुए जिन्हें अपने विचारों को व्यक्त करने के लिए विषयों या वस्तुओं की भी आवश्यकता नहीं थी असली दुनिया, और अमूर्त कलाकारों की पेंटिंग जिनमें भौतिक वस्तुएं या यहां तक कि उनके संदर्भ भी शामिल नहीं हैं, उन्हें एक अलग शैली प्रकार के रूप में वर्गीकृत किया जा सकता है।
शैली और शैली विविधता
एक सच्चा कलाकार हमेशा अपनी शैली, अपना चेहरा, अपना पैलेट तलाशता रहता है। अक्सर, चित्रकला शैलियों को परिभाषित करने के लिए कला इतिहासकारों को नए शब्दों का आविष्कार करना पड़ता है। लेकिन इन अवधारणाओं का सही अनुप्रयोग और सही शैली वर्गीकरणकलात्मक प्रतिभा की नवीनता और मौलिकता, विश्व संस्कृति में प्रत्येक कलाकार के अद्वितीय योगदान के महत्व, दृश्य छवियों की मदद से दुनिया को समझने के विकास से अधिक नहीं हो सकता।