Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ukazując w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata.
Klasycyzm interesuje tylko to, co wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się on rozpoznać jedynie istotne cechy typologiczne, odrzucając przypadkowe cechy indywidualne. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm przejmuje wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).
| Dominujące i modne kolory | Bogate kolory; zielony, różowy, fioletowy ze złotymi akcentami, błękitny |
| Linie w stylu klasycystycznym | Ścisłe powtarzające się linie pionowe i poziome; płaskorzeźba w okrągłym medalionie; gładki uogólniony rysunek; symetria |
| Formularz | Przejrzystość i geometryczne kształty; posągi na dachu, rotunda; dla stylu Empire - wyraziste pompatyczne formy monumentalne |
| Charakterystyczne elementy wnętrza | Dyskretny wystrój; kolumny okrągłe i żebrowe, pilastry, posągi, ozdoby antyczne, sklepienie kasetonowe; dla stylu Empire, wystrój militarny (emblematy); symbole władzy |
| Konstrukcje | Masywna, stabilna, monumentalna, prostokątna, łukowata |
| Okna | Prostokątny, wydłużony ku górze, o skromnym kroju |
| Drzwi w stylu klasycznym | Prostokątny, panelowy; z masywnym portalem szczytowym na kolumnach okrągłych i żebrowanych; z lwami, sfinksami i posągami |
Kierunki klasycyzmu w architekturze: palladianizm, styl empire, neogrecki, „styl regencyjny”.
Główną cechą architektury klasycyzmu było odwołanie się do form architektury starożytnej jako standardu harmonii, prostoty, rygoru, logicznej przejrzystości i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całości charakteryzuje regularność układu i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności. Klasycyzm charakteryzuje się symetrycznymi kompozycjami osiowymi, powściągliwością dekoracji dekoracyjnych i regularnym układem urbanistycznym.
Pojawienie się stylu klasycyzmu
W 1755 roku Johann Joachim Winckelmann napisał w Dreźnie: „Jedynym sposobem, abyśmy stali się wielcy, a jeśli to możliwe, niepowtarzalni, jest naśladowanie starożytnych”. To wezwanie do aktualizacji sztuka współczesna, korzystając z piękna antyku, postrzeganego jako ideał, znalazł aktywne wsparcie w społeczeństwie europejskim. Postępowa publiczność widziała w klasycyzmie niezbędny kontrast w stosunku do baroku dworskiego. Ale oświeceni władcy feudalni nie odrzucili naśladowania starożytnych form. Epoka klasycyzmu zbiegła się w czasie z epoką rewolucji burżuazyjnych – angielskiej w 1688 r., francuskiej 101 lat później.
Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego weneckiego mistrza Palladia i jego następcę Scamozziego.
Wenecjanie zabsolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej do tego stopnia, że zastosowali je nawet przy budowie takich prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones sprowadził palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni architekci palladiańscy z różnym stopniem wierności przestrzegali zasad palladiańskich aż do połowy XVIII wieku.
Historyczna charakterystyka stylu klasycyzmu
W tym czasie wśród intelektualistów Europy kontynentalnej zaczęło narastać nasycenie „bitą śmietaną” późnego baroku i rokoka.
Zrodzony z rzymskich architektów Berniniego i Borrominiego, barok przekształcił się w rokoko, styl przeważnie kameralny, z naciskiem na dekorację wnętrz i sztukę zdobniczą. Estetyka ta na niewiele się zdała przy rozwiązywaniu dużych problemów urbanistycznych. Już za Ludwika XV (1715-74) budowano w Paryżu zespoły urbanistyczne w stylu „starożytnego rzymskiego”, takie jak Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) i kościół Saint-Sulpice, a za Ludwika XVI (1774-92) podobny „szlachetny lakonizm” staje się już głównym kierunkiem architektonicznym.
Od form rokokowych, początkowo naznaczonych wpływami rzymskimi, po ukończeniu budowy Bramy Brandenburskiej w Berlinie w 1791 r. nastąpił ostry zwrot w stronę form greckich. Po wojnach wyzwoleńczych z Napoleonem ten „hellenizm” znalazł swoich mistrzów w osobie K.F. Schinkel i L. von Klenze. Fasady, kolumny i trójkątne frontony stały się architektonicznym alfabetem.
Chęć przełożenia szlachetnej prostoty i spokojnej wielkości sztuki starożytnej na nowoczesne budownictwo doprowadziła do chęci całkowitego skopiowania starożytnego budynku. To, co F. Gilly pozostawił jako projekt pomnika Fryderyka II, z rozkazu Ludwika I Bawarskiego, zostało zrealizowane na zboczach Dunaju w Regensburgu i otrzymało nazwę Walhalla (Walhalla „Komnata Umarłych”).
Najważniejsze wnętrza w stylu klasycystycznym zaprojektował Szkot Robert Adam, który w 1758 roku powrócił do ojczyzny z Rzymu. Był pod wielkim wrażeniem zarówno badań archeologicznych włoskich naukowców, jak i fantazji architektonicznych Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym rokoko pod względem wyrafinowania wnętrz, dzięki czemu zyskał popularność nie tylko wśród demokratycznie nastawionych kręgów społecznych, ale także wśród arystokracji. Podobnie jak jego francuscy koledzy, Adam głosił całkowite odrzucenie szczegółów pozbawionych konstruktywnej funkcji.
Francuz Jacques-Germain Soufflot podczas budowy kościoła Sainte-Geneviève w Paryżu wykazał zdolność klasycyzmu do organizowania rozległych przestrzeni miejskich. Ogromny rozmach jego projektów zapowiadał megalomanię stylu imperium napoleońskiego i późnego klasycyzmu. W Rosji Bazhenov poszedł w tym samym kierunku co Soufflot. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boullé poszli jeszcze dalej w kierunku opracowania radykalnego stylu wizjonerskiego, kładącego nacisk na abstrakcyjną geometrię form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny obywatelski patos ich projektów nie cieszył się dużym zainteresowaniem; Innowację Ledoux w pełni docenili dopiero moderniści XX wieku.
Architekci napoleońskiej Francji czerpali inspirację z majestatycznych obrazów chwały militarnej pozostawionych przez cesarski Rzym, takich jak łuk triumfalny Septymiusza Sewera i Kolumna Trajana. Na rozkaz Napoleona obrazy te przeniesiono do Paryża w postaci łuku triumfalnego Karuzeli i kolumny Vendôme. W odniesieniu do pomników wielkości militarnej z epoki wojen napoleońskich używa się określenia „styl imperialny” – imperium. W Rosji Carl Rossi, Andrei Voronikhin i Andreyan Zakharov okazali się wybitnymi mistrzami stylu Empire.
W Wielkiej Brytanii styl empire odpowiada tzw. „Styl regencyjny” (największym przedstawicielem jest John Nash).
Estetyka klasycyzmu faworyzowała wielkoskalowe projekty urbanistyczne i prowadziła do usprawnienia zabudowy urbanistycznej w skali całych miast.
W Rosji niemal wszystkie miasta prowincjonalne i wiele miast powiatowych zostały przebudowane zgodnie z zasadami racjonalizmu klasycystycznego. Do autentycznych muzeów klasycyzmu pod na wolnym powietrzu stały się miasta takie jak St. Petersburg, Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg i szereg innych. Na całej przestrzeni od Minusińska po Filadelfię dominował jeden język architektoniczny, którego początki sięgają Palladia. Zwykła zabudowa została przeprowadzona zgodnie z albumami standardowych projektów.
W okresie po wojnach napoleońskich klasycyzm musiał współistnieć z eklektyzmem o zabarwieniu romantycznym, zwłaszcza wraz z powrotem zainteresowania średniowieczem i modą na neogotyk architektoniczny. W związku z odkryciami Champolliona motywy egipskie zyskują na popularności. Zainteresowanie starożytną architekturą rzymską zastępuje szacunek dla wszystkiego, co starożytna greka („neo-grecka”), co było szczególnie widoczne w Niemczech i USA. Niemieccy architekci Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel zbudowali odpowiednio Monachium i Berlin ze wspaniałymi muzeum i innymi budynkami użyteczności publicznej w duchu Partenonu.
We Francji czystość klasycyzmu zostaje rozmyta darmowymi zapożyczeniami z repertuaru architektonicznego renesansu i baroku (patrz Beaux Arts).
Ośrodkami budownictwa w stylu klasycystycznym stały się pałace i rezydencje książęce; szczególną sławę zyskał Marktplatz (rynek) w Karlsruhe, Maximilianstadt i Ludwigstrasse w Monachium, a także budownictwo w Darmstadt. Królowie pruscy w Berlinie i Poczdamie budowali głównie w stylu klasycystycznym.
Ale pałace nie były już głównym przedmiotem budowy. Nie można już było od nich odróżnić willi i wiejskich domów. Zakres budownictwa państwowego obejmował budynki użyteczności publicznej – teatry, muzea, uniwersytety i biblioteki. Do tego doszły budynki o przeznaczeniu społecznym – szpitale, domy dla niewidomych i głuchoniemych, a także więzienia i koszary. Obraz uzupełniały wiejskie majątki arystokracji i mieszczaństwa, ratusze oraz zabudowa mieszkalna miast i wsi.
Budowa kościołów nie odgrywała już pierwszoplanowej roli, ale niezwykłe budowle powstały w Karlsruhe, Darmstadt i Poczdamie, choć toczyła się dyskusja, czy pogańskie formy architektoniczne nadają się dla chrześcijańskiego klasztoru.
Cechy konstrukcyjne stylu klasycyzmu
Po upadku wielkich stylów historycznych, które przetrwały stulecia, w XIX wieku. Następuje wyraźne przyspieszenie procesu rozwoju architektury. Staje się to szczególnie oczywiste, jeśli porównamy ostatnie stulecie z całym poprzednim tysiącletnim rozwojem. Jeśli architektura wczesnośredniowieczna i gotyk obejmowały około pięciu stuleci, renesans i barok łącznie obejmowały tylko połowę tego okresu, to klasycyzmowi zajęło mniej niż sto lat, aby przejąć Europę i przedostać się za granicę.
Charakterystyczne cechy stylu klasycyzmu
Wraz ze zmianą punktu widzenia na architekturę, wraz z rozwojem technologii budowlanej i pojawieniem się nowych typów konstrukcji w XIX wieku. Nastąpiło także istotne przesunięcie centrum światowego rozwoju architektury. Na pierwszym planie znajdują się kraje, które nie przeżyły najwyższego etapu rozwoju baroku. Klasycyzm osiąga swój szczyt we Francji, Niemczech, Anglii i Rosji.
Klasycyzm był wyrazem filozoficznego racjonalizmu. Ideą klasycyzmu było wykorzystanie w architekturze starożytnych systemów formowania, które jednak zostały wypełnione nowymi treściami. Estetykę prostych antycznych form i ścisły porządek przeciwstawiono przypadkowości i rozluźnieniu architektonicznych i artystycznych przejawów światopoglądu.
Klasycyzm pobudził badania archeologiczne, które doprowadziły do odkryć dotyczących zaawansowanych starożytnych cywilizacji. Wyniki wypraw archeologicznych podsumowano obszernie badania naukowe, położony podstawy teoretyczne ruch, w który wierzyli jego uczestnicy starożytna kultura szczyt doskonałości w sztuce budowlanej, przykład absolutnego i wiecznego piękna. Popularyzacji form antycznych sprzyjały liczne albumy zawierające wizerunki zabytków architektury.
Rodzaje budynków w stylu klasycystycznym
Charakter architektury w większości przypadków pozostawał zależny od tektoniki ściany nośnej i sklepienia, które uległo spłaszczeniu. Ważnym elementem plastycznym staje się portyk, natomiast ściany zewnętrzne i wewnętrzne przedzielone są drobnymi pilastrami i gzymsami. W kompozycji całości i szczegółów, brył i planów dominuje symetria.
Kolorystyka charakteryzuje się światłem pastelowe kolory. Biały z reguły służy identyfikacji elementów architektonicznych będących symbolem aktywnej tektoniki. Wnętrze staje się jaśniejsze, bardziej powściągliwe, meble proste i lekkie, a projektanci wykorzystali motywy egipskie, greckie czy rzymskie.
Najważniejsze koncepcje urbanistyczne i ich realizacja w przyrodzie końca XVIII i pierwszej połowy XIX wieku kojarzone są z klasycyzmem. W tym okresie powstały nowe miasta, parki i kurorty.
Michaił Wasiljewicz Łomonosow urodził się 19 listopada (8) 1711 r. We wsi Miszanińska, która znajduje się na jednej z wysp Północnej Dźwiny, niedaleko miasta Chołmogory. Przyszły wielki naukowiec po raz pierwszy ujrzał światło dzienne w rodzinie czarnoskórego chłopa (jak nazywano chłopów państwowych w przeciwieństwie do chłopów pańszczyźnianych) Wasilija Dorofiejewicza Łomonosowa. Henkel studiuje górnictwo.
Szczególnie owocne dla działalność naukowaŁomonosowa w dziedzinie fizyki i chemii były 1743-1747. Wtedy to opracował pierwszy program badań naukowych w dziedzinie fizyki i chemii w naszym kraju, który później stał się znany jako „276 notatek o fizyce i filozofii korpuskularnej”. (Ckorpuskuła, zgodnie z ówczesną terminologią, to cząstka materii o właściwościach podobnych do tego, co pod koniec XIX wieku nazywano cząsteczką, a filozofię nazywano wówczas nauką lub nauczaniem.) W tym samym okresie , napisał rozprawy „O cząstkach niewrażliwych”, „O działaniu rozpuszczalników chemicznych w ogóle”, „O połysku metalicznym”, „Refleksje na temat przyczyn ciepła i zimna” itp.
Od 1744 r. M.V. Łomonosow wykładał fizykę studentom uniwersytetu akademickiego. Zajęcia te pokazały, że do skutecznej nauki potrzebny jest dobry podręcznik. A Łomonosow tłumaczy z łaciny na rosyjski „Fizykę Eksperymentalną” jednego ze swoich nauczycieli z Marburga - H. Wolfa. Przez długi czas był używany do studiowania fizyki w różnych instytucjach edukacyjnych w kraju.
W 1745 r. Łomonosow został wybrany profesorem chemii (akademik) Akademii Nauk w Petersburgu i zaczął aktywnie zabiegać o utworzenie laboratorium chemicznego. Jego wysiłki zostały uwieńczone sukcesem. W 1748 r. W drugiej linii Wyspy Wasiljewskiej, na dziedzińcu domu, w którym mieszkał naukowiec, zbudowano pierwsze laboratorium naukowo-dydaktyczne w Rosji.
Łomonosow uważał szerzenie oświaty wśród narodu rosyjskiego za jedno ze swoich głównych zadań. Naukowiec od dawna był zaniepokojony opłakanym stanem akademickiego gimnazjum i uniwersytetu. Według jego propozycji i projektu Uniwersytet Moskiewski został otwarty w styczniu 1755 roku. W tym samym roku Łomonosow wydał do druku „Gramatykę rosyjską” – pierwszy podręcznik gramatyki w Rosji – i ukończył pracę nad „Historią starożytnej Rosji”, a w 1756 r. Czytał przed akademikami „Kwestię o pochodzeniu światła. .”, w którym nakreślił swoją teorię zjawisk światła i koloru. W 1758 r. M.V. Łomonosow został mianowany dyrektorem Wydziału Geograficznego Akademii Nauk. Rozpoczyna pracę nad opracowaniem nowego „Atlasu Rosyjskiego”. Jednocześnie wraz z akademikiem Brownem prowadzi eksperymenty w niskich temperaturach.
Po raz pierwszy udało im się „zamrozić” rtęć i udowodnić, że jest to również metal, ale o niskiej temperaturze topnienia.
W czerwcu 1761 r
świat naukowy
Główną cechą architektury klasycyzmu było odwołanie się do form architektury starożytnej jako standardu harmonii, prostoty, rygoru, logicznej przejrzystości i monumentalności. Architekturę klasycyzmu jako całości charakteryzuje regularność układu i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach bliskich starożytności. Klasycyzm charakteryzuje się symetrycznymi kompozycjami osiowymi, powściągliwością dekoracji dekoracyjnych i regularnym układem urbanistycznym.
Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego weneckiego mistrza Palladia i jego następcę Scamozziego.
Wenecjanie zabsolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej do tego stopnia, że zastosowali je nawet przy budowie takich prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones sprowadził palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni architekci palladiańscy z różnym stopniem wierności przestrzegali zasad palladiańskich aż do połowy XVIII wieku.
W Wenecji Palladio na zlecenie Kościoła wykonał kilka projektów i zbudował szereg kościołów (San Pietro in Castello, 1558; krużganek kościoła Santa Maria della Carita [obecnie Muzeum Accademia]; fasada kościoła San Francesco della Vigna, 1562; San Giorgio Maggiore na tej samej wyspie, 1565 [ukończone przez V. Scamozzi do 1610]; „Il Redentore”, czyli [kościół] Zbawiciela na wyspie Giudecca, 1576-1592; Santa Maria della Prezentacjae, czyli „Le Santa Lucia”; połowa XIX w. podczas budowy dworca kolejowego). Jeśli wille Palladia jako całość łączy wrażenie harmonii i spokoju form, to w jego kościołach najważniejsza jest dynamika form, czasem podekscytowany patosem.
Robert Adam (współpracujący ze swoim bratem Jamesem) stał się najbardziej poszukiwanym architektem w Wielkiej Brytanii. Koneserzy piękna zachwycali się swobodą, z jaką łączył elementy klasyczne, wcześniej uważane za niekompatybilne. Świeże podejście do aranżacji znanych technik architektonicznych (okno termiczne, serliano) świadczyło o głębokim wniknięciu Adama w istotę sztuki antycznej. Budynki: Kedleston Hall, Syon House, Register House, Osterley Park.
Klasycyzm w malarstwie.
Nieliczne obrazy Agostino Carracciego (najlepsze z nich to freski w Palazzo Farnese w Rzymie, wykonane wspólnie z bratem Annibalem, „Komunia św. Hieronima” i „Wniebowzięcie Marii Panny” w Pinakotece w Bolonii) to wyróżnia się poprawnością rysunku i lekką, wesołą kolorystyką.
Agostino był bardziej znanym rytownikiem niż jego brat Annibale. Naśladując Cornelisa Corta, osiągnął wielkie wyżyny w umiejętności grawerowania. Do najsłynniejszych jego rycin należą: „Ukrzyżowanie” (z Tintoretto, 1589), „Eneasz i Anchises” (z Barocchio, 1595), „Dziewica z Dzieciątkiem” (z Correggio), „Kuszenie św. Antoni”, „Św. Hieronima” (wraz z Tintoretto), a także kilka rycin z jego własnych dzieł.
Claude Lorrain z wielką wprawą ukazywał grę promieni słonecznych o różnych porach dnia, świeżość poranka, południowy upał, melancholijny migotanie zmierzchu, chłodne cienie ciepłych nocy, blask spokojnych lub lekko kołyszących się wód , przezroczystość czystego powietrza i odległość przebytą przez lekką mgłę. W jego twórczości można wyróżnić dwa style: obrazy z wczesnego okresu jego twórczości malowane są mocno, gęsto, w ciepłych barwach; późniejsze – bardziej płynne, w chłodnej tonacji. Postacie, którymi zwykle ożywiane są jego pejzaże.
Lorrain, w odróżnieniu od Poussina, wyszła poza pejzaż metafizyczny (czytaj akademicki). W jego twórczości zawsze ważne jest światło. Jako pierwszy badał problem oświetlenia słonecznego rano i wieczorem; pierwszy, który poważnie zainteresował się atmosferą i jej nasyceniem światłem. Jego twórczość wpłynęła na rozwój europejskiego malarstwa pejzażowego, w szczególności Williama Turnera
Klasycyzm w muzyce
Muzyka okresu klasycznego, czyli muzyka klasycyzmu, odnosi się do okresu w rozwoju muzyki europejskiej pomiędzy około 1730 a 1820 rokiem (patrz „Ramy czasowe okresów w rozwoju muzyki klasycznej”, aby uzyskać więcej szczegółów na temat zagadnień związanych z wyodrębnieniem tych ramki). Pojęcie klasycyzmu w muzyce jest ściśle związane z twórczością Haydna, Mozarta i Beethovena, zwanych klasykami wiedeńskimi, którzy wyznaczyli kierunek dalszego rozwoju kompozycji muzycznej.
Osobliwość Twórczość Mozarta to niesamowite połączenie surowych, klarownych form z głęboką emocjonalnością. Wyjątkowość jego twórczości polega na tym, że nie tylko pisał we wszystkich formach i gatunkach, jakie istniały w jego epoce, ale w każdym z nich pozostawił dzieła o trwałym znaczeniu. Muzyka Mozarta wykazuje wiele powiązań z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską), przynależy jednak do narodowej ziemi wiedeńskiej i nosi piętno indywidualność twórcza wielki kompozytor.
Mozart to jeden z najwybitniejszych melodystów. Jej melodia łączy w sobie cechy austriackiej i niemieckiej pieśni ludowej z melodyjnością włoskiej kantyleny. Mimo że jego dzieła wyróżniają się poezją i subtelnym wdziękiem, często zawierają melodie o charakterze męskim, z dużym patosem dramatycznym i elementami kontrastowymi. Najpopularniejszymi operami były „Wesele Figara”, „Don Giovanni” i „Czarodziejski flet”.
Pytania i zadania:
1) Klasycyzm (francuski klasycyzm, od łac. classicus - wzorcowy) - styl artystyczny i kierunek estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.
W rozwoju klasycyzmu można wyróżnić dwa etapy: wiek XVII. i XVIII - początek XIX V. W XVIII wieku
Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które ukształtowały się jednocześnie z tymi samymi ideami w filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ukazując w ten sposób harmonię i logikę samego wszechświata. Klasycyzm interesuje tylko to, co wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się on rozpoznać jedynie istotne cechy typologiczne, odrzucając przypadkowe cechy indywidualne. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm przejmuje wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).
Klasycyzm ustanawia ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie (oda, tragedia, epopeja) i niskie (komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma ściśle określone cechy, których mieszanie nie jest dozwolone.
Jak ukształtował się pewien kierunek we Francji w XVII wieku. Klasycyzm francuski uznawał osobowość człowieka za najwyższą wartość egzystencji, uwalniając go spod wpływów religijnych i kościelnych.
Malarstwo, rzeźba, architektura, literatura, muzyka - reprezentowany jest klasycyzm.
2) Z budowli pomnikowej dochodzą do budowli wyrażającej określoną funkcję społeczną, jedność tych funkcji tworzy organizm miejski, a jego struktura jest koordynacją tych funkcji. Ponieważ koordynacja społeczna opiera się na zasadach racjonalności, plany urbanistyczne stają się bardziej racjonalne, to znaczy opierają się na wyraźnych prostokątnych lub promienistych wzorach geometrycznych, na które składają się szerokie i proste ulice, duże obszary kwadratowe lub kołowe. Idea relacji społeczeństwa ludzkiego z przyrodą wyraża się w mieście poprzez wprowadzenie szerokich obszarów zieleni, najczęściej parków w pobliżu pałaców lub ogrodów dawnych klasztorów, które po rewolucji stały się własnością państwa. Sprowadzenie architektury jedynie do realizacji zadań urbanistycznych pociąga za sobą uproszczenie i typizację jej form.
3) Architekt klasycyzmu odrzuca „bitą śmietanę” baroku i kładzie nacisk na standardy harmonii, rygoru, logicznej przejrzystości i monumentalności. Właściwie dla niego nie było wątpliwości, czy sztuka jest obiektywna, czy nie. Oczywiście obiektywnie, ale on sam służy wieczności i wszystkiemu, co niezmienne. Stąd skupienie się na porządku, regularności układu i symetrii. Człowieku, jak pamiętamy, brzmi to dumnie. A regularność i przejrzystość są właśnie tym, co odróżnia dzieło człowieka od spontanicznej asymetrii natury. Dla budynków i parków oznaczało to pojawienie się ciągnących się w perspektywie rzędów kolumn, doskonale przyciętych krzewów i kilkudziesięciu metrów doskonałych rzeźb. A loki, fałdy architektoniczne i marszczenia pochodzą od złego. Architekt klasycyzmu był najczęściej turystą i podróżował do Włoch i Grecji, aby obejrzeć ruiny, dzieła Palladia, Scamozziego i rysunki Piranesiego, a następnie przeniósł tę wiedzę do własnego kraju. Stało się tak zwłaszcza w przypadku Inigo Jonesa, który był odpowiedzialny za wprowadzenie klasycyzmu w Wielkiej Brytanii, oraz Roberta Adama, który zmienił oblicze Szkocji. Niemcy Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel, oszaleli na punkcie piękna Partenonu, zbudowali Monachium i Berlin w duchu neogreckim, budując wspaniałe muzea i inne budynki użyteczności publicznej.
Francuzi Jacques-Germain Soufflot, Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boullé stworzyli własne wersje klasycyzmu: pierwsi w coraz większym stopniu opanowali przestrzenie wokół budynku, natomiast Ledoux i Boullé dali się ponieść radykalnej geometryzacji form. Ze wszystkich Europejczyków Francuzi (a po nich Rosjanie) okazali się najbardziej wrażliwi na luksus cesarskiego Rzymu i nie wahali się kopiować łuków triumfalnych i kolumn.
4) Patrz pytanie nr 3.
5) Charakterystyczną cechą twórczości Mozarta jest niesamowite połączenie surowych, wyraźnych form z głęboką emocjonalnością. Wyjątkowość jego twórczości polega na tym, że nie tylko pisał we wszystkich formach i gatunkach, jakie istniały w jego epoce, ale w każdym z nich pozostawił dzieła o trwałym znaczeniu. Muzyka Mozarta wykazuje wiele powiązań z różnymi kulturami narodowymi (zwłaszcza włoską), przynależy jednak do narodowej ziemi wiedeńskiej i nosi piętno indywidualności twórczej wielkiego kompozytora.
6) Nicolas Poussin. Mistrz młotkowanej, rytmicznej kompozycji. Jako jeden z pierwszych docenił monumentalność tutejszego kolorytu.
Urodzony w Normandii, oryginał edukacja artystyczna otrzymał w ojczyźnie, a następnie studiował w Paryżu pod kierunkiem Quentina Varenne'a i J. Lallemanda. W 1624 roku, już dość znany artysta, Poussin wyjechał do Włoch i zaprzyjaźnił się w Rzymie z poetą Marino, który zaszczepił w nim zamiłowanie do studiowania poetów włoskich, których twórczość zapewniła Poussinowi bogaty materiał do swoich kompozycji. Po śmierci Marino Poussin znalazł się w Rzymie bez żadnego wsparcia. Jego sytuacja poprawiła się dopiero, gdy znalazł patronów w osobach kardynała Francesco Barberiniego i Cavaliera Cassiano del Pozzo, dla których napisał Siedem Sakramentów. Dzięki serii tych znakomitych obrazów Poussin został zaproszony przez kardynała Richelieu do Paryża w 1639 roku, aby udekorować Galerię w Luwrze. Ludwik XIII podniósł go do tytułu pierwszego malarza. W Paryżu Poussin miał wiele zleceń, utworzył jednak partię przeciwników w osobach artystów Voueta, Brequiera i Merciera, którzy wcześniej zajmowali się dekoracją Luwru. Szczególnie intrygująca wobec niego była szkoła Vue, ciesząca się patronatem królowej. Dlatego w 1642 roku Poussin opuścił Paryż i wrócił do Rzymu, gdzie mieszkał aż do śmierci.
Poussin był szczególnie silny w krajobrazie. Wykorzystując osiągnięcia tego typu malarstwa szkoły bolońskiej i Holendrów mieszkających we Włoszech, stworzył tzw. „pejzaż heroiczny”, który aranżując zgodnie z zasadami zrównoważonego rozkładu mas, z jego przyjemne i majestatyczne formy posłużyły mu za scenę do przedstawienia idyllicznego złotego wieku. Pejzaże Poussina przepojone są poważnym, melancholijnym nastrojem. W przedstawianiu postaci trzymał się starożytności, przez co wyznaczył dalszą drogę, jaką podążała za nim francuska szkoła malarstwa. Jako malarz historyczny Poussin miał głęboką wiedzę w zakresie rysunku i talent do kompozycji. Na rysunku wyróżnia się ścisłą konsekwencją stylu i poprawnością.
„Hojność Scypiona”, „Pasterze Arkadii”, „Tancred i Erminia”.
Hojność Scypiona.
Obraz przedstawiający zdobycie Nowej Kartaginy (współczesna Kartagena), hiszpańskiej twierdzy punickiej podczas drugiej wojny punickiej, którą Scypion zdobył wraz z niezliczonymi skarbami, zakładnikami z plemion hiszpańskich i dużym zapasem prowiantu. Swoją drogą, udało mi się to uchwycić w jeden dzień.
Właściwie hojność Scypiona polegała na tym, że uwolnił zakładników i zorganizował ich odesłanie do domu, a także zachował honor szlachetnych dziewcząt z tych plemion hiszpańskich, co zdobyło przyjaźń i przychylność wielu Hiszpanów, którzy przeszli na stronę Rzymu.
Nr 21 Podstawy światopoglądowe w kulturze edukacyjnej. Oświecenie w Europie i Ameryce
Tworzenie nowej ideologii wiąże się z tworzeniem się nowej warstwy społecznej. Przekonany o ideałach racjonalizmu, wykształcony. Nie arystokraci. Mówią o ubóstwie i upokorzeniu ludu, jego rozkładu górne warstwy i postawili sobie za cel zmianę sytuacji, wykorzystując naukowy światopogląd, który może wpłynąć na nastroje mas. (Są awanturnikami i niewolnikami)
Opowiadają się za uznaniem praw jednostki i tak przedstawiają się doktryny prawa naturalnego. Pojawiają się w naukach Hobbesa, Locke'a i Grocjusza w XVIII wieku. Oryginalna koncepcja prawa naturalnego Hobbesa głosi, że natura ludzka jest zła i samolubna. „Człowiek jest dla człowieka wilkiem”, stan naturalny to „wojna wszystkich ze wszystkimi”. W tej wojnie człowiek kieruje się swoim naturalnym prawem – prawem siły. Prawo naturalne sprzeciwia się prawom naturalnym, które są racjonalną zasadą moralną człowieka. Prawa samozachowawstwa i zaspokajania potrzeb. Skoro wojna wszystkich ze wszystkimi grozi ludzkości samozagładą, istnieje potrzeba zmiany stanu natury na cywilny. Należy zawrzeć umowę społeczną. Ludzie dobrowolnie cedują część swoich praw i wolności na rzecz państwa i zgadzają się przestrzegać prawa. W ten sposób naturalne prawo siły zostaje zastąpione harmonią praw naturalnych i cywilnych. Państwo jest więc warunkiem koniecznym kultury. Locke wierzył, że prawda życia społecznego nie leży w państwie, ale w samym człowieku. Ludzie jednoczą się w społeczeństwie, aby zagwarantować człowiekowi prawa naturalne. Według Locke’a jest to prawo do życia, własności i pracy. Praca i własność dają ludziom wolność i równość. Państwo ma obowiązek chronić wolne życie prywatne człowieka. Teorie prawa naturalnego od samego początku miały orientację antykościelną i antyfeudalną, gdyż podkreślano naturalne pochodzenie prawa. Co sprzeciwia się teorii prawa boskiego, w której religia jest źródłem państwa feudalnego i nierówności społecznych. Terminu „oświecenie” użył po raz pierwszy Aviary. Priorytet w rozwoju edukacji należy do Francji. A Herder wraz z Wolterem wymyślili ten kapelusz - oświecenie. Kant pisał, że oświecenie jest drogą wyjścia ze stanu małości, w jakim człowiek znajdował się z własnej woli. Małoletni z własnej woli to taki, którego przyczyny nie leżą w brakach rozumu, ale w braku determinacji i odwagi, by się nim posługiwać bez cudzego przewodnictwa. Motto oświecenia według Kanta to mieć odwagę posługiwania się własnym umysłem.
Idee oświecenia opierają się na ideach racjonalizmu. To nie przypadek, że literatura i sztuka gloryfikują rozum, siłę ludzkiego umysłu - to optymistyczny światopogląd. Wiara w siłę ludzkiego umysłu. Pauvillon – „Cuda ludzkiego umysłu”. W centrum oświeceniowej koncepcji człowieka znajduje się idea człowieka naturalnego, a w jej powstaniu ogromną rolę odegrała powieść Daniela Defoe „Robinson Crusoe” – człowiek w stanie natury. To opowieść o życiu ludzkości, która przeszła drogę od dzikości do cywilizacji. Jest to stan naturalny, który wychowuje Robinsona. J.-J. przejął od niego pałeczkę. Rousseau. W traktacie o rozumowaniu o naukach i sztukach podaje, że człowiek naturalny jest oświecony, ale nie przez naukę i sztukę, której despoci potrzebują, aby przełamać opór ludzi. Cywilizacja była w stanie stworzyć jedynie szczęśliwych niewolników; Rousseau przeciwstawia ich dzikusom Ameryki. Polegając wyłącznie na polowaniu, są niepokonani. Nie można nakładać jarzma na ludzi, którzy nie mają potrzeb. Rousseau rozwija koncepcję człowieka naturalnego także w traktatach o genezie i podstawach nierówności między ludźmi oraz o umowie społecznej. Pochodzenie nierówności zostało wyjaśnione historycznie. Wolter i Monteskiusz ostro krytykowali ideę świętej władzy duchowieństwa. Bóg się skompromitował, gdyż przez długi czas jego imieniem oligarchowie posługiwali się w celu zwodzenia ludu i wzmocnienia jego władzy. Następnie oświeceni pracowali nad rozwojem utopii społecznych.
Najpierw buduje się przebudowę społeczeństwa, a następnie teorię społeczeństwa uniwersalnego. Wszyscy próbowali określić naturalny stan człowieka, który ukazywał się w społecznej rzeczywistości dobrobytu materialnego. Rousseau wierzył, że w stanie materialnego dobrobytu i bogactwa rozwijają się ludzkie zdolności, poszerzają się idee, uszlachetniają się uczucia, a dusza zostaje wzniesiona.
Claude Helvetius sformułował pojęcie cnoty, którą mierzy się dla niego użytecznością, a nie wyrzeczeniem się, jak to miało miejsce w moralności chrześcijańskiej. Oznacza to, że człowiek powinien cieszyć się życiem, a nie służyć Bogu z wyrzeczeniem charakterystycznym dla chrześcijanina. Ideę tę poparł angielski pedagog Bentham, który uważał, że cnota powinna opierać się na osobistej korzyści, z uwzględnieniem publicznego interesu społeczeństwa. Tak to się zaczyna nowy etap w rozwoju oświecenia, które jako całość przeszło ewolucję: od rozproszonych prób ustalenia idei oświecenia, po zjednoczenie sił oświeceniowych; od deizmu Waltera do ateizmu Denisa Diderota. Od idei oświeconej monarchii, przez pasję do systemu angielskiego, po rozwój rewolucyjnej zmiany we Francji porządek społeczny do ustanowienia idei republiki i zasady równości. Najważniejszym hasłem jest „Wolność, równość, braterstwo”. Generalnie pedagodzy tworzą harmonijny obraz świata, bo jest on optymistyczny. Kształtuje się idea uniwersalności, kultury światowej. Najbardziej znanym był Johann Herder. Potwierdza równość kultur różnych narodów i epok. Jednocześnie pojawia się grunt pod rozwój europocentryzmu. Europejczycy przez długi czas nie znali obcych kultur, a kiedy podbijali ludy Ameryki i Australii, występowali jako zdobywcy. Ignorowali kulturę swoich wrogów. Natomiast wraz z rozwojem idei uniwersalności, porównywanie kultur jako równych sobie, jednak własna okazuje się ważniejsza, nadrzędna nad cudzą. Rozwój idei Rousseau przez rewolucję francuską świadczył o nowym podejściu do człowieka, dlatego też w ujęciu społecznym zaczęły pojawiać się idee zaprzeczające ideom niewolnictwa.
Prawa człowieka Thomasa Pena zostały opublikowane w 1791 r.
„Dochodzenie praw kobiet” Ounstonecrafta, 1792. Dania była pierwszym krajem, który zakazał niewolnictwa. Następnie w 1794 roku Francja zakazała tego. W 1807 roku w Imperium Brytyjskim zniesiono niewolnictwo. Idee Oświecenia zdeterminowały rozwój kultury amerykańskiej. Filadelfia staje się centrum edukacji w Ameryce, tu powstała pierwsza biblioteka w Ameryce i pierwsze czasopismo prawnicze. Z miastem tym związana jest pierwsza szkoła medyczna i szpital, działalność edukacyjna Benjamina Franklina, który sformułował klasyczne zasady moralności burżuazyjnej. Bohater współczesności to osoba, która wszystko zawdzięcza tylko sobie. Cechuje go trzeźwość umysłu, racjonalność, skupienie na prawdziwym życiu, z jego materialnymi radościami. To dla niego wiele aforyzmów mówi o kulturze burżuazyjnej i moralności burżuazyjnej: „Czas to pieniądz”, „Oszczędność i praca prowadzą do bogactwa” itp.
Kultura edukacyjna opiera się na ideach Cottana Mathera i Jonathana Edwardsa.
Ideologia oświecenia przyczyniła się do rozwoju oświaty. Oświeceniowcy wierzą, że edukacja w duchu współczesnej nauki, nowoczesnej wiedzy może poprawić życie ludzi; to nie przypadek, że Diderot połączył wysiłki oświeceniowców Woltera i Monteskiusza, aby stworzyć słownik wyjaśniający, czyli Encyklopedię Nauki, Sztuki i Rzemiosła.
Stopniowo w Ameryce rozwija się korzystniejsza sytuacja do zdobycia wykształcenia niż w starym świecie. To wyjaśnia pojawienie się ojców założycieli republiki.
Thomas Jefferson, autor Deklaracji Niepodległości. Został amerykańskim interpretatorem nauk Locke’a. Celem państwa widział w ochronie praw człowieka: prawa do życia, własności, wolności, szczęścia. Ludzie mogą obalić państwo. Najważniejsze jest prawidłowe rozprowadzenie mocy. Wolność łączy się z obowiązkami.
Rozczarowanie ideałami oświecenia zostało wyrażone w powieści Jonathana Swifta Podróże Guliwera – satyrze na idee oświecenia. Swift wątpił w postęp naukowy.
Wiek Oświecenia trwał około 100 lat, po czym nastąpiła reakcja na skutki Rewolucji Francuskiej. Myśląca część ludzkości europejskiej czuła, że ideał człowieka ukształtowany przez kulturę renesansu nie odpowiada rzeczywistości.
№22,23 Romantyzm jako paradygmat kulturowy, Romantyzm w Europie
W XVIII wieku ukształtował się preromantyzm, w którego powstaniu szczególną rolę odegrał J. - J. Rousseau, przede wszystkim ze słynną konfesją. Wiek rozumu mówił o prymacie uczuć, o wyjątkowości każdego człowieka. W Niemczech romantyzm napędzają idee ruchu literackiego i społecznego „Burza i Drang”. Dzieła wczesnego Goethego, Schillera. Do ważnych źródeł należy filozofia Fichtego z jego absolutyzacją wolności twórczej. I Arthur Schopenhauer ze swoją ideą ślepej, nierozsądnej woli, która stwarza świat według własnej woli. Rzeczywistość wydawała się niekorzystna, czasem okropna i nie dało się tego skorygować rozumem. Światopogląd romantyków jest irracjonalny. Idea istnienia sił nieziemskich jest wytworem fantazji, nad którą nie panuje oświecony umysł. Tendencja ta przejawiła się w twórczości hiszpańskiego artysty Francisco Goyi. Odzwierciedla nowe wątki, kwestionuje kult zasady racjonalności człowieka, wiarę w pierwotne człowieczeństwo. Sprawy ludzkie podają w głęboką wątpliwość wcześniejsze twierdzenia. Goya nie dzieli życia na dobre i złe, wysokie i niskie. Doświadczenia nowej ery, wstrząśniętej rewolucją i wojnami, obaliły pogląd, że zasady ciemności i światła są nie do pogodzenia. Życie okazało się bardziej skomplikowane i wszystko, co istnieje – ludzie, historia, człowiek ze swoimi marzeniami, fantazjami, zostaje włączone w ciągły proces zmian i formacji. Z jednej strony Goya wykazuje się odwagą, wytrwałością, wielkością duszy, z drugiej strony potrafi ukazać zbrodnię, nieludzkość. Romantyzm powstaje jako reakcja na rewolucję francuską, na ideę ich kultu rozumu. A także powodem jego rozwoju jest ruch narodowowyzwoleńczy. Początkowo terminem romantyzm posługiwano się w literaturze ludów germańsko-rzymskich, później objęto nim muzykę, a także muzykę sztuki piękne. Idea dualnych światów, czyli porównania i kontrastu świata rzeczywistego i przedstawionego, stała się podstawą sztuki romantycznej. Prawdziwe życie albo proza życia, z jej brakiem duchowości i utylitaryzmu, uważana jest za iluzję niegodną człowieka, przeciwną światu prawdziwemu. Główną cechą romantyzmu jest afirmacja rozwoju pięknego ideału jako rzeczywistości urzeczywistniającej się przynajmniej w snach. Współczesna rzeczywistość jest odrzucana jako skarbnica wszelkich wad, więc romantyk od niej ucieka. Ucieczka odbywa się w następujących kierunkach:
- Wychodząc w naturę, zatem przyroda jest kamertonem przeżyć emocjonalnych, ucieleśnieniem prawdziwej wolności, stąd zainteresowanie wsią, krytyka miasta. Zainteresowanie folklorem, starożytnymi mitami, baśniami, eposami.
- Ucieczka do egzotycznych krajów, cywilizacji burżuazyjnej nieskażonej w opinii romantyków.
- W przypadku braku rzeczywistego adresu terytorialnego lotu jest on wymyślony, skonstruowany w wyobraźni.
- Ucieczka do innego czasu. Przede wszystkim romantyzm stara się uciec w średniowiecze. Jest tam piękny ideał rycerski.
To właśnie w życiu serca romantycy widzą przeciwieństwo bezduszności świata zewnętrznego. Portret romantyczny, autoportret kształtuje się w malarstwie. Bohaterami portretów są niezwykłe osobowości twórcze. Poeci, pisarze, którzy mają niezwykły świat wewnętrzny. Obraz świat wewnętrzny staje się dominujący. Jeden z pierwszych obrazów wolnej osobowości ucieleśniał pisarz i poeta Byron, „Podróż i pielgrzymka Chaida Harolda”. Obraz wolnej osobowości nazwano bohaterem byronicznym. Cechują go takie cechy jak samotność i egocentryzm. Wolny od społeczeństwa, ten bohater jest nieszczęśliwy. Niezależność jest dla niego cenniejsza niż wygoda i spokój. Temat samotności pojawia się w twórczości Caspara Davida Friedricha, który przedstawia samotne postacie ludzkie na tle natury. Hector Berlioz zostaje założycielem języka francuskiego. Pod tym względem staje się fantastyczną symfonią. Fantastyka jest odzwierciedleniem wewnętrznego świata lirycznego bohatera, samotnego, nierozpoznanego zbiegłego poety, dręczonego nieodwzajemnioną miłością. Romantyczny światopogląd wyrażał się w dwóch wersjach: 1) świat wydawał się nieskończoną, pozbawioną twarzy, kosmiczną podmiotowością, a Twórcza energia ducha była początkiem tworzenia światowej harmonii. Charakteryzuje się panteistycznym obrazem świata, optymizmem i wzniosłym uczuciem. 2) Uwzględnia się podmiotowość człowieka, która pozostaje w konflikcie ze światem zewnętrznym. Postawę tę charakteryzuje pesymizm.
Narodowe formy romantyzmu, jeśli są dostępne cechy wspólne oryginalny. Więc Niemiecki romantyzm poważny, mistyczny. W Niemczech ukształtowała się teoria i estetyka romantyzmu (Fichte, Schopenhauer). Jednocześnie rodzą się tu arcydzieła muzyki i literatury, mające na celu samopogłębienie. Francuski romantyzm jest porywczy i kocha wolność. Przede wszystkim objawiało się to w malarstwo rodzajowe. W malarstwie historycznym i codziennym, w gatunku portretu, w powieści. Sentymentalna, zmysłowa powieść angielska posługiwała się fantastycznymi, alegorycznymi, symbolicznymi formami przedstawiania świata, ironią i groteską.
Założycielem francuskiego romantyzmu jest Theodore Géricault. Pokonuje wpływy klasycyzmu, w jego pracach odzwierciedla się różnorodność natury. Wprowadzając do kompozycji ludzkie życie, Gericault dąży do jak najżywszego ujawnienia wewnętrznych przeżyć i emocji człowieka. Zachowując klasycystyczne pragnienie uogólnień i heroicznych obrazów, Gericault po raz pierwszy w malarstwie francuskim ucieleśniał głębokie poczucie konfliktu świata. Ucieleśnia dramatyczne zjawiska naszych czasów, silna pasja. Wczesne dzieła Geriota odzwierciedlały bohaterstwo Wojny napoleońskie . „Oficer konnych strażników gwardii cesarskiej wyruszający do ataku”, „Ranny kirasjer opuszczający pole bitwy”. Dynamiczna kompozycja i kolor. Jednym z głównych dzieł Gericaulta jest „Tratwa Meduzy”. Został napisany na podstawie aktualnej historii o zaginionej fregacie „Meduza”. Gericault nadaje historyczne, symboliczne znaczenie prywatnemu wydarzeniu. Praca ujawnia złożoną gamę uczuć. Od całkowitej rozpaczy po całkowitą apatię i żarliwą nadzieję na zbawienie. Idea artysty romantycznego jako osoby wolnej, niezależnej, głęboko uczuciowej. Géricault wyraził to w serii swoich portretów. (Portret dwudziestoletniego Delacroix) i autoportrety. Znaczący jest cykl portretów osób chorych psychicznie. Tradycję Géricaulta podjął Eugene Delacroix. „Dante i Wergiliusz” czy „Łódź Dantego”) Z tą samą pasją i protestem przeciwko wszelkiej przemocy charakteryzowały się jego późniejsze prace. „Masakra na Yosie” lub „Grecja na ruinach Messalongi”) Odzwierciedla wydarzenia związane z obroną Greków przed inwazją turecką. „Wolność na barykadach” została napisana na temat współczesnych wydarzeń. Jej romantyczną, rewolucyjną symbolikę wyraża alegoryczna figura wolności, z rozwijającą się wiedzą w ręku. Wiele prac inspirowanych jest podróżami do Afryki Północnej. „Algierskie kobiety w swoich komnatach”, „Żydowskie wesele w Maroku”, „Polowanie na lwy w Maroku”. Delacroix lubił wyścigi i konie. Delacroix maluje portrety kompozytorów (Chopin, Paganini). Wyrazem romantyzmu w malarstwie niemieckim było dzieło K.D. Friedricha. Już we wczesnych dziełach określono całą mistyczną atmosferę jego sztuki. Są to takie obrazy jak „Grobowiec Hunów w śniegu”, Krzyż w górach”, „Mnich nad morzem”. Przedstawia widza jako postać z dystansem kontemplującą krajobraz. Kontemplatorowi ukazuje się tajemniczo cicha natura. Różne symbole nadprzyrodzonej egzystencji. (Horyzont morski, szczyt górski, statek, odległe miasto, krucyfiks podróżny, krzyż, cmentarz) Dla Friedricha przyroda jest nośnikiem głębokich, religijnych przeżyć. Krajobraz służył do ukazywania głębokich przeżyć emocjonalnych. W pracy programowej wyróżnia się cztery epoki życia. Na opuszczonym brzegu Arktyki i czterech statków zbliżających się do brzegu ukazane są postacie ludzi w różnym wieku. W ten sposób artysta przedstawił upływ czasu, upływ czasu, skazaną na zagładę śmiertelność człowieka. Już sama scena na tle zachodu słońca wywołuje głębokie poczucie melancholijnej nostalgii. Tytuł innego dzieła mówi sam za siebie: „Upadek nadziei”. Prerafaelici to bractwo angielskich artystów. (Rosetti, Milles, Hunt). Kryzysy gospodarcze i rewolucje lat czterdziestych XIX wieku nie dotknęły Anglii. To okres rozkwitu brytyjskiego kapitalizmu. Estetyczny dyktat Anglii. Nazwa Prerafaelici pojawiła się ze względu na fakt, że członkowie towarzystwa czcili sztukę prerafaelitów. Opierają się głównie na Quattrocento i Trecento. Malarstwo prerafaelitów stało się reakcją na pragmatyzm świata mieszczańskiego i było krytyką kapitalizmu z punktu widzenia piękna. To próba stworzenia lepszej rzeczywistości opartej na harmonii duchowej, fizycznej i społecznej. Boski sens idealnego piękna, uniwersalny sens istnienia, wysoka duchowość ujawniają się w otaczającej nas przyrodzie i życiu codziennym. Zainteresowanie średniowieczem wynikało z pragnienia odnowy religijnej. „Panna młoda” – Rosetti, pojawia się obraz kobiecości. Obrazy Hunta są przesiąknięte symboliką. „Najęty pasterz” Głowa śmierci jest symbolem zemsty, jabłko jest symbolem pokusy. Polowanie na „Obudziłem wstyd”. „Lampa świata” przedstawia idącego Chrystusa. „Kozioł ofiarny” to alegoria Chrystusa na pustyni. Millesa „Chrystus w domu swoich rodziców”, obraz nazywany był także „warsztatem stolarskim”. Romantyzm w Ameryce powstał pod wpływem kultury europejskiej. Panowała tendencja do romantyzowania rewolucji amerykańskiej, która była przedstawiana jako droga do najwyższego stopnia rozwoju i stawiała Stany Zjednoczone na czele światowego postępu. W ten sposób potwierdzono wyłączność ścieżki Ameryki. Rozwija się gatunek biograficzny. Waszyngton stał się pierwszym bohaterem. Ojciec Biografia amerykańska- Gerarda Sparksa. Stworzył 12 tomów o Waszyngtonie i 10 tomów o Franklinie. Szybka industrializacja północnych stanów zniszczyła tradycję.
Nr 24 System wartości i kultura społeczeństwa przemysłowego
Zasady demokratyczne V struktura społeczna, rozwój nauki eksperymentalnej i industrializacja. To powstało już w XVII wieku. Konsekwencją rewolucji przemysłowej było powstanie społeczeństwa przemysłowego. Ideałami których są praca, produkcja, nauka, edukacja, demokracja. Saint-Simon marzy o społeczeństwie zorganizowanym na wzór ogromnej fabryki, na której czele stoją przemysłowcy i naukowcy. Fabryka w tym czasie zmieniła manufakturę, co doprowadziło do bezprecedensowego wzrostu produktywności pracy społecznej. Wprowadzaniu innowacji technicznych towarzyszyła konsolidacja przedsiębiorstw i przechodzenie do produkcji masowych, standaryzowanych wyrobów. Masowa produkcja doprowadziła do urbanizacji. (rozwój miast) Stany Zjednoczone pokazały perspektywę przyspieszonego rozwoju kapitalizmu. Proces ten stał się wszechogarniający i bardziej jednorodny; historia przekształcała się w historię świata. Kształtowanie się kultury jako jedności, różnorodności kultur narodowych i szkoły artystyczne. W procesie tym uczestniczą także kraje tradycyjne, takie jak Japonia. Problem dialogu kulturowego nabiera szczególnego charakteru. Wyłania się nowy system wartości. Wrażliwość opiera się na korzyściach, dobrobycie i komforcie. Postęp utożsamiany jest z postępem gospodarczym. Jednocześnie zasada korzyści przekształca pojęcie prawdy. Istotą jest to, co wygodne i użyteczne. Etykieta nabiera charakteru utylitarnego. Regulacja stosunków między wolnymi partnerami poprzez kupno i sprzedaż. Sprzedawca musi być uprzejmy i uprzejmy, ale kupujący nie. Uwaga jest zwracana tylko na tych, którzy są pożyteczni. Relacje są sformalizowane.
Klasycyzm - styl artystyczny w sztuce europejskiej
Klasycyzm, styl artystyczny w sztuce europejskiej XVII – początków XIX w., którego jedną z najważniejszych cech było odwoływanie się do form sztuki antycznej jako idealnego standardu estetycznego i etycznego. Klasycyzm, który rozwinął się w intensywnie polemicznej interakcji z barokiem, ułożył się w integralny system stylistyczny francuskiej kultury artystycznej XVII wieku. Podstawowe zasady filozofii racjonalistycznej zdeterminowały pogląd teoretyków i praktyków klasycyzmu dzieło sztuki jako owoc rozumu i logiki, triumfujący nad chaosem i płynnością życia zmysłowego. Orientacja na racjonalną zasadę, na trwałe wzorce wyznaczała zdecydowaną normatywność wymogów etycznych (podporządkowanie tego, co osobiste, temu, co ogólne, namiętności – rozumu, obowiązku, praw wszechświata) i wymagań estetycznych klasycyzmu, regulacja reguł artystycznych; Utrwaleniu teoretycznych doktryn klasycyzmu sprzyjała działalność założonych w Paryżu Akademii Królewskich – malarstwa i rzeźby (1648) oraz architektury (1671).
W architekturze klasycyzmu, którą wyróżnia logiczne rozplanowanie i klarowność formy wolumetrycznej, główną rolę odgrywa porządek, subtelnie i powściągliwie cieniując ogólna struktura budynki (budynki F. Mansarta, C. Perraulta, L. Levo, F. Blondela); od 2. poł. XVII w. francuski klasycyzm wchłonął zakres przestrzenny architektury barokowej (dzieła J. Hardouina-Mansarta i A. Le Nôtre’a w Wersalu). W XVII – początkach XVIII w. Klasycyzm ukształtował się w architekturze Holandii, Anglii, gdzie organicznie połączył się z palladianizmem (I. Jones, K. Ren), Szwecją (N. Tessin Młodszy).
W malarstwie klasycyzmu linia i światłocień stały się głównymi elementami modelowania formy, lokalny kolor wyraźnie odsłania plastyczność postaci i przedmiotów, oddziela plany przestrzenne obrazu (naznaczone wzniosłością treści filozoficzno-etycznych, ogólną harmonią). twórczości N. Poussina, twórcy klasycyzmu i największego mistrza klasycyzmu XVII w.; „Krajobrazy idealne” K. Lorraina). Klasycyzm XVIII – początków XIX wieku. (w historii sztuki zagranicznej często nazywany jest neoklasycyzmem), który stał się stylem paneuropejskim, ukształtował się także głównie na łonie Kultura francuska, pod silnym wpływem idei Oświecenia. W architekturze zidentyfikowano nowe typy eleganckich rezydencji, uroczystych budynków użyteczności publicznej i otwartych placów miejskich (J.A. Gabriel, J.J. Souflot) oraz poszukiwanie nowych, nieuporządkowanych form architektury. pragnienie surowej prostoty w twórczości K.N. Leda antycypowała architekturę późnej fazy klasycyzmu – stylu Empire. Patos obywatelski i liryzm połączyły się w sztuce plastycznej Zh.B. Pigal i J.A. Houdon, dekoracyjne pejzaże Yu Roberta.
Odważny dramatyzm obrazów historycznych i portretowych jest nieodłącznym elementem twórczości szefa francuskiego klasycyzmu, malarza J.L. Dawid. W XIX wieku malarstwo klasycyzmu, mimo działalności poszczególnych wielkich mistrzów, jak J. O. D. Ingres, przeradza się w oficjalną apologetyczną lub pretensjonalną sztukę salonową erotyczną. Międzynarodowe centrum europejskiego klasycyzmu XVIII – początków XIX wieku. stał się Rzymem, gdzie dominowały tradycje akademizmu z charakterystycznym dla niego połączeniem szlachetności form i zimnej idealizacji (niemiecki malarz A.R. Mengs, plastyk Włoch A. Canova i Duńczyk B. Thorvaldsen). Architekturę niemieckiego klasycyzmu charakteryzuje surowa monumentalność budynków K.F. Schinkla, za malarstwo i rzeźbę kontemplacyjną i elegijną - portrety A. i V. Tishbeinów, rzeźba I.G. Shadova. W klasycyzmie angielskim wyróżniają się antyczne budowle R. Adama, palladiańskie osiedla parkowe W. Chambersa, niezwykle surowe rysunki J. Flaxmana i ceramika J. Wedgwooda. Własne wersje klasycyzmu rozwinięte w kulturze artystycznej Włoch, Hiszpanii, Belgii, krajów skandynawskich i Stanów Zjednoczonych; Klasycyzm rosyjski z lat 60.–1840. XIX w. zajmuje wybitne miejsce w historii sztuki światowej. Do końca I tercji XIX w. Wiodąca rola klasycyzmu niemal powszechnie zanika, zastępowana jest różnymi formami eklektyzmu architektonicznego. Tradycja artystyczna klasycyzmu ożywa w neoklasycyzmie końca XIX i początku XX wieku.
Wniosek
Barok to styl i ruch, którego podstawową cechą jest dążenie do syntezy sztuk, unifikacja architektury, rzeźby, malarstwa i sztuk zdobniczych.
Człowiek w sztuce baroku postrzegany jest jako część świata, jako złożona osobowość przeżywająca konflikty.
W tym stylu nie ma szacunku dla harmonii. Sztukę baroku charakteryzują: odważne kontrasty skali, światła i cienia, koloru, połączenie rzeczywistości i fantazji.
Główne cechy: przepych, przepych, dynamizm, charakter afirmujący życie. Typowa barokowa kompozycja religijna przedstawia świętych lub Madonnę w otoczeniu aniołów.
Klasycyzm to styl i kierunek w sztuce i literaturze XVIII wieku, który oznaczał powrót do dziedzictwa antycznego jako normy i idealnego wzorca.
Kierunek ten charakteryzują: racjonalizm, normatywność, tendencja do harmonii, klarowność i prostota wyrazu, równowaga kompozycji, a jednocześnie pewna doza schematyzacji i idealizacji w dziełach sztuki, co znalazło wyraz m.in. hierarchia stylów „wysokich” i „niskich” w literaturze, wymóg „trzech jedności” – czasu, miejsca i akcji – w dramacie, podkreślał puryzm w obszarze języka itp.
Pod wpływem racjonalistycznej filozofii wielkiego francuskiego myśliciela Rene Descartesa zasady klasycyzmu ugruntowały się we wszystkich rodzajach sztuki.
Głównym postulatem estetycznym klasycyzmu jest wierność naturze, naturalna racjonalność świata z jego obiektywnie wrodzonym pięknem, które wyraża się w symetrii, proporcji, mierze, harmonii, które należy odtworzyć w sztuce w doskonałej formie. W połowie XIX wieku klasycyzm pozostawał w tyle za rozwojem społecznym uczucie estetyczne, przerodził się w martwy akademizm.
Referencje:
1. Krawczenko A.I. Kulturolodzy: Podręcznik dla uniwersytetów. - Projekt naukowy, 2001.
2. Słownik encyklopedyczny młody artysta
3. Germain Bazin: „Barok” i „Rooko”
4. Mamontow S.P. Podstawy kulturoznawstwa. - Olimp, 1999
5. Smirnov A.A. Klasycyzm jako paradygmat kulturowy // Barok i klasycyzm w historii kultury światowej: Materiały. SPB., Petersburg towarzystwo filozoficzne, 2001.
6. Skown A.A. Barok i klasycyzm, czyli trzysta lat później // Barok i klasycyzm w historii kultury światowej: Materiały Międzynarodowej Konferencji Naukowej, 2001.
7. Lisovsky: Styl narodowy w architekturze rosyjskiej
8. http://www.scritube.com/limba/rusa/64115416.php
©2015-2019 strona
Wszelkie prawa należą do ich autorów. Ta witryna nie rości sobie praw do autorstwa, ale zapewnia bezpłatne korzystanie.
Data utworzenia strony: 2016-04-15
KLASYCYZM (od łacińskiego classicus - wzorowy), styl i kierunek artystyczny w literaturze, architekturze i sztuce XVII - początków XIX wieku, klasycyzm jest stale kojarzony z renesansem; zajmował, obok baroku, ważne miejsce w kulturze XVII wieku; kontynuował swój rozwój w epoce oświecenia. Powstanie i rozpowszechnienie klasycyzmu wiąże się z umocnieniem monarchii absolutnej, z wpływem filozofii R. Kartezjusza, z rozwojem nauk ścisłych. Podstawą racjonalistycznej estetyki klasycyzmu jest dążenie do równowagi, przejrzystości i konsekwencji wypowiedzi artystycznej (w dużej mierze przejętej z estetyki renesansu); przekonanie o istnieniu uniwersalnych i wiecznych zasad twórczości artystycznej, niepodlegających historycznym zmianom, które interpretuje się jako umiejętność, mistrzostwo, a nie przejaw spontanicznej inspiracji czy autoekspresji.
Przyjmując ideę twórczości jako naśladowania natury, sięgającą czasów Arystotelesa, klasycyści rozumieli naturę jako idealną normę, która znalazła już ucieleśnienie w dziełach starożytnych mistrzów i pisarzy: skupienie się na „pięknej naturze”, przekształcane i porządkowane zgodnie z niezmiennymi prawami sztuki, implikowało to naśladownictwo modeli antycznych, a nawet konkurowanie z nimi. Rozwijanie idei sztuki jako racjonalnej działalności opartej na odwiecznych kategoriach „piękny”, „celowy” itp. Klasycyzm, bardziej niż inne ruchy artystyczne, przyczynił się do wyłonienia się estetyki jako uogólniającej nauki o pięknie.
Centralna koncepcja klasycyzmu – prawdziwość – nie zakładała dokładnego odtworzenia rzeczywistości empirycznej: świat jest odtwarzany nie takim, jaki jest, ale takim, jaki powinien być. Preferowanie normy uniwersalnej jako „wynikającej” ze wszystkiego, co partykularne, przypadkowe i konkretne, odpowiada ideologii państwa absolutystycznego wyrażonej przez klasycyzm, w którym wszystko, co osobiste i prywatne, podporządkowane jest niekwestionowanej woli władzy państwowej. Klasycysta portretował nie konkretną, jednostkową osobowość, ale osobę abstrakcyjną w sytuacji powszechnego, ahistorycznego konfliktu moralnego; stąd orientacja klasycystów na mitologię starożytną jako ucieleśnienie uniwersalnej wiedzy o świecie i człowieku. Etyczny ideał klasycyzmu zakłada z jednej strony podporządkowanie tego, co osobiste, temu, co ogólne, namiętności obowiązkowi, rozumowi, oporowi wobec zmienności egzystencji; z drugiej strony powściągliwość w okazywaniu uczuć, przestrzeganie umiaru, stosowność i umiejętność sprawiania przyjemności.
Klasycyzm ściśle podporządkował twórczość regułom hierarchii gatunkowej. Rozróżniono gatunki „wysokie” (na przykład epos, tragedia, oda - w literaturze; gatunek historyczny, religijny, mitologiczny, portret - w malarstwie) i gatunki „niskie” (satyra, komedia, bajka; martwa natura w malarstwie). , który odpowiadał określonemu stylowi, zakresowi tematów i bohaterów; nakazano wyraźne rozróżnienie między tragicznością a komizmem, wzniosłością i podłością, heroizmem i zwyczajnością.
Od połowy XVIII wieku klasycyzm był stopniowo zastępowany przez nowe ruchy - sentymentalizm, przedromantyzm, romantyzm. Tradycje klasycyzmu końca XIX i początku XX wieku odrodziły się w neoklasycyzmie.
Terminu „klasycyzm”, który nawiązuje do pojęcia klasyków (wzorowych pisarzy), po raz pierwszy użył w 1818 r. włoski krytyk G. Visconti. Było ono szeroko stosowane w polemikach klasycystów z romantyczkami, a wśród romantyków (J. de Staël, V. Hugo i in.) miało wydźwięk negatywny: klasycyzm i klasycy naśladujący antyk przeciwstawiali się nowatorskiej literaturze romantycznej. W historii literatury i sztuki pojęcie „klasycyzmu” zaczęto aktywnie wykorzystywać po pracach naukowców ze szkoły kulturalno-historycznej i G. Wölfflina.
Trendy stylistyczne nawiązujące do klasycyzmu XVII i XVIII wieku niektórzy badacze dostrzegają w innych epokach; w tym przypadku pojęcie „klasycyzmu” interpretuje się szeroko, oznaczając stałą stylistyczną, która jest okresowo aktualizowana na różnych etapach historii sztuki i literatury (na przykład „klasycyzm starożytny”, „klasycyzm renesansowy”).
N. T. Pakhsaryan.
Literatura. Początki klasycyzm literacki- w poetyce normatywnej (Yu. Ts. Scaliger, L. Castelvetro i in.) oraz w literaturze włoskiej XVI w., gdzie stworzono system gatunkowy, skorelowany z systemem style językowe i skupił się na próbkach antycznych. Największy rozkwit klasycyzmu wiąże się z literaturą francuską XVII wieku. Założycielem poetyki klasycyzmu był F. Malherbe, który dokonał regulacji języka literackiego w oparciu o żywą mowę potoczną; przeprowadzoną przez niego reformę ugruntowała Akademia Francuska. Zasady klasycyzmu literackiego zostały w najpełniejszej formie określone w traktacie „Sztuka poetycka” N. Boileau (1674), podsumowującym praktykę artystyczną jego współczesnych.
Klasyczni pisarze postrzegają literaturę jako ważną misję urzeczywistniania w słowach i przekazywania czytelnikowi wymagań natury i rozumu, jako sposób „wychowywania przez zabawę”. Literatura klasycyzmu dąży do jasnego wyrażania istotnej myśli, znaczenia („...znaczenie zawsze żyje w mojej twórczości” – F. von Logau), rezygnuje ze stylistycznych wyrafinowań i retorycznych upiększeń. Klasycyści woleli lakonizm od gadatliwości, prostotę i klarowność od metaforycznej złożoności, a przyzwoitość od ekstrawagancji. Kierowanie się ustalonymi normami nie oznaczało jednak, że klasycyści propagowali pedanterię i ignorowali rolę artystycznej intuicji. Choć klasycyści postrzegali zasady jako sposób na utrzymanie swobody twórczej w granicach rozsądku, rozumieli znaczenie intuicyjnego wglądu, wybaczając talentowi odstępstwo od zasad, jeśli było to właściwe i efektywne artystycznie.
Postacie klasycyzmu budowane są na identyfikacji jednej dominującej cechy, co pomaga przekształcić ich w uniwersalne typy ludzkie. Ulubionymi kolizjami są zderzenie obowiązku i uczuć, walka rozumu i namiętności. W centrum twórczości klasycystów znajduje się osobowość bohaterska, a jednocześnie osoba wykształcona, która ze stoickim spokojem stara się przezwyciężyć własne namiętności i afekty, okiełznać je lub przynajmniej urzeczywistnić (jak bohaterowie tragedii J. Racine). „Myślę, więc jestem” Kartezjusza pełni rolę nie tylko zasady filozoficzno-intelektualnej, ale także etycznej w światopoglądzie bohaterów klasycyzmu.
Literacka teoria klasycyzmu opiera się na hierarchicznym systemie gatunków; rozcieńczenie analityczne wg różne prace nawet w światach artystycznych „wysocy” i „niscy” bohaterowie i tematy łączą się z chęcią uszlachetnienia „niskich” gatunków; na przykład, aby uwolnić się od satyry prymitywnej burleski, komedii od elementów farsowych („ wysoka komedia„Moliera).
Główne miejsce w literaturze klasycyzmu zajmował dramat oparty na zasadzie trzech jedności (patrz Teoria trzech jedności). Jej wiodącym gatunkiem była tragedia, której największym osiągnięciem są dzieła P. Corneille'a i J. Racine'a; w pierwszym tragedia nabiera charakteru heroicznego, w drugim – lirycznego. Inne „wysokie” gatunki odgrywają znacznie mniejszą rolę proces literacki(Nieudany eksperyment J. Chaplina z gatunkiem poematu epickiego został później parodiowany przez Voltaire’a; uroczyste ody pisali F. Malherbe i N. Boileau). Jednocześnie znaczny rozwój otrzymały gatunki „niskie”: wiersz irokomiczny i satyra (M. Renier, Boileau), bajka (J. de La Fontaine), komedia. Uprawiane są gatunki krótkiej prozy dydaktycznej – aforyzmy (maksymy), „postacie” (B. Pascal, F. de La Rochefoucauld, J. de Labruyère); proza oratorska (J.B. Bossuet). Choć teoria klasycyzmu nie włączała powieści do systemu gatunków godnych poważnej krytycznej refleksji, za przykład powieści klasycystycznej uznawane jest arcydzieło psychologiczne M. M. Lafayette’a „Księżniczka z Kleve” (1678).
Pod koniec XVII w. nastąpił upadek klasycyzmu literackiego, jednak w XVIII w. zainteresowanie archeologiczne starożytnością, wykopaliska w Herkulanum, Pompejach i stworzenie przez I. I. Winkelmana idealnego obrazu starożytności greckiej jako „szlachetnej prostoty i spokojna wielkość” przyczyniły się do jego nowego wzrostu w okresie Oświecenia. Głównym przedstawicielem nowego klasycyzmu był Wolter, w którego twórczości racjonalizm i kult rozumu służyły uzasadnieniu nie norm absolutystycznej państwowości, ale prawa jednostki do wolności od roszczeń kościoła i państwa. Klasycyzm oświeceniowy, aktywnie współdziałający z innymi ruchami literackimi epoki, opiera się nie na „zasadach”, ale raczej na „oświeconym guście” publiczności. Odwoływanie się do antyku staje się w poezji A. Cheniera sposobem na wyrażenie bohaterstwa rewolucji francuskiej XVIII wieku.
We Francji w XVII wieku klasycyzm rozwinął się w potężny i spójny system artystyczny i wywarł zauważalny wpływ na literaturę barokową. W Niemczech klasycyzm, który wyłonił się jako świadomy wysiłek kulturowy mający na celu stworzenie „właściwej” i „doskonałej” szkoły poetyckiej, godnej innych literatur europejskich (M. Opitz), został wręcz zagłuszony przez barok, którego styl bardziej odpowiadał tragicznej epoce wojny trzydziestoletniej; Spóźniona próba I. K. Gottscheda, podjęta w latach 30. i 40. XVIII w., aby skierować literaturę niemiecką na drogę kanonów klasycystycznych, wywołała ostre kontrowersje i została powszechnie odrzucona. Samodzielnym zjawiskiem estetycznym jest klasycyzm weimarski J. W. Goethego i F. Schillera. W Wielkiej Brytanii wczesny klasycyzm kojarzony jest z twórczością J. Drydena; jego dalszy rozwój płynęła w nurcie Oświecenia (A. Pope, S. Johnson). Pod koniec XVII wieku klasycyzm we Włoszech istniał równolegle z rokokiem i czasami był z nim spleciony (na przykład w dziełach poetów Arkadii - A. Zeno, P. Metastasio, P. Ya. Martello, S. Maffei); Klasycyzm oświeceniowy reprezentuje twórczość V. Alfieriego.
W Rosji klasycyzm powstał w latach 30.-1750. XVIII w. pod wpływem klasycyzmu zachodnioeuropejskiego i idei Oświecenia; jednocześnie wyraźnie wskazuje na związek z barokiem. Charakterystyczne cechy Klasycyzm rosyjski - wyraźny dydaktyzm, oskarżycielski, orientacja społeczno-krytyczna, patos narodowo-patriotyczny, poleganie na sztuka ludowa. Jedną z pierwszych zasad klasycyzmu przeniósł na ziemię rosyjską A.D. Kantemir. W swoich satyrach podążał za I. Boileau, ale tworząc uogólnione obrazy ludzkich wad, dostosował je do rzeczywistości domowej. Kantemir wprowadził nowe idee do literatury rosyjskiej gatunki poetyckie: transkrypcje psalmów, bajek, poematu bohaterskiego („Petrida”, niedokończony). Pierwszy przykład klasycznej ody pochwalnej stworzył V.K. Trediakowski („Uroczysta Oda o kapitulacji miasta Gdańska”, 1734), który towarzyszył jej teoretycznym „Rozmową o odie w ogóle” (oba po Boileau ). Ody M. W. Łomonosowa odznaczają się wpływem poetyki barokowej. Rosyjski klasycyzm jest najpełniej i konsekwentnie reprezentowany przez dzieło A.P. Sumarokowa. Po przedstawieniu głównych założeń doktryny klasycystycznej w „Liście o poezji” (1747), napisanym na wzór traktatu Boileau, Sumarokow starał się podążać za nimi w swoich dziełach: tragedie skupione na twórczości francuskich klasyków XVII wieku i dramaturgię Woltera, ale adresowaną przede wszystkim do wydarzeń historia narodowa; częściowo - w komediach, dla których wzorem było dzieło Moliera; w satyrach, a także w bajkach, które przyniosły mu sławę „północnego La Fontaine”. Wypracował także gatunek pieśni, o którym Boileau nie wspomniał, ale sam Sumarokow umieścił go na liście gatunków poetyckich. Do końca XVIII wieku klasyfikacja gatunków zaproponowana przez Łomonosowa we wstępie do dzieł zebranych z 1757 r. „O używaniu ksiąg kościelnych w języku rosyjskim” zachowała swoje znaczenie, co korelowało teorię trzech stylów z specyficzne gatunki, łączące poemat heroiczny, odę i uroczysty z wysokim „stylem spokojnym”; ze średnią - tragedia, satyra, elegia, ekloga; z niską - komedią, piosenką, fraszką. Próbkę poematu irokomicznego stworzył V. I. Maikov („Elizeusz, czyli zirytowany Bachus”, 1771). Pierwszym ukończonym eposem heroicznym była „Rossiyada” M. M. Kheraskowa (1779). Pod koniec XVIII wieku zasady dramatu klasycystycznego pojawiły się w dziełach N. P. Nikolewa, Ya. B. Knyazhnina, V. V. Kapnista. Na przełomie XVIII i XIX wieku klasycyzm był stopniowo zastępowany nowymi trendami rozwój literacki, kojarzony z przedromantyzmem i sentymentalizmem, jednak przez pewien czas zachowuje swoje wpływy. Jego tradycje można prześledzić w latach 1800-20 w twórczości poetów Radszczewa (A. Ch. Wostokow, I. P. Pnin, V. V. Popugajew), w krytyce literackiej (A. F. Merzlyakov), w programie literackim i estetycznym oraz praktyce gatunkowo-stylistycznej Poeci dekabrystyczni we wczesnych dziełach A. S. Puszkina.
A.P. Losenko. „Włodzimierz i Rogneda”. 1770. Muzeum Rosyjskie (St. Petersburg).
NT Pakhsaryan; T. G. Yurchenko (klasycyzm w Rosji).
Architektura i sztuki piękne. Kierunki klasycyzmu w sztuce europejskiej pojawiły się już w 2. połowie XVI wieku we Włoszech – w teorii i praktyce architektonicznej A. Palladia, traktatach teoretycznych G. da Vignola, S. Serlio; bardziej konsekwentnie – w pismach J. P. Belloriego (XVII w.), a także w standardach estetycznych akademików szkoły bolońskiej. Jednak w XVII wieku klasycyzm, który rozwinął się w intensywnie polemicznej interakcji z barokiem, rozwinął się dopiero w spójny system stylistyczny we francuskiej kulturze artystycznej. Klasycyzm XVIII i początków XIX wieku ukształtował się przede wszystkim we Francji, która stała się stylem paneuropejskim (ten ostatni w historii sztuki zagranicznej często nazywany jest neoklasycyzmem). Zasady racjonalizmu leżące u podstaw estetyki klasycyzmu zdeterminowały pogląd na dzieło sztuki jako owoc rozumu i logiki, triumfujący nad chaosem i płynnością życia zmysłowego. Nacisk na racjonalną zasadę, na trwałe przykłady, determinował także wymagania normatywne estetyki klasycyzmu, regulację reguł artystycznych, ścisłą hierarchię gatunków w sztukach plastycznych (do gatunku „wysokiego” zalicza się dzieła o tematyce mitologicznej i historycznej , a także „idealny krajobraz” i uroczysty portret; do „niskiego” - martwa natura, gatunek codzienny itp.). Utrwaleniu teoretycznych doktryn klasycyzmu sprzyjała działalność założonych w Paryżu akademii królewskich – malarstwa i rzeźby (1648) oraz architektury (1671).
Architektura klasycyzmu, w przeciwieństwie do baroku z jego dramatycznym konfliktem form, energetycznym oddziaływaniem bryły i otoczenia przestrzennego, opiera się na zasadzie harmonii i wewnętrznej kompletności, zarówno pojedynczego budynku, jak i zespołu. Charakterystyka W stylu tym kryje się dążenie do przejrzystości i jedności całości, symetrii i równowagi, pewności plastycznych form i przestrzennych interwałów, tworzących spokojny i podniosły rytm; system proporcjonalności oparty na wielu stosunkach liczb całkowitych (pojedynczy moduł określający wzorce formowania kształtu). Ciągłe odwoływanie się mistrzów klasycyzmu do dziedzictwa architektury starożytnej oznaczało nie tylko wykorzystanie jej poszczególnych motywów i elementów, ale także zrozumienie ogólnych praw jej architektury. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek architektoniczny, o proporcjach i formach bliższych starożytności niż w architekturze poprzednich epok; w budynkach stosowany jest w taki sposób, aby nie przyćmił ogólnej struktury budowli, lecz stał się jej subtelnym i powściągliwym towarzyszeniem. Wnętrza klasycystyczne charakteryzują się wyrazistością podziałów przestrzennych i miękkością barw. Wykorzystując szeroko efekty perspektywy w malarstwie monumentalnym i dekoracyjnym, mistrzowie klasycyzmu zasadniczo oddzielili przestrzeń iluzoryczną od realnej.
Ważne miejsce w architekturze klasycyzmu zajmują problemy urbanistyczne. Opracowywane są projekty „miast idealnych”, powstaje nowy typ miasta regularnej rezydencji absolutystycznej (Wersal). Klasycyzm stara się kontynuować tradycje antyku i renesansu, opierając swoje decyzje na zasadzie proporcjonalności do człowieka i jednocześnie skali, nadając obrazowi architektonicznemu bohatersko wzniosłe brzmienie. I choć retoryczny przepych dekoracji pałacowej wchodzi w konflikt z tą dominującą tendencją, stabilna figuratywna struktura klasycyzmu zachowuje jedność stylu, niezależnie od tego, jak różnorodne były jego modyfikacje w procesie rozwoju historycznego.
Powstawanie klasycyzmu w Architektura francuska związane z twórczością J. Lemerciera i F. Mansarta. Wygląd budynków i technika budowy początkowo nawiązywały do architektury zamków z XVI w.; decydujący punkt zwrotny nastąpił w twórczości L. Lebruna – przede wszystkim w powstaniu zespołu pałacowo-parkowego Vaux-le-Vicomte, z uroczystą amfiladą samego pałacu, imponującymi obrazami C. Le Bruna oraz najbardziej charakterystyczny wyraz nowych zasad – regularny park parterowy A. Le Nôtre’a. Wschodnia fasada Luwru, realizowana (od lat 60. XVII w.) według planów C. Perraulta (co charakterystyczne, odrzucono projekty J. L. Berniniego i innych w stylu barokowym), stała się dziełem programowym architektury klasycystycznej. W latach sześćdziesiątych XVII wieku L. Levo, A. Le Nôtre i C. Lebrun zaczęli tworzyć zespół wersalski, w którym ze szczególną kompletnością wyrażono idee klasycyzmu. Od 1678 r. budową Wersalu kierował J. Hardouin-Mansart; Według jego projektów pałac znacznie rozbudowano (dodano skrzydła), centralny taras przekształcono w Galerię Lustrzaną – najbardziej reprezentacyjną część wnętrza. Zbudował także Pałac Grand Trianon i inne budynki. Zespół Wersalu charakteryzuje się rzadką integralnością stylistyczną: nawet strumienie fontann zostały połączone w statyczną formę, przypominającą kolumnę, a drzewa i krzewy zostały przycięte w formie kształty geometryczne. Symbolika zespołu podporządkowana jest gloryfikacji „Króla Słońca” Ludwika XIV, jednak jej artystyczną i figuratywną podstawą była apoteoza rozumu, silnie przekształcająca elementy przyrody. Jednocześnie podkreślona dekoracyjność wnętrz uzasadnia użycie określenia stylistycznego „barokowy klasycyzm” w odniesieniu do Wersalu.
W 2. połowie XVII w. ukształtowały się nowe techniki planowania, umożliwiające organiczne połączenie zabudowy miejskiej z elementami środowisko naturalne, tworzenie otwartych placów, które przestrzennie łączą się z ulicą lub nasypem, rozwiązania zespołowe kluczowych elementów struktury urbanistycznej (Plac Ludwika Wielkiego, obecnie Vendôme i Place des Victories; zespół architektoniczny Domy dla inwalidów, wszystkie autorstwa J. Hardouina-Mansarta), łuki wejściowe triumfalne (Brama Saint-Denis projektu N. F. Blondela; całość w Paryżu).
Tradycje klasycyzmu we Francji w XVIII wieku przetrwały niemal nieprzerwanie, jednak w pierwszej połowie stulecia dominował styl rokoko. W połowie XVIII w. zasady klasycyzmu uległy przekształceniu w duchu estetyki oświeceniowej. W architekturze odwoływanie się do „naturalności” stawiało wymóg konstruktywnego uzasadnienia porządku elementów kompozycji, we wnętrzu – potrzebę opracowania elastycznego układu wygodnego budynku mieszkalnego. Idealnym środowiskiem dla domu było otoczenie krajobrazowe (ogrodowo-parkowe). Szybki rozwój wiedzy o starożytności greckiej i rzymskiej (wykopaliska w Herkulanum, Pompejach itp.) wywarł ogromny wpływ na klasycyzm XVIII wieku; Do teorii klasycyzmu wnieśli dzieła I. I. Winkelmana, I. V. Goethego i F. Milizi. We francuskim klasycyzmie XVIII w. zdefiniowano nowe typy architektoniczne: elegancką i kameralną rezydencję („hotel”), reprezentacyjny gmach użyteczności publicznej, otwarty plac łączący główne arterie miasta (Place Ludwika XV, obecnie Place de la Concorde w Paryżu architekt J. A. Gabriel; Zbudował także Pałac Petit Trianon w Parku Wersalskim, łącząc harmonijną klarowność form z lirycznym wyrafinowaniem projektu). J. J. Soufflot zrealizował swój projekt dla kościoła Sainte-Geneviève w Paryżu, czerpiąc z doświadczeń architektury klasycznej.
W epoce poprzedzającej rewolucję francuską XVIII w. w architekturze pojawiło się pragnienie surowej prostoty i śmiałe poszukiwanie monumentalnej geometryczności nowej, pozbawionej porządku architektury (C.N. Ledoux, E.L. Bullet, J.J. Lequeu). Poszukiwania te (naznaczone także wpływem rycin architektonicznych G.B. Piranesiego) stały się punktem wyjścia dla późnej fazy klasycyzmu – stylu empirowego francuskiego (1. tercja XIX w.), w którym rosła wspaniała reprezentatywność (C. Percier, P. F. L. Fontaine, J. F. Chalgrin).
Palladianizm angielski XVII i XVIII wieku jest pod wieloma względami powiązany z systemem klasycyzmu i często się z nim łączy. Orientacja na klasykę (nie tylko na idee A. Palladia, ale także na antyk), ścisłą i powściągliwą ekspresję plastycznie wyraźnych motywów obecna jest w twórczości I. Jonesa. Po „wielkim pożarze” w 1666 r. K. Wren wzniósł największą budowlę Londynu – katedrę św. Pawła, a także ponad 50 kościołów parafialnych, szereg budynków w Oksfordzie, naznaczonych wpływem rozwiązań antycznych. Rozległe plany urbanistyczne wprowadzono już do połowy XVIII w. w ramach regularnej zabudowy Bath (J. Wood the Elder i J. Wood the Younger), Londynu i Edynburga (bracia Adam). Budynki W. Chambersa, W. Kenta i J. Payne’a kojarzą się z rozkwitem osiedli parkowych. R. Adam również inspirował się starożytnością rzymską, jednak jego wersja klasycyzmu nabiera łagodniejszego i lirycznego wyrazu. Klasycyzm w Wielkiej Brytanii był najważniejszym składnikiem tzw. stylu gruzińskiego. Na początku XIX w. w architekturze angielskiej pojawiły się elementy zbliżone do stylu empire (J. Soane, J. Nash).
W XVII - początkach XVIII wieku klasycyzm ukształtował się w architekturze Holandii (J. van Kampen, P. Post), co dało początek jego szczególnie powściągliwej wersji. Krzyżowe powiązania z klasycyzmem francuskim i holenderskim, a także wczesnym barokiem wpłynęły na krótki rozkwit klasycyzmu w architekturze Szwecji przełomu XVII i XVIII w. (N. Tessin Młodszy). W XVIII i na początku XIX w. klasycyzm zadomowił się także we Włoszech (G. Piermarini), Hiszpanii (J. de Villanueva), Polsce (J. Kamsetzer, H. P. Aigner) i USA (T. Jefferson, J. Hoban). . Niemiecką architekturę klasycystyczną XVIII – I połowy XIX w. charakteryzują surowe formy palladiańskie F. W. Erdmansdorffa, „bohaterski” hellenizm K. G. Langhansa, D. i F. Gilly’ego oraz historyzm L. von Klenze. W twórczości K. F. Schinkla surowa monumentalność obrazów łączy się z poszukiwaniem nowych rozwiązań funkcjonalnych.
W połowie XIX wieku wiodąca rola klasycyzmu zanikała; wypierany jest przez style historyczne (patrz także styl neogrecki, eklektyzm). Jednocześnie tradycja artystyczna klasycyzmu ożywa w neoklasycyzmie XX wieku.
Sztuki piękne klasycyzmu mają charakter normatywny; w jego figuratywnej strukturze widoczne są wyraźne znamiona utopii społecznej. W ikonografii klasycyzmu dominują antyczne legendy, bohaterskie czyny, tematy historyczne, czyli zainteresowanie losami wspólnot ludzkich, „anatomią władzy”. Nie zadowalając się samym „portretowaniem natury”, twórcy klasycyzmu dążą do wzniesienia się ponad to, co specyficzne, indywidualne, do tego, co uniwersalne. Klasycyści bronili swojej idei prawdy artystycznej, która nie pokrywała się z naturalizmem Caravaggia czy małym Holendrem. Świat rozsądnych działań i jasnych uczuć w sztuce klasycyzmu wzniósł się ponad niedoskonałą codzienność jako ucieleśnienie marzenia o pożądanej harmonii istnienia. Orientacja na wzniosły ideał dała także podstawę do wyboru „pięknej natury”. Klasycyzm unika tego, co przypadkowe, dewiacyjne, groteskowe, prymitywne i odrażające. Tektoniczna przejrzystość architektury klasycystycznej odpowiada wyraźnemu zarysowaniu planów w rzeźbie i malarstwie. Sztuka plastyczna klasycyzmu z reguły jest zaprojektowana dla ustalonego punktu widzenia i charakteryzuje się gładkością form. Moment ruchu w pozach postaci zwykle nie narusza ich plastycznej izolacji i spokojnej posągowości. W malarstwie klasycystycznym głównymi elementami formy są linia i światłocień; Lokalna kolorystyka wyraźnie identyfikuje obiekty i plany krajobrazowe, co przybliża kompozycję przestrzenną obrazu do kompozycji obszaru scenicznego.
Założycielem i największym mistrzem klasycyzmu XVII wieku był Artysta francuski N. Poussina, którego obrazy cechuje wzniosłość treści filozoficzno-etycznych, harmonia struktury rytmicznej i koloru.
„Pejzaż idealny” (N. Poussin, C. Lorrain, G. Duguay), który ucieleśniał marzenie klasycystów o „złotym wieku” ludzkości, był bardzo rozwinięty w malarstwie klasycyzmu XVII wieku. Do najważniejszych mistrzów francuskiego klasycyzmu w rzeźbie XVII - początku XVIII w. należeli P. Puget (temat heroiczny), F. Girardon (poszukiwanie harmonii i lakonizmu form). W 2. połowie XVIII w. francuscy rzeźbiarze ponownie zwrócili się ku publiczności istotne tematy i monumentalne decyzje (J.B. Pigalle, M. Clodion, E.M. Falconet, J.A. Houdon). Połączono w nim obywatelski patos i liryzm malarstwo mitologiczne J. M. Vienne, pejzaże dekoracyjne Y. Roberta. Malarstwo tzw. rewolucyjnego klasycyzmu we Francji reprezentują dzieła J. L. Davida, historyczne i obrazy portretowe które naznaczone są odważnym dramatem. W późnym okresie francuskiego klasycyzmu malarstwo, mimo pojawienia się poszczególnych wielkich mistrzów (J. O. D. Ingres), przerodziło się w oficjalną sztukę apologetyczną lub salonową.
Międzynarodowym centrum klasycyzmu XVIII i początków XIX wieku był Rzym, gdzie w sztuce dominowała tradycja akademicka z połączeniem szlachetności form i charakterystycznej dla akademizmu zimnej, abstrakcyjnej idealizacji (malarze A.R. Mengs, J.A. Koch, V. Camuccini, rzeźbiarze A. Podobnie jak B. Thorvaldsen). W sztuce pięknej niemieckiego klasycyzmu, kontemplatywnej w duchu, wyróżniają się portrety A. i V. Tischbeinów, mitologiczne kartony A. J. Carstena, dzieła plastyczne I. G. Shadova, K. D. Raucha; w sztuce dekoracyjnej i użytkowej - meble D. Roentgena. W Wielkiej Brytanii bliski jest klasycyzm grafiki i rzeźby J. Flaxmana, a w sztuce dekoracyjnej i użytkowej - ceramika J. Wedgwooda i rzemieślników fabryki Derby.
AR Mengs. „Perseusz i Andromeda”. 1774-79. Ermitaż (Sankt Petersburg).
Okres rozkwitu klasycyzmu w Rosji przypada na ostatnią trzecią XVIII - pierwszą trzecią XIX wieku, choć początek XVIII wieku charakteryzował się już twórczym odwołaniem się do doświadczeń urbanistycznych francuskiego klasycyzmu (zasada symetryczności systemy planowania osiowego przy budowie Petersburga). Rosyjski klasycyzm ucieleśniał nowy historyczny etap rozkwitu rosyjskiej kultury świeckiej, niespotykany dla Rosji pod względem zakresu i treści ideologicznej. Wczesny rosyjski klasycyzm w architekturze (lata 60.-70. XVIII w.; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) nadal zachowuje plastyczne bogactwo i dynamikę form charakterystycznych dla baroku i rokoka.
Architekci dojrzałego okresu klasycyzmu (1770-90; V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, I.E. Starow) stworzyli klasyczne typy metropolitalnych osiedli pałacowych i wygodnych budynków mieszkalnych, które stały się wzorami w powszechnym budownictwie wiejskich majątków szlacheckich oraz w nowych, ceremonialny rozwój miast. Sztuka zespołu w wiejskich posiadłościach parkowych jest znaczącym wkładem rosyjskiego klasycyzmu w światową kulturę artystyczną. W budownictwie majątkowym narodziła się rosyjska wersja palladianizmu (N. A. Lwów) oraz nowy typ pałacu kameralnego (C. Cameron, J. Quarenghi). Cechą rosyjskiego klasycyzmu jest niespotykana dotąd skala państwowej urbanistyki: opracowano regularne plany dla ponad 400 miast, utworzono zespoły ośrodków Kaługi, Kostromy, Połtawy, Tweru, Jarosławia itp.; praktyka „regulowania” planów urbanistycznych z reguły konsekwentnie łączyła zasady klasycyzmu z utrwalonymi historycznie strukturę planowania stare rosyjskie miasto. Przełom XVIII i XIX w. to okres znaczących osiągnięć urbanistycznych obu stolic. Ukształtował się wspaniały zespół centrum Petersburga (A. N. Woronikhin, A. D. Zacharow, J. F. Thomas de Thomon, a później K. I. Rossi). „Klasyczna Moskwa” powstała w oparciu o różne zasady urbanistyczne, a podczas odbudowy po pożarze w 1812 r. została zbudowana z małych dworków o przytulnych wnętrzach. Zasady prawidłowości zostały tu konsekwentnie podporządkowane ogólnej dowolności obrazowej struktury przestrzennej miasta. Do najwybitniejszych architektów późnego klasycyzmu moskiewskiego zalicza się D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriew. Budynki 1. tercji XIX w. należą do stylu imperium rosyjskiego (czasami nazywanego klasycyzmem aleksandrowskim).
W sztukach pięknych rozwój rosyjskiego klasycyzmu jest ściśle związany z petersburską Akademią Sztuk Pięknych (założoną w 1757 r.). Rzeźbę reprezentują „bohaterskie” rzeźby monumentalne i dekoracyjne, tworzące przemyślaną syntezę z architekturą, pomniki przepełnione obywatelskim patosem, nagrobki przesiąknięte elegijnym oświeceniem oraz rzeźba sztalugowa (I. P. Prokofiew, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky, I. P. Martos, F. F. Szczedrin, V. I. Demut-Malinowski, S. S. Pimenow, I. I. Terebenev). W malarstwie klasycyzm najwyraźniej przejawił się w dziełach gatunku historycznego i mitologicznego (A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, wczesny A. A. Iwanow; w scenografii - w twórczości P. di G. .Gonzago). Niektóre cechy klasycyzmu są również nieodłącznie związane z rzeźbiarskimi portretami F. I. Shubina, z malarstwem - z portretami D. G. Levitsky'ego, V. L. Borovikovsky'ego oraz pejzażami F. M. Matveeva. W sztuce dekoracyjnej i użytkowej rosyjskiego klasycyzmu wyróżnia się modelowanie artystyczne i rzeźbione dekoracje w architekturze, produkty z brązu, żeliwo, porcelana, kryształ, meble, tkaniny adamaszkowe itp.
AI Kaplun; Yu. K. Zołotow (europejskie sztuki piękne).
Teatr. Formowanie się klasycyzmu teatralnego rozpoczęło się we Francji w latach trzydziestych XVII wieku. Aktywizującą i organizującą rolę w tym procesie miała literatura, dzięki której teatr zadomowił się w gronie sztuk „wysokich”. Próbki sztuki teatralne Francuzi widzieli we włoskim „teatrze naukowym” renesansu. Ponieważ społeczeństwo dworskie było wyznacznikiem gustów i wartości kulturowych, na styl sceniczny wpływały także ceremonie i festiwale dworskie, balety i przyjęcia. Zasady klasycyzmu teatralnego rozwinęły się na scenie paryskiej: w teatrze Marais kierowanym przez G. Mondori (1634), w Palais Cardinal (1641, od 1642 Palais Royal), zbudowanym przez kardynała Richelieu, którego konstrukcja odpowiadała wysokim wymaganiom włoska technologia sceniczna ; w latach czterdziestych XVII wieku hotel burgundzki stał się miejscem teatralnego klasycyzmu. Dekorację symultaniczną stopniowo, już w połowie XVII w., zastąpiono dekoracją malowniczą i jednoperspektywową (pałac, świątynia, dom itp.); pojawiła się kurtyna, która podnosiła się i opadała na początku i na końcu przedstawienia. Scena została oprawiona niczym obraz. Gra toczyła się wyłącznie na proscenium; przedstawienie skupiało się na kilku postaciach bohaterów. Tło architektoniczne, jedno miejsce, połączenie planów aktorskich i malarskich oraz ogólna trójwymiarowa mise-en-scène przyczyniły się do stworzenia iluzji prawdopodobieństwa. W XVII-wiecznym klasycyzmie scenicznym istniała koncepcja „czwartej ściany”. „Zachowuje się tak” – pisał o aktorze F. E. a’Aubignac („Praktyka teatralna”, 1657), „jakby widza w ogóle nie było: jego bohaterowie zachowują się i mówią, jakby byli naprawdę królami, a nie Mondori i Bellerose, jakby byli w pałacu Horacego w Rzymie, a nie w hotelu Burgundy w Paryżu i jakby widzieli i słyszeli je tylko ci, którzy są obecni na scenie (tj. w miejscu ukazanym).”
W wielkiej tragedii klasycyzmu (P. Corneille, J. Racine) dynamika, rozrywkowa i przygodowa fabuła sztuk A. Hardy’ego (które weszły do repertuaru pierwszej stałej francuskiej trupy V. Lecomte’a w 1. tercji XVII w.) zastąpiła statyka i pogłębione zwrócenie uwagi na duchowy świat bohatera, motywy jego postępowania. Nowa dramaturgia domagała się zmian w sztukach performatywnych. Aktor stał się ucieleśnieniem ideałów etycznych i estetycznych epoki, tworząc swoim występem z bliska portret swojego współczesnego; jego strój, stylizowany na starożytność, odpowiadał modzie nowożytnej, jego plastyczność podlegała wymogom szlachetności i wdzięku. Aktor musiał mieć patos mówcy, poczucie rytmu, muzykalność (w przypadku aktorki M. Chanmele notatki do roli pisał J. Racine), sztukę wymownego gestu, umiejętności tancerza, nawet siła fizyczna. Dramaturgia klasycyzmu przyczyniła się do powstania szkoły recytacji scenicznej, która połączyła cały zestaw technik wykonawczych (czytanie, gest, mimika) i stała się głównym środkiem wyrazu francuskiego aktora. A. Vitez nazwał deklamację XVII wieku „architekturą prozodyczną”. Spektakl zbudowany został na logicznej interakcji monologów. Za pomocą słów ćwiczono technikę wzbudzania emocji i kontrolowania ich; Od siły głosu, jego dźwięczności, barwy, opanowania barw i intonacji zależała powodzenie występu.
„Andromacha” J. Racine’a w hotelu Burgundy. Rycina F. Chauveau. 1667.
Podział gatunków teatralnych na „wysoki” (tragedia w hotelu Burgundian) i „niski” (komedia w Palais Royal w czasach Moliera), pojawienie się ról ugruntowało hierarchiczną strukturę teatru klasycyzmu. Pozostając w granicach „szlachetnej” natury, projekt spektaklu i zarysy obrazu zdeterminowane były indywidualnością największych aktorów: sposób recytacji J. Floridora był bardziej naturalny niż nadmiernie pozującej Bellerose; M. Chanmele charakteryzował się dźwięczną i melodyjną „recytacją”, a Montfleury nie miał sobie równych pod względem afektów namiętności. Późniejsze rozumienie kanonu teatralnego klasycyzmu, na który składały się standardowe gesty (zaskoczenie przedstawiano z rękami podniesionymi do poziomu ramion i dłońmi skierowanymi w stronę publiczności; wstręt – z głową zwróconą w prawo i rękami odpychającymi przedmiot pogardy itp.) .), nawiązuje do epoki upadku i degeneracji stylu.
W XVIII wieku, pomimo zdecydowanego odejścia teatru w stronę demokracji edukacyjnej, aktorzy Comédie Française A. Lecouvreur, M. Baron, A. L. Lequesne, Dumenil, Clairon, L. Preville rozwinęli zgodnie z gustami styl klasycyzmu scenicznego i żąda ery. Odeszli od klasycystycznych norm recytacyjnych, zreformowali kostium i podjęli próby reżyserii przedstawienia, tworząc zespół aktorski. Na początku XIX wieku, u szczytu zmagań romantyków z tradycją teatru „dworskiego”, F. J. Talma, M. J. Georges, Mars udowodnili żywotność klasycystycznego repertuaru i stylu wykonawczego, a w twórczości Rachelle, klasycyzm w epoce romantyzmu ponownie nabrał znaczenia „wysokiego” i poszukiwanego stylu. Tradycje klasycyzmu nadal wywierały wpływ kultura teatralna Francja na przełomie XIX i XX wieku, a nawet później. Połączenie stylów klasycyzmu i modernizmu jest charakterystyczne dla sztuki J. Mouneta-Sully'ego, S. Bernarda, B. C. Coquelina. W XX w. francuski teatr reżyserski zbliżył się do europejskiego, a styl sceniczny zatracił swą narodową specyfikę. Z tradycjami klasycyzmu wpisują się jednak znaczące wydarzenia we francuskim teatrze XX wieku: przedstawienia J. Copo, J. L. Barrota, L. Jouveta, J. Vilara, eksperymenty Viteza z klasyką XVII wieku, przedstawienia R. Planchon, J. Desart i inni.
Klasycyzm utraciwszy w XVIII w. znaczenie dominującego stylu we Francji, znalazł następców w innych krajach. Kraje europejskie. J. W. Goethe konsekwentnie wprowadzał zasady klasycyzmu do prowadzonego przez siebie teatru weimarskiego. Aktorka i przedsiębiorca F. K. Neuber i aktor K. Eckhoff w Niemczech, angielscy aktorzy T. Betterton, J. Quinn, J. Kemble, S. Siddons propagowali klasycyzm, ale ich wysiłki, mimo osobistych osiągnięć twórczych, okazały się nieskuteczne i ostatecznie zostały odrzucone. Klasycyzm sceniczny stał się przedmiotem ogólnoeuropejskich kontrowersji i dzięki niemieckim, a następnie rosyjskim teoretykom teatru otrzymał definicję „teatru fałszywie klasycznego”.
W Rosji styl klasycystyczny rozkwitł na początku XIX wieku w twórczości A. S. Jakowlewa i E. S. Semyonowej, a później objawił się w osiągnięciach petersburskiej szkoły teatralnej w osobie V. V. Samoilova (patrz Samoilovs), V. A. Karatygin (patrz Karatygins), następnie Yu M. Yuryev.
E. I. Gorfunkel.
Muzyka. Termin „klasycyzm” w odniesieniu do muzyki nie oznacza orientacji na przykłady starożytne (znane i badane były jedynie zabytki starożytnej Grecji teoria muzyki) oraz szereg reform mających położyć kres pozostałościom stylu barokowego w teatrze muzycznym. Tendencje klasycystyczne i barokowe przeplatały się ze sobą we francuskiej tragedii muzycznej 2. połowy XVII – 1. połowy XVIII w. (współpraca twórcza librecisty F. Kino i kompozytora J.B. Lully’ego, opery i opery-balety J.F. Rameau) oraz w Włoska opera seria, która zajęła wiodącą pozycję wśród gatunków muzycznych i dramatycznych XVIII wieku (we Włoszech, Anglii, Austrii, Niemczech, Rosji). Rozkwit francuskiej tragedii muzycznej nastąpił na początku kryzysu absolutyzmu, kiedy ideały bohaterstwa i obywatelstwa w walce o państwo narodowe ustąpiły miejsca duchowi świętowania i ceremonialnej biurokracji, pragnieniu luksusu i wyrafinowanego hedonizmu. Zmniejszyło się nasilenie charakterystycznego dla klasycyzmu konfliktu uczuć i powinności w kontekście mitologicznej lub rycersko-legendarnej fabuły tragedii muzycznej (zwłaszcza w porównaniu z tragedią w teatr dramatyczny). Z normami klasycyzmu kojarzone są wymogi czystości gatunkowej (brak epizodów komediowych i codziennych), jedności akcji (często także miejsca i czasu) oraz „klasycznej” pięcioaktowej kompozycji (często z prologiem). Centralne miejsce w dramaturgii muzycznej zajmuje recytatyw – element najbliższy racjonalistycznej logice werbalnej i pojęciowej. W sferze intonacyjnej dominują formuły deklamacyjne i patetyczne związane z naturalną mową ludzką (pytania, imperatywy itp.), wyklucza się jednocześnie figury retoryczne i symboliczne charakterystyczne dla opery barokowej. Rozbudowane sceny chóralne i baletowe o tematyce fantastycznej i sielankowej, ogólne nastawienie na rozrywkę i rozrywkę (które ostatecznie dominowało) były bardziej spójne z tradycjami baroku niż z zasadami klasycyzmu.
Tradycją dla Włoch było kultywowanie wirtuozerii śpiewu i rozwój elementów zdobniczych właściwych gatunkowi opery seria. Zgodnie z żądaniami klasycyzmu wysuwanymi przez niektórych przedstawicieli Akademii Rzymskiej „Arkadia”, libreciści północnowłoscy z początku XVIII w. (F. Silvani, G. Frigimelica-Roberti, A. Zeno, P. Pariati, A. Salvi, A. Piovene) zostali wyrzuceni z poważnej opery, ma epizody komiczne i codzienne, motywy fabularne związane z interwencją sił nadprzyrodzonych lub fantastycznych; zakres tematyczny został ograniczony do zagadnień historycznych i historyczno-legendarnych, na pierwszy plan wysunięto kwestie moralne i etyczne; W centrum koncepcji artystycznej wczesnej opery seria znajduje się wysublimowany, heroiczny wizerunek monarchy, rzadziej męża stanu, dworzanina, bohatera epickiego, ukazujący pozytywne cechy idealnej osobowości: mądrość, tolerancję, hojność, oddanie obowiązek, heroiczny entuzjazm. Zachowano tradycyjną dla opery włoskiej trzyaktową strukturę (dramaty pięcioaktowe pozostały eksperymentem), jednak zmniejszono liczbę postaci, a w muzyce ujednolicono środki wyrazu intonacyjnego, uwertury i formy arii oraz strukturę partii wokalnych. Typ dramaturgii całkowicie podporządkowanej zadaniom muzycznym rozwijał (od lat dwudziestych XVIII w.) P. Metastasio, z którego nazwiskiem kojarzony jest szczytowy etap w historii opery seria. W jego opowiadaniach klasycystyczny patos ulega zauważalnemu osłabieniu. Sytuacja konfliktowa z reguły powstaje i pogłębia się z powodu przedłużającego się „błędnego przekonania” głównych bohaterów, a nie z powodu rzeczywistej sprzeczności ich interesów lub zasad. Jednak szczególne upodobanie do wyidealizowanego wyrażania uczuć, do szlachetnych impulsów ludzkiej duszy, choć dalekie od ścisłego racjonalnego uzasadnienia, zapewniło libretto Metastasia przez ponad pół wieku wyjątkową popularność.
Zwieńczeniem rozwoju klasycyzmu muzycznego epoki oświecenia (lata 60.-70. XVIII w.) była twórcza współpraca K. V. Glucka i librecisty R. Calzabigi. W operach i baletach Glucka tendencje klasycystyczne wyrażały się w podkreślaniu problematyki etycznej, rozwijaniu idei bohaterstwa i hojności (w dramatach muzycznych okresu paryskiego – w bezpośrednim odwołaniu się do tematu powinności i uczuć). Normom klasycyzmu odpowiadała także czystość gatunkowa, chęć maksymalnej koncentracji akcji sprowadzonej do niemal jednego dramatycznego zderzenia i ścisła selekcja wyraziste środki zgodnie z celami konkretnej sytuacji dramatycznej, maksymalne ograniczenie elementu dekoracyjnego, wirtuozowska zasada śpiewu. Edukacyjny charakter interpretacji obrazów znalazł odzwierciedlenie w splocie szlachetnych cech charakterystycznych dla klasycystycznych bohaterów z naturalnością i swobodą wyrażania uczuć, odzwierciedlającą wpływ sentymentalizmu.
W latach 80.-90. XVIII w. tendencje rewolucyjnego klasycyzmu, odzwierciedlające ideały rewolucji francuskiej XVIII wieku, znalazły wyraz we francuskim teatrze muzycznym. Genetycznie powiązany z etapem poprzednim i reprezentowany głównie przez pokolenie kompozytorów, którzy poszli za reformą operową Glucka (E. Megul, L. Cherubini), rewolucyjny klasycyzm podkreślał przede wszystkim obywatelski, walczący z tyranami patos, charakterystyczny wcześniej dla tragedii P. Corneille i Voltaire. W odróżnieniu od dzieł z lat 60. i 70. XVIII w., w których rozwiązanie tragicznego konfliktu było nieuchwytne i wymagało interwencji siły zewnętrzne(tradycja „deus ex machina” – łac. „bóg z maszyny”), dla dzieł z lat 1780-1790, wynik poprzez czyn bohaterski (odmowa posłuszeństwa, protest, często akt odwetu, morderstwo tyran itp.) stał się charakterystyczny, tworząc jasne i skuteczne uwolnienie napięcia. Ten typ dramaturgii dał początek gatunkowi „opery ratunkowej”, który pojawił się w latach 90. XVIII wieku na styku tradycji opery klasycystycznej i realistycznego dramatu mieszczańskiego.
W Rosji w teatrze muzycznym oryginalne przejawy klasycyzmu są rzadkie (opera „Cephalus i Procris” F. Arayi, melodramat „Orfeusz” E. I. Fomina, muzyka O. A. Kozłowskiego do tragedii V. A. Ozerowa, A. A. Szachowskiego i A. N. Gruzintsewa).
W odniesieniu do opery komicznej oraz muzyki instrumentalnej i wokalnej XVIII wieku, nie kojarzonej z akcją teatralną, określenie „klasycyzm” stosowane jest w dużej mierze warunkowo. Czasami jest używane luźno w znaczeniu etap początkowy epoka klasyczno-romantyczna, styl szarmancki i klasyczny (patrz artykuł Wiedeńska szkoła klasyczna, Klasyka w muzyce), w szczególności po to, aby uniknąć oceny (na przykład przy tłumaczeniu niemieckiego terminu „Klassik” lub w wyrażeniu „rosyjski klasycyzm”, rozszerzony na całą muzykę rosyjską 2. połowy XVIII - początków XIX wieku).
W XIX w. klasycyzm w teatrze muzycznym ustąpił miejsca romantyzmowi, choć sporadycznie odradzały się pewne cechy estetyki klasycystycznej (G. Spontini, G. Berlioz, S. I. Tanejew i in.). W XX wieku klasycystyczny zasady artystyczne odrodził się ponownie w neoklasycyzmie.
P. V. Lutsker.
Dosł.: Prace ogólne. Zeitler R. Klassizismus und Utopia. Stockh., 1954; Peyre N. Qu’est-ce que le klasycyzm? R., 1965; Bray R. La formation de la doktryna classique en France. R., 1966; Renesans. Barokowy. Klasycyzm. Problem stylów w sztuce zachodnioeuropejskiej XV-XVII wieku. M., 1966; Tapie V. L. Barok i klasycyzm. 2 wyd. R., 1972; Benac N. Le klasycyzm. R., 1974; Zołotow Yu. K. Moralne podstawy działania w języku francuskim XVII klasycyzm V. // Wiadomości Akademii Nauk ZSRR. Ser. literatura i język. 1988. T. 47. nr 3; Zuber R., Cuénin M. Le klasycyzm. R., 1998. Literatura. Vipper Yu. B. Formacja klasycyzmu w poezji francuskiej początku XVII wieku. M., 1967; Oblomievsky D. D. Francuski klasycyzm. M., 1968; Serman I.Z. Rosyjski klasycyzm: Poezja. Dramat. Satyra. L., 1973; Morozow A. A. Losy rosyjskiego klasycyzmu // Literatura rosyjska. 1974. nr 1; Jones T.V., Nicol V. Neoklasyczna krytyka dramatyczna. 1560-1770. Camb., 1976; Moskvicheva G.V. Rosyjski klasycyzm. M., 1978; Manifesty literackie klasycystów zachodnioeuropejskich. M., 1980; Averintsev S.S. Poetyka starożytnej Grecji i literatura światowa// Poetyka literatury starożytnej Grecji. M., 1981; Rosyjski i Klasycyzm zachodnioeuropejski. Proza. M., 1982; L'Antiquité greco-romaine vue par le siècle des lumières / Éd. R. Chevalliera. Wycieczki, 1987; Klassik im Vergleich. Normativität und Historizität europäischer Klassiken. Stuttg.; Weimar, 1993; Pumpyansky L.V. O historii rosyjskiego klasycyzmu // Pumpyansky L.V. M., 2000; Génétiot A. Le klasycyzm. R., 2005; Smirnov A. A. Teoria literatury Rosyjski klasycyzm. M., 2007. Architektura i sztuki piękne. Gnedich P.P. Historia sztuki. M., 1907. T. 3; aka. Historia sztuki. Zachodnioeuropejski barok i klasycyzm. M., 2005; Brunov N. I. Pałace Francji w XVII i XVIII wieku. M., 1938; Blunt A. Francois Mansart i początki francuskiej architektury klasycznej. L., 1941; ten sam. Sztuka i architektura we Francji. 1500 do 1700. wyd. 5. New Haven, 1999; Hautecoeur L. Histoire de l’architecture classique en France. R., 1943-1957. Tom. 1-7; Kaufmann E. Architektura w epoce rozumu. Kamba. (Mass.), 1955; Rowland V. Tradycja klasyczna w sztuce zachodniej. Kamba. (Mass.), 1963; Kovalenskaya N. N. Rosyjski klasycyzm. M., 1964; Vermeule S. S. Sztuka europejska i klasyczna przeszłość. Kamba. (Mass.), 1964; Rotenberg E.I. Sztuka zachodnioeuropejska XVII wieku. M., 1971; aka. Malarstwo zachodnioeuropejskie XVII wieku. Zasady tematyczne. M., 1989; Nikolaev E.V.Klasyczna Moskwa. M., 1975; Greenhalgh M. Tradycja klasyczna w sztuce. L., 1978; Fleming J. R. Adam i jego krąg w Edynburgu i Rzymie. wydanie 2. L., 1978; Jakimowicz A.K. Klasycyzm epoki Poussina. Podstawy i zasady // Historia sztuki radzieckiej’78. M., 1979. Wydanie. 1; Zołotow Yu. K. Poussin i wolnomyśliciele // Tamże. M., 1979. Wydanie. 2; Summerson J. Klasyczny język architektury. L., 1980; Gnudi S. L’ideale classico: saggi sulla tradizione classica nella pittura del Cinquecento e del Seicento. Bolonia, 1981; Howard S. Przywrócenie starożytności: eseje o życiu pozagrobowym antyku. Wiedeń, 1990; Akademia Francuska: klasycyzm i jego antagoniści / wyd. J. Hargrove’a. Newark; L., 1990; Arkin D. E. Obrazy architektury i obrazy rzeźby. M., 1990; Daniel S. M. Klasycyzm europejski. Petersburg, 2003; Karev A. Klasycyzm w malarstwie rosyjskim. M., 2003; Klasycyzm Bedretdinowej L. Katarzyny. M., 2008. Teatr. Celler L. Les décors, les kostiumy et la mise en scène au XVIIe siècle, 1615-1680. R., 1869. Gen., 1970; Mancius K. Moliere. Teatr, publiczność, aktorzy swoich czasów. M., 1922; Mongredien G. Les grands comédiens du XVIIe siècle. R., 1927; Fuchs M. La vie théâtrale en prowincja au XVIIe siècle. R., 1933; O teatrze. sob. artykuły. L.; M., 1940; Kemodle G. R. Od sztuki do teatru. Chi., 1944; Blanchart R. Histoire de la mise en scène. R., 1948; Vilar J. O tradycji teatralnej. M., 1956; Historia teatru zachodnioeuropejskiego: W 8 tomach M., 1956-1988; Velehova N. W sporach o styl. M., 1963; Boyadzhiev G. N. Sztuka klasycyzmu // Zagadnienia literatury. 1965. nr 10; Leclerc G. Wielkie przygody teatru. R., 1968; Mints N.V. Zbiory teatralne Francji. M., 1989; Gitelman L. I. Zagraniczna sztuka aktorska XIX wieku. Petersburg, 2002; Historia teatru zagranicznego. Petersburg, 2005.
Muzyka. Materiały i dokumenty dotyczące historii muzyki. XVIII wiek / Pod redakcją M. V. Iwanowa-Boretskiego. M., 1934; Buchan E. Muzyka epoki rokoka i klasycyzmu. M., 1934; aka. Styl heroiczny w operze. M., 1936; Livanova T. N. W drodze od renesansu do oświecenia XVIII wieku. // Od renesansu do XX wieku. M., 1963; ona jest taka sama. Problem stylu muzyka XVII V. //Renesans. Barokowy. Klasycyzm. M., 1966; ona jest taka sama. Muzyka zachodnioeuropejska XVII-XVIII wieku. w zakresie sztuk. M., 1977; Liltolf M. Zur Rolle der Antique in der musikalischen Tradition der francösischen Epoque Classique // Studien zur Tradition in der Musik. Monachium., 1973; Keldysh Yu. V. Problem stylów w muzyce rosyjskiej XVII-XVIII wieku. // Keldysh Yu. V. Eseje i studia z historii muzyki rosyjskiej. M., 1978; Lutsker P.V. Zagadnienia stylu w sztuce muzycznej przełomu XVIII i XIX wieku. // Epokowe kamienie milowe w historii sztuki zachodniej. M., 1998; Lutsker P. V., Susidko I. P. Opera włoska XVIII wieku. M., 1998-2004. Część 1-2; Opery reformistyczne Kirilliny L. V. Glucka. M., 2006.