Galería Real Mauritshuis (en holandés Mauritshuis, literalmente la casa de Moritz) es una galería de arte en La Haya, Países Bajos.

Entre 1636 y 1641 se construyó un pequeño palacio cerca del Binnenhof. Gobernador del Brasil holandés, Moritz de Nassau-Siegen, diseñado por los arquitectos Jacob van Kampen y Peter Post. En 1704 el palacio se incendió y posteriormente fue restaurado, pero sin la cúpula.

En 1820, el Reino de los Países Bajos compró la casa de Moritz para albergar la colección real de arte y antigüedades. El museo abrió sus puertas dos años después. Desde 1875 es una galería de arte con una pequeña pero seleccionada colección de pinturas. artistas holandeses"Edad de Oro" - Johannes Vermeer, Rembrandt van Rijn, Jan Steen, Paulus Potter y Frans Hals. También se exponen varias obras de Holbein el Joven.

Rembrandt (medio ambiente) - Retrato de Rembrandt a la edad de 23 años, c. 1629, 37,9 cm x 28,9 cm, Óleo sobre madera

La Mauritshuis siguió siendo un museo estatal hasta que fue transferida a una fundación especializada en 1995. Hoy en día es uno de los museos más visitados de los Países Bajos.

La perla del museo es una colección de obras de pintores holandeses del siglo XVII. Pero además el Museo de La Haya tiene algo de qué enorgullecerse: también posee obras de representantes de la “edad de oro” flamenca: el XV.

La colección es comparable a un collar de perlas, porque cada cuadro es un ejemplo de la más alta artesanía, aunque el número de obras es pequeño.
Pero incluso entre las perlas pintorescas se destacan algunos ejemplares únicos: "Lección de anatomía" de Rembrandt, "Retrato de una niña con un pendiente de perla" o "Paisaje de Delft" de Vermeer: ​​son obras maestras de la colección de arte mundial.

Vermeer van Delft, Johannes - La muchacha del pendiente de perla, ca. 1665, 44,5 cm x 39 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Autorretrato, 1669, 63,5 cm x 57,8 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Estudio de un anciano (el padre de Rembrandt), c. 1630-31, 46,9 cm x 38,8 cm, óleo sobre madera

Rembrandt - Estudio de una anciana (la madre de Rembrandt), c. 1630-35, 18,2 cm x 14 cm, óleo sobre madera

Mauritshuis: Rembrandt (círculo) - Viajeros en reposo

Rembrandt - Andrómeda, ca. 1631, 34 cm x 24 cm, madera, aceite

Mauritshuis: Rembrandt (círculo) - Minerva

Rembrandt - Homero, 1663, 107 cm x 82 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Dos moros, 1661, 77,8 cm x 64,4 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Canción (Himno) de Simeón, 1631, 60,9 cm x 47,9 cm, óleo sobre madera

Rembrandt - Retrato de un anciano, 1650, 80,5 cm x 66,5 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Retrato de un anciano, 1667, 81,9 cm x 67,7 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt - Hombre sonriente, ca. 1629-30, 15,4 cm x 12,2 cm, cobre, aceite.

Rembrandt - La lección de anatomía del Dr. Nicholas Tulp, 1632, 169,5 cm x 216,5 cm, óleo sobre lienzo

Rembrandt (taller) - Saúl y David, c. 1650-55, 130 cm x 164,5 cm, óleo sobre lienzo

Vermeer van Delft, Johannes - Diana y sus ninfas, c. 1653-54, 97,8 cm x 104,6 cm, óleo sobre lienzo.

Vermeer, Johannes - Vista de la ciudad de Delft, ca. 1660-61, 96,5 cm x 115,7 cm, óleo sobre lienzo

Mauritshuis: Vermeer, Jan - Vista de Delft, 1660-61

"Vermeulen, Jan - Naturaleza muerta con libros, globo terráqueo e instrumentos musicales, ca. 1660, 30 cm x 38,5 cm, óleo sobre madera

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Paisaje al borde de las dunas

Mauritshuis: Vermeer van Haarlem, Jan - Patio campesino en las dunas

Steen, Jan - Mujer cisterciense (monja) jugando, ca. 1662-65, 31 cm x 27,5 cm, óleo sobre madera

Steen, Jan - Como se escucha, así se canta, está bien. 1663-65, 134 cm x 63 cm, óleo sobre lienzo

Steen, Jan - Si eres un cerdo, deberías estar en un establo (Mujeres Borrachas), está bien. 1673-75, 86 cm x 72 cm, óleo sobre lienzo

Mauritshuis: Sten, Jan - Vida humana

Mauritshuis: Sten, Jan - Viejos haciendo ponche de huevo

Mauritshuis: Sten, Jan - Chica comiendo ostras

Mauritshuis: Sten, Jan - Adivino

Mauritshuis: Sten, Jan - Baile country en la taberna

Mauritshuis: Sten, Jan - Moisés y la corona del faraón

Mauritshuis: Sten, Jan - Visita al médico

Mauritshuis: Sten, Jan - Retrato de supuestamente Maria van Wassenaar (1654-1683), o tribunal avícola

Mauritshuis: Sten, Jan - Mordedor

Mauritshuis: Sten, Jan - Niña enferma

Mauritshuis: Potter, Paul - Vacas reflejadas en el agua, 1648

Mauritshuis: Potter, Paul - Una manada en la pradera, 1652

Mauritshuis: Potter, Paul - Toro, 1647

Mauritshuis: Hals, Frans - El niño que ríe, 1625

Mauritshuis: Hals, Frans - Retrato de un hombre, 1660

Mauritshuis: Holbein, Hans II - Retrato de Robert Cheeseman (1485-1547), 1533

Avercamp, Hendrick - Diversión sobre hielo, ca. 1610, 36 cm x 71 cm, madera, aceite

Backer, Jacob Adriaensz - Pastor con flauta, posiblemente un autorretrato, c. 1637, 52,2 cm x 40,8 cm, óleo sobre madera

Baen, Jan de - Glorificación de Cornelis de Witt (1623-1672), como ganador de la batalla de Chatham en 1667, c. 1667-70, 66 cm x 100 cm, óleo sobre lienzo

Barbari, Jacopo de (atribuido) - Retrato de Hendrik, conde de Mecklemburgo (1479-1552), 1507, 59,3 cm x 37,5 cm, óleo sobre madera

Beest, Sybrand van - Mercado del cerdo, 1638, 44 cm x 68 cm, óleo sobre madera

Bega, Cornelis Pietersz - Taberna del pueblo, 1658, 47 cm x 58 cm, óleo sobre lienzo

Berchem, Nicolaes Pietersz - La infancia de Zeus, 1648, 202 cm x 262 cm, óleo sobre lienzo

Berchem, Nicolaes Pietersz, Weenix, Jan Baptist - La vocación de Mateo, c. 1657, 98,2 cm x 120,8 cm, Óleo sobre madera

Berghe, Christoffel van den - Paisaje invernal, ca. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, cobre, aceite

Berghe, Christoffel van den - Paisaje de verano, ca. 1615-20, 11,5 cm x 16,5 cm, cobre, aceite

Beuckelaer, Joachim - Escena de cocina con Cristo en Emaús, c. 1560-65, 109,5 cm x 169 cm, óleo sobre madera

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Naturaleza muerta con frutas y artículos de lujo, ca. 1655, 98 cm x 76 cm, madera, aceite

Beyeren, Abraham Hendriksz Van - Naturaleza muerta lujosa, ca. 1655, 99,5 cm x 120,5 cm, óleo sobre lienzo

Bloemaert, Abraham - Dioses en las bodas de Peleo y Tetis, 1638, 193 cm x 164,5 cm, óleo sobre lienzo

Bloemaert, Abraham - Teágenes recibiendo una rama de palma de Cariclea, 1626, 157,2 cm x 157,7 cm, óleo sobre lienzo

Borch, Gerard ter - Carta, ca. 1655, 39 cm x 29,5 cm, Óleo sobre madera

Ambos, Jan - Paisaje italiano, c. 1645, 108,2 cm x 125,8 cm, óleo sobre lienzo

Bray, Jan de - Adoración de los pastores, 1665, 63 cm x 48 cm, óleo sobre madera

Breenbergh, Bartholomeus - Paisaje con ninfas cazadoras y Diana, 1647, 37,8 cm x 50 cm, óleo sobre madera

Brekelenkam, Quiringh Gerritsz - Anciana haciendo sangría, ca. 1660, 48 cm x 37 cm, madera, aceite

Brouwer, Adriaen - Lucha campesina, ca. 1625-26, 25,5 cm x 34 cm, óleo sobre madera

Brueghel de Oude, Jan - Jarrón con flores, ca. 1610-15, 42 cm x 34,5 cm, óleo sobre madera

Inicialmente, las obras fueron creadas en técnica de acuarela. Posteriormente se añadió acrílico. La última serie de obras son en su mayoría acrílicas. El artista comenzó a pintar cuadros cálidos, y a veces incluso calientes, con acrílico. Algunas obras parecen estar pintadas en técnica mixta. Y acuarela, acrílico y pastel V. Heijenraets es un artista impresionista. Las obras de Willem están impregnadas de aire, color, ternura, ligereza, rodeadas de un ambiente especial de acuarela de relajación, paz y libertad...sitio web...

Willem Haenraets

nacido en octubre de 1940 en Rotterdam

A los 16 años ingresó en la Academia de Arte de Amberes. Los profesores de la academia rápidamente notaron el talento evidente del joven talento y lo alentaron de todas las formas posibles. crecimiento creativo. Cuatro años más tarde, desde el momento en que ingresó a la academia, Willem Haenraets comenzó a recibir una beca estatal del gobierno belga y pudo continuar su educación en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Amberes. Allí pronto tuvo su propio taller. Willem Haenraets estudió con los eminentes profesores Sarina y Vaarten. Los artesanos experimentados se alegraron de que estuviera creciendo un reemplazo digno y contribuyeron de todas las formas posibles al ascenso de William. En él vieron una continuación de las tradiciones de la escuela belga-holandesa. En los mismos años tuvo lugar la primera exposición. joven artista. Con el dinero obtenido se compró una moto con la que posteriormente viajó a muchos lugares pintorescos de la zona, especialmente a la zona del puerto de Amberes. Aquí conoció a uno de los armadores ricos, con la ayuda de quien Willem comenzó a pintar muchos retratos por encargo. Cuando el cliente murió, William se fue a París durante varios meses. En la plaza de la ciudad, Place de Tetre, pintó retratos desde la mañana hasta la noche y finalmente pudo comprarse una casa en la ciudad de Bergen (en Holanda). Posteriormente se instaló allí con su primera esposa Hannah. En esta época se pintaron una gran cantidad de cuadros que se vendieron en salones de arte y galerías. Pronto ocurrió una gran desgracia: Hannah murió en un accidente, dejando a su marido solo con un niño de seis semanas durante estos años. , La vida de William perdió el orden. Pero al final decidió regresar a su Herpen natal, donde se instaló en el pequeño castillo Kasteel Terworm, sumergiéndose en el trabajo. Vendió sus obras en Holanda y Alemania.

A finales de los 70, el artista encontró a su segunda esposa, que ya tenía una hija pequeña. Posteriormente tuvieron un hijo. Durante este período, William comenzó a publicar sus obras. Esto marcó una gran diferencia en su vida económicamente y en términos de participación en ferias y exposiciones de arte. Hubo invitaciones periódicas a exposiciones en Estados Unidos e Inglaterra. Sus originales se han exhibido en una galería de Beverly Hills y se han mostrado litografías de su trabajo en exposiciones. Como resultado, las actividades expositivas le dieron al pintor fama mundial. La exposición en Nagoya (que está en Japón) fue un gran éxito. A los japoneses les gustó mucho el estilo del artista, sus colores suaves y su humor romántico. Durante este período, el artista se hizo cercano al propietario de la galería Stokstraat en Maastricht. Juntos realizaron maravillosas exposiciones en la Galería Renoir cada dos años. Sin embargo, debido a la enfermedad del galerista, esta colaboración terminó.

2000

Durante estos años, Willem Haenraets compró una casa en España, en el municipio de Hondón de las Nieves. La administración le pidió que presentara sus cuadros en la Casa de la Cultura de la ciudad. El artista menciona este evento como muy agradable.

William trabaja actualmente con una editorial que representa su trabajo en todo el mundo en forma de carteles y litografías de alta calidad. El artista vende originales él mismo y a través de galerías.

En 2009, Willem Haenraets fue invitado por el comité de la Biennale Internazionale Della Arte Contemporanea a participar en esta famosa exposición. El propio artista considera esta participación su gran éxito.

Arte de Holanda, Países Bajos y Flandes

Frans Hals. Retrato de un hombre. Alrededor de 1635

Jan Van Eyck (1390-1441) La Virgen y el Niño entronizados en el templo. Tríptico 1437. Tablero de roble, óleo. Parte central - 27,5x21,5, lateral - 27,5x8

Esta obra de pequeño tamaño es una verdadera obra maestra del arte holandés del siglo XV. En la parte central del tríptico se encuentra la Virgen María y el Niño en el lujoso interior de una catedral gótica, sentados en un magnífico trono tallado entre dos filas de columnas multicolores de jaspe y mármol.

La puerta izquierda representa al Arcángel Miguel (“líder del ejército celestial”), vestido con una cota de malla y armado con un escudo, una lanza y una espada. Presenta al donante, cliente del tríptico, a la Virgen y al Niño. Se desconoce el nombre del hombre, se supone que es de la familia genovesa de Giustiniani. En el ala derecha está Santa Catalina de Alejandría con los atributos tradicionales, los “instrumentos” de su martirio: una espada en la mano y una rueda de tormento a sus pies.

El texto que figura en el tríptico es de gran importancia. Estas son citas de la Biblia y otras máximas latinas. El bebé sostiene un mensaje con el texto, el llamado paquete: “Aprended de mí, que soy manso y humilde de corazón”. Hay inscripciones en los marcos originales de todas las partes del cuadro; en la barra inferior del panel central está escrito en latín: “Johannes de Eyck terminó y terminó en el año del Señor 1437. Como lo hice yo”. ¡Estas palabras estuvieron disponibles para lectura recién en 1958, casi 520 años después de la creación del tríptico! Hasta ese momento se creía que la obra pertenecía a una época anterior de la obra del maestro.

Las reducidas dimensiones de la obra permitieron al propietario transportarla. La técnica del artista llama la atención por su filigrana: se pintan los detalles más pequeños, que sólo se pueden ver a través de una lupa. Al mismo tiempo, la ampliación no revela ni un solo trazo incierto ni el más mínimo error en el dibujo.

Peter Paul Rubens (1577–1640) El regreso de Diana de la caza alrededor de 1615. Óleo sobre lienzo. 136x184

En 1608, Rubens, al regresar de Italia a Amberes, trajo consigo un interés por el patrimonio del arte y la literatura antiguos, que no se desvaneció en él a lo largo de su vida y se convirtió en la piedra angular de su creatividad y su pensamiento sobre el arte. Usó temas de la mitología griega y romana para muchas de sus pinturas, especialmente las por encargo.

La diosa Diana resultaba sumamente atractiva para Rubens, ya que el mito sobre ella combinaba con la antigüedad otro de sus temas favoritos: la caza. El interés del pintor fue alimentado por sus mecenas reales y aristocráticos: la caza era privilegio exclusivo de estos círculos. El artista creó una serie de pinturas de caza de gran formato, muchas de las cuales se basan en una trama antigua.

A diferencia de otras pinturas en las que el maestro transmite el patetismo de la lucha, en esta pintura su atención se centra en la belleza de la antigua cazadora de diosas. Diana, defensora de la pureza femenina, se encuentra con sus compañeras frente a un grupo de sátiros que, por cierto, representan para Rubens otro polo de intereses: todo lo relacionado con las bacanales. La Lanza de Diana delimita claramente estos dos grupos, dos mundos. Qué diferente es la apariencia de sus participantes: entre los sátiros hay criaturas con patas de cabra salvajes en su pasión, rodeadas por Diana, quien irradia el encanto de la naturaleza femenina, sus compañeras divinamente hermosas. Los sátiros muestran abundante fruta, insinuando el gran vino que elaborarán en el futuro. A su vez, Diana tiene pájaros y una liebre (símbolos de los placeres sensuales), que mató mientras cazaba. EN sentido simbólico expresan su negación de los placeres ofrecidos.

Los artistas holandeses del siglo XVII, a veces con una especialización limitada, a menudo atraían a sus colegas cuando era necesario representar en una pintura algo en lo que no eran lo suficientemente fuertes. Así, las frutas y animales del lienzo presentado fueron pintados por Frans Snyders, famoso por sus naturalezas muertas e imágenes de animales similares.

Peter Paul Rubens Betsabé en la Fuente 1635. Óleo sobre tabla de roble. 175x126

Rubens creó una gran cantidad de pinturas basadas en temas bíblicos. Para comprender la obra aquí presentada es necesario conocer la historia bíblica, y el ingenio del artista para transmitir sus detalles es sorprendente. Una vez el rey David “caminó sobre el tejado de la casa del rey y vio a una mujer bañándose desde el tejado; y esa mujer era muy hermosa”. Esta era Betsabé, la esposa de Urías el hitita. En la esquina superior izquierda del lienzo, la figura del rey David apenas es visible en el techo del palacio, y Rubens mostró a Betsabé detrás del baño en la plataforma que conduce a la piscina. David la sedujo y Urías la envió a una muerte segura.

Una hermosa joven llama la atención; Rubens fue un gran maestro en la representación del cuerpo femenino y creó su propio canon de belleza. Mientras tanto, no podemos dejar de admirar el ingenio con el que la artista transmite los sutiles momentos emocionales de esta escena: la mirada sorprendida de Betsabé, que no esperaba recibir una carta de manos del chico negro que le envió (está claro que la carta sólo puede ser una carta de amor), la reacción del perro, que le enseñó los dientes al mensajero y sospechó que algo andaba mal (un perro sentado a los pies de una mujer en el sistema de símbolos del retrato renacentista y barroco personificaba la fidelidad conyugal ). ¡Y con qué delicias se representan las figuras femeninas, el agua que fluye, la ropa y el paisaje arquitectónico!

Peter Paul Rubens Caza del jabalí 1615-1620. Madera, óleo. 137x168

En las obras de Rubens sobre el tema de la caza se pueden distinguir dos fases de la creatividad. Las pinturas del primer período, que duró hasta 1620, al que pertenece la "Caza del jabalí" presentada, se caracterizan por un esquema compositivo centrípeto y diagonal, en el que actúan fuerzas desenfrenadas en ambos lados. Obras posteriores desarrollan una composición característica de un friso, es decir, la acción en ellas se muestra en una perspectiva horizontal, paralela al plano del cuadro. En el primer caso, se enfatiza la culminación de la caza, cuando el animal es alcanzado y derrotado, en el segundo, el proceso de captura. Y si las obras del primer período demuestran la victoria de los cazadores sobre un depredador feroz, las pinturas del segundo muestran la persecución de un animal indefenso.

El cuadro de Dresde es, en cuanto a su contenido, mucho más que una simple escena de búsqueda de género. Claramente “brilla” mito antiguo sobre la caza de Caledonia, aquella en la que Meleagro mata al jabalí de Calidón con una lanza (este mito es descrito por Filostrato el Joven en el capítulo 15 de sus “Pinturas”). Todos los participantes en la historia están representados aquí: el jabalí se encuentra debajo de un árbol en un denso círculo de cazadores y perros que ladran enojados. Atalanta acaba de disparar su flecha; La lanza de Meleagro atraviesa a la bestia. Un hombre muerto yace cerca del jabalí. Este tema es utilizado por muchos artistas flamencos para sus pinturas que representan la caza en un paisaje forestal. En Rubens, la furia de la lucha, la tensión física y espiritual se llevan a la máxima intensidad.

Jan Brueghel el Viejo (1568-1625) Paisaje fluvial con leñadores 1608. Óleo sobre tabla. 47x46

Antiguamente era costumbre heredar el trabajo de los padres, especialmente las profesiones creativas. Hay famosas dinastías de artistas, escultores y compositores. La dinastía Bruegel es una de las más importantes de la historia de la pintura. Por lo general, en estas familias la figura principal se eleva por encima de todos: por ejemplo, en la familia Bach, Johann Sebastian, y en la familia Bruegel, Pieter Bruegel el Viejo.

Jan Brueghel el Viejo (el Viejo, ya que posteriormente apareció otro Jan en la familia, respectivamente, el Joven) recibió el sobrenombre de "Velvet" debido al color especial de su pintura. Curiosamente, la Galería de Dresde alberga cinco pinturas del maestro, pero no hay obras ni del jefe de la dinastía ni de sus otros representantes. Esto se explica hasta cierto punto por el hecho de que, aunque Jan era inferior en talento a su padre, su estatus oficial era mayor: era el artista de la corte del archiduque Alberto. En consecuencia, las obras del maestro se guardaron en los aposentos reales, desde donde les resultó más fácil acceder a otras colecciones augustas.

Jan Brueghel el Viejo escribió en diferentes generos- paisajes, naturalezas muertas (principalmente flores y animales), pinturas de pequeñas figuras sobre temas bíblicos, mitológicos y alegóricos. La pintura presentada es uno de los ejemplos de su pintura de paisaje. La obra demuestra claramente la conexión genética entre la pintura de Jan Brueghel y el arte de su padre. Inevitablemente surge una comparación con el cuadro de Pieter Bruegel “Paisaje con la caída de Ícaro” (hacia 1558, Museo Real Bellas Artes, Bruselas), escrito 50 años antes de esta obra. Están construidas de forma similar: la línea ondulada de la frontera entre mar y tierra divide las composiciones en dos partes. En ambos casos seleccionados punto álgido, a partir del cual se pinta un paisaje lleno de escenas de género, lo que permite una amplia perspectiva. Aquí es donde quizás terminan las similitudes: la pintura del padre está llena de intensidad dramática, mientras que la del hijo es solo un paisaje. Y la diferencia no está en la trama, sino en la psicología: el arte del padre refleja su espíritu inquieto, mientras que el carácter del hijo está libre de conflictos.

Jan van Goyen (1596-1656) Invierno en el río. B/g. Madera, óleo. 68x90.5

Los investigadores notan un rasgo característico del estilo del artista que atrae la atención del espectador promedio: el horizonte en las pinturas del artista está bastante bajo, por lo tanto, el cielo ocupa aproximadamente dos tercios del área del lienzo. Esto probablemente se explica por el hecho de que el estado del cielo, ya sea despejado o con distintos grados de nubosidad, tiene una influencia extraordinaria en el color visible de la gran extensión de agua que, por regla general, el pintor representaba y ganó fama por ello. Aunque la obra presentada no representa el mar, sino un río invernal cubierto de hielo, el cielo sigue desempeñando un papel muy importante. En las obras de Goyen nunca es azul claro o celeste, sino que siempre está cubierto de nubes. Los lienzos del artista están realizados de forma pictórica monocromática. Generalmente se representan días nublados y con niebla.

Meindert Gobbema (1638-1709) Molino de agua. B/g. Roble, óleo. 59,5x84,5

En el siglo XVII, Jacob van Ruisdael dominó la pintura de paisajes holandesa junto con Rembrandt. De los alumnos de Ruisdael en Ámsterdam, Meindert Gobbema (Hobbema) adquirió casi mayor fama que el profesor.

Meindert Gobbema es el último de los grandes paisajistas holandeses del siglo XVII. Las pinturas de Gobbema se distinguen por su sencillez, naturalidad y cuidada ejecución. El artista se siente atraído por los árboles, el denso bosque, las vistas de los pueblos, las casas campesinas con tejados rojos, el campanario de una iglesia perdido en la bruma del horizonte y un plano intermedio iluminado por la luz del sol. A menudo, el motivo principal de estos paisajes es un antiguo molino. Muchas de las variaciones del maestro sobre este tema se conservan en diferentes museos de todo el mundo, entre ellos el cuadro de Dresde.

En la mente humana, al menos en la cultura europea, muchas ideas e ideas están asociadas con el molino, que siempre colorean emocionalmente nuestra percepción de él tanto en la realidad como en el arte. Tradicionalmente asociada a ella está la idea de soledad, teñida de experiencias románticas. El agua que fluye sin cesar está asociada con la idea de la inmutabilidad de la existencia, la rueda giratoria, el mecanismo principal del molino, a través de una alusión a la "rueda de la fortuna" introduce la idea de las vicisitudes del destino en el círculo de imágenes generadas.

Anthony van Dyck (1599–1641) Retrato de un caballero con una banda roja 1625–1627. Lienzo, óleo. 90x70

Para definir muy brevemente la diferencia entre holandés y flamenco arte XVII siglo, podemos decir que en el primero predominan las naturalezas muertas, llamadas “blenda” por el realismo de los rasgos y el sorprendente detalle de la imagen, llevada hasta el punto de la ilusión, mientras que en el segundo predominan los retratos ceremoniales. Anthony van Dyck es el representante más brillante del género, un maestro de los retratos ceremoniales y los temas religiosos en estilo barroco.

“Retrato de un caballero con una banda roja” es uno de los mejores ejemplos de la obra de Van Dyck. Compositivamente, está construido de manera hermosa: el rostro del modelo está en el centro horizontal de la imagen, la energía, la fuerza y ​​​​el coraje se sienten en su rotación, atrae la mirada del espectador. La textura y el brillo de la armadura del caballero se transmiten maravillosamente.

El retrato fue pintado en el período de su vida en el que Van Dyck creaba sus obras con extraordinaria facilidad, rapidez y al mismo tiempo lograba una elaboración ideal. Al final de su vida, el maestro, en apuros económicos, se vio obligado a escribir demasiado para tener tiempo de hacerlo con total perfección artística. De 1621 a 1627 vivió en Italia, pasando la mayor parte de su tiempo en los círculos más altos de la sociedad genovesa. Muchos representantes de la aristocracia se convirtieron en modelos para él. Sin embargo, todavía no ha sido posible identificar al personaje de este cuadro. Incluso es posible que no se trate de un retrato de una persona real, sino de algún tipo de alegoría.

Rembrandt (1606-1669) Retrato de Saskia van Uylenburch 1633. Roble, óleo. 52,5x44,5

Alrededor de 1631-1632 Rembrandt se mudó permanentemente a Ámsterdam. Se instaló en una de las habitaciones del marchante de arte Hendrik van Uylenburch, quien ya tenía viviendo con él a la hija de su pariente, Saskia van Uylenburch. Los jóvenes se enamoraron y se casaron dos años después. La niña provenía de una familia adinerada, así es como Rembrandt ingresó a la alta sociedad. Comenzó el período más feliz de su vida, se convirtió en un artista famoso y de moda.

Varios retratos de su esposa datan de los años treinta. Ella era la modelo favorita del artista. Así, además del cuadro presentado, se puede nombrar “Flora”, en la que Rembrandt representó a Saskia poco antes del nacimiento de su hijo Tito. Saskia también sirvió de modelo para la famosa “Danae” del maestro.

Rembrandt (1606-1669) Autorretrato del artista con su esposa Saskia 1635. Óleo sobre lienzo. 161x131

Durante su vida, Rembrandt pintó numerosos autorretratos. La pintura de Dresde captura la alegría de vivir, el júbilo de tener a un ser querido, componentes del estado emocional del pintor de este período. La mirada abierta de los personajes, dirigida al espectador (parece que te invitan a compartir su alegría de ser), el rostro radiante de Rembrandt, como si hubiera logrado todos los beneficios de la vida: este es el estado de ánimo de este lienzo.

Sin embargo, el retrato también contiene una cierta provocación que era clara para los espectadores de la época: el artista se representa a sí mismo en la imagen de... un hijo pródigo festejando con una cortesana. Es de destacar que en el Evangelio Lucas dice claramente: “... desperdició sus bienes viviendo disolutamente”. Rembrandt, al casarse por amor, por el contrario, exageró la condición de su esposa y adquirió un estatus social más alto. ¡Cuán sorprendentemente diferente es este “hijo pródigo” del que regresó con su padre después de largos vagabundeos en el cuadro del Hermitage del mismo nombre!

Si la comparación con el héroe bíblico es bastante obvia, entonces el otro significado semántico de la imagen requiere explicación. Hay aquí una alusión al símbolo de la virtud de la moderación, cuya transgresión llevó al hijo pródigo a un triste final. Este símbolo es un vaso levantado en la mano de un caballero (es decir, Rembrandt) - una "flauta", como se llamaba en el uso holandés de esa época - un recipiente medido, un signo de sabio autocontrol, el emblema de lo cual se destaca por su tamaño desproporcionadamente grande.

Willem Claes Heda (1593/1594-1680/1682) Desayuno con tarta de arándanos 1631. Madera, aceite. 54x82

En el siglo XVII, en Holanda, muchos artistas crearon naturalezas muertas, y entre ellos había una especialización: uno representaba flores, otro, platos y el tercero, instrumentos musicales. Willem Klass Heda pintó naturalezas muertas similares durante varias décadas, al menos se remontan a 1631 (representado por “Desayuno con pastel de arándanos”) y 1651. Durante tanto tiempo trabajando en un género, los artistas lograron una perfección impresionante en la técnica de renderizado de frutas y verduras, texturas de telas, objetos de metal y vidrio, agua en vasos. Los bodegones con comida se llamaban "ontbijtjes" (del holandés - "desayuno").

La demanda de este tipo de naturalezas muertas fue muy grande. A principios de la década de 1630, Heda comenzó a escribirlos, utilizando los cánones bastante conservadores de sus contemporáneos: Floris Klee van Dyck y Nicolaes Gillies. También coloca la mesa estrictamente paralela al plano del cuadro, es decir, a la pared trasera de la habitación. Sin embargo, el artista aportó un cierto renacimiento a la composición de sus naturalezas muertas. Así, su mantel blanco no cubre toda la mesa, sino sólo una parte. Evita así la monotonía del fondo.

Es notable la predilección a largo plazo de Head por los mismos temas. Una taza, un vaso, un vaso de chupito, una hoja de Damasco, un reloj de bolsillo con la tapa abierta y un mecanismo representado con sorprendente precisión (el artista utilizó los mejores pinceles en su obra): todo esto fue reproducido con indudable amor.

Jan Davids de Heem (1606–1684) Flores en un jarrón de cristal y fruta. B/g. Lienzo, óleo. 100x75,5

Jan Davids de Heem es un artista holandés que trabajó durante algún tiempo en Leiden, pero en 1635 se unió al Gremio de San Lucas de Amberes y al año siguiente se convirtió en ciudadano de Amberes. Alrededor de 1667 regresó a su Utrecht natal, pero en 1672 huyó a Amberes de los franceses, que habían capturado la ciudad.

De Heem se hizo famoso por sus magníficos bodegones de flores. Están ejecutados con tanto cuidado que hoy pueden servir como una especie de libro de referencia sobre la flora europea. Pero antes que nada, los lienzos atraen con sus cualidades artísticas, la belleza de las combinaciones de colores y pinturas de plantas, la riqueza de su paleta, la complejidad de la composición, que permite imaginar una gama de colores brillantes (coloridos). (plantas).

En gran parte gracias a Jan Davids de Heem, la naturaleza muerta se convirtió en un género pictórico independiente en la obra de los maestros holandeses y flamencos del siglo XVII. Las naturalezas muertas de esta época son en gran medida alegóricas. Entonces, además de las flores mismas, en la imagen presentada se muestran una mariposa y un caracol; en otros lienzos hay orugas y larvas. Se refieren no sólo al ciclo de la vida terrenal de una persona, sino también a la muerte y la resurrección.

Adrian Brouwer (1606–1638) Lucha campesina mientras jugaba a las cartas. B/g. Roble, óleo. 26,5x34,5

Adrian Brouwer, alumno de Frans Hals, fue uno de los creadores más originales del arte flamenco. Vivió una vida corta: solo 32 años, murió de peste. El artista pintó escenas de género de la vida campesina, danzas folclóricas, jugadores de cartas, fumadores, polillas halcones y peleas. Estaba particularmente interesado en los sentimientos, expresiones y expresiones faciales de los personajes. Las pinturas de Brouwer se distinguen por su vivacidad y su ingenio de diseño. Algunas de sus pinturas pueden evocar pensamientos de caricatura. Sin embargo, tras un examen cuidadoso, queda claro que esto es sólo una reproducción de situaciones cotidianas llevadas con gran precisión. En las pinturas del maestro no hay una condena deliberada de los héroes mediante el ridículo. Simplemente escribió sobre la vida que lo rodeaba. El pintor no fue apreciado por sus contemporáneos; siempre estuvo en gran necesidad. Las generaciones posteriores percibieron durante mucho tiempo a Brouwer principalmente como un humorista, pero más bien como una figura trágica.

Una pelea mientras se juega a las cartas es una de las tramas favoritas de Brouwer. La acción se desarrolla en una típica taberna con sus clientes habituales y un entorno pobre. Sin embargo, para representar la pobreza de esta manera, el maestro obviamente tenía que tener una rica imaginación artística.

Adrian van Ostade (1610–1685) Artista en el estudio 1663. Óleo sobre madera. 38x35,5

Adrian van Ostade - artista barroco holandés, representante género cotidiano. Estudió con Frans Hals y más tarde su estilo creativo estuvo muy influenciado por Rembrandt, pero el talentoso pintor de género flamenco Adrian Brouwer tuvo una influencia especial. Así Ostade se convirtió en un escritor de la vida cotidiana de los holandeses. Los héroes de sus cuadros, por regla general, son gente corriente, de ahí las tramas correspondientes: escenas en una taberna (a veces con peleas), hermanos borrachos, músicos borrachos (toda una galería: un violinista, un flautista, un gaitero, un destripador ; incluso sorprende cuántos plebeyos sabían tocar instrumentos musicales, especialmente el violín).

En el lienzo presentado la trama es decente. Algunos creen que se trata de un autorretrato del pintor. Sea como fuere, la visión del taller y del artista trabajando desinteresadamente en él evoca una buena sensación: una habitación espaciosa, inundada de luz desde una hermosa ventana con rejas, un desorden que se puede considerar creativo... Todo está hecho en colores cálidos y armoniosos. En una palabra, la imagen crea un ambiente romántico, evoca tristeza por los viejos tiempos y un estado de total inmersión en la creatividad.

Gerard Terborch (1617–1681) Mujer, lavarse las manos. Hacia 1655. Óleo sobre tabla. 53x45

Gerard Terborch es un destacado maestro de la pintura de género de la escuela holandesa del siglo XVII. Al comienzo de su carrera pintó principalmente escenas de la vida campesina y de soldados, y desde finales de la década de 1640 comenzó a especializarse en escenas interiores con un pequeño número de personajes; por regla general, eran parejas, damas que leían, escribían y tocaban música. . Es posible que la dama aquí representada sea la hermana del artista.

El artista vivía en la pobreza, lo que explica el hecho de que utilizó como modelo a un círculo reducido de personas cercanas, en particular a su hermana Gezina. Lo más probable es que sea ella quien esté representada en el cuadro “La mujer lavándose las manos”.

Por lo general, los investigadores interpretan este tipo de trama como una alegoría de la vida disoluta, pero en este caso el contenido de la obra probablemente representa una alegoría de la virtud. Sus símbolos son las cortinas de la cama descorridas (en muchos otros cuadros están descorridas), la dama lavándose las manos (desde la época del juicio de Cristo por Poncio Pilato, este gesto simboliza la renuencia a participar en algo reprensible), la ausencia de joyas en la mesa (en otras escenas similares, el mismo Terborch, tales decoraciones se “leen” como pago por los placeres amorosos) y, finalmente, un perro, protegiendo la tranquilidad del dueño. La ilustración más clara del significado del símbolo animal se puede ver en el cuadro de Jan van Eyck “Retrato de la pareja Arnolfini”, conservado en la Galería Nacional de Londres (ver volumen 11 de la colección “Grandes museos del mundo”).

Desde un punto de vista pintoresco, Terborch se mostró en esta obra como un maestro insuperable en la interpretación de la materia, en particular el satén blanco (el vestido de la niña) y el mantel multicolor.

David Teniers el Joven (1610-1690) Fiesta campestre en la taberna Crescent. Fragmento 1641. Óleo sobre lienzo. 93x132

David Teniers el Joven (el Joven porque llevaba el mismo nombre que su padre, David Teniers el Viejo) superó a su progenitor y, se cree, maestro. Mejores pinturas Las pinturas del artista fueron creadas en la década de 1640, cuando se convirtió en el pintor de la corte del archiduque Leopoldo Guillermo de Austria. Teniers reunió una colección de arte para el gobernante y se convirtió en su custodio. En este estado, Teniers se mostró muy claramente: no solo compiló un catálogo de la colección, sino que también hizo pequeñas copias de muchas pinturas, incluidas valiosas pinturas de maestros de la escuela veneciana del Renacimiento. Se le atribuyen más de 2.000 obras propias, aunque, por supuesto, no fue tan prolífico. La Galería de Dresde alberga nueve obras del artista.

Una parte importante del legado de Teniers está formada por numerosas obras que representan escenas de la vida del pueblo llano. La imagen presentada es un ejemplo típico de un popular arte holandés género de kermes: una fiesta en el pueblo con un pequeño conjunto musical indispensable, alegres bailes de los aldeanos y divertidas escenas cotidianas. Víctor Hugo en "La Catedral" Notre Dame de París” escribe lo siguiente sobre Teniers: “La orgía adquirió cada vez un carácter más flamenco. El pincel del propio Teniers sólo podía dar una vaga idea de ello”.

Wermeer de Delft (1632-1675) En el proxeneta 1656. Óleo sobre lienzo. 143x130

Jan Wermeer de Delft es el mayor maestro de la pintura de género y paisaje holandés.

El cuadro "En el proxeneta" es una de las muchas obras del artista en el género de escenas cotidianas. Como casi siempre en el arte de los pequeños holandeses, la escena contiene un significado alegórico. En este caso, como en el autorretrato de Rembrandt con Saskia, la trama se remonta a la parábola evangélica del hijo pródigo. En la obra de Vermeer se representa un episodio franco en un burdel con todos los atributos de una vida depravada: una moneda que un caballero ofrece a una dama (pago por vender amor), copas de vino en manos de una mujer y un caballero en a la izquierda, un mástil, probablemente de laúd, que introduce en los matices del contenido semántico del cuadro una alusión a la música, fuertemente asociada al amor. A través de la pintura, el artista transmite el contenido de la puesta en escena, que presenta al espectador, podría decirse, una escena teatral con diálogos vivos y claros. El señor de la izquierda, volviendo la mirada hacia el espectador, parece invitarlo a participar en la fiesta.

Wermeer de Delft (1632-1675) Niña leyendo una carta en la ventana abierta 1657. Óleo sobre lienzo. 83x64,5

El motivo de las letras se encuentra a menudo en las pinturas de Vermeer y siempre está plasmado en la imagen de la heroína leyendo un mensaje de su amante, que está lejos de ella.

Es de destacar que en el lienzo presentado el artista planeó representar a Cupido con una carta. Así lo demuestran los estudios realizados en rayos X quien mostró un patrón de cupido. Por tanto, el significado simbólico de toda la escena está fuera de toda duda. El investigador Norbert Schneider incluso vio en la naturaleza muerta y en el mantel arrugado sobre la mesa símbolos de votos rotos de fidelidad conyugal y relaciones extramatrimoniales. Las manzanas y los melocotones son una alusión al relato bíblico de la Caída.

Jacob van Ruisdael (1628–1682) Cementerio judío 1655–1660. Madera, óleo.84x95

Casi al mismo tiempo que Rembrandt, trabajaba otro holandés notable, Jacob van Ruisdael, el mayor maestro del paisaje, cuyas obras se distinguen no solo por su gran habilidad, sino también por su profundo contenido filosófico.

Los paisajes del maestro están llenos de dramatismo y reflexiones filosóficas. Fueron estos rasgos creativos los que se manifestaron con fuerza excepcional en la obra más compleja y trágica, "El cementerio judío". Se basa en una imagen de una de las esquinas de un antiguo cementerio judío real situado cerca de Ámsterdam. Al fondo se encuentran las ruinas de una antigua sinagoga que funcionó hasta 1675 y fue destruida por un rayo. En el frente hay varias lápidas de mármol, una de ellas pertenece al ex médico personal del rey francés Enrique IV, la segunda al rabino principal de Amsterdam y la tercera a algún ciudadano rico.

La pintura está realizada en tonos azul verdoso oscuro; el fondo crea un cielo tormentoso con siniestras nubes bajas. El pesado silencio del cementerio se transmite con precisión, el dolor centenario impregna cada rincón. Existe un sentimiento de la inevitabilidad de la muerte, la corta duración y la inutilidad de la existencia terrenal. Wolfgang Goethe llamó a Ruisdael poeta y pensador. Lo efímero de la vida humana se ve enfatizado por el derroche de vegetación, los árboles imponentes y la eternidad de la naturaleza...

Durante la vida del artista, la pintura se llamaba “Alegoría de la vida humana”. La elección del tema es digna de mención: ¿por qué el autor representó un cementerio judío, y no un cementerio protestante más cercano, para expresar su visión del mundo? ¿Por qué el artista prestó tanta atención a esta obra en particular? Además de numerosos bocetos preparatorios, Ruisdael realizó dos versiones completas de la obra: Dresde (1650-1653) y Detroit (1660). El artista no dejó ninguna explicación al respecto.

Parece que el contenido filosófico del cuadro “Cementerio judío” se inspiró en la lectura del maestro del Eclesiastés. Este libro le causó una impresión muy fuerte. La imagen de un arroyo que corre como un arroyo hirviente entre piedras está asociada con la lectura del Antiguo Testamento. El libro del profeta Isaías dice: “El agua, especialmente el agua “viva”, que fluye en primavera, simboliza la vida y la felicidad”.

Gabriel Metsu (1629–1667) Game Trader 1662. Roble, óleo. 61x45

Gabriel Metsu, artista y dibujante holandés, pintó temas religiosos y mitológicos, naturalezas muertas y retratos. En la década de 1660, el talento de Metsu se manifestó más plenamente en el campo del género cotidiano, que reflejaba, en un grado u otro, la influencia de Steen, Terborch, de Hooch y Vermeer.

Metsyu aparece como un maestro maduro, propenso a la narración y a una presentación íntima y lírica del tema, dominando con confianza las técnicas de pintura de tonos cálidos con fuertes contrastes sonoros de manchas de color y materialidad aparentemente táctil en la representación de telas, pieles, platos, y artículos caros. Sus acogedores interiores suelen estar llenos de dos o tres figuras.

En una de sus pocas obras que representan la vida de la gente corriente, Metsu reprodujo una esquina de una calle. Un anciano, comerciante de juegos, está sentado contra una pared con yeso agrietado, su ropa está rota, su apariencia es lamentable. Diseñado para realzar la impresión de pobreza, los ricos pasan mujer vestida, a quien el anciano ofrece sus bienes. La imagen, basada en contrastes sociales y que pretende ofrecer una visión profunda de la vida, contiene sólo una simple exposición de los hechos. El espectador no se siente conmovido por el acontecimiento en curso; el propio artista se muestra frío con él y mira al pobre anciano con los ojos de un hombre rico. Metsya es inusual al sentir la injusticia social y la tragedia de la vida.

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En el marco del Año del Reino de los Países Bajos en la Federación de Rusia
en el Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin (Galería de arte de países europeos y americanos de los siglos XIX y XX)
hasta el 26 de enero de 2014 se realizó una exposición de obras de la colección corporativa del Grupo ING
La magia del realismo holandés.

ING Group es una de las mayores empresas financieras internacionales de origen holandés. La colección de arte del ING incluye hoy más de 15 mil obras de diversas escuelas y movimientos nacionales. En la exposición del Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin, el Grupo ING muestra la parte más importante de su colección: pinturas relacionadas con este movimiento artístico. realismo magico.
En la década de 1920 en Europa, bajo el lema “regreso al orden”, comenzó un resurgimiento de la tendencia clásica en el arte. En el arte europeo, la pasión por el abstraccionismo de la década anterior se está debilitando y se están reviviendo tendencias realistas. Esto se debió en parte a la dolorosa experiencia de la Primera Guerra Mundial: el lenguaje del arte abstracto era bastante limitado y los artistas se vieron obligados a buscar un nuevo estilo para expresar la crueldad de la pasada masacre. Esto llevó al nacimiento de una nueva forma de realismo, que abandonó la representación de la vida cotidiana, como era el caso en el arte del siglo XIX, y se centró en otras técnicas. Movimientos artísticos similares comenzaron a surgir en toda Europa: "nueva materialidad" en Alemania, "arte metafísico" en Italia, "surrealismo" en Francia y, en la década de 1930, "realismo mágico" en los Países Bajos.

El término "realismo mágico" se introdujo por primera vez en Alemania y luego fue utilizado en Holanda por algunos escritores. Su característica distintiva es que los objetos del mundo real están representados con precisión fotográfica (realismo), sin embargo, al estar colocados en un contexto irreal, producto de la imaginación del artista, se produce el efecto de desapego (magia), destrucción de la percepción estándar. del mundo circundante nace. Para lograr este efecto, los realistas mágicos recurrieron a las refinadas técnicas de la pintura del siglo XVII. Al mismo tiempo, detrás de la fachada de un estilo pictórico enfáticamente realista se esconde una mirada penetrante y profundamente personal, y la escrupulosa precisión con la que están realizados los cuadros genera un sentimiento de alienación.

Los artistas están empezando a mostrar interés por la propia tradición pictórica. Uno de los primeros seguidores de esta tendencia es el holandés. Karel Willink, el único artista que tiene el honor de estar incluido no sólo en la colección de ING, sino también en gran historia Arte del siglo XX Willink, que consideraba los estilos modernos como transitorios, decidió poner fin a sus experimentos y pasar a la pintura realista tradicional.

Karel Willink. Chica con un vestido renacentista. 1946

La mirada de quien entra en la exposición se dirige inmediatamente a “Niña con traje renacentista” de Karel Willink. La niña de Rubens con un pesado vestido de brocado y una oveja de juguete atada a una correa, representada con el telón de fondo de un parque normal que se extiende en la perspectiva de Patinirov hasta el horizonte, parece la heroína de una especie de pesadilla. O bien la luz eléctrica helada, como en “Melancholia” de Lars von Trier, produce tal efecto, o el contraste entre el rostro nada infantil ni nada inocente del modelo y el entorno idílico en el espíritu de los viejos maestros, donde esta Se inserta una cara, como en un cuadro, se activa una falsificación de un estudio fotográfico provincial. "La niña" fue escrita en 1945; durante la ocupación, Karel Willink, aunque era reconocido como un artista completamente ario, se negó a vender sus pinturas a los alemanes y se ganaba la vida con los retratos. Sin embargo, esta imagen, con todo su carácter personalizado, se ve como un reflejo de la vieja Europa, que ha muerto y que ahora debe ser poblada por tribus jóvenes y desconocidas.

El resto de artistas mostrados en la exposición son mucho menos famosos y parecen querer entablar una discusión con Willink, demostrándole con su realismo maníaco que los valores del viejo mundo tienen derecho a la vida. Pero al mismo tiempo, la colección ING no parece en absoluto una manifestación de conservadurismo.

El término "realismo mágico", oculto en el título de la exposición, fue acuñado por el historiador y crítico de arte alemán Francisco Roch en 1925 para artistas de la “nueva materialidad”, pero rápidamente emigró al campo de la literatura y prácticamente perdió todo significado claro en el campo de las artes visuales. Lo que vemos en la exposición es una amplia gama de “ismos”. Del hiperrealismo, como en "The Box" Francisco Clemente, del que las herramientas de construcción caerán en cualquier momento, hasta el academicismo banal, como en las producciones de naturalezas muertas. Peter Sebens Y Bernardo Ferkayka. Aquí también hay fans de Andrew Wyeth. Johan Abeling con "Casa", que fácilmente podría convertirse en "La Casa de Christina". Y conceptualistas como el autor de 7 mil autorretratos Philip Ackerman, alumno del gran Jan Dibbets. Y los fanáticos de los juegos posmodernos como Barrenda Blankert, citando a viejos italianos mezclados con Georges Seurat. Y esa misma "nueva materialidad", que incluye a los pares de Karel Willink: Wim Schumacher con retratos y paisajes en plata y Dick Ket con naturalezas muertas en collage, devolviendo la persuasión ilusionista al mundo objetual cubista. Sin embargo, Dick Ket, en "Naturaleza muerta para el día de San Nicolás" cifrando su nombre, ya que subió mesa festiva un muñeco títere llamado "ket" en frisia occidental, juega juegos surrealistas. Al igual que Karel Willink, su manierismo norteño es cercano a Max Ernst y Salvador Dalí, y su cartesianismo es cercano a René Magritte.

Probablemente, la colección ING tenga un programa patriótico: después de todo, el realismo se considera un gran logro de la época dorada holandesa. Muchos artistas apelan aquí a la época dorada, y bajo el título “Naturaleza muerta con frutas en el fondo de un paisaje” de un brillante estilista Raúl Hinkes Me gustaría corregir la fecha escribiendo "1635" en lugar de "1935". Pero no se puede decir que los motivos que impulsaron la elaboración de esta colección corporativa se limiten al deseo de apoyar la marca artística nacional. La exposición ocupa sólo tres salas, y las pinturas se distribuyen simplemente entre ellas según el principio de género: retrato, paisaje, naturaleza muerta. Sin embargo, a pesar de todo el realismo fotográfico de las obras, no se siente la diferencia entre los géneros: diseñadas principalmente en tonos apagados de color gris plateado, iluminadas principalmente por una luz suave y mate, que se distingue por una claridad antinatural de las líneas, todas ellas en Primero evocan la idea de un paisaje típico holandés y luego comienzan a parecer una naturaleza muerta. Un elenco magistral y desapasionado de una realidad de la que la vida ha desaparecido. No es una imagen holística del mundo real, sino un conjunto de signos índice que se refieren al mundo real como la escena de un crimen, como una grieta en un reposabrazos y un arco en otro. Barrenda Blankert. Que fue parcialmente descrito por el poeta. José Brodsky en un poema inspirado en el cuadro de Carl Willink: “Esto es lo que se llama “maestría”:

La capacidad de no tener miedo del procedimiento.

La inexistencia - como formas propias

Ausencia, habiéndola copiado de la vida.

Siguiendo a Willink, se están volviendo más populares representantes del realismo mágico como Peike Koch, Raoul Hinkuis, Dick Kaeth y Wim Schumacher.

Peike Koch. Cosecha. 1953

“El realismo mágico describe fenómenos que son posibles y, sin embargo, inverosímiles; el surrealismo, por su parte, demuestra situaciones que son imposibles, no existen o no pueden existir”, dijo Peike Koch, explicando la diferencia entre realismo mágico y surrealismo, dos movimientos artísticos que a menudo se confunden entre sí. El surrealismo es principalmente un mundo de fantasía y sueños, mientras que el realismo mágico es la vida cotidiana en un nuevo contexto.

Una característica común de todos los realistas mágicos es la atmósfera creada por sus pinturas. La sensación de malestar que evocan estas pinturas se debe en parte a su extremo realismo, que reduce la distancia entre el espectador y la obra. Al mismo tiempo, aquí no hay una narrativa estricta o completa. El artista sólo ofrece un conjunto de lecturas posibles, pero nunca da una respuesta completa. El espectador tiene derecho a sacar sus propias conclusiones.

La estética del realismo mágico, esta combinación de realidad y magia, por supuesto, necesitaba ciertas técnicas estilísticas. Las obras de los realistas mágicos se distinguen por una cierta frialdad y la mirada aparentemente indiferente del artista hacia el tema de la imagen, deslizándose sobre la superficie, lo que fue especialmente evidente en retratos y naturalezas muertas (Dick Kath, Wim Schumacher).

Wim Schumacher. Retrato de Adin Mees. 1933;

Wim Schumacher "Melita de blanco" 1928

Wim Schumacher "Prats de Molló" 1929

Dick Ket. San Nicolás, naturaleza muerta. 1931

Dick Ket (1902-1940). Naturaleza muerta con violín y recortes de periódico con autorretratos de W.Schumacher y R.Hynckes.Ca.1936

Raoul Hynckes (1893-1973).Naturaleza muerta con frutas y paisaje/Naturaleza muerta con frutas al fondo de un paisaje.1935.

Ger Langeweg (1891-1970).Peras en un paisaje.Ca.1937/Ger Langeweg.Peras en un paisaje.

Para los representantes modernos del realismo mágico en Holanda, es característico y no accidental que tengan una conexión con fenómenos del arte del siglo XX como el pop art, el neoexpresionismo y el fotorrealismo. Las técnicas de construcción demostrativa del mundo imaginativo, el deseo de resaltar el utilitarismo y los estereotipos del espacio circundante, escapar al mundo de lo imaginario, el uso de alusiones ocultas, el juego libre con imágenes y significados hacen que el trabajo del moderno "mágico". “Artistas similares al surrealismo. Al mismo tiempo, el extremo grado de arte figurativo y la atención al detalle es sin duda una apelación a la tradición realista de los antiguos maestros holandeses.

El objetivo de la exposición "La magia del realismo holandés" es mostrar uno de los fenómenos más brillantes del arte de los Países Bajos del siglo XX: como un diálogo entre pintores de varias generaciones, entre realistas mágicos de la primera mitad del siglo XX. siglo, incluidos Wim Schumacher, Karel Willink, Peike Koch y sus seguidores modernos: Philipp Akkerman, Frans Stuurman, Koos van Koulen y otros, un diálogo que te hace recordar la cultura tradicional de los Países Bajos. La exposición presenta unas cuarenta obras de artistas holandeses de los siglos XX y XXI, que demuestran dominio técnico, una combinación de tradición e innovación.

Jan van Tongeren (1897-1991).Naturaleza muerta con jarra blanca.1967/ Jan van Tongeren.Naturaleza muerta con jarra blanca

Franc Clement (n. 1941).Box.1985/ Franc Clement.Box.

Frans Stuurman "Delfshaven" 1979

Frans Stuurman (g.1952) El Golfo.1994 / Frans Stuurman.Gaviota

Jan Peor "Aventurero" 1993

Kick Sailer "Frente al espejo" 1993

Kick Seiler "Noche" 1992

Pete Sebens "La mesa de Hilda" 1995

Henk Helmantel (nacido en 1945). Bodegón con frutos de granada. 1998. Madera, óleo.

Barend Blankert (n. 1941). El ejercicio. 1991 / Barend Blankert. Ejercicio

Barend Blankert "Dos niños en la naturaleza" 1988-1990

Felipe Ackerman. Auto retrato. 2001

Philip Akkerman (n. 1957) 4 Autorretratos N° 132, N° 51, N° 80, N° 20 / Philip Akerman.4 autorretratos

La luz en las pinturas realistas mágicas a menudo parece artificial, demasiado dura e intermitente. Los artistas utilizaron esta técnica para realizar plenamente los métodos de uso de la perspectiva desarrollados por los cubistas.

Además, en las pinturas de los realistas mágicos apenas se pueden encontrar matices o suaves soluciones de color: El primer plano y el fondo suelen representarse con el mismo nivel de detalle. Entre los seguidores modernos del realismo mágico, esta técnica es utilizada por Koos van Koulen.

Koos van Koulen. Olga. 2007

Koos van Keulen "Itier y Pisanello" 2003

Matthijs Roling (n. 1943). Jardín. 2005 / Matthijs Roling. Jardín

Bernard Verkaaik (n. 1946). Olla, cebollas y paño negro.2004/ Bernard Ferkaaik. Maceta, bombillas y tela negra.

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Kenne Gregoire (n. 1951). Descanso. 2003. Lienzo sobre madera, acrílico.

Harry van der Woude "Autorretrato con un cuenco de naranja" 2007

Aparece en Francia en los años 1960. nuevo realismo, y en Estados Unidos y Gran Bretaña el arte pop: la demanda del realismo mágico como movimiento está cayendo drásticamente. En esta época, el neoexpresionismo comenzó a surgir en Europa. Artistas belgas y holandeses, entre otros, participan activamente en este proceso. Alfonso Freimuth Y Roger Rovel. Comienzan a crear pinturas en un "estilo natural", volviendo de vez en cuando a las tradiciones de sus predecesores, quienes descubrieron la dirección del "realismo mágico". Ahora los maestros son más típicos de temas como el amor, la armonía, la muerte, los sentimientos, mientras que el nuevo realismo neurótico a menudo recurre a temas tabú en la sociedad. Los artistas de todos estos movimientos creen firmemente en la necesidad de expresar tanto sus posiciones personales, sus pensamientos como los valores humanos universales que unen estos períodos en el arte.

La exposición en su conjunto muestra claramente no sólo la continuidad de los artistas holandeses contemporáneos con sus predecesores inmediatos, sino también un diálogo constante con la cultura tradicional y la conexión con la edad de oro de la pintura holandesa. Encontrar estas intersecciones y referencias mutuas se convierte en una búsqueda fascinante para el espectador. Sin embargo, la magia también funciona con la contemplación pasiva. Aún así, el realismo mágico es un oxímoron y las paradojas y contradicciones siempre se atraen.

PD Lamentablemente no pude asistir a la exposición; recopilé material al respecto en Internet:
Enlaces:
http://pda.mn.ru/culture/20131114/362619469.html

pintura holandesa

su aparición y período inicial se fusionan hasta tal punto con las primeras etapas del desarrollo de la pintura flamenca que los últimos historiadores del arte consideran que ambos abarcan todo el tiempo hasta finales del siglo XVI. inseparablemente, bajo el nombre general de "escuela holandesa". Ambos, descendientes de la rama del Rin, son mudos. la pintura, cuyos principales representantes son Guillermo de Colonia y Stefan Lochner, consideran a los hermanos van Eyck sus fundadores; Ambos caminan desde hace mucho tiempo en la misma dirección, están animados por los mismos ideales, persiguen las mismas tareas, desarrollan la misma técnica, de modo que los artistas holandeses no se diferencian de sus hermanos flamencos y brabantes. Esto continúa durante todo el reinado del país, primero por parte de la casa borgoñona y luego por la austríaca, hasta que estalla una revolución brutal que termina con el triunfo completo de los Goll. pueblo sobre los españoles que los oprimieron. A partir de esta época, cada una de las dos ramas del arte holandés comienza a moverse por separado, aunque en ocasiones llegan a entrar en contacto muy estrecho entre sí. G. la pintura adquiere inmediatamente un carácter original, completamente nacional y rápidamente alcanza una floración brillante y abundante. Las razones de este fenómeno, que difícilmente se puede encontrar en toda la historia del arte, se encuentran en circunstancias topográficas, religiosas, políticas y sociales. En este “país bajo” (holland), formado por pantanos, islas y penínsulas, constantemente arrastrado por el mar y amenazado por sus incursiones, la población, tan pronto como se liberó del yugo extranjero, tuvo que crear todo de nuevo, empezando por las condiciones físicas del suelo y terminando por las condiciones morales e intelectuales, porque todo fue destruido por la lucha anterior por la independencia. Gracias a su iniciativa, sentido práctico y trabajo persistente, los holandeses lograron transformar los pantanos en campos fructíferos y pastos lujosos, conquistar vastas extensiones de tierra del mar y adquirir bienestar material y importancia política externa. El principal rasgo que caracteriza a estos artistas es su amor por la naturaleza, el deseo de reproducirla en toda su sencillez y verdad, sin el más mínimo adorno, sin subsumirla bajo ninguna condición de un ideal preconcebido. La segunda propiedad distintiva de Goll. Los pintores se componen de un sutil sentido del color y de la comprensión de que una impresión fuerte y encantadora puede producirse, además del contenido de la imagen, sólo mediante la transmisión fiel y poderosa de relaciones cromáticas determinadas en la naturaleza por la acción de la luz. rayos, proximidad o rango de distancias. Entre los mejores representantes de la pintura geométrica, este sentido del color y el claroscuro se desarrolla hasta tal punto que la luz, con sus innumerables y variados matices, juega en la imagen, se podría decir, el papel del personaje principal y confiere un gran interés a la trama más insignificante, las formas e imágenes más poco elegantes. Entonces cabe señalar que la mayoría de los Goll. Los artistas no realizan largas búsquedas de material para su creatividad, sino que se contentan con lo que encuentran a su alrededor, en su naturaleza nativa y en la vida de su gente. Los rasgos típicos de compatriotas distinguidos, los rostros de los holandeses y holandesas corrientes, la ruidosa diversión de las fiestas comunes, las fiestas campesinas, las escenas de la vida rural o de la vida íntima de la gente de la ciudad, las dunas nativas, los pólderes y las vastas llanuras atravesadas por canales, los rebaños pastando en ricos prados, chozas enclavadas al borde de hayedos o robledales, pueblos a orillas de ríos, lagos y bosques, ciudades con sus casas limpias, puentes levadizos y altas agujas de iglesias y ayuntamientos, puertos atestados de barcos, un cielo lleno de vapores plateados o dorados, todo esto, bajo el pincel del . maestros imbuidos de amor a la patria y orgullo nacional, se convierten en cuadros llenos de aire, luz y atractivo. Incluso en los casos en que algunos de estos maestros recurren a la Biblia, la historia antigua y la mitología como temas, incluso entonces, sin preocuparse por mantener la fidelidad arqueológica, trasladan la acción al entorno de los holandeses, rodeándola de un ambiente holandés. Es cierto que junto a la multitud de artistas patrióticos hay una falange de otros pintores que buscan inspiración fuera de las fronteras de la patria, en país clasico arte, Italia; sin embargo, en sus obras también hay rasgos que exponen su nacionalidad. Finalmente, como característica de la portería. pintores, se puede señalar su renuncia a las tradiciones artísticas. Sería en vano buscar entre ellos una estricta continuidad de principios estéticos y reglas técnicas bien conocidos, no sólo en el sentido del estilo académico, sino también en el sentido de la asimilación por parte de los estudiantes del carácter de sus profesores: con Con la única excepción, quizás, de los alumnos de Rembrandt, que siguieron más o menos de cerca los pasos de su genial mentor, casi todos los pintores en Holanda, tan pronto como pasaron sus años de estudiante, y a veces incluso durante estos años, comenzaron a trabajar en a su manera, según adónde los conducía su inclinación individual y lo que les enseñaba la observación directa de la naturaleza. Por tanto, el objetivo. los artistas no se pueden dividir en escuelas, como hacemos con los artistas de Italia o España; es difícil incluso formar grupos estrictamente definidos de ellos, y la expresión misma " GRAMO. escuela de pintura", que se generalizó, debe entenderse sólo en un sentido condicional, como una colección de maestros tribales, pero no una escuela real. Mientras tanto, en todas las principales ciudades de Holanda había sociedades organizadas de artistas, que, según parece, Al parecer, debería haber influido en la comunicación de sus actividades de una dirección general, sin embargo, tales sociedades llevaban el nombre. gremios de st. Arcos, si contribuyeron a ello, entonces de forma muy moderada. No se trataba de academias, guardianas de conocidas tradiciones artísticas, sino de corporaciones libres, similares a otros gremios artesanales e industriales, no muy diferentes de ellos en términos de estructura y orientadas al apoyo mutuo de sus miembros, la protección de sus derechos, el cuidado. para su vejez, cuidar de la suerte de sus viudas y huérfanos. Todo pintor local que cumpliera con los requisitos de las calificaciones morales era admitido en el gremio previa confirmación de sus habilidades y conocimientos o sobre la base de la fama que ya había adquirido; Los artistas visitantes eran admitidos en el gremio como miembros temporales durante su estancia en una ciudad determinada. Los pertenecientes al gremio se reunían para discutir, bajo la presidencia de los decanos, sus asuntos comunes o para el mutuo intercambio de pensamientos; pero en estas reuniones no había nada que se pareciera a la prédica de una determinada dirección artística y que pudiera tender a coartar la originalidad de alguno de los integrantes.

Las características indicadas de la pintura de G. son notables incluso en sus inicios, en un momento en que se desarrolló inseparablemente de la escuela flamenca. Su vocación, como la de esta última, era entonces principalmente decorar iglesias con pinturas religiosas, palacios, ayuntamientos y casas nobles con retratos de funcionarios gubernamentales y aristócratas. Desafortunadamente, las obras de los pintores griegos primitivos han llegado hasta nosotros sólo en cantidades muy limitadas, ya que la mayoría de ellos perecieron en esa época turbulenta en la que la Reforma devastó iglesias católicas, abolió monasterios y abadías e incitó a los "romptores de iconos" (beeldstormers) a destruir pintorescas. e imágenes sagradas escultóricas, y el levantamiento popular destruyó por todas partes los retratos de los odiados tiranos. A muchos de los artistas que precedieron a la revolución sólo los conocemos por su nombre; Podemos juzgar a los demás sólo por una o dos muestras de su trabajo. Entonces, con respecto al mayor de los Goll. pintores, Albert van Ouwater, no hay datos positivos, salvo la información de que fue contemporáneo de los van Eyck y trabajó en Harlem; No hay pinturas confiables de él. Su alumno Gertjen van Sint-Jan es conocido sólo por dos paneles de un tríptico conservado en la Galería de Viena ("Santo Sepulcro" y "Leyenda de los huesos de San Juan"), que escribió para la Catedral de Harlem. La niebla que nos envuelve en la época inicial de la escuela G. comienza a disiparse con la aparición en escena de Dirk Bouts, apodado Stuerboat († 1475), originario de Haarlem, pero que trabajó en Lovaina y, por tanto, es considerado por muchos como ser escuela flamenca(sus mejores obras son dos cuadros “El proceso injusto del emperador Otón”, se encuentran en el Museo de Bruselas), así como Cornelis Engelbrechtsen (1468-1553), cuyo principal mérito es que fue maestro del famoso Lucas de Leiden ( 1494-1533). Este último, artista polifacético, trabajador y de gran talento, supo, como nadie antes, reproducir fielmente todo lo que llamaba su atención, por lo que puede ser considerado el verdadero padre del género holandés, aunque tuvo que pintar principalmente temas religiosos. pinturas y retratos. En las obras de su contemporáneo Jan Mostaert (hacia 1470-1556), el deseo de naturalismo se combina con un toque de tradición gótica, la calidez del sentimiento religioso y la preocupación por la elegancia exterior. Además de estos maestros destacados, de la era inicial del arte G., merecen mencionarse los siguientes: Hieronymus van Aken, apodado J. de Bosch (c. 1462-1516), quien sentó las bases de la pintura cotidiana satírica con sus complejas, intrincadas y a veces extremadamente composiciones extrañas; Jan Mundain († 1520), famoso en Harlem por sus representaciones de diabluras y bufonadas; Peter Aertsen († 1516), apodado “Long Peter” (Lange Pier) por su gran estatura, David Ioris (1501-56), un hábil pintor de vidrio, dejado llevar por las tonterías anabautistas y imaginándose como el profeta David y el hijo de Dios, Jacob Swarts (1469? - ¿1535?), Jacob Cornelissen (1480? - más tarde 1533) y su hijo Dirk Jacobs (dos pinturas de este último, que representan sociedades de fusileros, se encuentran en el Hermitage Imperial).

Casarse. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (tomos 2 y 3, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La pintura holandesa" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov, "Estudios sobre la historia de la pintura holandesa a partir de sus muestras ubicadas en San Petersburgo". (apéndice especial de revista "Vestn. Bellas Artes", 1885-90).

A. Somov.

Diccionario enciclopédico F.A. Brockhaus y I.A. Efrón. - S.-Pb.: Brockhaus-Efron. 1890-1907 .

Pintura holandesa, en bellas artes.

Cerca mitad XVI mesa. entre los pintores holandeses existe el deseo de deshacerse de las deficiencias del arte nacional (su angulosidad y sequedad góticas) estudiando a los artistas italianos del Renacimiento y combinando sus modales con las mejores tradiciones de su propia escuela. Este deseo ya es visible en las obras del citado Mostert; pero el principal difusor del nuevo movimiento hay que considerarlo Jan Schorel (1495-1562), que vivió durante mucho tiempo en Italia y más tarde fundó una escuela en Utrecht, de la que procedieron varios artistas contagiados por el deseo de convertirse en Rafaeles holandeses. y Miguel Ángel. Siguieron sus pasos Maarten van Van, apodado Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, apodado. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) y otros pertenecientes al siguiente período de la escuela italiana, como, por ejemplo, Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662), fueron más allá de los Alpes para imbuirse de las perfecciones. de las luminarias de la pintura italiana, pero cayeron, en su mayor parte, bajo la influencia de representantes del declive de esta pintura que se iniciaba en ese momento, regresaron a su tierra natal como manieristas, imaginando que toda la esencia del arte reside en la exageración de los músculos, en la pretensión de los ángulos y el garbo de los colores convencionales. Sin embargo, la pasión de los italianos por la pintura, que a menudo llegó a los extremos en la época de transición de Georgia, trajo una especie de beneficio, ya que aportó a esta pintura un dibujo mejor y más erudito y la capacidad de gestionar la composición con mayor libertad y audacia. Junto con la antigua tradición holandesa y el amor ilimitado por la naturaleza, el italianismo se convirtió en uno de los elementos a partir de los cuales se formó el arte original y altamente desarrollado de la época floreciente. El inicio de esta época, como ya hemos dicho, debe fecharse a principios del siglo XVII, cuando Holanda, tras alcanzar la independencia, comenzó a vivir. nueva vida . La dramática transformación de un país pobre y oprimido ayer mismo en una unión de estados políticamente importante, cómoda y rica fue acompañada por una revolución igualmente dramática en su arte. De todas partes, casi simultáneamente, surgen innumerables artistas maravillosos, llamados a la actividad por el auge del espíritu nacional y la necesidad de su obra que se ha desarrollado en la sociedad. A los centros artísticos originales, Haarlem y Leiden, se suman otros nuevos: Delft, Utrecht, Dortrecht, La Haya, Amsterdam, etc. En todas partes, las antiguas tareas de la pintura se están desarrollando de una manera nueva bajo la influencia de demandas y puntos de vista cambiantes. y sus nuevas sucursales, cuyos inicios apenas se notaron en el período anterior. La Reforma expulsó las pinturas religiosas de las iglesias; No había necesidad de decorar palacios y cámaras nobles con imágenes de dioses y héroes antiguos y, por lo tanto, la pintura histórica, que satisfacía los gustos de la rica burguesía, abandonó el idealismo y recurrió a una reproducción fiel de la realidad: comenzó a interpretar acontecimientos del pasado. como los acontecimientos del día que tuvieron lugar en Holanda, y en especial se hizo retrato, perpetuando en él los rasgos de la gente de esa época, ya sea en figuras individuales o en extensas composiciones de varias figuras que representan sociedades de fusileros (schutterstuke), que desempeñaron un papel tan destacado en la lucha por la liberación del país: los directores de sus instituciones caritativas (regentenstuke), capataces y miembros de diversas corporaciones. Si decidiéramos hablar de todos los retratistas talentosos de la época floreciente de la Galia. arte, entonces simplemente enumerar sus nombres con una indicación de sus mejores obras ocuparía muchas líneas; Por ello, nos limitamos a mencionar sólo a aquellos artistas que destacan especialmente dentro del panorama general. Se trata de: Michiel Mierevelt (1567-1641), su alumno Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), predecesores de los tres más grandes retratistas de Holanda: el hechicero del claroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69), dibujante incomparable que tenía un asombroso arte de modelar figuras con luz, pero algo frío en carácter y color, Bartholomew van der Gelst (1611 o 1612-70) y sorprendente con la fuga de su pincel Frans Gols el Viejo (1581-1666). De ellos, el nombre de Rembrandt brilla especialmente en la historia, al principio muy apreciado por sus contemporáneos, luego olvidado por ellos, poco apreciado por la posteridad, y sólo en el siglo actual elevado, con toda justicia, al nivel de mundo. genio. En su característica personalidad artística se concentran, como si estuvieran enfocadas, todas las mejores cualidades de la pintura de G., y su influencia se reflejó en todos sus tipos: retratos, pinturas históricas, escenas cotidianas y paisajes. Los más famosos entre los estudiantes y seguidores de Rembrandt fueron: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 o 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (c. 1620-54), Salomon y Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († más tarde 1645), Gerard Dou (1613-75) y Samuel van Googstraten (1626-78). Además de estos artistas, para completar la lista de los mejores retratistas y pintores históricos del período que nos ocupa, conviene nombrar a Jan Lievens (1607-30), amigo de Rembrandt en sus estudios con P. Lastman, Abraham van Tempel (1622 -72) y Pieter Nazon (1612-91), trabajando, aparentemente, bajo la influencia de V. d. Gelsta, imitador de Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan y Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) y Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69). pintura del hogar , cuyos primeros experimentos aparecieron en la antigua escuela holandesa, se remonta al siglo XVII. suelo especialmente fértil en la Holanda protestante, libre, burguesa y satisfecha de sí misma. Los cuadros pequeños, que representaban ingenuamente las costumbres y la vida de diferentes clases de la sociedad local, a muchas personas les parecían más entretenidos que las grandes obras de pintura seria y, junto con los paisajes, más convenientes para decorar acogedoras casas privadas. Toda una horda de artistas satisface la demanda de este tipo de imágenes, sin pensar mucho en la elección de los temas, pero reproduciendo concienzudamente todo lo que se encuentra en la realidad, mostrando al mismo tiempo amor por su familia y luego buen humor, con precisión. caracterizando las posiciones y rostros representados y refinado en el dominio de la tecnología. Mientras algunos se ocupan de la vida de la gente común, escenas de alegría y tristeza campesina, borracheras en tabernas y tabernas, tertulias frente a posadas de carretera, vacaciones rurales, juegos y patinaje sobre el hielo de ríos y canales helados, etc., otros se ocupan de el contenido de sus obras proviene de un círculo más elegante: pintan elegantes damas en su ambiente íntimo, el cortejo de caballeros dandys, amas de casa dando órdenes a sus criadas, ejercicios de música y canto en el salón, la juerga de la juventud dorada en las casas de placer, etc. En la larga serie de artistas de la primera categoría destacan Adrian e Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 o 1606-38), Jan Stan (alrededor de 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, apodado Bambocchio en Italia (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, apodado Sorg (1621-82), Claes Molenaar (anteriormente 1630-76), Jan Minse-Molenar (alrededor de 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) y algunos. etc. Del número igualmente significativo de pintores que reprodujeron la vida de la clase media y alta, generalmente suficiente, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Francia c. Miris la Vieja (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer de Delft (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony y Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38), etc. La categoría de pintores de género incluye artistas que pintaron escenas de la vida militar, ociosidad de los soldados en las casetas de vigilancia. , campamentos, escaramuzas de caballería y batallas enteras, doma de caballos, así como escenas de cetrería y caza de perros similares a escenas de batalla. El principal representante de esta rama de la pintura es el famoso y extraordinariamente prolífico Philips Wouwerman (1619-68). Además de él, su hermano de este maestro, Peter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), a quien pronto conoceremos entre los paisajistas, el mencionado Palamedes, Jacob Leduc (1600 - más tarde 1660), Henrik Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717), etc. Para muchos de estos artistas, el paisaje juega un papel tan importante como las figuras humanas; pero paralelamente a ellos, trabaja una masa de pintores, fijándolo como su tarea principal o exclusiva. En general, los holandeses tienen el derecho inalienable de estar orgullosos de que su patria sea la cuna no sólo del género más nuevo, sino también del paisaje en el sentido en que se entiende hoy. De hecho, en otros países, p. En Italia y Francia, el arte tenía poco interés por la naturaleza inanimada, no encontraba en ella ni una vida única ni una belleza especial: el pintor introdujo el paisaje en sus cuadros sólo como un elemento secundario, como decoración, entre los que se encontraban episodios de drama humano o Se representa la comedia, y por tanto la subordina a las condiciones de la escena, inventando líneas y lugares pintorescos que le son beneficiosos, pero sin copiar la naturaleza, sin dejarse imbuir de la impresión que ésta inspira. Del mismo modo “compuso” la naturaleza en aquellos raros casos en los que intentó pintar un cuadro puramente paisajístico. Los holandeses fueron los primeros en comprender que incluso en la naturaleza inanimada todo respira vida, todo es atractivo, todo es capaz de evocar el pensamiento y excitar el movimiento del corazón. Y esto era bastante natural, porque los holandeses, por así decirlo, crearon la naturaleza que los rodeaba con sus propias manos, la atesoraban y admiraban, como un padre aprecia y admira su propia creación. Además, esta naturaleza, a pesar de la modestia de sus formas y colores, proporcionó a coloristas como los holandeses abundante material para desarrollar motivos de iluminación y perspectiva aérea debido a las condiciones climáticas del país: su aire saturado de vapor, suavizando los contornos de objetos, produciendo una gradación de tonos en diferentes planos y cubriendo la distancia con una bruma de niebla plateada o dorada, así como la variabilidad de la apariencia de las áreas determinada por la época del año, la hora del día y las condiciones climáticas. Entre los paisajistas del período de florecimiento, los holandeses. Se respetan especialmente las escuelas que fueron intérpretes de su carácter doméstico: Jan V. Goyen (1595-1656), quien, junto con Esaias van de Velde (c. 1590-1630) y Pieter Moleyn el Viejo. (1595-1661), considerado el fundador del Goll. paisaje; luego este estudiante de maestría, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (c. 1600 - más tarde 1679), amante de los efectos de la mejor iluminación del arte. d. Nair (1603-77), el poético Jacob v. Ruisdael (1628 o 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) y Cornelis Dekker († 1678). Entre los holandeses también hubo muchos paisajistas que emprendieron viajes y reprodujeron motivos de carácter extranjero, lo que, sin embargo, no les impidió mantener un carácter nacional en su pintura. Alberto V. Everdingen (1621-75) representó vistas de Noruega; Jan Ambos (1610-52), Dirk v. Bergen († más tarde 1690) y Jan Lingelbach (1623-74) - Italia; Ian V. d. Mayor el Joven (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) y Jan Griffir (1656-1720) - Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Alemania y Suiza; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) y un grupo de sus seguidores pintaron paisajes inspirados en la naturaleza italiana, con ruinas de edificios antiguos, ninfas bañándose y escenas de una Arcadia imaginaria. En una categoría especial podemos destacar a los maestros que en sus pinturas combinaron paisajes con imágenes de animales, dando preferencia al primero o al segundo, o tratando ambas partes con la misma atención. El más famoso entre estos pintores del idilio rural es Paulus Potter (1625-54); Además de él, Adrian debería incluirse aquí. d. Velde (1635 o 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) y numerosos artistas que buscaron temas preferente o exclusivamente en Italia, como: Willem Romain († más tarde 1693), Adam. Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Weick (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 o 1634-86), etc. La pintura está estrechamente relacionada con el paisaje. vistas arquitectónicas, que los artistas holandeses comenzaron a dedicarse como una rama del arte independiente recién en la mitad del siglo XVII. Algunos de los que desde entonces han trabajado en esta área han sido sofisticados al representar calles y plazas de la ciudad con sus edificios; estos son, entre otros, menos significativos, Johannes Bärestraten (1622-66), Job y Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) y Jacob v. pueblo Yulft (1627-88). Otros, entre los que destacan Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 o 1617-92), pintaron vistas interiores de iglesias y palacios. El mar tenía tal importancia en la vida de Holanda que su arte sólo podía tratarlo con la mayor atención. Muchos de sus artistas que se ocuparon del paisaje, géneros e incluso retratos, rompiendo por un tiempo con sus temas habituales, se convirtieron en pintores marinos, y si decidimos enumerar a todos los pintores holandeses. escuelas que representan un mar en calma o embravecido, barcos meciéndose en él, puertos llenos de barcos, batallas navales, etc., entonces obtendríamos una lista muy larga que incluiría los nombres de Ya. Goyen, S. de Vlieger, S. y J. Ruisdal, A. Cuyp y otros ya citados en líneas anteriores. Limitándonos a señalar a aquellos para quienes la pintura de especies marinas era una especialidad, debemos nombrar a Willem v. de Velde el Viejo (1611 o 1612-93), su famoso hijo V. v. de Velde el Joven (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) y Julius Parcellis († más tarde 1634). Finalmente, la dirección realista de la escuela holandesa fue la razón por la que en ella se formó y desarrolló un tipo de pintura que en otras escuelas hasta entonces no se había cultivado como una rama especial e independiente, a saber, la pintura de flores, frutas, verduras, seres vivos, utensilios de cocina, vajillas, etc. - en una palabra, lo que ahora se llama comúnmente "naturaleza muerta" (naturaleza muerta, Stilleben). En esta zona entre el Los artistas más famosos de la época floreciente fueron Jan-Davids de Gem (1606-83), su hijo Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630). -93), Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - más tarde 1678), Willem Kalf (1621 o 1622-93) y Jan Waenix (1640-1719).

El período brillante de la pintura holandesa no duró mucho: sólo un siglo. Desde principios del siglo XVIII. Su declive se acerca, no porque las costas del Zuiderzee dejen de producir talentos innatos, sino porque la sociedad se está debilitando cada vez más identidad nacional, el espíritu nacional se evapora y se arraigan los gustos y puntos de vista franceses de la pomposa época de Luis XIV. En el arte, este giro cultural se expresa en el olvido por parte de los artistas de aquellos principios básicos de los que dependía la originalidad de los pintores de generaciones anteriores y en una apelación a principios estéticos traídos de un país vecino. En lugar de una relación directa con la naturaleza, el amor por lo nativo y la sinceridad, el predominio de las teorías preconcebidas, las convenciones y la imitación de Poussin, Lebrun, Cl. Lorrain y otras luminarias de la escuela francesa. El principal propagador de esta lamentable corriente fue el flamenco Gerard de Leresse (1641-1711), afincado en Ámsterdam, artista muy capaz y culto en su época, que ejerció una enorme influencia en sus contemporáneos y en la posteridad inmediata tanto con su amanerado pseudo -pinturas históricas y con obras de su propia pluma, entre ellas "El gran libro del pintor" ("t groot schilderboec") - sirvió de código para los artistas jóvenes durante cincuenta años. A esto contribuyó el famoso Adrian V. de Werff (1659-1722), cuya elegante pintura con figuras frías, como recortadas de marfil, con un color apagado e impotente, alguna vez pareció el colmo de la perfección entre los seguidores de este artista. Henrik V. Limborg (1680-1758) y Philip V.-Dyck (1669-1729), apodado "Pequeño V.", fueron famosos como pintores históricos -Dyck". De los otros pintores de la época en cuestión, dotados de Talento indudable, pero contagiado del espíritu de la época, cabe señalar Willem y Francia v. Miris la Joven (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) y Carel de Maur (1656-1738). Cornelis Trost (1697-1750), principalmente caricaturista, apodado holandés, dio algo de brillo a la escuela moribunda. Gogarth, el retratista Jan Quincgard (1688-1772), el pintor decorativo e histórico Jacob de Wit (1695-1754) y los pintores de naturaleza muerta Jan V. Geysum (1682-1749) y Rachel Reisch (1664-1750).

La influencia extranjera pesó sobre la pintura holandesa hasta los años veinte del siglo XIX, habiendo conseguido reflejar más o menos en ella los cambios que experimentó el arte en Francia, empezando por la confección de pelucas en la época del Rey Sol y terminando con el pseudoclasicismo de David. Cuando el estilo de este último quedó obsoleto y en toda Europa occidental, en lugar de la fascinación por los antiguos griegos y romanos, surgió un deseo romántico, dominando tanto la poesía como las artes figurativas, los holandeses, como otros pueblos, volvieron su mirada hacia su antigüedad, y por tanto a su gloriosa pintura pasada. El deseo de devolverle el brillo con el que brilló en el siglo XVII comenzó a inspirar a los artistas más nuevos y los devolvió a los principios de los antiguos maestros nacionales: a una observación estricta de la naturaleza y a una actitud ingeniosa y sincera hacia las tareas en mano. Al mismo tiempo, no intentaron excluirse por completo de la influencia extranjera, pero cuando fueron a estudiar a París o Dusseldorf y otros centros artísticos de Alemania, solo se llevaron a casa un conocimiento de los éxitos de la tecnología moderna. Gracias a todo esto, el revivido escuela holandesa ha recibido de nuevo un rostro original y bonito y hoy avanza por el camino que conduce a nuevos progresos. Puede contrastar fácilmente muchas de sus figuras más recientes con los mejores pintores del siglo XIX en otros países. pintura de historia en el sentido estricto de la palabra, se cultiva en él, como antaño, de forma muy moderada y no tiene representantes destacados; Pero en términos del género histórico, Holanda puede estar orgullosa de varios maestros recientes importantes, como: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (n. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (n. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) y el talentoso Lawrence Alma-Tadema (n. 1836), que desertó a Inglaterra. En cuanto al género cotidiano, que también estaba incluido en el círculo de actividad de estos artistas (a excepción de Alma-Tadema), se pueden señalar varios pintores excelentes, encabezados por Joseph Israels (n. 1824) y Christoffel. Bisschop (n. 1828); Además de ellos, son dignos de ser nombrados Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (n. 1826), Teresa Schwarze (n. 1852) y Valli Mus (n. 1857). El objetivo más nuevo es especialmente rico. pintura de paisajistas que trabajaron y trabajan de diversas maneras, a veces con esmerada terminación, a veces con la amplia técnica de los impresionistas, pero fieles y poéticos intérpretes de su naturaleza nativa. Entre ellos se incluyen Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (n. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (n. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (n. 1837), Lodewijk Apol (n. 1850) y muchos otros. etc. Herederos directos de Ya. D. Heyden y E. de Witte, aparecieron pintores de opiniones prometedoras, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gove (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880), etc. Entre los pintores marinos más nuevos de Holanda, el La palma pertenece a Jog. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (n. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) y Henrik Mesdag (n. 1831). Finalmente, los animales se mostraron en pintura. arte grandioso Wouters Verschoor (1812-74) y Johann Gas (n. 1832).

Casarse. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 volúmenes, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (tomos 2 y 3, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La pintura holandesa" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, "Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov, "Estudios sobre la historia de la pintura holandesa a partir de sus muestras ubicadas en San Petersburgo". (apéndice especial de revista "Vestn. Bellas Artes", 1885-90).

Casi doscientos años después, en 1820, en este edificio se encontraba la Galería Real de Arte, una de las mejores colecciones de pintura holandesa de los siglos XV-XVII del mundo.

siglo XVII Se llama la "edad de oro" de la pintura holandesa (no debe confundirse con la "edad de oro" flamenca, que se refiere a las obras de los artistas de Flandes en el siglo XV, los llamados "primitivistas flamencos").

Todos los géneros de esta época de las bellas artes holandesas están representados de forma completa y variada en la galería: magníficos ejemplos de retratos, paisajes, naturalezas muertas, pinturas históricas y, finalmente, el principal descubrimiento de los maestros holandeses: escenas de género o escenas de la vida cotidiana. .

Parece que no hay un solo artista holandés importante cuya obra no esté representada en el Museo de La Haya. Aquí se encuentran los retratistas Anton van Dyck y Jacob van Kampen, y los maestros de la naturaleza muerta Willem van Elst y Balthasar van der Ast, famosos pintores de paisajes: Hendrik Averkamp con su famoso "Paisaje de invierno", Jan van Goyen y Salomon van Ruisdel y, por supuesto, , brillantes maestros escena de género Gerard ter Borch, Pieter de Hooch, Gerard Dou y otros.

Entre los muchos nombres famosos destacan cuatro de los más importantes del arte holandés. Se trata de Jan Steen, Frans Hals y dos de los mayores genios holandeses, Rembrandt van Rijn y Johannes Vermeer.
En esa época, el artista holandés a menudo dedicaba su arte a cualquier género favorito. Así son Sten y Hals. Durante toda su vida, estos artistas trabajaron cada uno en su propio campo: Sten desarrolló la escena del género, Hals alcanzó el máximo dominio en el retrato.

Hoy en día la obra de estos maestros se considera clásica en su género. En el museo se pueden ver "El niño que ríe" de Frans Hals y "El viejo canta - Los jóvenes cantan" de Jan Steen.
Ni Rembrandt ni Vermeer asociaron su trabajo con ningún género en particular. Ambos, aunque con diferente intensidad, trabajaron en una variedad de campos, desde el retrato hasta el paisaje, y en todas partes alcanzaron alturas inalcanzables, arrancando decisivamente a la pintura holandesa del estrecho marco del género.

Rembrandt está generosamente representado en los museos de su tierra natal. La diversidad de su patrimonio también se refleja en la exposición de La Haya. El museo exhibe tres cuadros del artista: “Simeón alabando a Cristo”, “La lección de anatomía del doctor Tulpa” y uno de los últimos autorretratos del gran maestro.
Vermeer, por el contrario, dejó muy pocas pinturas. Se pueden contar con los dedos de una mano los museos que poseen uno o dos cuadros de este enigmático pintor.

Sólo seis de sus obras maestras permanecen en la tierra natal del artista. Cuatro de ellos, la colección de Vermeer más grande del mundo, se conservan en el Riksmuseum de Ámsterdam. La Haya está legítimamente orgullosa de los otros dos. Esta es la famosa "Vista de Delft", la ciudad natal de Vermeer y, quizás, su pintura más famosa, que se convirtió en la "tarjeta de presentación" del museo: "La muchacha con la perla de azufre".
La colección de pinturas de los Países Bajos del siglo XVII es la principal riqueza del museo. Sin embargo, la exposición no se limita sólo a esto: la galería de La Haya se enorgullece de las creaciones de artistas de otra “edad de oro”: la flamenca. Alberga obras de maestros del siglo XV: “Lamentación de Cristo” de Rogier van der Weyden y “Retrato de un hombre” de Hans Memling.
La colección Moritzhaus se complementa con la Pinacoteca Príncipe Willem V. Ésta es cronológicamente la primera. Museo de Arte Holanda. Su exposición, antaño recopilada por el propio príncipe y reflejando su gusto, está dedicada a cuadro XVIII v.

Moritzhaus está abierto de martes a sábado de 10 a 17 horas. Los domingos y fines de semana, de 11 a 17 horas. Cerrado el lunes. Precio de la entrada 12,50 NLG. Niños de 7 a 18 años: 6,50 NLG.

La Galería Willem V está abierta todos los días de 11 a. m. a 4 p. m. Cerrado el lunes. El precio de la entrada es 2,50 NLG. Niños de 7 a 18 años: 1,50 NLG. La entrada a la Galería Willem V es gratuita previa presentación de una entrada Moritzhaus.

Todos sabemos que en Holanda se han creado obras de arte únicas a lo largo de los siglos. Pero, ¿qué está pasando hoy en la escena del arte contemporáneo? ¿Qué joven artista puede ocupar su lugar en la historia? Ámsterdam, como muchas otras grandes ciudades holandesas, tiene muchas galerías interesantes, que organizan grandes exposiciones de talentosos artistas creativos de todo el país. Dado que hay un gran número de artistas holandeses contemporáneos, famosos tanto en casa como en el extranjero, sus obras se pueden encontrar tanto en principales museos nivel del Stedelijk, así como en pequeñas galerías KochxBos Gallery o Nederlands Fotomuseum.

A continuación se presentan cinco artistas holandeses en ascenso que han atraído la atención mundial y, sin duda, contribuirán a la historia del arte holandés.

Daniel Roosegaard

"El objetivo de mi trabajo es hacer que la gente piense en el futuro", afirma Roosegaard. Este artista e innovador es ganador de varios premios. Saltó a la fama en el mundo del arte contemporáneo con su instalación Dune de 2006. Los carteles luminosos interactivos instalados a lo largo del río Maas en Rotterdam han abierto la puerta a un artista obsesionado con la tecnología, el diseño y la arquitectura. En sus obras, Roosegaard crea un mundo futurista en el que las personas y la tecnología interactúan armoniosamente entre sí. Del febrero al 5 de mayo, el “Lotus Dome” estará expuesto en la sala Beuning del Rijksmuseum. Esta cúpula de dos metros reacciona al acercamiento de la gente: cientos de flores de aluminio florecen, sintiendo el calor de los visitantes.

Levi van Veluw

Para van Veluwu, un artista de Heuwelaken, los métodos tradicionales de creación de obras de arte no son suficientes. Su portafolio incluye fotografías, esculturas, dibujos e instalaciones, y el uso de sí mismo como material es el sello distintivo de su trabajo. No es casualidad que su primera exposición en la galería Ron Mandos de Ámsterdam incluyera una serie de seis fotografías que representaban dibujos a bolígrafo bellamente detallados. En lugar de un lienzo, el artista pintó sobre su propio rostro. La conexión entre el cuerpo y la superficie fue descubierta por los artistas de la posguerra, que desarrollaron el arte del performance a un nivel nunca antes visto. Pero el uso de objetos cotidianos como un bolígrafo para crear una obra de arte jugó un papel importante en el éxito de van Veluwe. Al desarrollar la idea en su estilo personal, Levi van Veluw pudo exhibir su trabajo en los mejores museos del mundo y llevar el arte holandés contemporáneo al escenario internacional.

Tony Van Til

Tony Van Til recibió educación más alta en Bellas Artes de St. Justa, una institución educativa ubicada en la pequeña ciudad sureña de Breda, en 2007. Después de graduarse, el joven artista se dedica a proyectos interesantes. Uno de ellos es "Esculturas de Twitter". Desde 2012 mantiene una cuenta de Twitter donde describe ideas para esculturas en 140 caracteres. Por ejemplo, una de las ideas es "un retrato de una belleza tratada con Botox, ampliada al tamaño de una pared de 4 pisos", otras son más abstractas: la creación de "sombras con dolor creciente". Serie de dibujos que contienen más ideas para esculturas. ¿Tuitear es un proceso creativo? Para Van Til, la respuesta es sí.

Anouk Kruythof

Este artista radicado en Dordrecht utiliza fotografías como material fuente para crear esculturas, instalaciones, libros y folletos para su distribución. A veces crea artículos anónimos (como tarjetas y carteles) que los visitantes pueden llevarse a casa. El Museo Stedelijk acoge actualmente una exposición de ella y de su colega artista holandesa Pauline Olseten. La instalación de la planta baja presenta su interpretación de la fotografía callejera. Característica distintiva obras es una admiración enfatizada por las personas y los extraños. Otro aspecto de la vida que le llama la atención es el color. Según la artista, ella “crea orden en el caos” utilizando el método de gradación de color.

Harma Heikens

Es difícil no mencionar a Harma Heikens cuando se habla de arte holandés contemporáneo. Sus primeras exposiciones se remontan a principios de los años 90. Las esculturas de tamaño natural combinan el estilo manga y el arte callejero contemporáneo. La obra de Harma Heikens no es fácil de percibir, especialmente al principio. Muchos incluso los llamaron “kitsch peculiares”. Esto se debe a que el artista eligió un tema muy doloroso: la explotación infantil en una sociedad de consumo donde los valores están distorsionados. Sus esculturas representan el mundo perturbado de los niños pobres y explotados, actuando como una llamada de atención al espectador para abordar problemas sociales profundamente arraigados.

Holanda. siglo 17 El país está experimentando una prosperidad sin precedentes. La llamada "Edad de Oro". A finales del siglo XVI varias provincias del país lograron la independencia de España.

Ahora los Países Bajos protestantes han seguido su propio camino. Y la católica Flandes (actual Bélgica) bajo el ala de España es la suya.

En Holanda independiente pintura religiosa Ya casi nadie lo necesitaba. La Iglesia protestante no aprobaba la decoración lujosa. Pero esta circunstancia "le hizo el juego" a la pintura secular.

Literalmente, cada habitante del nuevo país despertó el amor por este tipo de arte. Los holandeses querían ver sus propias vidas en las pinturas. Y los artistas los encontraron de buen grado a mitad de camino.

Nunca antes se había representado tanto la realidad circundante. Gente corriente, habitaciones corrientes y el desayuno más corriente de un habitante de la ciudad.

El realismo floreció. Hasta el siglo XX será un digno competidor del academicismo con sus ninfas y diosas griegas.

Estos artistas se llaman holandeses "pequeños". ¿Por qué? Las pinturas eran de tamaño pequeño, porque fueron creadas para casas pequeñas. Así, casi todas las pinturas de Jan Vermeer no miden más de medio metro de altura.

Pero me gusta más la otra versión. Vivió y trabajó en los Países Bajos en el siglo XVII. Gran maestro, el “gran” holandés. Y todos los demás eran “pequeños” en comparación con él.

Estamos hablando, por supuesto, de Rembrandt. Empecemos por él.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autorretrato a los 63 años. 1669 Galería Nacional de Londres

Rembrandt experimentó una amplia gama de emociones a lo largo de su vida. Por lo tanto en su obras tempranas mucha diversión y valentía. Y hay tantos sentimientos complejos, en los últimos.

Aquí aparece joven y despreocupado en el cuadro “El hijo pródigo en la taberna”. De rodillas está su amada esposa Saskia. Es un artista popular. Los pedidos están llegando a raudales.

Rembrandt. El hijo pródigo en una taberna. 1635 Galería de los Antiguos Maestros, Dresde

Pero todo esto desaparecerá en unos 10 años. Saskia morirá de tisis. La popularidad desaparecerá como el humo. Casa Grande con una colección única se le quitará por deudas.

Pero aparecerá el mismo Rembrandt que permanecerá durante siglos. Los desnudos sentimientos de los héroes. Sus pensamientos más profundos.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Auto retrato. 1650 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Frans Hals es uno de los más grandes retratistas de todos los tiempos. Por tanto, también lo clasificaría como un “gran” holandés.

En Holanda en aquella época era costumbre encargar retratos de grupo. Así aparecieron muchas obras similares que representan a personas trabajando juntas: tiradores de un gremio, médicos de una ciudad, administradores de una residencia de ancianos.

En este género, Hals es el que más destaca. Después de todo, la mayoría de estos retratos parecían una baraja de cartas. La gente se sienta a la mesa con la misma expresión facial y simplemente mira. Para Hals fue diferente.

Mire su retrato de grupo “Flechas del Gremio de St. Jorge."

Frans Hals. Flechas del Gremio de St. Jorge. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Países Bajos

Aquí no encontrarás una sola repetición en pose o expresión facial. Al mismo tiempo, aquí no hay caos. Hay muchos personajes, pero ninguno parece superfluo. Gracias a la disposición sorprendentemente correcta de las figuras.

E incluso en un solo retrato, Hals superó a muchos artistas. Sus patrones son naturales. Las personas de la alta sociedad en sus pinturas carecen de grandeza artificial y los modelos de las clases bajas no parecen humillados.

Y sus personajes también son muy emotivos: sonríen, ríen y gesticulan. Como, por ejemplo, este “Gitano” de mirada pícara.

Frans Hals. Gitano. 1625-1630

Hals, al igual que Rembrandt, acabó su vida en la pobreza. Por la misma razón. Su realismo iba en contra de los gustos de sus clientes. ¿Quién quería embellecer su apariencia? Hals no aceptó los halagos directos y, por lo tanto, firmó su propia frase: "Oblivion".

3. Gérard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Auto retrato. 1668 Galería Real Mauritshuis, La Haya, Países Bajos

Terborkh fue un maestro del género cotidiano. Los burgueses ricos y no tan ricos conversan tranquilamente, las damas leen cartas y una alcahueta observa el cortejo. Dos o tres figuras muy juntas.

Fue este maestro quien desarrolló los cánones del género cotidiano. Que luego tomarían prestado Jan Vermeer, Pieter de Hooch y muchos otros “pequeños” holandeses.

Gerard Terborch. Un vaso de limonada. Década de 1660. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

“Un vaso de limonada” es uno de trabajos famosos Terborha. Muestra otra ventaja del artista. Increíble imagen realista telas de vestir.

Terborch también tiene obras inusuales. Lo que dice mucho de su deseo de ir más allá de las necesidades del cliente.

Su "The Grinder" muestra la vida de los más pobres de Holanda. Estamos acostumbrados a ver patios acogedores y habitaciones limpias en las pinturas de los “pequeños” holandeses. Pero Terborch se atrevió a mostrar la desagradable Holanda.

Gerard Terborch. Amoladora. 1653-1655 Museos estatales de Berlín

Como comprenderá, ese trabajo no tenía demanda. Y son algo raro incluso entre Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Taller del artista. 1666-1667 Museo Kunsthistorisches de Viena

No se sabe con certeza cómo era Jan Vermeer. Es evidente que en el cuadro “El taller del artista” se representó a sí mismo. La verdad desde atrás.

Por eso, sorprende que recientemente se haya conocido un nuevo dato de la vida del maestro. Está relacionado con su obra maestra “Delft Street”.

Jan Vermeer. Calle Delft. 1657 Rijksmuseum de Ámsterdam

Resultó que Vermeer pasó su infancia en esta calle. La casa de la foto pertenecía a su tía. Allí crió a sus cinco hijos. Quizás esté sentada en el umbral de la puerta cosiendo mientras sus dos hijos juegan en la acera. El propio Vermeer vivía en la casa de enfrente.

Pero más a menudo representó el interior de estas casas y sus habitantes. Parecería que las tramas de las pinturas son muy sencillas. Aquí hay una bella dama, una rica habitante de la ciudad, comprobando el funcionamiento de su báscula.

Jan Vermeer. Mujer con escamas. 1662-1663 Galería Nacional de Arte, Washington

¿Por qué Vermeer se destacó entre miles de otros “pequeños” holandeses?

Era un maestro de la luz insuperable. En el cuadro “Mujer con escamas”, la luz envuelve suavemente el rostro, las telas y las paredes de la heroína. Dándole a la imagen una espiritualidad desconocida.

Y las composiciones de las pinturas de Vermeer están cuidadosamente verificadas. No encontrarás ni un solo detalle innecesario. Basta con quitar uno de ellos, la imagen “se desmoronará” y la magia desaparecerá.

Todo esto no fue fácil para Vermeer. Una calidad tan asombrosa requirió un trabajo minucioso. Sólo 2-3 pinturas al año. Como resultado, la incapacidad de alimentar a la familia. Vermeer también trabajó como marchante de arte, vendiendo obras de otros artistas.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Auto retrato. 1648-1649 Rijksmuseum, Ámsterdam

A menudo se compara a Hoch con Vermeer. Trabajaron al mismo tiempo, incluso hubo un período en la misma ciudad. Y en un género: todos los días. En Hoch también vemos una o dos figuras en acogedores patios o habitaciones holandesas.

Las puertas y ventanas abiertas hacen que el espacio de sus pinturas sea entretenido y en capas. Y las figuras encajan muy armoniosamente en este espacio. Como, por ejemplo, en su cuadro “La criada con una muchacha en el patio”.

Pieter de Hooch. Una criada con una chica en el patio. 1658 Galería Nacional de Londres

Hasta el siglo XX, Hoch fue muy valorado. Pero pocas personas notaron las pequeñas obras de su competidor Vermeer.

Pero en el siglo XX todo cambió. La gloria de Hoch se desvaneció. Sin embargo, es difícil no reconocer sus logros en la pintura. Pocas personas podrían combinar de manera tan competente el medio ambiente y las personas.

Pieter de Hooch. Jugadores de cartas en una habitación soleada. 1658 Real colección de arte, Londres

Tenga en cuenta que en una casa modesta sobre el lienzo "Jugadores de cartas" hay un cuadro colgado en un marco caro.

Esto demuestra una vez más lo popular que era la pintura entre los holandeses comunes y corrientes. Las pinturas decoraban todos los hogares: la casa de un burgués rico, un habitante modesto de la ciudad e incluso un campesino.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autorretrato con laúd. Década de 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen es quizás el “pequeño” holandés más alegre. Pero amar la enseñanza moral. A menudo representaba tabernas o casas pobres en las que existía el vicio.

Sus personajes principales son juerguistas y damas de fácil virtud. Quería entretener al espectador, pero advertirle de forma latente contra una vida viciosa.

Jan Steen. Es un desastre. 1663 Museo Kunsthistorisches, Viena

Sten también tiene obras más tranquilas. Como, por ejemplo, "Baño de la mañana". Pero también aquí el artista sorprende al espectador con detalles demasiado reveladores. Hay restos de elástico de media y ni un orinal vacío. Y de alguna manera no es nada apropiado que el perro esté acostado sobre la almohada.

Jan Steen. Aseo matutino. 1661-1665 Rijksmuseum, Ámsterdam

Pero a pesar de toda la frivolidad, los esquemas de color de Sten son muy profesionales. En esto fue superior a muchos "pequeños holandeses". Mira qué combinación perfecta la media roja con la chaqueta azul y la alfombra beige brillante.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Retrato de Ruisdaël. Litografía de un libro del siglo XIX.