(1891-1953) - Compositor ruso y soviético, uno de grandes compositores Siglo XX. Artista del Pueblo de la RSFSR (1947), premio Stalin (1943, 1946 - tres veces, 1947, 1951).
Sergei Prokofiev nació el 11 (23) de abril de 1891 en el pueblo de Sontsovka, distrito de Bakhmut, provincia de Yekaterinoslav (ahora pueblo de Krasnoye, distrito de Krasnoarmeysky, región de Donetsk, Ucrania). La madre, que era buena pianista, se encargó de criar a su hijo. El niño comenzó a estudiar música a los 5 años y ya entonces mostró interés por componer. Su madre anotó las obras que compuso: rondós, valses, canciones, “galope indio”. A la edad de 9-10 años, el niño compositor escribió dos óperas: "El gigante" y "En las islas desiertas". En 1902-1903 recibió lecciones privadas de teoría y composición de Reinhold Gliere. Desde 1904 estudió en el Conservatorio de San Petersburgo con Nikolai Rimsky-Korsakov en instrumentación, Anatoly Lyadov en composición, Y. Vitol en disciplinas teóricas musicales, A. N. Esipova en piano, N. N. Cherepnin en dirección. Se graduó en el conservatorio como compositor en 1909 y como pianista en 1914.
Desde 1908 ofrece sus primeros conciertos interpretando obras propias. En mayo de 1918 emprendió una gira por el extranjero que duró quince años. Prokofiev realizó giras por América, Europa, Japón y Cuba.
En 1927, 1929 y 1932, Prokofiev realizó viajes de conciertos a la URSS. En 1933 (según algunas fuentes en 1936) regresó a su tierra natal. Enseñó en el Conservatorio de Moscú.
En 1948, Prokofiev fue atacado por el llamado. “formalismo” y simpatía por la música occidental. Desde 1949, Prokofiev ha llevado una vida de asceta. Casi nunca sale de la casa de campo, pero incluso bajo el régimen médico más estricto escribe la ópera "El cuento de un hombre de verdad", el ballet "La flor de piedra", la Novena Sonata para piano, el oratorio "Guardián del mundo" y mucho más. La última composición que el compositor tuvo oportunidad de escuchar en sala de conciertos, se convirtió en la Séptima Sinfonía (1952). Prokofiev murió en Moscú a causa de una crisis hipertensiva el 5 de marzo de 1953. Dado que murió el mismo día que Stalin, su muerte pasó casi desapercibida.
Direcciones en San Petersburgo - Petrogrado - Leningrado
* 1914 - edificio de apartamentos - 1ª Rota, 4;
* 1915 - 1918 - edificio de apartamentos - terraplén del río Fontanka, 122;
* 01. - 02.1927 - hotel "Europeo" - calle Rakova, 7.
Se celebra anualmente en San Petersburgo. competencia internacional lleva el nombre de Sergei Sergeevich Prokofiev. El concurso se desarrolla en tres especialidades: composición, dirección sinfónica y piano.
Ensayos
* Maddalena (1911; 2.ª edición 1913),
* Jugador (según F. M. Dostoievski, 1929, Bruselas; 1974, Moscú),
* Amor por las tres naranjas (según C. Gozzi, 1921, Chicago; 1926, Leningrado),
* Fiery Angel (según V. Ya. Bryusov, 1927; concierto 1954, París; 1955, Venecia; 1983, Perm),
* Semyon Kotko (1940, Moscú),
* Esponsales en un monasterio (Dueña, según R. Sheridan, 1946, Leningrado),
* Guerra y paz (ópera) (basada en L.N. Tolstoi, 1943; edición final 1952; 1946, Leningrado; 1955, ibid.).
* The Tale of a Real Man (según B.P. Polevoy, concierto 1948, Leningrado; 2ª edición 1960, Moscú);
* El cuento de un bufón que engañó a siete bufones (1921, París),
* Salto de acero (1927, París),
* Hijo pródigo (1929, ibíd.),
* Sobre el Dnieper (1931, ibíd.),
* Romeo y Julieta (basado en W. Shakespeare, 1938, Brno; 1940, Leningrado),
* Cenicienta (1945, Moscú),
* El cuento de la flor de piedra (según P. P. Bazhov, 1954, Moscú);
Obras vocales y sinfónicas
* Para el vigésimo aniversario de la Revolución de Octubre, cantata (texto-montaje de Prokofiev a partir de las obras de K. Marx, F. Engels, V. I. Lenin, 1937)
* Alejandro Nevsky, cantata (1939)
* Zdravitsa, cantata (para el 60 aniversario de Stalin, 1939)
* Winter Fire, suite (letra de S. Ya. Marshak, 1949)
* Guarding the World, oratorio (letra de S. Ya. Marshak, 1950)
* “El Patito Feo” para voz y piano
para orquesta
* 7 sinfonías (1917 “Clásica”; 1924; 1928; 1930 (segunda edición 1947); 1944; 1947; 1952),
* Ala y Lolio (Suite escita, 1915),
* cuento sinfónico Pedro y el lobo (1936),
* Dos valses de Pushkin (1949), varias suites, poemas, oberturas, etc.;
Conciertos instrumentales
* Cinco conciertos para piano (1912; 1913 (segunda edición 1923); 1921; 1931; 1932 (para mano izquierda))
* Dos conciertos para violín (1917, 1935)
* Concierto para violonchelo (1938)
* Concierto sinfónico para violonchelo (1952)
* Concertino para violonchelo y orquesta (1952)
Conjuntos instrumentales de cámara
* Dos sonatas para violín y piano.
* Sonata para violín solo
* Sonata para violonchelo y piano
* Sonata para flauta y piano
* 2 cuartetos de cuerda
obras para piano
* “Sonata nº 1 en fa menor para piano” - op.1 (1907-1909)
* “4 Estudios para piano” - op.2 (1909)
* “4 piezas para piano” - op.3 (1907-1908)
* “4 piezas para piano” - op.4 (1908)
* “Concierto nº 1 en re bemol mayor para piano y orquesta” - op.10 (1911-1912)
* “Toccata en re menor” - op.11 (1912)
* “10 piezas para piano” - op.12 (1906-1913)
* “Sonata n.° 2 en re menor para piano” - op.14 (1912)
* “Concierto nº 2 en sol menor para piano y orquesta” - op.16 (1912-1913)
* “Sarcasmos” - op.17 (1912-1914)
* “Fugacidad” - op.22 (1915-1917)
* “Concierto nº 3 en do mayor para piano y orquesta” - op.26 (1917-1921)
* “Sonata n.° 3 en la menor para piano” - op.28 (1907-1917)
* “Sonata nº 4 en do menor para piano” - op.29 (1908-1917)
* “Cuentos de una anciana abuela” - op.31 (1918)
* “4 piezas para piano” - op.32 (1918)
* “Sonata n.° 5 en do mayor para piano” - op.38 (1923)
* “Divertimento” - op.43b (1938)
* “6 transcripciones para piano” - op.52 (1930-1931)
* “Concierto nº 4 (para la mano izquierda) para piano y orquesta” - op.53 (1931)
* “2 sonatinas para piano” - op.54 (1931-1932)
* “Concierto n.° 5 en sol mayor para piano y orquesta” - op.55 (1931)
* “3 piezas para piano” - op.59 (1933-1934)
* “Música para niños” - op.65 (1935)
* "Romeo y Julieta" - 10 piezas para piano - op.75 (1937)
* “Sonata nº 6 en La mayor para piano” - op.82 (1939-1940)
* “Sonata n.° 7 en si bemol mayor para piano” - op.83 (1939-1942)
* “Sonata n.° 8 en si bemol mayor para piano” - op.84 (1939-1944)
* “3 piezas para piano” - op.96 (1941-1942)
* “Cenicienta” - 10 piezas para piano - op.97 (1943)
* “Cenicienta” - 6 piezas para piano - op.102 (1944)
* “Sonata n.° 9 en do mayor para piano” - op.103 (1939-1944)
También: romances, canciones; música para representaciones de teatro dramático y películas.
Entre los muchos recuerdos de uno de los grandes y originales músicos de nuestra era, Sergei Sergeevich Prokofiev, es especialmente interesante uno que él mismo contó al principio. breve autobiografía: “El examen de ingreso fue bastante impresionante. Frente a mí estaba siendo examinado un hombre con barba que traía como equipaje una novela romántica sola. Entré, encorvado por el peso de dos carpetas que contenían cuatro óperas, dos sonatas, una sinfonía y bastantes piezas para piano. "¡Me gusta esto!" - dijo Rimsky-Korsakov, quien realizó el examen.”
¡Prokofiev tenía entonces 13 años! Y si a esta edad uno puede “doblarse bajo el peso” de tal bagaje creativo, entonces la biografía del compositor merece atención, aparentemente, desde los primeros años de su vida. En las crónicas de los compositores rusos no encontramos casos de “niño prodigio”. Sin embargo, a partir de Glinka y desde la época anterior a Glinka, el deseo de escribir se manifestó en personas más maduras, jóvenes y no en infancia y al principio se limitó a piezas para piano y romances. Prokofiev puso los teclados de ópera y la partitura sinfónica sobre la mesa de examen; se comportó de forma independiente y con confianza; juzgaba la música con decisión, como suele decirse, “con pleno conocimiento del tema”, y tenía una autoestima más que suficiente.
La biografía de este hombre peculiar comenzó en el desierto provincial, en Sontsovka, no lejos de Yekaterinoslav, donde su padre era administrador de una finca. Aquí, bajo la dirección de su madre, una buena pianista, comenzaron las lecciones de música cuando el futuro autor de "El amor por las tres naranjas" aún no tenía cinco años. Prokofiev comenzó a inventar y componer música casi al mismo tiempo, y nunca abandonó esta actividad. Era una necesidad orgánica cada día de su vida. La definición de "compositor" era para Prokofiev tan natural como la de "hombre".
Dos óperas: "El gigante" y "En las islas desiertas", compuestas e incluso grabadas por Prokofiev cuando tenía 9-10 años, por supuesto, no pueden tenerse en cuenta al considerar su camino creativo, son infantilmente ingenuos. Pero pueden servir como prueba de talento, perseverancia y un indicador del deseo de alcanzar algún tipo de escala.
El compositor de once años conoció a S.I. Taneyev. Un gran músico y un estricto maestro reconocieron el indudable talento del niño y le recomendaron que estudiara música en serio. El siguiente capítulo de la biografía de Prokofiev ya es completamente inusual: durante los meses de verano de 1902 y 1903, el alumno de Taneyev, R. M. Gliere, estudió composición con Seryozha Prokofiev. El resultado del primer verano fue una sinfonía de cuatro movimientos, y el resultado del segundo verano fue la ópera "Una fiesta en tiempos de peste". Era, como recordó Prokofiev muchos años después, “una verdadera ópera, con partes vocales, una partitura orquestal y una obertura en forma de sonata”.
A la edad de 13 años, Prokofiev, como se sabe, emprendió el camino de los estudios musicales profesionales dentro de los muros del Conservatorio de San Petersburgo.
Al estudiar composición con A.K. Lyadov, N.A. Rimsky-Korsakov y A.A. Winkler y A. Esipova en piano, S. Prokofiev no se limitó a realizar las tareas de clase. Escribió mucho, no siempre coordinando cómo y qué escribir con las reglas académicas. Incluso entonces, la voluntad creativa tan típica de Prokofiev era evidente, la fuente de muchos conflictos con las “autoridades reconocidas”, la fuente de un estilo de escritura puramente individual, el de Prokofiev.
En diciembre de 1908, Prokofiev, de diecisiete años, actuó por primera vez en un concierto público. Entre otras piezas para piano, interpretó “Obsession”, en la que se puede escuchar la armonía agudamente disonante, el ritmo elástico y el motorismo atrevido y deliberadamente seco de Prokofiev. Los críticos reaccionaron al instante: “Un joven autor que aún no ha terminado su educación artística, perteneciente a la corriente extrema de los modernistas, va mucho más allá en su audacia que el francés moderno”. La etiqueta está pegada: “modernista extremo”. Recordemos que a finales de la primera década del siglo el modernismo floreció magníficamente y dio cada vez más brotes nuevos. Por lo tanto, Prokofiev tenía bastantes “definiciones” que a menudo sonaban como apodos abusivos. Prokofiev no encontró nada con el “jefe” y los profesores del conservatorio. lenguaje común. Se hizo amigo más cercano sólo de N.N Tcherepnin, quien enseñaba dirección. Durante estos mismos años, Prokofiev entabló amistad con N. Ya Myaskovsky, un músico respetable, diez años mayor que él.
El joven Prokofiev se convierte en un invitado frecuente de "Tardes" musica moderna", donde se interpretaron todo tipo de canciones nuevas. Prokofiev fue el primer intérprete en Rusia de piezas para piano de Arnold Schoenberg, que aún no había creado su propio sistema dodecafónico, pero escribía con bastante “agudidad”.
A juzgar por la dedicatoria escrita por Prokofiev a la partitura de la película sinfónica “Dreams”: “Para el autor que comenzó con “Dreams” (es decir, Scriabin), Prokofiev no escapó a la afición que se apoderaba de la gran mayoría de los jóvenes músicos. Pero para Prokofiev esta pasión sólo desapareció, sin dejar rastro perceptible. Por su carácter, Prokofiev era una persona atlética, clara, decidida, profesional y, menos que nada, se parecía a un compositor cercano a la sofisticación, la ensoñación o, de otra manera, el éxtasis de Scriabin.
Ya en "Marcha" para piano, parte del ciclo "Diez piezas" (1914), se puede escuchar la manera resistente, decidida y pegadiza típica de Prokofiev en las décadas siguientes, que se acerca al estilo de escritura de Mayakovsky de aquellos años. .
Dos conciertos para piano sucesivos (1912, 1913) son prueba de la madurez creativa del compositor. Son diferentes: en el Primero, se hace sentir el deseo de conmocionar y aturdir al público a toda costa; El segundo concierto es mucho más poético. El propio Prokofiev escribió sobre sus conciertos: “Los reproches por la búsqueda de la brillantez externa y un cierto “futbolismo” del Primer Concierto llevaron a la búsqueda de una mayor profundidad de contenido en el Segundo”.
El público y la inmensa mayoría de los críticos saludaron la aparición de Prokofiev en el escenario del concierto de San Petersburgo con amistosos abucheos. En el folletín del periódico de San Petersburgo escribieron que "Prokofiev se sienta al piano y comienza a limpiar las teclas o a probar cuáles suenan más alto o más bajo".
En 1914, Prokofiev "eliminó" el conservatorio en ambas especialidades: composición y pianismo.
Como recompensa, sus padres le ofrecieron un viaje al extranjero. Eligió Londres. Allí realizó una gira la compañía de ópera y ballet de Sergei Diaghilev, cuyo repertorio fue de gran interés para Prokofiev. En Londres quedó cautivado por Dafnis y Cloe de Ravel y dos ballets de Stravinsky, El pájaro de fuego y Petrushka.
En conversaciones con Diaghilev surgieron los primeros esbozos, aún poco claros, de un ballet sobre un tema prehistórico ruso. La iniciativa perteneció a Diaghilev, y la Consagración de la Primavera sin duda le impulsó a tener estos pensamientos.
Al regresar a Rusia, Prokofiev se pone a trabajar. Como ha sucedido a menudo en la historia del teatro de ballet, una base dramática débil, incluso con una música excelente, no conduce al éxito. Este fue el caso de la idea de Prokofiev del ballet “Ala y Lolliy”, cuyo libreto fue compuesto por el poeta Sergei Gorodetsky. La música está claramente influenciada por Stravinsky. Esto es comprensible, dado que la atmósfera de “barbarie” escita en “Aly y Lollia” es la misma que en “La consagración de la primavera” e incluso algunos de los movimientos de la trama son muy similares. Y además, música de un poder tan gigantesco e impresionante como “La consagración de la primavera” no podía dejar de cautivar al joven Prokofiev. Un poco más tarde, entre 1915 y 1920, apareció el ballet "La historia de un bufón que engañó a siete bufones". Esta vez Prokofiev escribe el libreto él mismo, tomando prestada la trama de los cuentos de hadas rusos de la colección de A. Afanasyev. El compositor tuvo éxito con su música traviesa de carácter ruso. El ballet resultó ser animado, repleto de episodios ingeniosos y que recuerda a los "juegos de bufones". En él, Prokofiev “se divirtió mucho” con ironía, grotesco y sarcasmo, tan típicos de él.
Muchos de los contemporáneos del joven Prokofiev e incluso investigadores de su obra pasaron por alto la “corriente lírica” en su música, rompiendo las imágenes agudamente satíricas, grotescas y sarcásticas, a través de los ritmos deliberadamente ásperos y pesados. Y hay muchas de estas entonaciones líricas y tímidas en los ciclos de piano "Fleetness" y "Sarcasm", en el tema secundario de la primera parte de la Segunda Sonata, en romances basados en poemas de Balmont, Apukhtin, Akhmatova.
A partir de aquí, los hilos se extenderán hasta "Cuentos de una abuela", "Romeo y Julieta", la música de Natasha Rostova, "Cenicienta" y los valses de Pushkin. Observemos que en estas obras prevalecen sentimientos fuertes, pero tímidos, "temerosos" de su expresión externa. Prokofiev se muestra irónico ante las exageraciones del romántico “mundo de los sentimientos excitados”. Para tal escepticismo antirromántico, entre muchas otras obras, es muy indicativo el romance "El mago", basado en los poemas de Agnivtsev.
Las tendencias antirrománticas de Prokofiev también se reflejan en su simpatía por la prosa y los textos prosaicos. Aquí podemos hablar de las influencias de Mussorgsky, especialmente porque Prokofiev a menudo prefiere el tipo de melodía que se acerca a las entonaciones del habla. En este sentido, es muy indicativo su “Patito Feo” para voz y piano, que difícilmente puede calificarse de romance. sabio y buen cuento de hadas Andersen, que infunde fe en el bien y la luz, atrajo a Prokofiev con su humanismo.
Una de las primeras actuaciones " el patito feo“Escuché a A. M. Gorky en un concierto en el que leyó el primer capítulo de su “Infancia”. Admirado por "El patito", Gorky hizo una conjetura: "... ¡pero escribió esto sobre sí mismo, sobre sí mismo!"
En enero de 1916, Prokofiev tuvo que pasar por una dura prueba que le hizo recordar la noche del estreno de La consagración de la primavera de Stravinsky. Esta fue la primera representación de la Suite Scythian, que él mismo dirigió. El público expresó en voz alta su indignación por el “trabajo salvaje”. Un crítico de "Theatre Sheet" escribió: "Es simplemente increíble que una pieza así, desprovista de significado, pueda interpretarse en un concierto serio... Se trata de una especie de sonidos atrevidos y atrevidos que no expresan más que alardes sin fin. "
Prokofiev resiste estoicamente este tipo de valoración crítica y este tipo de reacción del público. Habiendo asistido a representaciones públicas de D. Burliuk, V. Kamensky, V. Mayakovsky, se acostumbra a la idea de que las tendencias innovadoras en cualquier arte no pueden dejar de provocar reacciones violentas por parte del público, que tiene sus propios gustos establecidos y considera cualquier violación de ellos. un ataque a la personalidad y la dignidad, la decencia.
En los años prerrevolucionarios, Prokofiev estuvo ocupado trabajando en la ópera "El jugador", basada en la historia de Dostoievski. Aquí se acerca aún más a Mussorgsky. Por muchas razones, Prokofiev pospondrá El jugador durante casi diez años; su estreno no tendrá lugar en Bruselas hasta 1929.
Mientras trabajaba en El jugador, quizás en contraste con las innovaciones generosamente esparcidas en la partitura, Prokofiev concibió una sinfonía construida según el estricto canon de los ejemplos clásicos de este género. Surge así una de las obras más encantadoras del joven Prokofiev, su Sinfonía clásica. Música alegre, brillante, sin una sola “arruga en la frente”, solo que un tema toca otro esfera emocional, según la letra de ensueño, se trata de una melodía de violines en un registro extremadamente alto, que suena al comienzo del segundo movimiento. La primera interpretación de la Sinfonía Clásica, dedicada a B.V. Asafiev, tuvo lugar bajo la dirección del autor después de la revolución, en 1918. A.V. Lunacharsky estuvo presente en el concierto.
En una conversación con él, Prokofiev expresó su deseo de realizar un largo tren de conciertos en el extranjero. Lunacharski no puso objeciones. Entonces, en 1918, Prokofiev se fue al extranjero.
Al principio dio conciertos en Japón, y de allí puso rumbo a Estados Unidos. En sus memorias, Prokofiev escribe: “De Yokahama, con una maravillosa parada en Honolulu, me mudé a San Francisco. Allí no me dejaron desembarcar de inmediato, sabiendo que Rusia estaba gobernada por "maximalistas" (como se llamaba a los bolcheviques en Estados Unidos en ese momento), un pueblo no del todo comprensible y, probablemente, peligroso. Después de permanecer tres días en la isla y de interrogarlo detalladamente (“¿Has estado en prisión?” - “Estuve.” - “Eso es malo. ¿Dónde?” - “Tú, en la isla.” - “Oh, tú ¡Quiero bromear!”), se me permitió entrar a los Estados Unidos."
Los tres años y medio que pasó en Estados Unidos añadieron a la lista de obras de Prokofiev la ópera "El amor por las tres naranjas" y varias obras de cámara.
Al salir de Rusia, Prokofiev se llevó la revista de teatro "El amor por las tres naranjas", en la que se publicó el guión del cuento de hadas del mismo nombre del dramaturgo italiano Carlo Gozzi, revisado por V. Meyerhold. Sobre esta base, Prokofiev escribió el libreto y la música de la ópera.
"El amor por las tres naranjas" se puede llamar un cuento de hadas irónico, en el que la realidad, la fantasía y las convenciones teatrales se entrelazan en una actuación fascinante, dotada de una forma escénica brillante, similar a la "commedia dell'arte" italiana. Durante el tiempo -casi medio siglo- que nos separa del estreno de “El amor por las tres naranjas”, esta ópera ha entrado en el repertorio de numerosos teatros.
Por primera vez, después de muchas pruebas, se representó en Chicago a finales de 1921. Dos semanas antes del estreno de Oranges, tuvo lugar allí, en Chicago, la primera interpretación del Tercer Concierto para piano. El autor interpretó el papel solista. En este concierto, el “espíritu ruso” reina en el lenguaje, en las imágenes, a veces conmovedoras como una flauta (introducción), a veces siniestramente fabulosas a la manera de Koscheev, a veces arrolladoras, como el poder generoso de la juventud rusa. De los cinco conciertos para piano (el Cuarto y el Quinto fueron escritos a principios de los años 30), es el Tercer el que goza de mayor popularidad hasta el día de hoy, quizás también porque en él se escucha la voz del piano “omnipotencia”, que hace recordar el patetismo de los conciertos de Tchaikovsky y Rachmaninov. Esta característica del concierto fue expresada figurativa y vívidamente por el poeta Konstantin Balmont: "Y el invencible escita toca la pandereta del sol".
Tras trasladarse a Europa, a París, a principios de 1920, Prokofiev renovó sus vínculos con Diaghilev, pero no por mucho tiempo. El encuentro con Stravinsky se convirtió en una pelea, lo que provocó cambios en las relaciones con Diaghilev. Diághilev, un empresario muy experimentado, un hombre con un excelente "sentido del olfato", sentía que Prokofiev no podía contar con el éxito con esa parte del público que algunos respetuosamente llaman "élite", otros, más sobriamente, los llaman snobs. En resumen, a ella, la “élite”, no le gustó el Concierto para violín, escrito hace mucho tiempo pero estrenado en París en 1923, que, en su opinión, no estaba lo suficientemente “salpicado”. Y luego Prokofiev, queriendo vengarse, "salpicó" tanto la Segunda Sinfonía que retrocedió incluso el "lado izquierdo" de la sala. Prokofiev no estaba en el “tono parisino”, no estaba a favor. Esto significa, según la lógica de Diaghilev, que no es necesario conocerlo.
En el mundo diplomático, en los “salones” influyentes, el interés por la “tierra de los bolcheviques” crecía día a día. Esto no pasó desapercibido para Diaghilev. Después de dos años de frialdad, Sergei Diaghilev se dirigió a Prokofiev a la antigua y amistosa manera. Se trataba de un ballet de... vida soviética. Se suponía que I. Ehrenburg era el autor del libreto. La elección final recayó en G. Yakulov. El título del ballet “El salto de acero” era intrigante. "El salto de acero", puesta en escena por el coreógrafo Leonid Myasin, ni en París ni en Londres, donde se presentó durante la gira de la compañía de Diaghilev, no tuvo éxito y, estrictamente hablando, no podría haberlo tenido. El ballet, desprovisto de acción transversal, constaba de episodios separados y no relacionados: el tren con los bolseros, los comisarios, los toffees y los cigarreros, el orador. En la segunda (última) escena del ballet en el escenario, la compañía de ballet demostró el movimiento de las máquinas, las máquinas herramienta y el chirrido de los martillos de vapor.
En 1927, Sergei Prokofiev realizó una gran gira de conciertos por la Unión Soviética. Quedó encantado con la producción de Leningrado de “Tres naranjas” y la recepción que recibió como compositor y pianista en Moscú, Leningrado, Jarkov, Kiev y Odessa. Era como si hubiera vuelto a respirar el aire de su tierra natal.
De las obras de finales de los años 20, las más interesantes son la Tercera Sinfonía (sobre ella volveremos más adelante) y el ballet "El hijo pródigo", representado en mayo de 1929. Aquí Prokofiev volvió a mostrar el poder de su talento. La música de “El hijo pródigo” cautiva por su sabia sencillez, calidez y nobleza de tema. Las escenas contrastantes: la bacanal de la fiesta y la mañana después de una noche desenfrenada, y luego la escena del regreso del héroe de la parábola del ballet a la azotea de su padre, lleno de dolor y humildad, causan una fuerte impresión. El ballet “Hijo pródigo” es la aproximación más cercana a los tres ballets escritos por Prokofiev tras su regreso a su tierra natal, los ballets que aumentaron su fama mundial.
Prokofiev había soñado durante mucho tiempo con regresar a casa. En las memorias de uno de sus amigos franceses, Sergei Sergeevich cita: “El aire de una tierra extranjera no me inspira, porque soy ruso y no hay nada más dañino para una persona que vivir en el exilio, estar en un estado espiritual. clima que no corresponde a su raza. Debo volver a sumergirme en la atmósfera de mi patria, debo volver a ver verdadero invierno y en primavera, necesito escuchar el habla rusa, hablar con personas cercanas a mí. Y esto me dará lo que tanto falta aquí, porque sus canciones son mis canciones”.
En 1933, Sergei Prokofiev regresó a su tierra natal. Pero la patria ha cambiado. A lo largo de los dieciséis años posrevolucionarios, ha crecido un nuevo público con sus propias creencias, demandas y gustos. Éste no era el público que Prokofiev recordaba de su juventud, ni el que conoció en el extranjero. El crecimiento artístico ha crecido gigantescamente, cultura estetica, estrechamente relacionado con una cosmovisión revolucionaria, que permite percibir e interpretar libre y verazmente los fenómenos de la vida de la misma manera, entendiendo hacia dónde se mueve la historia. Prokofiev, probando nuevas condiciones para él, acepta la oferta de escribir música para la película "Lieutenant Kizhe". ¡Aquí es donde se hizo sentir el ingenio musical inherente a Prokofev! La época de los ejercicios de cuartel de Pavlov, los tristes silbidos de las flautas acompañados por el redoble de los tambores, los correos galopando sobre los barrotes con los ojos saltones de celo, era una época en la que las cursis damas de compañía y los cocineros cantaban cien veces al día: “La paloma azul gime, gime día y noche... “¡Libertad para la música! Además, la música es irónica. Prokofiev compuso exactamente el tipo de música que se esperaba de él: aguda, extremadamente precisa, fusionándose instantáneamente con la acción, con la persona, con el paisaje. Y "La boda de Kizhe", y "Troika", y espeluznante redoble de tambores, bajo el cual el "Kizhe criminal" fue conducido a Siberia - todo esto sonó en grado más alto expresivo gracias a lo grotesco, combinando lo espeluznante y lo divertido.
Así comenzó uno nuevo, la etapa más importante biografía creativa Prokófiev. En el mismo año 1933, escribió la música para la producción de "Noches egipcias" en el Teatro de Cámara de Moscú y demostró una vez más que incluso en este género, que ofrece al compositor las oportunidades aparentemente más modestas, es posible crear obras de alto mérito.
Al género de la música de cine y la música en teatro dramático Prokofiev apela repetidamente. Su música para dos películas de Sergei Eisenstein: “Alexander Nevsky” e “Iván el Terrible” causó una impresión particularmente grande. En la música de “Alexander Nevsky” (1938), Prokofiev continuó la línea del sinfonismo épico proveniente de Borodin. Episodios como "Rusia bajo el yugo mongol", "La batalla sobre el hielo" y el coro "Levántate, pueblo ruso" cautivan por su poder realista y su estricta monumentalidad. No es la ilustración del fotograma de la película, sino la generalización sinfónica del tema, concretada en la pantalla, lo que ocupa al compositor. A pesar de que la música está estrechamente relacionada con la imagen, tiene un valor independiente y muy alto, como lo demuestra la cantata "Alexander Nevsky" para orquesta, coro y solista creada sobre esta base.
En este sentido también se escribió la música de la película “Iván el Terrible” (1942). Después de la muerte de Prokofiev, el director A. Stasevich combinó los episodios musicales más significativos en el oratorio "Iván el Terrible", una obra de enorme y sorprendente poder.
La segunda mitad de los años 30 estuvo marcada por la composición de una de las mejores obras de Prokofiev: el ballet Romeo y Julieta. Representada a principios de 1940 por L. Lavrovsky en el escenario del Teatro de Ópera y Ballet de Leningrado. S. M. Kirov, jugó un papel muy importante en la historia de la cultura coreográfica mundial, siendo la primera representación que encarnó plenamente la tragedia de Shakespeare a través de la música, la danza y la pantomima. G. Ulanova - Julieta, K. Sergeev - Romeo, R. Gerbek - Tybalt, A. Lopukhov - Mercutio se encuentran legítimamente entre los intérpretes más destacados de los papeles de Shakespeare. Con su ballet, Prokofiev elevó el nivel de la música de ballet a un nivel que no había alcanzado desde Tchaikovsky, Glazunov y Stravinsky, lo que a su vez planteó nuevos desafíos para cada compositor que escribe música de ballet. Los principios sinfónicos que determinan el estilo y la esencia de la música de Romeo y Julieta han recibido mayor desarrollo en dos ballets de Prokofiev: "Cenicienta" (1944) y "El cuento de la flor de piedra" (1950).
Con “Cenicienta” nació una de las representaciones más poéticas sobre la triste vida de una hijastra, humillada y ridiculizada por su malvada madrastra y sus hijas Zlyuka y Krivlyaka. En aquellos años lejanos, cuando se escribían romances basados en los poemas de Balmong, Apukhtin y Akhmatova, llenos del encanto de "El cuento de la abuela", se sembraron las semillas que brotaron en la partitura de "Cenicienta" con música que irradiaba ondas de humanidad y amor a la vida. En cada episodio donde aparece Cenicienta o donde sólo se la “menciona”, la música se llena de fragante calidez y afecto. De todo lo escrito por Prokofiev, “Cenicienta” es la que más se acerca a la dramaturgia del ballet de Tchaikovsky, quien también pensó más de una vez en un ballet basado en esta trama...
El último ballet de Prokofiev es "El cuento de la flor de piedra". La "Caja de Malaquita" de Bazhov estaba llena de maravillosa música rusa, generada por imágenes fantásticas y reales de cuentos antiguos de canteros de los Urales y la más brillante de ellas, la imagen de la Montaña de Cobre de la amante, entonces hermosa mujer, luego un malvado lagarto de malaquita que guarda el secreto de una flor de piedra.
Junto a los ballets, sus óperas ocupan un lugar importante en la biografía creativa de Prokofiev. El compositor siguió un camino difícil en este género. Comenzando con “Maddalena”, un drama sangriento en un acto ambientado en el contexto de la exuberante vida de la Venecia del siglo XV, pasa a su siguiente ópera, “El jugador” de Dostoievski, y de allí al ya mencionado cuento de hadas de Carlo Gozzi, “El amor por las tres naranjas”, la primera ópera ha obtenido un éxito duradero. Después de lo irónico, ligero y musica divertida"Naranjas", el compositor se sumerge repentinamente en la oscuridad de la Edad Media en una ópera basada en la trama de la historia de V. Bryusov "El ángel de fuego", donde el erotismo y los horrores de la Inquisición se alternan con profecías frenéticas y cabalismo. La música, escrita bajo la influencia de la estética expresionista, algo completamente inusual para Prokofiev, fue utilizada más tarde por él en la Tercera Sinfonía.
Durante muchos años Prokofiev no abordó género de ópera. Y recién en 1939 me interesé por la historia de V. Kataev "Soy el hijo de los trabajadores". Sobre esta base escribió la ópera "Semyon Kotko". Prokofiev habló en un lenguaje completamente nuevo en muchos episodios de esta ópera, obviamente restaurando en su memoria las impresiones de la infancia sobre Ucrania, sobre las canciones que sonaban en Sontsovka, sobre la atmósfera misma, saturada con la fértil calidez ucraniana. ¿Es aquí donde surgieron las entonaciones líricas en los diálogos a dúo de Semyon Kotko y su amada Sofia Tkachenko, o las características de Frosya y Mikolka, deleitándose con su conmovedora ingenuidad? A pesar de los méritos inherentes de Semyon Kotko, la predilección de Prokofiev por el prosaísmo y el estilo de entonación conversacional impidieron inicialmente que su primera ópera de trama moderna ocupara un lugar en el repertorio de nuestros teatros. Esta manera tendrá un impacto en en mayor medida V la ultima opera"La historia de un hombre de verdad" (1948) basada en el libro de B. Polevoy.
Sergei Prokofiev es un destacado compositor ruso y una persona de destino único. Una persona que tiene habilidades asombrosas y entró en el Conservatorio de San Petersburgo cuando sólo tenía 13 años. Un hombre que se fue al extranjero después de la revolución, pero regresó a la URSS, con honor y sin el estigma de un “desertor”. Una persona con una determinación inquebrantable, que no se dejó quebrantar por las dificultades de la vida. Fue favorecido por las autoridades, recibió los más altos premios estatales y luego, durante su vida, fue relegado al olvido y la desgracia. Un hombre al que se considera el “único genio” del siglo XX y cuyas asombrosas obras deleitan a los oyentes de todo el mundo.
Breve biografía Serguéi Prokófiev y muchos hechos interesantes Lea sobre el compositor en nuestra página.
Breve biografía de Prokofiev.
Sergei Sergeevich Prokofiev proviene del pueblo ucraniano de Sontsovka. Existen diferentes versiones de la fecha de su nacimiento, pero conviene indicar la que él mismo indicó en su “Autobiografía”: 11 (23) de abril de 1891. Parece que ya había nacido compositor, porque gracias a su madre, María Grigorievna, que tocaba excelentemente el piano, la casa de los Prokofiev se llenó de música. El interés por el instrumento impulsó al pequeño Seryozha a empezar a aprender a tocar. Desde 1902, Sergei Prokofiev comenzó a enseñar música. R.M. glière.
Prokofiev se convirtió en estudiante del Conservatorio de Moscú en 1904. Cinco años más tarde se graduó en el departamento de composición y cinco años más tarde en el departamento de piano, convirtiéndose en el mejor graduado. Comenzó a dar conciertos en 1908. El debut fue valorado muy favorablemente por los críticos y se destacaron tanto su talento interpretativo como la originalidad del compositor. Desde 1911 se publican partituras de sus obras. El punto de inflexión en el destino del joven Prokofiev fue su relación con SP Diáguilev en 1914. Gracias a la unión del empresario y el compositor nacieron cuatro ballets. En 1915, Diaghilev organizó la primera actuación extranjera de Prokofiev con un programa compuesto por sus composiciones.
Prokofiev percibió la revolución como destrucción, “masacre y juego”. Por eso, al año siguiente fui a Tokio y de allí a Nueva York. Vivió en Francia durante mucho tiempo, recorriendo el viejo y el nuevo mundo como pianista. En 1923 se casó con la cantante española Lina Codina y tuvieron dos hijos. Al llegar a la Unión Soviética para actuar, Prokofiev ve una recepción excepcionalmente cordial, incluso lujosa, por parte de las autoridades, un éxito grandioso entre el público que nunca había visto en el extranjero, y también recibe una oferta para regresar y la promesa del estatus de " primer compositor”. Y en 1936, Prokofiev se mudó a Moscú con su familia y sus propiedades. Las autoridades no lo engañaron: un apartamento lujoso, sirvientes bien entrenados, órdenes que le llegaban como de una cornucopia. En 1941, Prokofiev dejó a su familia por Mira Mendelsohn.
El año 1948 comenzó con acontecimientos dramáticos inesperados. El nombre de Prokofiev fue mencionado en la resolución del partido "Sobre la ópera "La gran amistad" de V. Muradeli". El compositor fue catalogado como “formalista”. Como resultado, algunas de sus obras, en particular la Sexta Sinfonía, fueron prohibidas, mientras que otras casi nunca se interpretaron. Sin embargo, ya en 1949 estas restricciones fueron levantadas por orden personal de Stalin. Resultó que ni siquiera el “primer compositor” del país pertenece a la casta de los intocables. Menos de diez días después de la publicación del devastador decreto, la primera esposa del compositor, Lina Ivanovna, fue arrestada. Fue sentenciada a 20 años en los campos por espionaje y traición; no sería liberada hasta 1956. La salud de Prokofiev se deterioró notablemente y los médicos le aconsejaron que apenas trabajara. Sin embargo, en 1952 asistió personalmente a la primera interpretación de su Séptima Sinfonía y escribió música incluso en el último día de su vida. La tarde del 5 de marzo de 1953, el corazón de Sergei Prokofiev se detuvo...
Prokófiev - compositor
Por la biografía de Prokofiev sabemos que a la edad de cinco años, a Seryozha se le ocurrió y tocó su primera pieza en el piano (las notas fueron grabadas por María Grigorievna). Habiendo visitado producciones de Moscú en 1900 " Fausto" Y " La Bella durmiente del bosque“, el niño quedó tan inspirado por lo que escuchó que apenas seis meses después nació su primera ópera, “El Gigante”. Cuando entré al conservatorio, había acumulado varias carpetas de ensayos.
La idea de su primera gran ópera basada en la novela de F.M. Dostoievski " Jugador", que en su juventud Prokofiev decidió trasladar al escenario de la ópera, fue discutido por el compositor principalmente con S. Diaghilev. A quien, sin embargo, no le interesó la idea. A diferencia del director titular Teatro Mariinski A. Coates, quien la apoyó. La ópera se terminó en 1916, se asignaron los papeles, comenzaron los ensayos, pero debido a una desafortunada serie de obstáculos el estreno nunca se llevó a cabo. Después de algún tiempo, Prokofiev hizo una segunda edición de la ópera, pero el Teatro Bolshoi no la representó hasta 1974. En vida del compositor, sólo la segunda edición fue representada por el Teatro La Monnaie de Bruselas en 1929, donde la ópera se representó en francés. La última obra escrita e interpretada en el San Petersburgo prerrevolucionario fue la Primera Sinfonía. Durante el período de residencia en el extranjero se crearon las siguientes: óperas " Amor por tres naranjas" y "Fire Angel", tres sinfonías, muchas sonatas y obras de teatro, música para la película "Lieutenant Kizhe", conciertos para violonchelos, piano, violines con una orquesta.
El regreso a la URSS es el momento del rápido ascenso creativo de Prokofiev, cuando las obras que se convirtieron en suyas “ tarjeta de visita» incluso para aquellos que no están familiarizados con la música clásica - ballet "Romeo y Julieta" y el cuento de hadas sinfónico “Pedro y el lobo”. En 1940 teatro de la ópera a ellos. KANSAS. Stanislavsky da el estreno de Semyon Kotko. Al mismo tiempo se terminó la ópera “Los esponsales en el monasterio”, cuyo libreto fue coautor del señor Mendelssohn.
En 1938 se estrenó la película de S. Eisenstein "Alexander Nevsky", que unos años más tarde estaba destinada a convertirse en un símbolo de la lucha contra los invasores nazis. La música de esta película, al igual que la segunda película monumental del director, "Iván el Terrible", fue escrita por Sergei Prokofiev. Los años de la guerra estuvieron marcados por la evacuación al Cáucaso, así como por el trabajo en tres obras importantes: la Quinta Sinfonía, el ballet "Cenicienta", ópera " Guerra y paz" La autora del libreto de esta ópera y obras posteriores del compositor fue su segunda esposa. El período de posguerra se destaca principalmente por dos sinfonías: la Sexta, que se considera una especie de réquiem por las víctimas de la guerra, y la Séptima, dedicada a la juventud y las esperanzas.
Datos interesantes:
- La versión de la ópera The Gambler, escrita para el Teatro Mariinsky en 1916, nunca se representó en su escenario. El estreno de la segunda edición no tuvo lugar hasta 1991.
- Durante la vida de Prokofiev, sólo 4 de sus óperas se representaron en la URSS. Al mismo tiempo, ni uno solo en el Teatro Bolshoi.
- Sergei Prokofiev dejó dos viudas legales. Un mes antes del arresto de L. Prokofieva, quien no le dio el divorcio ni por su propia seguridad ni porque sinceramente no quería dejar ir a su amado, el compositor se volvió a casar. Se le aconsejó que aprovechara las disposiciones legales del decreto que prohibía los matrimonios con extranjeros, que reconocía como inválido el matrimonio por la iglesia con Lina Ivanovna, celebrado en Alemania. Prokofiev se apresuró a legitimar las relaciones con Mendelssohn, exponiendo así a su ex esposa a los golpes de la máquina represiva soviética. Después de todo, de un plumazo y contra su voluntad, pasó de ser la esposa de Prokofiev a ser una extranjera solitaria que mantenía relaciones con otros extranjeros en Moscú. Al regresar del campamento, la primera esposa del compositor. procedimiento judicial restauró todos sus derechos matrimoniales, incluida una parte importante de la herencia.
- El compositor fue un brillante jugador de ajedrez. . “El ajedrez es la música del pensamiento” - uno de sus más aforismos famosos. Una vez incluso logró ganar una partida contra el campeón mundial de ajedrez H.-R. Capablanca.
- De 1916 a 1921, Prokofiev coleccionó un álbum de autógrafos de sus amigos, quienes respondieron a la pregunta: "¿Qué piensas del sol?". Entre los que respondieron se encontraban K. Petrov-Vodkin, A. Dostoevskaya, F. Chaliapin, A. Rubinstein, V. Burliuk, V. Mayakovsky, K. Balmont. La obra de Prokofiev a menudo se califica de soleada, optimista y alegre. Incluso el lugar de su nacimiento en algunas fuentes se llama Solntsevka.
- La biografía de Prokofiev señala que en los primeros años de sus actuaciones en los Estados Unidos, allí lo llamaron "bolchevique musical". El público americano resultó ser demasiado conservador para entender su música. Además, ella ya tenía su propio ídolo ruso: Sergei Rachmaninov.
- A su regreso a la URSS, Prokofiev recibió un espacioso apartamento en una casa en Zemlyanoy Val, 14, donde vivían en particular: el piloto V. Chkalov, el poeta S. Marshak, el actor B. Chirkov y el artista K. Yuon. También nos permitieron traer un Ford azul comprado en el extranjero e incluso conseguir un conductor personal.
- Los contemporáneos notaron la capacidad de Sergei Sergeevich para vestirse con gusto. No le avergonzaban ni los colores brillantes ni las combinaciones atrevidas de ropa. el amaba perfume francés y accesorios caros, por ejemplo, corbatas, buenos vinos y platos gourmet.
- Sergei Prokofiev dirigió una detallada diario personal. Pero después de mudarme a la Unión Soviética, decidí que sería más prudente no volver a hacerlo.
- Después de la guerra, Prokofiev vivió principalmente en una dacha en el pueblo de Nikolina Gora, cerca de Moscú, que compró con dinero del quinto Premio Stalin. En Moscú su casa tenía tres habitaciones. apartamento comunitario, donde, además del compositor y su esposa, también vivía el padrastro de Mira Abramovna.
- El compositor incluía a menudo en sus obras fragmentos y melodías de obras anteriores. Los ejemplos incluyen:
- la música del ballet "Ala y Lolliy", que S. Diaghilev se negó a poner en escena, fue reelaborada por Prokofiev en la Suite Scythian;
- la música de la Tercera Sinfonía está tomada de la ópera “El ángel de fuego”;
- La Cuarta Sinfonía nació de la música del ballet “El hijo pródigo”;
- el tema "La estepa tártara" de la película "Iván el Terrible" formó la base del aria de Kutuzov en la ópera "Guerra y paz". - Vi "Salto de Acero" por primera vez. escena rusa recién en 2015, 90 años después de su creación.
- El compositor terminó el dúo de Katerina y Danila del ballet "El cuento de la flor de piedra" unas horas antes de su muerte.
- Vida de S.S. Prokofiev e I.V. La muerte de Stalin terminó el mismo día, por lo que la muerte del compositor se anunció por radio con retraso y la organización del funeral se complicó significativamente.
Serguéi Prokófiev y el cine
La creación de música para películas por parte de un compositor de este nivel no tiene precedentes en el arte. En 1930-1940, Sergei Prokofiev escribió música para ocho películas. Una de ellas, “La dama de picas” (1936), nunca se estrenó debido al incendio de Mosfilm, que destruyó las películas. La música de Prokofiev para su primera película, El teniente Kizhe, se hizo increíblemente popular. Sobre esta base, el compositor creó una suite sinfónica que fue interpretada por orquestas de todo el mundo. Posteriormente se crearon dos ballets con esta música. Sin embargo, Prokofiev no aceptó inmediatamente la propuesta de los realizadores; su primera reacción fue negativa. Pero después de leer el guión y una discusión detallada del plan del director, se interesó en la idea y, como señaló en su Autobiografía, trabajó rápidamente y con gusto en la música de "Lieutenant Kizha". La creación de la suite requirió más tiempo, reorquestación e incluso reelaboración de algunos temas.
A diferencia de “Teniente Kizhe”, la propuesta de escribir música para la película “ Alejandro Nevski“Prokofiev aceptó sin dudarlo. Conocían a Sergei Eisenstein desde hacía mucho tiempo; Prokofiev incluso se consideraba un admirador del director. El trabajo en la película se convirtió en un triunfo de la verdadera cocreación: a veces el compositor escribía un texto musical y el director basaba el rodaje y la edición del episodio en él, a veces Prokofiev miraba el material terminado, marcando los ritmos con su dedos sobre la madera y después de un rato recuperando la partitura terminada. La música de "Alexander Nevsky" encarnaba todas las características principales del talento de Prokofiev y entraba merecidamente en el fondo de oro de la cultura mundial. Durante la guerra, Prokofiev creó música para tres películas patrióticas: "Partisanos en las estepas de Ucrania", "Kotovsky", "Tonya" (de la colección de películas "Nuestras chicas"), así como para la película biográfica "Lermontov" ( junto con V. Pushkov).
El último en el tiempo, pero no menos importante, fue el trabajo de Prokofiev en la película de S. Eisenstein “Iván el Terrible”, que comenzó en Alma-Ata. La música de “Iván el Terrible” continúa los temas de “Alexander Nevsky” con su fuerza folklórica y épica. Pero la segunda película conjunta de los dos genios no sólo consta de escenas heroicas, sino que también cuenta la historia de una conspiración de boyardos y una intriga diplomática, que requería un lienzo musical más diverso. Esta obra del compositor recibió el Premio Stalin. Después de la muerte de Prokofiev, la música de "Iván el Terrible" sirvió de base para la creación de un oratorio y un ballet.
A pesar de destino asombroso Sergei Prokofiev podría formar la base escenario más interesante Aún no existen películas ni largometrajes sobre la vida del compositor. Para varios aniversarios, desde el día del nacimiento o la muerte, solo se crearon películas y programas de televisión. Quizás esto se deba al hecho de que nadie se compromete a interpretar sin ambigüedades las acciones ambiguas de Sergei Sergeevich. ¿Por qué motivos regresó a la URSS? ¿El período soviético de su trabajo fue conformismo o innovación? ¿Por qué se rompió su primer matrimonio? ¿Por qué permitió que Lina Ivanovna se negara precipitadamente a evacuar el Moscú en tiempos de guerra y al menos no sacar a los niños? ¿Y acaso le importaba algo más que su propia vanidad y realización creativa: el destino de su primera esposa arrestada y de sus propios hijos, por ejemplo? No hay respuestas para estas y muchas otras preguntas urgentes. Hay opiniones y especulaciones que pueden resultar injustas para el gran compositor.
Sergei Prokofiev en la vida de músicos destacados
- Sergey Taneyev dijo sobre Seryozha Prokofiev, de nueve años, que tiene habilidades sobresalientes y un oído absoluto.
- Durante la grabación de la música de la película "El teniente Kizhe", la orquesta sinfónica estuvo dirigida por el joven director Isaac Dunaevsky. Posteriormente, en correspondencia personal, Dunaevsky expresó una actitud ambigua hacia Prokofiev debido a la posición privilegiada de este último.
- La biografía de Prokofiev indica que el compositor Boris Asafiev fue compañero de clase en el Conservatorio y amigo de Prokofiev desde hace mucho tiempo. Pese a ello, en el Primer Congreso compositores soviéticos En 1948 se leyó un discurso en su nombre en el que se equiparaba la obra del “formalista” Prokofiev con el fascismo. Además, Asafiev, en nombre de Zhdanov, redactó la resolución "Sobre la ópera "La gran amistad" de V. Muradeli", en la que, dicho sea de paso, fue nombrado presidente del Comité Organizador de la Unión de Compositores.
- El ballet "En el Dnieper" se convirtió en la primera producción de dos coreógrafos de diferentes generaciones: Serge Lifar como coreógrafo de la Ópera de París en 1930 y Alexei Ratmansky en el American Ballet Theatre (2009).
- Mstislav Rostropovich era muy amigo de Sergei Prokofiev, para quien el compositor creó el Concierto sinfónico para violonchelo y orquesta.
- El papel de Polina en la primera producción de la ópera The Gambler (1974) del Teatro Bolshoi fue el último papel de Galina Vishnevskaya antes de emigrar.
- Galina Ulanova, la primera intérprete del papel de Julieta, recordó que era una de las que creía que “no hay historia más triste en el mundo que la música de ballet de Prokofiev”. La melodía del compositor, sus tempos y estados de ánimo bruscamente cambiantes crearon problemas para comprender el concepto y desempeñar el papel. Años más tarde, Galina Sergeevna dirá que si le preguntaran cuál debería ser la música de "Romeo y Julieta", respondería: sólo la que escribió Prokofiev.
- S.S. Prokofiev es el compositor favorito de Valery Gergiev. Su carrera como director de orquesta en el Teatro Kirov (Mariinsky) comenzó con la ópera "Guerra y paz". Quizás por ello, el Teatro Mariinsky es el único en el mundo cuyo repertorio incluye 12 producciones de obras de Prokofiev. Para el cumpleaños número 125 del compositor en abril de 2016, la Orquesta del Teatro Mariinsky interpretó sus siete sinfonías durante los tres días del aniversario. Fue Valery Gergiev quien salvó de la destrucción la dacha del compositor comprándola y transfiriéndola a su fundación caritativa, cuyos planes son hacer allí un centro cultural.
Como suele pasar con los genios, el interés por la música Serguéi Prokófiev aumenta cuanto más tiempo pasa desde el día en que fue escrito. Habiendo superado no solo a su generación de oyentes, ella, incluso en el siglo XXI de disonancia, no es un clásico congelado, sino una fuente viva de energía y el poder de la verdadera creatividad.
Vídeo: mira una película sobre S. Prokofiev
Prokofiev Sergei Sergeevich nació el 11 (23) de abril de 1891 en el pueblo de Sontsovka, provincia de Ekaterinoslav. El amor por la música le fue inculcado al niño su madre, que era una buena pianista y a menudo tocaba Chopin y Beethoven para su hijo. Prokofiev recibió su educación primaria en casa.
Desde temprana edad, Sergei Sergeevich se interesó por la música y ya a la edad de cinco años compuso su primera obra: una pequeña pieza "Indian Gallop" para piano. En 1902, el compositor S. Taneyev escuchó las obras de Prokofiev. Quedó tan impresionado por las habilidades del niño que él mismo le pidió a R. Gliere que le diera lecciones de teoría de la composición a Sergei.
Estudiando en el conservatorio. gira mundial
En 1903 Prokofiev ingresó en el Conservatorio de San Petersburgo. Entre los profesores de Sergei Sergeevich se encontraban los siguientes: músicos famosos como N. Rimsky-Korsakov, Y. Vitola, A. Lyadova, A. Esipova, N. Cherepnina. En 1909, Prokofiev se graduó en el conservatorio como compositor, en 1914 como pianista y en 1917 como organista. Durante este período, Sergei Sergeevich creó las óperas "Maddalena" y "The Gambler".
Por primera vez, Prokofiev, cuya biografía ya era conocida en el ambiente musical de San Petersburgo, interpretó sus obras en 1908. Después de graduarse del conservatorio, desde 1918, Sergei Sergeevich realizó numerosas giras, visitó Japón, Estados Unidos, Londres y París. En 1927, Prokofiev creó la ópera The Fiery Angel. En 1932 grabó su Tercer Concierto en Londres.
creatividad madura
En 1936, Sergei Sergeevich se mudó a Moscú y comenzó a enseñar en el conservatorio. En 1938 completó su trabajo en el ballet Romeo y Julieta. Durante el gran guerra patriótica Crea el ballet "Cenicienta", la ópera "Guerra y paz", música para las películas "Iván el Terrible" y "Alexander Nevsky".
En 1944, el compositor recibió el título de Artista de Honor de la RSFSR. En 1947, el título de Artista del Pueblo de la RSFSR.
En 1948, Prokofiev completó su trabajo en la ópera "El cuento de un hombre de verdad".
años recientes
En 1948, se emitió una resolución del Comité Central del Partido Comunista Bolchevique de Toda la Unión, en la que Prokofiev fue duramente criticado por "formalismo". En 1949, en el Primer Congreso de la Unión de Compositores de la URSS, Asafiev, Khrennikov y Yarustovsky condenaron la ópera "La historia de un hombre de verdad".
Desde 1949, Prokofiev prácticamente nunca salió de su casa de campo y continuó creando activamente. El compositor creó el ballet "El cuento de la flor de piedra" y el concierto sinfónico "Guardián del mundo".
La vida del compositor Prokofiev terminó truncada el 5 de marzo de 1953. gran musico Murió de una crisis hipertensiva en un apartamento comunal de Moscú. Prokofiev fue enterrado en Cementerio Novodévichi en Moscú.
vida personal
En 1919, Prokofiev conoció a su primera esposa, la cantante española Lina Codina. Se casaron en 1923 y pronto tuvieron dos hijos.
En 1948, Prokofiev se casó con Mira Mendelson, una estudiante del Instituto Literario, a quien conoció en 1938. Sergei Sergeevich no solicitó el divorcio de Lina Kodina, ya que en la URSS los matrimonios celebrados en el extranjero se consideraban inválidos.
Otras opciones de biografía
- El futuro compositor creó sus primeras óperas a la edad de nueve años.
- Una de las aficiones de Prokofiev era jugar al ajedrez. El gran compositor dijo que jugar al ajedrez le ayuda a crear música.
- La última obra que Prokofiev pudo escuchar en la sala de conciertos fue su Séptima Sinfonía (1952).
- Prokofiev murió el día de su muerte.
Sergei Sergeevich Prokofiev: el compositor infantil más grande del siglo XX
Siglo XX – tiempo difícil, cuando se produjeron guerras terribles y grandes logros de la ciencia, cuando el mundo se hundió en la apatía y volvió a resurgir de las cenizas.
El siglo en el que se perdió y se reencontró el arte, cuando nació nueva musica, pintura nueva, nueva foto universo.
Gran parte de lo que antes era valioso se perdió o perdió su significado, dando paso a algo nuevo, no siempre mejor.
Un siglo en el que las melodías clásicas empezaron a sonar más tranquilas y menos brillantes para los adultos, pero al mismo tiempo revelaron su asombroso potencial para las generaciones más jóvenes. Incluso se podría decir que en en cierto sentido Desde el siglo XX, los clásicos han perdido algo importante para los adultos, pero de alguna manera sonaban especialmente vívidos para los niños.
Esto está garantizado por la popularidad de las melodías de Tchaikovsky y Mozart, el incesante entusiasmo que surge en torno a las creaciones animadas del estudio Disney, cuyas obras son valiosas precisamente por la música que suena para los héroes de los cuentos de hadas y aquellos a quienes sus historias. se revelan en la pantalla.
Hay muchos otros ejemplos, pero el más significativo es la música de Sergei Sergeevich Prokofiev, un compositor cuyo intenso y difícil trabajo lo convirtió en uno de los compositores más reconocibles, citados e interpretados del siglo XX, si no el más, si no el más reconocible.
Por supuesto, Prokofiev hizo mucho, mucho por la música “para adultos” de su tiempo, pero lo que hizo como compositor para niños es inimaginablemente más valioso.
Prokofiev adjunto significado especial piano
Sergei Sergeevich Prokofiev es una figura destacada entre los músicos del siglo XX. el era el mas compositor famoso unión soviética y al mismo tiempo se convirtió en uno de los músicos más importantes del mundo.
Creó música, simple y compleja, en algunos aspectos muy cercana a la pasada “edad de oro” de los clásicos, y en otros inimaginablemente distante, incluso disonante, siempre estaba buscando algo nuevo, desarrollándose, haciendo que su sonido fuera diferente a cualquier otra cosa.
Por esto, Prokofiev fue amado, idolatrado, admirado y sus conciertos siempre atraían a lleno. Y al mismo tiempo, a veces era tan nuevo y obstinado que no lo entendían, tanto es así que una vez en uno de los conciertos la mitad del público se levantó y se fue, y otra vez el compositor casi fue declarado enemigo del pueblo soviético.
Pero aún así fue, creó, asombró y deleitó. Deleitó a adultos y niños, creó, como Mozart, como Strauss y Bach, algo nuevo que a nadie se le ocurrió antes que él. Para la música soviética, Prokofiev se convirtió en lo mismo que para la música rusa apenas un siglo antes.
“Un compositor, como un poeta, un escultor o un pintor, está llamado a servir al hombre y al pueblo. deberia decorar vida humana y protegerla. En primer lugar, está obligado a ser un ciudadano en su arte, a glorificar la vida humana y conducir a las personas a un futuro brillante”, así vio Prokofiev su papel, haciéndose eco de sus palabras con Glinka.
Como compositor infantil, Prokofiev no solo era inventivo, melódico, poético, brillante, dicen que fue capaz, conservando un pedazo de la infancia en su propio corazón, de crear música que fuera comprensible y agradable para el corazón de un niño, también. en cuanto a los que aún recordaban lo que era ser niño.
Sobre las tres princesas naranjas
A lo largo de su vida, Prokofiev trabajó en la forma, el estilo, la manera de interpretar, el ritmo y la melodía, sus famosos patrones polifónicos y su armonía disonante.
Todo este tiempo creó música tanto para niños como para adultos. Una de las primeras obras infantiles de Prokofiev fue una ópera de diez escenas, "El amor por las tres naranjas". Escrita a partir del cuento de hadas del mismo nombre de Carlo Gozzi, esta obra era ligera y alegre, como inspirada en el sonido tradicional del travieso teatro italiano.
La obra hablaba de príncipes y reyes, magos buenos y brujas malvadas, maldiciones encantadas y lo importante que es no desanimarse.
"El amor por las tres naranjas" fue un reflejo del joven talento de Prokofiev, que buscaba combinar su estilo emergente y los recuerdos aún frescos de una infancia sin preocupaciones.
Una nueva melodía para un viejo cuento.
No menos significativo, pero más maduro y, quizás, más vibrante, mucho más obra famosa Prokofiev se convirtió en "Cenicienta".
Este ballet, dinámico, marcado por elementos hermosa musica El romanticismo, que el autor había dominado y complementado en ese momento, era como un sorbo. aire fresco cuando las nubes se estaban acumulando sobre el mundo.
"Cenicienta" se estrenó en 1945, cuando el mundo estaba en llamas. gran guerra, parecía llamar a renacer, a desechar las tinieblas del corazón y sonreír a una nueva vida. Su sonido armonioso y suave, el motivo inspirador del brillante cuento de hadas de Charles Perrault y la excelente producción dieron a la vieja historia un nuevo comienzo que reafirma la vida.
“...Me alegro especialmente de haberte visto en un papel que, junto con muchas otras imágenes de la ficción mundial, expresa el poder maravilloso y victorioso de una pureza infantil, sumisa a las circunstancias y verdadera... Ese poder es querido por su amenazador contraste con ese, también antiguo, engañoso y cobarde, el servil elemento de la corte, cuyas formas actuales me desagradan hasta la locura..."
Esto es lo que Boris Pasternak le escribió a Galina Ulanova sobre su papel en el ballet "Cenicienta", felicitando así no sólo a la intérprete del papel, sino también a su creador.
cuentos de los urales
Prokofiev no sólo fue un compositor, sino también un excelente pianista. La última obra infantil de Sergei Sergeevich se publicó después de su muerte; dicen que incluso en el fatídico día él estaba trabajando en la orquestación de los números de “Stone Flower”.
Sonoras y diferentes a todo lo demás, pero por alguna razón muy cercanas a muchos, evocando un sentimiento de contacto con algo misterioso y hermoso, las melodías de esta obra dieron vida musical no menos inusual y diferente a cualquier otra cosa cuentos de los urales PÁGINAS. Bazhova.
La música de Prokofiev, que no escuchó en el escenario, y los fabulosos y sagrados motivos de "La caja de malaquita", "El maestro minero", "La flor de piedra" se convirtieron en la base de un ballet verdaderamente único, que revela no solo facetas sorprendentes. arte musical, pero también el mundo de las leyendas ocultas de los Montes Urales, que se ha vuelto accesible y cercano. jóvenes oyentes, y a los oyentes que han conservado su juventud de espíritu.
El propio Prokofiev dijo que la música de sus hijos contiene muchas cosas importantes y brillantes para él.
Los olores y sonidos de la infancia, el paso de la luna por las llanuras y el canto del gallo, algo cercano y querido al amanecer de la vida: esto es lo que Prokofiev puso en su música infantil, porque resultó comprensible para él y a personas maduras, pero, como él, que conservaron el corazón de un pedazo de infancia. Por lo tanto, se acercó a los niños, cuyo mundo Prokofiev siempre buscó comprender y sentir.
Sobre pioneros y depredadores grises.
Entre las obras de Prokofiev, la obra "Pedro y el lobo" tiene un significado especial. Esta obra, donde cada personaje es interpretado por un instrumento musical separado, escrito especialmente por el maestro para niños, absorbió todo lo mejor que Sergei Sergeevich buscó perpetuar en la música para su espectador más sensible.
Una historia sencilla e instructiva sobre la amistad, la ayuda mutua, el conocimiento del mundo, cómo funciona todo lo que nos rodea y cómo debe comportarse una persona digna, se presenta a través de la música elegante y muy animada de Prokofiev, complementada por la voz del lector, interactuando efectivamente con varios. instrumentos musicales en este cuento sinfónico.
El estreno de la obra tuvo lugar en 1936; se podría decir que, al crear un cuento de hadas para niños sobre un joven pionero, Prokofiev demostró que había regresado a su tierra natal para siempre.
El importante papel del lector en la primera versión de Pedro y el lobo lo desempeñó Natalia Sats, quien no sólo tenía un excelente talento interpretativo, sino que también fue la primera directora de ópera del mundo.
Posteriormente, la obra de Prokofiev, que ganó fama mundial, se volvió cercana y comprensible para los niños de todo el mundo, fue reeditada repetidamente y plasmada en el escenario, en las pantallas y en la radio.
"Pedro y el lobo" se encarnó como una caricatura de Disney, gracias a la cual se modificó ligeramente Pionero soviético se puso a la par con el mundialmente famoso personajes de cuentos de hadas, al que el estudio dio el mejor nacimiento animado.
Se lanzaron variaciones de jazz, blues y rock del cuento sinfónico; en 1978, el ídolo del rock David Bowie actuó como el lector de "Peter and the Wolf", y una caricatura corta basada en el cuento de hadas de Prokofiev ganó un Oscar con el caballero de oro recientemente. 2007.
De particular importancia es el valor pedagógico de "Pedro y el lobo": el cuento sinfónico se utiliza, como muchas de las obras de Prokofiev, para formar a jóvenes músicos en escuelas especializadas, pero, además, la historia sobre las aventuras de un valiente y amable. pionero casi desde su aparición se ha convertido en un elemento de los programas de música de las escuelas de educación general.
Desde hace muchos años, el cuento de hadas de Prokofiev ayuda a revelar a los niños el misterio de la música, el gusto correcto por los clásicos sinfónicos, la idea de moralidad y los valores humanos universales.
De una forma sencilla y accesible, Prokofiev logró plasmar cosas importantes y necesarias, para demostrar de otras formas, a veces se dedican enormes esfuerzos y se escriben gruesos volúmenes de libros.
La música más infantil.
años recientes Prokofiev pasó su vida fuera de la ciudad, pero continuó trabajando a pesar del estricto régimen médico. Además de "Cenicienta" y "La flor de piedra", hay muchas más obras de Prokofiev escritas para niños. Una pieza para piano, suave y nostálgica, “Old Grandmother's Tales”.
Travieso y dinámico, similar en su audacia a “El amor por las tres naranjas” es el ballet “La historia de un bufón que engañó a siete bufones”. Una suite "realista" seria y sabia "Winter Fire" basada en poemas de S. Marshak sobre la vida de los pioneros.
Una canción chispeante "Chatterbox", inspirada en los poemas de Agnia Barto. Prokofiev creó para niños como para él mismo, con gran placer.
Pero entre las obras hay compositor infantil Hay una obra de Sergei Sergeevich Prokofiev que quizás sea de mayor valor que “La flor de piedra” o “Cenicienta”. Ciclo de piano “Música infantil”: 12 piezas que, con la inimitable luz y gentileza del autor, cuentan la vida cotidiana de la época de los niños y esos momentos especiales que son tan nítidos, brillantes e inesperadamente capaces de convertir esta vida cotidiana en un cuento de hadas, un aventura o simplemente un recuerdo para toda la vida.
El ciclo de piano “Música infantil” se ha convertido en un auténtico tesoro para los profesores que enseñan a los niños a tocar las teclas. El propio Prokofiev, un brillante pianista, logró crear algo totalmente accesible sólo para los niños, destinado a los niños que quieren escuchar la música que ellos mismos extrajeron detrás de la tapa negra del piano.
Hizo que “Música Infantil” respondiera plenamente no sólo a las posibilidades, sino también a las necesidades. joven pianista, estudiando los secretos del sonido. El ciclo del piano combina suavidad y nitidez, transiciones de ritmos y armonías, la capacidad de utilizar combinaciones de teclas simples o complejas de tal manera que el joven virtuoso pueda aprender y, mientras aprende, sonreír ante sus excelentes resultados.
La “Música infantil”, sincera, brillante, llena de pureza cristalina y ternura, inusual y fabulosa, se convirtió en el regalo de Prokofiev para los pianistas principiantes y sus maestros, quienes recibieron un medio fácil y conveniente para mantener la atención de sus alumnos y desarrollar sus habilidades.