1. ¿Cuáles son los rasgos característicos de la cultura musical barroca? ¿En qué se diferencia de la música del Renacimiento? Apoye su respuesta con ejemplos específicos. 2. ¿Por qué se considera a C. Monteverdi el primer compositor barroco? ¿Cuál fue el carácter reformador de su obra? ¿Qué caracteriza el “Excited Style” de su música? ¿Cómo se refleja este estilo en las obras operísticas del compositor? ¿Qué une la creatividad musical de C. Monteverdi con las obras de arquitectura y pintura barrocas? 3. ¿Qué distingue la obra musical de J. S. Bach? ¿Por qué se suele considerar dentro del marco de la cultura musical barroca? ¿Alguna vez has escuchado musica de organo¿J. S. Bach? ¿Dónde? ¿Cuáles son tus impresiones? ¿Qué obras del gran compositor te resultan especialmente cercanas? ¿Por qué? 4. ¿Cuáles son los rasgos característicos de la música barroca rusa? ¿Cuáles fueron los conciertos de partes del siglo XVII y principios del XVIII? ¿Por qué se asocia el desarrollo de la música barroca rusa con la formación de una escuela de composición en Rusia? ¿Qué impresión te deja la espiritualidad? musica coral¿M. S. Berezovsky y D. S. Bortnyansky?

El clasicismo es un movimiento artístico estéticamente significativo que se originó en el siglo XVII, se desarrolló en el XVIII y se remonta al siglo XIX. Se caracteriza por una apelación a los clásicos antiguos como un estricto ejemplo normativo de perfecta armonía. ideas esteticas El clasicismo se forma en la clave del racionalismo, que estaba extendiendo su dominio en esa época, una doctrina filosófica y científica según la cual la razón es la capacidad humana más alta, lo que le permite conocer e incluso transformar el mundo, llegando a estar parcialmente a la par con Dios, y reorganizar las sociedades. La razón, desde el punto de vista del racionalismo, no es sólo la principal, sino también la única capacidad completamente adecuada de la mente humana. Los sentimientos son sólo un requisito previo para las conclusiones racionales, que en sí mismas oscurecen la verdad clara; La intuición mística es valiosa por su inclusión en el sistema de argumentación racional. Esta visión no podía dejar de afectar la relación entre las esferas de la cultura, que comenzaron a tomar forma en los círculos más altos de la sociedad en los países europeos: la ciencia, la filosofía y las matemáticas en particular: estas son las principales. fuerzas impulsoras progreso del conocimiento; al arte se le asigna un papel más modesto y secundario de placer sentimental, entretenimiento ligero y edificación inteligible e impresionante; La religión tradicional, no "iluminada" por las ideas racionales del deísmo filosófico, es la fe de gente sencilla y sin educación que es útil para el organismo social, una especie de estabilizador en el campo de las costumbres sociales.
El clasicismo se basa en la teoría estética normativa. Ya René Descartes, matemático y filósofo francés de la primera mitad del siglo XVII, en sus obras originales de la época "Discurso sobre el método", "Compendio de música" y otras, sostiene que el arte debe estar sujeto a una estricta regulación por parte de la razón. . Al mismo tiempo, el lenguaje de las obras de arte, según R. Descartes, debe distinguirse por la racionalidad, la composición debe basarse en reglas estrictamente establecidas. La principal tarea del artista es convencer, ante todo, con el poder y la lógica de los pensamientos. La teoría estética normativa del clasicismo se caracteriza por el racionalismo, la claridad verificada, el cálculo formal con orientación hacia la proporcionalidad, la integridad, la unidad, el equilibrio y la plenitud de las formas, la conexión con las ideas del absolutismo político y el imperativo moral. Los principios normativos del clasicismo presuponían una clara división en géneros altos y bajos.
Estos principios del clasicismo se manifiestan en todo tipo de arte: en el teatro, que adhirió a las generalizaciones ideológicas de N. Boileau (Cornel, Racine, Moliere, Lope de Vega, etc.); en literatura (La Fontaine) en arquitectura, especialmente secular: palacio y parque (la imagen de Versalles) y civil e iglesia (Levo, Hardouin-Mansart, Le Brun, Le Nôtre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossi, etc.); en pintura (Poussin, Velázquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): en escultura (Canova, Thorvaldsen, etc.) en música (Gluck, Haydn, Mozart, los primeros Beethoven, etc.) Algunos de los grandes creadores de arte enumerados en su Profundamente expresivos, sus planes iban más allá de la estricta normatividad del clasicismo, la separación de géneros altos y bajos que postulaba, pero su trabajo aún está unido por los principios de claridad expresiva, laconismo y armonía de estilo característicos de esta época.
El representante más destacado de la teoría estética del arte de esa época fue Nicolas Boileau (1636 - 1711), un poeta satírico francés, teórico del clasicismo, cuyas normas y reglas estableció en el tratado poético "Arte poético". una especie de instrucción para un poeta y artista novato.
N. Boileau es partidario del predominio en la obra del poeta (y en el arte en general) de la esfera intelectual sobre la emocional. Cree que las obras de arte están dirigidas no tanto a los sentimientos como a la razón. Los signos más importantes de la belleza, lo que la mente capta fácilmente, es la claridad, la distinción. Todo es incomprensible y feo al mismo tiempo. La idea de la obra, su plasmación debe ser clara, las partes y toda la arquitectura de la obra deben ser claras y distintas. Sencillez y claridad: este es el motivo del famoso principio de las “tres unidades”, que N. Boileau extendió a la poesía y al drama en su perfecta composición: unidad de lugar (la acción está geográficamente localizada, aunque implica un cambio de escena). , unidad de tiempo (la acción debe encajar en un día, un día), unidad de acción (las escenas sucesivas deben corresponder al orden temporal de los acontecimientos). Al mismo tiempo, los personajes representados no deben cambiar a lo largo de toda la obra. Estos principios, según N. Boileau, son manifestaciones directas de las leyes de la razón, la disciplina. posibilidades creativas al poeta y permitir al lector o espectador comprender el contenido transmitido sin obstáculos, de forma sencilla y, por tanto, satisfactoria.
La plausibilidad es un concepto clave en la estética del arte de N. Boileau. Porque N. Boileau presenta lo bello como razonable y natural. La razón es la base de la validez universal de las normas del gusto. Así, lo bello está de algún modo subordinado a la verdad. Pero la verdad de la vida es también una idealización normativa, y no sólo un reflejo correcto. La belleza, según N. Boileau, llega al mundo mediante algún principio espiritual inteligente, y una obra de arte, como producto de una actividad inteligente, resulta más perfecta que las creaciones de la naturaleza. La belleza espiritual se sitúa por encima de la belleza física y el arte por encima de la naturaleza.
N. Boileau concreta la teoría de los géneros establecida en el clasicismo al dividirlos en superiores e inferiores: Así, la tragedia debe representar lo alto y lo heroico, y la comedia, lo bajo y lo vicioso. Los héroes de la comedia son personas sencillas que expresan sus pensamientos no en el pomposo lenguaje de la retórica, sino en el ligero lenguaje secular moderno.
Las nuevas ideas de la Ilustración se asociaron en gran medida con los principios del clasicismo y representaron una unidad orgánica con él en muchos fenómenos culturales del siglo XVIII. La Era de la Ilustración en sus principios axiomáticos es tan racionalista como la cosmovisión emergente del siglo XVII... pero a diferencia del racionalismo temprano, la Ilustración es todo un programa destinado no tanto a dominar las fuerzas de la naturaleza a través de conocimiento científico sus leyes (este proceso, que comenzó en el siglo XVII, por supuesto, continuó), tanto como para la transformación de toda la cultura y de toda la sociedad sobre la base de la razón, sobre la base de nuevas conocimiento científico, contradiciendo en muchos sentidos la tradición espiritual, arraigada en las actitudes de la Edad Media. El proyecto de la Ilustración, cuyos autores son pensadores franceses, ingleses y alemanes (D. Diderot, Voltaire (M. F. Arouet), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder y otros, muchos de ellos que eran miembros de sociedades místicas secretas de tipo racionalista, como los Illuminati (del latín Illuminatio - iluminación), consistían en una serie de áreas interrelacionadas: la consolidación del conocimiento científico y la difusión de conocimiento racional de un nuevo tipo sobre temas de la comprensión filosófica del hombre, la sociedad, la cultura, incluido el arte; difundir el conocimiento científico y los valores de la nueva generación entre amplios sectores de la sociedad, apelando al público educado a mejorar las leyes por las que vive la sociedad, hasta lograr transformaciones revolucionarias;
En este sentido, una de las líneas de la filosofía de la Ilustración es la identificación de los límites de la mente cognoscente y su conexión con otras fuerzas cognitivas y activas del hombre, como el sentimiento comprensivo; de ahí el surgimiento de la estética filosófica como una Disciplina independiente, como la voluntad, cuya esfera se interpretó como la esfera de la razón práctica. Los ilustradores entendieron la relación entre naturalidad y cultura de diferentes maneras: a las ideas dominantes del progresismo cultural y civilizacional se oponía la tesis de la naturalidad del hombre, expresada vívidamente en el llamado de Jean-Jacques Rousseau: "Regreso a la naturaleza". Otro aspecto asociado con la implementación de los objetivos del programa de la Ilustración es el surgimiento del conocimiento en los horizontes de la cultura mundial, el comienzo del desarrollo de la experiencia extraeuropea de la cultura, el arte y la religión y, en particular, el surgimiento de la concepto de mundo cultura artística(I. Goethe).
Las ideas de la Ilustración en el arte se expresaron en una serie de fenómenos nuevos en la vida artística del siglo XVIII. - en democracia - el movimiento del arte más allá de los salones, oficinas y palacios seculares hacia salas de conciertos públicas, bibliotecas y galerías, al abordar temas vida popular Y historia nacional, en el rechazo de la aristocracia heroica y la glorificación de las imágenes de los plebeyos, en la mezcla de géneros altos y bajos, en popularidad género cotidiano y género de comedia; en interés por la vida pública y el progreso; en el anticlericalismo y la crítica caricaturizada e irónica de los restos ruinosos de la Edad Media y de las morales viciosas, incluidas aquellas disfrazadas de piedad personal; en el liberalismo, predicando la libertad personal y al mismo tiempo en la predicación moral de la sencillez y naturalidad del hombre, coordinadas con el bien de la sociedad; en amplios intereses enciclopédicos y atención a las culturas extraeuropeas; en realismo: muestra una naturaleza simple, un contexto social y un aura psicológica Imágenes de humanos, en una apuesta idílica por la naturalidad y la fidelidad al sentimiento humano frente a la razón falible.
En literatura y teatro, esto se reflejó en las obras de Beaumarchais, Lessing, Sheridan, Goldoni, Gozzi, Schiller, Goethe, Defoe, Swift; en pintura: Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Greuze, David, Goya, Levitsky; en escultura: Houdon, Shubin, etc.
Muchas ideas de la Ilustración se tradujeron en formas de arte desarrolladas por la estética del clasicismo, por lo que podemos hablar de la cercanía real de estos estilos con una cierta delimitación ideológica de sus principios. Algunos motivos educativos estaban en armonía con el estilo rococó cortesano, lúdico y refinado. En el marco de las ideas de la Ilustración tardía, se formó un estilo original de sentimentalismo (especialmente en poesía y pintura), caracterizado por la ensoñación, la sensibilidad, el papel especial de los sentimientos transmitidos en la comprensión de la vida y la compasión (simpatía) en la moral. educación, conformidad con la naturaleza y una pastoral idílica, en el espíritu de la filosofía de J.J. El sentimentalismo, por un lado, y las imágenes simbólicas muy expresivas de creadores de arte de finales del siglo XVIII como F. ​​Schiller, I. Goethe, F. Goya, J.-L. Prerromanticismo, preparado en lo más profundo de la estética y la vida artística de la Ilustración.
Las ideas filosóficas de la estética de la Ilustración se expresaron claramente en las obras de varios pensadores importantes del siglo XVIII, entre ellos:
Alexander Baumgarten (1714 - 1762) - filósofo alemán, seguidor de Leibniz y Wolf, fundador de la estética de la filosofía clásica alemana. En 1735
A. Baumgarten fue el primero en utilizar el término “estética”, con el que designó la ciencia filosófica del conocimiento sensorial que comprende y crea la belleza y se expresa en imágenes artísticas. Las opiniones estéticas de Baumgarten se exponen en las obras: “Reflexiones filosóficas sobre ciertas cuestiones relacionadas con obra poética", "Estética".
Gotthold Ephraim Lessing (1729 - 1781) - filósofo alemán - educador, dramaturgo, crítico literario, teórico del arte, que abogó por acercar la literatura y el arte a la vida; por liberarlos de las cadenas de la normatividad aristocrática de clase. El arte, según Lessing, es una imitación de la naturaleza, interpretada en sentido amplio como conocimiento de la vida. Para fundamentar la teoría del arte realista, se basa en la terminología de Aristóteles y la obra de Shakespeare para combatir el clasicismo. Lo esencial trabajo teórico Lessing: “Laocoonte. Sobre los límites de la pintura y la poesía."
Johann Goethe (1749 - 1832) - poeta alemán, fundador de la literatura moderna alemana, pensador y naturalista. En su juventud, Goethe fue uno de los líderes del movimiento Sturm and Drang. El arte, según Goethe, está llamado a resistir las convenciones obsoletas, la moralidad ruinosa y luchar contra la opresión del individuo. I. Goethe interpretó el arte como una “imitación” de la naturaleza. De hecho, formuló la idea de “Tipificación”. Para designar cualquier fuerza creativa, Goethe introdujo el concepto de “demoníaco”. Las principales obras de I. Goethe: “Simple imitación de la naturaleza. Manera. Estilo", "La Doctrina de la Luz".
Immanuel Kant (1724 - 1804): fundador de la filosofía clásica alemana. La principal obra de Immanuel Kant sobre problemas de estética es "Crítica del poder de juicio". En I. Kant, el principio estético resulta ser la forma fundamental a priori (que determina la constitución de la conciencia antes de cualquier experiencia empírica), la forma de un juicio desinteresado sobre el gusto, universal en su aplicación. El juicio del gusto está asociado con la capacidad de sentir placer o disgusto sobre la base del principio de "conveniencia sin propósito", cuyos derivados son la conveniencia práctica de la acción de la voluntad humana y la legalidad de la actividad de la mente. . Las principales categorías de la estética de Kant son la conveniencia (conexión armoniosa de las partes y el todo), lo bello y lo sublime. Kant disipó las ideas racionalistas y utilitaristas sobre la belleza, reduciendo el sentimiento de belleza al placer "desinteresado" que brinda la contemplación de la forma estética. Al mismo tiempo, la principal ventaja de una obra de arte, según I. Kant, no es tanto su contenido vital como su forma perfecta, apelando a la capacidad estética previamente experimentada del hombre. La esencia de lo sublime, según Kant, es la violación de la medida habitual. Juzgar lo sublime requiere una imaginación desarrollada y una alta moralidad. Para percibir el arte se necesita gusto, para crear - un genio - una personalidad única dotada alto grado imaginación creativa.
Georg Hegel (1770 - 1831) es un destacado representante de la filosofía clásica alemana, cuyas opiniones se formaron bajo la influencia del racionalismo característico de la Ilustración. Sin embargo, G. Hegel en su obra verdaderamente universal sistema filosófico superó el marco de las ideas educativas. Al formar su metodología original, también estuvo influenciado por los primeros motivos románticos, que se notaban en las ideas de los filósofos alemanes de principios del siglo XIX. I. Fichte y F. Schelling. G. Hegel perfeccionó el método de la reflexión racional, capaz de comprender las contradicciones del ser y la conciencia, integrando modelos del movimiento del pensamiento tanto estrictamente racional-lógicos como específicamente estéticos e incluso místicos, que, según Hegel, encajan en el coordenadas más amplias de la lógica dialéctica, sin embargo, convirtiéndose así en modalidades de la mente. G. Hegel es el creador de un sistema de idealismo objetivo basado en el método de la dialéctica.
EN período temprano creatividad G. Hegel creía que el acto más elevado de la razón, que abarca todas las ideas, es un acto estético y que la verdad y la bondad están unidas por lazos familiares sólo en la belleza. Posteriormente, la estética aparece en G. Hegel como filosofía del arte. El arte ocupa un nivel subordinado en comparación con la filosofía como forma absoluta de autoconocimiento del espíritu. desarrollo historico conciencia histórica.
La novedad de la estética de G. Hegel del período maduro consistió en enfatizar la conexión del arte y la belleza con la actividad humana y con el desarrollo del "espíritu objetivo", es decir, la cultura de la sociedad en su conjunto. La belleza según Hegel es siempre humana. Para Hegel, la categoría estética más general es la bella. La estética de Hegel es inherente. principio histórico revisando el material. La tríada dialéctica del autodesarrollo del arte está formada por sus formas, sucesivamente reemplazadas a lo largo de la historia: simbólica (Antiguo Oriente), clásica (Antigüedad) y romántica (Europa cristiana). En la Estética de Hegel se analizan en detalle los tipos de arte. En todas partes intentó captar el principio del desarrollo. La obra principal que expone el concepto estético de G. Hegel son las “Conferencias sobre estética”.

CLASICISMO(del latín classicus - ejemplar) - dirección en literatura y arte de finales del siglo XVII - principios del XIX v. El clasicismo surgió y se desarrolló como estilo artístico y la dirección en Francia en el siglo XVII, reflejando la forma y el contenido de la cultura del absolutismo francés.

La teoría estética del clasicismo encontró su expresión más completa en el “Arte poético” de N. Boileau (1674), en las “Reglas elementales del arte verbal” de C. Batteux (1747), en las doctrinas de la Academia Francesa, etc. . Características Estética del clasicismo: es su normatividad, el deseo de establecer reglas estrictas. creatividad artística, así como la regulación de los criterios de evaluación estética. obra de arte. Los cánones artísticos y estéticos del clasicismo están claramente orientados hacia ejemplos del arte antiguo:

trasladar los temas de tramas, personajes, situaciones del arsenal de los clásicos antiguos como norma e ideal artístico y estético, llenándolos de nuevos contenidos.

La base filosófica de la estética del clasicismo fue el racionalismo (especialmente Descartes), la idea de un patrón razonable del mundo. De aquí surgen los principios ideológicos y estéticos del clasicismo: la lógica de la forma, la unidad armoniosa de las imágenes creadas en el arte, el ideal de una naturaleza bella y ennoblecida, la afirmación de la idea de estadidad, héroe ideal, resolviendo el conflicto entre sentimiento personal y deber público a favor del deber. El clasicismo se caracteriza por una jerarquía de géneros, su división en superior (tragedia, épica) e inferior (comedia, fábula, sátira), el establecimiento de tres unidades: la unidad de lugar, tiempo y acción en el drama. Orientación del arte del clasicismo hacia la claridad de contenido y una presentación clara. problemas sociales, patetismo ético, la altura del ideal cívico lo hizo socialmente significativo, teniendo gran valor educativo. El clasicismo como dirección artística no muere con la crisis monarquía absoluta en Francia, y transformado en el clasicismo educativo de Voltaire, y luego en el clasicismo republicano de la era francesa. revolución burguesa(J. David y otros).

El clasicismo se refleja en todo tipo y género de arte: en la tragedia (Corneille, Racine), la comedia (Molière), la fábula (La Fontaine), la sátira (Boileau), la prosa (La Bruyère, La Rochefoucauld) y el teatro (Talma). Los logros del arte del clasicismo en la arquitectura (Hardouin-Mansart, Gabriel, etc.) son especialmente significativos e históricamente duraderos.

En Rusia, la estética y el arte del clasicismo se generalizaron en el siglo XVIII. La estética del clasicismo ruso se refleja en las obras de Feofan Prokopovich ("Piitika" - 1705), Antioch Cantemir ("Prefacio a la traducción de las cartas de Horacio", etc.), V. K. Trediakovsky ("Una historia de sabiduría, prudencia y virtud". ”, “Discurso sobre la comedia en general”, etc.), M. V. Lomonosova (“Dedicación a la “retórica””, “Sobre el estado actual de las ciencias verbales en Rusia”), A. P. Sumarokova ( artículos críticos en la revista “Hardworking Bee”, la sátira “Sobre la nobleza”, “Epístola a Su Alteza Imperial el Soberano Gran Duque Pavel Petrovich en su cumpleaños, el 20 de septiembre de 1761”, etc.).

En las odas de M. V. Lomonosov, G. R. Derzhavin, las tragedias de A. P. Sumarokov, Ya. B. Knyazhnin, las actividades teatrales de F. G. Volkov, I. A. Dmitrevsky, la pintura de A. P. Losenko, la arquitectura de V. I. Bazhenova, M. F. Kazakov. , A. N. Voronikhin, la escultura de M. I. Kozlovsky, I. P. Martos tomó forma los principios de la estética clasicista, transformados en suelo ruso, llenos de un nuevo contenido nacional. Una cierta transformación de los principios del clasicismo es el estilo Imperio (ver).

Clasicismo (del latín classicus - ejemplar) - estilo artístico arte europeo Siglos XVII-XIX, una de cuyas características más importantes fue la apelación al arte antiguo como máximo ejemplo y la dependencia de las tradiciones del Alto Renacimiento. (del latín classicus - ejemplar): el estilo artístico del arte europeo de los siglos XVII-XIX, una de cuyas características más importantes fue la apelación al arte antiguo como el máximo ejemplo y la confianza en las tradiciones del Alto Renacimiento. Burdeos La ciudad es famosa por sus conjuntos de plazas de estilo clasicista (siglo XVIII).

M. F. Kazakov. Palacio Petrovsky El clasicismo ruso es una de las páginas más brillantes de la historia de la arquitectura mundial.

V.I. Casa Pashkov - 1788

O. Montferrand. Catedral de San Isaac - 1830

A.N. Catedral de Kazán - 1811 Y la catedral de Kazán extendió las manos. Abrazando la tarde azul... I. Demyanov.

Clasicismo en la escultura Fidelidad a la imagen antigua. Composiciones heroicas e idílicas. Composiciones heroicas e idílicas. Idealización del valor militar y la sabiduría de los estadistas. Idealización del valor militar y la sabiduría de los estadistas. Monumentos públicos. Monumentos públicos. Contradicción con las normas morales aceptadas. Contradicción con las normas morales aceptadas. Ausencia de movimientos bruscos, manifestaciones externas de emociones como la ira. Ausencia de movimientos bruscos, manifestaciones externas de emociones como la ira. Sencillez, armonía, coherencia de la composición de la obra. Sencillez, armonía, coherencia de la composición de la obra.

Clasicismo en la pintura Interés por el arte. Grecia antigua y Roma. Sistematización y consolidación de los logros de los grandes artistas del Renacimiento. Sistematización y consolidación de los logros de los grandes artistas del Renacimiento. Un minucioso estudio de la herencia de Rafael y Miguel Ángel, imitando su dominio de la línea y la composición. Un minucioso estudio de la herencia de Rafael y Miguel Ángel, imitando su dominio de la línea y la composición. Sencillez, armonía, coherencia de la composición de la obra. Sencillez, armonía, coherencia de la composición de la obra. Cuestiones sociales y civiles. Cuestiones sociales y civiles. Los personajes principales son reyes, generales, estadistas. Los personajes principales son reyes, generales, estadistas. Apoyo al clasicismo mediante la financiación de instituciones académicas. Apoyo al clasicismo mediante la financiación de instituciones académicas.

historia rusa literatura XVII I siglo Lebedeva O. B.

Estética del clasicismo.

Estética del clasicismo.

Las ideas sobre las leyes de la creatividad y la estructura de una obra de arte están determinadas en la misma medida por el tipo de cosmovisión de época, como la imagen del mundo y el concepto de personalidad. La razón, como máxima capacidad espiritual del hombre, se concibe no sólo como un instrumento de conocimiento, sino también como un órgano de creatividad y fuente de placer estético. Uno de los leitmotiv más llamativos del “Arte poético” de Boileau es la naturaleza racional. actividad estetica:

Por un camino peligroso tan resbaladizo como el hielo

Siempre debes ir hacia el sentido común.

Quien abandona este camino muere inmediatamente:

Hay un camino hacia la razón, no hay otro.

De aquí surge una estética completamente racionalista, cuyas categorías definitorias son el principio jerárquico y la normatividad. Siguiendo a Aristóteles, el clasicismo consideraba el arte como una imitación de la naturaleza:

No nos atormentes con cosas increíbles y perturbadoras de la mente:

Y la verdad a veces es diferente a la verdad.

No estaré encantado con maravillosas tonterías:

A la mente no le importa lo que no cree.

Sin embargo, la naturaleza no fue entendida en modo alguno como una imagen visual del mundo físico y moral presentada a los sentidos, sino más bien como la esencia inteligible más elevada del mundo y del hombre: no un carácter específico, sino su idea, no una historia histórica real. o una trama moderna, sino una situación de conflicto humano universal, no un paisaje dado, sino la idea de una combinación armoniosa de realidades naturales en una unidad idealmente hermosa. El clasicismo encontró una unidad tan idealmente hermosa en literatura antigua- Fue precisamente esto lo que el clasicismo percibió como el pináculo ya alcanzado de la actividad estética, el estándar eterno e inmutable del arte, que recreaba en sus modelos de género esa altísima naturaleza ideal, física y moral, que el arte debía imitar. Sucedió que la tesis sobre la imitación de la naturaleza se convirtió en una prescripción para imitar el arte antiguo, de donde surgió el propio término “clasicismo” (del latín classicus - ejemplar, estudiado en clase): No dejes que nada te separe de la naturaleza.

Un ejemplo sería el cuadro de Terence:

Un padre canoso regaña a su hijo enamorado ‹…›

No, esto no es un retrato, sino la vida. en tal imagen

El espíritu de la naturaleza vive en el padre y el hijo canosos.

Así, la naturaleza en el arte clásico aparece no tanto reproducida como modelada según un modelo elevado, "decorada" con la actividad analítica generalizadora de la mente. Por analogía, podemos recordar el llamado parque "normal" (es decir, "correcto"), donde los árboles se podan en la forma formas geométricas y senderos simétricamente sentados, de forma regular, cubiertos de guijarros de colores y agua encerrada en estanques y fuentes de mármol. Este estilo de arte de jardinería alcanzó su apogeo precisamente en la era del clasicismo. El deseo de presentar la naturaleza como “adornada” también resulta en el predominio absoluto en la literatura del clasicismo de la poesía sobre la prosa: si la prosa es idéntica a la simple naturaleza material, entonces la poesía, como forma literaria, es ciertamente una naturaleza “decorada” ideal. "

En todas estas ideas sobre el arte, es decir, como actividad espiritual racional, ordenada, estandarizada, se realizó el principio jerárquico del pensamiento de los siglos XVII-XVIII. Dentro de sí misma, la literatura también resultó estar dividida en dos series jerárquicas, baja y alta, cada una de las cuales estaba asociada temática y estilísticamente con un nivel de realidad, material o ideal. Los géneros bajos incluían la sátira, la comedia y la fábula; a lo alto – oda, tragedia, épica. EN géneros bajos Se representa la realidad material cotidiana y aparece una persona privada en las relaciones sociales (aunque, por supuesto, tanto la persona como la realidad siguen siendo las mismas categorías conceptuales ideales). EN generos altos el hombre se presenta como un ser espiritual y social, en el aspecto existencial de su existencia, solo y junto con los fundamentos eternos de las cuestiones de la existencia. Por lo tanto, para los géneros altos y bajos, resultó relevante no solo la diferenciación temática, sino también la diferenciación de clases en función de la pertenencia del personaje a uno u otro estrato social. El héroe de los géneros bajos es una persona de clase media; héroe alto: una figura histórica, un héroe mitológico o un personaje ficticio de alto rango, generalmente un gobernante.

En los géneros bajos, los personajes humanos están formados por bajas pasiones cotidianas (tacañería, hipocresía, hipocresía, envidia, etc.); en los géneros elevados, las pasiones adquieren un carácter espiritual (amor, ambición, venganza, sentido del deber, patriotismo, etc.). Y si las pasiones cotidianas son claramente irrazonables y viciosas, entonces las pasiones existenciales se dividen en razonables - sociales e irrazonables - personales, y el estatus ético del héroe depende de su elección. Es inequívocamente positivo si prefiere una pasión razonable y inequívocamente negativo si elige una irrazonable. El clasicismo no permitía medias tintas en la evaluación ética, y esto también reflejaba la naturaleza racionalista del método, que excluía cualquier mezcla de alto y bajo, trágico y cómico.

Dado que en la teoría de género del clasicismo se legitimaron como principales aquellos géneros que alcanzaron mayor florecimiento en la literatura antigua, y creatividad literaria Se pensó como una imitación razonable de altos modelos, en la medida en que el código estético del clasicismo adquirió un carácter normativo. Esto significa que el modelo de cada género se estableció de una vez por todas en un conjunto claro de reglas, de las cuales era inaceptable desviarse, y cada texto específico fue evaluado estéticamente según el grado de cumplimiento de este modelo de género ideal.

La fuente de las reglas fueron ejemplos antiguos: la epopeya de Homero y Virgilio, la tragedia de Esquilo, Sófocles, Eurípides y Séneca, la comedia de Aristófanes, Menandro, Terencio y Plauto, la oda de Píndaro, la fábula de Esopo y Fedro, la sátira de Horacio y Juvenal. El caso más típico e ilustrativo de tal regulación del género son, por supuesto, las reglas del principal género clásico, la tragedia, extraídas tanto de los textos de los trágicos antiguos como de la Poética de Aristóteles.

Para la tragedia, se canonizó una forma poética (“verso alejandrino” - hexámetro yámbico con rima pareada), una estructura obligatoria de cinco actos, tres unidades: tiempo, lugar y acción, estilo alto, histórico o historia mitologica y un conflicto que presuponía una situación obligatoria de elección entre pasión razonable e irrazonable, y se suponía que el proceso de elección en sí mismo constituía la acción de la tragedia. Fue en el apartado dramático de la estética del clasicismo donde el racionalismo, la jerarquía y la normatividad del método se expresaron con mayor plenitud y obviedad:

Pero nosotros, que respetamos las leyes de la razón,

Sólo la construcción hábil cautiva ‹…›

Pero la escena requiere tanto verdad como inteligencia.

Las leyes de la lógica en el teatro son muy estrictas.

Tú nuevo tipo¿Quieres subir al escenario?

Por favor combina todas las cualidades del rostro.

Y mantener la imagen de principio a fin.

Todo lo dicho anteriormente sobre la estética del clasicismo y la poética de la literatura clasicista en Francia se aplica igualmente a casi cualquier variedad europea del método, ya que el clasicismo francés fue históricamente la encarnación más antigua y estéticamente más autorizada del método. Pero para el clasicismo ruso estos principios teóricos generales encontraron una refracción peculiar en práctica artística, ya que estuvieron determinadas por factores históricos y características nacionales formación de un nuevo ruso XVIII cultura v.