>

Historia powstania rosyjskiego klasycyzmu. Literatura. teoria. klasycyzm jako ruch literacki

Klasycyzm (od łac. classicus - wzorowy) to styl i kierunek w sztuce i literaturze XVII - początków XIX wieku, który oznaczał powrót do dziedzictwa antycznego jako normy i idealnego wzorca.
Kierunek ten cechuje racjonalizm, normatywność, tendencja do harmonii, klarowności i prostoty wyrazu, równowaga kompozycji, a jednocześnie pewna doza schematyzacji i idealizacji w dziełach sztuki, która wyrażała się chociażby w hierarchii stylów „wysokich” i „niskich” w literaturze, wymóg „trzech jedności” – czasu, miejsca i akcji – w dramacie, podkreślał puryzm w dziedzinie języka itp.
Pod wpływem racjonalistycznej filozofii wielkiego francuskiego myśliciela Rene Descartesa (1596-1650) zasady klasycyzmu ugruntowały się we wszystkich rodzajach sztuki.
Głównym postulatem estetycznym klasycyzmu jest wierność naturze, naturalna racjonalność świata z jego obiektywnie wrodzonym pięknem, które wyraża się w symetrii, proporcji, mierze, harmonii, które należy odtworzyć w sztuce w doskonałej formie. Do połowy XIX wieku. klasycyzm, pozostający w tyle za rozwojem publicznego poczucia estetycznego, przerodził się w martwy akademizm.

Klasycyzm(z łac. Classicus - wzorcowy), styl artystyczny i kierunek estetyczny w literaturze i sztuce europejskiej XVII - początków XIX wieku, którego jedną z ważnych cech było odwołanie się do obrazów i form starożytnej literatury i sztuki jako idealnej estetyki standard. K. powstaje, doświadczając wpływu innych paneuropejskich nurtów w sztuce, które się z nią bezpośrednio stykają: wychodzi od estetyki poprzedzającego ją renesansu i konfrontuje się z aktywnie z nią współistniejącą, przepojoną świadomością sztuką barokową powszechnej niezgody wywołanej kryzysem ideałów minionej epoki. Kontynuując pewne tradycje renesansu (podziw dla starożytnych, wiara w rozum, ideał harmonii i proporcji), K. był dla niego swego rodzaju antytezą; za zewnętrzną harmonią u K. kryje się wewnętrzna antynomia światopoglądu, upodabniająca go do baroku (przy wszystkich ich głębokich różnicach). Gatunkowe i indywidualne, publiczne i osobiste, rozum i uczucie, cywilizacja i natura, które pojawiły się (w tendencji) w sztuce renesansu jako jedna harmonijna całość, u K. ulegają polaryzacji i stają się pojęciami wzajemnie się wykluczającymi. Odzwierciedlało to nowy stan historyczny, kiedy sfera polityczna i prywatna zaczęły się rozpadać, a stosunki społeczne zamieniły się w odrębną i abstrakcyjną siłę dla ludzi. Idea rozumu w XVII wieku. nierozerwalnie związana z ideą państwa absolutystycznego (patrz Absolutyzm), która w tamtym czasie, według K. Marksa, działała „...jako rozum powszechny…” (patrz K. Marx i F. Engels, Works, 2. wyd., t. 1, s. 254), „...jako ośrodek cywilizacyjny, jako jednocząca zasada społeczeństwa” (tamże, t. 10, s. 431), jako siła zdolna do ograniczenia feudalizmu anarchię i zaprowadzenie spokoju i porządku. Zasady racjonalizmu, odpowiadające ideom filozoficznym R. Kartezjusza i kartezjanizmu, leżą u podstaw estetyki K. Determinują one pogląd dzieło sztuki jako twór sztuczny – stworzony świadomie, inteligentnie zorganizowany, logicznie skonstruowany. Wysuwając zasadę „naśladowania natury”, klasycyści uznają jej nieodzowny warunek za ścisłe trzymanie się niewzruszonych zasad zaczerpniętych ze starożytnej poetyki (Arystoteles, Horacy) i sztuki, określających prawa formy artystycznej, w której rozumna twórczość manifestuje się wola pisarza, przekształcając materię życiową w piękne, logicznie smukłe i przejrzyste dzieło sztuki. Artystyczna przemiana natury, przemiana natury w piękną i uszlachetnioną jest jednocześnie aktem jej najwyższej wiedzy – sztuka wzywana jest do odkrycia idealnego wzoru wszechświata, często ukrytego za zewnętrznym chaosem i nieporządkiem rzeczywistości. Dlatego umysł, rozumiejąc idealny wzór, działa jako „arogancka” zasada w odniesieniu do indywidualnych cech i żywej różnorodności życia. Dla K. wartość estetyczną ma tylko to, co generyczne, trwałe i ponadczasowe. W każdym zjawisku K. stara się odnaleźć i uchwycić jego istotne, trwałe cechy (wiąże się to z odwołaniem do antyku jako absolutnej ponadhistorycznej normy estetycznej, a także do zasad typizacji charakteru, które są ucieleśnieniem wszelkich siły społeczne lub duchowe). Obraz klasycystyczny skłania się ku modelowi, w którym życie zostaje zatrzymane w jego idealnie wiecznej formie, jest szczególnym zwierciadłem, w którym jednostka zamienia się w to, co rodzajowe, tymczasowe w wieczne, realne w ideał, historia w mit, ukazuje to, co jest wszędzie, a czego w rzeczywistości nie ma nigdzie; jest triumfem rozumu i porządku nad chaosem i płynnym empiryzmem życia. Ucieleśnienie wzniosłych idei etycznych w adekwatnych do nich harmonijnie pięknych formach nadaje dziełom tworzonym według kanonów K. szczyptę utopizmu, co wynika także z faktu, że estetyka K. przywiązuje dużą wagę do funkcji społecznej i edukacyjnej sztuki. K. estetyka ustala ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na „wysokie” (tragedia, epos, oda, a w malarstwie - gatunki historyczne, mitologiczne i religijne; ich sfera jest życie publiczne czy historii religijnej, ich bohaterami są monarchowie, wodzowie, postacie mitologiczne, asceci religijni) i „niscy” (komedia, satyra, baśń, przedstawiające prywatne życie codzienne ludzi mieszczaństwa, a w malarstwie – tzw. gatunek” – pejzaż, portret, martwa natura). Każdy gatunek ma ścisłe granice i jasne cechy formalne; niedozwolona jest mieszanina wzniosłości i podłości, tragizmu i komizmu, bohaterstwa i zwyczajności. W sztukach plastycznych przesłanki dla K. pojawiły się już w 2. połowie XVI wieku. we Włoszech – w teorii i praktyce architektonicznej Palladia, traktaty teoretyczne Vignoli, S. Serlio; Konsekwentniej wyrażają się one w twórczości J. P. Belloriego (XVII w.), a także w standardach estetycznych wypracowanych przez akademików szkoły bolońskiej. Jednak przez cały XVII w. K., rozwijając się w interakcji i polemice z barokiem, dopiero w sztuce francuskiej przekształcił się w integralny system stylistyczny, a na przełomie XVIII i XIX w. stał się stylem paneuropejskim. Architekturę Kazachstanu jako całość charakteryzuje geometryczność zdecydowanie statycznych form i logiczne planowanie, ciągłe odwoływanie się do form architektury starożytnej - oznaczało to nie tylko podążanie za jej indywidualnymi motywami i elementami, ale zrozumienie jej ogólnych wzorców tektonicznych. Podstawą języka architektonicznego Kazachstanu staje się porządek, w proporcjach i formach bliższych starożytności niż w architekturze poprzednich stuleci. Ściany traktowane są jako gładkie powierzchnie wyznaczające wyraźne, symetrycznie rozmieszczone bryły; dekoracja architektoniczna wprowadzana jest w taki sposób, aby nigdy nie „przykrywała” całości konstrukcji, lecz stała się jej subtelnym i dyskretnym dopełnieniem. Wnętrza K. charakteryzują się wyrazistością podziałów przestrzennych i miękkością barw: wykorzystując szeroko efekty perspektywy w malarstwie monumentalnym i dekoracyjnym, K. zasadniczo oddziela przestrzeń iluzoryczną od realnej. W klasycystycznej syntezie sztuk formy podporządkowane są ścisłej hierarchii, w której wyraźnie dominuje architektura. Urbanistyka jest genetycznie związana z zasadami renesansu i baroku i aktywnie rozwija koncepcję „miasta idealnego”; pod koniec XVIII – I tercji XIX w. Pojawiają się nowe techniki planowania, które pozwalają na organiczne połączenie zabudowy miejskiej z elementami przyrody, tworzenie otwartych przestrzeni, które przestrzennie łączą się z ulicą lub nasypem. Tektoniczna przejrzystość kazachskiej architektury odpowiada ścisłemu rozgraniczeniu planów przestrzennych w rzeźbie i malarstwie. Rzeźbę plastyczną, w której dominują zamknięte, monochromatyczne bryły, zaprojektowane zazwyczaj dla ustalonego punktu widzenia, wyróżnia płynność modelowania i stabilność form. W malarstwie kazańskim dominujące znaczenie nabiera rysunek i światłocień (zwłaszcza w późnym Kazaniu, kiedy malarstwo czasami skłania się ku monochromatyczności, a grafika do czystej, stylizowanej linearności); lokalna barwa opiera się na połączeniu trzech dominujących kolorów (np. brązu). pierwszy, zielony dla drugiego, niebieski dla tła), środowisko świetlno-powietrzne zostaje rozrzedzone i zamienia się w neutralne wypełnienie luk między plastikowymi bryłami, akcja toczy się jak na scenie. Największy artysta i teoretyk kultury francuskiej XVII wieku. był N. Poussin, którego obrazy charakteryzują się wzniosłością treści etycznych, oświeconą harmonią struktury rytmicznej i koloru. Idealny krajobraz (N. Poussin, Claude Lorrain, G. Duguay), ucieleśniający marzenie o złotym wieku, zyskał w tej epoce znakomity rozwój. W architekturze zasady architektury kształtują się w budynkach F. Mansarta, charakteryzujących się przejrzystością podziałów porządkowych i kompozycją, we wschodniej fasadzie Luwru, stworzonej przez C. Perraulta (), najczystszym przykładem stylu XVII w. wieku, w pracach L. Levo, F. Blondela. Z 2. połowy XVII w. Francuski K. pochłania wszystko więcej elementów Barok, który przejawiał się zwłaszcza w architekturze i układzie Wersalu (architekt J. Hardouin-Mansart i in., układ parkowy – A. Le Nôtre). Utrwalenie doktryn kultury ułatwiło utworzenie w Paryżu królewskiej akademii malarstwa i rzeźby (1648) oraz akademii architektury (1671), które opracowały zbiór praw kompozycji i rysunku, normy przedstawiania emocji, system gatunków w malarstwie i proporcji w architekturze. W XVII i na początku XVIII w. K. rozprzestrzenia się także w architekturze Holandii (architekt Jacob van Kampen, P. Post), co dało początek jej szczególnie powściągliwej wersji, w architekturze palladiańskiej Anglii, gdzie echa renesansu nadal zachowały się w ścisłej szlachcie budynków I. Jonesa, a w pracach K. Wrena i jego zwolenników ostatecznie kształtuje się narodowa wersja K.

Klasyczny styl wyraża pewną tendencję myślenia artystycznego, opierającą się na naturalnym dążeniu do prostoty, przejrzystości, racjonalności i spójności obrazu artystycznego. Styl artystyczny klasycyzmu reprezentuje najwyższy wyraz idei integralności kompozycyjnej, przejrzystości, kompletności i równowagi. W architekturze klasycyzmu istnieje pewien zespół cech formalnych. Poziom przeważa nad pionem. Kompozycyjnie wyróżnia się oś symetrii, stąd zwyczajowy trzyczęściowy podział elewacji z powiększonym ryzalitem centralnym i dwoma mniejszymi ryzalitami bocznymi. Wszystkie kształty są zwykle kwadratowe, okrągłe, półkoliste. Pod względem planu szczególnie popularne są konstrukcje centryczne, zapewniające równą percepcję z różnych punktów widzenia. W rzeźbie kształtowaniu klasycystycznego myślenia artystycznego towarzyszyło przejście od naturalistycznej kolorystyki posągów i płaskorzeźb, naiwnej próby „ożywienia” ich w greckiej archaicznej lub różnorodnej dekoracyjności w sztuce Wschodu, do lakonicznej wyrazistości samej objętości , oczyszczając go ze wszystkiego, co zbędne i przypadkowe. Funkcje koloru przejęło malarstwo, które zostało oddzielone od architektury i rzeźby. Również w malarstwie klasycznym obraz jest zawsze konstruowany według „zasady reliefu”, czyli naprzemiennych planów przestrzennych równoległych do płaszczyzny obrazu. Postrzegając budynek, obraz, fresk lub rzeźbę w stylu klasycznym, pojawia się uczucie spokoju ducha, przejrzystości i oświecenia. Nawet pomimo świadomości, że jest to najprawdopodobniej umiejętna dekoracja, a w istocie stylizacja, oszustwo artystyczne i pomimo tego, że klasycyzm traci w sztuce na dekoracyjnym detalu, złożoności i innych stylach, jest atrakcyjniejszy i zawsze pożądany.
Ogólnie rzecz biorąc, trendy w stylu klasycznym różne epoki i w różne typy sztuka pokazuje jedno: dążenie artysty do ideału poprzez odrzucenie tego, co przypadkowe, tymczasowe, zmienne.

Sztuka klasycyzmu


Wstęp


Tematem moich prac jest sztuka klasycyzmu. Temat ten bardzo mnie zainteresował i przykuł moją uwagę. Sztuka w ogóle obejmuje wiele, obejmuje malarstwo i rzeźbę, architekturę, muzykę i literaturę i ogólnie wszystko, co tworzy człowiek. Przeglądając prace wielu artystów i rzeźbiarzy wydały mi się bardzo interesujące, urzekły mnie swoją idealnością, wyrazistością linii, poprawnością, symetrią itp.

Celem mojej pracy jest rozważenie wpływu klasycyzmu na malarstwo, rzeźbę i architekturę, na muzykę i literaturę. Za konieczne uważam także zdefiniowanie pojęcia „klasycyzm”.


1. Klasycyzm


Termin klasycyzm pochodzi od łacińskiego słowa classicus, które dosłownie oznacza wzorowy. W krytyce literackiej i artystycznej termin ten oznacza określony kierunek, metodę artystyczną i styl artystyczny.

Ten kierunek artystyczny charakteryzuje się racjonalizmem, normatywnością, tendencją do harmonii, przejrzystości i prostoty, schematyzmem i idealizacją. Charakterystyka wyrażają się w hierarchii stylów „wysokiego” i „niskiego” w literaturze. Na przykład w dramaturgii wymagana była jedność czasu, akcji i miejsca.

Zwolennicy klasycyzmu trzymali się wierności naturze, prawom racjonalnego świata z jego wrodzonym pięknem, wszystko to znajdowało odzwierciedlenie w symetrii, proporcjach, miejscu, harmonii, wszystko należało przedstawiać jako idealne w swojej doskonałej formie.

Pod wpływem wielkiego filozofa i myśliciela tamtych czasów, R. Kartezjusza, cechy i cechy klasycyzmu rozprzestrzeniły się na wszystkie sfery ludzkiej twórczości (muzykę, literaturę, malarstwo itp.).


2. Klasycyzm i świat literatury


Klasycyzm jako ruch literacki pojawił się w latach 16-17. Jej korzenie sięgają działalności włoskich i hiszpańskich szkół akademickich oraz stowarzyszenia pisarze francuscy„Plejady”, które w okresie renesansu zwróciły się ku sztuce starożytnej, ku normom wyznaczonym przez starożytnych teoretyków. (Arystoteles i Horacy), próbując znaleźć w starożytnych harmonijnych obrazach nowe wsparcie dla idei humanizmu, które przeżyły głęboki kryzys. Pojawienie się klasycyzmu jest historycznie spowodowane formacją monarchia absolutna- przejściowa forma państwa, kiedy osłabiona arystokracja i nienabierająca jeszcze sił burżuazja były w równym stopniu zainteresowane nieograniczoną władzą króla. Klasycyzm osiągnął swój największy rozkwit we Francji, gdzie jego związek z absolutyzmem był szczególnie wyraźny.

Działalnością klasycystów przewodziła Akademia Francuska, założona w 1635 roku przez kardynała Richelieu. Twórczość pisarzy, artystów, muzyków i aktorów klasycyzmu w dużej mierze zależała od życzliwego króla.

Jako ruch klasycyzm rozwinął się inaczej w krajach europejskich. We Francji rozwinęła się do lat 90. XVI w. i dominowała w połowie XVII w., największy rozkwit przypadał na lata 1660-1670. Następnie klasycyzm przeżył kryzys i w 1. połowie XVIII w. stał się następcą klasycyzmu Klasycyzm edukacyjny, która w 2. połowie XVIII w. utraciła wiodącą pozycję w literaturze. Podczas rewolucji francuskiej XVIII wieku klasycyzm oświeceniowy stał się podstawą rewolucyjnego klasycyzmu, który zdominował wszystkie dziedziny sztuki. Klasycyzm praktycznie zdegenerował się w XIX wieku.

Klasycyzm jako metoda artystyczna jest systemem zasad selekcji, oceny i reprodukcji rzeczywistości. Głównym dziełem teoretycznym, które określa podstawowe zasady estetyki klasycznej, jest „Sztuka poetycka” Boileau (1674). Klasycyści widzieli cel sztuki w poznaniu prawdy, która jest ideałem piękna. Klasycyści proponowali sposób jego osiągnięcia, opierając się na trzech głównych kategoriach swojej estetyki: rozumie, przykładzie, smaku, które uznawano za obiektywne kryteria artyzmu. Wielkie dzieła nie są owocem talentu, nie inspiracji, nie artystycznej wyobraźni, ale wytrwałego trzymania się nakazów rozsądku, studiowania klasycznych dzieł starożytności i znajomości zasad smaku. W ten sposób połączyli się klasycyści działalność artystyczna z naukowego zatem filozoficzna racjonalistyczna metoda Kartezjusza okazała się dla nich akceptowalna. Kartezjusz argumentował, że ludzki umysł ma wrodzone idee, których prawdziwość nie podlega wątpliwości. Jeśli od tych prawd przejdziemy do stanowisk niewypowiedzianych i bardziej złożonych, dzieląc je na proste, metodycznie przechodząc od znanego do nieznanego, nie dopuszczając do luk logicznych, wówczas każdą prawdę da się wyjaśnić. W ten sposób rozum stał się centralnym pojęciem filozofii racjonalizmu, a następnie sztuki klasycyzmu. Świat wydawał się nieruchomy, świadomy i idealny - niezmienny. Ideał estetyczny jest wieczny i ten sam przez cały czas, ale dopiero w epoce starożytności został ucieleśniony w sztuce z największą kompletnością. Dlatego, aby odtworzyć ideał, należy zwrócić się do sztuki starożytnej i przestudiować jej prawa. Dlatego naśladownictwo modeli było przez klasyków cenione znacznie wyżej niż oryginalna twórczość.

Sięgając do antyku, klasycyści porzucili naśladownictwo wzorców chrześcijańskich, kontynuując walkę renesansowych humanistów o sztukę wolną od dogmatów religijnych. Klasycyści zapożyczyli cechy zewnętrzne z antyku. Pod imionami starożytnych bohaterów wyraźnie widoczni byli ludzie XVII i XVIII wieku, a starożytne tematy pozwoliły postawić najpilniejsze problemy naszych czasów. Proklamowano zasadę naśladowania natury, rygorystycznie ograniczającą prawo artysty do wyobraźni. W sztuce zwracano uwagę nie na to, co szczególne, indywidualne, przypadkowe, ale na to, co ogólne, typowe. Charakter bohatera literackiego nie ma cech indywidualnych, jest uogólnieniem całego typu ludzi. Charakter to cecha wyróżniająca, ogólna cecha, specyfika tej czy innej rzeczy. typ ludzki. Charakter może być niezwykle, nieprawdopodobnie wyostrzony. Moralność oznacza ogólną, zwyczajną, zwyczajową, charakter oznacza szczególny, rzadki właśnie w stopniu wyrażania własności rozproszonej w moralności społeczeństwa. Zasada klasycyzmu doprowadziła do podziału bohaterów na negatywnych i pozytywnych, na poważnych i zabawnych. Śmiech staje się satyryczny i odnosi się głównie do postaci negatywnych.

Klasycystów nie pociąga cała przyroda, lecz jedynie „przyjemna natura”. Wszystko, co stoi w sprzeczności z wzorcem i gustem, zostaje wyrzucone ze sztuki, cała masa przedmiotów wydaje się „nieprzyzwoita”, niegodna sztuki wysokiej. W przypadku konieczności odtworzenia brzydkiego zjawiska rzeczywistości, odbija się ono przez pryzmat piękna.

Dużo uwagi Klasycyści zwracali uwagę na teorię gatunków. Nie wszystkie ustalone gatunki spełniały zasady klasycyzmu. Pojawiła się nieznana wcześniej zasada hierarchii gatunków, potwierdzająca ich nierówność. Istnieją gatunki główne i poboczne. W połowie XVII wieku tragedia stała się głównym gatunkiem literatury. Prozę, zwłaszcza fikcję, uważano za gatunek niższy niż poezja, dlatego rozpowszechniły się gatunki prozy, które nie były przeznaczone do percepcji estetycznej - kazania, listy, pamiętniki popadły w zapomnienie; Zasada hierarchii dzieli gatunki na „wysokie” i „niskie”, a do gatunków przypisane są określone sfery artystyczne. Na przykład gatunkom „wysokim” (tragedia, oda) przypisano problemy o charakterze narodowym. W gatunkach „niskich” można było poruszyć problemy prywatne lub abstrakcyjne przywary (skąpstwo, hipokryzja). Klasycyści największą uwagę zwracali na tragedię; prawa jej pisania były bardzo surowe. Fabuła miała odtworzyć czasy starożytne, życie odległych państw ( Starożytny Rzym, Starożytna Grecja); trzeba było się domyślić z tytułu, z pomysłu – z pierwszych linijek.

Klasycyzm jako styl to system obrazowy - wyraziste środki, typizująca rzeczywistość przez pryzmat starożytnych wzorców, postrzegana jako ideał harmonii, prostoty, jednoznaczności i uporządkowanego systemu. Styl odtwarza racjonalistycznie uporządkowaną zewnętrzną powłokę kultury starożytnej, nie przekazując jej pogańskiej, złożonej i niezróżnicowanej istoty. Istotą stylu klasycyzmu było wyrażenie poglądu na świat człowieka epoki absolutystycznej. Klasycyzm wyróżniał się przejrzystością, monumentalnością, chęcią usunięcia wszystkiego, co niepotrzebne, aby stworzyć pojedyncze i integralne wrażenie.

Największymi przedstawicielami klasycyzmu w literaturze są F. Malherbe, Corneille, Racine, Moliere, La Fontaine, F. La Rochefoucauld, Voltaire, G. Miltono, Goethe, Schiller, Łomonosow, Sumarokow, Derzhavin, Knyazhnin. Twórczość wielu z nich łączy w sobie cechy klasycyzmu oraz innych ruchów i stylów (barok, romantyzm i in.). Klasycyzm rozwinął się w wielu krajach Europy, w USA, Ameryka Łacińska itp. Klasycyzm odradzał się wielokrotnie w formach rewolucyjnego klasycyzmu, stylu empire, neoklasycyzmu i wpływał na świat sztuki aż do Dzisiaj.


3. Klasycyzm i sztuki piękne


Teoria architektury opiera się na traktacie Witruwiusza. Klasycyzm jest bezpośrednim duchowym następcą idei i zasad estetycznych renesansu, odzwierciedlonym w sztuce renesansu i dziełach teoretycznych Albertiego, Palladia, Vignoli, Serlio.

W różnych krajach europejskich etapy rozwoju klasycyzmu nie pokrywają się. Tym samym już w XVII w. klasycyzm zajmował znaczące pozycje we Francji, Anglii i Holandii. W historii sztuki niemieckiej i rosyjskiej epoka klasycyzmu datuje się na 2. połowę XVIII w. – 1. tercję XIX w., dla wymienionych wcześniej krajów okres ten kojarzony jest z neoklasycyzmem.

Zasady i postulaty klasycyzmu rozwijały się i istniały w ciągłej polemice, a jednocześnie w interakcji z innymi koncepcjami artystycznymi i estetycznymi: manieryzmem i barokiem w XVII wieku, rokokiem w XVIII wieku, romantyzmem w XIX wieku. Jednocześnie ekspresja stylu w różnych typach i gatunkach sztuki pewnego okresu była nierówna.

W drugiej połowie XVI w. nastąpił upadek jednolitej, harmonijnej wizji świata i człowieka jako jego centrum, właściwej kulturze renesansu. Klasycyzm cechuje normatywność, racjonalność, potępienie wszystkiego, co subiektywne i fantastyczne żądanie od sztuki naturalności i poprawności. Klasycyzm charakteryzuje się także tendencją do systematyzowania, tworzenia kompletnej teorii twórczości artystycznej i poszukiwania niezmiennych i doskonałych wzorców. Klasycyzm dążył do opracowania systemu ogólnych, uniwersalnych reguł i zasad, mających na celu zrozumienie i ucieleśnienie za pomocą środków artystycznych odwiecznego ideału piękna i powszechnej harmonii. Kierunek ten charakteryzuje się koncepcjami przejrzystości i miary, proporcji i równowagi. Kluczowe idee klasycyzmu zostały zarysowane w traktacie Belloriego „Życie współczesnych artystów, rzeźbiarzy i architektów” (1672); autor wyraził opinię, że należy wybrać drogę pośrednią pomiędzy mechanicznym kopiowaniem natury a pozostawieniem jej w sferze fantazji. .

Idee i doskonałe obrazy klasycyzmu rodzą się z kontemplacji natury, uszlachetnianej przez umysł, a sama natura w sztuce klasycznej jawi się jako oczyszczona i przetworzona rzeczywistość. Starożytność - najlepszy przykład sztuka naturalna.

W architekturze nurty klasycyzmu dały o sobie znać w drugiej połowie XVI w. w dziełach Palladia i Scamozziego, Delorme’a i Lescauta. Klasycyzm XVII wieku miał wiele cech. Klasycyzm wyróżniał się dość krytycznym podejściem do twórczości starożytnych, które postrzegano nie jako absolutny przykład, ale jako punkt wyjścia w skali wartości klasycyzmu. Mistrzowie klasycyzmu postawili sobie za cel nauczenie się lekcji starożytnych, ale nie po to, aby ich naśladować, ale po to, aby ich przewyższyć.

Cechą charakterystyczną jest także ścisłe powiązanie z innymi ruchami artystycznymi, przede wszystkim barokowym.

Dla architektury klasycyzmu takie cechy jak prostota, proporcjonalność, tektonika, regularność fasady i kompozycja bryłowo-przestrzenna, poszukiwanie przyjemnych dla oka proporcji i integralność obrazu architektonicznego, wyrażająca się w wizualnej harmonii wszystkich jego części, mają szczególne znaczenie. W pierwszej połowie XVII w. w wielu budynkach Desbrosa i Lemerciera znalazła odzwierciedlenie postawa klasycystyczna i racjonalistyczna. W drugiej połowie lat 30.-50. XVII w. nasiliła się tendencja do geometrycznej przejrzystości i integralności brył architektonicznych oraz zamkniętej sylwetki. Okres charakteryzuje się bardziej umiarkowanym użytkowaniem i równomiernym rozmieszczeniem elementów dekoracyjnych, świadomością niezależne znaczenie wolna płaszczyzna ściany. Tendencje te pojawiły się w świeckich budynkach Mansar.

Przyroda i sztuka krajobrazu stały się organiczną częścią architektury klasycystycznej. Natura działa jak materiał, z którego ludzki umysł może tworzyć prawidłowe formy, z wyglądu architektoniczne, w istocie matematyczne. Głównym przedstawicielem tych idei jest Le Nôtre.

W sztukach pięknych wartości i zasady klasycyzmu wyrażały się na zewnątrz w wymogu przejrzystości formy plastycznej i idealnej równowagi kompozycji. Ustaliło to priorytet perspektywy linearnej i rysunku jako głównego środka identyfikacji struktury i zawartej w niej „idei” dzieła.

Klasycyzm przeniknął nie tylko rzeźbę i architekturę Francji, ale także sztukę włoską.

Pomniki publiczne stały się powszechne w epoce klasycyzmu; dały rzeźbiarzom możliwość idealizowania waleczności wojskowej i mądrości mężów stanu. Wierność antycznemu modelowi wymagała od rzeźbiarzy przedstawiania modeli nago, co kłóciło się z przyjętymi normami moralnymi.

Klienci indywidualni epoki klasycznej woleli utrwalić swoje nazwiska nagrobki. Popularności tej formy rzeźbiarskiej sprzyjała aranżacja cmentarzy publicznych w głównych miastach Europy. Zgodnie z ideałem klasycystycznym, postacie na nagrobkach zwykle znajdują się w stanie głębokiego spoczynku. Rzeźba klasycyzmu jest na ogół obca nagłym ruchom i zewnętrznym przejawom emocji, takich jak gniew.

Późny klasycyzm empirowy, reprezentowany przede wszystkim przez płodnego duńskiego rzeźbiarza Thorvaldsena, jest przesiąknięty suchym patosem. Szczególnie ceniona jest czystość linii, powściągliwość gestów i beznamiętny wyraz twarzy. Przy wyborze wzorców do naśladowania nacisk przesuwa się z hellenizmu na okres archaiczny. W modzie stają się obrazy religijne, które w interpretacji Thorvaldsena wywołują u widza nieco mrożące krew w żyłach wrażenie. Rzeźby nagrobne późnego klasycyzmu często noszą lekki akcent sentymentalizmu


4. Muzyka i klasycyzm


Klasycyzm w muzyce ukształtował się w XVIII wieku w oparciu o ten sam zestaw idei filozoficznych i estetycznych, co klasycyzm w literaturze, architekturze, rzeźbie i sztukach wizualnych. W muzyce nie zachowały się żadne starożytne obrazy; kształtowanie się klasycyzmu w muzyce nastąpiło bez żadnego wsparcia.

Najwybitniejszymi przedstawicielami klasycyzmu są kompozytorzy wiedeńscy Szkoła klasyczna Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusza Mozarta i Ludwiga van Beethovena. W ich sztuce podziwia się doskonałość techniki kompozytorskiej, humanistyczną orientację kreatywności i pragnień, szczególnie zauważalną w muzyce V.A. Mozarta, aby pokazać doskonałe piękno poprzez muzykę. Sama koncepcja wiedeńskiej szkoły klasycznej zrodziła się wkrótce po śmierci L. Van Beethovena. Sztukę klasyczną wyróżnia delikatna równowaga między uczuciami i rozumem, formą i treścią. Muzyka renesansu odzwierciedlała ducha i oddech swojej epoki; w epoce baroku tematem przedstawienia w muzyce była kondycja ludzka; muzyka epoki klasycznej gloryfikuje działania i czyny człowieka, emocje i uczucia, których doświadcza, uważny i holistyczny ludzki umysł.

Rozwija się nowa mieszczańska kultura muzyczna z charakterystycznymi dla każdej publiczności prywatnymi salonami, koncertami i przedstawieniami operowymi, beztwarzową publicznością, działalnością wydawniczą i krytyka muzyczna. W tej nowej kulturze muzyk musi utwierdzić swoją pozycję jako artysta niezależny.

Rozkwit klasycyzmu rozpoczął się w latach 80. XVIII wieku. W 1781 r. J. Haydn stworzył kilka nowatorskich dzieł, m.in. Kwartet smyczkowy op. 33; Odbywa się premiera opery V.A. „Uprowadzenie z Seraju” Mozarta; Ukazuje się dramat F. Schillera „Zbójcy” i „Krytyka czystego rozumu” I. Kanta.

W dobie klasycyzmu muzyka rozumiana jest jako sztuka ponadnarodowa, rodzaj uniwersalnego języka zrozumiałego dla każdego. Rodzi się nowa idea samowystarczalności muzyki, która nie tylko opisuje przyrodę, bawi i wychowuje, ale potrafi także wyrazić prawdziwe człowieczeństwo za pomocą prostego i zrozumiałego języka metaforycznego.

Ton język muzyczny zmienia się z niezwykle poważnego, nieco ponurego, w bardziej optymistyczny i radosny. Po raz pierwszy podstawą kompozycji muzycznej jest pomysłowa melodia, wolna od pustej pompatyczności i dramatycznego kontrastowego rozwoju, ucieleśniona w formie sonatowej opartej na opozycji głównych tematów muzycznych. Forma sonatowa dominuje w wielu utworach tego okresu, m.in. w sonatach, triach, kwartetach, kwintetach, symfoniach, które początkowo nie miały ścisłych granic z muzyką kameralną, oraz w koncertach trójczęściowych, głównie na fortepian i skrzypce. Rozwijają się nowe gatunki - dywersyfikacja, serenada i kasacja.


Wniosek

klasycyzm sztuka literatura muzyka

W tej pracy zbadałem sztukę epoki klasycyzmu. Pisząc tę ​​pracę, przeczytałem wiele artykułów poruszających tematykę klasycyzmu, a także obejrzałem wiele fotografii przedstawiających obrazy, rzeźby i konstrukcje architektoniczne epoki klasycyzmu.

Uważam, że przesłany przeze mnie materiał jest wystarczający do ogólnego zrozumienia tego zagadnienia. Wydaje mi się, że aby poszerzyć wiedzę z zakresu klasycyzmu, trzeba zwiedzać muzea sztuk pięknych, słuchać dzieła muzyczne tego czasu i zapoznaj się z co najmniej 2-3 dzieła literackie. Zwiedzanie muzeów pozwoli znacznie głębiej poczuć ducha epoki, doświadczyć tych uczuć i emocji, które starali się nam przekazać autorzy i zakończenia dzieł.


Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?

Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

Instrukcje

Klasycyzm jako ruch literacki powstał w XVI wieku we Włoszech. Rozwój teoretyczny dotyczył przede wszystkim dramaturgii, nieco mniej poezji, wreszcie prozy. Największy rozwój ruch ten osiągnął sto lat później we Francji i kojarzony jest z takimi nazwiskami jak Corneille, Racine, Lafontaine, Molière i inni. Klasycyzm charakteryzuje się orientacją na starożytność. Twórcy tamtych czasów uważali, że pisarz powinien kierować się nie inspiracją, ale zasadami, dogmatami, sprawdzonymi wzorami. Tekst musi być spójny, logiczny, jasny i precyzyjny. Jak ustalić, czy tekst przed tobą należy do kierunku „klasycyzmu”.

Dla klasycyzmu pozycja „trójcy” jest fundamentalnie ważna. Akcja jest tylko jedna i rozgrywa się w jednym miejscu i czasie. Jedyna fabuła rozgrywa się w jednym miejscu w - to przyszło do klasycyzmu od starożytności.

Definicja konfliktu. Dzieła epoki klasycyzmu charakteryzują się konfrontacją rozumu z uczuciem, obowiązkiem i namiętnościami. Jednocześnie negatywni bohaterowie kierują się emocjami, a pozytywni żyją rozsądkiem, więc wygrywają. Jednocześnie pozycje bohaterów są bardzo wyraźne, tylko biel i czerń. Główną koncepcją jest pojęcie obowiązku, służby cywilnej.

Podczas pracy z postaciami na uwagę zasługuje obecność stabilnych masek. Koniecznie obecni: dziewczyna, jej dziewczyna, ojciec, kilku zalotników (co najmniej trzech) i jeden z zalotników jest pozytywny, dobranoc odzwierciedlający moralność. Obrazy pozbawione są indywidualności, gdyż ich celem jest uchwycenie tego, co podstawowe, cechy urodzeniowe bohaterowie.

Definicja kompozycji. Klasycyzm zakłada obecność ekspozycji, fabuły, rozwoju fabuły, kulminacji i rozwiązania. Jednocześnie w fabułę koniecznie wplecione jest jakieś nieszczęście, w wyniku którego dziewczyna wychodzi za mąż za „pozytywnego” pana młodego.

Dowód na przynależność tekstu do klasycyzmu wzmacnia techniki katharsis i nieoczekiwanego rozwiązania. W pierwszym przypadku, poprzez negatywne postacie, które znalazły się w trudnej sytuacji, czytelnik zostaje oczyszczony duchowo. W drugim przypadku konflikt rozwiązuje się poprzez interwencję z zewnątrz. Na przykład polecenie z góry, przejaw woli Bożej.

Klasycyzm przedstawia życie w sposób wyidealizowany. Jednocześnie zadaniem dzieła jest doskonalenie społeczeństwa i jego moralności. Teksty zostały zaprojektowane z myślą o jak najszerszym kręgu odbiorców i dlatego szczególną uwagę Autorzy zwrócili uwagę na gatunki dramatu.

Punkt kulminacyjny jest jednym z najważniejszych elementów kompozycji każdego dzieła literackiego. Punkt kulminacyjny z reguły następuje tuż przed zakończeniem dzieła.

Termin „kulminacja” w krytyce literackiej

Termin ten pochodzi od łacińskiego słowa „culminatio”, co oznacza najwyższy punkt napięcie jakichkolwiek sił w pracy. Najczęściej słowo „culminatio” tłumaczone jest jako „szczyt”, „szczyt”, „punkt”. W dziele literackim najczęściej sugeruje się szczyt emocjonalny.

W krytyce literackiej słowa „kulminacja” używa się zwykle na określenie momentu największego napięcia w rozwoju akcji dzieła. To moment, w którym w najtrudniejszych okolicznościach dochodzi do ważnego (nawet decydującego) starcia pomiędzy bohaterami. Po tym zderzeniu fabuła dzieła szybko zmierza w stronę rozwiązania.

Ważne jest, aby zrozumieć, że poprzez postacie autor zwykle konfrontuje się z ideami, których nosicielami są bohaterowie dzieł. Każdy z nich nie pojawia się w dziele przez przypadek, ale właśnie w celu promowania własnej idei i przeciwstawienia się idei głównej (często może ona pokrywać się z ideą autora).

Złożony punkt kulminacyjny w dziele

W zależności od złożoności pracy, liczby postaci, zaangażowanych pomysłów, powstałych konfliktów, kulminacja pracy może stać się bardziej skomplikowana. Niektóre długie powieści mają wiele punktów kulminacyjnych. Z reguły dotyczy to powieści epickich (opisujących życie kilku pokoleń). Żywymi takimi dziełami są powieści „Wojna i pokój” L.N. Tołstoj”, Cichy Don» Szołochow.

Złożony punkt kulminacyjny może mieć nie tylko powieść epicka, ale także mniej obszerne dzieła. Ich złożoność kompozycyjną można wytłumaczyć pełnią ideologiczną, duża liczba fabuły i postacie. W każdym razie kulminacja zawsze odgrywa znaczącą rolę w odbiorze tekstu przez czytelnika. Punkt kulminacyjny może radykalnie zmienić relacje wewnątrz tekstu oraz stosunek czytelnika do bohaterów i rozwoju opowieści.

Punkt kulminacyjny jest integralną częścią kompozycji każdej historii.

Punkt kulminacyjny zwykle następuje po jednej lub kilku komplikacjach tekstu. Po kulminacji może nastąpić rozwiązanie lub zakończenie może zbiegać się z kulminacją. Zakończenie to często nazywane jest „otwartym”. Punkt kulminacyjny odsłania istotę problematyki całego dzieła. Zasada ta dotyczy wszystkich rodzajów tekstów literackich, od baśni, baśni po najważniejsze dzieła literackie.

Wideo na ten temat

Wskazówka 3: Jak podkreślić kluczowe cechy postaci w powieści

Umiejętność rozpoznania kluczowych cech bohaterów dzieł pomaga w pisaniu wypracowań w szkole i służy jako dobre przygotowanie do jednolitego egzaminu państwowego z literatury. Aby przeanalizować obraz artystyczny, ważne jest przestrzeganie określonej kolejności działań i prawidłowe sporządzenie planu. Wnikliwa obserwacja stosowanych przez autora sposobów tworzenia obrazów i kompetentne podsumowanie zebranego materiału pozwolą najpełniej i najdokładniej scharakteryzować postacie literackie.

Znaczący sposób przedstawiania obrazu

Wizerunek artystyczny autor kreuje różnymi środkami obrazowymi. Rozpocznij identyfikację cech kluczowych od ustalenia miejsca bohatera w systemie innych postaci powieści: głównej, drugoplanowej lub pozaetapowej. Postacie drugoplanowe dają głównemu bohaterowi możliwość ujawnienia się i pozostają w tle. Poza sceną pełnią funkcje oficjalne.

Obrazy literackie często mają prototypy. Wiadomo, że prototypem młodej uroczej Natashy Rostovej był ukochany brat L.N. Tołstoj Tanya Bers. Ostap Bender Ilf i Petrov pojawili się dzięki mieszkańcowi Odessy Osipowi Shorowi, który miał skłonność do przygód. Ustal obecność prototypu aktor analizowana powieść.

Obserwuj główne sposoby przedstawiania bohatera, dzięki czemu uzyskasz wyobrażenie o kluczowych cechach obrazu. Należą do nich:


  1. Opis portretu - opis wyglądu (twarz, sylwetka, chód itp.). Ubiór, sposób mówienia i zachowanie wskazują na status społeczny. Zmiany w wyrazie twarzy, postawie i gestach są dowodem przeżyć emocjonalnych. Stosunek pisarza do swojego bohatera wyraża się poprzez portret.

  2. Główne cechy ujawniają się w działaniach i podejściu do środowiska. Postać może być prosta: bohater negatywny lub pozytywny. Złożony jest sprzeczny i paradoksalny; charakteryzuje się różnymi cechami. Właściciel takiego charakteru stale rozwija się duchowo, poszukuje własnego ścieżka życia. Zachowanie wskazuje na człowieczeństwo lub nieludzkość i zasługuje na potępienie lub empatię. Warunki życia są bezpośrednio związane z przejawem różnych cech charakteru.

  3. Mowa w klasycznych wersjach dzieł ucieleśnia myśli bohatera i służy jako środek komunikacji z innymi. Pomaga ustalić pochodzenie społeczne. Wskazuje na zdolności umysłowe i cechy wewnętrzne.

  4. Detal artystyczny może bardzo trafnie i obrazowo zastąpić duże opisy. Artysta słowa nadaje temu detalowi ładunek emocjonalny i semantyczny. Na przykład M. A. Szołochowa o ujawnienie stan umysłu u jego bohatera Andrieja Sokołowa główną uwagę przywiązuje się do „oczu, jakby posypanych popiołem”.

  5. Wybór imienia i nazwiska przez pisarza zwykle nie jest przypadkowy. Imię może wskazywać na istotę człowieka, z góry określać działania i los. Różne opcje wskazują cechy osobiste i zawierają wskazówki umożliwiające zrozumienie kluczowych cech charakteru (Anna, Anka i Nyuska). Nazwisko głównego bohatera powieści F.M. Dostojewski „Zbrodnia i kara” – Raskolnikow. Dysydenci to ludzie, którzy oddzielili się i odrzucili główny kierunek. Początkowo teoria Rodiona Raskolnikowa była sprzeczna z prawami życia i moralności, dlatego oddzielała go od otaczających go osób.

  6. Bezpośrednia i pośrednia charakterystyka autorska bohatera powieści wskazuje także na kluczowe cechy kreowanego przez niego obrazu.

Typy literackie

Aby pełniej zrozumieć wizerunek postaci, określ jego związek z określonym typem literackim. Klasyczne charakteryzują się maksymalną typowością. Bohaterowie dzielą się ściśle na pozytywnych i negatywnych. Takie typy można zwykle spotkać w tragediach i komediach epoki klasycznej. Zdolność do przeżywania, introspekcji i kontemplacji emocjonalnej jest nieodłączną cechą bohaterów sentymentalnych. Przykładem jest młody Werter z powieści Goethego. Obraz romantyczny pojawił się w wyniku refleksji w sztuce buntowników ludzki duch. Bohaterowie romantyczni nie żyją w rzeczywistości; charakteryzują się silnymi uczuciami i skrytymi pragnieniami. Ognista pasja jest głównym motorem działania. Należy wziąć pod uwagę najbardziej uderzające realistyczne typy „ mały człowiek„, „dodatkowa osoba”. Okoliczności i środowisko mają silny wpływ na zachowanie bohaterów powieści realistycznych.

W XVII wieku istniały dwa główne nurty literackie, które przeciwstawiały się sobie – barok i klasycyzm.

Interpretatorzy klasycyzmu zwykle deklarują, że najważniejszą cechą poetyki klasycystycznej jest jej normatywny charakter. Przed nami teoretyczna myśl klasycyzmu praktyka artystyczna i na długo przed pojawieniem się najbardziej kompletnego i autorytatywnego kodeksu praw klasycystycznych, który nabrał znaczenia ogólnoeuropejskiego - „Sztuka poetycka” Nicolasa Boileau (1674), stworzył zbiór praw i zasad obowiązujących wszystkich artystów. A jednak wielu zwolenników klasycyzmu nie zawsze ściśle przestrzegało jego zasad. Nie wynika jednak z tego, że wybitni przedstawiciele klasycyzmu (w szczególności Molier) w swojej działalności literackiej wykraczali poza granice klasycyzmu. Nawet naruszając pewne szczególne wymagania, pisarze pozostali wierni podstawowym, fundamentalnym zasadom klasycyzmu.

Dlatego przy całym znaczeniu normatywności dla sztuki klasycyzmu nie jest ona jej cechą najważniejszą. Co więcej, normatywność jest jedynie wynikiem zasadniczego antyhistoryzmu tkwiącego w klasycyzmie. Klasycyści uznawali „dobry gust”, uwarunkowany „wiecznymi i niezmiennymi” prawami rozumu, za najwyższego „sędziego” piękna. Klasycyści uznawali przykład i ideał ucieleśnienia praw rozumu, a co za tym idzie, dobrego smaku sztuka antyczna i poetykę Arystoteles I Horacy zostały zinterpretowane jako oświadczenie tych praw.

Uznanie istnienia wiecznego i obiektywnego, tj. niezależne od świadomości artysty prawa sztuki pociągały za sobą wymóg ścisłej dyscypliny twórczości, zaprzeczenie „niezorganizowanej” inspiracji i samowolnej wyobraźni. Dla klasycystów oczywiście barokowe wywyższenie wyobraźni jako najważniejszego źródła impulsów twórczych jest absolutnie nie do przyjęcia. Zwolennicy klasycyzmu powracają do renesansowej zasady „naśladowania natury”, ale interpretują ją wąsko. W interpretacji klasycystów zakładał nie prawdziwość odtworzenia rzeczywistości, ale prawdziwość, przez którą rozumieli przedstawianie rzeczy nie takimi, jakie są w rzeczywistości, ale takimi, jakie powinny być według rozumu. Stąd najważniejszy wniosek: przedmiotem sztuki nie jest cała natura, a jedynie jej część, zidentyfikowana po starannej selekcji i sprowadzona w istocie do natury ludzkiej, ujętej jedynie w jej świadomych przejawach. Życie, jego brzydkie strony powinny pojawiać się w sztuce jako uszlachetniona, estetycznie piękna natura – jako „piękna natura”, dostarczająca przyjemności estetycznej. Ale ta przyjemność estetyczna nie jest celem samym w sobie, jest jedynie drogą do poprawy ludzka natura, a co za tym idzie – społeczeństwo.

W praktyce zasada „naśladowania pięknej natury” często oznaczała wezwanie do naśladowania dzieł starożytnych jako idealnych przykładów ucieleśnienia praw rozumu w sztuce.

Preferencję rozumu nad uczuciem, racjonalności nad emocjami, ogólnego nad szczegółowym wyjaśnia się zarówno silnymi, jak i słabości klasycyzm. Z jednej strony determinuje to uwagę klasycyzmu świat wewnętrzny człowieka, po psychologię: świat namiętności i przeżyć, logika ruchów umysłowych i rozwój myśli znajdują się w centrum zarówno klasycznej tragedii, jak i klasycznej prozy. Z drugiej strony generał i jednostka są w całkowitym zerwaniu, a bohaterowie ucieleśniają sprzeczność ludzkiej istoty jako abstrakcyjnej, pozbawionej indywidualności, zawierającej jedynie to, co ogólne.

To niezrozumienie dialektyki ogółu i jednostki determinuje także sposób konstruowania charakteru w klasycyzmie. Racjonalistyczna metoda „dzielenia trudności”, sformułowana przez największego filozofa racjonalistycznego XVII wieku, Rene Descartesa, w zastosowaniu do sztuki oznaczała utożsamianie z reguły jednej wiodącej postaci w charakterze człowieka, główna cecha. Zatem sposób wpisywania znaków jest tutaj głęboko racjonalistyczny. Można, używając wyrażenia Lessinga, powiedzieć, że bohaterowie klasycystów to bardziej „postacie uosobione” niż „osobowości scharakteryzowane”.

Klasycystyczny sposób typizacji postaci poprzez uwypuklenie w nich głównej, definiującej ich cechy niewątpliwie przyczynił się do udoskonalenia sztuki analiza psychologiczna, satyryczne zaostrzenie tematu w komediach. Jednocześnie wymóg rozsądnej integralności, jedności i logicznej konsekwencji charakteru zakłóca jego rozwój. Wyłączne zainteresowanie „świadomym” życiem wewnętrznym człowieka często zmusza do ignorowania środowiska zewnętrznego i materialnych warunków życia. Generalnie bohaterom dzieł klasycznych, zwłaszcza tragedii, brakuje specyfiki historycznej. Znajdujący się w nich bohaterowie mitologiczni i starożytni czują, myślą i zachowują się jak szlachta XVII wieku. Większy związek charakteru z okolicznościami, choć w granicach klasycznej typizacji, odnajdujemy w komedii, której akcja rozgrywa się zwykle w czasach nowożytnych, a obrazy nabierają, mimo całej swej ogólności, życiowej autentyczności.

Z ogólnych zasad estetycznych klasycyzmu wypływają specyficzne wymagania jego poetyki, najpełniej sformułowane w „ Sztuka poetycka» Boileau:

1) harmonia i proporcjonalność części;

2) logiczna harmonia i lakonizm kompozycji;

3) prostota fabuły;

4) jasność i klarowność języka;

5) zaprzeczenie fantazji (z wyjątkiem mitologii starożytnej, interpretowanej jako „rozsądna”)

Jedną z podstawowych i stabilnych zasad teoretycznych klasycyzmu jest zasada podziału każdej sztuki na gatunki i ich hierarchiczna korelacja. Hierarchia gatunków w poetyce klasycystycznej doprowadzona jest do logicznego końca i dotyczy wszystkich dziedzin sztuki.

Gatunki dzielą się na „wysokie” i „niskie”, a mieszanie ich jest uważane za niedopuszczalne. Gatunki „wysokie” (epos, tragedia, oda) mają ucieleśniać stan lub wydarzenia historyczne, tj. życie monarchów, generałów, bohaterów mitologicznych; „niski” (satyra, bajka, komedia) - powinien przedstawiać prywatne, codzienne życie „zwykłych śmiertelników”, ludzi z klasy średniej. Styl i język muszą ściśle odpowiadać wybranemu gatunkowi. Klasycyści ograniczali słownictwo dozwolone w poezji, starając się unikać zwyczajnych, „niskich” słów, a czasem nawet konkretnych nazw przedmiotów codziennego użytku. Stąd sięganie po alegorie, wyrażenia opisowe i upodobanie do konwencjonalnych klisz poetyckich. Z drugiej strony klasycyzm walczył z nadmierną zdobnością i pretensjonalnością języka poetyckiego, z nazbyt wyrafinowanymi metaforami i porównaniami, kalamburami i tym podobnymi. środki stylistyczne, zaciemniając znaczenie.

W przeciwieństwie do baroku, który pod koniec XVII wieku praktycznie wyczerpał swoje możliwości artystyczne i ustąpił miejsca innym ruchom, klasycyzm okazał się bardzo trwały i żywotny, istniejący w kulturze europejskiej aż do XIX wieku. Jednocześnie na każdym etapie rozwoju literackiego zyskiwał nowe formy odpowiadające nowym zadaniom sztuki (klasyzm oświeceniowy XVIII w. i oświeceniowy, tzw. „klasycyzm weimarski” Goethego i Schillera w okresie dojrzałym). okres ich pracy). Dopiero w pierwszych dekadach XIX wieku, kiedy do głosu doszedł romantyzm, klasycyzm stał się hamulcem dalszy rozwój literatury i został zdecydowanie odrzucony przez estetykę romantyczną.

Francja stała się uznanym centrum klasycyzmu XVII wieku. Tutaj powstała jako pierwsza i tutaj przybrała najpełniejsze formy.


Powiązane informacje.


  1. Ruch literacki - często utożsamiany z metoda artystyczna. Oznacza zespół podstawowych zasad duchowych i estetycznych wielu pisarzy, a także szeregu grup i szkół, ich postawy programowe i estetyczne oraz stosowane środki. W walce i zmianie kierunków najdobitniej wyrażają się prawa procesu literackiego.

    Zwyczajowo wyróżnia się następujące nurty literackie:

    a) Klasycyzm,
    b) Sentymentalizm,
    c) Naturalizm,
    d) Romantyzm,
    d) Symbolika,
    f) Realizm.

  1. Ruch literacki - często utożsamiany z grupą literacką i szkołą. Oznacza zespół osobowości twórczych, których cechuje pokrewieństwo ideowe i artystyczne oraz jedność programowa i estetyczna. W przeciwnym razie ruch literacki jest odmianą (jakby podklasą) ruchu literackiego. Na przykład w odniesieniu do rosyjskiego romantyzmu mówią o ruchach „filozoficznych”, „psychologicznych” i „obywatelskich”. W rosyjskim realizmie niektórzy wyróżniają nurty „psychologiczne” i „socjologiczne”.

Klasycyzm

Styl i kierunek artystyczny w literaturze i sztuce europejskiej początków XVII wieku. XIX wieki. Nazwa wywodzi się od łacińskiego „classicus” – wzorcowy.

Cechy klasycyzmu:

  1. Odwołaj się do obrazów i form literatura starożytna i sztukę jako idealny standard estetyczny, wysuwając na tej podstawie zasadę „naśladowania natury”, co zakłada ścisłe przestrzeganie niezmiennych zasad zaczerpniętych z estetyki antycznej (przykładowo w osobie Arystotelesa, Horacego).
  2. Estetyka opiera się na zasadach racjonalizmu (od łacińskiego „ratio” – rozum), który utwierdza spojrzenie na dzieło sztuki jako na dzieło sztuczne – świadomie stworzone, inteligentnie zorganizowane, logicznie skonstruowane.
  3. Obrazy w klasycyzmie pozbawione są cech indywidualnych, ponieważ mają na celu przede wszystkim uchwycenie stabilnych, rodzajowych, trwałych cech w czasie, stanowiąc ucieleśnienie wszelkich sił społecznych lub duchowych.
  4. Społeczna i edukacyjna funkcja sztuki. Wychowanie harmonijnej osobowości.
  5. Ustalono ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na „wysokie” (tragedia, epopeja, oda; ich sferą jest życie publiczne, wydarzenia historyczne, mitologia, ich bohaterami są monarchowie, generałowie, postacie mitologiczne, wyznawcy religii) i „niskie”. ” (komedia, satyra, bajka przedstawiająca prywatne życie codzienne ludzi z klasy średniej). Każdy gatunek ma ścisłe granice i jasne cechy formalne; niedopuszczalne jest mieszanie wzniosłości i podłości, tragizmu i komizmu, heroizmu i zwyczajności. Wiodącym gatunkiem jest tragedia.
  6. Klasyczna dramaturgia aprobowała tzw. zasadę „jedności miejsca, czasu i akcji”, co oznaczało, że: akcja spektaklu powinna toczyć się w jednym miejscu, czas trwania akcji powinien być ograniczony do czasu trwania przedstawienia (ewentualnie więcej, ale maksymalny czas trwania narracji to jeden dzień), jedność akcji sugerowała, że ​​spektakl powinien odzwierciedlać jedną centralną intrygę, nie przerywaną akcjami pobocznymi.

Klasycyzm powstał i rozwinął się we Francji wraz z ustanowieniem absolutyzmu (klasycyzm ze swoimi koncepcjami „wzorowości”, ścisłą hierarchią gatunków itp. jest na ogół często kojarzony z absolutyzmem i rozkwitem państwowości - P. Corneille, J. Racine, J. Lafontaine, J. B. Moliere itp. Po wejściu w okres schyłku pod koniec XVII wieku, klasycyzm odrodził się w okresie Oświecenia - Voltaire, M. Chenier itp. Po Wielkim rewolucja francuska wraz z upadkiem idei racjonalistycznych zanika klasycyzm, dominujący styl Sztuka europejska staje się romantyzmem.

Klasycyzm w Rosji:

Klasycyzm rosyjski powstał w drugiej ćwierci XVIII wieku w twórczości twórców nowej literatury rosyjskiej - A. D. Kantemira, W. K. Trediakowskiego i M. W. Łomonosowa. W dobie klasycyzmu literatura rosyjska opanowała formy gatunkowe i stylistyczne, które rozwinęły się na Zachodzie, włączyła się w ogólnoeuropejski rozwój literacki, zachowując przy tym swoją tożsamość narodową. Charakterystyczne cechy rosyjskiego klasycyzmu:

A) Orientacja satyryczna - ważne miejsce zajmują takie gatunki jak satyra, bajka, komedia, bezpośrednio adresowane do konkretnych zjawisk z życia Rosjan;
B) Przewaga tematów historii narodowej nad starożytnymi (tragedie A. P. Sumarokowa, Ya. B. Knyazhnina itp.);
V) Wysoki poziom rozwój gatunku ody (M. V. Łomonosow i G. R. Derzhavin);
G) Ogólny patriotyczny patos rosyjskiego klasycyzmu.

Pod koniec XVIII - początek. W XIX wieku na rosyjski klasycyzm wpływały idee sentymentalistyczne i przedromantyczne, co znajduje odzwierciedlenie w poezji G. R. Derzhavina, tragediach V. A. Ozerowa i cywilnych tekstach poetów dekabrystów.

Sentymentalizm

Sentymentalizm (z angielskiego sentymentalny - „wrażliwy”) to ruch w literaturze i sztuce europejskiej XVIII wieku. Został on przygotowany przez kryzys oświeceniowego racjonalizmu i był ostatnim etapem Oświecenia. Chronologicznie wyprzedzał przede wszystkim romantyzm, przekazując mu szereg swoich cech.

Główne oznaki sentymentalizmu:

  1. Sentymentalizm pozostał wierny ideałowi osobowości normatywnej.
  2. W przeciwieństwie do klasycyzmu z jego pedagogicznym patosem, głosił, że dominującą „naturą ludzką” jest uczucie, a nie rozum.
  3. Za warunek ukształtowania się idealnej osobowości uważano nie „rozsądną reorganizację świata”, ale uwolnienie i poprawę „naturalnych uczuć”.
  4. Bohater literatury sentymentalizmu jest bardziej zindywidualizowany: z pochodzenia (lub przekonań) jest demokratą, bogaty świat duchowy pospolitego człowieka jest jednym ze zdobyczy sentymentalizmu.
  5. Jednak w odróżnieniu od romantyzmu (preromantyzmu) to, co „irracjonalne” jest obce sentymentalizmowi: niezgodność nastrojów i impulsywność impulsów umysłowych postrzegał jako możliwe do interpretacji racjonalistycznej.

Sentymentalizm najpełniej wyraził się w Anglii, gdzie jako pierwsza ukształtowała się ideologia trzeciego stanu - dzieła J. Thomsona, O. Goldsmitha, J. Crabba, S. Richardsona, JI. Rufowy.

Sentymentalizm w Rosji:

W Rosji przedstawicielami sentymentalizmu byli: M. N. Muravyov, N. M. Karamzin (najsłynniejsze dzieło - „ Biedna Lisa"), I. I. Dmitriev, V. V. Kapnist, N. A. Lwów, młody V. A. Żukowski.

Charakterystyczne cechy rosyjskiego sentymentalizmu:

a) tendencje racjonalistyczne są dość wyraźnie wyrażone;
b) Postawa dydaktyczna (moralizująca) jest silna;
c) Trendy edukacyjne;
d) Doskonalenie język literacki rosyjscy sentymentaliści zwrócili się w stronę norm potocznych i wprowadzili kolokwializmy.

Ulubionymi gatunkami sentymentalistów są elegia, list, powieść epistolarna (powieść listowa), notatki z podróży, pamiętniki i inne rodzaje prozy, w których dominują motywy konfesyjne.

Romantyzm

Jedno z największych miejsc docelowych w Europie i Literatura amerykańska koniec XVIII - pierwsza połowa XIX wieku, który zyskał światowe znaczenie i dystrybucję. W XVIII wieku wszystko, co fantastyczne, niezwykłe, dziwne, spotykane tylko w książkach, a nie w rzeczywistości, nazywano romantycznym. Na przełomie XVIII i XIX w. „Romantyzm” zaczyna być nazywany nowym ruchem literackim.

Główne cechy romantyzmu:

  1. Orientacja antyoświeceniowa (czyli przeciwna ideologii oświeceniowej), która przejawiała się w sentymentalizmie i przedromantyzmie, a osiągnęła swój szczyt w romantyzmie. Przesłanki społeczne i ideologiczne - rozczarowanie wynikami Wielkiej Rewolucji Francuskiej i owocami cywilizacji w ogóle, protest przeciwko wulgarności, rutynie i prozaiczności życia burżuazyjnego. Rzeczywistość historyczna okazała się wymykająca się spod kontroli „rozumu”, irracjonalna, pełna tajemnic i nieprzewidzianych zdarzeń, a współczesny porządek świata okazał się wrogi naturze człowieka i jego wolności osobistej.
  2. Ogólną orientacją pesymistyczną są idee „kosmicznego pesymizmu”, „światowego smutku” (bohaterowie w twórczości F. Chateaubrianda, A. Musseta, J. Byrona, A. Vigny'ego itp.). Temat „leżeć w złu” straszny świat„szczególnie wyraźnie znalazło odzwierciedlenie w „dramacie rocka” czy „tragedii rocka” (G. Kleist, J. Byron, E. T. A. Hoffman, E. Poe).
  3. Wiara we wszechmoc ludzkiego ducha, w jego zdolność do samoodnowy. Romantycy odkryli niezwykłą złożoność, wewnętrzną głębię ludzkiej indywidualności. Dla nich człowiek jest mikrokosmosem, małym wszechświatem. Stąd absolutyzacja zasady osobowej, filozofia indywidualizmu. W centrum romantyczna praca Zawsze istnieje silna, wyjątkowa osobowość przeciwstawiająca się społeczeństwu, jego prawom i standardom moralnym.
  4. „Świat dualny”, czyli podział świata na realny i idealny, które są sobie przeciwne. Duchowy wgląd, natchnienie, któremu podlega romantyczny bohater, to nic innego jak wniknięcie w ten idealny świat (przykładowo dzieła Hoffmanna, szczególnie wyraziście w: „Złotym garnku”, „Dziadku do orzechów”, „Małym Tsakhesem, nazywany Zinnoberem”). Romantycy przeciwstawiali klasycystycznemu „naśladowaniu natury” działalność twórczą artysty posiadającego prawo do przekształcania realnego świata: artysta tworzy swój własny, wyjątkowy świat, piękniejszy i prawdziwy.
  5. „Lokalny kolor” Osoba przeciwna społeczeństwu odczuwa duchową bliskość z naturą, jej żywiołami. Dlatego romantycy tak często wykorzystują egzotyczne kraje i ich przyrodę (Wschód) jako scenerię do działania. Egzotyczny dzika przyroda był w duchu dość spójny z osobowością romantyczną, dążącą do przekraczania granic codzienności. Pierwsi nawracają się romantycy szczególną uwagę na twórczym dziedzictwie narodu, jego cechach narodowych, kulturowych i historycznych. Różnorodność narodowa i kulturowa, zgodnie z filozofią romantyków, stanowiła część jednej dużej, jednolitej całości – „wszechświata”. Uświadomiło to sobie wyraźnie rozwój gatunku powieści historycznej (autorzy m.in. W. Scott, F. Cooper, V. Hugo).

Romantycy, absolutyzując swobodę twórczą artysty, zaprzeczali racjonalistycznym regulacjom w sztuce, co jednak nie przeszkodziło im w głoszeniu własnych, romantycznych kanonów.

Rozwinęły się gatunki: historie fantasy, powieść historyczna, poemat liryczno-epopetyczny, autor tekstów osiąga niezwykły rozkwit.

Klasycznymi krajami romantyzmu są Niemcy, Anglia, Francja.

Począwszy od lat czterdziestych XIX wieku romantyzm w głównych krajach europejskich ustąpił miejsca krytycznemu realizmowi i zeszedł na dalszy plan.

Romantyzm w Rosji:

Pochodzenie romantyzmu w Rosji wiąże się z społeczno-ideologiczną atmosferą rosyjskiego życia - ogólnonarodowym ożywieniem po wojnie 1812 roku. Wszystko to zadecydowało nie tylko o powstaniu, ale także o szczególnym charakterze romantyzmu poetów dekabrystów (np. K. F. Ryleeva, V. K. Kuchelbeckera, A. I. Odoevsky’ego), których twórczość inspirowana była ideą służby cywilnej przesiąkniętą duchem patos umiłowania wolności i walki.

Charakterystyczne cechy romantyzmu w Rosji:

A) Przyspieszenie rozwoju literatury w Rosji w początek XIX wieku doprowadziło do „kumulacji” i połączenia różnych etapów, co w innych krajach przeżywano etapowo. W romantyzmie rosyjskim tendencje przedromantyczne splatały się z tendencjami klasycyzmu i oświecenia: wątpliwości co do wszechmocnej roli rozumu, kult wrażliwości, natury, elegijna melancholia łączono z klasycznym uporządkowaniem stylów i gatunków, umiarkowanym dydaktyzmem ( budowanie) i walka z nadmierną metaforą w imię „dokładności harmonicznej” (wyrażenie A. S. Puszkin).

B) Bardziej wyraźna orientacja społeczna rosyjskiego romantyzmu. Na przykład poezja dekabrystów, dzieła M. Yu Lermontowa.

W rosyjskim romantyzmie takie gatunki jak elegia i idylla zyskują szczególny rozwój. Rozwój ballady (na przykład w twórczości V. A. Żukowskiego) był bardzo ważny dla samostanowienia rosyjskiego romantyzmu. Kontury rosyjskiego romantyzmu najwyraźniej zostały określone wraz z pojawieniem się gatunku poematu liryczno-epickiego (południowe wiersze A. S. Puszkina, dzieła I. I. Kozłowa, K. F. Rylejewa, M. Yu. Lermontowa i in.). Powieść historyczna rozwija się jako wielka forma epicka (M. N. Zagoskin, I. I. Lazhechnikov). Szczególnym sposobem tworzenia dużej formy epickiej jest cyklizacja, czyli połączenie pozornie niezależnych (i częściowo opublikowanych osobno) dzieł („Podwójne lub moje wieczory w małej Rosji” A. Pogorelskiego, „Wieczory na farmie niedaleko Dikanki” N. V. Gogola, „Czas naszego bohatera” M. Yu. Lermontowa, „Rosyjskie noce” V. F. Odoevsky’ego).

Naturalizm

Naturalizm (od łacińskiego natura - „natura”) to ruch literacki, który rozwinął się w ostatniej tercji XIX wieku w Europie i USA.

Charakterystyka naturalizmu:

  1. Pragnienie obiektywnego, dokładnego i beznamiętnego przedstawienia rzeczywistości i charakteru człowieka, zdeterminowanego fizjologiczną naturą i środowiskiem, rozumianym przede wszystkim jako bezpośrednie otoczenie codzienne i materialne, ale nie wykluczając czynników społeczno-historycznych. Głównym zadaniem przyrodników było badanie społeczeństwa z taką samą kompletnością, z jaką przyrodnik bada przyrodę, przyrównując wiedzę artystyczną do wiedzy naukowej;
  2. Dzieło sztuki uznawano za „dokument ludzki”, a głównym kryterium estetycznym była kompletność dokonywanego w nim aktu poznawczego.
  3. Przyrodnicy nie chcieli moralizować, wierząc, że rzeczywistość przedstawiona z naukową bezstronnością jest sama w sobie dość wyrazista. Uważali, że literatura, podobnie jak nauka, nie ma prawa dobierać materiału, że nie ma nieodpowiednich dla pisarza wątków i tematów niegodnych. Stąd w pracach przyrodników często pojawiała się bezfabuła i społeczna obojętność.

Naturalizm zyskał szczególny rozwój we Francji - na przykład naturalizm obejmuje dzieła takich pisarzy jak G. Flaubert, bracia E. i J. Goncourt, E. Zola (który opracował teorię naturalizmu).

W Rosji naturalizm nie był powszechny, odgrywał jedynie pewną rolę w początkowej fazie rozwoju rosyjskiego realizmu. Tendencje naturalistyczne można prześledzić wśród pisarzy tzw. „szkoły naturalnej” (patrz niżej) - V. I. Dal, I. I. Panaev i innych.

Realizm

Realizm (od późn. łac. realis – materialny, realny) to ruch literacki i artystyczny XIX-XX wieku. Wywodzi się z epoki renesansu (tzw. „realizm renesansowy”) lub oświecenia („realizm oświeceniowy”). Cechy realizmu odnotowuje się w starożytnym i średniowiecznym folklorze oraz literaturze starożytnej.

Główne cechy realizmu:

  1. Artysta przedstawia życie w obrazach, które odpowiadają istocie zjawisk samego życia.
  2. Literatura realistyczna jest środkiem wiedzy człowieka o sobie i otaczającym go świecie.
  3. Poznanie rzeczywistości odbywa się za pomocą obrazów powstałych poprzez typizację faktów rzeczywistości („typowe postacie w typowym otoczeniu”). Typizacja postaci w realizmie dokonuje się poprzez „prawdziwość szczegółów” w „specyfice” warunków życia bohaterów.
  4. Sztuka realistyczna jest sztuką afirmującą życie, nawet przy tragicznym rozwiązaniu konfliktu. Filozoficzną podstawą tego jest gnostycyzm, wiara w poznawalność i adekwatne odzwierciedlenie otaczającego świata, w przeciwieństwie na przykład do romantyzmu.
  5. Sztukę realistyczną charakteryzuje chęć uwzględnienia rzeczywistości w rozwoju, umiejętność wykrywania i uchwycenia pojawiania się i rozwoju nowych form życia i relacji społecznych, nowych typów psychologicznych i społecznych.

Realizm jako ruch literacki powstał w latach 30. XIX wieku. Bezpośrednim poprzednikiem realizmu w literaturze europejskiej był romantyzm. Uczyniwszy niezwykłość przedmiotem obrazu, tworząc wyimaginowany świat szczególnych okoliczności i wyjątkowych namiętności, on (romantyzm) jednocześnie ukazał osobowość bogatszą psychicznie i emocjonalnie, bardziej złożoną i sprzeczną niż była dostępna klasycyzmowi , sentymentalizm i inne ruchy poprzednich epok. Realizm zatem rozwinął się nie jako antagonista romantyzmu, ale jako jego sojusznik w walce z idealizacją public relations, za narodowo-historyczną oryginalność obrazów artystycznych (kolor miejsca i czasu). Nie zawsze łatwo jest wytyczyć wyraźne granice między romantyzmem a realizmem pierwszej połowy XIX wieku; w twórczości wielu pisarzy połączyły się cechy romantyczne i realistyczne - na przykład dzieła O. Balzaca, Stendhala, V. Hugo. , a częściowo Charles Dickens. W literaturze rosyjskiej znalazło to szczególnie wyraźne odzwierciedlenie w dziełach A. S. Puszkina i M. Yu Lermontowa (południowe wiersze Puszkina i „Bohater naszych czasów” Lermontowa).

W Rosji, gdzie podstawy realizmu powstały już w latach 20.-30. XIX wieku. określone przez twórczość A. S. Puszkina („Eugeniusz Oniegin”, „Borys Godunow”, „Córka kapitana”, późne teksty), a także kilku innych pisarzy („Biada dowcipu” A. S. Griboedowa, bajki I. A. Kryłowa ) , ten etap jest kojarzony z nazwiskami I. A. Goncharowa, I. S. Turgieniewa, N. A. Niekrasowa, A. N. Ostrowskiego i innych. Realizm XIX wieku jest zwykle nazywany „krytycznym”, ponieważ jego zasada definiująca była właśnie krytyczno-społeczna. Jednym z głównych jest wzmożony patos społeczno-krytyczny charakterystyczne cechy Realizm rosyjski - na przykład „Generał Inspektor”, „ Martwe dusze„N.V. Gogol, działalność pisarzy „szkoły naturalnej”. Realizm drugiej połowy XIX wieku osiągnął swój szczyt właśnie w literaturze rosyjskiej, zwłaszcza w dziełach L.N. Tołstoja i F.M. Dostojewskiego, którzy stali się głównymi postaciami światowego procesu literackiego końca XIX wieku. Wzbogacili się literatura światowa nowe zasady konstruowania powieści społeczno-psychologicznej, zagadnienia filozoficzno-moralne, nowe sposoby odkrywania psychiki ludzkiej w jej głębokich pokładach.