Modernizm w literaturze ma swój początek w przededniu I wojny światowej i osiąga swój szczyt w latach dwudziestych jednocześnie we wszystkich krajach Europa Zachodnia i w Ameryce. Modernizm jest zjawiskiem międzynarodowym, na które składa się różne szkoły(Imagizm, Dadaizm, Ekspresjonizm, Konstruktywizm, Surrealizm itp.). To rewolucja w literaturze, której uczestnicy zapowiadali zerwanie nie tylko z tradycją realistycznej wiarygodności, ale także z zachodnią tradycją kulturową i literacką w ogóle. Każdy wcześniejszy ruch w literaturze definiował się poprzez swój związek z tradycją klasyczną: można było bezpośrednio głosić starożytność jako wzór twórczość artystyczna, jak klasycy, lub wolą średniowiecze od starożytności, jak romantycy, ale wszystkie epoki kulturowe przed modernizmem są dziś coraz częściej nazywane „klasycznymi”, ponieważ rozwijały się zgodnie z klasycznym dziedzictwem myśli europejskiej. Modernizm jest pierwszą epoką kulturową i literacką, która położyła kres temu dziedzictwu i dostarczyła nowych odpowiedzi na „wieczne” pytania. Jak pisał w 1930 roku angielski poeta S. Spender: „Wydaje mi się, że moderniści świadomie dążą do stworzenia całkowicie nowa literatura. Jest to konsekwencja ich poczucia, że ​​nasza epoka jest pod wieloma względami bezprecedensowa i wymyka się wszelkim konwencjom dawnej sztuki i literatury”.

Pokolenie pierwszych modernistów dotkliwie odczuło wyczerpanie form realistycznego opowiadania historii, ich zmęczenie estetyczne. Dla modernistów pojęcie „realizmu” oznaczało brak wysiłku samodzielnego zrozumienia świata, mechaniczną naturę twórczości, powierzchowność, nudę niejasnych opisów - zainteresowanie guzikiem płaszcza postaci, a nie jego stanem ducha . Moderniści ponad wszystko stawiają wartość indywidualnej artystycznej wizji świata; stworzone przez nich światy sztuki wyjątkowo różne od siebie, każdy nosi piętno jasnej twórczej indywidualności.

Tak się złożyło, że żyli w czasach, gdy upadły wartości tradycyjnej kultury humanistycznej – „wolność” oznaczała zupełnie co innego w demokracjach zachodnich i w państwa totalitarne; Rzeź I wojny światowej, w której po raz pierwszy użyto broni masowego rażenia, ukazała prawdziwą cenę życia ludzkiego współczesny świat; Humanistyczny zakaz bólu oraz przemocy fizycznej i duchowej został zastąpiony praktyką masowych egzekucji i obozów koncentracyjnych. Modernizm to sztuka epoki odczłowieczonej (termin hiszpańskiego filozofa José Ortegi y Gasseta); stosunek do wartości humanistycznych w modernizmie jest niejednoznaczny, ale świat modernistów ukazuje się w ostrym, zimnym świetle. Używając metafory J. Conrada, można powiedzieć, że bohater dzieła modernistycznego zdawał się nocować w niewygodnym hotelu na końcu świata, u bardzo podejrzliwych właścicieli, w obskurnym pokoju, oświetlonym bezlitosnym światłem żarówka bez klosza.

Moderniści konceptualizują ludzką egzystencję jako krótki, kruchy moment; podmiot może, ale nie musi, być świadomy tragedii, kruchości naszego absurdalnego świata, a zadaniem artysty jest ukazanie grozy, wielkości i piękna zawartego mimo wszystko w chwilach ziemskiej egzystencji. Kwestie społeczne, który odegrał tak ważną rolę w realizmie XIX wieku, w modernizmie jest podawany pośrednio, jako nieodłączna część holistycznego portretu człowieka. Głównym obszarem zainteresowań modernistów jest przedstawienie relacji między świadomością a nieświadomością człowieka, mechanizmów jego percepcji i kapryśnej pracy pamięci. Modernistyczny bohater jest ujmowany z reguły w całej integralności swoich przeżyć, swojej subiektywnej egzystencji, choć sama skala jego życia może być niewielka i nieistotna. W modernizmie główna linia rozwoju literatury New Age kontynuuje ciągły spadek status społeczny bohater; bohater modernizmu jest „zwykłym człowiekiem”, każdą osobą. Moderniści nauczyli się opisywać takie stany umysłu ludzi, których literatura wcześniej nie zauważyła, i uczynił to z takim przekonaniem, że krytykom burżuazyjnym wydawało się to obrazą moralności i profanacją sztuki słowa. Szczególnie ostre odrzucenie wywołała nie tylko treść – duża rola kwestii intymnych i seksualnych, względność ocen moralnych, podkreślana apolityczność – ale przede wszystkim niezwykłe formy modernistycznego opowiadania historii. Dziś, kiedy większość arcydzieł literaturę modernistyczną weszło do programów szkolnych i uniwersyteckich, trudno nam odczuć buntowniczy, antyburżuazyjny charakter wczesnego modernizmu, surowość oskarżeń i wyzwań, jakie się mu stawiało.

Trzej główni pisarze modernizmu- Irlandczyk James Joyce (1882-1943), Francuz Marcel Proust (1871-1922), Franz Kafka (1883-1924). Każdy z nich w swoim własnym kierunku zreformował sztukę mowy XX wieku, każdy uważany jest za wielkiego pioniera modernizmu. Spójrzmy na przykład na powieść Jamesa Joyce’a „Ulisses”.

W artykule przyjrzymy się tak kontrowersyjnemu zjawisku kulturowemu, jakim jest modernizm. Główną uwagę zwraca się na różne style modernizmu, w szczególności na jego przejawy w kulturze rosyjskiej, a zwłaszcza w literaturze, a także na charakterystyczne cechy, które łączą wszystkie te liczne style.

Czym jest modernizm?

Rozwiążmy to. Zanim odpowiemy na pytanie, co łączy różne ruchy modernizmu, warto zdefiniować to zjawisko. Modernizm to bardzo ogólne określenie kultury przełomu XIX i XX wieku. Jednak na ramy chronologiczne to zjawisko istnieje różne punkty W związku z tym niektórzy badacze uważają, że modernizm jest zjawiskiem wyłącznie XX wieku. Termin ten pochodzi od włoskiego słowa modernismo, które tłumaczy się jako „ruch nowoczesny”, lub, głębiej, od łacińskiego modernus – „nowoczesny”.

Charakterystyka modernizmu

Okres modernizmu nie tylko w sztuce (choć w tym obszarze przejawił się być może najwyraźniej), ale także w filozofii i nauce, wyznacza ostre zerwanie z dotychczasowymi koncepcjami i doświadczeniami, charakteryzujące się chęcią obalenia przestarzałych zasad i ustalenia odpowiednich, pojawienie się nowych wyrazistych form artystycznych, które wyróżniały się ogólnością i schematycznością. Czasem poszukiwanie form wyrażenia subiektywnego obrazu rzeczywistości było celem samym w sobie, kosztem wartości ideowej i estetyki dzieła. Wszystkie te cechy modernizmu spowodowały jego negatywny odbiór w społeczeństwie burżuazyjnym. Ruchy te podały w wątpliwość jego wartości. Nastroje burżuazyjne znalazły odzwierciedlenie przede wszystkim w realizmie, a modernizm i realizm są trendami wprost przeciwnymi. Zaprzeczenie tradycji kulturowych, od starożytności po realizm, zwykle określa się jako awangardę (od francuskiego „zaawansowany dystans”), ale koncepcja ta sięga już XX wieku. Jednak związek pomiędzy koncepcjami modernizmu i awangardy jest nadal niejasny; są one postrzegane albo jako wymienne, albo jako całkowicie przeciwne.

Kultura modernistyczna

Modernizm był w istocie wyrazem wszystkich wewnętrznych niespójności i sprzeczności istniejących w społeczeństwie burżuazyjnym. Stało się to zarówno pod wpływem rozwoju nauki i technologii, jak i pod wpływem globalnych katastrof społeczno-politycznych. Konflikty i niezgody w społeczeństwie z pewnością miały wpływ na zmianę psychologii ludzi na początku XX wieku, podobnie jak pojawienie się innowacji technologicznych i narzędzi komunikacji.

Rozwarstwienie kulturowe i społeczne doprowadziło do powstania dwóch subkultur - elitarnej i masowej, na które podział jest nadal obecny w społeczeństwie. W tym samym okresie powstało pojęcie kiczu, ściśle kojarzone z kulturą popularną.

Pomijając na razie sztukę i literaturę, możemy mówić o modernizmie w filozofii, gdzie styka się on głównie z tzw. filozofią życia, a także egzystencjalizmem.

Tak zwany upadek Europy znajduje odzwierciedlenie w kulturze modernizmu, lecz istota tego ruchu nie polega jedynie na przedstawianiu obiektów kulturowych i kryzys duchowy, ale także w ciągłym poszukiwaniu sposobów wyjścia z tego. A jeśli mówimy o tym, co łączy różne nurty modernizmu, to przede wszystkim fakt, że wszystkie one dostarczają licznych różne opcje Wyjście.

Modernizm w sztuce

Termin „nowoczesny” jest zwykle używany do określenia modernizmu w sztuce. Zaczyna się to zmieniać jakościowo: o ile wcześniejsi autorzy przedstawiali głównie kopiowaną rzeczywistość, o tyle od końca XIX wieku na płótnach przekazują własny obraz tej rzeczywistości, swoje emocje i uczucia z nią związane, próbując w ten sposób zobrazować prawdziwą rzeczywistość ukrytą za zewnętrzną powłoką.

Od końca XIX wieku istnieje ogromna ilość różnorodność stylów, dla którego używa się ogólnego terminu „modernizm”. Tak gwałtowne pojawienie się nowych trendów stylistycznych może wynikać z faktu, że życie w tym okresie zaczyna się zmieniać niezwykle szybko, wszystko ulega ciągłym zmianom, a wraz z rozwojem nauki, stosunków społecznych i polityki, różne style w sztuce i architekturze powstają, znikają i zmieniają się. Powstają idee „sztuki dla sztuki”, „sztuki dla siebie”, a jednocześnie sztuka staje się środkiem rozbioru otaczającej rzeczywistości i przezwyciężania jej sprzeczności.

Do najważniejszych i godnych uwagi należą impresjonizm, postimpresjonizm, kubizm, fowizm, futuryzm, Dadaizm, surrealizm i sztuka abstrakcyjna. Wszystkie te gatunki charakteryzuje zerwanie z wizerunkiem. obiektywna rzeczywistość, skrajnie subiektywny pogląd, elitarność i odrzucenie artystycznego dziedzictwa poprzednich epok – klasycyzmu i realizmu. To drugie nie zawsze oznacza jedynie całkowite zerwanie z wczesnymi doświadczeniami artystycznymi, ale także chęć wyrażenia ideałów estetycznych w lepszej formie.

Nowe style powstały w różnych okresach czasu i w różne kraje, często autorstwa artystów pracujących w stylu modernistycznym. Co łączy różne ruchy modernizmu, skoro tak bardzo się od siebie różnią? W istocie często nie łączyło ich nic poza podążaniem za tendencjami antyrealistycznymi i chęcią wyrażenia swojej wizji świata.

Rok powstania tzw. Salonu Odrzuconych – 1863 – jest często wymieniany jako dolna granica pojawienia się modernizmu. Prezentowano tam prace artystów, które nie uzyskały akceptacji jury paryskiego salonu – i to było głównym tematem Sztuka europejska tamtego czasu. Wygląd tego salonu kojarzy się z nazwami znanych impresjonistów Dlatego styl ten jest umownie uważany za pierwszy przejaw modernizmu w malarstwie. Modernizm zaczął zanikać bliżej połowy XX wieku, kiedy zaczął pojawiać się postmodernizm.

Modernizm w literaturze

Modernizm jako ruch literacki narodził się w przededniu I wojny światowej, a swój szczyt osiągnął w latach 20. XX wieku. Podobnie jak w sztuce, modernizm jest ruchem międzynarodowym reprezentowanym przez różne szkoły - ekspresjonizm, Dadaizm, Surrealizm itp.

Za założycieli ruchu modernistycznego w literaturze uważa się trzech pisarzy, którzy wypracowali nowe techniki pracy ze słowem: D. Joyce, F. Kafka i M. Proust. Silny wpływ na literaturę modernizmu wywarł filozof F. Nietzsche oraz koncepcje Z. Freuda i C. Junga.

Literatura modernizmu składa się z wielu różnorodnych grup, które łączy chęć nie opisywania otaczającej rzeczywistości, ale wyrażenia siebie, co ostatecznie pomogło skierować uwagę opinii publicznej na indywidualność każdego człowieka i miało istotny wpływ na zmianę psychologii społeczeństwa.

Rosyjski modernizm

Ciekawym zjawiskiem wydaje się modernizm w Rosji. Tutaj został on przedstawiony przede wszystkim w literaturze i ma wiele cech. W szczególności, podobnie jak wszystkie ruchy modernistyczne, interesował się starożytnymi obrazami mitologicznymi, ale w rosyjskiej wersji modernizmu znalazło to szczególne odzwierciedlenie w nim wyraźne skupienie się na mitologii i folklorze. Rosyjski modernizm był charakterystyczny dla tej części inteligencji, która była najbardziej zeuropeizowana. Podobnie jak zachodni modernizm, modernizm w Rosji był w pewnym stopniu przesiąknięty sentymentami dekadenckimi, co szczególnie dotyczy jednego z największych ruchów – symboliki. A modernizm na całym świecie był reprezentowany przez zwolenników nadchodzącej rewolucji duchowej.

Modernizm w literaturze rosyjskiej

Być może rosyjski modernizm jest najwyraźniej reprezentowany w literaturze XX wieku. Wśród głównych ruchów warto przypomnieć akmeizm, futuryzm i symbolizm. Wszystkie te prądy niosą w sobie cechy charakterystyczne modernizm - poszukiwanie nowych sposobów przedstawiania rzeczywistości i zaprzeczenie tradycyjnej sztuce.

Symbolizm

Symbolika jako ruch w literaturze pojawiła się pod koniec XIX wieku we Francji. Poezja staje się indywidualna, konsoliduje doraźne wrażenia, stara się być jak najbardziej zmysłowa i wyrazista.

Zdaniem symbolistów rzeczywistości zewnętrznej i wewnętrznej nie da się poznać w sposób racjonalny, dlatego artysta-twórca poprzez posługiwanie się symboliką jest w stanie zrozumieć tajemne znaczenia świata. Symbolika w Rosji powstała dość nagle, a jej punktem wyjścia jest zwykle artykuł poety D. Mereżkowskiego „O przyczynach upadku i nowych trendach we współczesnej literaturze rosyjskiej”. On, Z. Gippius, W. Bryusow i inni należeli do przedstawicieli starszych symbolistów, których twórczość poruszała głównie tematykę niepowtarzalności drogi twórcy i niedoskonałości świata. Kolejne pokolenie symbolistów - Młodzi Symboliści - wykorzystuje tematykę przemieniania świata za pomocą piękna, połączenia życia i sztuki, wśród przedstawicieli byli Blok, Andriej Bieły, W. Iwanow, to pokolenie poetów można nazwać utopiści. Dzięki przedstawicielom symboliki słowo w poezji otrzymało wiele dodatkowych odcieni semantycznych, język stał się bardziej figuratywny i elastyczny.

Ameizm

Zjawisko to powstało jako przeciwwaga dla symboliki, opartej na wyobrażeniach o przejrzystości i przejrzystości widzenia rzeczywistości i odpowiadającego jej obrazu. Ich zdaniem słowo nie powinno być dwuznaczne, powinno mieć swoje pierwotne znaczenie, styl powinien być lakoniczny, powściągliwy i wyrazisty, struktura dzieła powinna być ścisła i wyrafinowana. Początek istnienia akmeizmu wiąże się z pojawieniem się „Warsztatu Poetów”, którego przywódcami byli poeci Gumilow i Gorodecki. W tym przepływie jest echo tradycje literackie Złoty wiek poezji rosyjskiej. Wśród innych przedstawicieli modernizmu można wymienić A. Achmatową, O. Mandelstama, M. Kuźmina.

Futuryzm

Przedstawiciele tego najbardziej awangardowego nurtu dążyli do tworzenia sztuki, która radykalnie by się zmieniła otaczająca rzeczywistość. Wyróżniało ich nie tylko stosowanie eksperymentalnych form twórczości, odważna konstrukcja poetycka i język, ale często także dokonywanie szokujących czynów i prowadzenie niezwykłego trybu życia. Futuryzm został podzielony na kilka podgrup: egofuturyzm, kubofuturyzm, „wirówka” i obejmowała m.in. znani poeci, jak W. Majakowski, W. Chlebnikow, D. Burliuk i wielu innych. Za moment pojawienia się tego modernistycznego (a tym bardziej awangardowego) ruchu uznaje się rok 1910, kiedy to ukazał się pierwszy zbiór poezji futurystycznej „The Judges’ Tank”.

Modernizm w malarstwie rosyjskim

Modernizm znacząco przejawił się nie tylko w literaturze rosyjskiej, ale także w malarstwie. Wśród przedstawicieli modernizmu w tej formie sztuki warto wymienić przede wszystkim M. Vrubela, I. Bilibina, A. Benoisa, V. Vasnetsova – listę można ciągnąć w nieskończoność, zwłaszcza jeśli przypomnimy sobie innych artystów, którzy w ten czy inny sposób zwracali się w różnych okresach ku modernizmowi. Ich praca jednocześnie ujawniła podobieństwa do poszukiwań, które miały miejsce w Europie w tym samym czasie, ale jednocześnie wyraźnie się od nich różniła. Charakteryzuje je pewna konwencjonalna dekoracyjność, wyraźne i rzeźbiarskie twarze oraz postacie postaci na pierwszym planie, zdobnictwo i wielkoskalowe płaszczyzny barwne. Wszystkie te charakterystyczne cechy dały obrazy wielka ekspresja i tragedia. Głównymi tematami, którymi poruszali się artyści, były śmierć, żal, sen, legenda i erotyzm. Ponadto w malarstwie pojawiła się pewna wartość w symbolice kolorów i linii.

Cechy wspólne ruchów modernistycznych

Ostatecznie możemy powiedzieć, że różne ruchy modernizmu łączy fakt, że wszystkie przeciwstawiają się realizmowi i wartościom, które realizm odzwierciedla. Dzieła modernizmu, niezależnie od kierunku w sztuce, były oryginalnymi eksperymentami, zjawiskiem rzeczywiście nowym, nieoczekiwanym i niezwykłym w kulturze końca XIX wieku, stale poszukiwanym. Modernizm i jego ruchy stylistyczne chciały stać się stylem odmiennym od innych stylów, które powstały naturalnie i organicznie w kulturze światowej, w zasadzie niezależnie od życzeń twórców. Być może przyczyną tak krótkotrwałego istnienia tego ruchu było to, że kładł on zbyt duży nacisk na indywidualizm.

Wiek XX, jak żaden inny, naznaczony był konkurencją wielu nurtów w sztuce. Kierunki te są zupełnie różne, konkurują ze sobą, zastępują się i uwzględniają swoje osiągnięcia. Łączy ich jedynie sprzeciw wobec klasycznej sztuki realistycznej, próby znalezienia własnych sposobów odzwierciedlenia rzeczywistości. Kierunki te łączy umowne określenie „modernizm”. Sam termin „modernizm” (od „nowoczesny” - nowoczesny) powstał w romantycznej estetyce A. Schlegla, ale potem się nie zakorzenił. Ale wszedł w życie sto lat później, pod koniec XIX wieku, i zaczął oznaczać początkowo dziwne, niezwykłe systemy estetyczne. Dziś „modernizm” to termin niezwykle kontrowersyjny szerokie znaczenie, który występuje właściwie w dwóch przeciwieństwach: z jednej strony jest to „wszystko, co nie jest realizmem”, z drugiej (w ostatnie lata) jest tym, czym „postmodernizm” nie jest. Tym samym koncepcja modernizmu ujawnia się negatywnie – metodą „przez sprzeczność”. Oczywiście przy takim podejściu nie mówimy o jakiejkolwiek przejrzystości strukturalnej.

Istnieje ogromna liczba trendów modernistycznych; skupimy się tylko na najważniejszych:

Impresjonizm (od francuskiego „impresja” - wrażenie) - ruch w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat. Przedstawiciele impresjonizmu starali się uchwycićrealny świat w jego mobilności i zmienności, aby przekazać Twoje ulotne wrażenia. Sami impresjoniści nazywali siebie „nowymi realistami”; określenie to pojawiło się później, po 1874 r., kiedy na wystawie zaprezentowano słynne dziś dzieło C. Moneta „Wschód słońca”. Wrażenie". Początkowo termin „impresjonizm” miał konotację negatywną, wyrażającą zdziwienie, a nawet pogardę wobec krytyków, jednak sami artyści „na złość krytykom” przyjęli go i z czasem negatywne konotacje zniknęły.

W malarstwie impresjonizm miał ogromny wpływ na cały dalszy rozwój sztuki.

W literaturze rola impresjonizmu była skromniejsza; nie rozwinął się on jako ruch niezależny. Jednak estetyka impresjonizmu wpłynęła na twórczość wielu autorów, w tym w Rosji. Zaufanie do „przemijania” charakteryzuje wiele wierszy K. Balmonta, I. Annensky'ego i innych. Ponadto impresjonizm znalazł odzwierciedlenie w kolorystyce wielu pisarzy, na przykład jego cechy są widoczne w palecie B. Zajcewa.

Jednak jako ruch integralny impresjonizm nie pojawił się w literaturze, stając się charakterystycznym tłem symboliki i neorealizmu.

Symbolika – jeden z najpotężniejszych kierunków modernizmu, dość rozproszony w swoich postawach i dążeniach. Symbolika zaczęła kształtować się we Francji w latach 70. XIX wieku i szybko rozprzestrzeniła się po całej Europie.

W latach 90. symbolika stała się trendem ogólnoeuropejskim, z wyjątkiem Włoch, gdzie z nie do końca jasnych powodów nie zakorzeniła się.

W Rosji symbolika zaczęła się ujawniać pod koniec lat 80., a jako świadomy ruch pojawiła się w połowie lat 90.

W zależności od czasu powstania i cech światopoglądu zwyczajowo wyróżnia się dwa główne etapy rosyjskiej symboliki.

Poeci debiutujący w latach 90. XIX w. nazywani są „starszymi symbolistami” (W. Bryusow, K. Balmont, D. Mereżkowski, Z. Gippius, F. Sologub i in.).

W XX wieku pojawiło się wiele nowych nazw, które znacząco zmieniły oblicze symboliki: A. Blok, A. Bely, Vyach. Iwanow i inni. Przyjętą nazwą „drugiej fali” symboliki jest „młoda symbolika”.

Młodzi Symboliści stworzyli bardziej holistyczną i oryginalną koncepcję, która opierała się na połączeniu życia i sztuki, na idei ulepszania świata zgodnie z prawami estetycznymi. Tajemnicy istnienia nie da się wyrazić zwykłymi słowami; można ją jedynie odgadnąć w systemie symboli, który poeta intuicyjnie odnajduje. Pojęcie tajemnicy, nieprzejawienia znaczeń, stało się ostoją estetyki symbolistycznej. Według Vyacha poezja. Iwanowa istnieje „tajny zapis niewysłowionego”. Społeczną i estetyczną iluzją Młodej Symboliki było to, że poprzez „prorocze słowo” można zmienić świat. Dlatego postrzegali siebie nie tylko jako poetów, ale także demiurdzy czyli twórcy świata. Niespełniona utopia doprowadziła na początku lat 1910. XX w. do całkowitego kryzysu symboliki, do upadku jej jako integralnego systemu, choć przez długi czas słychać było „echa” estetyki symbolistycznej.

Niezależnie od realizacji utopii społecznej, symbolika niezwykle wzbogaciła poezję rosyjską i światową.

Nazwiska A. Bloka, I. Annensky'ego, Vyacha. Iwanow, A. Bieły i inni wybitni poeci symbolistyczni są dumą literatury rosyjskiej. Ameizm (z greckiego „acme” - „ najwyższy stopień

, szczyt, kwitnienie, czas kwitnienia”) to ruch literacki, który powstał na początku dziesiątych XX wieku w Rosji.

Historycznie rzecz biorąc, Acmeizm był reakcją na kryzys symboliki. W przeciwieństwie do „tajnego” słowa symbolistów, akmeiści głosili wartość materiału, plastyczną obiektywność obrazów, dokładność i wyrafinowanie słowa. Powstanie Acmeizmu jest ściśle związane z działalnością organizacji „Warsztat Poetów”, której głównymi postaciami byli N. Gumilow i S. Gorodecki. Acmeizm popierali także O. Mandelstam, wczesna A. Achmatowa, W. Narbut i inni. Później jednak Achmatowa kwestionowała estetyczną jedność akmeizmu, a nawet zasadność samego terminu. Ale trudno się z nią zgodzić w tej kwestii: estetyczna jedność poetów akmeistycznych, przynajmniej w pierwszych latach, nie ulega wątpliwości. I nie chodzi tylko o artykuły programowe N. Gumilowa i O. Mandelstama, w których formułowane jest estetyczne credo nowego ruchu, ale przede wszystkim o samą praktykę. Acmeizm w dziwny sposób łączył romantyczne pragnienie egzotyki, wędrówek z wyrafinowaniem słów, co upodabniało go do kultury baroku. Ulubione obrazy Acmeizmu - egzotyczne piękno(tak więc w każdym okresie twórczości Gumilowa pojawiają się wiersze o egzotycznych zwierzętach: żyrafie, jaguarze, nosorożcu, kangurze itp.), Często szczegół przedmiotu staje się znakiem psychologicznym(na przykład rękawiczka od Gumilowa lub Achmatowej).

Najpierw Świat jawi się akmeistom jako wyrafinowany, ale „zabawkowy”, zdecydowanie nierealny. Na przykład słynny wczesny wiersz O. Mandelstama brzmi następująco:

Płoną płatkami złota

W lasach rosną choinki;

Zabawkarskie wilki w krzakach

Patrzą przerażającymi oczami.

O mój proroczy smutku,

Och, moja cicha wolność

I martwe niebo

Zawsze roześmiany kryształ!

Później drogi akmeistów rozeszły się, z dawnej jedności niewiele pozostało, choć większość poetów do końca zachowała wierność ideałom kultury wysokiej i kultowi mistrzostwa poetyckiego. Z akmeizmu wywodziło się wielu czołowych artystów literackich. Literatura rosyjska ma prawo być dumna z nazwisk Gumilowa, Mandelstama i Achmatowej.

Futuryzm(z łac. „futurus” " - przyszły). Jeśli symbolika, jak wspomniano powyżej, nie zakorzeniła się we Włoszech, to wręcz przeciwnie, futuryzm ma włoskie pochodzenie. Za „ojca” futuryzmu uważany jest włoski poeta i teoretyk sztuki F. Marinetti, który zaproponował szokującą i twardą teorię nowej sztuki. W istocie Marinetti mówił o mechanizacji sztuki, o pozbawieniu jej duchowości. Sztuka powinna przypominać „grę na mechanicznym pianinie”, wszelkie słowne rozkosze są niepotrzebne, duchowość to przestarzały mit.

Idee Marinettiego obnażyły ​​kryzys sztuki klasycznej i zostały podjęte przez „zbuntowane” grupy estetyczne w różnych krajach.

W Rosji pierwszymi futurystami byli artyści bracia Burliuk. David Burliuk założył na swojej posiadłości futurystyczną kolonię „Gilea”. Udało mu się zgromadzić wokół siebie różnych poetów i artystów, którzy byli niepodobni do nikogo innego: Majakowski, Chlebnikow, Kruchenykh, Elena Guro i inni.

Pierwsze manifesty rosyjskich futurystów miały szczerze szokujący charakter (nawet nazwa manifestu „Uderzenie w gust publiczny” mówi sama za siebie), ale nawet w tym przypadku rosyjscy futuryści początkowo nie zaakceptowali mechanizmu Marinettiego, stawiając sobie inne zadania. Przybycie Marinettiego do Rosji wywołało rozczarowanie wśród rosyjskich poetów i jeszcze bardziej uwypukliło różnice.

Futuryści dążyli do stworzenia nowej poetyki, nowy system walory estetyczne. Mistrzowska zabawa słowem, estetyzacja przedmiotów codziennego użytku, mowa ulicy – ​​wszystko to ekscytowało, szokowało, wywoływało rezonans. Chwytliwy, widoczny charakter obrazu jednych irytował, innych zachwycał:

Każde słowo

nawet żart

które wypluwa swoimi płonącymi ustami,

wyrzucony jak naga prostytutka

z płonącego burdelu.

(W. Majakowski, „Chmura w spodniach”)

Dziś możemy przyznać, że znaczna część twórczości futurystów nie przetrwała próby czasu i ma jedynie znaczenie historyczne, ale w ogóle wpływ eksperymentów futurystów na dalszy rozwój sztuki (i to nie tylko werbalnej, ale także obrazowy i muzyczny) okazał się kolosalny.

Futuryzm miał w sobie kilka nurtów, czasem zbliżonych, czasem sprzecznych: kubofuturyzm, ego-futuryzm (Igor Severyanin), grupa „Wirówka” (N. Aseev, B. Pasternak).

Grupy te, choć bardzo od siebie różne, połączyło nowe rozumienie istoty poezji i chęć werbalnych eksperymentów. Rosyjski futuryzm dał światu kilku poetów o ogromnej skali: Władimira Majakowskiego, Borysa Pasternaka, Wielimira Chlebnikowa.

Egzystencjalizm (od łacińskiego „existentia” - istnienie). Egzystencjalizm nie może być nazwany ruchem literackim w pełnym tego słowa znaczeniu, jest raczej ruchem filozoficznym, koncepcją człowieka, przejawiającą się w wielu dziełach literackich. Początków tego ruchu należy szukać w XIX w. w filozofii mistycznej S. Kierkegaarda, prawdziwy rozwój egzystencjalizmu nastąpił jednak w XX w. Do najważniejszych filozofów egzystencjalistycznych można zaliczyć G. Marcela, K. Jaspersa, M. Heideggera, J.-P. Sartre i inni Egzystencjalizm jest systemem bardzo rozproszonym, mającym wiele odmian i odmian. Jednak ogólne cechy, które pozwalają nam mówić o pewnej jedności, są następujące:

1. Uznanie osobistego sensu istnienia . Inaczej mówiąc, świat i człowiek w swej pierwotnej istocie są zasadami osobowymi. Błędem tradycyjnego poglądu, zdaniem egzystencjalistów, jest to, że na życie ludzkie patrzy się „z zewnątrz”, obiektywnie, a wyjątkowość życia ludzkiego polega właśnie na tym, że jest ono Jest i że ona Mój

. Dlatego G. Marcel zaproponował rozpatrywanie relacji człowieka ze światem nie według schematu „On jest światem”, ale według schematu „Ja – Ty”. Mój stosunek do drugiego człowieka jest tylko szczególnym przypadkiem tego kompleksowego schematu. M. Heidegger powiedział to samo, nieco inaczej. Jego zdaniem należy zmienić podstawowe pytanie dotyczące człowieka. Próbujemy odpowiedzieć” Co

jest osoba”, ale musisz zapytać „ , kiedy to „ja” stanie się bezpośrednio dostępne. W zwykłym życiu to „ja” nie jest bezpośrednio dostępne, ale w obliczu śmierci, na tle nieistnienia, objawia się. Pojęcie sytuacji granicznej wywarło ogromny wpływ na literaturę XX wieku – zarówno wśród pisarzy bezpośrednio związanych z teorią egzystencjalizmu (A. Camus, J.-P. Sartre), jak i autorów na ogół dalekich od tej teorii, np. na przykład na idei sytuacji granicznej zbudowane są prawie wszystkie wątki wojennych opowieści Wasila Bykowa.

3. Uznanie osoby za projekt . Inaczej mówiąc, dane nam pierwotne „ja” zmusza nas za każdym razem do dokonywania jedynego możliwego wyboru. A jeśli wybór danej osoby okaże się niegodny, osoba ta zaczyna się upadać, bez względu na przyczyny zewnętrzne, które może usprawiedliwić.

Egzystencjalizm, powtarzamy, nie rozwinął się jako ruch literacki, ale miał ogromny wpływ na współczesność kultura światowa. W tym sensie można go uznać za kierunek estetyczny i filozoficzny XX wieku.

Surrealizm(francuski „surrealizm”, dosł. „superrealizm”) - potężny nurt w malarstwie i literaturze XX wieku, jednak odcisnął największe piętno w malarstwie, przede wszystkim ze względu na swój autorytet znany artysta Salvadora Dali. Niesławne zdanie Dali dotyczące jego nieporozumień z innymi przywódcami ruchu „surrealista to ja”, mimo całej swojej szokulności, wyraźnie kładzie nacisk. Bez postaci Salvadora Dali surrealizm prawdopodobnie nie miałby takiego wpływu na kulturę XX wieku.

Jednocześnie założycielem tego ruchu nie jest Dali ani nawet artysta, ale właśnie pisarz Andre Breton. Surrealizm ukształtował się w latach dwudziestych XX wieku jako ruch lewicowo-radykalny, ale zauważalnie różnił się od futuryzmu. Surrealizm odzwierciedlał społeczne, filozoficzne, psychologiczne i estetyczne paradoksy świadomości europejskiej. Europa jest zmęczona napięciami społecznymi, tradycyjnymi formami sztuki, hipokryzją w etyce. Z tej fali „protestu” zrodził się surrealizm.

Autorzy pierwszych deklaracji i dzieł surrealizmu (Paul Eluard, Louis Aragon, Andre Breton i in.) postawili sobie za cel „wyzwolenie” twórczości ze wszelkich konwencji. Dużą wagę przywiązywano do nieświadomych impulsów i przypadkowych obrazów, które jednak poddawane były następnie starannej obróbce artystycznej.

Poważny wpływ na estetykę surrealizmu wywarł freudyzm, który aktualizował ludzkie instynkty erotyczne.

Na przełomie lat 20. i 30. surrealizm odegrał bardzo zauważalną rolę w kulturze europejskiej, jednak element literacki tego ruchu stopniowo słabł. Główni pisarze i poeci, zwłaszcza Eluard i Aragon, odeszli od surrealizmu. Powojenne próby odrodzenia tego ruchu przez Andre Bretona zakończyły się niepowodzeniem, natomiast w malarstwie surrealizm zapewnił znacznie silniejszą tradycję.

Postmodernizm - potężny ruch literacki naszych czasów, bardzo różnorodny, sprzeczny i zasadniczo otwarty na wszelkie innowacje. Filozofia postmodernizmu ukształtowała się głównie w szkole francuskiej myśli estetycznej (J. Derrida, R. Barthes, J. Kristeva i in.), dziś jednak rozprzestrzeniła się daleko poza granice Francji.

Jednocześnie wiele korzeni filozoficznych i pierwszych dzieł nawiązuje do tradycji amerykańskiej, a samego terminu „postmodernizm” w odniesieniu do literatury po raz pierwszy użył amerykański krytyk literacki pochodzenia arabskiego Ihab Hassan (1971).

Najważniejszą cechą postmodernizmu jest zasadnicze odrzucenie jakiejkolwiek centryczności i jakiejkolwiek hierarchii wartości. Wszystkie teksty są zasadniczo równe i mogą się ze sobą stykać. Nie ma sztuki wysokiej i niskiej, nowoczesnej i przestarzałej. Z kulturowego punktu widzenia wszystkie one istnieją w jakimś „teraz”, a ponieważ łańcuch wartości został zasadniczo zniszczony, żaden tekst nie ma przewagi nad innym.

W twórczości postmodernistów wchodzi w grę niemal każdy tekst z dowolnej epoki. Zaciera się także granica między słowem własnym a cudzym, dzięki czemu teksty znanych autorów można wpleść w nowe dzieło. Zasada ta nazywa się „ zasada centoniczności» (centon to gatunek gry, w którym wiersz składa się z różnych wersów innych autorów).

Postmodernizm radykalnie różni się od wszystkich innych systemy estetyczne. W różnych schematach (na przykład w znanych schematach Ihaba Hassana, V. Brainina-Passeka itp.) Odnotowuje się dziesiątki charakterystycznych cech postmodernizmu. To postawa wobec zabawy, konformizmu, uznania równości kultur, postawa wobec wtórności (czyli postmodernizm nie ma na celu powiedzenia czegoś nowego o świecie), orientacja na sukces komercyjny, uznanie nieskończoności estetyki (czyli wszystko, co może być sztuką) itp.

Zarówno pisarze, jak i krytycy literaccy mają wobec postmodernizmu dwuznaczny stosunek: od całkowitej akceptacji po kategoryczne zaprzeczenie.

W ostatnią dekadę Coraz częściej mówi się o kryzysie postmodernizmu, przypominając o odpowiedzialności i duchowości kultury.

Na przykład P. Bourdieu uważa postmodernizm za odmianę „radykalnego szyku”, spektakularnego i wygodnego jednocześnie, i nawołuje, aby nie niszczyć nauki (a w kontekście jest jasne – sztuki) „w fajerwerkach nihilizmu”.

Wielu amerykańskich teoretyków również dokonało ostrych ataków na postmodernistyczny nihilizm. Zamieszanie wywołała zwłaszcza książka „Przeciw dekonstrukcji” J. M. Ellisa, zawierająca krytyczną analizę postaw postmodernistycznych.

„Clarissa, czyli historia młodej damy, zawierająca kwestie krytyczneżyciu prywatnym, a zwłaszcza ukazanie zła, jakie może wyniknąć z niewłaściwego postępowania zarówno rodziców, jak i dzieci w związku małżeńskim”. Teraz jednak ten schemat jest zauważalnie bardziej skomplikowany. Zwyczajowo mówi się o przedsymbolizmie, wczesnej symbolice, symbolice mistycznej, postsymbolizmie itp. Nie przekreśla to jednak naturalnie ukształtowanego podziału na starszych i młodszych.

Kiedy rozmawiają o literaturze rosyjskiej koniec XIX początku XX wieku, to przede wszystkim pamiętają trzy najjaśniejsze ruchy: symbolikę, akmeizm i futuryzm. Łączy ich przynależność do modernizmu. Ruchy modernistyczne powstały jako kontrast sztuka tradycyjna Ideolodzy tych ruchów zaprzeczali dziedzictwu klasycznemu, przeciwstawiali swoje nurty realizmowi i głosili poszukiwanie nowych sposobów przedstawiania rzeczywistości. W tych poszukiwaniach każdy kierunek podążał własną ścieżką.

Symbolizm

Symboliści za swój cel uznawali sztukę intuicyjnego pojmowania jedności świata poprzez symbole. Sama nazwa prądu pochodzi od greckiego Symbolonu, co tłumaczy się jako symbol. Życia duchowego nie da się pojąć racjonalnie, w jego sferę może przeniknąć jedynie sztuka. Dlatego symboliści zrozumieli proces twórczy jako podświadome, intuicyjne wnikanie w tajemne znaczenia, czego dokonać może jedynie artysta-twórca. A tych tajemnych znaczeń nie da się przekazać bezpośrednio, lecz jedynie za pomocą symbolu, bo tajemnicy istnienia nie da się przekazać zwykłym słowem.

Za teoretyczną podstawę symboliki rosyjskiej uważa się artykuł D. Mereżkowskiego „O przyczynach upadku i nowych trendach we współczesnej literaturze rosyjskiej”.
W rosyjskiej symbolice zwykle wyróżnia się dwa etapy: pracę starszych i młodszych symbolistów.

Symbolika wzbogaciła literaturę rosyjską o wiele odkryć artystycznych. Poetyckie słowo otrzymał jasne odcienie semantyczne i stał się niezwykle polisemantyczny. „Młodzi Symboliści” byli przekonani, że poprzez „słowo prorocze” można zmienić świat, że poeta jest „demiurgiem”, twórcą świata. Ta utopia nie mogła się spełnić, dlatego w latach 1910-tych nastąpił kryzys symboliki, jej upadek jako systemu.

Nazwiska A. Bloka, I. Annensky'ego, Vyacha. Iwanow, A. Bieły i inni wybitni poeci symbolistyczni są dumą literatury rosyjskiej.

Ten kierunek modernizmu w literaturze, jakim jest akmeizm, powstał w opozycji do symboliki i głosił pragnienie jasnego spojrzenia na świat, co samo w sobie jest cenne. Deklarowali powrót do słowa pierwotnego, a nie jego symbolicznego znaczenia. Narodziny Acmeizmu wiążą się z działalnością stowarzyszenia literackiego „Warsztat poetów”, którego przywódcami byli N. Gumilow i S. Gorodecki. Podstawą teoretyczną tego ruchu był artykuł N. Gumilowa „Dziedzictwo symbolizmu i akmeizmu”. Nazwa ruchu pochodzi od greckiego słowa acme – najwyższy stopień, rozkwit, szczyt. Według teoretyków akmeizmu głównym zadaniem poezji jest poetyckie zrozumienie różnorodnego i tętniącego życiem świata ziemskiego. Jego zwolennicy trzymali się pewnych zasad:

• nadaj słowu precyzję i pewność;
• porzucić mistyczne znaczenia i osiągnąć jasność słów;
• klarowność obrazów i wyrafinowane szczegóły obiektów;
• echa minionych epok. Wielu uważa poezję akmeistów za odrodzenie „złotego wieku” Baratyńskiego i Puszkina.

Do najważniejszych poetów tego ruchu należeli N. Gumilow, A. Achmatowa, O. Mandelstam.

Futuryzm

W tłumaczeniu z łaciny futurum oznacza przyszłość. Powszechnie uważa się, że początki rosyjskiego futuryzmu datuje się na rok 1910, kiedy to ukazał się pierwszy futurystyczny zbiór „Sędziowie Sadok”. Jej twórcami byli D. Burliuk, W. Chlebnikow i W. Kamenski. Futuryści marzyli o pojawieniu się supersztuki, która radykalnie zmieni świat. Ten ruch awangardowy wyróżniał się kategorycznym zaprzeczeniem poprzedniego i sztuka współczesna, odważne eksperymenty w dziedzinie formy, szokujące zachowania jej przedstawicieli.

Futuryzm, podobnie jak inne ruchy modernizmu, był heterogeniczny i obejmował kilka grup, które toczyły między sobą zaciekłe polemiki.

• Kubo-futuryści (lub „Gilea”) nazywali siebie także „Budetlyanami” – najbardziej wpływową z grup. Są twórcami skandalicznego manifestu „Uderzenie w gust publiczny”, a także dzięki ich wysokiej kreatywności słownej powstała teoria „języka zawiłego” – zaumi. Byli wśród nich D. Burliuk, W. Chlebnikow, W. Majakowski, A. Kruchenykh.
• Egofuturyści, członkowie kręgu „Ego”. Ogłaszali człowieka jako egoistę, cząstkę Boga. Popierali poglądy egoistyczne, przez co nie mogli istnieć jako grupa, a ruch szybko zakończył swoje istnienie. Do najwybitniejszych przedstawicieli egofuturystów zaliczają się: I. Siewierianin, I. Ignatiew, W. Gniedow i inni.
• „Mezzanine of Poetry” to stowarzyszenie zorganizowane przez kilku ego-futurystów na czele z W. Szerszniewiczem. W ciągu krótkiego (około roku) istnienia autorzy wydali trzy almanachy: „Krematorium Poczytalności”, „Ucztę w czasie zarazy” i „Wernisaż” oraz kilka tomików wierszy. Oprócz W. Szerszniewicza w skład stowarzyszenia wchodzili R. Iwniew, S. Tretiakow, L. Zak i inni.
• „Wirówka” - grupa literacka który powstał na początku 1914 r. Jej organizatorem był S. Bobrov. Pierwszą edycją jest kolekcja „Rukonog”. Aktywnymi członkami grupy od pierwszych dni jej istnienia byli B. Pasternak, N. Aseev, I. Zdanevich. Później dołączyli do nich niektórzy ego-futuryści (Olimpow, Kriuczkow, Szirokow), a także Tretiakow, Iwniew i Bolszakow, uczestnicy zawalonej wówczas Antresoli Poezji.

Modernizm w literaturze rosyjskiej dał światu całą plejada wielkich poetów: A. Bloka, N. Gumilowa, A. Achmatowej, O. Mandelstama, W. Majakowskiego, B. Pasternaka.

Pojęcie modernizmu. Prądy modernizmu, ich charakterystyka

Rozczarowanie rzeczywistością życia i artystycznym, realistycznym sposobem jej odtworzenia spowodowało zainteresowanie najnowszą teorie filozoficzne oraz pojawienie się nowych ruchów artystycznych zwanych dekadenckimi, awangardowymi i modernistycznymi. Francuskie słowo„Dekadencja” oznacza upadek, „awangarda” oznacza zaawansowaną ochronę, a „nowoczesność” oznacza najbardziej nowoczesność. Terminami tymi zaczęto oznaczać jakościowo nowe zjawiska w procesie literackim, stojące na czele stanowisk awangardowych i kojarzone z upadkiem i kryzysem. opinia publiczna i kultury, z poszukiwaniem pozytywnych ideałów, zwracając się w tych poszukiwaniach do Boga i wiary, do tego, co mistyczne i irracjonalne.

Modernizm- ogólna nazwa ruchów artystycznych i literackich końca XIX - początku. XX w., odzwierciedlał kryzys kultury mieszczańskiej i charakteryzował zerwanie z tradycjami realizmu i estetyką przeszłości. Modernizm pojawił się we Francji pod koniec XIX wieku. (Baudelaire, Verlaine, Rimbaud) i rozprzestrzenił się na Europę, Rosję i Ukrainę. Moderniści uważali, że w dziele sztuki nie trzeba szukać logiki ani racjonalnej myśli. Dlatego sztuka modernizmu miała przeważnie charakter irracjonalny.

Protestując przeciwko przestarzałym ideom i formom, moderniści poszukiwali nowych dróg i środków pokaz artystyczny W rzeczywistości znaleźli nowe formy artystyczne i starali się radykalnie zaktualizować literaturę. Pod tym względem modernizm stał się prawdziwą rewolucją artystyczną i mógł poszczycić się tak epokowymi odkryciami w literaturze, jak monolog wewnętrzny i obrazy ludzkiej psychiki w postaci „strumienia świadomości”, odkrycie odległych skojarzeń, teoria polifonii, uniwersalizacja określonej techniki artystycznej i przekształcenie jej w ogólną zasadę estetyczną, wzbogacenie twórczości artystycznej poprzez odkrycie ukrytej treści zjawisk życiowych, odkrycie tego, co surrealistyczne i nieznane.

Modernizm jest buntem społecznym, a nie tylko rewolucją w dziedzinie formy artystycznej, gdyż wywołał protesty przeciwko okrucieństwu rzeczywistości społecznej i absurdowi świata, przeciwko uciskowi człowieka, broniącego jego prawa do bycia wolną jednostką. Modernizm protestował przeciwko prymitywnemu materializmowi, przeciwko duchowej degeneracji i ubóstwu, głupiemu, samozadowoleniu z przesytu. Jednak modernizm protestując przeciwko realizmowi nie wykluczył wszystkich swoich osiągnięć, ale także je wykorzystał, rozwinął i wzbogacił w poszukiwaniu nowych dróg w sztuce.

Ogólne cechy modernizmu:

o szczególną uwagę do wewnętrznego świata jednostki;

o zaproszone wartości własne człowieka i sztuki;

o preferencja dla twórczej intuicji;

o rozumienie literatury jako wiedzy najwyższej, zdolnej wniknąć w najintymniejsze zakamarki głębin bytu człowieka i uduchowić świat;

o poszukiwanie nowych środków w sztuce (metajęzyk, symbolika, tworzenie mitów itp.);

o chęć odkrywania nowych idei, które przemieniają świat zgodnie z prawami piękna i sztuki. Otrzymały takie skrajne, radykalne ruchy modernistyczne, jak Dadaizm czy Futuryzm

Nazwa awangarda(z francuskiego avant - naprzód, garde - stróż, awangarda) - kierunek do kultura artystyczna XX w., który polegał na odrzuceniu istniejących norm i tradycji, transformacji na nowe środki artystyczne jako cel sam w sobie; ukazując kryzysy, bolesne zjawiska w życiu i kulturze w wypaczonej formie. Awangarda jest z natury buntownicza.

Ruchy i ruchy awangardowe (futuryzm, Dadaizm, Surrealizm”, nowa powieść”, „dramat absurdu”, „strumień świadomości” itp.) wzbogaciło i urozmaiciło proces literacki, pozostawiając w literaturze światowej wiele arcydzieł twórczości artystycznej. Wywarli także znaczący wpływ na pisarzy, którzy nie porzucili artystycznych zasad realizmu: powstały złożone sploty realizmu, symboliki, neoromantyzmu i „strumienia świadomości”. Realiści wykorzystywali w swoich pracach także idee S. Freuda, prowadzili poszukiwania formalistyczne w zakresie formy artystycznej, szeroko stosowali „strumień świadomości”, monolog wewnętrzny, łączyli w jednym dziele różne warstwy czasowe.

Modernizm jako kierunek artystyczny był wewnętrznie heterogenicznym konglomeratem zjawisk artystycznych, które opierały się na wspólnych podstawach ideologicznych, filozoficznych i zasady artystyczne. Pod koniec XIX wieku. powstał impresjonizm, symbolizm i estetyzm. Na początku XX wieku. Dodano do nich ekspresjonizm, futuryzm, kubizm, a w czasie i po I wojnie światowej – Dadaizm, surrealizm, szkołę „strumienia świadomości” i literaturę, do której zaliczał się m.in. antypowieść, „teatr absurdu”.

Impresjonizm(od francuskiego „Impresja”) rozpoczęła się w drugiej połowie XIX wieku i rozkwitła w XX wieku. Powstał jako reakcja na sztukę salonową i naturalizm, najpierw w malarstwie (C. Monet, E. Manet, A. Renoir, E. Degas), skąd rozprzestrzenił się na inne sztuki (A. Rodin w rzeźbie, M. Ravel, C. Debussy, I. Strawiński w muzyce) i literaturze. Tutaj założycielami impresjonizmu byli bracia Goncourt i Paul Verlaine. Wyraźne przejawy impresjonizmu miały miejsce w twórczości Guya de Maupassanta i Marcela Prousta; do impresjonistów należeli także Knut Hamsun, Hugo von Hofmannsthal i J. Tuwim.

Protestując przeciwko nadmiernemu uzależnieniu od realnego życia, przeciwko kopiowaniu rzeczywistości, impresjoniści opisywali swoje wrażenia z tego, co widzą - wizualne i zmysłowe, które są zmienne jak sam świat, a także odcienie wrażeń i kolorów, ich wyobrażenia i skojarzenia często były fantastyczny i zawsze sub"obiektywny. Dzieło impresjonisty nie jest obiektywnym obrazem świata, ale systemem jego złożonych, subiektywnych wrażeń, jaskrawo zabarwionych twórczą indywidualnością artysty. Impresjoniści byli szczególnie wrażliwi na zmysłowe piękno świat; doskonale odtworzyli przyrodę, jej piękno, różnorodność i zmienność życia, jedność natury z duszą człowieka.

Większość z ruchów dekadenckich końca XIX i początku XX wieku. stał się symbolizm. Symbol służył do wyrażania niezrozumiałej istoty zjawisk życiowych oraz tajemnych, a nawet mistycznych osobistych pomysłów, twórczych przemyśleń i irracjonalnych przemyśleń artysty. Symbole uznano za najdoskonalsze ucieleśnienie idei. Symboliczne obrazy odtwarzały tajemniczą i irracjonalną istotę ludzkiej duszy i jej życia, majestatyczny przebieg nieuchronnego losu, przedstawiały życie pozagrobowe, metafizyczny świat „innej egzystencji”, nawiązywały do mistyczna esencja zjawiska życia.

Dla symbolistów poezja, podobnie jak muzyka, była najwyższa forma poznawanie tajemnic – poprzez poszukiwanie i odkrywanie „inności”. Symbol budził liczne skojarzenia, urzekał swoją niejednoznacznością, głęboki ukryte znaczenie, co było trudne lub wręcz niemożliwe do zrozumienia. Symboliści przywiązywali dużą wagę do wewnętrznego brzmienia, melodii i rytmu słów, eufonii i melodii języka, emocjonalnego wzruszenia, które chwytało czytelnika rytmem i melodią wiersza, oraz gry różnych skojarzeń. Symbolikę zapoczątkowali francuscy poeci Paul Verlaine, Mallarmé i Arthur Rimbaud. Po „podbiciu” Francji symbolika szybko rozprzestrzeniła się w całej Europie. W różnych krajach symbolikę reprezentowali Gabrielle diAnnunzio (Włochy), Rilke i Hugo von Hofmannsthal (Austria), Stefan George (Niemcy), Oscar Wilde (Anglia), Emile Verhaerne i Maurice Maeterlinck (Belgia), Gen-bóg Ibsen ( Norwegia), Stanisław Przybyszewski (Polska).

Estetyzm powstało niedawno dekada XIX V. w Anglii. Dał początek kultowi wyrafinowanego piękna. Twórcy estetyzmu uważali, że realizm jest skazany na całkowity upadek, że problemy społeczne w ogóle nie dotyczą prawdziwej sztuki, i wysuwali hasła „sztuka dla sztuki”, „piękno dla piękna”. Najwybitniejszym przedstawicielem angielskiego estetyzmu był Oscar Wilde.

Ekspresjonizm(z francuskiego „ekspresywność, ekspresja”) powstał także w XIX wieku. Ten awangardowy ruch uzyskał pełnię brzmienia i wagi w pierwszej ćwierci XX wieku. i stał się znaczącym wkładem w rozwój literatury światowej. Ekspresjoniści byli ściśle związani z rzeczywistością – to ich ukształtowało i głęboko niepokoiło. Potępiali brzydkie zjawiska życiowe, okrucieństwo świata, protestowali przeciwko wojnie i rozlewowi krwi, byli pełni człowieczeństwa i głosili pozytywne ideały.

Ale wizja świata ekspresjonistów była wyjątkowa: świat wydawał im się systemem chaotycznym, kierowanym przez niezrozumiałe siły, niepojęte, niepoznawalne, tajemnicze i nie było przed nimi zbawienia. Jedyną prawdziwą rzeczą było świat wewnętrzny człowiek i artysta, ich uczucia i myśli. To właśnie on powinien być w centrum uwagi pisarza. I należy go reprodukować wyraźnie, plastycznie, z użyciem pompatycznych konwencjonalnych obrazów, o zaburzonych proporcjach, nadmiernie napiętych, z jak najczystszą intonacją, czyli ukazywać obrazami wyrazistymi, z użyciem paradoksalnej groteski i z fantastycznej perspektywy. A może nie najwybitniejszy ekspresjonista Johannes Becher uważał to za charakterystyczne dla ekspresjonizmu poetycko„Napięcie, usta otwarte w ekstazie.” Tak więc w twórczości ekspresjonistów jest dużo satyry, groteski, dużo horroru, nadmiernego okrucieństwa, uogólnień i subiektywnych ocen rzeczywistości. Ekspresjonizm pojawił się po raz pierwszy w malarstwie (E. Munch, W. Van Gogh, P. Gauguin, P. Cezanne i in.) i muzyce (Richard Strauss), a wkrótce przeniósł się do literatury. Do najliczniejszych ekspresjonistów zaliczają się w Austrii G. Trakl i F. Kafka; I. Becher i A. France w Niemczech; L. Andreev w Rosji.

Imagizm(z francuskiego „Obrazu”) - ruch, który doprowadził do pojawienia się rosyjskiego imagizmu. Pojawił się w Anglii w przededniu I wojny światowej i istniał do połowy lat dwudziestych XX wieku. W Rosji imagiści po raz pierwszy pojawili się w 1919 roku. Obraz Imagistów i Imagistów głosił, że jest to cel sam w sobie twórczości. „Wiersz nie jest organizmem, ale falą obrazów, można z niego wydobyć jeden obraz i wstawić dziesięć kolejnych” – przekonywał teoretyk rosyjskiego imagizmu W. Szerszeniewicza. Przedstawiciele tego ruchu uważali więc wiersz za „katalog obrazu”, wykwintne splot metafor, metonimii, epitetów, porównań i innych tropów - rodzaj kapryśnej kumulacji kolorów, odcieni, obrazów, rytmów i melodii. Obraziści zepchnęli treść na dalszy plan: „zjada obraz”. Oczywiście wyobraźnia nie mogła, choćby chciała, całkowicie zaniedbać treści. Najlepszym potwierdzeniem tej idei jest praca S. Jesienina. Przedstawicielami imagizmu w Anglii i USA są T.S. Eliot, R. Aldington, E. Pound, E. Lowell i inni.

Pojęcie awangardy. Ruchy awangardowe w literaturze światowej

Futuryzm(z łac. „Przyszłość”) powstała w 1909 roku we Włoszech, jej założycielem był F. Marinetti. Stamtąd rozprzestrzenił się po całej Europie, otrzymując we Francji nazwę kubizmu (M. Jacob, B. Cendrars), jego futuryzm i kubofuturyzm w Rosji (I. Severyanin, weź futro, V. Chlebnikov, V. Makhnovsky itp. ), Awangarda w Polsce (J. Przybos i in.). Ukraiński futuryzm, założony przez M. Semenkę, który później otrzymał nazwę „panfuturyzm”.

Futuryści głosili, że stworzyli sztukę przyszłości, która jest zgodna z rytmem nowa era kulturę „drapacz chmur-maszyn-samochodów” i wzywał do odrzucenia tradycji starej kultury, którą lekceważąco nazywali „spluwaczką”. Futuryści śpiewali hymny na cześć postępu technicznego, miasta, samochodów, silników, śmigieł, piękna „mechanicznego” i zwracali uwagę na potrzebę stworzenia nowego człowieka, godnego swoich czasów technologii, człowieka o nowej duszy. Odrzucili tradycje literatury realistycznej, jej język i technikę poetycką. Wprowadzając własny język, nowe słowa i wyrażenia, futuryści doszli nawet do absurdu: z czasem wymyślili słowa bez żadnego znaczenia.

Francuscy kubiści i rosyjscy kubofuturyści byli blisko związani z malarzami kubistycznymi, którzy próbowali szokować, zadziwiać zwykłych ludzi ostrością kolorów i niezwykłą treścią: rozkładali to, co przedstawiali na najprostsze elementy geometryczne- kostki (stąd nazwa), kwadraty, prostokąty, linie, cylindry, koła itp. Kubiści głosząc kult formy, zepchnęli treść na dalszy plan i wynieśli ją do formy. Pisarze zadziwiali przeciętnego człowieka nie tylko „językiem, którego nikt nie słyszał”, ale także odejściem od eufonii w stronę kakofonii, dysonansu i nagromadzenia trudnych do wymówienia spółgłosek.

Surrealizm od ks. „sur” – powyżej, czyli nadrealizm), który powstał we Francji w latach dwudziestych XX wieku. Jej założycielem i głównym teoretykiem był Francuski pisarz Andre Breton, który wezwał do „zniszczenia istniejącej do dziś sprzeczności między snami a rzeczywistością”. Stwierdził, że jedyny obszar, w którym człowiek może w pełni wyrazić siebie, to akty podświadome: sen, delirium itp., i domagał się od pisarzy surrealistycznych „pisania automatycznego”, czyli na poziomie podświadomości.

Szkoła „strumień świadomości”- to sposób na bezpośrednie ukazanie ludzkiej psychiki, „od środka”, jako procesu złożonego i ciągłego, pogłębiającego się w świat wewnętrzny. Prace takie charakteryzowały się wykorzystaniem wspomnień, monologów wewnętrznych, skojarzeń, liryczne dygresje i inne techniki artystyczne. Przedstawiciele: D. Joyce, M. Proust, W. Wulf i inni.

W „dramat absurdu” rzeczywistość została ukazana przez pryzmat pesymizmu. Ślepy zaułek, ciągłe przeczucie upadku, izolacja od realnego świata to cechy charakterystyczne tej pracy. Zachowanie i mowa bohaterów jest nielogiczna, fabuła jest zniszczona. Twórcy - S. Beckett, E. Ionesco.

Pytania do samokontroli

1. Jak literatura jest na krawędzi XIX-XX stuleci jest ściśle powiązany ze wszystkimi perypetiami swoich czasów?

2. Wymień najbardziej zauważalne czynniki rozwój literacki w pierwszej połowie XX wieku.

3. Podaj ogólny opis literatury modernistycznej.

4. Jakie ruchy i trendy uznawane są za awangardowe? Podaj ich ogólną charakterystykę.