Eno največjih gibanj v umetnosti zadnja desetletja Devetnajsto stoletje in začetek dvajsetega je impresionizem, ki se je iz Francije razširil po svetu. Njegovi predstavniki so se ukvarjali z razvojem takšnih metod in tehnik slikanja, ki bi omogočile najbolj živo in naravno refleksijo resnični svet v dinamiki, da posreduje bežne vtise o njem.
Mnogi umetniki so ustvarili svoja platna v slogu impresionizma, vendar so bili ustanovitelji gibanja Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. Nemogoče je poimenovati njihova najboljša dela, saj so vsa lepa, vendar so najbolj znana in o njih bomo še razpravljali.
Claude Monet: »Vtis. Vzhajajoče sonce"
Platno, s katerim bi morali začeti pogovor o najboljših slikah impresionistov. Claude Monet jo je leta 1872 naslikal iz življenja v starem pristanišču Le Havre v Franciji. Dve leti kasneje je bila slika prvič predstavljena javnosti v nekdanjem ateljeju francoskega umetnika in karikaturista Nadarja. Ta razstava je postala usodna za svet umetnosti. Navdušen (sploh ne) v najboljšem smislu) Moneta, katerega naslov v izvirnem jeziku zveni kot "Impression, soleil levant", je novinar Louis Leroy prvi skoval izraz "impresionizem", ki označuje novo smer v slikarstvu.
Slika je bila ukradena leta 1985 skupaj z deli O. Renoirja in B. Morisota. Odkrili so ga pet let pozneje. Trenutno »Vtis. Vzhajajoče sonce"pripada muzeju Marmottan-Monet v Parizu.
Edouard Monet: "Olimpija"
Slika "Olympia", ki jo je leta 1863 ustvaril francoski impresionist Edouard Manet, je ena od mojstrovin sodobnega slikarstva. Prvič je bil predstavljen na pariškem salonu leta 1865. V središču so se pogosto znašli impresionistični umetniki in njihove slike odmevnih škandalov. Vendar je Olimpija povzročila največjo med njimi v zgodovini umetnosti.
Na platnu vidimo golo žensko, ki je z obrazom in telesom obrnjena proti občinstvu. Drugi lik je temnopolta služkinja, ki drži razkošen šopek, zavit v papir. Ob vznožju postelje je črn maček v značilni pozi z usločenim hrbtom. O zgodovini slike ni veliko znanega; do nas sta prišli le dve skici. Model je bil najverjetneje Manetov najljubši model, Quiz Meunard. Obstaja mnenje, da je umetnik uporabil podobo Marguerite Bellanger, Napoleonove ljubice.
V obdobju ustvarjalnosti, ko je bila ustvarjena Olimpija, je bil Manet navdušen nad japonsko umetnostjo, zato je namerno zavrnil obdelavo odtenkov temnega in svetlega. Zaradi tega njegovi sodobniki niso videli volumna upodobljene figure in so jo imeli za ravno in grobo. Umetnik je bil obtožen nemoralnosti in vulgarnosti. Nikoli prej niso impresionistične slike povzročile takšnega navdušenja in posmeha množice. Uprava je bila prisiljena okoli nje postaviti straže. Degas je Manetov sloves skozi Olimpijo in pogum, s katerim je sprejemal kritike, primerjal z življenjsko zgodbo Garibaldija.
Skoraj četrt stoletja po razstavi je slikarjev atelje hranil platno nedosegljivo radovednim očem. Nato je bila ponovno razstavljena v Parizu leta 1889. Skoraj so jo kupili, vendar so umetnikovi prijatelji zbrali zahtevani znesek in kupili "Olympia" od Manetove vdove, nato pa jo podarili državi. Zdaj slika pripada muzeju Orsay v Parizu.
Auguste Renoir: "Veliki kopalci"
Sliko je naslikal francoski umetnik v letih 1884-1887. Ob upoštevanju vsega zdaj znane slike Impresionisti med letom 1863 in začetkom dvajsetega stoletja "Velike kopalke" imenujejo največje platno z golimi ženskimi figurami. Renoir je na njem delal več kot tri leta in v tem obdobju so nastale številne skice in skice. V njegovem delu ni bilo druge slike, ki ji je posvetil toliko časa.
V ospredju gledalec vidi tri gole ženske, od katerih sta dve na obali, tretja pa stoji v vodi. Figure so naslikane zelo realistično in jasno, kar je značilnost umetnikovega stila. Renoirjevi modeli so bili Alina Charigo (njegova bodoča žena) in Suzanne Valadon, ki je v prihodnosti tudi sama postala znana umetnica.
Edgar Degas: "Modre plesalke"
Vse znane impresionistične slike, navedene v članku, niso bile naslikane v olju na platnu. Zgornja fotografija vam omogoča, da razumete, kaj predstavlja slika "Modri plesalci". Izdelana je v pastelu na listu papirja velikosti 65x65 cm in sodi v pozno obdobje umetnikovega ustvarjanja (1897). Naslikal jo je z že tako oslabljenim vidom, zato je izrednega pomena dekorativna organizacija: podobo zaznavamo kot velike barvne lise, zlasti če jo gledamo od blizu. Tema plesalcev je bila blizu Degasu. To se je v njegovem delu večkrat ponovilo. Številni kritiki menijo, da zaradi harmonije barv in kompozicije Modre plesalke lahko štejemo v poštev najboljša služba umetnik na ta tema. Trenutno je slika shranjena v Muzeju umetnosti. A. S. Puškina v Moskvi.
Frédéric Bazille: "Rožnata obleka"
Eden od ustanoviteljev francoski impresionizem Frédéric Bazille se je rodil v meščanski družini premožnega vinarja. Še med študijem na liceju se je začel zanimati za slikanje. Ko se je preselil v Pariz, se je seznanil s C. Monetom in O. Renoirjem. Na žalost je bil umetniku usojen kratek čas življenjska pot. Umrl je pri 28 letih na fronti med francosko-prusko vojno. Vendar so njegove slike, čeprav maloštevilne, upravičeno uvrščene na seznam " Najboljše slike Impresionisti." Eden od njih je "Rožnata obleka", naslikana leta 1864. Po vseh znakih lahko platno pripišemo zgodnjemu impresionizmu: barvni kontrasti, pozornost do barve, sončna svetloba in zamrznjeni trenutek, tisto, kar so imenovali "vtis". Eden od umetnikovih bratrancev, Teresa de Hors, je deloval kot model. Slika trenutno pripada Musée d'Orsay v Parizu.
Camille Pissarro: »Boulevard Montmartre. Popoldne, sončno"
Camille Pissarro je zaslovel s svojimi krajinami, za katere je značilna upodobitev svetlobe in osvetljenih predmetov. Njegova dela so imela pomemben vpliv na žanr impresionizma. Umetnik je neodvisno razvil veliko svojih inherentnih načel, ki so bila osnova za njegovo prihodnjo ustvarjalnost.
Pissarro je rad pisal isti odlomek drugačni časi dni. Ima celo vrsto platen s pariškimi bulvarji in ulicami. Najbolj znan med njimi je "Boulevard Montmartre" (1897). Odraža ves čar, ki ga umetnik vidi v kipečem in nemirnem življenju tega kotička Pariza. Ob ogledu bulvarja z istega mesta ga gledalcu pokaže na sončen in oblačen dan, zjutraj, popoldne in pozno zvečer. Spodnja fotografija prikazuje sliko "Montmartre Boulevard ponoči".
Ta slog so pozneje prevzeli številni umetniki. Omenili bomo le, katere impresionistične slike so nastale pod vplivom Pissarra. Ta trend je jasno viden v Monetovem delu (serija slik "Kozolci").
Alfred Sisley: "Trate spomladi"
"Trate spomladi" je ena najnovejših slik krajinskega slikarja Alfreda Sisleyja, naslikanih v letih 1880-1881. V njej gledalec vidi gozdno pot ob bregovih Sene z vasjo na nasprotnem bregu. V ospredju je dekle - umetnikova hči Jeanne Sisley.
Umetnikove pokrajine prenašajo pristno vzdušje zgodovinske regije Ile-de-France in ohranjajo posebno mehkobo in preglednost naravnih pojavov, značilnih za posamezne letne čase. Umetnik nikoli ni bil zagovornik nenavadnih učinkov in se je držal preproste kompozicije in omejene palete barv. Slika je zdaj shranjena v Narodni galeriji v Londonu.
Našteli smo najbolj znane slike impresionistov (z imeni in opisi). To so mojstrovine svetovnega slikarstva. Edinstveni slikarski slog, ki izvira iz Francije, je bil sprva dojet s posmehom in ironijo; Zdaj bi si komaj kdo upal izpodbijati njihov genij. Impresionistične slike so razstavljene v najprestižnejših muzejih na svetu in so zaželen eksponat vsake zasebne zbirke.
Slog ni potonil v pozabo in ima veliko privržencev. Naš rojak Andrei Koch, francoski slikar Laurent Parselier, Američani Diana Leonard in Karen Tarleton so znani sodobni impresionisti. Njihove slike so narejene v najboljših tradicijah žanra, napolnjene svetle barve, drzne poteze in življenje. Na zgornji fotografiji je delo Laurenta Parselierja "V sončnih žarkih".
18-19 stoletja zaznamovala obdobje razcveta evropska umetnost. V Franciji je cesar Napoleon III. po sovražnostih med francosko-prusko vojno ukazal obnovo Pariza. Pariz je hitro postal isto "bleščeče mesto", kot je bil pod drugim cesarstvom, in se znova razglasil za središče evropske umetnosti. Zato so se številni impresionistični umetniki v svojih delih obrnili na temo sodobnega mesta. Sodobno mesto v njihovih delih ni pošast, temveč domovina, v kateri živijo ljudje. Mnoga dela so prežeta z močnim domoljubnim občutkom.
To je še posebej vidno na slikah Clauda Moneta. Ustvaril je več kot 30 slik s pogledom na katedralo v Rouenu v najrazličnejših svetlobnih in atmosferskih pogojih. Na primer, leta 1894 je Monet naslikal dve sliki - " Katedrala v Rouenu opoldne" in "stolnica v Rouenu zvečer". Obe sliki prikazujeta isti fragment katedrale, vendar v različnih tonih - v toplih rumeno-rožnatih tonih poldneva in v hladnih modrikastih odtenkih umirajoče svetlobe somraka. Barvita lisa na slikah popolnoma razblini linijo, umetnik ne prenaša materialne teže kamna, ampak tako rekoč svetlo pisano zaveso.
Impresionisti so si prizadevali, da bi slika izgledala odprto okno, skozi katerega je viden realni svet. Pogosto so izbrali pogled skozi okno na ulico. Slavni "Boulevard des Capucines" C. Moneta, naslikan leta 1873 in prikazan na prvi impresionistični razstavi leta 1874, je odličen primer te tehnike. Tu je veliko inovativnosti - kot motiv krajine je izbran pogled na veliko mestno ulico, vendar umetnika zanima njen videz kot celota, ne pa privlačnosti. Celotna množica ljudi je upodobljena z drsečimi potezami, na posplošen način, v katerem je težko razločiti posamezne figure.
Monet v tem delu posreduje trenuten, čisto vizualni vtis komaj opaznega vibrirajočega zraka, ulic, ljudi in odhajajočih kočij, ki gredo globlje v globino. Uničuje idejo o ravnem platnu, ustvarja iluzijo prostora in ga napolni s svetlobo, zrakom in gibanjem. Človeško oko drvi v neskončnost in ni meje, kjer bi se lahko ustavilo.
Visoka točka zornega kota omogoča umetniku, da opusti ospredje, in prenaša briljantno sončno svetlobo v kontrast z modrikasto vijoličnimi sencami hiš, ki ležijo na uličnem pločniku. Monet daje sončni strani oranžno, zlato toplo, senčno vijolično, a ena sama svetlozračna meglica daje celotni pokrajini tonsko harmonijo, obrisi hiš in dreves pa se pojavljajo v zraku, prežetem s sončnimi žarki.
Leta 1872 je Monet v Le Havru naslikal »Vtis. Sončni vzhod" - pogled na pristanišče Le Havre, kasneje predstavljen na prvi razstavi impresionistov. Tu se je umetnik očitno končno osvobodil splošno sprejete ideje o objektu slike kot določenem volumnu in se v celoti posvetil prenosu trenutnega stanja atmosfere v modrih in roza-oranžnih tonih. Pravzaprav se vse zdi neoprijemljivo: pomol Le Havre in ladje se zlijejo s črtami na nebu in odsevom v vodi, silhuete ribičev in čolnov v ospredju pa so le temne lise, narejene z nekaj intenzivnimi potezami. . Zavračanje akademskih tehnik, slikanja na prostem in izbire neobičajnih motivov so takratni kritiki sprejeli sovražno. Louis Leroy, avtor besnega članka, ki je izšel v reviji "Charivari", je prvič v zvezi s to sliko uporabil izraz "impresionizem" kot definicijo novega gibanja v slikarstvu.
Drugo izjemno delo, posvečeno mestu, je bila slika Clauda Moneta "Gare Saint-Lazare". Monet je naslikal več kot deset slik, ki temeljijo na železniški postaji Saint-Lazare, od katerih jih je bilo sedem razstavljenih na 3. impresionistični razstavi leta 1877.
Monet je najel majhno stanovanje na ulici Monsey, ki se nahaja v bližini postaje. Umetnik je dobil popolno svobodo delovanja. Vožnja vlakov se je za nekaj časa ustavila in jasno je videl perone, kurišča kadečih se lokomotiv, ki so bile napolnjene s premogom - da je iz dimnikov uhajala para. Monet se je trdno "naselil" na postaji, potniki so ga gledali s spoštovanjem in strahospoštovanjem.
Ker se je videz postaje nenehno spreminjal, je Monet delal le skice na lokaciji, po njih pa v ateljeju slikal same slike. Na platnu vidimo veliko železniška postaja, pokrito z nadstreškom, ki ga podpirajo železni stebri. Na levi in desni sta perona: en tir je za primestne vlake, drugi za vlake na dolge razdalje. Posebno vzdušje se prenaša s kontrastom medle svetlobe znotraj postaje in svetle, bleščeče ulične luči. Oblaki dima in pare, razpršeni po platnu, uravnavajo kontrastne črte osvetlitve. Dim se pronica vsepovsod, žareči oblaki se vrtinčijo ob šibkih silhuetah zgradb. Zdi se, da gosta para daje obliko ogromnim stolpom in jih pokriva z lahkotno tančico, kot je najtanjša pajčevina. Slika je naslikana v nežnih utišanih tonih s subtilnimi prehodi odtenkov. Hitre, natančne poteze v obliki vejic, značilne za tisti čas, so zaznane kot mozaik, gledalec dobi vtis, da se para ali razprši ali zgosti.
Drugi predstavnik impresionistov, C. Pissarro, je kot vsi impresionisti rad slikal mesto, ki ga je prevzelo z neskončnim gibanjem, pretokom zračnih tokov in igro svetlobe. Zaznaval ga je kot živ, nemiren organizem, ki se je sposoben spreminjati glede na letni čas in stopnjo osvetljenosti.
Pozimi in spomladi 1897 je Pissarro delal na seriji slik, imenovanih "Pariški bulvarji". Ta dela so umetniku prinesla slavo in pritegnila pozornost kritikov, ki so njegovo ime povezovali z divizionističnim gibanjem. Umetnik je skice za serijo delal z okna hotelske sobe v Parizu, konec aprila pa je delo na slikah zaključil v svojem studiu v Eragnyju. Ta serija je edina v Pissarrovem delu, v kateri je umetnik poskušal z največjo natančnostjo ujeti različne vremenske in sončne razmere. Umetnik je na primer naslikal 30 slik, ki prikazujejo bulvar Montmartre in ga gledajo iz istega okna.
Na slikah "Boulevard Montmartre v Parizu" je mojster C. Pissarro mojstrsko prenesel bogastvo atmosferskih učinkov, barvito kompleksnost in subtilnost oblačnega dne. Dinamika mestnega življenja, tako prepričljivo utelešena s slikarjevim hitrim čopičem, ustvarja podobo sodobnega mesta - ne ceremonialnega, ne uradnega, temveč vznemirjenega in živega. Mestna pokrajina je postala glavni žanr v delu tega izjemnega impresionista - "pevca Pariza".
Glavno mesto Francije zavzema posebno mesto v Pissarrovem delu. Umetnik je nenehno živel zunaj mesta, vendar ga je Pariz vztrajno privlačil. Pariz ga očara s svojim nenehnim in univerzalnim gibanjem - hojo pešcev in vožnjo kočij, pretakanjem zračnih tokov in igro svetlobe. Pissarrovo mesto ni seznam omembe vrednih hiš, ki so prišle v umetnikovo vidno polje, temveč živ in nemiren organizem. Očarani nad tem življenjem se ne zavedamo banalnosti stavb, ki sestavljajo Boulevard Montmartre. Umetnik najde svojevrsten čar v nemiru Velikih bulvarjev. Pissarro je bulvar Montmartre ujel kot jutro in dan, večer in noč, s soncem obsijan in siv, ko ga gleda z istega okna. Jasen in preprost motiv ulice, ki se razteza v daljavo, ustvarja jasno kompozicijsko osnovo, ki se ne spreminja s platna na platno. Cikel platen, ki so bile naslednje leto naslikane z okna hotela Louvre, je bil zasnovan povsem drugače. Pissarro je v pismu sinu ob delu na ciklu poudaril drugačen značaj tega kraja od Bulevarjev, torej trga Francoskega gledališča in okolice. Res, tam vse drvi po osi ulice. Tu se kvečjemu križa trg, ki je služil kot končna postaja več omnibusov razne smeri, in namesto široke panorame z obilico zraka se našim očem prikaže zaprt prostor v ospredju.
"Novi svet se je rodil, ko so ga naslikali impresionisti"
Henri Kahnweiler
XIX stoletje. Francija. V slikarstvu se je zgodilo nekaj neprimerljivega. Skupina mladih umetnikov se je odločila zamajati 500-letno tradicijo. Namesto jasne risbe so uporabili široko, »površno« potezo.
In popolnoma so opustili običajne slike, ki prikazujejo vse po vrsti. In dame lahke vrline in gospodje dvomljivega slovesa.
Publika ni bila pripravljena na impresionistično slikarstvo. Bili so zasmehovani in grajani. In kar je najpomembneje, od njih niso ničesar kupili.
Toda odpor je bil zlomljen. In nekateri impresionisti so dočakali svoje zmagoslavje. Res je, bili so že čez 40. Kot Claude Monet ali Auguste Renoir. Drugi so na priznanje čakali šele ob koncu življenja, kot Camille Pissarro. Nekateri ga niso dočakali, na primer Alfred Sisley.
Kakšno revolucionarno dejanje je naredil vsak od njih? Zakaj jih je javnost tako dolgo sprejela? Tukaj je 7 najbolj znanih francoskih impresionistov, ki jih pozna ves svet.
1. Edouard Manet (1832-1883)
Edouard Manet. Avtoportret s paleto. 1878 Zasebna zbirkaManet je bil starejši od večine impresionistov. Bil je njihov glavni navdih.
Sam Manet ni trdil, da je vodja revolucionarjev. Bil je družbenik. Sanjal sem o uradnih nagradah.
A na priznanje je čakal zelo dolgo. Javnost je želela videti grške boginje ali v najslabšem primeru tihožitja, tako da izgledajo lepo v jedilnici. Manet je hotel pisati moderno življenje. Na primer kurtizane.
Rezultat je bil "Zajtrk na travi." Dva dandija se sproščata v družbi dam lahkih kreposti. Eden od njih, kot da se ni nič zgodilo, sedi poleg oblečeni moški.
Edouard Manet. Zajtrk na travi. 1863, Pariz Primerjajte njegovo Kosilo na travi z Rimljani v zatonu Thomasa Coutureja. Couturejeva slika je povzročila senzacijo. Umetnik je takoj postal znan.
"Zajtrk na travi" je bil obtožen vulgarnosti. Nosečnicam je nikakor ni bilo priporočljivo gledati.
Thomas Couture. Rimljani v zatonu. 1847 Musée d'Orsay, Pariz. artchive.ru V Couturejevem slikarstvu vidimo vse atribute akademizma (tradicionalnega slikarstva 16.-19. stoletja). Stebri in kipi. Ljudje apolonskega videza. Tradicionalne umirjene barve. Načini poz in gest. Zgodba iz daljnega življenja povsem drugega ljudstva.
"Zajtrk na travi" Maneta je drugačnega formata. Pred njim nihče ni tako zlahka upodabljal kurtizan. Blizu uglednih državljanov. Čeprav je veliko moških tistega časa tako preživljalo svoj prosti čas. Bilo je resnično življenje pravi ljudje.
Nekoč sem upodobil ugledno gospo. Grda. S čopičem ji ni mogel laskati. Gospa je bila razočarana. Zapustila ga je v solzah.
Edouard Manet. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Pariz. Wikimedia.commons.org Zato je nadaljeval z eksperimentiranjem. Na primer z barvo. Ni poskušal upodobiti tako imenovane naravne barve. Če je videl sivo-rjavo vodo kot svetlo modro, potem jo je upodobil kot svetlo modro.
To je seveda razburilo javnost. »Tudi Sredozemsko morje se ne more pohvaliti, da je modro kot Manetova voda,« so se pošalili.
Edouard Manet. Argenteuil. 1874 Muzej likovna umetnost, Tournai, Belgija. Wikipedia.org A dejstvo ostaja dejstvo. Manet je korenito spremenil namen slikanja. Slika je postala utelešenje individualnosti umetnika, ki slika po svoji volji. Pozabi na vzorce in tradicijo.
Inovacije dolgo niso bile odpuščene. Priznanje je prejel šele ob koncu življenja. A tega ni več potreboval. Umiral je boleče od neozdravljiva bolezen.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Avtoportret v baretki. 1886 Zasebna zbirka Clauda Moneta lahko imenujemo učbeniški impresionist. Ker je bil zvest tej usmeritvi vse svoje dolgo življenje.
Ni slikal predmetov in ljudi, temveč enobarvno konstrukcijo poudarkov in lis. Ločeni udarci. Tresenje zraka.
Claude Monet. Bazen za veslanje. 1869 Metropolitanski muzej umetnosti, New York. Metmuseum.org Monet ni slikal samo narave. Uspešen je bil tudi v mestnih krajinah. Eden najbolj znanih je.
Na tej sliki je veliko fotografij. Na primer, gibanje se prenaša skozi zamegljeno sliko.
Upoštevajte: oddaljena drevesa in figure se zdijo v megli.
Claude Monet. Boulevard des Capucines v Parizu. 1873 (Galerija evropske in ameriške umetnosti 19.-20. stoletja), Moskva Pred nami je zamrznjen trenutek v vrvečem pariškem življenju. Brez uprizoritve. Nihče ne pozira. Ljudje so upodobljeni kot zbirka potez s čopičem. Takšno pomanjkanje zapleta in učinek "zamrznjenega okvira" - glavna značilnost impresionizem.
Do sredine 80-ih so umetniki postali razočarani nad impresionizmom. Estetika je seveda dobra. Toda pomanjkanje zapleta je marsikoga potrlo.
Samo Monet je še naprej vztrajal, pretiraval pri impresionizmu. To se je razvilo v serijo slik.
Več desetkrat je upodobil isto pokrajino. Ob različnih urah dneva. V različnih letnih časih. Pokazati, kako lahko temperatura in svetloba spremenita isto vrsto do nerazpoznavnosti.
Tako so se pojavili nešteti kozolci.
Slike Clauda Moneta v Muzeju lepih umetnosti v Bostonu. Levo: Kozolci ob sončnem zahodu v Givernyju, 1891. Desno: Kozolec (učinek snega), 1891.
Upoštevajte, da so sence na teh slikah barvne. In ne sive ali črne, kot je bilo v navadi pred impresionisti. To je še en njihov izum.
Monetu je uspelo uživati v uspehu in materialno blaginjo. Po 40. je že pozabil na revščino. Imam hišo in lep vrt. In ustvarjal je za svoje veselje že mnogo let.
Preberite o mojstrovi najbolj ikonični sliki v članku
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Avtoportret. 1875 Sterling in Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, ZDA. Pinterest.ru Impresionizem je najbolj pozitivno slikarstvo. In najbolj pozitiven med impresionisti je bil Renoir.
V njegovih slikah ne boste našli drame. Niti črne barve ni uporabil. Samo veselje do bivanja. Tudi najbolj banalne stvari v Renoirju so videti čudovite.
Za razliko od Moneta je Renoir pogosteje slikal ljudi. Pokrajine so bile zanj manj pomembne. Na slikah se njegovi prijatelji in znanci sproščajo in uživajo življenje.
Pierre-Auguste Renoir. Veslaški zajtrk. 1880-1881 Zbirka Phillips, Washington, ZDA. Wikimedia.commons.org Pri Renoirju ne boste našli nobene globine. Z velikim veseljem se je pridružil impresionistom, ki so povsem opustili tematiko.
Kot je sam povedal, ima končno priložnost slikati rože in jih poimenovati preprosto "Rože". In ne izmišljajte si zgodb o njih.
Pierre-Auguste Renoir. Ženska z dežnikom na vrtu. 1875 Muzej Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com Renoir se je najbolje počutil v ženski družbi. Svoje služkinje je prosil, naj pojejo in se šalijo. Bolj ko je bila pesem neumna in naivna, bolje je bilo zanj. In moško klepetanje ga je utrudilo. Ni presenetljivo, da Renoir slovi po slikah akta.
Zdi se, da se model na sliki »Akt v sončni svetlobi« pojavi na barvitem abstraktnem ozadju. Ker za Renoirja nič ni drugotnega pomena. Oko modela ali del ozadja sta enakovredna.
Pierre-Auguste Renoir. Golo na soncu. 1876 Musée d'Orsay, Pariz. wikimedia.commons.org Renoir je živel dolgo življenje. In nikoli ne odložim čopiča in palete. Tudi ko so bile njegove roke popolnoma okovane zaradi revme, si je krtačo z vrvjo privezal na roko. In je risal.
Tako kot Monet je na priznanje čakal po 40 letih. In videl sem svoje slike v Louvru, poleg del slavnih mojstrov.
Preberite o enem najbolj očarljivih portretov Renoirja v članku
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas. Avtoportret. 1863 Muzej Calouste Gulbenkian, Lizbona, Portugalska. Cultured.com Degas ni bil klasični impresionist. Plenerizma (na prostem) ni maral. Pri njem ne boste našli namerno posvetljene palete.
Nasprotno, ljubil je jasno linijo. Ima veliko črnega. In delal je izključno v studiu.
A vseeno ga vedno postavljajo v vrsto z drugimi velikimi impresionisti. Ker je bil impresionist geste.
Nepričakovani koti. Asimetrija v razporeditvi predmetov. Presenečeni liki. To so glavni atributi njegovih slik.
Ustavil je trenutke življenja in ni dovolil, da bi liki prišli k sebi. Samo poglejte njegov »Operni orkester«.
Edgar Degas. Operni orkester. 1870 Musée d'Orsay, Pariz. commons.wikimedia.org V ospredju je naslonjalo stola. Glasbenik nam je obrnjen s hrbtom. In naprej ozadje balerine na odru niso sodile v “okvir”. Njihove glave so neusmiljeno "odrezane" z robom slike.
Plesalke, ki jih je imel rad, niso vedno upodobljene na ta način. lepe poze. Včasih se samo raztezajo.
Toda takšna improvizacija je namišljena. Seveda je Degas skrbno premislil kompozicijo. To je samo učinek zamrznjenega okvirja, ne pravi zamrznjeni okvir.
Edgar Degas. Dva baletna plesalca. 1879 Shelburne Museum, Vermouth, ZDA Edgar Degas je rad slikal ženske. Toda bolezen ali značilnosti telesa mu niso dopuščale fizičnega stika z njimi. Nikoli ni bil poročen. Nihče ga še nikoli ni videl z žensko.
Odsotnost resničnih subjektov v njegovem osebnem življenju je njegovim podobam dodala subtilno in intenzivno erotiko.
Edgar Degas. Baletna zvezda. 1876-1878 Musee d'Orsay, Pariz. wikimedia.comons.org Upoštevajte, da je na sliki "Baletna zvezda" upodobljena samo balerina. Njeni kolegi iz zakulisja so komaj vidni. Samo nekaj nog.
To ne pomeni, da Degas ni dokončal slike. To je sprejem. Osredotočite se le na najpomembnejše stvari. Naj ostalo izgine, nečitljivo.
Preberite o drugih slikah mojstra v članku
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Edouard Manet. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzej Marmottan-Monet, Pariz. Berthe Morisot le redko postavljajo na prvo mesto velikih impresionistov. Prepričan sem, da je nezasluženo. V njenem delu boste našli vse glavne značilnosti in tehnike impresionizma. In če vam je všeč ta slog, boste njeno delo vzljubili z vsem srcem.
Morisot je delala hitro in zavzeto ter svoje vtise prenašala na platno. Zdi se, kot da se bodo figure raztopile v vesolju.
Berthe Morisot. poletje 1880 Muzej Fabray, Montpellier, Francija. Tako kot Degas je pogosto pustila nekatere podrobnosti nedokončane. In celo dele telesa modela. Na sliki "Poletje" ne moremo razlikovati rok dekleta.
Morisotova pot do samoizražanja je bila težka. Ne samo, da se je ukvarjala z "nemarnim" slikanjem. Še vedno je bila ženska. V tistih časih naj bi dama sanjala o poroki. Po tem je bil vsak hobi pozabljen.
Zato je Bertha dolgo zavračala poroko. Dokler ni našla moškega, ki je spoštoval njen poklic. Eugene Manet je bil brat umetnika Edouarda Maneta. Svoje stojalo in slike je vestno nosil za ženo.
Berthe Morisot. Eugene Manet s hčerko v Bougivalu. 1881 Muzej Marmottan-Monet, Pariz. A vseeno je bilo to v 19. stoletju. Ne, nisem nosil Morisot hlač. Ni pa si mogla privoščiti popolne svobode gibanja.
V park v službo ni mogla iti sama, ne da bi jo spremljal kdo od bližnjih. Nisem mogel sedeti sam v kavarni. Zato so njene slike ljudje iz družinski krog. Mož, hči, sorodniki, varuške.
Berthe Morisot. Ženska z otrokom na vrtu v Bougivalu. 1881 Narodni muzej Wales, Cardiff. Morisot ni čakal na priznanje. Umrla je v starosti 54 let za pljučnico, ne da bi v življenju prodala skoraj nobeno svoje delo. Na njenem mrliškem listu je bil v stolpcu »poklic« pomišljaj. Nepredstavljivo je bilo, da bi žensko imenovali umetnica. Tudi če je dejansko bila.
Preberite o slikah mojstra v članku
6. Camille Pissarro (1830 – 1903)
Camille Pissarro. Avtoportret. 1873 Musée d'Orsay, Pariz. Wikipedia.org Camille Pissarro. Nekonfliktnost, razumnost. Mnogi so ga dojemali kot učitelja. Tudi najbolj temperamentni kolegi o Pissarru niso govorili slabo.
Bil je zvesti privrženec impresionizma. V veliki stiski, z ženo in petimi otroki, je še vedno trdo delal v svojem najljubšem slogu. In nikoli se ni preusmeril v salonsko slikarstvo, da bi postal bolj priljubljen. Ni znano, od kod mu moč, da popolnoma verjame vase.
Da sploh ne bi umrl od lakote, je Pissarro slikal pahljače, ki so jih nestrpno kupovali. Pravo priznanje pa je do njega prišlo po 60 letih! Potem je končno lahko pozabil na svojo potrebo.
Camille Pissarro. Diližansa v Louveciennesu. 1869 Musée d'Orsay, Pariz Zrak na Pissarrovih slikah je debel in gost. Izjemno zlitje barve in volumna.
Umetnik se ni bal slikati najbolj spremenljivih naravnih pojavov, ki se za trenutek pojavijo in izginejo. Prvi sneg zmrznjeno sonce, dolge sence.
Camille Pissarro. Mraz. 1873 Musée d'Orsay, Pariz Njegova najbolj znana dela so vedute Pariza. S širokimi bulvarji in živahno pestro množico. Ponoči, podnevi, v različnem vremenu. Na nek način odmevajo serijo slik Clauda Moneta.
Nadaljnji razvoj evropsko slikarstvo povezana z impresionizmom. Ta izraz se je rodil po naključju. Razlog je bil naslov krajine C. Moneta »Vtis. Sončni vzhod" (glej prilogo št. 1, sl. 3) (iz francoskega vtisa - vtis), ki se je pojavil na razstavi impresionistov leta 1874. Ta prvi javni nastop skupine umetnikov, med katerimi so bili C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro in drugi, je uradna meščanska kritika pozdravila z nesramnim posmehom in preganjanjem. Res je, že od poznih 1880-ih so formalne tehnike njihovega slikanja prevzeli predstavniki akademske umetnosti, kar je Degasu dalo razlog, da grenko pripomni: "Bili smo ustreljeni, a hkrati so preiskali naše žepe."
Zdaj, ko so burne razprave o impresionizmu preteklost, si le redkokdo upa oporekati, da je bilo impresionistično gibanje nadaljnji korak v razvoju evropskega realističnega slikarstva. "Impresionizem je predvsem umetnost opazovanja realnosti, ki je dosegla izjemno prefinjenost" (V. N. Prokofjev). V želji po največji spontanosti in natančnosti pri podajanju vidnega sveta so začeli slikati predvsem na prostem in dvignili pomen skic iz življenja, ki so skoraj nadomestile tradicionalni tip slike skrbno in počasi nastajale v ateljeju.
Z doslednim bistrenjem palete so impresionisti osvobodili slikarstvo zemeljskih in rjavih lakov in barv. Konvencionalna, »muzejska« črnina se na njunih platnih umika neskončno raznoliki igri refleksov in barvnih senc. Neizmerno so razširili možnosti likovna umetnost, odkrivanje ne le sveta sonca, svetlobe in zraka, temveč tudi lepoto megle, nemirno vzdušje življenja veliko mesto, razpršenost nočnih luči in ritem neprekinjenega gibanja.
Zaradi same metode dela na prostem je pokrajina, tudi mestna, ki so jo odkrivali, zasedla zelo pomembno mesto v umetnosti impresionistov. V kolikšni meri sta se tradicija in inovativnost organsko združili v umetnosti impresionistov, priča predvsem delo izjemnega slikarja 19. stoletja Edouarda Maneta (1832-1883). Resda se sam ni imel za predstavnika impresionizma in je vedno razstavljal ločeno, a v ideološkem in idejnem smislu je bil nedvomno tako predhodnik kot idejni vodja tega gibanja.
Na začetku svoje ustvarjalne kariere je bil E. Manet izobčen (posmeh družbe). V očeh meščanske javnosti in kritikov postane njegova umetnost sinonim za grdo, umetnika samega pa imenujejo »norec, ki slika sliko, ki se trese v deliriju tremens« (M. de Montifaud) (glej prilogo št. 1, Slika 4). Le najbolj pronicljivi umi tistega časa so lahko cenili Manetov talent. Med njimi sta bila Charles Baudelaire in mladi E. Zola, ki je izjavil, da je »gospodu Manetu namenjeno mesto v Louvru«.
Impresionizem je dobil najbolj dosleden, a tudi daljnosežen izraz v delu Clauda Moneta (1840-1926). Njegovo ime je pogosto povezano z dosežki te slikarske metode, kot so prenos izmuzljivih prehodnih stanj osvetlitve, vibriranje svetlobe in zraka, njuna medsebojna povezanost v procesu nenehnih sprememb in transformacij. »To je bila nedvomno velika zmaga za umetnost sodobnega časa,« piše V.N.Prokofjev in dodaja: »Ampak tudi njena končna zmaga.« Ni naključje, da je Cezanne, čeprav je nekoliko polemično zaostril svoje stališče, pozneje trdil, da je Monetova umetnost »samo oko«.
Monetova zgodnja dela so precej tradicionalna. V njih so še vedno človeške figure, ki se pozneje vse bolj spreminjajo v kadre in postopoma izginjajo iz njegovih slik. V sedemdesetih letih 19. stoletja se je umetnikov impresionistični slog dokončno izoblikoval in odslej se je popolnoma posvetil krajini. Od takrat je deloval skoraj izključno pleneristično. V njegovem delu se tip dokončno uveljavi velika slika- skica.
Monet je bil eden prvih, ki je ustvaril serijo slik, na katerih se isti motiv ponavlja v različnih obdobjih leta in dneva, ob različnih svetlobnih in vremenskih razmerah (glej prilogo št. 1, sl. 5, 6). Niso vse enake, vendar najboljše slike v teh serijah presenečajo s svežino barv, intenzivnostjo barv in umetnostjo svetlobnih učinkov.
IN pozno obdobje ustvarjalnosti v Monetovih slikah so se okrepile težnje po dekorativnosti in ploskovitosti. Svetlost in čistost barv se spremenita v svoje nasprotje, pojavi se nekakšna belkastost. Ko je E. Zola govoril o zlorabi »svetlega tona« s strani poznih impresionistov, ki so nekatera dela spremenili v razbarvano platno, je zapisal: »In danes ni nič drugega kot plener ... ostajajo le lise: portret je le lisa, figure so le lise, samo lise.
Tudi drugi impresionistični umetniki so bili večinoma krajinarji. Njihovo delo je pogosto nezasluženo ostalo v senci ob resnično barvitem in impresivnem Monetovem liku, čeprav mu v budnosti pogleda na naravo in v slikarskem znanju niso zaostajali. Med njimi je treba najprej omeniti imeni Alfreda Sisleyja (1839-1899) in Camilla Pissarra (1831-1903). Za dela Sisleyja, po rodu Angleža, je značilna posebna slikovna eleganca. Sijajni mojster plenerizma je znal prenesti prozoren zrak jasnine zimsko jutro, rahla meglica od sonca segrete megle, oblaki, ki tečejo po nebu na vetroven dan. Njegovo paleto odlikuje bogastvo odtenkov in zvestoba tonov. Umetnikove krajine so vedno prežete z globokim razpoloženjem, ki odraža njegovo v bistvu lirično dojemanje narave (glej prilogo št. 1, sl. 7, 8, 9).
Bilo je bolj zapleteno ustvarjalna pot Pissarro, edini umetnik, ki je sodeloval na vseh osmih razstavah impresionistov, ga je J. Rewald imenoval "patriarh" tega gibanja. Začenši s pokrajinami, podobnimi barbizonskim slikanjem, je pod vplivom Maneta in njegovih mladih prijateljev začel delati na prostem in postopoma osvetljevati paleto. Postopoma razvije lastno impresionistično metodo. Bil je eden prvih, ki je opustil uporabo črne barve. Pissarro je bil vedno nagnjen k analitičnemu pristopu k slikanju, od tod tudi njegovi poskusi razgradnje barve - »divizionizem« in »pointelizem«. Vendar se kmalu vrne k impresionistični maniri, v kateri je njegov najboljša dela- čudovita serija mestnih pokrajin Pariza (glej prilogo št. 1, sl. 10,11,12,13). Njihova kompozicija je vedno premišljena in uravnotežena, njihovo slikarstvo barvno prečiščeno in mojstrsko tehnično.
V Rusiji je urbano krajino v impresionizmu osvetlil Konstantin Korovin. "Pariz je bil zame šok ... impresionisti ... v njih sem videl tisto, zaradi česar so me grajali v Moskvi." Korovin (1861-1939) je bil skupaj s prijateljem Valentinom Serovom osrednji osebnosti ruskega impresionizma. Pod velikim vplivom francoskega gibanja je ustvaril svoje svoj stil, ki je mešal osnovne elemente francoskega impresionizma z bogatimi barvami ruske umetnosti tistega obdobja (glej prilogo št. 1, sl. 15).
string(5796) "Označevanje URBANNE KRAJINE v ločen žanr prispevala arhitekturna krajina. Mojstri tega gibanja, ki se je razvilo pod vplivom teorije linearne perspektive, so videli svoje glavna naloga pri gradnji kompleksne, skrbno zasnovane kompozicije, ob upoštevanju enega glavnega vidika. Velik prispevek k razvoju tega žanra je prispeval italijanski umetniki Renesansa - Rafael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Skoraj istočasno z arhitekturna krajina Razvila se je tudi druga smer - upodabljanje urbanih krajin. Nemški, nizozemski in francoski slikarji 16.-17. stoletja so s svojih potovanj prinesli številne albume s skicami iz narave. Sredi 17. stoletja je MESTNA KRAJINA trdno zasedla položaj samostojnega žanra in postala priljubljena tema nizozemski umetniki. Pri upodabljanju kotičkov Amsterdama, Delfta in Haarlema so umetniki skušali združiti geometrijsko jasnost mestnih stavb z vsakdanjimi epizodami in pokrajinami. Prave mestne poglede lahko najdemo pri velikih nizozemskih umetnikih 17. stoletja, kot so J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer iz Delfta. Eden najbolj osupljivih in uspešnih primerov MESTNE KRAJINE tega obdobja je »Pogled na mesto Delft« Vermeerja iz Delfta, ki je poetično opeval podobo domači kraj. V 18. stoletju se je izoblikoval poseben tip krajinskega žanra, tesno povezan z MESTNO KRAJINO - veduta. Veduta je bila glede na naravo reprodukcije mestnega prostora razdeljena na realno, idealno ali fantastično. V resnični veduti je umetnik vestno in natančno upodabljal resnične zgradbe v resnični pokrajini, v idealni veduti so bile upodobljene resnične zgradbe, obdane z izmišljeno pokrajino, fantastična veduta je bila povsem avtorjeva domišljija. Razcvet te vrste slikarstva je bila beneška veduta, vodja šole beneške vedute pa je bil umetnik Antonio Canaletto. V obdobju romantike so umetniki ohranili zanimanje za upodabljanje arheoloških spomenikov, starin in starodavnih templjev. Sredi devetnajstega stoletja so se krajinski slikarji posvetili žanrskim prizorom. MESTNE POKRAJINE, ki prikazujejo poglede na London, se pojavljajo na gravurah francoski umetnik Gustave Dore. Tudi drugega francoskega umetnika, mojstra MESTNE POKRAJINE, Honoreja Daumiera, so zanimale mestne vedute, čeprav pariške. Nova stran v zgodovini MESTNE KRAJINE odkrili umetniki impresionisti. Njihovo pozornost so pritegnili vzorci ulic v različnih obdobjih dneva, železniške postaje, silhuete in obrisi zgradb. Želja po prenosu ritma mestnega življenja, ujeti nenehno spreminjajoče se stanje ozračja in osvetlitve je impresioniste pripeljala do odkritja novih sredstev. umetniški izraz.
Del slik posvečen MESTNI POKRAJINI predstavlja predmete, ki prikazujejo različna mesta, arhitekturni spomeniki, ulice in znamenitosti. V tem razdelku boste našli poglede na Moskvo, Sankt Peterburg, pa tudi Rim in številna druga mesta. Ponujamo vam nakup artiklov iz rubrike MESTNA POKRAJINA v naši starinarnici Komisija. Rubrika MESTNA POKRAJINA se nenehno posodablja, spremljajte nove prihode. "
MESTNA KRAJINA je zvrst likovne umetnosti, v kateri je glavna tema podoba mesta, njegovih ulic in zgradb. Sprva MESTNA KRAJINA ni bila samostojen žanr, temveč so mestne krajine uporabljali le kot okvir za svetopisemske prizore. MESTNO KRAJINO so na nov način premislili stari nizozemski mojstri, ki so s posebno skrbjo in ljubeznijo ujeli svet okoli sebe.
Arhitekturna krajina je prispevala k ločitvi URBANNE KRAJINE v ločen žanr. Mojstri tega gibanja, ki se je razvilo pod vplivom teorije linearne perspektive, so svojo glavno nalogo videli v izgradnji kompleksne, skrbno zasnovane kompozicije z upoštevanjem enega, glavnega vidika. Italijanski umetniki renesanse - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna - so veliko prispevali k razvoju tega žanra. Skoraj sočasno z arhitekturno krajino se je razvila še ena smer - upodabljanje urbanih krajin. Nemški, nizozemski in francoski slikarji 16.-17. stoletja so s svojih potovanj prinesli številne albume s skicami iz narave. Do sredine 17. stoletja je MESTNA KRAJINA trdno zasedla svoj položaj neodvisnega žanra in postala priljubljena tema nizozemskih umetnikov. Pri upodabljanju kotičkov Amsterdama, Delfta in Haarlema so umetniki skušali združiti geometrijsko jasnost mestnih stavb z vsakdanjimi epizodami in pokrajinami. Prave mestne poglede lahko najdemo pri velikih nizozemskih umetnikih 17. stoletja, kot so J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer iz Delfta. Eden najbolj presenetljivih in uspešnih primerov MESTNE KRAJINE tega obdobja je "Pogled na mesto Delft" Vermeerja iz Delfta, ki je poetično poveličeval podobo svojega rojstnega mesta. V 18. stoletju se je izoblikoval poseben tip krajinskega žanra, tesno povezan z MESTNO KRAJINO - veduta. Veduta je bila glede na naravo reprodukcije mestnega prostora razdeljena na realno, idealno ali fantastično. V resnični veduti je umetnik vestno in natančno upodobil resnične zgradbe v resnični pokrajini, v idealni veduti so bile upodobljene resnične zgradbe, obdane z izmišljeno pokrajino, fantastična veduta je bila povsem avtorjeva domišljija. Razcvet te vrste slikarstva je bila beneška veduta, vodja šole beneške vedute pa je bil umetnik Antonio Canaletto. V obdobju romantike so umetniki ohranili zanimanje za upodabljanje arheoloških spomenikov, starin in starodavnih templjev. Sredi devetnajstega stoletja so se krajinski slikarji posvetili žanrskim prizorom. MESTNE POGLEDE, ki prikazujejo poglede na London, najdete na gravurah francoskega umetnika Gustava Doréja. Tudi drugega francoskega umetnika, mojstra MESTNE POKRAJINE, Honoreja Daumiera, so zanimale mestne vedute, čeprav pariške. Impresionistični umetniki so odprli novo stran v zgodovini MESTNE KRAJINE. Njihovo pozornost so pritegnili vzorci ulic v različnih obdobjih dneva, železniške postaje, silhuete in obrisi zgradb. Želja po prenosu ritma mestnega življenja, ujeti nenehno spreminjajoče se stanje ozračja in osvetlitve je impresioniste pripeljala do odkritja novih umetniških izraznih sredstev.
Del slik, posvečen MESTNI KRAJINI, predstavlja predmete, ki prikazujejo različna mesta, arhitekturne spomenike, ulice in znamenitosti. V tem razdelku boste našli poglede na Moskvo, Sankt Peterburg, pa tudi Rim in številna druga mesta. Ponujamo vam nakup artiklov iz rubrike MESTNA POKRAJINA v naši starinarnici Komisija. Rubrika MESTNA POKRAJINA se nenehno posodablja, spremljajte nove prihode.