¿Cuál es el mérito de A.N. ¿Ostrovsky? ¿Por qué, según I.A. Goncharov, sólo después de Ostrovsky podríamos decir que tenemos nuestro propio ruso? teatro nacional? (Consulte el epígrafe de la lección)
Sí, hubo "El menor", "Ay de Wit", "El inspector general", hubo obras de Turgenev, A.K. Tolstoi, Sukhovo-Kobylin, ¡pero no fueron suficientes! La mayor parte del repertorio de los teatros consistía en vodeviles vacíos y melodramas traducidos. Con la llegada de Alexander Nikolaevich Ostrovsky, que dedicó todo su talento exclusivamente al teatro, el repertorio de los teatros cambió cualitativamente. Sólo él escribió tantas obras como todos los clásicos rusos juntos: ¡unas cincuenta! Cada temporada durante más de treinta años, los cines recibieron nueva obra¡O incluso dos! ¡Ahora había algo que jugar!
surgió nueva escuela actuación, nueva estética teatral, apareció el Teatro Ostrovsky, que pasó a ser propiedad de toda la cultura rusa.
¿Qué determinó la atención de Ostrovsky hacia el teatro? El propio dramaturgo respondió así a esta pregunta: “La poesía dramática está más cerca del pueblo que todas las demás ramas de la literatura. Todas las demás obras están escritas para personas educadas, pero los dramas y las comedias están escritos para todo el pueblo...” Escribir para el pueblo, despertar su conciencia, moldear su gusto es una tarea responsable. Y Ostrovsky la tomó en serio. Si no teatro ejemplar, el público común puede confundir las operetas y los melodramas, que irritan la curiosidad y la sensibilidad, con el verdadero arte”.
Entonces, observemos los principales servicios de A.N Ostrovsky al teatro ruso.
1) Ostrovsky creó el repertorio teatral. Escribió 47 obras originales y 7 obras en colaboración con autores jóvenes. Ostrovsky tradujo veinte obras del italiano, inglés y francés.
2) No menos importante es la diversidad de géneros de su dramaturgia: se trata de "escenas e imágenes" de la vida en Moscú, crónicas dramáticas, dramas, comedias, el cuento de hadas de primavera "La doncella de las nieves".
3) En sus obras, el dramaturgo representó diversas clases, personajes, profesiones, creó 547 personajes, desde el rey hasta el camarero de la taberna, con sus personajes, hábitos y discurso únicos inherentes.
4) Las obras de Ostrovsky cubren una enorme Período histórico: del siglo XVII al XΙX.
5) Las obras se desarrollan en propiedades de los terratenientes, en posadas y a orillas del Volga. En los bulevares y en las calles de las ciudades del condado.
6) Los héroes de Ostrovsky, y esto es lo principal, son personajes vivos con sus propias características, modales, con su propio destino, con un lenguaje vivo exclusivo de este héroe.
Ha pasado un siglo y medio desde que se representó la primera obra (enero de 1853; "No te subas a tu propio trineo"), y el nombre del dramaturgo permanece en los carteles de las representaciones teatrales que se representan en muchos escenarios de todo el mundo;
El interés por Ostrovsky es especialmente agudo en tiempos complicados cuando una persona busca respuestas a lo más preguntas importantes vida: ¿qué nos está pasando? ¿Por qué? ¿Cómo somos? Quizás sea precisamente en esos momentos cuando una persona carece de emociones, pasiones y una sensación de plenitud de vida. Y todavía necesitamos lo que escribió Ostrovsky: "Y un profundo suspiro para todo el teatro, y lágrimas cálidas no fingidas, discursos apasionados que se derramarían directamente en el alma".
El dramaturgo casi nunca incluyó temas políticos y problemas filosóficos, expresiones faciales y gestos, a través de la reproducción de los detalles de sus trajes y muebles del hogar. Para mejorar efectos cómicos el dramaturgo solía introducir en la trama a personajes menores (parientes, sirvientes, parásitos, transeúntes al azar) y circunstancias incidentales de la vida cotidiana. Tales son, por ejemplo, el séquito de Khlynov y el caballero del bigote en "Un corazón cálido", o Apolo Murzavetsky con su Tamerlán en la comedia "Lobos y ovejas", o el actor Schastlivtsev con Neschastlivtsev y Paratov en "El bosque" y "Dote", etc. El dramaturgo continuó esforzándose por revelar los personajes de los personajes no solo en el curso de los acontecimientos, sino también a través de las peculiaridades de sus diálogos cotidianos, diálogos "caracterológicos", que dominó estéticamente en "Su pueblo". ...”.
Así, en el nuevo período de creatividad, Ostrovsky emerge como un maestro establecido, que posee un sistema completo de arte dramático. Su fama y sus conexiones sociales y teatrales siguen creciendo y volviéndose más complejas. La gran abundancia de obras creadas en el nuevo período fue el resultado de una demanda cada vez mayor de las obras de Ostrovsky por parte de revistas y teatros. Durante estos años, el dramaturgo no solo trabajó incansablemente, sino que también encontró la fuerza para ayudar a los escritores novatos y menos talentosos y, en ocasiones, participar activamente con ellos en su trabajo. Así, en colaboración creativa con Ostrovsky, N. Solovyov escribió varias obras (las mejores de ellas son "Las bodas de Belugin" y "Savage"), así como P. Nevezhin.
Promoviendo constantemente la producción de sus obras en los escenarios de Moscú Maly y San Petersburgo. Teatros de alejandría, Ostrovsky conocía bien el estado de los asuntos teatrales, que estaban principalmente bajo la jurisdicción del aparato estatal burocrático, y era amargamente consciente de sus flagrantes deficiencias. Vio que no retrataba a la intelectualidad noble y burguesa en sus búsquedas ideológicas, como lo hacían Herzen, Turgenev y, en parte, Goncharov. En sus obras, mostró la vida social cotidiana de los representantes ordinarios de los comerciantes, burócratas y nobles, una vida donde los conflictos personales, particularmente amorosos, revelaban choques de intereses familiares, monetarios y de propiedad.
Pero la conciencia ideológica y artística de Ostrovsky de estos aspectos de la vida rusa tenía un profundo significado histórico-nacional. A través de las relaciones cotidianas de aquellas personas que eran dueñas y dueños de la vida, se revelaba su condición social general. Así como, según la acertada observación de Chernyshevsky, el comportamiento cobarde del joven liberal, el héroe de la historia de Turgenev "Asya", en una cita con una chica fue un "síntoma de la enfermedad" de todo liberalismo noble, su debilidad política, así La tiranía cotidiana y la depredación de comerciantes, funcionarios y nobles parecían un síntoma de una enfermedad más terrible: su total incapacidad para, al menos de alguna manera, dar a sus actividades un significado nacional y progresista.
Esto era bastante natural y lógico en el período anterior a las reformas. Entonces la tiranía, la arrogancia y la depredación de los Voltov, Vyshnevsky y Ulanbekov fueron una manifestación del “reino oscuro” de la servidumbre, ya condenado a ser eliminado. Y Dobrolyubov señaló correctamente que, aunque la comedia de Ostrovsky "no puede proporcionar la clave para explicar muchos de los amargos fenómenos que se describen en ella", sin embargo, "puede sugerir fácilmente muchas consideraciones análogas relacionadas con la vida cotidiana que no concierne directamente". Y el crítico explicó esto por el hecho de que los "tipos" de tiranos dibujados por Ostrovsky "no lo son". rara vez contienen no sólo características exclusivamente mercantiles o burocráticas, sino también características nacionales (es decir, nacionales)”. En otras palabras, las obras de Ostrovsky de 1840-1860. expuso indirectamente todos los “reinos oscuros” del sistema de servidumbre autocrático.
En las décadas posteriores a las reformas, la situación cambió. Luego “todo se puso patas arriba” y poco a poco comenzó a “establecerse” un nuevo sistema burgués de vida rusa. Y la cuestión de cómo exactamente se “equipó” fue de gran importancia nacional. nuevo sistema, hasta qué punto la nueva clase dominante, la burguesía rusa, podría participar en la lucha por la destrucción de los restos del "reino oscuro" de la servidumbre y de todo el sistema autocrático-terrateniente.
Casi veinte nuevas obras de Ostrovsky en temas modernos dio una clara respuesta negativa a esta fatídica pregunta. El dramaturgo, como antes, describió el mundo de las relaciones privadas sociales, domésticas, familiares y de propiedad. No todo estaba claro para él acerca de las tendencias generales de su desarrollo, y su "lira" a veces no emitía los "sonidos correctos" a este respecto. Pero, en general, las obras de Ostrovsky contenían una cierta orientación objetiva. Expusieron tanto los restos del antiguo “reino oscuro” del despotismo como el nuevo “reino oscuro” del despotismo. reino oscuro“Depredación burguesa, fiebre del dinero, muerte de todos. valores morales en un ambiente de compra y venta generalizada. Demostraron que los empresarios e industriales rusos no son capaces de alcanzar el nivel de conciencia de los intereses del desarrollo nacional, que algunos de ellos, como Khlynov y Akhov, sólo son capaces de entregarse a placeres crudos, otros, como Knurov y Berkutov , sólo pueden subyugar todo lo que les rodea con sus intereses depredadores y “lobunos”, y para otros, como Vasilkov o Frol Pribytkov, los intereses de lucro sólo están encubiertos por la decencia externa y exigencias culturales muy estrechas. Las obras de Ostrovsky, además de los planes e intenciones de su autor, esbozaron objetivamente una cierta perspectiva de desarrollo nacional: la perspectiva de la inevitable destrucción de todos los restos del antiguo "reino oscuro" del despotismo autocrático y servidumbre, no sólo sin la participación. de la burguesía, no sólo sobre su cabeza, sino junto con la destrucción de su propio "reino oscuro" depredador
La realidad representada en las obras cotidianas de Ostrovsky era una forma de vida desprovista de contenido nacionalmente progresista y, por lo tanto, revelaba fácilmente una inconsistencia cómica interna. Ostrovsky dedicó su destacado talento dramático a su divulgación. Partiendo de la tradición de las comedias y cuentos realistas de Gogol, reconstruyéndola de acuerdo con las nuevas exigencias estéticas planteadas por “ escuela natural” de la década de 1840 y formulado por Belinsky y Herzen, Ostrovsky rastreó la cómica inconsistencia de la vida social y cotidiana de los estratos gobernantes de la sociedad rusa, profundizando en el “mundo de los detalles”, examinando hilo por hilo la “red de relaciones cotidianas”. " Este fue el principal logro del nuevo estilo dramático creado por Ostrovsky.
Ensayo sobre literatura sobre el tema: La importancia de la obra de Ostrovsky para el desarrollo ideológico y estético de la literatura.
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¿Cuál es el significado de la obra de A. N. Ostrovsky en el drama mundial?
- La importancia de A. N. Ostrovsky para el desarrollo del teatro y el teatro rusos, su papel en los logros de toda la cultura rusa es innegable y enorme. Hizo tanto por Rusia como Shakespeare hizo por Inglaterra o Moliere por Francia.
Ostrovsky escribió 47 obras originales (sin contar las segundas ediciones de Kozma Minin y Voevoda y siete obras en colaboración con S. A. Gedeonov (Vasilisa Melentyeva), N. Ya. Solovyov (Happy Day, The Marriage of Belugin, Savage, It Shines, but Doesn 't Warm) y P. M. Nevezhin (Blazh, Old in the new way). En palabras del propio Ostrovsky, esto es un todo. teatro folklórico.
Pero la dramaturgia de Ostrovsky es pura. fenómeno ruso, aunque su trabajo,
ciertamente influyó en el drama y el teatro de los pueblos hermanos,
incluido en la URSS. Sus obras han sido traducidas y puestas en escena.
escenas de Ucrania, Bielorrusia, Armenia, Georgia, etc.Las obras de Ostrovsky ganaron adeptos en el extranjero. Sus obras se escenifican
en teatros de antiguas democracias populares, especialmente en escenarios
estados eslavos(Bulgaria, Checoslovaquia).
Después de la Segunda Guerra Mundial, las obras del dramaturgo atrajeron cada vez más la atención de editores y teatros de los países capitalistas.
Aquí se interesaron principalmente por las obras La tormenta, Hay suficiente simplicidad para todo sabio, El bosque, La doncella de las nieves, Lobos y ovejas, La dote.
Pero tanta popularidad y reconocimiento como Shakespeare o Moliere, rusos
El dramaturgo no ha obtenido ningún elogio en la cultura mundial. - Todo lo que describí gran dramaturgo, no ha sido erradicado hasta el día de hoy.
Alexander Nikolaevich Ostrovsky (1823-1886) ocupa legítimamente un lugar digno entre mayores representantes teatro mundial.
La importancia de las actividades de Ostrovsky, quien durante más de cuarenta años publicó anualmente en las mejores revistas de Rusia y representó obras en los escenarios de los teatros imperiales de San Petersburgo y Moscú, muchas de las cuales fueron acontecimientos de la vida literaria y teatral. de la época, se describe de forma breve pero precisa en la famosa carta de I.A. Goncharov, dirigida al propio dramaturgo.
“Has donado toda una biblioteca de obras de arte a la literatura y has creado tu propio mundo especial para el escenario. Usted solo completó el edificio, sobre cuyos cimientos Fonvizin, Griboedov y Gogol pusieron las piedras angulares. Pero sólo después de usted, los rusos podremos decir con orgullo: "Tenemos nuestro propio teatro nacional ruso". Para ser justos, debería llamarse Teatro Ostrovsky".
Ostrovsky comenzó su camino creativo en los años 40, durante la vida de Gogol y Belinsky, y lo completó en la segunda mitad de los 80, en un momento en que A.P. Chéjov ya estaba firmemente establecido en la literatura.
La convicción de que el trabajo de un dramaturgo creando un repertorio teatral es un alto servicio público impregnó y dirigió las actividades de Ostrovsky. Estaba orgánicamente conectado con la vida de la literatura.
En su juventud, el dramaturgo escribió artículos críticos y participó en los asuntos editoriales de Moskvityanin, tratando de cambiar la dirección de esta revista conservadora, luego, publicando en Sovremennik y Otechestvennye Zapiski, se hizo amigo de N. A. Nekrasov, L. N. Tolstoy, I. S. Turgenev, I. A. Goncharov y otros escritores. Siguió su trabajo, discutió con ellos sus obras y escuchó sus opiniones sobre sus obras.
En una era en la que teatros estatales fueron considerados oficialmente "imperiales" y estaban bajo el control del Ministerio de la Corte, y las instituciones de entretenimiento provinciales quedaron a completa disposición de empresarios y empresarios, Ostrovsky propuso la idea de una reestructuración completa del negocio teatral. En Rusia. Abogó por la necesidad de sustituir el teatro cortesano y comercial por uno folclórico.
Sin limitarse al desarrollo teórico de esta idea en artículos y notas especiales, el dramaturgo durante durante largos años prácticamente luchó por su implementación. Las principales áreas en las que desarrolló sus puntos de vista sobre el teatro fueron su creatividad y el trabajo con actores.
Drama, base literaria Ostrovsky consideró la actuación su elemento definitorio. El repertorio del teatro, que brinda al espectador la oportunidad de "ver la vida y la historia rusas en el escenario", según sus conceptos, estaba dirigido principalmente al público democrático, "para quien quieren escribir y están obligados a escribir". escritores populares" Ostrovsky defendió los principios del teatro de autor.
Consideró que los teatros de Shakespeare, Moliere y Goethe eran experimentos ejemplares de este tipo. Conexión en una sola persona autor. obras dramáticas y su intérprete en el escenario, el maestro de actores, el director, le pareció a Ostrovsky una garantía integridad artística, actividad orgánica del teatro.
Esta idea, en ausencia de dirección, con el enfoque tradicional de la representación teatral en la actuación de actores individuales "solistas", fue innovadora y fructífera. Su importancia no se ha agotado ni siquiera hoy, cuando el director se ha convertido en la figura principal del teatro. Basta recordar el teatro “Berliner Ensemble” de B. Brecht para convencerse de ello.
Superando la inercia de la administración burocrática, las intrigas literarias y teatrales, Ostrovsky trabajó con actores, dirigiendo constantemente las producciones de sus nuevas obras en los teatros Maly de Moscú y Alexandrinsky de San Petersburgo.
La esencia de su idea era implementar y consolidar la influencia de la literatura en el teatro. Condenó fundamental y categóricamente lo que se hacía cada vez más evidente desde los años 70. la subordinación de los escritores dramáticos a los gustos de los actores, los favoritos del escenario, sus prejuicios y caprichos. Al mismo tiempo, Ostrovsky no podía imaginar el drama sin teatro.
Sus obras fueron escritas pensando en intérpretes y artistas reales. Destacó: para escribir buen juego, el autor debe tener pleno conocimiento de las leyes de la escena, del lado puramente plástico del teatro.
No estaba dispuesto a dar poder sobre los artistas escénicos a no todos los dramaturgos. Estaba seguro de que sólo un escritor que creó su propia dramaturgia única, su mundo especial en el escenario, tiene algo que decir a los artistas, algo que enseñarles. La actitud de Ostrovsky hacia teatro moderno determinado por su sistema artístico. El héroe de la dramaturgia de Ostrovsky fue el pueblo.
En sus obras estaban representadas toda la sociedad y, además, la vida sociohistórica del pueblo. No en vano los críticos N. Dobrolyubov y A. Grigoriev, que abordaron la obra de Ostrovsky desde posiciones opuestas, vieron en sus obras una imagen holística de la existencia del pueblo, aunque evaluaron de manera diferente la vida representada por el escritor.
La orientación de este escritor hacia los fenómenos masivos de la vida correspondió al principio de actuación en conjunto, que defendió, la conciencia inherente del dramaturgo de la importancia de la unidad, la integridad de las aspiraciones creativas del grupo de actores que participan en la obra.
En sus obras, Ostrovsky retrató Fenómeno social, que tienen raíces profundas: conflictos cuyos orígenes y causas a menudo se remontan a épocas históricas lejanas.
Vio y mostró las fructíferas aspiraciones que surgían en la sociedad y los nuevos males que surgían en ella. Los portadores de nuevas aspiraciones e ideas en sus obras se ven obligados a librar una difícil lucha con viejas costumbres y puntos de vista conservadores tradicionalmente santificados, y en ellos el nuevo mal choca con el ideal ético de un pueblo que se ha desarrollado a lo largo de los siglos, con fuertes tradiciones. de resistencia a la injusticia social y a la injusticia moral.
Cada personaje de las obras de Ostrovsky está conectado orgánicamente con su entorno, su época, la historia de su pueblo. Al mismo tiempo, una persona común, en cuyos conceptos, hábitos y discurso su parentesco con lo social y paz nacional, es el foco de interés en las obras de Ostrovsky.
El destino individual del individuo, la felicidad y la desgracia del individuo, la persona común, sus necesidades, su lucha por su bienestar personal excitan al espectador de los dramas y comedias de este dramaturgo. La posición de una persona les sirve como medida del estado de la sociedad.
Además, la personalidad típica, la energía con la que características individuales una persona se ve "afectada" por la vida de la gente, en la dramaturgia de Ostrovsky tiene un importante significado ético y valor estético. El personaje es maravilloso.
Como en el drama de Shakespeare. heroe tragico Lo bello o lo terrible desde el punto de vista ético pertenece a la esfera de la belleza en las obras de Ostrovsky. héroe del personaje en la medida de su tipicidad, es la encarnación de la estética y, en varios casos, de la riqueza espiritual, vida historica y cultura del pueblo.
Esta característica de la dramaturgia de Ostrovsky predeterminó su atención a la actuación de cada actor, a la capacidad del intérprete para presentar un tipo en el escenario, para recrear vívida y cautivadoramente un personaje social individual y original.
Ostrovsky apreció especialmente esta habilidad en los mejores artistas de su tiempo, animándola y ayudando a desarrollarla. Dirigiéndose a A.E. Martynov, dijo: “... a partir de varios rasgos esbozados por una mano inexperta, creaste tipos finales llenos de verdad artística. Esto es lo que te hace tan querido por los autores”.
Ostrovsky terminó su discusión sobre la nacionalidad del teatro, sobre el hecho de que los dramas y las comedias se escriben para todo el pueblo con las palabras: "... los escritores dramáticos siempre deben recordar esto, deben ser claros y fuertes".
La claridad y fuerza de la creatividad del autor, además de los tipos creados en sus obras, se expresa en los conflictos de sus obras, construidas sobre simples incidentes de la vida, que, sin embargo, reflejan los principales conflictos de la vida social moderna.
En su primer artículo, valorando positivamente la historia de A.F. Pisemsky "El colchón", Ostrovsky escribió: “La intriga de la historia es simple e instructiva, como la vida. Por los personajes originales, por lo natural y el grado más alto El dramático desarrollo de los acontecimientos revela un pensamiento noble, adquirido a partir de la experiencia cotidiana.
Esta historia es verdad obra de arte" El curso dramático natural de los acontecimientos, los personajes originales, la descripción de la vida de la gente común: al enumerar estos signos de verdadero arte en la historia de Pisemsky, el joven Ostrovsky sin duda surgió de sus reflexiones sobre las tareas de la dramaturgia como arte.
Es característico que Ostrovsky conceda gran importancia a la instrucción. trabajo literario. El carácter instructivo del arte le da la base para comparar y acercar el arte a la vida.
Ostrovsky creía que el teatro, que reúne dentro de sus muros a un público numeroso y diverso, uniéndolo con un sentimiento de placer estético, debería educar a la sociedad, ayudar a los espectadores simples y no preparados a "comprender la vida por primera vez" y dar a los educados "una experiencia completa". perspectiva de pensamientos de los que no se puede escapar.” (ibid.).
Al mismo tiempo, la didáctica abstracta era ajena a Ostrovsky. “Cualquiera puede tener buenos pensamientos, pero el control de la mente y del corazón sólo está dado a unos pocos elegidos”, recordó, ironizando sobre los escritores que reemplazan a los serios. cuestiones artísticas diatribas edificantes y tendencia desnuda. Conocimiento de la vida, su representación realista y veraz, reflexión sobre lo más relevante para la sociedad y cuestiones complejas- Esto es lo que el teatro debe presentar al público, esto es lo que hace del escenario una escuela de vida.
El artista enseña al espectador a pensar y sentir, pero no le da soluciones listas para usar. La dramaturgia didáctica, que no revela la sabiduría y el carácter instructivo de la vida, sino que la reemplaza con perogrulladas declarativamente expresadas, es deshonesta, ya que no es artística, mientras que es precisamente por impresiones estéticas que la gente viene al teatro.
Estas ideas de Ostrovsky encontraron una refracción peculiar en su actitud hacia el drama histórico. El dramaturgo argumentó que “los dramas históricos y las crónicas<...>Desarrollar el autoconocimiento de las personas y cultivar el amor consciente a la patria”.
Al mismo tiempo, subrayó que no se trata de una distorsión del pasado en aras de una u otra idea tendenciosa, ni del efecto escénico externo del melodrama sobre temas históricos, ni de la transposición de monografías científicas a una forma dialógica, sino una recreación verdaderamente artística de la realidad viva de siglos pasados en el escenario puede ser la base de una actuación patriótica.
Tal actuación ayuda a la sociedad a comprenderse a sí misma, fomenta la reflexión y da un carácter consciente al sentimiento inmediato de amor por la patria. Ostrovsky entendió que las obras que creaba anualmente formaban la base del repertorio teatral moderno.
Al definir los tipos de obras dramáticas, sin las cuales no puede existir un repertorio ejemplar, él, además de los dramas y comedias que representan la vida rusa moderna y las crónicas históricas, nombró extravagancias, obras de cuentos de hadas para representaciones festivas, acompañadas de música y danza, diseñadas como un colorido espectáculo folclórico.
El dramaturgo creó una obra maestra de este tipo: cuento de hadas de primavera"The Snow Maiden", en la que la fantasía poética y un entorno pintoresco se combinan con un profundo contenido lírico y filosófico.
Historia de la literatura rusa: en 4 volúmenes / Editado por N.I. Prutskov y otros - L., 1980-1983.
sonido. No en vano Innokenty Annensky lo llamó realista auditivo. Sin poner sus obras en escena, era como si sus obras no estuvieran terminadas, razón por la cual Ostrovsky se tomó con tanta dureza la prohibición de sus obras por parte de la censura teatral. A la comedia "Nuestra gente - Seamos contados" se le permitió representar en el teatro sólo diez años después de que Pogodin logró publicarla en la revista.
"Ya leí mi obra en Moscú cinco veces, entre los oyentes había gente hostil hacia mí y todos reconocieron unánimemente "Dowry" como la mejor de todas mis obras". Ostrovsky vivía con la "Dote", a veces sólo sobre ella, su cuadragésima cosa consecutiva, dirigía "su atención y sus fuerzas", queriendo "terminarla" de la manera más cuidadosa. En septiembre de 1878 escribió a uno de sus conocidos: “Estoy trabajando en mi obra con todas mis fuerzas; Parece que no saldrá mal”. Ya un día después del estreno, el 12 de noviembre, Ostrovsky pudo aprender, y sin duda lo hizo, de Russkiye Vedomosti cómo logró “cansar a todo el público, hasta a los espectadores más ingenuos”. Porque ella, el público, claramente ha “superado” los espectáculos que él le ofrece. En los años setenta, la relación de Ostrovsky con la crítica, los teatros y el público se volvió cada vez más compleja. El período en el que disfrutó del reconocimiento universal, que ganó a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, fue reemplazado por otro, cada vez más creciente en diferentes círculos de enfriamiento hacia el dramaturgo.
La censura teatral era más estricta que la censura literaria. Esto no es una coincidencia. En esencia, el arte teatral es democrático; se dirige al público en general más directamente que la literatura. Ostrovsky en su "Nota sobre el estado del arte dramático en Rusia en la actualidad" (1881) escribió que "la poesía dramática está más cerca de la gente que otras ramas de la literatura. Todas las demás obras están escritas para personas educadas y los dramas". y las comedias se escriben para todo el pueblo; los escritores de obras dramáticas deben recordarlo siempre, deben ser claras y fuertes. Esta cercanía al pueblo no degrada en lo más mínimo la poesía dramática, sino que, por el contrario, duplica su fuerza y no la duplica. permita que se vuelva vulgar y aplastado”. Ostrovsky habla en su “Nota” sobre cómo se expandió el público teatral en Rusia después de 1861. A un espectador nuevo, sin experiencia en arte, Ostrovsky le escribe: “La buena literatura todavía le resulta aburrida e incomprensible, la música también, sólo el teatro le proporciona un placer total, allí experimenta como un niño todo lo que sucede en el escenario, simpatiza con el bien. y reconoce el mal, presentado claramente". Para una audiencia "fresca", escribió Ostrovsky, "se requiere un drama fuerte, una comedia importante, una risa provocativa, franca y fuerte, sentimientos ardientes y sinceros".
Sobre la poesía, escribirá que su esencia está principalmente en las verdades “andantes”, en la capacidad del teatro para transmitirlas al corazón del lector:
¡Caminad, quejosos de luto!
Actores, dominen su oficio,
Para que de la verdad andante
¡Todos sintieron dolor y luz!
(“Balagán”, 1906)
La enorme importancia que Ostrovsky concedía al teatro, sus pensamientos sobre artes teatrales, sobre la situación del teatro en Rusia, sobre el destino de los actores, todo esto se reflejó en sus obras. Los contemporáneos percibieron a Ostrovsky como un sucesor del arte dramático de Gogol. Pero inmediatamente se notó la novedad de sus obras. Ya en 1851, en el artículo "Un sueño con motivo de una comedia", el joven crítico Boris Almazov señaló las diferencias entre Ostrovsky y Gogol. La originalidad de Ostrovsky radica no sólo en el hecho de que retrató no sólo a los opresores, sino también a sus víctimas, no sólo en el hecho de que, como escribió I. Annensky, Gogol fue principalmente un poeta de impresiones "visuales" y Ostrovsky de "auditivas". “Impresiones.
La originalidad y la novedad de Ostrovsky se manifestaron en la elección del material de la vida, en el tema de la imagen: dominó nuevas capas de la realidad. Fue un pionero, un Colón no sólo de Zamoskvorechye, ¡a quien no vemos, cuyas voces no escuchamos en las obras de Ostrovsky! Innokenty Annensky escribió: "... Este es un virtuoso de las imágenes sonoras: comerciantes, vagabundos, obreros y profesores de latín, tártaros, gitanos, actores y trabajadoras sexuales, bares, oficinistas y pequeños burócratas. Ostrovsky presentó una enorme galería de discursos típicos. ..." Actores, El entorno teatral es también un nuevo material vital que Ostrovsky dominó: todo lo relacionado con el teatro le parecía muy importante.
En la vida del propio Ostrovsky, el teatro jugó un papel muy importante. Participó en la producción de sus obras, trabajó con los actores, fue amigo de muchos de ellos y mantuvo correspondencia con ellos. Se esforzó mucho en defender los derechos de los actores, buscando la creación en Rusia. escuela de teatro, repertorio propio. La artista del Teatro Maly N.V. Rykalova recordó: Ostrovsky, “habiendo conocido mejor a la compañía, se convirtió en nuestro hombre. La compañía lo amaba mucho. Alexander Nikolaevich fue inusualmente cariñoso y cortés con todos. Bajo el régimen de servidumbre que reinaba en ese momento, cuando los superiores del artista decían "tú", cuando la mayoría de la compañía eran siervos, el trato de Ostrovsky parecía a todos como una especie de revelación. Por lo general, el propio Alexander Nikolaevich puso en escena sus obras... Ostrovsky reunió una compañía y les leyó la obra. Podía leer con una habilidad asombrosa. Todo caracteres salieron de él como si estuvieran vivos... Ostrovsky conocía bien el interior, oculto a los ojos del público, vida detrás de escena teatro A partir de "El bosque" (1871), Ostrovsky desarrolla el tema del teatro, crea imágenes de actores, describe sus destinos; a esta obra le sigue "El comediante siglo XVII"(1873), "Talentos y admiradores" (1881), "Culpables sin culpa" (1883).
La posición de los actores en el teatro y su éxito dependían de si agradaban o no al rico público que marcaba el tono de la ciudad. Al fin y al cabo, las compañías provinciales vivían principalmente de las donaciones de los mecenas locales, que se sentían dueños del teatro y podían dictar sus condiciones. Muchas actrices vivían de los costosos obsequios de sus fans adinerados. La actriz, que cuidó su honor, pasó momentos difíciles. En "Talentos y admiradores", Ostrovsky retrata a tales situación de vida. Domna Panteleevna, la madre de Sasha Negina, se lamenta: “¡No hay felicidad para mi Sasha! Se mantiene con mucho cuidado, y no hay buena voluntad entre el público: ni regalos especiales, nada como los demás, que... si...
Pero a pesar de la vida difícil, la adversidad y los agravios, como los describe Ostrovsky, muchas personas que dedicaron su vida al escenario y al teatro conservan la bondad y la nobleza en el alma. En primer lugar, se trata de trágicos que en el escenario tienen que vivir en un mundo de grandes pasiones. Por supuesto, la nobleza y la generosidad de espíritu no se limitan a los trágicos. Ostrovsky muestra ese talento genuino, amor desinteresado crían y elevan a las personas hacia el arte y el teatro. Estos son Narokov, Negina, Kruchinina.