Viena no lielākajām kustībām mākslā pēdējās desmitgadēs Deviņpadsmitais gadsimts un divdesmitā sākums ir impresionisms, kas izplatījās visā pasaulē no Francijas. Tās pārstāvji nodarbojās ar tādu glezniecības metožu un paņēmienu izstrādi, kas ļautu visspilgtāk un dabiskāk atspoguļot īstā pasaule dinamikā, lai nodotu īslaicīgus iespaidus par viņu.
Daudzi mākslinieki savus audeklus veidoja impresionisma stilā, bet kustības pamatlicēji bija Klods Monē, Edūārs Manē, Ogists Renuārs, Alfrēds Sislijs, Edgars Degā, Frederiks Bazils, Kamils Pisarro. Viņu labākos darbus nav iespējams nosaukt, jo tie visi ir skaisti, taču ir slavenākie, un par tiem tiks runāts tālāk.
Klods Monē: “Iespaids. Austoša saule"
Audekls, ar kuru jums vajadzētu sākt sarunu par impresionistu labākajām gleznām. Klods Monē to gleznoja 1872. gadā no dzīves Havras vecajā ostā, Francijā. Divus gadus vēlāk glezna pirmo reizi tika parādīta sabiedrībai bijušajā franču mākslinieka un karikatūrista Nadara studijā. Šī izstāde kļuva par liktenīgu mākslas pasaulei. Pārsteidza (nemaz) labākajā nozīmē) autors Monē, kura nosaukums oriģinālvalodā izklausās kā “Impression, soleil levant”, žurnālists Luiss Lerojs pirmo reizi ieviesa terminu “impresionisms”, kas apzīmē jaunu glezniecības virzienu.
Glezna tika nozagta 1985. gadā kopā ar O. Renuāra un B. Morisota darbiem. Tas tika atklāts piecus gadus vēlāk. Šobrīd “Iespaids. Austoša saule"pieder Marmotan-Monē muzejam Parīzē.
Edouard Monē: "Olympia"
Franču impresionista Eduāra Manē 1863. gadā radītā glezna "Olimpija" ir viens no mūsdienu glezniecības šedevriem. Pirmo reizi tas tika prezentēts Parīzes salonā 1865. gadā. Impresionisma mākslinieki un viņu gleznas bieži atradās centrā. skaļi skandāli. Tomēr Olimpija radīja lielāko no tiem mākslas vēsturē.
Uz audekla mēs redzam kailu sievieti, viņas seja un ķermenis ir vērsti pret skatītājiem. Otrs tēls ir tumšādaina kalpone, kas tur rokās greznu, papīrā ietītu pušķi. Gultas pakājē melns kaķēns raksturīgā pozā ar izliektu muguru. Par gleznas tapšanas vēsturi nav daudz zināms, līdz mums ir nonākušas tikai divas skices. Modele, visticamāk, bija Manē mīļākā modele Quiz Meunard. Pastāv viedoklis, ka mākslinieks izmantojis Napoleona saimnieces Marguerite Bellanger tēlu.
Jaunrades periodā, kad tika radīta Olimpija, Manets aizrāvās ar japāņu mākslu, tāpēc apzināti atteicās izstrādāt tumsas un gaismas nianses. Tāpēc viņa laikabiedri neredzēja attēlotās figūras apjomu un uzskatīja to par plakanu un raupju. Mākslinieks tika apsūdzēts netiklībā un vulgaritātē. Nekad agrāk impresionisma gleznas nav izraisījušas tik lielu sajūsmu un izsmieklu no pūļa. Administrācija bija spiesta viņai apkārt novietot apsargus. Degas salīdzināja Manē slavu Olimpijā un drosmi, ar kādu viņš pieņēma kritiku, ar Garibaldi dzīvesstāstu.
Gandrīz ceturtdaļgadsimtu pēc izstādes audekls tika glabāts mākslinieka darbnīcas redzeslokā. Pēc tam 1889. gadā to atkal izstādīja Parīzē. Gandrīz nopirkts, taču mākslinieka draugi savāca vajadzīgo summu un no Manē atraitnes nopirka “Olimpiju”, pēc tam nodeva valstij. Tagad glezna pieder Orsē muzejam Parīzē.
Ogists Renuārs: "Lielie pirtnieki"
Gleznu gleznojis franču mākslinieks 1884.-1887.gadā. Ņemot vērā visu tagad slavenās gleznas Impresionisti laika posmā no 1863. gada līdz 20. gadsimta sākumam “Lielos pirtniekus” sauc par lielāko audeklu ar kailām sieviešu figūrām. Renuārs pie tā strādāja vairāk nekā trīs gadus, un šajā periodā tika izveidotas daudzas skices un skices. Viņa darbā nebija nevienas citas gleznas, kurai viņš būtu veltījis tik daudz laika.
Priekšplānā skatītājs redz trīs kailas sievietes, no kurām divas atrodas krastā, bet trešā stāv ūdenī. Figūras ir gleznotas ļoti reālistiski un skaidri, kas ir raksturīga mākslinieka stila iezīme. Renuāra modeļi bija Alīna Šarigo (viņa nākamā sieva) un Sūzena Valadona, kura nākotnē pati kļuva par slavenu mākslinieku.
Edgars Degā: "Blue Dancers"
Ne visas slavenās impresionisma gleznas, kas uzskaitītas rakstā, tika krāsotas ar eļļu uz audekla. Augšējā fotogrāfija ļauj saprast, ko attēlo glezna “Blue Dancers”. Tas izgatavots pasteļtoņos uz papīra lapas ar izmēru 65x65 cm un pieder pie mākslinieka daiļrades vēlīnā perioda (1897). Viņš to gleznoja ar jau vāju redzi, tāpēc dekoratīvai organizācijai tiek piešķirta ārkārtīgi liela nozīme: attēls tiek uztverts kā lieli krāsu plankumi, it īpaši, ja to aplūko tuvplānā. Degasam tuva bija dejotāju tēma. Viņa darbos tas tika atkārtots daudzas reizes. Daudzi kritiķi uzskata, ka krāsu un kompozīcijas harmonijas dēļ var uzskatīt The Blue Dancers labākais darbs mākslinieks ieslēgts šī tēma. Šobrīd glezna glabājas Mākslas muzejā. A. S. Puškins Maskavā.
Frederiks Bazils: "Rozā kleita"
Viens no dibinātājiem Franču impresionisms Frederiks Bazils dzimis bagāta vīndara buržuāziskā ģimenē. Vēl mācoties licejā, viņš sāka interesēties par glezniecību. Pārcēlies uz Parīzi, viņš iepazinās ar K. Monē un O. Renuāru. Diemžēl māksliniekam bija lemts īss dzīves ceļš. Viņš nomira 28 gadu vecumā frontē Francijas un Prūsijas kara laikā. Tomēr viņa gleznas, kaut arī maz, ir pamatoti iekļautas sarakstā “ Labākās gleznas Impresionisti." Viena no tām ir 1864. gadā apgleznotā “Rozā kleita”. Pēc visām norādēm uz audeklu var attiecināt agrīno impresionismu: krāsu kontrasti, uzmanība krāsai, saules gaismai un sastingušam brīdim, ko sauca par “iespaidu”. Viena no mākslinieces māsīcām Terēza de Horsa darbojās kā modele. Glezna pašlaik pieder Parīzes Orsē muzejam.
Camille Pissarro: “Boulevard Monmartre. Pēcpusdiena, saulains"
Camille Pissarro kļuva slavens ar savām ainavām, kuru raksturīga iezīme ir gaismas un apgaismotu objektu attēlojums. Viņa darbiem bija būtiska ietekme uz impresionisma žanru. Mākslinieks patstāvīgi izstrādāja daudzus viņam raksturīgos principus, kas veidoja pamatu viņa turpmākajai radošumam.
Pisarro mīlēja rakstīt to pašu fragmentu atšķirīgs laiks dienas. Viņam ir vesela virkne audeklu ar Parīzes bulvāriem un ielām. Slavenākais no tiem ir "Boulevard Montmartre" (1897). Tas atspoguļo visu šarmu, ko mākslinieks saskata šī Parīzes stūra kūstošajā un nemierīgajā dzīvē. Aplūkojot bulvāri no tās pašas vietas, viņš to rāda skatītājam saulainā un mākoņainā dienā, no rīta, pēcpusdienā un vēlā vakarā. Zemāk esošajā fotoattēlā redzama glezna “Monmartras bulvāris naktī”.
Šo stilu vēlāk pieņēma daudzi mākslinieki. Mēs tikai pieminēsim, kuras impresionisma gleznas tapušas Pisarro ietekmē. Šī tendence ir skaidri redzama Monē darbos (glezniecības sērijā "Siena kaudzes").
Alfrēds Sislijs: "Zālieni pavasarī"
“Zālāji pavasarī” ir viena no jaunākajām ainavu gleznotāja Alfrēda Sislija gleznām, kas gleznota 1880.–1881. Tajā skatītājs redz meža taku gar Sēnas krastiem ar ciematu pretējā krastā. Priekšplānā meitene – mākslinieka meita Žanna Sislija.
Mākslinieka ainavas atspoguļo vēsturiskā Ildefransas reģiona autentisko atmosfēru un saglabā īpašos gadalaikos raksturīgo dabas parādību maigumu un caurspīdīgumu. Mākslinieks nekad nebija neparastu efektu piekritējs un pieturējās pie vienkāršas kompozīcijas un ierobežotas krāsu paletes. Glezna tagad glabājas Londonas Nacionālajā galerijā.
Mēs esam uzskaitījuši slavenākās impresionisma gleznas (ar nosaukumiem un aprakstiem). Tie ir pasaules glezniecības šedevri. Unikālais glezniecības stils, kas radies Francijā, sākotnēji tika uztverts ar izsmieklu un ironiju, un kritiķi uzsvēra mākslinieku klaju nolaidību audeklu gleznošanā. Tagad diez vai kāds uzdrošināsies izaicināt savu ģēniju. Impresionisma gleznas tiek izstādītas prestižākajos pasaules muzejos un ir iekārojams eksponāts jebkurai privātajai kolekcijai.
Stils nav nogrimis aizmirstībā un tam ir daudz sekotāju. Mūsu tautietis Andrejs Kohs, franču gleznotājs Lorāns Parseljē, amerikāņi Diāna Lenarda un Kārena Tarletone ir slaveni mūsdienu impresionisti. Viņu gleznas ir veidotas pēc labākajām žanra tradīcijām, piepildītas spilgtas krāsas, drosmīgi triepieni un dzīve. Augšējā fotoattēlā ir Lorāna Parseljē darbs “Saules staros”.
18-19 gadsimtiem iezīmēja uzplaukuma periodu Eiropas māksla. Francijā imperators Napoleons III pavēlēja atjaunot Parīzi pēc karadarbības Francijas un Prūsijas kara laikā. Parīze ātri kļuva par tādu pašu "mirdzošo pilsētu", kāda tā bija Otrās impērijas laikā, un atkal pasludināja sevi par Eiropas mākslas centru. Tāpēc daudzi impresionistu mākslinieki savos darbos pievērsās mūsdienu pilsētas tēmai. Viņu darbos mūsdienu pilsēta nav briesmonis, bet gan dzimtene, kurā dzīvo cilvēki. Daudzi darbi ir caurstrāvoti ar spēcīgu patriotisma izjūtu.
Īpaši to var redzēt Kloda Monē gleznās. Viņš radīja vairāk nekā 30 gleznas ar Ruānas katedrāles skatiem visdažādākajos apgaismojuma un atmosfēras apstākļos. Piemēram, 1894. gadā Monē gleznoja divas gleznas - “ Ruānas katedrāle pusdienlaikā" un "Ruānas katedrāle vakarā". Abās gleznās ir attēlots viens un tas pats katedrāles fragments, taču atšķirīgos toņos - pusdienlaika siltos dzeltensārtos toņos un mirstošās krēslas gaismas aukstajos zilganos toņos. Gleznās krāsainais plankums pilnībā izšķīdina līniju, mākslinieks nodod nevis akmens materiālo svaru, bet it kā gaišu krāsainu aizkaru.
Impresionisti centās padarīt gleznu līdzīgu atvērts logs, caur kuru ir redzama reālā pasaule. Bieži viņi izvēlējās skatu no loga uz ielu. Slavenais K. Monē “Boulevard des Capucines”, kas gleznots 1873. gadā un parādīts pirmajā impresionisma izstādē 1874. gadā, ir lielisks šīs tehnikas piemērs. Šeit ir daudz jauninājumu - par ainavas motīvu izvēlēts skats uz lielu pilsētas ielu, taču mākslinieku interesē tās izskats kopumā, nevis atrakcijas. Visa cilvēku masa ir attēlota ar slīdošiem triepieniem, vispārināti, kuros ir grūti izdalīt atsevišķas figūras.
Monē šajā darbā rada acumirklīgu, tīri vizuālu iespaidu par tikko pamanāmu vibrējošo gaisu, par ielām, cilvēkiem un aizbraucošiem vagoniem, kas dodas dziļāk dziļumā. Tas iznīcina ideju par plakanu audeklu, radot telpas ilūziju un piepildot to ar gaismu, gaisu un kustību. Cilvēka acs steidzas bezgalībā, un nav robežu, kur tā varētu apstāties.
Augstais skata punkts ļauj māksliniekam atteikties no priekšplāna, un viņš nodod spožo saules gaismu pretstatā zilgani purpursarkanajām māju ēnām, kas guļ uz ielas bruģa. Saulainajai pusei Monē piešķir oranžu, zeltaini siltu, ēnu – violetu, bet viena viegla gaisa dūmaka piešķir visai ainavai tonālo harmoniju, un māju un koku kontūras izceļas gaisā, saules staru caurstrāvotas.
1872. gadā Havrā Monē gleznoja “Iespaids. Saullēkts" - skats uz Havras ostu, vēlāk prezentēts pirmajā impresionistu izstādē. Šeit mākslinieks acīmredzot beidzot ir atbrīvojies no vispārpieņemtā priekšstata par attēla objektu kā noteiktu apjomu un pilnībā veltījis atmosfēras mirkļa stāvokļa nodošanu zilos un rozā oranžos toņos. Patiesībā šķiet, ka viss kļūst netverams: Havras mols un kuģi saplūst ar svītrām debesīs un atspulgu ūdenī, un zvejnieku un laivu silueti priekšplānā ir tikai tumši plankumi, kas izveidoti ar dažiem intensīviem sitieniem. . Akadēmisko paņēmienu noraidīšanu, gleznošanu plenērā un neparastu priekšmetu izvēli tā laika kritiķi uzņēma naidīgi. Žurnālā "Charivari" iznākušais niknā raksta autors Luiss Lerojs pirmo reizi saistībā ar šo konkrēto gleznu izmantoja terminu "impresionisms" kā jaunas kustības definīciju glezniecībā.
Vēl viens izcils darbs, kas veltīts pilsētai, bija Kloda Monē glezna “Gare Saint-Lazare”. Monē gleznoja vairāk nekā desmit gleznas, pamatojoties uz Senlazaras dzelzceļa staciju, no kurām septiņas tika izstādītas 3. impresionisma izstādē 1877. gadā.
Monē īrēja nelielu dzīvokli Monsija ielā, kas atrodas netālu no stacijas. Māksliniekam tika dota pilnīga rīcības brīvība. Vilcienu kustība uz brīdi apstājās, un viņš skaidri redzēja peronus, kūpošo lokomotīvju krāsnis, kuras bija piepildītas ar oglēm - lai tvaiki līst ārā no skursteņiem. Monē stingri “apmetās” stacijā, pasažieri viņu vēroja ar cieņu un bijību.
Tā kā stacijas izskats nepārtraukti mainījās, Monē veidoja tikai skices uz vietas, un, pamatojoties uz tām, studijā gleznoja pašas gleznas. Uz audekla mēs redzam lielu dzelzceļa stacija, pārklāts ar nojume, ko atbalsta dzelzs stabi. Kreisajā un labajā pusē ir peroni: viens sliežu ceļš ir paredzēts piepilsētas vilcieniem, otrs tālsatiksmes vilcieniem. Īpašā atmosfēra tiek nodota ar kontrastu, kas ir vājš apgaismojums stacijas iekšienē un spilgts, žilbinošs ielas apgaismojums. Dūmu un tvaiku slāņi, kas izkaisīti visā audeklā, līdzsvaro kontrastējošās apgaismojuma svītras. Dūmi sūcas visur, mirdzoši mākoņi virpuļo pret vājajiem ēku siluetiem. Šķiet, ka biezais tvaiks piešķir formu masīvajiem torņiem, pārklājot tos ar vieglu plīvuru, piemēram, plānāko zirnekļtīklu. Attēls ir krāsots maigos klusinātos toņos ar smalkām toņu pārejām. Tam laikam raksturīgie ātrie, precīzie komatu formas triepieni tiek uztverti kā mozaīka, skatītājam rodas iespaids, ka tvaiks vai nu izkliedējas, vai kondensējas.
Cits impresionistu pārstāvis C. Pisarro, tāpat kā visi impresionisti, mīlēja gleznot pilsētu, kas viņu valdzināja ar savu nebeidzamo kustību, gaisa plūsmu plūsmu un gaismas spēli. Viņš to uztvēra kā dzīvu, nemierīgu organismu, kas spēj mainīties atkarībā no gada laika un apgaismojuma pakāpes.
1897. gada ziemā un pavasarī Pisarro strādāja pie gleznu sērijas “Parīzes bulvāri”. Šie darbi atnesa māksliniekam slavu un piesaistīja kritiķu uzmanību, kuri viņa vārdu saistīja ar divīzijas kustību. Mākslinieks veidoja skices sērijai no Parīzes viesnīcas istabas loga un aprīļa beigās pabeidza darbu pie gleznām savā studijā Eragny. Šī sērija ir vienīgā Pissarro darbā, kurā mākslinieks ar maksimālu precizitāti centās iemūžināt dažādus laikapstākļus un saules gaismu. Piemēram, mākslinieks uzgleznoja 30 gleznas, kurās attēlots Monmartras bulvāris, aplūkojot to pa tā paša loga.
Gleznās “Boulevard Monmartre in Paris” meistars C. Pisarro meistarīgi izteica atmosfēras efektu bagātību, mākoņainas dienas krāsaino sarežģītību un smalkumu. Pilsētas dzīves dinamika, ko tik pārliecinoši iemieso gleznotāja ātrā ota, rada modernas pilsētas tēlu - ne ceremoniālu, ne oficiālu, bet gan satrauktu un dzīvu. Pilsētas ainava kļuva par galveno žanru šī izcilā impresionista - “Parīzes dziedātāja” darbā.
Īpašu vietu Pisarro daiļradē ieņem Francijas galvaspilsēta. Mākslinieks pastāvīgi dzīvoja ārpus pilsētas, bet Parīze viņu neatlaidīgi piesaistīja. Parīze viņu valdzina ar savu nemitīgo un universālo kustību – gājēju iešanu un pajūgu skriešanu, gaisa straumju plūsmu un gaismas spēli. Pisarro pilsēta nav saraksts ar ievērības cienīgām mājām, kas nokļuvušas mākslinieka redzeslokā, bet gan dzīvs un nemierīgs organisms. Šīs dzīves savaldzināti mēs neapzināmies to ēku banalitāti, kas veido Monmartras bulvāri. Lielo bulvāru nemierībā māksliniece rod neatkārtojamu šarmu. Pisarro iemūžināja Monmartras bulvāri kā rītu un dienu, vakaru un nakti, saules apspīdētu un pelēku, skatoties uz to no viena loga. Skaidrs un vienkāršs ielas motīvs, kas stiepjas tālumā, rada skaidru kompozīcijas pamatu, kas nemainās no audekla uz audeklu. Pavisam savādāk tika uzbūvēts nākamajā gadā no Luvras viesnīcas loga gleznotais audeklu cikls. Vēstulē savam dēlam, strādājot pie cikla, Pisarro uzsvēra šīs vietas atšķirīgo raksturu no bulvāriem, tas ir, Franču teātra laukuma un apkārtnes. Patiešām, tur viss steidzas pa ielas asi. Šeit visvairāk krustojas laukums, kas kalpoja kā gala pietura vairākiem omnibusu maršrutiem dažādi virzieni, un plašas panorāmas ar gaisa pārpilnību vietā mūsu acīm tiek parādīta slēgta priekšplāna telpa.
"Jaunā pasaule radās, kad impresionisti to gleznoja"
Anrī Kānveilers
XIX gs. Francija. Glezniecībā notika kaut kas nebijis. Jauno mākslinieku grupa nolēma satricināt 500 gadus senās tradīcijas. Skaidra zīmējuma vietā viņi izmantoja platu, “aplietu” insultu.
Un viņi pilnībā atteicās no parastajiem attēliem, attēlojot visus pēc kārtas. Un vieglas tikumības dāmas un apšaubāmas reputācijas kungi.
Sabiedrība nebija gatava impresionisma glezniecībai. Viņus apsmēja un lamāja. Un pats galvenais, viņi no viņiem neko nepirka.
Bet pretestība tika salauzta. Un daži impresionisti dzīvoja, lai redzētu savu triumfu. Tiesa, viņiem jau bija pāri 40. Kā Klods Monē vai Ogists Renuārs. Citi gaidīja atzinību tikai savas dzīves beigās, piemēram, Kamila Pisarro. Daži viņu neredzēja, piemēram, Alfrēds Sislijs.
Kādu revolucionāru katrs no viņiem paveica? Kāpēc sabiedrība tos pieņēma tik ilgi? Šeit ir 7 slavenākie franču impresionisti, kas zināmi visai pasaulei.
1. Edouard Manet (1832-1883)
Eduards Manē. Pašportrets ar paleti. 1878. gads Privātā kolekcijaManets bija vecāks par lielāko daļu impresionistu. Viņš bija viņu galvenais iedvesmas avots.
Pats Manē nepretendēja uz revolucionāru vadītāju. Viņš bija sabiedriskais cilvēks. Es sapņoju par oficiālajām balvām.
Bet viņš ļoti ilgi gaidīja atzinību. Sabiedrība gribēja redzēt grieķu dievietes vai sliktākajā gadījumā klusās dabas, lai tās ēdamistabā izskatītos skaisti. Manets gribēja rakstīt mūsdienu dzīve. Piemēram, kurtizānes.
Rezultāts bija "Brokastis uz zāles". Divi dendiji atpūšas vieglas tikumības dāmu sabiedrībā. Viens no viņiem, it kā nekas nebūtu noticis, sēž blakus ģērbti vīrieši.
Eduards Manē. Brokastis uz zāles. 1863, Parīze Salīdziniet viņa Pusdienas uz zāles ar Tomasa Kutūra romiešu grāmatu Decline. Couture glezna radīja sensāciju. Mākslinieks uzreiz kļuva slavens.
"Brokastis uz zāles" tika apsūdzēts vulgaritātē. Grūtniecēm absolūti nebija ieteicams uz viņu skatīties.
Tomass Kūtūrs. Romieši savā pagrimumā. 1847 Musée d'Orsay, Parīze. archive.ru Kutūras glezniecībā redzam visus akadēmisma atribūtus (tradicionālā 16.-19.gs. glezniecība). Kolonnas un statujas. Apoloniska izskata cilvēki. Tradicionālās klusinātās krāsas. Pozu un žestu manieres. Sižets no pavisam citu cilvēku tālās dzīves.
Manet “Brokastis uz zāles” ir citā formātā. Pirms viņa neviens kurtizānes nebija tik viegli attēlojis. Tuvu cienījamiem pilsētniekiem. Lai gan daudzi tā laika vīrieši šādi pavadīja savu brīvo laiku. Tas bija īsta dzīve īsti cilvēki.
Reiz es tēloju cienījamu dāmu. Neglīts. Viņš nevarēja viņai glaimot ar otu. Kundze bija vīlusies. Viņa pameta viņu asarās.
Eduards Manē. Andželīna. 1860 Musée d'Orsay, Parīze. Wikimedia.commons.org Tāpēc viņš turpināja eksperimentēt. Piemēram, ar krāsu. Viņš necentās attēlot tā saukto dabisko krāsu. Ja viņš redzēja pelēkbrūnu ūdeni kā spilgti zilu, tad viņš to attēloja kā spilgti zilu.
Tas, protams, kaitināja sabiedrību. "Pat Vidusjūra nevar lepoties ar to, ka tā ir tik zila kā Manē ūdens," viņi ironizēja.
Eduards Manē. Argenteuil. 1874. gada muzejs tēlotājmāksla, Tournai, Beļģija. Wikipedia.org Bet fakts paliek fakts. Manets radikāli mainīja glezniecības mērķi. Glezna kļuva par mākslinieka individualitātes iemiesojumu, kurš glezno, kā grib. Aizmirstot par modeļiem un tradīcijām.
Inovācijas ilgu laiku netika piedotas. Viņš saņēma atzinību tikai savas dzīves beigās. Bet viņam tas vairs nebija vajadzīgs. Viņš sāpīgi nomira no neārstējama slimība.
2. Klods Monē (1840-1926)
Klods Monē. Pašportrets beretē. 1886 Privātā kolekcija Klodu Monē var saukt par mācību grāmatu impresionistu. Tā kā viņš bija uzticīgs šim virzienam visu savu gara dzīve.
Viņš gleznoja nevis objektus un cilvēkus, bet gan vienas krāsas izcēlumu un plankumu konstrukciju. Atsevišķi sitieni. Gaisa trīce.
Klods Monē. Peļu baseins. 1869 Metropolitēna mākslas muzejs, Ņujorka. Metmuseum.org Monē gleznoja ne tikai dabu. Viņš guva panākumus arī pilsētas ainavās. Viens no slavenākajiem -.
Šajā attēlā ir daudz fotogrāfiju. Piemēram, kustība tiek pārraidīta caur izplūdušu attēlu.
Lūdzu, ņemiet vērā: šķiet, ka attāli koki un figūras ir dūmakā.
Klods Monē. Boulevard des Capucines Parīzē. 1873 (19.-20.gs. Eiropas un Amerikas mākslas galerija), Maskava Mūsu priekšā ir sastindzis mirklis Parīzes rosīgajā dzīvē. Nav iestudējuma. Neviens nepozē. Cilvēki ir attēloti kā otas triepienu kolekcija. Tāds sižeta trūkums un “freze kadra” efekts - galvenā iezīme impresionisms.
Līdz 80. gadu vidum mākslinieki bija vīlušies impresionismā. Estētika, protams, ir laba. Taču sižeta trūkums daudzus nomāca.
Tikai Monē turpināja pastāvēt, pārspīlējot impresionismu. Tas izvērtās par gleznu sēriju.
Viņš desmitiem reižu attēloja vienu un to pašu ainavu. Dažādos diennakts laikos. Dažādos gada laikos. Parādīt, kā temperatūra un gaisma var mainīt vienu un to pašu sugu līdz nepazīšanai.
Tā radās neskaitāmas siena kaudzes.
Kloda Monē gleznas Bostonas Tēlotājmākslas muzejā. Pa kreisi: siena kaudzes saulrietā Givernijā, 1891. Pa labi: siena kaudzes (sniega efekts), 1891. gads.
Lūdzu, ņemiet vērā, ka ēnas šajās gleznās ir krāsainas. Un ne pelēks vai melns, kā tas bija ierasts pirms impresionistiem. Šis ir vēl viens no viņu izgudrojumiem.
Monē izdevās izbaudīt panākumus un materiālā labklājība. Pēc 40 gadiem viņš jau aizmirsa par nabadzību. Ir māja un skaists dārzs. Un viņš radīja savam priekam ilgi gadi.
Par meistara ikoniskāko gleznu lasiet rakstā
3. Ogists Renuārs (1841-1919)
Pjērs Augusts Renuārs. Pašportrets. 1875 Sterlinga un Frensīnas Klārka Mākslas institūts, Masačūsetsa, ASV. Pinterest.ru Impresionisms ir vispozitīvākā glezna. Un vispozitīvākais impresionistu vidū bija Renuārs.
Viņa gleznās jūs neatradīsit drāmu. Viņš pat neizmantoja melno krāsu. Tikai būšanas prieks. Pat visbanālākās lietas Renuārā izskatās skaisti.
Atšķirībā no Monē, Renuārs cilvēkus gleznoja biežāk. Ainavas viņam bija mazāk svarīgas. Gleznās viņa draugi un paziņas atpūšas un bauda dzīvi.
Pjērs Augusts Renuārs. Airētāju brokastis. 1880-1881 Phillips kolekcija, Vašingtona, ASV. Wikimedia.commons.org Jūs neatradīsiet nekādu dziļumu Renuārā. Viņš ļoti priecājās pievienoties impresionistiem, kuri pilnībā pameta priekšmetus.
Kā viņš pats teica, viņam beidzot ir iespēja apgleznot ziedus un saukt tos vienkārši par "ziedi". Un neizdomājiet par viņiem nekādus stāstus.
Pjērs Augusts Renuārs. Sieviete ar lietussargu dārzā. 1875 Thyssen-Bormenis muzejs, Madride. arteuam.com Renuārs vislabāk jutās sieviešu sabiedrībā. Viņš lūdza savas kalpones dziedāt un jokot. Jo stulbāka un naivāka bija dziesma, jo labāk viņam. Un vīriešu pļāpāšana viņu nogurdināja. Nav pārsteidzoši, ka Renuārs ir slavens ar savām kailu gleznām.
Modelis gleznā “Pilks saules gaismā” šķiet redzams uz krāsaina abstrakta fona. Jo Renuāram nekas nav otršķirīgs. Modeļa acs vai fona daļa ir līdzvērtīga.
Pjērs Augusts Renuārs. Pliks saules gaismā. 1876. gada Orsē muzejs, Parīze. wikimedia.commons.org Renuārs nodzīvoja ilgu mūžu. Un es nekad nenolieku savu otu un paleti. Pat tad, kad reimatisma važās viņa rokas bija pilnībā sažņaugtas, viņš ar virvi piesēja otu pie rokas. Un viņš zīmēja.
Tāpat kā Monē, viņš gaidīja atzinību pēc 40 gadiem. Un es redzēju savas gleznas Luvrā, blakus slavenu meistaru darbiem.
Par vienu no burvīgākajiem Renuāra portretiem lasiet rakstā
4. Edgars Degā (1834-1917)
Edgars Degā. Pašportrets. 1863 Calouste Gulbenkian muzejs, Lisabona, Portugāle. Cultured.com Degas nebija klasisks impresionists. Viņam nepatika strādāt plenērā (ārā). Ar viņu jūs neatradīsit apzināti izgaismotu paleti.
Gluži pretēji, viņš mīlēja skaidru līniju. Viņam ir daudz melnā. Un viņš strādāja tikai studijā.
Bet tomēr viņš vienmēr tiek likts rindā ar citiem izciliem impresionistiem. Jo viņš bija žestu impresionists.
Negaidīti leņķi. Asimetrija objektu izkārtojumā. Pārsteigti tēli. Tie ir viņa gleznu galvenie atribūti.
Viņš apturēja dzīves mirkļus, neļaujot varoņiem nākt pie prāta. Paskatieties uz viņa “Operas orķestri”.
Edgars Degā. Operas orķestris. 1870 Musée d'Orsay, Parīze. commons.wikimedia.org Priekšplānā ir krēsla atzveltne. Mūziķa mugura ir pret mums. Un tālāk fons balerīnas uz skatuves neiekļāvās “rāmī”. Viņu galvas nežēlīgi “nogriež” attēla mala.
Dejotāji, kurus viņš mīlēja, ne vienmēr ir attēloti šādā veidā. skaistas pozas. Dažreiz viņi vienkārši stiepjas.
Bet šāda improvizācija ir iedomāta. Protams, Degā rūpīgi pārdomāja kompozīciju. Šis ir tikai iesaldēšanas kadra efekts, nevis īsts iesaldēšanas kadrs.
Edgars Degā. Divi baletdejotāji. 1879. gada Šelbernas muzejs, Vermuta, ASV Edgars Degas mīlēja gleznot sievietes. Bet slimība vai ķermeņa īpatnības neļāva viņam ar viņiem fiziski sazināties. Viņš nekad nav bijis precējies. Neviens viņu nekad nav redzējis kopā ar dāmu.
Reālu priekšmetu trūkums viņa personīgajā dzīvē pievienoja viņa attēliem smalku un intensīvu erotiku.
Edgars Degā. Baleta zvaigzne. 1876-1878 Musee d'Orsay, Parīze. wikimedia.comons.org Lūdzu, ņemiet vērā, ka gleznā “Baleta zvaigzne” ir attēlota tikai pati balerīna. Viņas kolēģi aizkulisēs ir tik tikko saskatāmi. Tikai dažas kājas.
Tas nenozīmē, ka Dega nepabeidza gleznu. Šī ir uzņemšana. Saglabājiet fokusā tikai vissvarīgākās lietas. Lai pārējais pazūd, nesalasāms.
Par citām meistara gleznām lasiet rakstā
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Eduards Manē. Bertes Morisotas portrets. 1873. gada Marmotan-Monē muzejs, Parīze. Berte Morisota reti tiek ierindota lielo impresionistu pirmajā kārtā. Esmu pārliecināts, ka tas ir nepelnīti. Tieši viņas darbā jūs atradīsiet visas galvenās impresionisma iezīmes un paņēmienus. Un, ja jums patīk šis stils, jūs mīlēsit viņas darbu no visas sirds.
Morisota strādāja ātri un enerģiski, pārnesot iespaidus uz audeklu. Šķiet, ka figūras gatavojas izšķīst kosmosā.
Berte Morisota. Vasara. 1880. gads Fabray muzejs, Monpeljē, Francija. Tāpat kā Dega, viņa bieži atstāja dažas detaļas nepabeigtas. Un pat modeļa ķermeņa daļas. Mēs nevaram atšķirt meitenes rokas gleznā “Vasara”.
Morisota ceļš uz pašizpausmi bija grūts. Viņa ne tikai iesaistījās “neuzmanīgā” glezniecībā. Viņa joprojām bija sieviete. Tajos laikos kādai dāmai vajadzēja sapņot par laulību. Pēc tam jebkurš hobijs tika aizmirsts.
Tāpēc Berta ilgu laiku atteicās no laulības. Līdz viņa atrada vīrieti, kurš ciena viņas nodarbošanos. Eugene Manet bija mākslinieka Edouard Manet brālis. Viņš apzinīgi nesa molbertu un glezno aiz sievas.
Berte Morisota. Eugene Manet ar savu meitu Bougival. 1881. gada Marmotan-Monē muzejs, Parīze. Bet tomēr tas bija 19. gadsimtā. Nē, es nevalkāju Morisot bikses. Bet viņa nevarēja atļauties pilnīgu pārvietošanās brīvību.
Viņa nevarēja doties uz parku strādāt viena, bez kāda tuva cilvēka pavadības. Es nevarēju sēdēt viena kafejnīcā. Tāpēc viņas gleznas ir cilvēki no ģimenes loks. Vīrs, meita, radi, aukles.
Berte Morisota. Sieviete ar bērnu dārzā Bougival. 1881. gads Nacionālais muzejs Velsa, Kārdifa. Morisots negaidīja atzinību. Viņa nomira 54 gadu vecumā no pneimonijas, savas dzīves laikā nepārdodot gandrīz nevienu savu darbu. Viņas miršanas apliecībā ailē “nodarbošanās” bija svītra. Nebija iedomājams, ka sievieti sauktu par mākslinieci. Pat ja viņa patiešām bija.
Par meistara gleznām lasiet rakstā
6. Kamila Pisarro (1830–1903)
Kamila Pisarro. Pašportrets. 1873 Musée d'Orsay, Parīze. Wikipedia.org Kamila Pisarro. Bezkonflikts, saprātīgs. Daudzi viņu uztvēra kā skolotāju. Pat temperamentīgākie kolēģi par Pisarro nerunāja sliktu.
Viņš bija uzticīgs impresionisma sekotājs. Lielā trūkumā, ar sievu un pieciem bērniem, viņš joprojām smagi strādāja savā iecienītākajā stilā. Un viņš nekad nepārgāja uz salonu krāsošanu, lai kļūtu populārāks. Nav zināms, kur viņš ieguva spēku pilnībā noticēt sev.
Lai nemaz nenomirtu badā, Pisarro apgleznoja vēdekļus, kuras dedzīgi uzpirka. Bet patiesa atzinība viņam atnāca pēc 60 gadiem! Tad beidzot viņš varēja aizmirst par savu vajadzību.
Kamila Pisarro. Stagecoach Luveciennā. 1869 Musée d'Orsay, Parīze Gaiss Pisarro gleznās ir biezs un blīvs. Neparasts krāsu un apjoma saplūšana.
Mākslinieks nebaidījās gleznot vismainīgākās dabas parādības, kas uz brīdi parādās un pazūd. Pirmais sniegs, salta saule, garas ēnas.
Kamila Pisarro. Sals. 1873 Musée d'Orsay, Parīze Viņa slavenākie darbi ir Parīzes skati. Ar platiem bulvāriem un rosīgu raibu pūli. Naktī, dienā, dažādos laikapstākļos. Dažos veidos tie sasaucas ar Kloda Monē gleznu sēriju.
Tālāka attīstība Eiropas glezniecība saistīta ar impresionismu. Šis termins radās nejauši. Iemesls bija K. Monē ainavas nosaukums “Iespaids. Saullēkts" (skat. Pielikumu Nr. 1, 3. att.) (no franču impresijas - impresija), kas parādījās impresionisma izstādē 1874. gadā. Šo mākslinieku grupas pirmo publisko uzstāšanos, kurā bija K. Monē, E. Degā, O. Renuārs, A. Sislijs, K. Pisarro un citi, oficiālā buržuāziskā kritika sagaidīja ar rupju izsmieklu un vajāšanu. Tiesa, jau no 80. gadu beigām viņu glezniecības formālos paņēmienus pārņēma akadēmiskās mākslas pārstāvji, kas deva Degasam pamatu rūgti piezīmēt: "Mūs nošāva, bet tajā pašā laikā tika pārmeklētas mūsu kabatas."
Tagad, kad asas diskusijas par impresionismu ir pagātnē, diez vai kāds uzdrošināsies apstrīdēt, ka impresionisma kustība bija tālāks solis Eiropas reālistiskās glezniecības attīstībā. “Impresionisms, pirmkārt, ir realitātes vērošanas māksla, kas ir sasniegusi nepieredzētu izsmalcinātību” (V. N. Prokofjevs). Tiecoties pēc maksimālas spontanitātes un precizitātes redzamās pasaules nodošanā, viņi sāka gleznot galvenokārt brīvā dabā un paaugstināja dzīves skiču nozīmi, kuras gandrīz aizstāja. tradicionālais veids gleznas rūpīgi un lēnām tapušas studijā.
Konsekventi precizējot savu paleti, impresionisti glezniecību atbrīvoja no zemes un brūnām lakām un krāsām. Tradicionālais, “muzejiskais” melnums viņu audeklos dod vietu bezgala daudzveidīgai refleksu un krāsainu ēnu spēlei. Viņi ir neizmērojami paplašinājuši iespējas vizuālās mākslas, atklājot ne tikai saules, gaismas un gaisa pasauli, bet arī miglas skaistumu, nemierīgo dzīves atmosfēru liela pilsēta, nakts gaismas izkliede un nepārtrauktas kustības ritms.
Pateicoties pašai darba metodei brīvā dabā, ainava, tostarp viņu atklātā pilsētas ainava, impresionistu mākslā ieņēma ļoti nozīmīgu vietu. Par to, cik lielā mērā impresionistu mākslā organiski saplūda tradīcijas un jauninājumi, liecina, pirmkārt, izcilā 19. gadsimta gleznotāja Eduāra Manē (1832-1883) darbi. Tiesa, viņš pats sevi neuzskatīja par impresionisma pārstāvi un vienmēr izstādījās atsevišķi, taču ideoloģiskā un ideoloģiskā ziņā neapšaubāmi bija gan šīs kustības priekštecis, gan idejiskais līderis.
Savas radošās karjeras sākumā E. Manē tika izstumts (sabiedrības izsmiekls). Buržuāziskās publikas un kritiķu acīs viņa māksla kļūst par neglītā sinonīmu, un pats mākslinieks tiek dēvēts par “trako, kas glezno attēlu, trīc delīrija tremens” (M. de Montifaud) (sk. Pielikumu Nr. 1, 4. att.). Tikai tā laika visredzīgākie prāti spēja novērtēt Manē talantu. Viņu vidū bija arī Čārlzs Bodlērs un jaunais E. Zola, kurš paziņoja, ka Manē kungam ir paredzēta vieta Luvrā.
Impresionisms savu konsekventāko, bet arī tālejošāko izpausmi saņēma Kloda Monē (1840-1926) darbā. Viņa vārds bieži tiek saistīts ar tādiem šīs glezniecības metodes sasniegumiem kā netveramu apgaismojuma pārejas stāvokļu pārnese, gaismas un gaisa vibrācija, to savstarpējā saistība nemitīgo pārmaiņu un transformāciju procesā. "Tā, bez šaubām, bija liela uzvara mūsdienu mākslai," raksta V. N. Prokofjevs un piebilst: "Bet arī tās galīgā uzvara." Nav nejaušība, ka Sezans, kaut arī nedaudz polemiski saasināja savu pozīciju, vēlāk apgalvoja, ka Monē māksla ir "tikai acs".
Monē agrīnie darbi ir diezgan tradicionāli. Tajos joprojām ir cilvēku figūras, kas vēlāk arvien vairāk pārvēršas stafetēs un pamazām pazūd no viņa gleznām. 20. gadsimta 70. gados beidzot iezīmējās mākslinieka impresionistiskais stils, un turpmāk viņš pilnībā nodevās ainavai. Kopš tā laika viņš strādājis gandrīz tikai plenērā. Tieši viņa darbā tips beidzot ir nostiprinājies liela bilde- skice.
Monē bija viens no pirmajiem, kurš izveidoja gleznu sēriju, kurā viens un tas pats motīvs atkārtojas dažādos gada un dienas laikos, dažādos apgaismojuma un laikapstākļos (sk. Pielikumu Nr. 1, 5., 6. att.). Ne visas no tām ir vienādas, taču labākās šo sēriju gleznas pārsteidz ar to krāsu svaigumu, krāsu intensitāti un gaismas efektu mākslinieciskumu.
IN vēlais periods radošums Monē gleznās, pastiprinājās dekoratīvisma un plakanuma tendences. Krāsu spilgtums un tīrība pārvēršas to pretstatā, parādās sava veida bālganums. Runājot par vēlīnā impresionistu ļaunprātīgo “gaišo toni, dažu darbu pārvēršanu par izbalējušu audeklu”, E. Zola rakstīja: “Un šodien nav nekas cits kā plenērs... paliek tikai plankumi: portrets ir tikai plankums, figūras ir tikai plankumi, tikai plankumi.
Arī citi impresionistu mākslinieki lielākoties bija ainavu gleznotāji. Viņu darbi nereti nepelnīti palika ēnā līdzās patiesi kolorītajai un iespaidīgajai Monē figūrai, kaut gan savā dabas redzējuma modrībā un gleznošanas prasmēs neatpalika par viņu. No tiem vispirms jāmin Alfrēda Sislija (1839-1899) un Kamila Pisarro (1831-1903) vārdi. Pēc dzimšanas anglietes Sislijas darbiem raksturīga īpaša gleznieciska elegance. Spožs plenēra meistars, viņš prata nodot caurspīdīgo dzidru gaisu ziemas rīts, viegla saules sasildītas miglas dūmaka, vējainā dienā debesīs skrienoši mākoņi. Tā klāsts izceļas ar toņu bagātību un toņu uzticamību. Mākslinieka ainavas vienmēr ir dziļas noskaņas piesātinātas, atspoguļojot viņa būtībā lirisko dabas uztveri (sk. 1. pielikumu, 7., 8., 9. att.).
Tas bija sarežģītāk radošais ceļš Pisarro, vienīgais mākslinieks, kurš piedalījās visās astoņās impresionistu izstādēs, Dž.Rēvalds viņu nosauca par šīs kustības “patriarhu”. Sākot ar Barbizoniem glezniecībā līdzīgām ainavām, viņš Manē un viņa jauno draugu iespaidā sāka darboties brīvā dabā, pamazām padarot gaišāku paleti. Pamazām viņš izstrādā savu impresionistisko metodi. Viņš bija viens no pirmajiem, kurš atteicās no melnās krāsas izmantošanas. Pisarro vienmēr bija sliecies uz analītisku pieeju glezniecībai, tāpēc arī viņa eksperimenti krāsu sadalīšanā - “divīzionisms” un “pointelisms”. Tomēr viņš drīz atgriežas pie impresionistiskā manieres, kādā viņa labākie darbi- brīnišķīga Parīzes pilsētas ainavu sērija (skat. Pielikumu Nr. 1, 10.,11.,12.,13. att.). Viņu kompozīcija vienmēr ir pārdomāta un līdzsvarota, to gleznojums ir krāsains un meistarīgs tehnikā.
Krievijā pilsētas ainavu impresionismā apgaismoja Konstantīns Korovins. "Parīze man bija šoks... impresionistiem... viņos es redzēju to, par ko mani lamāja Maskavā." Korovins (1861-1939) kopā ar savu draugu Valentīnu Serovu bija krievu impresionisma centrālās figūras. Lielajā franču kustības ietekmē viņš radīja savu savs stils, kas sajauca franču impresionisma pamatelementus ar tā laika krievu mākslas bagātīgajām krāsām (skat. Pielikumu Nr. 1, 15. att.).
string(5796) "Pilsētas ainavas izcelšana atsevišķs žanrs arhitektoniskā ainava. Šīs kustības, kas attīstījās lineārās perspektīvas teorijas ietekmē, meistari redzēja savu galvenais uzdevums sarežģītas, rūpīgi izstrādātas kompozīcijas būvniecībā, ņemot vērā vienu, galveno skatījumu. Lielu ieguldījumu šī žanra attīstībā sniedza Itāļu mākslinieki Renesanse - Rafaels, Pjero della Frančeska, Andrea Mantenja. Gandrīz vienlaikus ar arhitektūras ainava Attīstījās arī cits virziens - pilsētas ainavu attēlošana. Vācu, nīderlandiešu un franču 16.-17.gadsimta gleznotāji no saviem ceļojumiem atnesa neskaitāmus albumus ar dabas skicēm. Līdz 17. gadsimta vidum PILSĒTAS AINAVA stingri ieņēma savas pozīcijas kā neatkarīgs žanrs, kļūstot par iecienītāko priekšmetu. Holandiešu mākslinieki. Attēlojot Amsterdamas, Delftas un Hārlemas nostūrus, mākslinieki centās apvienot pilsētu ēku ģeometrisko skaidrību ar ikdienas epizodēm un ainavām. Īstus pilsētas skatus var atrast tādiem lielākajiem 17. gadsimta holandiešu māksliniekiem kā J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer of Delft. Viens no spilgtākajiem un veiksmīgākajiem šī perioda PILSĒTAS AINAVAS paraugiem ir Delftas Vermēra “Skats uz Delftas pilsētu”, kurš šo tēlu poētiski slavēja. dzimtā pilsēta. 18. gadsimtā izveidojās īpašs ainavas žanra veids, kas cieši saistīts ar PILSĒTAINAINAVU - veduta. Veduta, atkarībā no pilsētas teritorijas reprodukcijas rakstura, tika sadalīta reālajā, ideālajā vai fantastiskā. Īstajā veditā mākslinieks cītīgi un skrupulozi attēloja īstas ēkas īstā ainavā, reālas ēkas tika attēlotas izdomātas ainavas ielenkumā; Šāda veida glezniecības ziedu laiki bija Venēcijas Veduta, bet Venēcijas Vedutas skolas vadītājs bija mākslinieks Antonio Kanaleto. Romantisma laikmetā mākslinieki saglabāja interesi par arheoloģisko pieminekļu, senlietu un seno tempļu attēlošanu. Deviņpadsmitā gadsimta vidū ainavu gleznotāji pievērsās žanra ainām. Gravīrēs parādās PILSĒTAS AINAVAS, kurās attēloti Londonas skati Franču mākslinieks Gustavs Dore. Cits franču mākslinieks, PILSĒTAS AINAVAS meistars Honore Daumier arī interesējās par pilsētas skatiem, kaut arī Parīzi. Jauna lapa PILSĒTAINANAS vēsturē atklāja impresionistu mākslinieki. Viņu uzmanību piesaistīja ielu raksti dažādos diennakts laikos, dzelzceļa stacijas, ēku silueti un kontūras. Vēlme nodot pilsētas dzīves ritmu, tvert pastāvīgi mainīgo atmosfēras stāvokli un apgaismojumu lika impresionistiem atklāt jaunus līdzekļus. mākslinieciskā izteiksme.
Gleznu sadaļā, kas veltīta PILSĒTAS AINAVAI, apskatāmi objekti, kas attēlo dažādas pilsētas, arhitektūras pieminekļi, ielas un atrakcijas. Šajā sadaļā jūs atradīsiet skatus uz Maskavu, Sanktpēterburgu, kā arī Romu un daudzām citām pilsētām. Piedāvājam iegādāties preces no sadaļas PILSĒTAS AINAVA mūsu Komisijas Antikvariātā. Sadaļa PILSĒTAS AINAVA tiek pastāvīgi atjaunināta, sekojiet līdzi jaunumiem. "
PILSĒTAS AINAVA ir tēlotājmākslas žanrs, kurā galvenā tēma ir pilsētas tēls, tās ielas un ēkas. Sākotnēji CITY LANDSCAPE nebija neatkarīgs žanrs viduslaiku mākslinieki izmantoja pilsētas ainavas tikai kā rāmi Bībeles ainām. PILSĒTAS AINAVU jaunā veidā pārdomāja vecholandiešu meistari, kas ar īpašu rūpību un mīlestību tvēra apkārtējo pasauli.
Arhitektūras ainava veicināja PILSĒTAINANAS nodalīšanu atsevišķā žanrā. Šīs kustības, kas attīstījās lineārās perspektīvas teorijas iespaidā, meistari savu galveno uzdevumu saskatīja sarežģītas, rūpīgi izstrādātas kompozīcijas konstruēšanā, ņemot vērā vienu, galveno skatījumu. Lielu ieguldījumu šī žanra attīstībā sniedza itāļu renesanses mākslinieki - Rafaels, Pjero della Frančeska, Andrea Mantenja. Gandrīz vienlaikus ar arhitektonisko ainavu attīstījās cits virziens - pilsētvides ainavu attēlošana. 16.-17.gadsimta vācu, nīderlandiešu un franču gleznotāji no saviem ceļojumiem atnesa daudzus albumus ar dabas skicēm. Līdz 17. gadsimta vidum CITY LANDSCAPE stingri ieņēma savas pozīcijas kā neatkarīgs žanrs, kļūstot par iecienītu holandiešu mākslinieku priekšmetu. Attēlojot Amsterdamas, Delftas un Hārlemas nostūrus, mākslinieki centās apvienot pilsētu ēku ģeometrisko skaidrību ar ikdienas epizodēm un ainavām. Īstus pilsētas skatus var atrast tādiem lielākajiem 17. gadsimta holandiešu māksliniekiem kā J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer of Delft. Viens no spilgtākajiem un veiksmīgākajiem šī perioda PILSĒTAS AINAVAS paraugiem ir Delftas Vermēra “Skats uz Delftas pilsētu”, kurš poētiski slavināja savas dzimtās pilsētas tēlu. 18. gadsimtā izveidojās īpašs ainavas žanra veids, kas cieši saistīts ar PILSĒTAINAINAVU - veduta. Veduta, atkarībā no pilsētas teritorijas reprodukcijas rakstura, tika sadalīta reālajā, ideālajā vai fantastiskā. Īstajā veditā mākslinieks cītīgi un skrupulozi attēloja reālas ēkas īstā ainavā, reālas ēkas tika attēlotas izdomātas ainavas ielenkumā; Šāda veida glezniecības ziedu laiki bija Venēcijas Veduta, un Venēcijas Vedutas skolas vadītājs bija mākslinieks Antonio Kanaleto. Romantisma laikmetā mākslinieki saglabāja interesi par arheoloģisko pieminekļu, senlietu un seno tempļu attēlošanu. Deviņpadsmitā gadsimta vidū ainavu gleznotāji pievērsās žanra ainām. PILSĒTAS SKATES, kas ataino Londonas skatus, atrodamas franču mākslinieka Gustava Dorē gravējumos. Cits franču mākslinieks, PILSĒTAS AINAVAS meistars Honore Daumier arī interesējās par pilsētas skatiem, kaut arī Parīzi. Impresionisma mākslinieki atvēra jaunu lappusi PILSĒTAINAINAS vēsturē. Viņu uzmanību piesaistīja ielu raksti dažādos diennakts laikos, dzelzceļa stacijas, ēku silueti un kontūras. Vēlme nodot pilsētas dzīves ritmu, tvert nemitīgi mainīgo atmosfēras stāvokli un apgaismojumu, lika impresionistiem atklāt jaunus mākslinieciskās izteiksmes līdzekļus.
Gleznu sadaļā, kas veltīta PILSĒTAS AINAVAI, apskatāmi objekti, kuros attēlotas dažādas pilsētas, arhitektūras pieminekļi, ielas un apskates objekti. Šajā sadaļā jūs atradīsiet skatus uz Maskavu, Sanktpēterburgu, kā arī Romu un daudzām citām pilsētām. Piedāvājam iegādāties preces no sadaļas PILSĒTAS AINAVA mūsu Komisijas Antikvariātā. Sadaļa PILSĒTAS AINAVA tiek pastāvīgi atjaunināta, sekojiet līdzi jaunumiem.