>

Wielcy kompozytorzy klasyczni: lista najlepszych. Rosyjscy kompozytorzy klasyczni. Formy cykliczne Przykłady cykli muzycznych kompozytora

Cykl „Preludium-fuga”

Dwuczęściowy cykl „preludium-fuga” znany jest już od czasów baroku. Polega ona na funkcjonalizacji preludium jako improwizacyjnego wprowadzenia do fugi.

Cykle preludium-fuga można łączyć w większe cykle w oparciu o jakąś zasadę formalną lub tematyczną. Bardzo słynny przykład- „Klawiersz o dobrym temperamencie” J. S. Bacha, zbudowany na zasadzie pewnej przemiany korespondencji modowej. Przykładem z muzyki XX wieku są „24 preludia i fugi” D. D. Szostakowicza.

Cykl apartamentowy

W XX wieku dokonano istotnego przemyślenia gatunku suity, zastosowano w niej nowe techniki (np. dodekafoniczne suity orkiestrowe A. Schönberga i A. Berga), omówiono nowy materiał (np. w P. Hindemitha suita „1922” modne tańce tamtych czasów: shimmy, boston, ragtime).

Niektóre dzieła muzyki pozaakademickiej (głównie rock progresywny) również skłaniają się ku formie suity. Przykładami są „Lizard” z albumu o tym samym tytule zespołu rockowego King Crimson i „Atom Heart Mother” z albumu Pink Floyd o tym samym tytule. Jednak „suity rockowe” nazywane są także często kompozycjami, które skłaniają się bardziej ku formom swobodnym i mieszanym (w tradycyjnej terminologii teorii muzyki).

Cykl sonatowo-symfoniczny

Cykl sonatowo-symfoniczny obejmuje najbardziej abstrakcyjne gatunki muzyki akademickiej, takie jak symfonia, sonata, kwartet, koncert. Charakteryzuje się:

  • abstrakcja od stosowanego charakteru muzyki (nawet jeśli zastosowany materiał jest materiałem użytym do jakiejkolwiek części);
  • możliwość kontrastów figuratywnych i semantycznych pomiędzy poszczególnymi częściami (aż do ich bezpośredniego przeciwstawienia);
  • złożony rozwój tonalny;
  • ustalone funkcje i formy poszczególnych partii (charakterystyczne dla niektórych gatunków muzyki sonatowo-symfonicznej).

Sonata klasyczna powstała w XVIII wieku, osiągnęła szczyt rozwoju w klasyce wiedeńskiej i pozostaje, z pewnymi zastrzeżeniami, gatunkiem żywym. Symfonia jako gatunek ukształtowała się w połowie XVIII w., swój szczyt rozwoju osiągnęła także w klasyce wiedeńskiej i pozostaje żywym gatunkiem muzyki akademickiej. (Formy symfonicznej nie należy mylić z symfonizmem, co może być charakterystyczne także dla dzieł niezwiązanych z tą formą). Kwartet przyjął formę cyklu sonatowego w twórczości J. Haydna i rozwinął się w twórczości klasyków wiedeńskich. W drugiej połowie XX wieku motyw przewodni i zasady monotematyczne stały się cechą charakterystyczną wielu dzieł tego gatunku. Koncert, jako rodzaj cyklicznego utworu sonatowo-symfonicznego, charakteryzujący się przeciwstawieniem brzmienia całego zespołu i poszczególnych grup lub solistów, w znanej dziś formie ukształtował się pod koniec XVIII wieku.))) ))))

Formy swobodne i mieszane

Utwór muzyczny może składać się z części połączonych według innej zasady niż w przypadku wymienionych gatunków, a mimo to mieć w pewnym stopniu charakter cykliczny. Jest to wiele gatunków stosowanej muzyki sakralnej (msza, koncert duchowy, całonocne czuwanie), kantaty, cykle wokalne i wokalno-chóralne (fabularne i liryczne).

Duże cykle

Źródła

  • G. V. Żdanowa. „Symfonia” // Słownik encyklopedyczny muzyczny. M.: " Encyklopedia radziecka", 1990, s. 499.
  • Yu. I. Niekliudow. „Apartament” // Muzyczny słownik encyklopedyczny. M.: „Encyklopedia radziecka”, 1990, s. 529-530.
  • Wiceprezes Fraenov. „Formy cykliczne” // Słownik encyklopedii muzycznej. M.: „Encyklopedia radziecka”, 1990, s. 25-30. 615.
  • Wiceprezes Chinaev. „Sonata” // Słownik encyklopedii muzycznej. M.: „Encyklopedia radziecka”, 1990, s. 513-514.

Zobacz także

  • Kwartet (gatunek)

Fundacja Wikimedia.

2010.

    Zobacz, jakie „formy cykliczne (muzyka)” znajdują się w innych słownikach:

    W muzyce formy muzyczne dzieła zakładają obecność odrębnych części, niezależnych w strukturze, ale połączonych jednością koncepcji. W historii muzyki akademickiej znane są cykle „preludiów fugowych”, cykle suit, sonaty symfoniczne… ... Wikipedia

    I Muzyka (z greckiego musike, dosłownie sztuka muz) to rodzaj sztuki, który odzwierciedla rzeczywistość i wpływa na człowieka poprzez znaczące i specjalnie zorganizowane sekwencje dźwiękowe, składające się głównie z tonów... ... Wielka encyklopedia radziecka

    Forma wariacyjna lub wariacje, temat z wariacjami, cykl wariacyjny, forma muzyczna składająca się z tematu i jego kilku (co najmniej dwóch) zmodyfikowanych reprodukcji (wariacji). Jest to jeden z najstarszych formy muzyczne(znany od XIII wieku).... ... Wikipedia

    Termin ten ma inne znaczenia, patrz Okres. Okres w muzyce to najmniejsza kompletna struktura kompozycyjna wyrażająca mniej lub bardziej kompletną myśl muzyczną. I najczęściej składa się z 2 zdań. Spis treści 1 Rola w ... ... Wikipedii

    Okres w muzyce to najmniejsza kompletna struktura kompozycyjna wyrażająca mniej lub bardziej kompletną myśl muzyczną. Może również pełnić funkcję formularza niezależna praca. W języku niemieckim istnieje podobny termin muzyczny... ... Wikipedia

    Utwory muzyczne nawiązujące do tekstów o charakterze religijnym, przeznaczone do wykonania podczas służba kościelna lub w życiu codziennym. Muzyka sakralna w wąskim znaczeniu oznacza muzykę kościelną chrześcijan; V w szerokim znaczeniu duchowe... ...Wikipedia

    - (łac. forma widoku, wygląd, obraz, wygląd, piękno) kompozycji, określa się na podstawie jej projektu (schematu, szablonu lub struktury) i rozwoju w czasie. Forma muzyczna (zwłaszcza w muzyce dawnej i religijnej) jest praktycznie nierozłączna... Wikipedia

Formy cykliczne to takie, które składają się z kilku, zazwyczaj niezależnych tematycznie i formatywnie części, rozdzielonych nieuregulowanymi pauzami, przerywającymi bieg czasu muzycznego (linia dwutaktowa z „grubą” prawą linią). Wszystkie formy cykliczne zawierają bardziej różnorodne i wieloaspektowe treści, które łączy koncepcja artystyczna.

Niektóre formy cykliczne w najbardziej uogólnionej formie ucieleśniają koncepcję światopoglądową, na przykład msza jest teocentryczna, a później cykl sonatowo-symfoniczny jest antropocentryczny.

Główną zasadą organizacji form cyklicznych jest KONTRAST, KTÓRY WYRAŻ JEST ZMIENNY HISTORYCZNIE I WPŁYWA NA RÓŻNE ŚRODKI WYRAŻENIA MUZYCZNEGO.

Formy cykliczne rozpowszechniły się w epoce baroku (koniec XVI – pierwsza połowa XVIII w.). Są one bardzo różnorodne: dwuczęściowe cykle z fugą, koncertami Grossi, koncertami na instrument solowy i orkiestrę, suity, partity, sonaty solowe i zespołowe.

Korzenie wielu form cyklicznych sięgają dwóch typów uwertur operowych XVII w., tzw. francuskich (Lully) i włoskich (A. Stradella, A. Scarlatti), stosujących standaryzowane kontrasty tempa. W uwerturze francuskiej najbardziej znaczący był stosunek pierwszej części wolnej (o charakterze uroczysto-żałosnym) do szybkiej polifonicznej sekundy (zwykle fugi), zakończonej czasem krótkim Adagio (czasem opartym na materiale części pierwszej) ). Ten typ relacji tempa, powtarzany, staje się dość typowy dla sonat zespołowych i Concerti Grossi, składających się zwykle z 4 części. W Concerti Grossi Corelliego, Vivaldiego i Haendla funkcja wstępu jest dość wyraźnie wyrażona w częściach pierwszych. Rozwija się nie tylko dzięki powolnemu tempu i stosunkowo krótkiej długości, ale także dzięki występującej czasem otwartości harmonicznej.

Wyróżnia się 6 Koncertów brandenburskich J.S. Bacha (1721), w którym wszystkie pierwsze części są nie tylko pisane w szybkim tempie, ale są najbardziej rozbudowane, rozbudowane, determinujące dalszy rozwój cykli. Ta funkcja pierwszych części (z różnicami w formacji wewnętrznej) antycypuje funkcję części 1 w późniejszym cyklu sonatowo-symfonicznym.

Wpływ tego typu relacji tempowych jest nieco mniej zauważalny w bliskich im suitach i partitach. W proporcji tańców „obowiązkowych” występuje powtarzający się i nasilający kontrast tempowo-rytmiczny: umiarkowanie wolne dwutaktowe allemande zostaje zastąpione umiarkowanie szybkim trzytaktowym gongiem, bardzo wolne trzytaktowe sarabanda zostaje zastąpione bardzo szybki występ (zwykle w sześciu taktach po dwanaście taktów, łączący dwa i trzy takty). Cykle te są jednak dość dowolne pod względem liczby części. Często występują części wprowadzające (preludium, preludium i fuga, fantazja, sinfonia), a pomiędzy sarabandą a gigue występowały tzw. „wstawione”, więcej taniec nowoczesny(gawot, menuet, bourre, rigaudon, lure, musette) i arie. Często wstawiane były dwa tańce (szczególnie typowe dla menuetów i gawotów), na końcu drugiego znajdowała się instrukcja powtórzenia pierwszego. Bach zachował w swoich suitach wszystkie „obowiązkowe” tańce, inni kompozytorzy traktowali je bardziej swobodnie, włączając tylko jeden lub dwa z nich.


W partitas, gdzie często zachowane są wszystkie „obowiązkowe” tańce, zakres gatunków numerów wstawek jest znacznie szerszy, na przykład rondo, capriccio, burleska.

W zasadzie w zestawie (rzędzie) tańce są równe, nie ma różnorodności funkcjonalnej. Jednakże pewne cechy zaczynają się pojawiać. W ten sposób sarabanda staje się lirycznym centrum suity. Bardzo różni się od powściągliwego, surowego, ciężkiego i uroczystego codziennego prototypu swoją wysublimowaną delikatnością, wyrafinowaniem, teksturowanym wdziękiem i dźwiękiem w rejestrze średnio-wysokim. Często to właśnie sarabandy posiadają ozdobne sobowtóry, co wzmacnia ich funkcję jako centrum lirycznego. W jig (najbardziej „powszechnym” pochodzeniu - taniec angielskich marynarzy), najszybszym tempie, dzięki swojej energii, masowemu charakterowi i aktywnej polifonii, kształtuje się funkcja finału.

Relacje tempowe UWERTURY WŁOSKIEJ, składającej się z trzech części (ekstremalnej – szybkiej, polifonicznej, środkowej – wolnej, melodyjnej), przekształcają się w trzyczęściowe cykle koncertów na instrument solowy (rzadziej na dwóch lub trzech solistów) z orkiestrą . Pomimo zmian formy, trzyczęściowy cykl koncertów zachował stabilność w swym ogólnym zarysie od XVII w. aż do epoki romantyzmu. Aktywny, konkurencyjny charakter pierwszych części niewątpliwie bardzo przypomina klasyczne allegro sonatowe.

Szczególne miejsce zajmują cykle dwuczęściowe z fugą, gdzie zasadniczy kontrast występuje w różnych typach myślenie muzyczne: bardziej swobodny, improwizacyjny, czasem bardziej homofoniczny w pierwszych częściach (preludium, toccata, fantazje) i ściślej zorganizowany logicznie w fugach. Relacje tempa są bardzo zróżnicowane i wymykają się typizacji.

Na kształtowanie się cyklu sonatowo-symfonicznego istotny wpływ miały pierwsze części koncertów na instrument solowy i orkiestrę (przyszłe symfonie sonatowe Allegri), liryczne sarabandy suit (prototypy symfonicznych Andanti), aktywne, energetyczne koncerty (prototyp finałów). W pewnym stopniu symfonie ujawniają także wpływ Concerti Grossi w ich powolnych początkowych częściach. Wiele symfonii klasyków wiedeńskich rozpoczyna się od powolnych wstępów o różnej długości (zwłaszcza Haydna). Wpływ suit jest także widoczny w obecności menueta przed finałem. Odmienna jest jednak koncepcja merytoryczna i definicja funkcjonalna części cyklu sonatowo-symfonicznego. Treść suity, którą określono jako RÓŻNORODNOŚĆ JEDNOŚCI, w cyklu sonatowo-symfonicznym można sformułować jako JEDNOŚĆ RÓŻNORODNOŚCI. Części cyklu sonatowo-symfonicznego są znacznie sztywniej skoordynowane funkcjonalnie. Gatunek i role semantyczne poszczególnych części odzwierciedlają główne aspekty ludzkiej egzystencji: działanie (Homo agens), kontemplację, refleksję ( Homo sapiens), odpoczynek, zabawa (Homo ludens), człowiek w społeczeństwie (Homo communis).

Cykl symfoniczny ma zamknięty profil tempa, oparty na zasadzie SKOKÓW Z WYPEŁNIENIEM. Semantyczne przeciwieństwo Allegriego z pierwszych części i Andanti podkreślane jest nie tylko przez ostrą relację tempa, ale także, z reguły, przez kontrast tonalny.

Cykle symfoniczne i kameralne przed Beethovenem znacznie się od siebie różniły. Symfonia ze względu na środki wykonawcze (orkiestra) przyjmowała zawsze rodzaj „publiczności” na wzór przedstawienia teatralnego. Dzieła kameralne wyróżniają się większą różnorodnością i swobodą, co zbliża je do narracyjnych gatunków literackich (warunkowo oczywiście), do większej osobistej „intymności” i liryzmu. Najbliższe symfonii są kwartety, inne zespoły (tria, kwintety o różnym składzie) są mniej liczne i często bliższe bardziej swobodnej suitie, a także rozrywkom, serenadom i innym gatunkom muzyki orkiestrowej.

Sonaty fortepianowe i zespołowe mają zwykle 2-3 części. W częściach pierwszych najpowszechniejsza jest forma sonatowa (zawsze w symfoniach), ale spotyka się także inne formy (np. złożone trzyczęściowe, wariacje, rondo u Haydna i Mozarta, wariacje u Beethovena).

Główne odcinki pierwszych części symfonii utrzymane są zawsze w tempie Allegro. W sonatach kameralnych dość powszechne jest również oznaczenie tempa Allegro, ale spotyka się również określenia tempa spokojniejszego. W sonatach solowych i kameralnych nierzadko zdarza się łączenie ról o charakterze funkcjonalnym w ramach jednej części (np. lirycznej i tanecznej, tanecznej i finałowej). Cykle te są pod względem treści bardziej zróżnicowane, stają się niejako „laboratorium” dalszego rozwoju cykli. Na przykład gatunek scherzo pojawia się po raz pierwszy w sonatach fortepianowych Haydna. Później scherzo stanie się pełnoprawną częścią cyklu sonatowo-symfonicznego, zastępując niemal menuet. Scherzo ucieleśnia szerszy semantyczny element zabawy (od codziennej zabawy po grę sił kosmicznych, jak na przykład w IX Symfonii Beethovena). O ile Haydn i Mozart nie mieli sonat czteroczęściowych, o tyle wczesne sonaty fortepianowe Beethovena operują typowymi dla symfonii relacjami tempa i gatunku.

W dalszym historycznym rozwoju cyklu sonatowo-symfonicznego (począwszy od Beethovena) następuje „rozgałęzienie” (ze wspólnymi „korzeniami”) w gałąź „tradycyjną”, aktualizującą treść od wewnątrz i mającą charakter bardziej radykalny, „innowacyjny”. ”. W „tradycyjnym” wzmacniane są obrazy liryczne, epickie, często wprowadzane są szczegóły gatunkowe (romans, walc, elegia itp.), Ale zachowana jest tradycyjna liczba części i role semantyczne. Ze względu na nową treść (liryczną, epicką) pierwsze części tracą szybkie tempo, zachowując intensywność przebiegu proceduralnego i znaczenie części determinującej cały cykl. Scherzo staje się zatem częścią drugą, przenosząc ogólny kontrast w głąb cyklu, pomiędzy częścią wolną (najbardziej osobistą) a finałem mszy szybkiej, co nadaje rozwojowi cyklu większe aspiracje (związek menueta z finał, często także taneczny, jest bardziej jednowymiarowy, odciągający uwagę słuchaczy).

W symfoniach klasycznych najbardziej typowe pod względem formy są części pierwsze (forma sonatowa i jej odmiany; o większej różnorodności form pierwszych części sonat kameralnych wspominano powyżej). W menuetach i scherzach zdecydowanie dominuje (oczywiście nie bez wyjątków) złożona forma trójdzielna. Największą różnorodnością formacji wyróżniają się części najwolniejsze (formy proste i złożone, wariacje, rondo, sonata we wszystkich odmianach) i finały (sonata z wariacjami, wariacje, rondo, rondo sonata, czasem złożona trójczęściowa).

W muzyce francuskiej XIX w. rozwinął się rodzaj symfonii trójczęściowej, w której części drugie łączą w sobie funkcje powolnej (części zewnętrzne) i taneczno-scherza (środkowe). Takie są symfonie Davida, Lalo, Francka, Bizeta.

W branży „innowacyjnej” (jeszcze raz trzeba przypomnieć wspólność „korzeni”) zmiany są zewnętrznie bardziej zauważalne. Często powstają pod wpływem programowania (VI Symfonia Beethovena, „Fantastyczna”, „Harold we Włoszech”, Symfonia „Żałoba i Triumfalna” Berlioza), niezwykłych kompozycji wykonawczych i pomysłów (IX Symfonia Beethovena, II, III, IV Symfonia Mahlera). . Może nastąpić „podwojenie” partii, szeregowo lub symetrycznie (niektóre symfonie Mahlera, III Symfonia Czajkowskiego, II Symfonia Skriabina, niektóre symfonie Szostakowicza), synteza różnych gatunków (symfonia kantata, symfonia koncertowa).

W połowie XIX wieku cykl sonatowo-symfoniczny nabrał znaczenia gatunku najbardziej konceptualnego, budząc szacunek dla siebie, co prowadzi do pewnego ilościowego spadku cykli sonatowo-symfonicznych. Ale jest jeszcze jeden powód związany z estetyką romantyczną, która starała się uchwycić wyjątkowość każdej chwili. Jednak wszechstronność bytu może urzeczywistnić się jedynie w formie cyklicznej. Funkcję tę z powodzeniem spełnia nowy apartament, charakteryzujący się niezwykłą elastycznością i swobodą (ale nie anarchią), wychwytujący kontrasty w całej różnorodności ich przejawów. Często suity tworzone są w oparciu o muzykę innych gatunków (do spektakli dramatycznych, opery i baletu, a później w oparciu o muzykę do filmów). Nowe suity są zróżnicowane pod względem wykonawstwa kompozycji (orkiestrowe, solowe, zespołowe) i mogą mieć charakter programowy lub nieprogramowy. Nowa suita upowszechniła się w muzyce XIX i XX wieku. W tytule nie wolno używać słowa „suita” („Motyle”, „Karnawał”, Kreisleriana, Utwory fantastyczne, Karnawał w Wiedniu, Album dla młodzieży i inne dzieła Schumanna, Pory roku Czajkowskiego, Obrazy z wystawy Musorgskiego). Wiele dzieł miniaturowych (preludiów, mazurków, nokturnów, etiud) jest zasadniczo podobnych do nowej suity.

Nowa suita oscyluje wokół dwóch biegunów – cyklu miniatur i symfonii (obie suity Griega z muzyką do dramatu Ibsena Peer Gynt, Szeherezada i Antar Rimskiego-Korsakowa).

Organizacyjnie zbliżoną do nowej suity są cykle wokalne, zarówno „fabułowe” („Żona pięknego młynarza” Schuberta, „Miłość i życie kobiety” Schumanna), jak i uogólnione („Winter Reise” Schuberta, „ Miłość poety” Schumanna), a także cykle chóralne i niektóre kantaty.

Często w muzyce barokowej, a także klasycznej i późniejszej nie zawsze udaje się określić liczbę części, gdyż występująca dość często reżyseria sceniczna attacca nie zakłóca biegu percepcyjnego czasu muzycznego. Często też zdarza się, że muzykę niezależną tematycznie i w dużej mierze formalną przedzielają dwie subtelne linie taktowe (Sinfonia z Partity c-moll Bacha, Sonata a-moll na skrzypce i fortepian Mozarta /K-402 /, Fantazja c-moll /K -457/, Sonaty na wiolonczelę i fortepian Beethovena op. 69, op. 102 nr 1 i wiele innych utworów różnych autorów), co prowadzi do powstania form indywidualnych (swobodnych). Można je nazwać kompozytem kontrastowym (termin V.V. Protopopowa) lub ciągłym cyklicznym.

Dopuszczalne jest wykonywanie poszczególnych części utworów cyklicznych, jednak całość cykli łączy KONCEPCJA ARTYSTYCZNA, KTÓREJ REALIZACJA REALIZUJE SIĘ ZA POMOCĄ ŚRODKÓW MUZYCZNYCH.

Jedność może objawiać się w sposób ogólny: poprzez tempo, figuratywne wezwania części, podobne zasady harmoniczne, plan tonalny, strukturę, organizację metrorytmiczną, powiązania intonacyjne we wszystkich partiach, a zwłaszcza w skrajnych. Ten rodzaj jedności to WSPÓLNA MUZYKA. ROZWIJAŁA SIĘ W CYKLICZNYCH FORMACH BAROKU i jest warunkiem koniecznym artystycznej użyteczności form cyklicznych każdej epoki.

Ale jedność cyklu można osiągnąć wyraźniej i konkretnie: za pomocą kompleksowego rozwiązania motywy muzyczne, wspomnienia lub, znacznie rzadziej, zwiastuny. Ten typ jedności powstał w procesie rozwoju i złożoności form muzyki instrumentalnej, po raz pierwszy pojawił się u Beethovena (w V, IX Symfonii, niektórych sonatach i kwartetach). Z jednej strony TEMATYCZNA zasada jedności (omówiona szczegółowo przez M.K. Michajłowa w artykule „O tematycznej unifikacji cyklu sonatowo-symfonicznego” // Zagadnienia teorii i estetyki muzyki: numer 2. - M.: S.K. , 1963) powstaje jako „kondensacja”, koncentracja powiązań intonacyjnych, z drugiej strony można dostrzec wpływ muzyki programowej i po części motywu przewodniego dramaturgii operowej;

Tematyczna zasada jedności w pewnym stopniu narusza taką cechę form cyklicznych, jak niezależność tematyki części, nie wpływając na niezależność budowania form (przenoszenie tematów z reguły następuje w nieuregulowanych sekcjach form - we wstępach i głównie kody). W dalszym rozwoju historycznym tematyczna zasada jedności przekształciła się w dedukcyjną, w której kształtowanie się poszczególnych części bardziej bezpośrednio zależy od ogólnej figuratywnej, treściowej i kompozycyjnej koncepcji cyklu. Tematyka poprzednich części aktywnie wpływa na powstawanie kolejnych, uczestnicząc w ich głównych odcinkach (np. w rozwinięciach), bądź też powoduje modulację w formie, transformację stereotypu.

Podstawowa literatura:

1. Berkov V.S. Forma sonatowa i struktura cyklu sonatowo-symfonicznego. M.: Kompozytor radziecki, 1961.

2. Bobrovsky V.P. Funkcjonalne podstawy formy muzycznej. M.: Muzyka, 1978.

3. Mazel L.A. Struktura dzieł muzycznych. M.: Muzyka, 1979.

4. Mazel L.A., Tsukkerman V.A. Analiza dzieł muzycznych. M.: Muzyka, 1967.

5. Sokołow O.V. Morfologiczny system muzyki i jego układ gatunki artystyczne. Niżny Nowogród, 1994.

6. Spoosobin I.V. Forma muzyczna. M.: GMI, 1956.

7. Chołopowa V.N. Formy dzieł muzycznych. Petersburg: Lan, 1999.

Dalsza lektura:

1. Asafiev B.V. Forma muzyczna jako proces. L.: Muzyka, 1971.

2. Aranovsky M.G. Zadania symfoniczne. L.: Kompozytor radziecki, 1979.

3. Kats BA O wyznaczeniu cyklu wariacyjnego // Muzyka radziecka. – 1974. №2.

4. Kohoutek Ts. Technika kompozytorska w muzyce XX wieku. M., 1976.

5. Medushevsky V.V. O prawach i środkach artystycznego oddziaływania muzyki. M.: Muzyka, 1976.

6. Medushevsky V.V. O muzycznych uniwersaliach. Kompozycja i dramaturgia / S.S. Skrebkov: Artykuły i wspomnienia. M.: Kompozytor radziecki, 1979.

7. Michajłow M.K. O unifikacji tematycznej cyklu sonatowo-symfonicznego // Zagadnienia teorii i estetyki muzyki. Tom. 2. M.: Kompozytor radziecki, 1963.

8. Nazaykinsky E.V. Logika kompozycji muzycznej. M.: Muzyka, 1982.

9. Protopopow V.V. Procesy wariacyjne w formie muzycznej. M.: Muzyka, 1967.

10. Rytm. Przestrzeń i czas w literaturze i sztuce: sob. artykuły - L.: Nauka, 1974.

11. Sokołow O.V. O dwóch podstawowych zasadach formacji w muzyce. // O muzyce. Problemy analizy. – M.: Kompozytor radziecki, 1974.

12. Feinberg E.L. Sztuka i wiedza // Zagadnienia filozofii. 1967. Nr 7.

13. Cholopova V.N. Zagadnienia rytmu w twórczości kompozytorów XX wieku. M.: Muzyka, 1980.

14. Cholopowa V.N. Rosyjski rytm narodowy. M.: Kompozytor radziecki, 1982.

15. Hristov D. Teoretyczne podstawy melodii. M.: Muzyka, 1980.

16. Tsukkerman V.A. Analiza dzieł muzycznych. Ogólne zasady kształtowania. Proste formy. M.: Muzyka, 1980.

17. Tsukkerman V.A. Analiza dzieł muzycznych. Złożone kształty. M.: Muzyka, 1983.

18. Tsukkerman V.A. Analiza dzieł muzycznych. Forma odmiany. M.: Muzyka, 1974.

19. Tsukkerman V.A. Analiza dzieł muzycznych. Rondo w swoim historycznym rozwoju. Część 1, 2. M.: Muzyka, 1988.

Rozdział 2 Gatunki muzyki chóralnej

Tematy 11 -12 CYKLI MUZYKI WOKALNEJ I CHÓRALNEJ

Kompozytorzy często łączą utwory wokalne, chóralne i instrumentalne w cykle. Przypomnijmy cykl instrumentalny Camille’a Saint-Saënsa „Karnawał zwierząt”. Muzyka tego utworu jest pełna humoru, zawiera głosy zwierząt.

Najbardziej ulubioną sztuką wielu fanów twórczości K. Saint-Saënsa jest „Łabędź”. W główny temat Utwór ten, w wykonaniu wiolonczeli, przedstawia pełen wdzięku ruch łabędzia po wodzie.

Cykl wokalny to cykl romansów lub piosenek połączonych jedną ideą.

Przypomnij sobie, jakiego utworu z cyklu „Karnawał zwierząt” C. Saint-Saënsa słuchałeś na poprzednich zajęciach. Co łączy dzieła tego cyklu?

Rosyjski kompozytor Modest Pietrowicz Musorgski stworzył niezrównany cykl wokalny „Dzieci”, składający się z siedmiu miniatur muzycznych do wykonania przez jednego lub dwóch wokalistów z towarzyszeniem fortepianu. Do każdej z tych małych scen kompozytor sam napisał wiersze.

Miniatura to niewielki utwór muzyczny, najczęściej utwór instrumentalny.

W pierwszym spektaklu zatytułowanym „Z nianią” dziecko namawia nianię do opowiadania różnych historii. Osobliwością tego utworu jest to, że kompozytor przekazuje emocjonalny urok chłopca poprzez recytatyw. W tym przypadku akcentowane sylaby w słowach akh pokrywają się ze skokiem melodycznym. Dzięki tym środkom muzycznym powstaje wrażenie żywej mowy dziecka.

Drugie dzieło z cyklu – „W kącie” rozpoczyna się „wysoką” nutą emocjonalną niani, która jest zła na swojego zwierzaka Mikhasika. Ciągłe ósemki są swego rodzaju akompaniamentem do vigukuvanu: „Och, ty dowcipnisie! Odwinąłem piłkę i zgubiłem pręty! Wow! Opuściłem wszystkie zawiasy! Pończocha jest cała pochlapana atramentem!” Pod trzema kątami można usłyszeć rozgrzewającą serce reakcję chłopca, wyrażoną w drobniejszych intonacjach z opadającym zakończeniem. Dziecko wyjaśnia niani, że to kotek spowodował krzywdę, a nie on.

Okładka drukowanych nut do serii „Dzieci”. Musorgski

Mowa Mikhasa stopniowo się rozwija – zmienia się dynamika, tempo przyspiesza, niepewne intonacje uzasadnień przeradzają się w krzyk obrażonego dziecka. W ostatnich czterech taktach tempo muzyki nieco zwalnia – chłopiec „grozi” niani, że w przyszłości nie będzie jej kochał, bo go obraziła.

W cyklu znalazły się spektakle „Bug”, „Z lalką”, „Na dobranoc”, „Kot żeglarz”, „Na patyku”. Inne, które kompozytor grał dla przyjaciół, nie zachowały się w formie muzycznej.

W każdej części dzieci na różne sposoby pokazują swoje cechy charakteru. sytuacje życiowe. Aby to osiągnąć, autor harmonijnie łączy słowa i muzykę. Dzięki tej interakcji każdy z utworów muzycznych i poetyckich stwarza wrażenie dzieła całościowego i kompletnego, mającego prawo do życia poza cyklem.

Modest Musorgski, „Z nianią”, „W kącie” z cyklu wokalnego „Dzieci”.

Jaka była Twoja ulubiona scena wokalna? Co środki muzyczne Czy kompozytor odsłania świat dziecka? Zwróć uwagę na wyrazistość melodii wokalu i jej związek z tekstem. Jaka jest rola akompaniamentu instrumentalnego w kreowaniu obrazów muzycznych i poetyckich?

PORTRET KOMPOZYTORA

Modest Pietrowicz Musorgski:

„Jeśli dźwiękowy wyraz ludzkich myśli i uczuć w prostej mowie zostanie wiernie odzwierciedlony w mojej muzyce, a taka reprodukcja ma charakter muzyczny artystyczny, to wszystko jest w porządku!”

Modest Pietrowicz Musorgski (1839-1881) - rosyjski nowatorski kompozytor, autor arcydzieła opery„Borys Godunow” i „Khovanshchina”, których muzyka ma głębokie korzenie narodowe. Jest także autorem orkiestrowych i kameralnych dzieł instrumentalnych, romansów, na których tworzeniu się wzorował sztuka ludowa. Prace artysty wyróżnia głębia, dramatyzm i prawdziwość obrazów.

Urodzony we wsi. Karewo, obwód pskowski. Studiował i pracował w Petersburgu, służył w wojsku. Kompozytor nie otrzymał profesjonalnego wykształcenia muzycznego i zaczął tworzyć muzykę jako amator (amator).

Jednak później zdecydował się poświęcić swoje życie sztuce, odchodząc ze służby.

Aktywną pracę twórczą rozpoczął w szeregach słynnego narodowo-patriotycznego kręgu rosyjskich kompozytorów „Potężna Garść”. Potrzeby materialne zmusiły go jednak do ponownej pracy jako urzędnik w różnych instytucjach, co odrywało go od kreatywności.

W 1879 roku wraz ze śpiewaczką operową Darią Leonową odbył tournée koncertowe po miastach Ukrainy. Motywy ukraińskie znajdują odzwierciedlenie w jego niedokończonej operze „Jarmark Sorochinskaja” na podstawie dzieło o tym samym tytule Mikołaj Gogol.

Pomnik N. Musorgskiego w pobliżu szkoła muzyczna w Krzywym Rogu (Ukraina)

1. Jakie dzieła łączą się w cykle muzyczne? Jaka jest podstawa cyklu wokalnego?

2. Podaj przykłady utworów muzycznych w utworze: instrumentalnym, wokalnym, zapisanych w formie cyklu.

Projekt muzyczny. Wejdź do działu biblioteki szkolnej „Muzyka dla dzieci”. Wybierz ze swojej biblioteki muzycznej zdjęcia przedstawiające dzieci, które mogą służyć jako ilustracje motto do każdego cyklu. Przydział do woli. Stwórz cykl kilku znanych piosenek na konkretny temat, nadaj mu nazwę. Pomyśl o konstrukcji cyklu wokalnego, rozwoju muzyki zgodnie z wybraną fabułą utworu i treścią otaczających go pieśni.

W cykle muzyczne należą do zbiorów pieśni lub sztuk teatralnych, stworzonych według określonego tematu lub zawartych z autorami fragmentów własnych oper, baletów, symfonii.

Jednym z najbardziej ukochanych tematów, który od zawsze inspiruje kompozytorów do tworzenia „magicznej” muzyki, jest święto Bożego Narodzenia. Tak więc cykl fortepianowy miniatur do melodii kolęd, powszechny w życiu codziennym Ukraińców, należy do twórczości Wasilija Barwińskiego.

Nie pozostali z boku także zagraniczni artyści, z których wielu zapewniło słuchaczom radosne chwile przy świątecznej muzyce. Na przykład brytyjski kompozytor Benjamin Britten stworzył chóralny cykl kolęd, które można usłyszeć podczas świąt Bożego Narodzenia w sale koncertowe różne kraje.

Jestem w świecie muzyki: postrzegam, rozumiem

Benjamin Britten, „Wieniec kolęd” lub „Wieniec kolęd” na chór, solistów wiolinowych i harfę (nr 2, 5, 10).

Opisz ogólny nastrój pracy i indywidualny miniatury chóralne. Jakie barwy barwy przynosi dźwięk harfy?

PORTRET KOMPOZYTORA

Benjamin Britten:

„Nie poddawaj się, gdy po raz pierwszy usłyszysz nowy utwór i nie zrozumiesz go… Pamiętaj, że muzyka to nie rozrywka, chociaż muzyka lekka temu służy.”

Benjamin Britten (1913-1976) – brytyjski pianista, dyrygent, jeden z najwybitniejszych kompozytorów XX wieku, którego twórczość reprezentuje niemal wszystkie gatunki muzyczne.

Urodzony w Suffolk, w rodzinie lekarza. Już jako dziecko odkrył zdolności muzyczne i rozpoczął naukę muzyki pod okiem swojej matki, pianistki-amatorki i czynnej uczestniczki miejscowego chóru. Pierwsze małe zabawy inspirowane wrażeniami życie rodzinne, pojawił się wcześnie - w wieku 8 lat. W wieku 12 lat Benjamin napisał „Symfonię prostą” na orkiestrę smyczkową, a w wieku 16 lat wstąpił do Królewskiej Akademii Muzycznej. uczelnia muzyczna(konserwatorium). W czasie studiów napisał wiele utworów chóralnych, symfonicznych i kameralnych, w tym kilka piosenek dla dzieci. Od tego czasu autor nieustannie zwraca się w stronę muzyki dla dzieci.

Młody kompozytor dostał pierwszą pracę w wytwórni filmowej filmy dokumentalne, gdzie działał niewielki zespół instrumentalny. Dzięki pracy w kinie Britten szybko nauczył się pisać muzykę, nawet gdy nie było inspiracji, i to na różne, często wcale nie poetyckie tematy (na przykład o rozładunku statku).

W 1939 roku, kiedy wybuchła II wojna światowa, Britten wyjechał do Ameryki. W odpowiedzi na tragiczne wydarzenia, które miały miejsce w Europie, powstała kantata „Ballada o bohaterach” – poświęcona walce z faszyzmem w Hiszpanii. Trzy lata później kompozytor wrócił do ojczyzny i osiadł w nadmorskiej miejscowości Aldbour. Tam świat zobaczyło kilka oper, w szczególności „Peter Grimes”.

Artysta napisał także wiele utworów muzycznych dla dzieci i młodzieży. W spektaklu „stwórzmy operę” biorą udział sami młodzi widzowie.

OH U POLI PLOW RUDY

O, na polu jest pług.

Hojny wieczór, dobry wieczór,

Dobre zdrowie dobrym ludziom!

(Powtórz po każdym wierszu.)

Tam Wasilko idzie z pługiem.

Matka przynosi mu jedzenie.

Ori, synu, thuyu nivka.

Tak, i posiejemy trochę pszenicy.

1. Wymień znane Tobie i ich autorom cykle wokalno-chóralne.

2. Przypomnij sobie i wyjaśnij, kiedy w okresie świąt Bożego Narodzenia i Nowego Roku śpiewa się kolędy, a kiedy śpiewa się šedrivki.

Projekt muzyczny. Dowiedz się, jakie kolędy i schedrivki są popularne w Twojej okolicy. Zapisz tytuły i teksty swoich ulubionych piosenek. Jeśli to możliwe, nagraj melodie. Stwórzcie wspólnie z rodzicami lub dorosłymi „Wieniec Kolęd i Prezentów dla Mojej Rodziny” lub „Świąteczny Wianek Pieśni z Mojej Ziemi”.






















Wstecz Naprzód

Uwaga! Podglądy slajdów służą wyłącznie celom informacyjnym i mogą nie odzwierciedlać wszystkich funkcji prezentacji. Jeśli jesteś zainteresowany tę pracę, pobierz pełną wersję.

Typ lekcji: Lekcja studiowania i pierwotnego utrwalania nowej wiedzy i metod działania (organizowanie działań uczniów w zakresie percepcji, rozumienia i pierwotnego zapamiętywania nowej wiedzy i metod działania).

Cel dydaktyczny: stworzyć warunki do zrozumienia i zrozumienia bloku nowych informacji o cyklicznych formach muzycznych, zastosować je w nowej sytuacji edukacyjnej, sprawdzić poziom przyswojenia systemu wiedzy i umiejętności,

Cele treści:

Edukacyjny:

  • zapoznanie studentów z przykładami cyklicznych form muzycznych na przykładzie koncertu instrumentalnego;
  • zapoznanie studentów z cechami formy koncertu instrumentalnego w oparciu o cechy stylu muzycznego A. Schnittkego;
  • rozwijać nowe umiejętności, zdolności i wiedzę na temat dramaturgii muzycznej koncertu;
  • utrwalić wiedzę z zakresu pojęć: polistylistyka, stylizacja.
  • zapoznanie studentów z technikami kompozytorskimi pozwalającymi na łączenie przeszłości i teraźniejszości w utworze muzycznym.

Rozwojowy:

  • potrafić ustalić wszelkie możliwe powiązania dzieła ze zjawiskami sztuki i życia (powiązania metaprzedmiotowe: formy cykliczne w muzyce, kolaż we współczesnej sztuce plastycznej);
  • rozwijaj się w oparciu o wszystkie te połączenia własną postawę Do tę pracę poprzez twórcze, produktywne ucieleśnienie;
  • umiejętność dostrzegania powiązań między dziełami teraźniejszości i przeszłości, cechy muzyki dawnej w nowoczesna praca;
  • potrafić dostrzec powiązania pomiędzy utworami kultura muzyczna, sztuki piękne i kino;
  • rozwijać u dzieci umiejętność rozróżniania ze słuchu brzmienia instrumentu solowego i orkiestry, ich relacji;
  • kontynuować kształtowanie doświadczeń słuchowych w procesie poznawania dzieł muzyki instrumentalnej;

Edukacyjny:

  • kultywować miłość i szacunek dla dziedzictwa muzycznego kompozytorów rosyjskich oraz tradycji włoskiej i niemieckiej muzyka klasyczna;
  • zachęcaj uczniów, aby w sposób przemyślany i uważny szanowali tradycje o przeszłości, charakterze narodowym lub historycznym;
  • rozwijać umiejętności komunikacyjne, ćwiczyć zasadę uczenia się poprzez współpracę (twórcze działanie w parach);
  • rozwijać zdolność do samorealizacji i samostanowienia poprzez działania twórcze i produktywne;
  • tworzenie warunków do włączania każdego ucznia do aktywności proces poznawczy uwzględnienie cech psychologicznych i osobistych uczniów;
  • zwiększenie motywacji do nauki poprzez zaangażowanie w zajęcia indywidualne proces twórczy(praca nad kreatywnym zadaniem).

Metody: częściowo poszukiwawcze, reprodukcyjne, podejście metaprzedmiotowe.

Wsparcie informacyjne i metodyczne: Komputer, projektor multimedialny, tablica interaktywna, materiały dydaktyczne pod redakcją E. D. Kritskiej.

Wykorzystane oprogramowanie: Power Point, Internet Explorer, Media Player Classic.

Środki techniczne: nagrania „The night pass” do tekstu. R. Rozhdestvensky, muzyka. A. Rybnikowej, „Concerto Grosso” A. Schnittke (część V, rondo), „Chaconne” I. Bacha, fragment filmu Richarda Viktorova „Młodzież we wszechświecie”, prezentacja na temat formy cyklicznej i koncertu, prezentacja wideo dla Piosenka Rybnikowa, slajdy z reprodukcjami P. Filonowa „Głowa”, I. Lewitana „Jezioro Rus”, Alfreda Sisleya „Samotna ścieżka”, Niccolo Poussina „Krajobraz z dwiema nimfami”.

Wykorzystane kompetencje: wartość-semantyczna, ogólnokulturowa, edukacyjno-poznawcza, doskonalenie osobiste, poszukiwania.

Rodzaje i formy kontroli: poprawianie ustnych odpowiedzi uczniów, obserwacja procesu twórczego podczas pracy w parach.

Problem z lekcją: identyfikować sprzeczności muzyki współczesnej poprzez powiązania zjawisk życia ze zjawiskami w sztuce, a także ustalać powiązania pomiędzy różnymi epokami historycznymi.

Przewidywany wynik:

  • potrafić odbierać słuchowo i rozumieć strukturę cyklicznych form muzycznych;
  • umiejętność zrozumienia powodów odwoływania się współczesnych kompozytorów do form muzyki klasycznej z przeszłości poprzez współczesne ucieleśnienie koncertowe.

Zwiększona wiedza, kreatywność:

  • umiejętność ucieleśnienia odbioru dzieła muzycznego poprzez formy plastyczne (rzeźbienie, tworzenie singla holistyczny obraz– kolaż);
  • umiejętność wzięcia udziału we wspólnym wykonaniu, elementy improwizacji i kreatywności;
  • zapoznanie się z dziełami muzycznymi, sztukami plastycznymi, kinem spoza zadanego programu.

Racjonalne uzasadnienie.

Lekcja ta odbywa się w ramach drugiej połowy roku „Cechy dramaturgiczne muzyki kameralnej i symfonicznej”. Tutaj, dzięki znajomości dzieł sztuki różnych stylów i epok, nastolatki mają okazję nawiązać dialog z rówieśnikami i ludźmi z odległej przeszłości (jakby odwiedzali inne czasy). Dzięki temu uczniowie mają możliwość nawiązania związku pomiędzy otaczającym ich światem a pojawieniem się dzieł odzwierciedlających to, co dzieje się w tym świecie (metaprzedmiotowy charakter obiektów artystycznych). To także wersja lekcji prozdrowotnej, będącej efektem poszukiwania rozwiązań problemów poprzez kreatywność, samodzielne ucieleśnianie się w obrazach tego, co zasłyszane (słuchanie poważnej muzyki klasycznej – tworzenie fragmentów kolażu).

Punkt organizacyjny: uczniowie wchodzą do klasy przy muzyce A. Rybnikowa, na ekranie wyświetlana jest prezentacja wideo nr 1 do piosenki (zanurzenie słuchowe), na biurkach są wstępnie przymocowane arkusze albumów, układane są pudełka z plasteliną. Slajd nr 1.

Struktura i treść lekcji

Część lekcji, czas Treść działania Notatki
1. Część wprowadzająca. Sprawdzanie gotowości uczniów do zajęć.

Slajd numer 2.

 Materiał wideo zatrzymuje się.

Wskazujemy temat lekcji, cele i zadania.
2. Etap aktualizacji wiedza.

Część przygotowawcza.

 Nauczyciel:„Jak myślisz, jak wyobrażasz sobie całość otaczający nas świat autorzy piosenki, którą usłyszałeś wchodząc do biura?”

(przypominamy dzieciom, że autorami muzyki jest A. Rybnikov, a słowa napisał R. Rozhdestvensky). „Kiedy, w jakim czasie powstała ta piosenka? Dlaczego tak zdecydowałeś? Wyraź główną ideę założoną przez autorów.” Studenci ustalają, że piosenka ta mogła powstać w XX w., w czasie pokoju, gdyż autorzy wychodzą od idei świata jako harmonijnej i harmonijnej całości (co jasno wynika ze słów „Wezmę to wielki świat

 ”, kiedy ktoś marzył o locie w kosmos, o eksploracji przestrzeni gwiezdnej.
Opowieści nauczyciela towarzyszy pokaz slajdów. Nauczyciel

komentuje: „Rok filmu to rok 1975, kiedy człowiek po raz pierwszy poleciał w kosmos. Slajd nr 3. Stąd charakter pieśni – melodyjność – nastrój liryczny, cechy charakteru rosyjskiego – romantyczność, marzycielstwo, umiejętność pokonywania trudności, napisanej w formie walca (orientacja romantyczna).

Pierwszą osobą, która zrobiła krok w przestrzeń kosmiczną, był radziecki kosmonauta Aleksiej Leonow. Slajd numer 4. Nie tylko czuł, jak mała jest nasza planeta, ale także zdawał sobie sprawę z odpowiedzialności każdego człowieka za losy świata.

 Spójrzmy na naszą planetę jeszcze raz, ale tylko oczami artystów z różnych epok.”<Приложения №1>
„Noc minęła” (sekwencja wideo z filmu). Sekwencja wideo nr 2 z Jaki obraz wybrałbyś do tej piosenki? Dlaczego?

Slajdy nr 5,6,7.

Studenci: „Wyboru tego dokonano dlatego, że człowiek i świat stanowią harmonię, integralną jedność”.

Alfred Schnittke slajd nr 12. (1934 - 1998) żył w tym sprzecznym świecie i kiedy chciał przekazać ideę relacji między światem a człowiekiem (człowiek ma silną wolę, celowość, świat jest zły, wrogi, zwraca się wciąż do formy Concerto Grosso (XVII – XVIII w.) Znamy koncerty instrumentalne Antonia Vivaldiego nr 6<Приложения №1>

Dlaczego współczesny kompozytor adresuje tak starożytny gatunek?”

Studenci: „Kompozytor pragnie ukazać wyznanie człowieka czasów nowożytnych, który chłonął doświadczenia stuleci; człowiek jest częścią świata i ludzkiej kultury, nie można ich od siebie oddzielić, są zjednoczeni, choć sprzeczne nawzajem."

 Pokazujemy slajdy z reprodukcjami P. Filonowa „Głowa”, I. Lewitana „Jezioro Rus”, Alfreda Sisleya „Samotna ścieżka”, Niccolo Poussina „Pejzaż z dwiema nimfami”. Studenci wybierają „Jezioro Rus” lub „Lonely Path” Sisleya, ponieważ mają podobny charakter, nastrój i technikę wykonania.
Nauczyciel:„Masz rację. Okazuje się jednak, że muzyka ma też formy, w których poszczególne części składają się na większe dzieło. Wpisują się one w jeden plan kompozytora i nie da się ich od siebie oddzielić. Przypomnijmy sobie wspólnie takie dzieła. Są to: sonata, symfonia, suita, koncert.”

I to nie przypadek język muzyczny W koncercie Schnittke słychać echa melodii „Chaconne” J. Bacha. Zawiera głos skrzypiec, jak głos człowieka, ze wszystkimi jego poszukiwaniami, wątpliwościami i aspiracjami. Albo pyta, potem dzwoni, potem uzasadnia... Slajd nr 14.<Приложения №1>

Posłuchajmy fragmentu dzieła wielkiego niemieckiego kompozytora. #4 z
Nauczyciel: Slajd numer 13.

„Pamiętajmy, jak zbudowany jest gatunek Concerto Grosso.”

Studenci wspominają: „To muzyczny gatunek instrumentalny, polegający na naprzemienności i opozycji brzmienia całej obsady wykonawców i grupy solistów (koncert włoski, dosłownie – zgoda, z łac. koncert – konkurować).

Jest to cykliczna forma muzyki. FORMY CYKLICZNE, formy muzyczne składające się z kilku stosunkowo niezależnych części, które łącznie ujawniają jedną koncepcję artystyczną.

Nauczyciel: „To prawda. Takie formy istnieją także w sztukach plastycznych. Artyści także starali się wyrazić konfrontację świata z człowiekiem, jednak wyłącznie w kolorze. We współczesnym świecie wiele osób interesuje się tworzeniem kolaży. Czy wiesz, co to jest?”

 Po wysłuchaniu uczniowie ponownie otrzymują zdjęcia Slajd nr 15 i wybierają reprodukcję w formie kolażu, uzasadniając swój wybór sprzecznościami nowego stulecia, sprzecznościami w muzyce: przeciwstawieniem brzmienia skrzypiec solowych ( jak głos jednej osoby) i całej orkiestry (dźwięk całego świata).

Odtwarzany jest fragment Rondo 5 – część I. #5 z<Приложения №1>
3. Słuchanie muzyki. Wykonanie twórczego zadania. Nauczyciel:„Spróbujmy zjednoczyć świat muzyki i świat sztuk pięknych. Ponieważ człowiek wchodzi w ciągłą interakcję z otaczającym go światem, teraz słuchając muzyki Schnittke, zostajesz zaproszony do stworzenia kolażu. Podzielisz arkusz na dwie części i za pomocą modelowania jeden z was wcieli się w pierwszą część arkusza kondycja ludzka, a druga - na drugiej części arkusza - przekaże stosunek otaczającego świata do człowieka. Slajd nr 17, 18. Muzyka Schnittkego opowie, jak zakończy się konfrontacja świata z człowiekiem. Nie zapominaj, że wszystkie Twoje prace, jako części jednego świata, zostaną połączone we wspólny kolaż. I pamiętajcie, że każdy kolor odzwierciedla nastrój, myśli, emocje danej osoby” Slajd nr 19.

Fragment nr 5 z<Приложения №1>

 Po przemówieniu wprowadzającym nauczyciela dzieci zabierają się do pracy.

Przypominamy o tabeli klasyfikacji kolorów i ich związku z nastrojem danej osoby.<Приложение 2>.
4. Przeanalizuj utwór muzyczny. Opowieści nauczyciela towarzyszy pokaz slajdów. prosi o dokończenie praca twórcza, podpisz go na małych kartkach papieru leżących na biurku. Chłopaki wyrażają ideę swojej pracy w formie pisemnej i odpowiadają na pytania.

Slajd numer 20. Zwracamy uwagę na specyfikę muzyki Schnittkego – połączenie przeszłości i teraźniejszości (polistylistyka). Starożytna forma Concerto Grosso pomaga kompozytorowi oddać relację pomiędzy szybko zmieniającym się współczesnym światem a człowiekiem

(sprzeczność i jednocześnie jedność). Wszystko to było typowe i Dla, Epoka baroku

podczas którego powstaje forma koncertowa.

Na koncercie relacja solisty z orkiestrą podporządkowana jest wyższemu porządkowi, pojedynczej idei.
Powtarzamy, czym są formy cykliczne w muzyce, czerpiemy analogie w sztukach wizualnych (kolaż), w kinie (zasady montażu filmowego, częste zmiany klatek w filmie). 5. Ostatni etap. Konkluzja. Studenci

porównać artystyczny obraz swojej twórczości z muzyką Schnittkego i Bacha. Wniosek: w naszych czasach pojawiają się nowe możliwości ucieleśnienia tematów wojny i pokoju, życia i śmierci, miłości i nienawiści. Przyciąganie w utworze muzycznym różne style
6. Ocena pracy studenta. Oceniane są odpowiedzi ustne oraz praca twórcza, w tym umiejętność pracy w parach.
7. Zadanie domowe. Powtórz pojęcia „form cyklicznych”, „Concerto Grosso”. "kolaż". „Barok”, „polistylistyka”.

Zapisz swoją definicję pojęcia „koncert instrumentalny”.

Znajdź definicje na stronach poświęconych sztuce.

Porównaj swoją definicję z definicją naukową, zapamiętaj to.

Slajd numer 21.<Приложениe №4>

 W razie potrzeby uczniowie mogą wykonać zadanie twórcze, ucieleśniające na rysunku relację między człowiekiem a światem.

Chłopaki sprzątają miejsce pracy i wychodzą przy piosence „The Night Has Passed” (sekwencja wideo z filmu).<Приложения №1>
Sekwencja wideo nr 2 z Odbicie.<Приложение №3>

Na zajęciach pozalekcyjnych indywidualne prace uczniów łączone są w jeden kolaż i powstaje praca wystawiennicza z komentarzami i adnotacjami uczniów.

Utrwalamy wiedzę o formach cyklicznych w muzyce, sztukach plastycznych i kinie.

Kompozytorzy klasyczni są znani na całym świecie. Każde imię geniusza muzycznego jest wyjątkową indywidualnością w historii kultury.

Co to jest muzyka klasyczna

Muzyka klasyczna to urzekające melodie tworzone przez utalentowanych autorów, słusznie nazywanych kompozytorami klasycznymi. Ich dzieła są wyjątkowe i zawsze będą poszukiwane przez wykonawców i słuchaczy. Klasykę z jednej strony nazywa się zwykle muzyką ścisłą, głęboko wymowną, niezwiązaną gatunkowo: rock, jazz, folk, pop, chanson itp. Z drugiej strony w historycznym rozwoju muzyki następuje okres przełomu XIII i XX w., zwany klasycyzmem.

Klasyczne motywy wyróżniają się wysublimowaną intonacją, wyrafinowaniem, różnorodnością odcieni i harmonią. Pozytywnie wpływają na emocjonalny światopogląd dorosłych i dzieci.

Romantyzm jest kierunkiem przeciwnym do klasycyzmu. Trwało do połowy XIX wieku.

Klasyka XX wieku - era nowożytna.

2. Barok – w tej epoce pojawiły się nowe formy muzyczne: polifonia, opera. To właśnie w tym okresie Bach, Handel i Vivaldi stworzyli swoje słynne dzieła. Fugi Bacha budowane są zgodnie z wymogami klasycyzmu: obowiązkowym przestrzeganiem kanonów.

3. Klasycyzm. Wiedeńscy kompozytorzy klasyczni, którzy swoje nieśmiertelne dzieła stworzyli w epoce klasycyzmu: Haydn, Mozart, Beethoven. Pojawia się forma sonatowa i powiększa się skład orkiestry. i Haydna różnią się od ciężkich dzieł Bacha prostą konstrukcją i elegancją melodii. To wciąż była klasyka, dążenie do perfekcji. Dzieła Beethovena stanowią granicę styku romantyzmu i romantyzmu klasyczne style. W muzyce L. van Beethovena jest więcej zmysłowości i żaru niż racjonalnego kanonu. Wyróżniały się następujące ważne gatunki jako symfonia, sonata, suita, opera. Beethoven dał początek okresowi romantyzmu.

4. Romantyzm. Dzieła muzyczne charakteryzują się kolorem i dramatyzmem. Powstają różne gatunki piosenek, na przykład ballady. Uznaniem cieszyły się dzieła fortepianowe Liszta i Chopina. Tradycje romantyzmu odziedziczyli Czajkowski, Wagner i Schubert.

5. Klasyka XX wieku – charakteryzująca się dążeniem autorów do innowacji w melodiach, powstały terminy aleatoryka, atonalizm. Dzieła Strawińskiego, Rachmaninowa, Glassa klasyfikowane są w formacie klasycznym.

Rosyjscy kompozytorzy klasyczni

Czajkowski PI - rosyjski kompozytor, krytyk muzyczny, osoba publiczna, nauczyciel, dyrygent. Jego kompozycje są najczęściej wykonywane. Są szczere, łatwo dostrzegalne, odzwierciedlają poetycką oryginalność rosyjskiej duszy, malowidła sceniczne Rosyjska natura. Kompozytor stworzył 6 baletów, 10 oper, ponad sto romansów, 6 symfonii. Światowej sławy balet „Jezioro łabędzie”, opera „Eugeniusz Oniegin”, „Album dla dzieci”.

Rachmaninow S.V. - działa wybitny kompozytor emocjonalne i wesołe, a niektóre mają dramatyczną treść. Ich gatunki są różnorodne: od małych przedstawień po koncerty i opery. Powszechnie uznane dzieła autora: opery” Skąpy Rycerz„, „Aleko” na podstawie wiersza Puszkina „Cyganie”, „Francesca da Rimini” na podstawie fabuły zapożyczonej z „ Boska Komedia» Dante, wiersz „Dzwony”; Suita „Tańce symfoniczne”; koncerty fortepianowe; wokalizacja na głos z towarzyszeniem fortepianu.

Borodin A.P. był kompozytorem, nauczycielem, chemikiem i lekarzem. Najbardziej znaczącym dziełem jest opera „Książę Igor” wg dzieło historyczne„Opowieść o kampanii Igora”, którą autor pisał przez prawie 18 lat. Za życia Borodina nie udało się jej dokończyć, po jego śmierci operę dokończyli A. Głazunow i N. Rimski-Korsakow. Świetny kompozytor jest założycielem klasycznych kwartetów i symfonii w Rosji. Symfonia Bogatyr uznawana jest za koronę światowej i rosyjskiej symfonii narodowo-bohaterskiej. Za wybitne uznano instrumentalne kwartety kameralne, I i II Kwartet. Jako jeden z pierwszych wprowadził do romansów bohaterskie postacie ze starożytnej literatury rosyjskiej.

Wspaniali muzycy

Musorgski poseł, o którym można powiedzieć, to wielki kompozytor realista, odważny innowator, poruszający dotkliwe problemy społeczne, znakomity pianista i znakomity wokalista. Najbardziej znaczący dzieła muzyczne są opery „Borys Godunow” wg dramatyczna praca JAK. Puszkin i „Khovanshchina” – dramat muzyki ludowej, główny aktorska postać te opery to zbuntowani ludzie z różnych warstw społecznych; cykl twórczy „Obrazy z wystawy”, inspirowany twórczością Hartmanna.

Glinka M.I. - słynny rosyjski kompozytor, twórca ruchu klasycznego w rosyjskiej kulturze muzycznej. Dokończył procedurę tworzenia szkoły kompozytorów rosyjskich, opartej na wartości muzyki ludowej i zawodowej. Dzieła mistrza przepojone są miłością do Ojczyzny i odzwierciedlają orientację ideologiczną tamtejszego ludu epoka historyczna. Światowej sławy dramat ludowy„Iwan Susanin” i baśń operowa „Rusłan i Ludmiła” stały się nowymi trendami w rosyjskiej operze. Utwory symfoniczne „Kamarinskaya” i „Uwertura hiszpańska” Glinki stanowią podstawę rosyjskiego symfonizmu.

Rimski-Korsakow N.A. to utalentowany rosyjski kompozytor, oficer marynarki wojennej, nauczyciel, publicysta. W jego twórczości można prześledzić dwa nurty: historyczny („ Oblubienica cara”, „Pskowita”) i baśni („Sadko”, „Snow Maiden”, suita „Szeherezada”). Cechą charakterystyczną twórczości kompozytora jest oryginalność oparta na wartościach klasycznych, homofonia w strukturze harmonicznej dzieł wczesnych. Jego kompozycje utrzymane są w stylu autorskim: oryginalne rozwiązania orkiestrowe z niezwykle skonstruowanymi partyturami wokalnymi, które są głównymi.

Rosyjscy kompozytorzy klasyczni starali się odzwierciedlić w swoich utworach myślenie poznawcze i folklor charakterystyczny dla narodu.

kultura europejska

W stolicy kultury muzycznej tamtych czasów – Wiedniu, mieszkali znani kompozytorzy klasyczni Mozart, Haydn, Beethoven. Geniuszy łączy mistrzowskie wykonanie, doskonałe rozwiązania kompozycyjne i wykorzystanie inności style muzyczne: od melodii ludowych po polifoniczne rozwinięcia tematów muzycznych. Wielką klasykę cechuje wszechstronna twórcza aktywność umysłowa, kompetencja i klarowność w konstruowaniu form muzycznych. W ich pracach intelekt i emocje, elementy tragiczne i komiczne, luz i roztropność organicznie się ze sobą łączą.

Beethoven i Haydn skłaniali się w stronę kompozycji instrumentalnych, Mozart po mistrzowsku odniósł sukces zarówno w kompozycjach operowych, jak i orkiestrowych. Beethoven był twórcą niedoścignionym bohaterskie dzieła Haydn cenił i z powodzeniem wykorzystywał w swojej twórczości gatunki humorystyczne i folkowe; Mozart był kompozytorem uniwersalnym.

Mozart jest twórcą formy instrumentalnej sonatowej. Beethoven ulepszył go i wyniósł na niezrównany poziom. Okres ten stał się okresem rozkwitu kwartetu. Haydn, a następnie Beethoven i Mozart wnieśli znaczący wkład w rozwój tego gatunku.

Włoscy mistrzowie

Giuseppe Verdi – wybitny muzyk XIX wieku, rozwinął tradycyjną włoską operę. Miał nienaganne umiejętności. Zwieńczeniem jego działalności kompozytorskiej były dzieła operowe „Il Trovatore”, „La Traviata”, „Otello”, „Aida”.

Niccolo Paganini – urodzony w Nicei, jedna z najbardziej uzdolnionych muzycznie osobistości XVIII i XIX wieku. Był mistrzem gry na skrzypcach. Komponował kaprysy, sonaty, kwartety na skrzypce, gitarę, altówkę i wiolonczelę. Pisał koncerty na skrzypce i orkiestrę.

Gioachino Rossini – działał w XIX wieku. Autor muzyki sakralnej i kameralnej, skomponował 39 oper. Wybitne dzieła to „Cyrulik sewilski”, „Otello”, „Kopciuszek”, „Sroka złodziejka”, „Semiramida”.

Antonio Vivaldi to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli sztuki skrzypcowej XVIII wieku. Zdobył sławę dzięki swoim najbardziej słynne dzieło- 4 koncerty skrzypcowe „Pory roku”. Prowadził niezwykle owocne życie twórcze życie, skomponował 90 oper.

Znani włoscy kompozytorzy klasyczni pozostawili po sobie wieczne dziedzictwo muzyczne. Ich kantaty, sonaty, serenady, symfonie, opery sprawią przyjemność niejednemu pokoleniu.

Specyfika dziecięcego postrzegania muzyki

Zdaniem psychologów dziecięcych słuchanie dobrej muzyki ma pozytywny wpływ na rozwój psycho-emocjonalny dziecka. Dobra muzyka wprowadza sztukę i kształty gust estetyczny, nauczyciele tak uważają.

Wiele znanych dzieł zostało stworzonych przez kompozytorów klasycznych z myślą o dzieciach, z uwzględnieniem ich psychologii, percepcji i specyfiki wieku, tj. do słuchania, inni zaś komponowali rozmaite przedstawienia dla małych wykonawców, łatwo słyszalne dla ucha i dostępne dla nich technicznie.

„Album dla dzieci” P.I. Czajkowskiego. dla małych pianistów. Ten album jest dedykacją dla mojego siostrzeńca, który kochał muzykę i był bardzo utalentowanym dzieckiem. W zbiorze znajduje się ponad 20 sztuk teatralnych, niektóre oparte na materiale folklorystycznym: motywach neapolitańskich, tańcu rosyjskim, melodiach tyrolskich i francuskich. Kolekcja „Piosenki dla dzieci” P.I. Czajkowskiego. zaprojektowany z myślą o percepcji słuchowej u dzieci. Piosenki optymistyczne o wiośnie, ptakach, kwitnącym ogrodzie („Mój ogród”), o współczuciu Chrystusowi i Bogu („Chrystus miał ogród w dzieciństwie”).

Klasyka dla dzieci

Wielu kompozytorów klasycznych pracowało dla dzieci, a lista ich dzieł jest bardzo różnorodna.

Prokofiew SS „Piotruś i wilk” – opowieść symfoniczna dla dzieci. Dzięki tej bajce dzieci zapoznają się z instrumenty muzyczne orkiestra symfoniczna. Tekst baśni napisał sam Prokofiew.

Schumann R. „Sceny dziecięce” to krótkie opowiadania muzyczne o prostej fabule, pisane dla dorosłych wykonawców, wspomnienia z dzieciństwa.

Cykl fortepianowy Debussy’ego „Kącik dziecięcy”.

Ravel M. „Matka Gęś” na podstawie baśni C. Perraulta.

Bartok B. „Pierwsze kroki przy fortepianie”.

Rowery dla dzieci Gavrilova S. „Dla najmłodszych”; „Bohaterowie baśni”; „Chłopaki o zwierzętach”.

Szostakowicz D. „Album utworów fortepianowych dla dzieci”.

Bach I.S. „Książka muzyczna Anny Magdaleny Bach”. Ucząc muzyki swoje dzieci, stworzył dla nich specjalne utwory i ćwiczenia rozwijające umiejętności techniczne.

Haydn J. jest protoplastą symfonii klasycznej. Stworzył specjalną symfonię zatytułowaną „Dziecięca”. Wykorzystane instrumenty: gliniany słowik, grzechotka, kukułka – nadają mu niezwykły dźwięk, dziecinny i zabawny.

Saint-Saëns K. stworzył fantazję na orkiestrę i 2 fortepiany zatytułowaną „Karnawał zwierząt”, w której po mistrzowsku oddał gdakanie kurczaków, ryk lwa, samozadowolenie słonia i jego sposób poruszania się oraz wzruszająco pełnego wdzięku łabędzia za pomocą środków muzycznych.

Komponując utwory dla dzieci i młodzieży, wielcy kompozytorzy klasyczni dbali o ciekawą fabułę dzieła, przystępność proponowanego materiału, biorąc pod uwagę wiek wykonawcy lub słuchacza.