Nacido el 31 de marzo (12 de abril) de 1823 en Moscú, creció en un ambiente mercantil. Su madre murió cuando él tenía 8 años. Y el padre se volvió a casar. Había cuatro hijos en la familia.
Ostrovsky fue educado en casa. Su padre tenía una gran biblioteca, donde el pequeño Alejandro empezó a leer literatura rusa. Sin embargo, el padre quería darle a su hijo una educación jurídica. En 1835, Ostrovsky comenzó sus estudios en el gimnasio y luego ingresó en la Facultad de Derecho de la Universidad de Moscú. Debido a sus intereses por el teatro y la literatura, nunca completó sus estudios en la universidad (1843), tras lo cual trabajó como escribano en la corte ante la insistencia de su padre. Ostrovsky sirvió en los tribunales hasta 1851.
La creatividad de Ostrovsky.
En 1849, Ostrovsky escribió la obra "Nuestro pueblo - ¡Seamos contados!", que le dio fama literaria y fue muy apreciado por Nikolai Gogol e Ivan Goncharov. Luego, a pesar de la censura, se publicaron muchas de sus obras de teatro y libros. Para Ostrovsky, los escritos son una forma de retratar verazmente la vida de la gente. Entre sus obras más importantes se encuentran las obras de teatro "La tormenta", "La dote", "El bosque". La obra de Ostrovsky "Dote", al igual que otros dramas psicológicos, describe a los personajes de una manera no estándar, mundo interior, el tormento de los héroes.
Desde 1856, el escritor participa en la publicación de la revista Sovremennik.
Teatro Ostrovsky
En la biografía de Alexander Ostrovsky, el teatro ocupa un lugar destacado.
Ostrovsky fundó el Círculo Artístico en 1866, gracias al cual aparecieron muchas personas talentosas en el círculo teatral.
Junto con el Círculo Artístico, reformó y desarrolló significativamente el teatro ruso.
La casa de Ostrovsky fue visitada con frecuencia. gente famosa, entre los cuales I. A. Goncharov, D. V. Grigorovich, Ivan Turgenev, A. F. Pisemsky, Fyodor Dostoevsky, P. M. Sadovsky, Mikhail Saltykov-Shchedrin, Leo Tolstoy, Pyotr Tchaikovsky, M. N. Ermolova y otros.
En una breve biografía de Ostrovsky, vale la pena mencionar el surgimiento en 1874 de la Sociedad de Escritores Dramáticos y Compositores de Ópera Rusos, de la que Ostrovsky era presidente. Con sus innovaciones logró mejorar la vida de los actores de teatro. Desde 1885, Ostrovsky dirigió la escuela de teatro y fue el jefe del repertorio de los teatros de Moscú.
La vida personal del escritor.
No se puede decir que la vida personal de Ostrovsky haya sido un éxito. El dramaturgo vivía con una mujer de familia sencilla, Agafya, que no tenía educación, pero fue la primera en leer sus obras. Ella lo apoyó en todo. Todos sus hijos murieron en temprana edad. Ostrovsky vivió con ella durante unos veinte años. Y en 1869 se casó con la artista María Vasilievna Bakhmetyeva, con quien tuvo seis hijos.
últimos años de vida
Hasta el final de su vida, Ostrovsky experimentó dificultades financieras. El trabajo duro agotó enormemente el cuerpo y la salud del escritor se deterioró cada vez más. Ostrovsky soñaba con revivir una escuela de teatro en la que fuera posible enseñar a profesionales. interino Sin embargo, la muerte del escritor impidió la implementación de planes largamente concebidos.
Ostrovsky murió el 2 (14) de junio de 1886 en su finca. El escritor fue enterrado junto a su padre, en el pueblo de Nikolo-Berezhki, provincia de Kostroma.
tabla cronológica
Otras opciones de biografía
- Desde pequeño, Ostrovsky sabía griego, alemán y francés, y más tarde también aprendió inglés, español e italiano. Toda su vida tradujo obras de teatro a diferentes idiomas, mejorando así sus habilidades y conocimientos.
- La trayectoria creativa del escritor abarca 40 años de exitoso trabajo en obras literarias y dramáticas. Sus actividades influyeron en toda una era del teatro en Rusia. Por sus obras, el escritor recibió el Premio Uvarov en 1863.
- Ostrovsky es el fundador del arte teatral moderno, cuyos seguidores fueron personalidades tan destacadas como Konstantin Stanislavsky y Mikhail Bulgakov.
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Ostrovsky drama dote psicológica
Los servicios de Ostrovsky al drama ruso y al teatro ruso son enormes. Durante casi cuarenta años actividad creativa UN. Ostrovsky creó un rico repertorio: unas cincuenta obras originales, varias de ellas escritas en colaboración. También participó en traducciones y adaptaciones de obras de teatro de otros autores. En un momento, saludando al dramaturgo con motivo del 35 aniversario de su carrera creativa, I.A. Goncharov escribió: “Trajiste una biblioteca completa de obras de arte como regalo a la literatura, creaste tu propio mundo especial para el escenario. Usted solo completó el edificio, sobre cuyos cimientos Fonvizin, Griboedov y Gogol pusieron las piedras angulares. Pero sólo después de usted, los rusos podremos decir con orgullo: “Tenemos nuestro propio teatro nacional ruso. Con razón debería llamarse "Teatro Ostrovsky" Zhuravlev A.I., Nekrasov V.N. Teatro A.N. Ostrovsky. - M.: Arte, 1986, p. 8..
El talento de Ostrovsky, que continuó las mejores tradiciones del drama clásico ruso, afirmando el drama de los personajes sociales y la moral, la generalización profunda y amplia, tuvo una influencia decisiva en el desarrollo posterior del drama ruso progresista. En mayor o menor medida, tanto L. Tolstoi como Chéjov aprendieron de él y vinieron de él. Es precisamente con esa línea de la dramaturgia psicológica rusa, que Ostrovsky representó tan magníficamente, con la que también está relacionada la dramaturgia de Gorky. Los autores modernos están aprendiendo y seguirán estudiando las habilidades dramáticas de Ostrovsky durante mucho tiempo.
Sería justo señalar que incluso antes de Ostrovsky, el drama ruso progresista tenía obras magníficas. Recordemos "El menor" de Fonvizin, "Ay de Wit" de Griboyedov, "Boris Godunov" de Pushkin, "El inspector general" de Gogol y "La mascarada" de Lermontov. Cada una de estas obras podría enriquecer y decorar, como bien escribió Belinsky, la literatura de cualquier país de Europa occidental.
Pero estas obras fueron muy pocas. Y no determinaron el estado del repertorio teatral. En sentido figurado, se elevaban por encima del nivel del drama de masas como montañas raras y solitarias en una llanura desértica interminable. La inmensa mayoría de las obras que llenaron el escenario teatral de esa época fueron traducciones de vodeviles vacíos y frívolos y melodramas desgarradores tejidos a partir de horrores y crímenes. Tanto el vodevil como el melodrama, terriblemente alejados de la vida real, especialmente de la auténtica realidad rusa, no eran ni siquiera su sombra.
Desarrollo rápido realismo psicológico, que observamos en la segunda mitad del siglo XIX, también se manifestó en el drama. Interés en personalidad humana en todos sus estados obligó a los escritores a buscar medios para su expresión. En el drama, el principal medio de este tipo era la individualización estilística del lenguaje de los personajes, y el papel principal en el desarrollo de este método correspondió a Ostrovsky.
Además, Ostrovsky intentó ir más allá en el psicologismo, en el camino de proporcionar a sus personajes la máxima libertad posible en el marco del plan del autor; el resultado de tal experimento fue la imagen de Katerina en "La tormenta". Alexander Nikolaevich Ostrovsky consideró el comienzo de su andadura literaria en 1847, cuando leyó la obra “ Foto familiar"en la casa del profesor y escritor SP. Shevyreva. Su próxima obra, “Nuestra gente – ¡Seamos contados!” (título original “En bancarrota”) dio a conocer su nombre en toda Rusia. Desde principios de los años 50. Colabora activamente en la revista del historiador M.P. Pogodin “Moskvityanin” y pronto, junto con A.A. Grigoriev, L.A. Otros y yo formamos el “joven consejo editorial” de “Moskvityanin”, que intentó hacer de la revista un órgano de una nueva corriente de pensamiento social, cercana al eslavofilismo y anticipando el pochvenismo. La revista promovió el arte realista, el interés por la vida popular y el folclore, la historia rusa, especialmente la historia de las clases desfavorecidas.
Ostrovsky llegó a la literatura como creador de un distintivo nacional. estilo teatral, basada en una poética de la tradición folclórica. Esto resultó posible porque comenzó con la descripción de los estratos patriarcales del pueblo ruso, que conservaron el modo de vida familiar, cotidiano y cultural prepetrino, casi no europeizado. Este era todavía un ambiente “prepersonal”; para representarlo, se podía utilizar lo más ampliamente posible la poética del folclore con su extrema generalidad, con tipos estables, como inmediatamente reconocibles para los oyentes y espectadores, e incluso con un tema principal que se repite. situación de la trama: la lucha de los amantes por su felicidad. Sobre esta base, se creó el tipo de comedia psicológica popular de Ostrovsky. Literatura rusa de los siglos XIX y XX / Comp. BS Bugrov, M.M. Golubkov. - M.: Aspecto Press, 2000, p. 202..
Es importante comprender qué predeterminó la presencia del drama psicológico en la obra de Alexander Nikolaevich Ostrovsky. En nuestra opinión, en primer lugar, por el hecho de que inicialmente creó sus obras para el teatro, para su puesta en escena. La representación fue para Ostrovsky la forma más completa de publicar una obra. Sólo durante la representación escénica la imaginación dramática del autor adquiere una forma completamente acabada y produce exactamente eso. impacto psicológico, cuyo logro el autor se propuso como objetivo Kotikov P.B. La voz del espectador - un contemporáneo. (F.A. Koni sobre A.N. Ostrovsky)//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 3. - págs. 18-22..
Además, en la época de Ostrovsky, el público del teatro era más democrático, más "variado" en su nivel social y educativo que los lectores. Según la justa opinión de Ostrovsky, para percibir la ficción se necesita un cierto nivel de educación y el hábito de leer seriamente. El espectador puede ir al teatro simplemente para entretenerse, y corresponde al teatro y al dramaturgo hacer de la representación un placer y una lección moral. En otras palabras, una representación teatral debe tener el máximo impacto psicológico en el espectador.
La atención a la existencia escénica del drama también determina la especial atención del autor a características psicológicas cada personaje: tanto personajes principales como secundarios.
El psicologismo de la descripción de la naturaleza predeterminó el escenario futuro de la escena.
UN. Ostrovsky asignó un papel importante al título de cada una de sus obras, centrándose también en una mayor producción escénica, que en general no era típica de la literatura rusa de la era del realismo. El hecho es que el espectador percibe la obra de inmediato; no puede, como el lector, detenerse a pensar o volver al principio. Por lo tanto, el autor debe inmediatamente sintonizarlo psicológicamente con tal o cual tipo de espectáculo que está a punto de ver. El texto de la obra, como se sabe, comienza con un cartel, es decir, un título, una definición del género y una lista de caracteres. Así, el cartel ya le informaba al espectador sobre el contenido y “cómo terminará”, y a menudo también sobre la posición del autor: con quién simpatiza, cómo evalúa el resultado de la acción dramática. Los géneros tradicionales en este sentido fueron los más definidos y claros. Comedia significa que para los personajes con los que simpatizan el autor y el espectador, todo terminará bien (el significado de este bienestar puede, por supuesto, ser muy diferente, a veces en desacuerdo con la percepción pública) Zhuravleva A.I. Obras de A.N. Ostrovsky en el escenario del teatro//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 5. - págs. 12-16..
Pero a medida que la vida representada en la obra se volvió más compleja, se hizo cada vez más difícil dar una definición clara del género. Y, a menudo rechazando el nombre de "comedia", Ostrovsky llama al género "escenas" o "imágenes". "Escenas": este género apareció en Ostrovsky en su juventud. Luego se asoció con la poética de la “escuela natural” y fue algo así como un ensayo dramatizado que representa tipos de caracteristicas en la trama, que es un episodio separado, una imagen de la vida de los personajes. En las “escenas” y “imágenes” de las décadas de 1860 y 1870 vemos algo diferente. Aquí tenemos una trama plenamente desarrollada, un desarrollo consistente de acción dramática que conduce a un desenlace que agota por completo el conflicto dramático. La línea divisoria entre “escenas” y comedia no siempre es fácil de determinar durante este período. Quizás podamos señalar dos razones de la negativa de Ostrovsky a aceptar tradicionalmente definición de género. En algunos casos, al dramaturgo le parece que el incidente divertido discutido en la obra no es lo suficientemente típico y "a gran escala" para una generalización profunda y conclusiones morales importantes, y así es exactamente como Ostrovsky entendió la esencia de la comedia (por ejemplo, “No todo es Maslenitsa para el gato”). En otros casos, en la vida de los héroes había demasiada tristeza y dificultad, aunque el final resultó próspero ("Abismo", " amor tardío") Zhuravleva A.I. Obras de A.N. Ostrovsky en el escenario del teatro//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 5. - págs. 12-16..
En las obras de las décadas de 1860-1870, hubo una acumulación gradual de drama y la formación de un héroe necesario para el género dramático en el sentido estricto de la palabra. Este héroe, ante todo, debe tener una conciencia personal desarrollada. Mientras no se sienta interior y espiritualmente opuesto al medio ambiente, no se separe de él en absoluto, puede evocar simpatía, pero aún no puede convertirse en el héroe de un drama, lo que requiere una lucha activa y eficaz del héroe con circunstancias. La formación de la dignidad moral personal y el valor extraclase de una persona en la mente de los trabajadores pobres y las masas urbanas atrae el gran interés de Ostrovsky. El aumento del sentido de individualidad provocado por la reforma, que capturó capas bastante amplias población rusa, proporciona material y proporciona la base para el drama. En el mundo artístico de Ostrovsky, con su brillante don cómico, un conflicto de naturaleza dramática a menudo continúa resolviendo en una estructura dramática. "La verdad es buena, pero la felicidad es mejor" resulta ser una comedia que se encuentra literalmente en el umbral del drama: la próxima "gran obra", de la que se habla en la carta citada anteriormente, es "La dote". Habiendo concebido inicialmente "escenas" a las que no daba mucha importancia, Ostrovsky, en el curso de su trabajo, sintió la importancia de los personajes y el conflicto. Y creo que el punto aquí está principalmente en el héroe: Platon Zybkin.
Un amigo de la juventud de Ostrovsky, el maravilloso poeta y crítico A.A. Grigoriev vio en Chatsky "una de las mayores inspiraciones" de Ostrovsky. También llamó a Chatsky "la única figura heroica de nuestra literatura" (1862). A primera vista, la observación del crítico puede sorprender: es muy mundos diferentes interpretado por Griboyedov y Ostrovsky. Sin embargo, en un nivel más profundo, se revela la incondicional corrección del juicio de Grigoriev.
Griboyedov creó en el drama ruso el tipo de "gran héroe", es decir, un héroe que, a través de una palabra directa y líricamente cercana al autor, revela la verdad, evalúa los acontecimientos que ocurren en la obra e influye en su curso. Fue un héroe personal que tuvo independencia y resistió las circunstancias. En este sentido, el descubrimiento de Griboyedov influyó en todo el curso posterior de la literatura rusa del siglo XIX y, por supuesto, en Ostrovsky.
La atención a un espectador amplio, inmediato en sus percepciones e impresiones, determinó la marcada originalidad de la dramaturgia de Ostrovsky. Estaba convencido de que el público de los dramas y tragedias necesitaba "un suspiro profundo en todo el teatro, necesitaba lágrimas cálidas y sinceras, discursos ardientes que llegaran directamente al alma".
Ante estas exigencias, el dramaturgo escribió obras de gran intensidad ideológica y emocional, cómicas o dramáticas, obras que “cautivan el alma, haciéndote olvidar el tiempo y el lugar”. Al crear obras, Ostrovsky se basó principalmente en las tradiciones del drama popular, en las exigencias de un drama fuerte y una gran comedia. “Los autores rusos quieren probar suerte”, afirmó, “frente a un público fresco, cuyos nervios no son muy flexibles, lo que requiere un drama fuerte, una gran comedia, que provoque risas francas, fuertes, ardientes, sentimientos sinceros, personajes vivaces y fuertes."
El famoso crítico de teatro F.A. Kony, famoso por su franqueza y valentía, inmediatamente apreció alta calidad obras de Ostrovsky. Koni consideraba que una de las ventajas de una obra dramática era la simplicidad del contenido, y vio esta simplicidad, elevada al nivel artístico, en las comedias de Ostrovsky en la representación de rostros. Koni escribió, en particular, sobre la obra “Los moscovitas”: “El dramaturgo me hizo enamorarme de los personajes que creó. Me enamoré de Rusakov, Borodkin y Dunya, a pesar de su característica torpeza externa, porque fue capaz de revelar su lado humano interior, que no pudo evitar conmover la humanidad del público. Para la obra “Moscovitas” // Repertorio y panteón de la escena rusa. - 1853. - No. 4. - Pág. 34//Ver. Kotikova P.B. La voz del espectador - un contemporáneo. (F.A. Koni sobre A.N. Ostrovsky)//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 3. - págs. 18-22..
También A.F. Koni señaló el hecho de que antes de Ostrovsky, "ni siquiera los contrastes (psicológicos) están permitidos en la comedia rusa: todos los rostros están en el mismo bloque; todos, sin excepción, son sinvergüenzas y tontos". ¿Cuál es la nacionalidad rusa? // Repertorio y panteón de la escena rusa. - 1853. - No. 4. - P. 3//Ver. Kotikova P.B. La voz del espectador - un contemporáneo. (F.A. Koni sobre A.N. Ostrovsky)//Literatura en la escuela. - 1998. - No. 3. - págs. 18-22..
Por tanto, podemos decir que ya en la época de Ostrovsky los críticos notaron la presencia en su obras dramáticas Psicologismo sutil que puede influir en la percepción que el público tiene de los personajes de las obras.
Cabe señalar que en sus comedias y dramas Ostrovsky no se limitó al papel de acusador satírico. Retrató vívida y comprensivamente a las víctimas del despotismo sociopolítico y familiar, trabajadores, amantes de la verdad, educadores, protestantes de buen corazón contra la tiranía y la violencia. Estos héroes suyos estaban en reino oscuro autocracia con “rayos de luz” que presagiaban la inevitable victoria del juez Lakshin V.Ya. Teatro Ostrovsky. - M.: Arte, 1985, p. 28..
Castigando a los que estaban en el poder, los "opresores", los tiranos con un juicio terrible, simpatizando con los desfavorecidos, dibujando héroes dignos de imitación, Ostrovsky convirtió el drama y el teatro en una escuela de moral social.
El dramaturgo no sólo hizo de los héroes positivos de sus obras personas de trabajo y progreso, portadores de la verdad y la sabiduría del pueblo, sino que también escribió en nombre del pueblo y para el pueblo. Ostrovsky describió en sus obras la prosa de la vida, la gente corriente en circunstancias cotidianas. Pero elevó esta prosa de la vida al marco de tipos artísticos de enorme generalización.
1. A. N. Ostrovsky es uno de los representantes más destacados del teatro realista ruso. Creó su propio estilo especial, que se puede llamar "el teatro de Ostrovsky". A esta escuela también pertenecen algunos otros dramaturgos, por ejemplo A.V. La vida de Ostrovsky estuvo estrechamente relacionada con el teatro: durante muchos años colaboró fructíferamente con el Teatro Maly. Su nombre es importante no sólo para la tradición literaria, sino también para la teatral. 2. El género favorito de Ostrovsky es la comedia. “Según mis conceptos de gracia, considerando la comedia como la mejor forma para lograr objetivos morales y reconociendo en mí la capacidad de percibir la vida principalmente de esta forma, tenía que escribir una comedia o no escribir nada” (Ostrovsky sobre su primera comedia, “En quiebra ”, también conocido como “Nuestra gente, seremos contados”). El elemento cómico está invariablemente presente en aquellas obras de Ostrovsky que no son comedias. En las obras de Ostrovsky, lo divertido se combina orgánicamente con lo sublime, lo grotesco con el patetismo, la comedia cruda con una alta retórica cívica.3. La mayoría de las obras de Ostrovsky representan el mundo ruso patriarcal: comerciantes, Zamoskvoretskoe ("Quiebra") y provinciales ("Tormenta", "Dote"), funcionarios ("Lugar rentable"), terratenientes ("Bosque"), actores ("Bosque" , "Talentos y fans"). A veces, el tema de la obra se convertía en tramas históricas ("Kuzma Minin") o incluso mitológicas ("Snow Maiden").4. El mundo patriarcal se revela, por regla general, desde dos perspectivas: social-tópica y folklore-mitológica. Las primeras obras de Ostrovsky muestran con gran simpatía la vida de los comerciantes provinciales, que conservaron los rasgos de la "antigüedad" prepetrina, una forma de vida y una forma de vida no europeizadas. Obras posteriores representan nuevas tendencias en la vida social (p. ej. Cuando se captura el poder creciente del poder del dinero) y la crisis del mundo patriarcal, el tema de los “tiranos” y las “víctimas” aparece con más frecuencia. Un ejemplo sorprendente de tal tendencia es la obra "La tormenta", donde la visión idealizada y folklore-mitológica del mundo patriarcal ("Vives en la tierra prometida") pertenece al personaje grotesco y caricaturizado: Feklusha.5. Las tramas de las obras de Ostrovsky, por regla general, tienen una estructura simple, situaciones (por ejemplo: los jóvenes buscan su felicidad) y algunas funciones de los personajes, algo así como un papel (por ejemplo: un padre que impide que los jóvenes de reunirse), se conservan de una obra a otra (Kabanikha en "La tormenta" ", Gurmyzhskaya en la comedia "El bosque"). 6. Ostrovsky combina la aparente simplicidad del lenguaje, la influencia del teatro popular y el folclore en general (proverbios en los títulos de muchas obras y el sonido "proverbial" de los comentarios de los personajes) con un sutil juego de subtextos psicológicos y culturales. . 7. En muchas de las obras de Ostrovsky, una ciudad separada (a menudo provincial) se representa como un lugar específico, cerrado y autosuficiente, cuya imagen está mitificada y al mismo tiempo es la encarnación de Rusia. Esta tradición se remonta a Pushkin (el pueblo de Goryukhino), Gogol (Dikanka, Mirgorod, San Petersburgo) y tiene muchos otros ejemplos en la literatura rusa. Un papel similar puede desempeñarlo no una ciudad, sino un pueblo o una parte cerrada y aislada de la ciudad. Así son las ciudades de Kalinov en "La tormenta", Bryakhimov en "La dote", el pueblo de Penki en "El bosque", Zamoskvorechye en las primeras comedias de Ostrovsky.8. En muchas de las obras de Ostrovsky, imágenes simbólicas complejas y multifacéticas ("tormenta", "bosque" y "camino a través del bosque", "lobos y ovejas" en las obras del mismo nombre) y motivos transversales ("pecado ”, “juicio” en “Tormenta”, el motivo del “teatro” en “Bosque”). A menudo, estas imágenes y motivos ya están indicados en los títulos de las obras. 9. En las obras de Ostrovsky, los diálogos de los personajes, creados con gran habilidad poética (individualización verbal de las imágenes de los personajes), son de particular importancia. 10. Las tradiciones del clasicismo en las obras de Ostrovsky se manifiestan en una cierta orientación hacia el didactismo, declaraciones aforísticas de los personajes y la presencia de un héroe-razonador ideológico que expresa la línea del autor.
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Departamento de Educación y Ciencia de la Región de Lipetsk
GOB POU "Facultad de Economía Municipal y Tecnologías Industriales de Lipetsk"
Rabstracto
Vida y originalidad artística de las obras.UN.Ostrovsky
Completado por D.R. Nikitin
“Has donado a la literatura toda una biblioteca de obras artísticas, has creado tu propio mundo especial para el escenario... Te saludo como el creador inmortal de un sinfín de creaciones poéticas, desde “La doncella de las nieves”, “La El sueño del voivoda” hasta “Talentos y admiradores”, inclusive, donde vemos con nuestros propios ojos y escuchamos la vida primordial y verdadera rusa en innumerables imágenes vitales, con su verdadera apariencia, estilo y discurso.
Con estas palabras I.A. Goncharov se dirigió a Alexander Nikolaevich Ostrovsky en 1882, el día de su trigésimo quinto aniversario. actividad literaria gran dramaturgo ruso.
dramaturgia rusa y teatro ruso de los años 30-40 del siglo XIX experimentaron crisis aguda. A pesar de que en la primera mitad del siglo XIX se crearon muchas obras dramáticas (obras de A.S. Griboyedov, A.S. Pushkin, M.Yu. Lermontov, N.V. Gogol), la situación en el escenario dramático ruso siguió siendo deplorable. Muchas obras de los dramaturgos nombrados fueron sometidas a persecución de la censura y aparecieron en escena muchos años después de su creación.
La apelación de los trabajadores del teatro rusos al drama de Europa occidental tampoco ayudó a mejorar la situación. Las obras de los clásicos del drama mundial aún no eran muy conocidas por el público ruso y, a menudo, no existían traducciones satisfactorias de sus obras. Por eso la situación del teatro dramático ruso causó preocupación entre los escritores.
Ostrovsky señaló: “La poesía dramática está más cerca del pueblo que todas las demás ramas de la literatura. Todas las demás obras están escritas para personas educadas, y los dramas y las comedias están escritos para todo el pueblo... Esta cercanía al pueblo no influye en lo más mínimo. degrada el drama, sino que, por el contrario, multiplica su fuerza y no deja que se vuelva vulgar y aplastado".
Comenzó a escribir obras de teatro, conociendo muy bien el teatro de la capital: su repertorio, la composición de la compañía y sus habilidades interpretativas. Esta fue la época del poder casi indiviso del melodrama y el vodevil. Gogol dijo acertadamente sobre las propiedades de ese melodrama que "miente de la manera más descarada". La esencia de un vodevil desalmado, plano y vulgar se revela claramente en el título de uno de ellos, presentado en el Teatro Maly en 1855: “Nos reunimos, nos mezclamos y nos separamos”.
Ostrovsky creó sus obras en oposición consciente al mundo inventado del melodrama romántico protector y la burla llana del vodevil naturalista pseudorrealista. Sus obras actualizaron radicalmente el repertorio teatral, introdujeron en él un principio democrático y dirigieron bruscamente a los artistas hacia los candentes dilemas de la realidad, hacia el realismo.
El mundo poético de Ostrovsky es muy diverso. Los investigadores pudieron contar y revelar que en 47 obras, 728 (sin contar las menores y episódicas) buenos roles para actores de diversos talentos; que todas sus obras representan un vasto lienzo sobre vida rusa en 180 actos, cuyo escenario es la Rusia, en sus puntos de inflexión más importantes a lo largo de dos siglos y medio; que en las obras de Ostrovsky están representadas personas de “varios rangos” y morales, y en una amplia variedad de manifestaciones actuales. Creó crónicas dramáticas, escenas familiares, desastres, fotografías de la vida metropolitana y bocetos dramáticos. Su talento es multidimensional: es un romántico, un escritor cotidiano, un trágico y un comediante...
Ostrovsky no resiste un enfoque unidimensional, unidimensional, por lo tanto, detrás de la brillante manifestación satírica del talento, vemos la profundidad del análisis mental, detrás de la vida viscosa cotidiana reproducida con precisión, vemos un lirismo y un romance estrechos.
Ostrovsky estaba más preocupado por garantizar que todos los rostros fueran relevantes y psicológicamente fiables. Sin esto, podrían perder su confianza artística. Señaló: “Ahora estamos tratando de representar nuestros estándares y tipos, tomados de la vida, de la manera más realista y veraz posible, hasta el más mínimo detalle cotidiano, y lo más importante, consideramos la primera condición del arte en la representación de un determinado tipo es la interpretación correcta de su tipo de expresión, es decir, el lenguaje e incluso la forma de hablar, lo que determina el tono mismo del papel. Ahora la puesta en escena (escenografía, vestuario, maquillaje) está en su lugar. obras cotidianas Ha dado grandes pasos y ha recorrido un largo camino para acercarse gradualmente a la verdad”.
El dramaturgo repitió incansablemente que la vida es más rica que todas las fantasías del artista, que un verdadero pintor no compone nada, sino que se esfuerza por comprender las complejas complejidades de la realidad. “El dramaturgo no compone argumentos”, dijo Ostrovsky, “todos nuestros argumentos están tomados de la vida, de la historia, de la historia de un amigo, a veces de un artículo de periódico. El dramaturgo no debe inventar lo sucedido; escribe cómo sucedió o pudo haber sucedido. Aquí está toda su obra. Cuando llame la atención hacia este lado, aparecerán personas vivas y hablarán por sí mismas”.
Pero la representación de la vida, basada en una reproducción clara de lo real, no debe limitarse únicamente a la reproducción mecánica. "La naturalidad no es la cualidad principal; la principal ventaja es la expresividad, la expresión". Por tanto, podemos hablar con seguridad de un sistema integral de autenticidad real, mental y sensorial en las obras del gran dramaturgo. Ostrovsky dramaturgo
La historia ha dejado interpretaciones escénicas de las obras de Ostrovsky que difieren en su nivel. Hubo fortunas creativas innegables y hubo desgracias absolutas causadas por esto. Que los directores se olvidaron de lo principal: la autenticidad real (y, en consecuencia, sensorial). Y esto principal a veces se revelaba en algún detalle ordinario y, a primera vista, insignificante. Un ejemplo relevante es la edad de Katerina. Y en verdad, ¿importa la edad que tenga el personaje principal? Una de las figuras más importantes del teatro ruso, Babochkin, escribió al respecto: “Si Katerina tiene incluso 30 años fuera del escenario, entonces la obra adquirirá un significado nuevo e innecesario para nosotros. Es necesario encontrarla correctamente. Según Dobrolyubov, la obra capta a Katerina en el momento de la transición de la adolescencia a la madurez. Esto es absolutamente cierto y necesario.
La creatividad de Ostrovsky está estrechamente relacionada con los principios de la "escuela natural", que afirma la "naturaleza" como punto de partida en creatividad artística. No es casualidad que Dobrolyubov llamara a las obras de Ostrovsky "obras de la vida". Al crítico le parecieron una palabra nueva en el drama; escribió que las obras de Ostrovsky “no son comedias de intriga ni comedias costumbristas, sino algo nuevo a lo que se le puede dar el título de “obras de la vida”, si no lo fuera. muy amplio y por tanto no del todo exacto". Hablando de la singularidad de la acción dramática de Ostrovsky, Dobrolyubov señaló: "Queremos decir que en su primer plano siempre hay una situación general de la vida que no depende de ninguno de los personajes".
Esta “situación general de la vida” se encuentra en las obras de Ostrovsky en los hechos más cotidianos y ordinarios de la vida, en las pequeñas configuraciones del alma humana. Hablando de "la vida de este reino oscuro", que se convirtió en el principal objeto de representación en las obras del dramaturgo, Dobrolyubov señaló que "aquí reina una enemistad infinita. Todo está en guerra".
Para definir y reproducir artísticamente esta guerra en curso, se requerían formas completamente nuevas de estudiarla, era necesario, en palabras de Herzen, introducir el uso del microscopio en el mundo moral; En "Notas de un habitante de Zamoskvoretsky" y en "Cuadros de felicidad doméstica", los Ostrovsky dieron por primera vez una imagen fiel del "reino oscuro".
Pero la fiel descripción de la vida y los personajes de Zamoskvorechye traspasó los límites de una descripción meramente "fisiológica", el escritor no se limitó únicamente a una fiel imagen externa de la vida cotidiana; Se esfuerza por encontrar principios positivos en la realidad rusa, que inicialmente se reflejaron en la imagen comprensiva de una persona "pequeña". Así, en "Notas de un habitante de Zamoskvoretsky", el oprimido empleado Ivan Erofeevich pidió: “¡Muéstrame lo amargado que soy, lo desafortunado que soy! ¡Muéstrame en toda mi indignación y diles que soy la misma persona que ellos! son, que tengo un corazón bondadoso y un alma cálida".
Ostrovsky actuó como un continuador de la tradición humanista. Literatura Rusa. Justo detrás de Belinsky Higher aspecto artístico Ostrovsky consideraba artístico el realismo y el nacionalismo. Son inimaginables sin una actitud sobria y crítica ante la realidad y sin la afirmación de un principio popular positivo. "Cuanto más elegante es la obra", escribió el dramaturgo, "cuanto más popular es, más elemento acusatorio contiene".
Ostrovsky creía que un escritor no sólo debía acercarse a la gente mediante el estudio de su idioma, su modo de vida y sus personajes, sino también adquirir nuevas teorías del arte. Todo esto afectó las opiniones de Ostrovsky sobre el drama, que de todos los tipos de literatura es el más cercano a los amplios estratos democráticos de la población. Ostrovsky consideró la comedia como una forma más eficaz y reconoció en sí mismo la capacidad de reproducir la vida en en mayor medida ene sta forma. Mientras tanto, el comediante Ostrovsky continuó la línea satírica del drama ruso, comenzando con las comedias del siglo XVIII y terminando con las comedias de Griboyedov y Gogol.
Debido a su cercanía a la gente, muchos contemporáneos atribuyeron a Ostrovsky al campo eslavófilo. Pero Ostrovsky compartió sólo por un corto tiempo opiniones eslavófilas comunes, expresadas en la idealización de las formas patriarcales de vida rusa. Ostrovsky reveló más tarde su actitud hacia el eslavofilismo como un fenómeno público específico en una carta a Nekrasov: “Tú y yo somos los dos únicos verdaderos poetas populares, somos los únicos dos que lo conocemos, sabemos cómo adorarlo y sentir sus necesidades con nuestros corazones sin el occidentalismo de sillón y el eslavofilismo infantil. Los eslavófilos se han ganado la vida como campesinos arbóreos y se consuelan con ellos. Se pueden hacer todo tipo de experimentos con las pupas, no es necesario comerlas.
Sin embargo, elementos de la estética eslavófila tuvieron cierto impacto positivo en la obra de Ostrovsky. El dramaturgo despertó un entusiasmo inmutable por la vida popular, por la poesía oral, por discurso popular. Trató de encontrar principios positivos en la vida rusa, trató de resaltar lo bueno del carácter del pueblo ruso. Escribió que “para tener derecho a corregir a las personas, debes demostrarle que sabes que es bueno”.
Encontró reflejos del carácter estatal ruso en el pasado, en momentos decisivos de la historia de la Federación Rusa. Los primeros planos de temática histórica se remontan a finales de los años 40. Se trataba de la comedia "Lisa Patrikeevna", basada en acciones de la época de Boris Godunov. La obra quedó inacabada, pero el hecho mismo de la apelación del joven Ostrovsky a la historia indicaba que el dramaturgo intentó encontrar en la historia la respuesta a los problemas modernos.
Una obra histórica, en opinión de Ostrovsky, tiene una ventaja innegable sobre las obras históricas más honestas. Si la tarea del historiador es transmitir "lo que fue", entonces "el poeta dramático indica cómo fue, llevando al espectador al lugar mismo de la acción y haciéndolo partícipe de la acción", señaló el dramaturgo en "Nota sobre el Estado del arte dramático en la Federación de Rusia en la actualidad" (1881).
Esta expresión expresa la esencia misma del pensamiento histórico y artístico del dramaturgo. Esta posición se reflejó más claramente en la dramática crónica "Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk", basada en una minuciosa investigación. monumentos historicos, crónicas, leyendas y tradiciones populares. En la verdadera imagen poética del pasado lejano, Ostrovsky pudo encontrar héroes genuinos que fueron ignorados por el gobierno. ciencia historica y fueron considerados sólo “material del pasado”.
Ostrovsky retrata a las personas como el principal. fuerza motriz la historia como fuerza principal para la liberación de la patria. Uno de los representantes del pueblo es el líder zemstvo de Nizhny Posad, Kozma Zakharyich Minin, Sukhoruk, quien organizó la milicia popular. Ostrovsky ve el gran significado de la era de disturbios en el hecho de que "el pueblo despertó... el amanecer de la liberación aquí en Nizhny se extendió por toda Rusia". Subrayar rol decisivo gente en eventos históricos y la descripción de Minin como un verdadero héroe estatal provocó el rechazo de la dramática crónica de Ostrovsky por parte de los círculos oficiales y la crítica. Las ideas patrióticas de la crónica dramática sonaban muy modernas. El crítico Shcherbin escribió, por ejemplo, que la crónica dramática de Ostrovsky prácticamente no refleja el espíritu de aquellos tiempos, que prácticamente no hay moral en ella, que protagonista Parece un hombre que ha leído mucho sobre el poeta moderno Nekrasov. Otros críticos, por el contrario, querían crear en Minin un predecesor de los zemstvos. "...Ahora todo el mundo está presa de una furia vehemente", escribió Ostrovsky, "y quieren crear un demagogo en Minin. Esto no sucedió, y no estoy de acuerdo en mentir".
Refutando las innumerables críticas de que Ostrovsky era un simple copista de la vida, un “poeta sin estándar” muy imparcial (como dijo Dostoievski), Kholodov escribe que “el dramaturgo, obviamente, tenía su propio punto de vista. el dramaturgo, es decir, un artista que, por la naturaleza misma de su forma de arte elegida, revela su actitud ante la vida no específicamente, sino de manera mediocre, de la forma más imparcial." Los investigadores han demostrado formas impresionantemente diferentes de expresión de la "voz" del autor, de la conciencia del autor en las obras de Ostrovsky. En la mayoría de los casos, no se encuentra abiertamente, sino en los principios mismos de organización del material en las obras de teatro.
La originalidad de la acción dramática en las obras de Ostrovsky determinó la interacción. partes diferentes en la estructura del todo, es decir, la extraordinaria función del fin, que siempre es estructuralmente significativo: no completa el desarrollo de una colisión dramática real, sino que más bien revela la conciencia de la vida del autor. Las disputas sobre Ostrovsky, sobre la conexión entre los principios épicos y dramáticos en sus obras, de una forma u otra, también afectan el dilema del final, cuyas funciones en las obras de Ostrovsky fueron interpretadas de diferentes maneras por los críticos. Algunos pensaron que sí. El final de Ostrovsky suele poner la acción en cámara lenta. Así, un crítico de "Notas rusas" escribió que en "La pobre esposa" el final es el cuarto acto, y no el quinto, que es necesario "para determinar la moral que no se determinó en los primeros 4 actos", y resulta ser innecesario para el desarrollo del acto, porque “la acción ya terminó”. Y en esta discrepancia, la discrepancia entre el “alcance del acto” y la definición de la moral, el crítico vio una violación de las leyes simples del arte dramático.
Otros críticos creían que el final de las obras de Ostrovsky coincide en la mayoría de los casos con el desenlace y no ralentiza en lo más mínimo el ritmo de la acción. Para probar esta tesis, solían recurrir a Dobrolyubov, quien señaló "la necesidad decisiva del final fatal que tiene Katerina en La tormenta". Pero el "final fatal" de la heroína y el final de la obra están lejos de ser conceptos coincidentes. Expresion famosa Pisemsky sobre el último acto de "La pobre esposa" ("El último acto está escrito con pincel de Shakespeare") tampoco puede servir como base para identificar el final y el desenlace, porque Pisemsky no habla de arquitectura, sino de imágenes de la vida. , reproducidas coloridamente por el artista y posteriores en sus obras "una tras otra, como cuadros en un panorama".
La acción en una obra dramática, que tiene límites temporales y espaciales, se relaciona específicamente con la interacción de las situaciones conflictivas iniciales y finales; se mueve dentro de estos límites, pero no está limitado por ellos. A diferencia de obras épicas, el pasado y el futuro en el drama aparecen de una forma especial: la prehistoria de los héroes en su forma específica no puede introducirse en la estructura del drama (sólo puede darse en las historias de los propios héroes), y su siguiente el destino sólo aparece de forma más general en las escenas y pinturas finales.
En las obras dramáticas de Ostrovsky se puede observar cómo se rompe la secuencia temporal y la concentración de un acto: el creador señala directamente períodos de tiempo significativos que separan un acto de otro. Pero esas rupturas temporales se encuentran en la mayoría de los casos en las crónicas de Ostrovsky, que persiguen el objetivo de una épica más que una reproducción dramática de la vida. En los dramas y las comedias, los intervalos de tiempo entre actos ayudan a identificar aquellas facetas de la moral de los personajes que sólo pueden revelarse en situaciones nuevas y modificadas. Interrumpidos por un intervalo de tiempo significativo, los actos de una obra dramática adquieren relativa independencia y se incluyen en la estructura general de la obra como pasos individuales en una acción y un movimiento moral en continuo desarrollo. En algunas de las obras de Ostrovsky ("Los Jokers", "Días oscuros", "El pecado y el fracaso no viven de nadie", "En un lugar animado", "El voivoda", "El abismo", etc.) el aislamiento de un Se logra una estructura de actos relativamente independiente, es decir, el hecho de que en cada uno de ellos se da una lista especial de personajes.
Pero incluso con tal estructura de la obra, el final no puede estar infinitamente distante del clímax y del desenlace; en este caso se romperá su conexión orgánica con el conflicto principal, y el fin ganará independencia sin estar debidamente subordinado a la acción de la obra dramática. Un ejemplo más apropiado de tal organización estructural del material es la obra "El Abismo", último acto que fue presentado a Chéjov en forma de una “obra completa”.
El secreto de la escritura dramática de Ostrovsky no radica en las propiedades unidimensionales de los tipos humanos, sino en el deseo de crear una moral humana plena, cuyas contradicciones y luchas internas sirven como un impulso masivo para el movimiento dramático. Tovstonogov habló perfectamente sobre esta característica de la manera creativa de Ostrovsky, es decir, Glumov de la comedia "La simplicidad es suficiente para todo sabio", un personaje que está lejos de ser perfecto: "¿Por qué Glumov es encantador, aunque comete una serie de malas acciones? " Después de todo, si no nos simpatiza, entonces no hay actuación. Lo que lo hace encantador es su odio hacia este mundo, y justificamos internamente su método para devolverlo.
Buscando una revelación integral de la moral, Ostrovsky parece convertirlas en diferentes facetas, notando los diferentes estados psicológicos de los personajes en nuevos "giros" de la acción. Esta característica de la dramaturgia de Ostrovsky fue notada por Dobrolyubov, quien vio en el quinto acto de "La tormenta" la apoteosis del personaje de Katerina. El desarrollo del estado sensorial de Katerina se puede dividir en varias etapas: la infancia y toda la vida antes del matrimonio: un estado de armonía; su celo por la verdadera felicidad y el amor, su lucha espiritual; el momento de los encuentros con Boris es una lucha con el color de la felicidad febril; un presagio de una tormenta, una tormenta, el apogeo de una lucha desesperada y de la muerte.
El movimiento del personaje desde la situación de conflicto inicial hasta la final, pasando por una serie de etapas mentales designadas con precisión, determinó en The Thunderstorm la similitud en la estructura externa del primer y último acto. Ambos tienen un comienzo similar: se abren con las efusiones poéticas de Kuligin. Las acciones en ambos actos tienen lugar a la misma hora del día: por la noche. Pero los cambios en la alineación de fuerzas opuestas llevaron a Katerina a un final fatal. Fueron enfatizados por el hecho de que la acción en el primer acto tuvo lugar bajo el resplandor moderado del sol del atardecer, en el último, en la atmósfera opresiva del crepúsculo cada vez más profundo. El final de los temas creó una sensación de cierre. Lo incompleto del proceso mismo de la vida y el movimiento de la moral, porque después de la muerte de Katerina, es decir. Después de la resolución del conflicto central del drama, se reveló un cierto cambio nuevo, aunque débilmente expresado, en la conciencia de los héroes (en palabras de Tikhon, por ejemplo), que contiene el potencial de futuros conflictos.
Y en "La pobre esposa" el final exterior representa una cierta parte independiente. El desenlace de "La pobre esposa" no es que Marya Andreevna haya dado su consentimiento para casarse con Benevolensky, sino que ella no renunció a su propio consentimiento. Ésta es la clave para resolver la dificultad del fin, cuya función sólo puede realizarse teniendo en cuenta la estructura general de las obras de Ostrovsky, que se convierten en "obras de la vida". Hablando de los finales de Ostrovsky, podemos decir que una escena excelente contiene más ideas de las que todo el drama puede ofrecer.
En las obras de Ostrovsky se conserva el escenario de un determinado problema artístico, que se demuestra e ilustra con escenas vivas y pinturas. "Ni un solo acto está listo para mí hasta que esté escrito la última palabra del último acto”, señaló el dramaturgo, afirmando así la subordinación interna de todas las escenas y pinturas, dispersas a primera vista, a la idea general de la obra, no limitada por el marco del “círculo estrecho de la vida personal”. .”
Los rostros en las obras de Ostrovsky no se basan en el principio de "uno contra otro", sino en el principio de "cada uno contra cualquiera". De ahí -no sólo la calma épica del desarrollo del acto y la cobertura panorámica de los fenómenos actuales, sino también el carácter multiconflictivo de sus obras- como reflejo típico de la complejidad de las relaciones humanas y la imposibilidad de reducirlas a un único choque. El drama interno de la vida, la tensión interna se convirtió gradualmente en el objeto principal de la imagen.
Los "finales empinados" en las obras de Ostrovsky, al estar estructuralmente ubicados lejos de los finales, no eliminaron las "longitudes", como creía Nekrasov, sino que, por el contrario, contribuyeron al flujo épico de la acción, que duró incluso después de uno de sus ciclos terminaron. Después de la tensión culminante y el desenlace, la acción dramática al final de las obras de Ostrovsky parece estar ganando fuerza nuevamente, esforzándose por alcanzar nuevas elevaciones climáticas. La acción no termina en desenlace, aunque la situación conflictiva final sufre cambios significativos respecto a la inicial. Desde fuera, el final parece abierto y la función del último acto no se reduce a un epílogo. La apertura exterior e interior del fin se convertirá entonces en uno de los rasgos estructurales distintivos del drama psíquico.
La apertura externa e interna del final se reflejó más tarde de manera especialmente clara en las obras dramáticas de Chéjov, que no dio fórmulas ni conclusiones preparadas. Se centró conscientemente en la “perspectiva de pensamientos” que evocaba su trabajo. Por su propia dificultad correspondía a su carácter. realidad moderna, para llegar lejos, obliga al espectador a renunciar a todas las “fórmulas”, reevaluar y reconsiderar casi todo lo que parecía decidido.
"Así como en la vida nos volvemos más conscientes de las personas si vemos el entorno en el que viven", escribió Ostrovsky, "así en el escenario, un entorno veraz nos familiariza inmediatamente con la posición de los personajes y hace que los tipos derivados sean más vívido y comprensible para el público”. En la vida cotidiana, en el entorno externo, Ostrovsky busca apoyos mentales adicionales para revelar la moral de los personajes. Este principio de revelar la moral generó cada vez más escenas y pinturas nuevas, de modo que inmediatamente se creó una sensación de redundancia. Pero, por un lado, su selección decidida hizo que el punto de vista del autor fuera accesible al espectador y, por otro lado, enfatizó la continuidad del movimiento de la vida.
Y como se introdujeron nuevas escenas e imágenes incluso después de que llegara el desenlace del dramático conflicto, ellas mismas brindaron la oportunidad de nuevos giros de acción, que potencialmente contenían conflictos y enfrentamientos futuros. Lo que le sucedió a Marya Andreevna al final de "La pobre esposa" puede considerarse la trama psicológica y situacional del drama "La tormenta". Marya Andreevna se casa con un hombre odioso. Le espera una vida difícil, porque sus ideas sobre su vida futura son catastróficamente inconsistentes con los sueños de Benevolevsky. En el drama "The Thunderstorm", toda la historia del matrimonio de Katerina queda fuera de la obra y sólo se describe en los términos más generales en las memorias de la propia heroína. El creador no repite esta imagen en ningún momento. Pero en “La tormenta” vemos un análisis típico de las consecuencias de la situación final de “La pobre esposa”. Esta conclusión hacia nuevas áreas de análisis se ve facilitada en gran medida por el quinto acto de "La pobre esposa", que no sólo contenía los requisitos previos para futuros enfrentamientos, sino que también los delineaba claramente. La forma estructural del final de Ostrovsky, que en consecuencia resultó inaceptable para algunos críticos, despertó la admiración de otros precisamente por esta razón. Lo que parecía una “obra entera” capaz de vivir una vida independiente.
Y esta conexión, la correlación de las situaciones finales conflictivas de unas obras y las situaciones conflictivas iniciales de otras, combinadas según el principio de un díptico, permite sentir la vida en su continuo fluir épico. Ostrovsky recurrió a tales giros mentales que, en cada momento de su manifestación, miles de hilos invisibles se conectaban entre sí con otros momentos similares o cercanos. Con todo esto, resultó carecer por completo de importancia. Que la cohesión situacional de las obras contradecía el principio cronológico. Cada nueva obra de Ostrovsky parecía crecer sobre la base de lo hecho anteriormente y al mismo tiempo agregaba algo, aclaraba algo de lo hecho anteriormente.
Ésta es una de las principales características de la obra de Ostrovsky. Para asegurarnos de esto nuevamente, echemos un vistazo más de cerca al drama “El pecado y el fracaso no viven de nadie”. La situación inicial de esta obra es comparable a la situación final de la obra "Rich Wives". Al final de este último suenan notas importantes: Tsyplunov ha encontrado a su amada. Él sueña con eso. Que vivirá “alegre y alegremente” con Belesova; en los bellos rasgos de Valentina ve “pureza y claridad infantiles”. Aquí es exactamente donde comenzó todo para otro héroe, Krasnov (“El pecado y el fracaso no viven en nadie”), que no solo soñaba, sino que también se esforzaba por vivir “alegre y alegremente” con Tatyana. Una vez más, la situación inicial queda fuera de la obra y el espectador sólo puede adivinarla. La obra en sí comienza con “momentos ya hechos”; desenreda un nudo que es tipológicamente comparable al esquema final de la obra “Rich Wives”.
Los personajes de diferentes obras de Ostrovsky son psicológicamente comparables entre sí. Chambinago escribió que Ostrovsky refina sutil y exquisitamente su propio estilo “según las categorías mentales de los personajes”: “Para cada personaje, masculino y femenino, se ha forjado un lenguaje especial para concluir que su dueño, como tipo, es un. próximo desarrollo o variación de un tipo ya desarrollado en otras obras. Esta técnica abre habilidades inquisitivas para comprender las categorías mentales concebidas por el creador”. Las observaciones de Chambinago sobre este rasgo del estilo de Ostrovsky están directamente relacionadas no sólo con la repetición de tipos en diferentes jugadas Ostrovsky y, como resultado, hasta una cierta repetición situacional. Calificando el análisis mental de “La pobre esposa” de “erróneamente estrecho”, I.S. Turgenev condena la manera de Ostrovsky de "meterse en el alma de cada uno de los rostros que hizo". Pero Ostrovsky, aparentemente, tenía una idea diferente. Se dio cuenta de que la capacidad de “meterse en el alma” de cada uno de los personajes en una situación mental elegida estaba lejos de agotarse, y muchos años después lo repetiría en “La Dote”.
Ostrovsky no se limita a representar la moralidad en la única situación probable; se refiere a estas costumbres repetidamente. Esto se ve facilitado por imágenes repetidas (por ejemplo, escenas de tormentas en la comedia "The Joker" y en el drama "The Thunderstorm") y los nombres y apellidos repetidos de los personajes.
Así, la divertida trilogía sobre Balzaminov es una construcción en tres partes de situaciones similares relacionadas con los intentos de Balzaminov de encontrar a su esposa. En la obra "Días en blanco" volvemos a encontrarnos con "desconocidos": Tit Titych Bruskov, su esposa Nastasya Pankratievna, su hijo Andrei Titych, la criada Lusha, que apareció por primera vez en la comedia "En la fiesta de otra persona, una resaca". También reconocemos al abogado Dosuzhev, a quien ya conocimos en la obra "Un lugar rentable". También es curioso que estos personajes en diferentes obras aparezcan en roles similares y actúen en situaciones similares. La similitud situacional y caracterológica de las diferentes obras de Ostrovsky nos permite hablar de la similitud de los finales: como resultado, la influencia beneficiosa de personajes virtuosos como el maestro Ivanov ("En la fiesta de otra persona hay resaca"), el abogado Dosuzhev ( "Días oscuros"), Tit Titych Bruskov no solo no resiste, sino que incluso contribuye a la realización de una buena acción: el matrimonio de su descendencia con su amada niña.
En tales finales es fácil discernir una lección oculta: así debe ser. La "irracionalidad aleatoria y visible de los finales" en las comedias de Ostrovsky dependía del material que se convirtió en el objeto de la imagen. “¿De dónde podemos sacar la racionalidad si no está en la vida misma, tal como la describe el creador?” - señaló Dobrolyubov.
Pero esto no fue ni podía ser el caso en la realidad, y esto se convirtió en la base de la acción dramática y la decisión final en obras de un tono más catastrófico que divertido. En el drama "Dowry Girl", por ejemplo, esto se escuchó claramente en las últimas palabras de la heroína: "Soy yo misma... No me quejo de nadie, no me ofendo con nadie".
Al considerar los finales de las obras de Ostrovsky, Markov presta mayor atención a su eficacia escénica. Pero de la lógica del razonamiento del investigador se desprende claramente que bajo vistosidad escénica sólo se refería a medios brillantes y espectaculares externos para terminar escenas y pinturas. Una característica muy significativa de los finales de las obras de Ostrovsky sigue desaparecida. El dramaturgo elabora sus obras teniendo en cuenta la naturaleza de su percepción por parte del espectador. De esta manera, la acción dramática parece trasladarse a su nuevo estado de alta calidad. El papel de los traductores, “transformadores” de un acto dramático, suele llegar a fin de mes, lo que determina su extraordinaria eficacia escénica.
Muy a menudo en los trabajos de investigación se dice que Ostrovsky anticipó la técnica dramática de Chéjov en casi todo. Pero esta conversación a menudo no va más allá de declaraciones y premisas generales. Sin embargo, basta con dar algunos ejemplos de cómo esta disposición adquiere un peso extraordinario. Hablando de polifonía en Chéjov, suelen citar un ejemplo del primer acto de “Tres hermanas” sobre cómo los sueños de las hermanas Prozorov sobre Moscú se ven interrumpidos por los comentarios de Chebutykin y Tuzenbach: “¡Al diablo con esto!” y “¡Naturalmente, tonterías!” Pero una estructura similar de diálogo dramático con aproximadamente la misma carga multifuncional y psicológico-emocional la encontramos mucho antes, en "Pobre esposa" de Ostrovsky. Marya Andreevna Nezabudkina está tratando de aceptar su propio destino, espera poder convertir a Benevolevsky en una persona decente: “Pensé y pensé... ¿pero entiendes lo que se me ocurrió?... me pareció "Me dijo que luego me casaría con él para mejorarlo, para convertirlo en una persona decente". Aunque aquí expresa su vacilación: “¿No es una estupidez, Platon Makarych? ¿No es nada? ¿No es así, Platon Makarych? La creciente vacilación no la abandona, aunque intenta convencerse de lo contrario. “Me parece que seré feliz…” le dice a su madre, y esta frase es como un hechizo. Pero la frase-encantamiento es interrumpida por una “voz de la multitud”: “La otra, madre, es testaruda, le encanta que la complazcan. Esta frase transfiere la atención y los sentimientos de la audiencia a una esfera emocional y semántica completamente diferente.
Ostrovsky era muy consciente de que en mundo moderno la vida se compone de acontecimientos discretos y de hechos que pasan desapercibidos desde el exterior. Con esta conciencia de la vida, Ostrovsky anticipó la dramaturgia de Chéjov, en la que todo lo exteriormente espectacular y significativo queda fundamentalmente excluido. En Ostrovsky, la representación de la vida cotidiana se convierte en la base fundamental sobre la que se construye la acción dramática.
La contradicción entre la ley natural de la vida y la ley inexorable de la vida cotidiana, que desfigura el alma humana, determina la acción dramática, de la que surgieron diferentes tipos de soluciones finales, desde lo cómicamente reconfortante hasta lo irremediablemente trágico. Al final duró el análisis socio-psicológico más profundo de la vida; en los extremos, como en puntos focales, todos los rayos, todos los resultados de las observaciones, convergían, encontrando consagración en la forma didáctica de refranes y refranes.
La descripción de una opción separada, en su propio significado y esencia, traspasó los límites del carácter personal y adquirido. comprensión filosófica vida. Y si es imposible aceptar plenamente la idea de Komissarzhevsky de que la vida de Ostrovsky "está llevada al blanco", entonces con la afirmación de que cada imagen del dramaturgo "adquiere lo más profundo, eterno, significado simbolico", es posible y necesario estar de acuerdo. Tal es, por ejemplo, el destino de la esposa comerciante Katerina, cuyo amor es catastróficamente incompatible con los principios de vida existentes. Pero incluso los defensores de los conceptos de Domostroievski no pueden sentirse tranquilos, porque los mismos Se están derrumbando los cimientos de esta vida, una vida en la que "los vivos envidian a los muertos". Ostrovsky reprodujo la vida rusa en un estado en el que "todo estaba patas arriba". En esta atmósfera de decadencia general, sólo soñadores como Kuligin o los maestros Korpelov. Todavía podemos esperar encontrar al menos una fórmula abstracta para la felicidad y la verdad universales.
Ostrovsky "teje los hilos dorados del romanticismo en el tejido grisáceo de la vida cotidiana, creando a partir de esta combinación un todo sorprendentemente artístico y veraz: un drama realista".
La contradicción irreconciliable entre la ley natural y las leyes de la vida cotidiana se revela en varios niveles caracterológicos: en la parábola poética "La doncella de las nieves", en la comedia "El bosque", en la crónica "Tushino", en los dramas sociales "La dote". , “La Tormenta”, etc. Dependiendo de esto, cambia el contenido y el carácter del final. Personajes centrales No aceptar intensamente las leyes de la vida cotidiana. A menudo, al no ser exponentes de un principio positivo, siguen buscando nuevas soluciones, aunque no siempre donde deberían encontrarse. Al negar la ley establecida, van, a veces inconscientemente, más allá de los límites de lo permisible, cruzando la línea fatal de las reglas simples de la sociedad humana.
Así, Krasnov (“El pecado y el fracaso viven en cualquiera”), al afirmar su propia felicidad, su propia verdad, rompe decisivamente la esfera cerrada de la vida establecida. Defiende su verdad hasta el desastroso final.
Entonces, enumeremos brevemente las características de las obras de Ostrovsky:
Todas las obras de Ostrovsky son profundamente realistas. Realmente reflejan la vida. Gente rusa Mediados del siglo XIX, también una historia de tiempos convulsos.
Todas las obras de Ostrovsky crecieron sobre la base de lo que se hizo anteriormente y se combinaron según el principio de un díptico.
Los personajes de diferentes obras de Ostrovsky son psicológicamente comparables entre sí. Ostrovsky no se limita a representar la moral en la única situación probable; se refiere a estas costumbres repetidamente.
Ostrovsky es el creador del género del drama mental. En sus obras se puede observar no sólo el conflicto externo, sino también el interno.
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Para 1847 – 1886 Alexander Nikolaevich Ostrovsky (ver su resumen y biografía en nuestro sitio web) escribió unas cuarenta obras en prosa y otras ocho en verso blanco. Todos tienen diferentes méritos, pero en conjunto representan sin duda la colección de obras dramáticas más notable que existe en lengua rusa. Griboyedov y Gogol escribieron obras magníficas y completamente originales, y su genio superó a Ostrovsky, pero fue Ostrovsky quien estaba destinado a crear la escuela de teatro rusa, el teatro ruso digno de estar al lado de teatros nacionales West, si no como un igual, sí como comparable a ellos.
Retrato de Alejandro Nikolaevich Ostrovsky. Artista V. Perov, 1871
Las limitaciones del arte de Ostrovsky son obvias. Sus obras (con algunas excepciones) no son ni tragedias ni comedias, sino que pertenecen al género dramático medio y bastardo. plan dramático La mayoría de ellos, sacrificados al método del "rebano de vida", carecen de la sólida consistencia del arte clásico. Salvo contadas excepciones, no hay poesía en sus dramas, e incluso donde está presente, como en Tormenta Esta es la poesía de la atmósfera, no las palabras y la textura. Ostrovsky, aunque es un maestro asombroso del diálogo típico e individualizado, no es un maestro del lenguaje en el sentido en que lo fueron Gogol y Leskov. En cierto sentido, incluso su arraigo en suelo ruso es limitado, porque sus obras son siempre estrechamente locales y no tienen un significado universal. Si no fuera por esta limitación, si hubiera sido universal sin dejar de ser nacional, su lugar habría estado entre los más grandes dramaturgos.
ruso literatura del siglo XIX siglo. Alejandro Nikolaevich Ostrovsky. Videoconferencia
Sin embargo, la amplitud, alcance y diversidad de su visión de la vida rusa son casi ilimitadas. Es el menos subjetivo de los escritores rusos. Sus personajes no son en modo alguno una emanación del autor. Estos son reflejos genuinos del "otro". No es un psicólogo y sus personajes no son los de Tolstoi, a cuyo mundo interior nos lleva la poderosa fuerza de la intuición del autor: son simplemente personas tal como las ven los demás. Pero este realismo superficial no es el realismo externo y pintoresco de Gogol y Goncharov, es un realismo verdaderamente dramático, porque representa a las personas en sus relaciones con otras personas, que es la forma más simple y antigua de caracterización, aceptada tanto en la narrativa como en el drama. - mediante palabras y acciones; Sólo aquí este método se enriquece con una enorme abundancia de detalles sociales y etnográficos. Y, a pesar de esta superficialidad, los personajes de Ostrovsky tienen individualidad y singularidad.
Estas observaciones generales se aplican principalmente a las primeras y más características obras de Ostrovsky, escritas antes de 1861 aproximadamente. Las tramas de estas obras están tomadas, por regla general, de la vida de los comerciantes provinciales y de Moscú y de los estratos más bajos de la burocracia. La imagen amplia y diversa de la vida no europeizada de los comerciantes rusos en el Antiguo Testamento impresionó sobre todo a los contemporáneos de Ostrovsky en su obra, porque estaban interesados en la realidad encarnada en la creatividad literaria, y no en su transformación en arte. Los críticos de la década de 1850 derramaron mucha tinta, aclarando la actitud de Ostrovsky hacia los comerciantes rusos del Antiguo Testamento. Él mismo proporcionó abundante alimento para tales discusiones y para cualquier interpretación, porque sus simpatías artísticas se distribuyen de manera diferente en diferentes obras. Cualquier interpretación, desde la idealización más entusiasta del conservadurismo inquebrantable y el despotismo patriarcal hasta la furiosa denuncia de los comerciantes como un reino oscuro incorregible, podría encontrar apoyo en el texto de sus obras. La verdadera actitud de Ostrovsky ante todo esto simplemente no fue siempre la misma; la posición moral y social eran para él circunstancias esencialmente secundarias. Su tarea consistía en construir obras a partir de elementos de la realidad tal como él la veía. Las cuestiones de simpatía y antipatía eran para él una cuestión de pura técnica, de conveniencia dramática, porque, aunque era un "antiartista" y un realista, sentía muy profundamente aquellas leyes internas según las cuales, y no según las leyes de la vida, tuvo que construir cada nueva obra. Así, para Ostrovsky, la valoración moral del padre de familia comerciante, que tiraniza a sus seres queridos, dependía de su función dramática en esta obra. Pero aparte de esto, es extremadamente difícil hacerse una idea de la cosmovisión social y política de Ostrovsky. Era el más objetivo e imparcial de los escritores, y la interpretación que su amigo y propagandista Apolo Grigoriev da a sus obras -“deleite desenfrenado por las fuerzas orgánicas de la vida nacional inmaculada”- es tan ajena al verdadero Ostrovsky como el antitradicional. y la propaganda revolucionaria que sacó de la cual Dobrolyubov.
Técnicamente, las obras más interesantes de Ostrovsky son las dos primeras: Arruinado(escrito entre 1847 y 1849 y publicado con el título Nuestra gente - contemos en 1850) y pobre novia(publicado en 1852 y puesto en escena en 1853). El primero fue el comienzo más sorprendente y sensacional de la actividad del joven autor que jamás haya ocurrido en la literatura rusa. Gógol en Casamiento dar ejemplo de una imagen característica del entorno mercantil. En particular, el tipo de casamentero que practicaban los comerciantes ya era ampliamente utilizado. Al retratar sólo personajes desagradables, Ostrovsky siguió los pasos de Gogol en Inspector. Pero fue aún más lejos y descartó la más venerable y antigua de las tradiciones cómicas: la justicia poética que castiga el vicio. El triunfo del vicio, el triunfo del más descarado de los personajes de la obra, le da una nota especial de atrevida originalidad. Esto es precisamente lo que indignó incluso a viejos realistas como Shchepkin, quien encontró la obra de Ostrovsky cínica y sucia. El realismo de Ostrovsky, a pesar de la evidente influencia de Gogol, es esencialmente lo contrario de él. Es ajeno a la expresividad por el bien de la expresividad; no cae ni en la caricatura ni en la farsa; se basa en un conocimiento profundo, profundo y de primera mano de la vida descrita. El diálogo busca la verdad de la vida y no la riqueza verbal. La capacidad de utilizar un lenguaje realista discretamente, sin caer en lo grotesco, es una característica esencial del arte de los realistas rusos, pero en Ostrovsky alcanzó la perfección. Finalmente, la construcción no teatral de las obras es completamente antigogoliana y, abandonando conscientemente todos los trucos y cálculos para lograr el efecto escénico, Ostrovsky alcanza la cima desde el principio. Lo principal en la obra son los personajes, y la intriga está completamente determinada por ellos. Pero los personajes se tienen en cuenta. aspecto social. No se trata de hombres y mujeres en general, sino de comerciantes y empleados moscovitas que no pueden separarse de su situación social.
EN en bancarrota Ostrovsky demostró casi plenamente la originalidad de su técnica. En su segunda obra, fue más allá en la dirección de la desteatralización del teatro. pobre novia tanto en tono como en atmósfera no se parece en nada a Bankruta. El ambiente aquí no es de comerciantes, sino de pequeños burócratas. El sentimiento desagradable que evoca se redime con la imagen de la heroína, una chica fuerte que no es más baja y mucho más vivaz que las heroínas de Turgenev. Su historia tiene un final característico: después de que su pretendiente romántico ideal la abandona, ella se somete al destino y se casa con el exitoso patán Benevolensky, quien es el único que puede salvar a su madre de la ruina inevitable. Cada personaje es una obra maestra, y la capacidad de Ostrovsky para construir la acción enteramente sobre los personajes es máxima aquí. Pero el último acto es especialmente notable: una audaz innovación técnica. la obra termina escenario de masas: la multitud está discutiendo el matrimonio de Benevolensky, y aquí se introduce una nota sorprendentemente nueva con la aparición de su antigua amante entre la multitud. La moderación y el contenido interior de estas últimas escenas, en las que los personajes principales apenas aparecen, fueron verdaderamente una palabra nueva en el arte dramático. La fuerza de Ostrovsky para crear una atmósfera poética se manifestó por primera vez en el quinto acto. pobre novia.
Ostrovsky nunca se detuvo y siempre continuó buscando nuevas formas y métodos. En sus últimas obras ( sin dote, 1880) probó un método más psicológico para crear personajes. Pero, en general, sus últimas obras indican un cierto agotamiento de las fuerzas creativas. En el momento de su muerte dominaba el escenario ruso por la gran cantidad de sus obras. Pero los herederos que dejó eran personas corrientes y poco creativas, capaces sólo de escribir obras de teatro con “papeles agradecidos” para excelentes actores y actrices criados en la escuela de Shchepkin y Ostrovsky, pero incapaces de continuar la tradición viva del drama literario.